CROW Magazine

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CROW Edición Nº 069

MAGAZINE

Diseño

Arquitectura

Arte

Andy Warhol

Frank Owen Gehry

Takashi Murakami


CROW MAGAZINE

Redacción DOR SUMI S.L. 93 162 11 77 93 254 12 50 CROW 93 254 12 60 CROW Consejero Editorial Xavier Arqué Dirección Edición Chilena Francisco Salas Maquetación Pedro Concha Equipo Técnico y Colaboradores Pedro Concha, Sebastián Milla, Javier Orellana, Nelson Ortega, Romina López, Jocelyn Gallardo, Víctor Guerra, José Olivares, Felipe Concha, Joaquín Concha y Bernardita Araya

Índice

Diseño Andy Warhol......................................................................................................4-7 Pintura...................................................................................................................................4-5 Música.........................................................................................................................................6

Accesor Técnico P.E.B

Películas................................................................................................................................6-7

Publicidad Director de Venta Pedro Concha Pedro.Concha@fxeditorial.com Tel. 93 254 12 50

Legado........................................................................................................................................7 Museos........................................................................................................................................7 Andy Warhol en la ficción............................................................................................7

Suscripciones Manuel Núñez e-mail: suscripciones@fxeditorial.com Tel. 93 254 12 58 Fax 93 254 12 59

Arquitectura

e-mail: crow@fxeditorial.com

Biografía....................................................................................................................................8

EDITA

Su Estilo.....................................................................................................................................9

FX Editorial

Editora Susana Cadena Gerente Jordi Fuentes Redacción, Administración y Departamento en Publicidad Pase San Gervasio 16-20 Tel. 93 254 12 50 Fax 93 254 12 63 08022 Santiago Distribuye COEDIS, S.L. Avda. Providencia, 255 Oficina en Valparaíso c/ Alcoron, 9 Polígono Industrial Las Fronteras Torrejón de Ardoz – Valparaíso

Frank Owen Gehry.....................................................................................8-9

Santiago Calatrava ..........................................................................10-11

Estilo...................................................................................................................................10-11 Críticas....................................................................................................................................11

Arte Takashi Murakami.....................................................................................12-15 Biografía.................................................................................................................................12 Entre el arte y la cultura de masas..........................................................................13 Murakami en Versalles “Tiempo de polémica”.......................................................14

Fotomecánica FX Ediciones, S.A. Paseo San Gervasio 16-20 08022 Santiago

Entrevista al Presidente del Castillo de Versalles Jean Jacques Aillagon.......................................................................................................14

Imprime PRINTONE Printone Tel: 91 808 50 15

Esto aquí no pinta nada................................................................................................15

Impreso en Chile Precio para Pta. Arenas, Iquique y Antofagasta $4.990 Deposito Legal: B-33713-99 10/08

“Esta revista utiliza material de las revistas Advanced Google y Web Kipedia Designer publicadas bajo licencia de Imagine Publishing Limited. Todos los derechos del material licenciado pertenecen a Imagine Publishing Limited y no pueden ser reproducidos, total o parcialmente, sin el consentimiento previo de Imagine Publishing Limited. C [2010] Imagine Publishing Limited.”

Polémica servida.................................................................................................................15


Cuando vemos al diseñador estereotipado, ese tipo Macuser, alternativo, tomándose el mejor y más caro de los tragos en Patio Bellavista, siempre sonriendo y con lentes de sol oscuros sin importar la hora que sea; estamos viendo lo que de alguna manera, el mercado quiere vendernos a nosotros como diseñadores. Admitámoslo, ninguno de nosotros es naturalmente así, pero de alguna manera buscamos eso como norte. ¿Quién nos vendió esa imagen? y sobre todo ¿Cuando la compramos? Porque, yo que sepa, un diseñador es creativo, busca ser único, y obviamente Original; entonces al comprar esta fachada de diseñador, te estás identificando con miles de otros que buscan ser alternativos, usando modismos y comprando tu ropa en Bandera, haciendo todo lo Indle que puedas sin dejar de lado lo Mainstream que es Adobe o Apple. Por supuesto que esto es una crítica a quienes no quieren o lamentablemente, no pueden ver más allá; A aquellos que se mienten a sí mismos para tratar de desencajar de una sociedad consumista y arrogante, donde la prima es “quien parezco ser” en vez de visualizar el interior de las personas. Recuerden que un buen diseñador, no es bueno por el look que tenga o por que tan underground es su ambiente o la música que escucha, si no que es bueno porque logra retratar en colores, imágenes y conceptos, aquello por lo que el cliente está pagando,

El editor


Andy Warhol Andrew Warhola (n. Pittsburg, 6 de agosto de 1928 - Nueva York, 22 de febrero de 1987), más comúnmente conocido como Andy Warhol, fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art.

Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura, notoriedad que vino respaldada por una hábil relación con los medios y por su rol como gurú de la modernidad. Warhol actuó como enlace entre artistas e intelectuales, pero también entre aristócratas, homosexuales, celebridades de Hollywood, drogadictos, modelos, bohemios y pintorescos personajes urbanos. Ha sido objeto de numerosos análisis, exposiciones de arte, libros y películas, como el documental “I Shot Andy Warhol”. Uno de los aportes más populares de Warhol fue su declaración sobre los «15 minutos de fama» que cualquier persona puede conseguir. Esta frase en cierta manera vaticinó el actual poder de los medios de comunicación y el apogeo de la prensa amarilla y de los reality shows.

Sus amigos le aconsejaron pintar las cosas que más amase: En su peculiar manera de tomar las cosas literalmente, para su primera exposición de importancia pintó las famosas latas de sopa Campbell, que según decía había sido el almuerzo más frecuente a lo largo de su vida. La obra fue vendida por 10.000 $ en una subasta celebrada el 17 de noviembre de 1971 en la sede de Sotheby’s en Nueva York, un precio irrisorio si lo comparamos con los 6 millones de dólares obtenidos más recientemente por la misma obra. Pero Warhol también amaba a las celebridades, y por ello decidió pintarlas. Estos primeros pasos en el mundo artístico fueron definiendo poco a poco su impronta personal, que consistía precisamente en evitar la huella persona del artista en beneficio de unos temas que aunque eran considerados “anti-artísticos” constituían la esencia de la cultura de la sociedad del bienestar estadounidense.

Fue personaje polémico durante su vida (algunos críticos calificaban sus obras como pretenciosas o bromas pesadas) y desde su muerte en 1987 es objeto de numerosas exposiciones retrospectivas, libros y documentales. Gracias a esta fama y a la polémica al igual que a sus revolucionarias obras está considerado como uno de los artistas más influyentes del siglo XX.

Pintura Hasta principios de la década de los 60, Warhol era un ilustrador comercial de éxito. Sus elegantes y detallados dibujos para la empresa zapatera I. Millar eran particularmente populares. Estos dibujos a tinta, de línea bastante desenvuelta, se alternaban con impresiones monoprint (similares a una monotipia) que aplicó extensivamente en su primera etapa como artista. Aunque esta posición entre el mundo artístico y el comercial no era infrecuente Es cierto que por motivos de prestigio la mayoría de artistas llevaban con discreción su condición de profesionales de la publicidad. De hecho, la fama de Warhol como ilustrador supuso en un primer momento un obstáculo para su consideración como artista. Por entonces trató de exponer alguno de los dibujos realizados con estas técnicas en galerías de arte, pero sus intentos no tuvieron éxito. De esta época parte su cuestionamiento sobre el estatus de arte y su relación con el mercado: A partir de entonces, criticaría su separación y trató de interpretar la cultura comercial y popular como un tema artístico. El pop art ya era una corriente en estado germinal que algunos artistas exploraban de modo aislado; algunos de estos pioneros, como Roy Lichtenstein o el propio Warhol (que pasaría a ser conocido como “el Papa del Pop”) se volverían con el tiempo en sinónimos del pop. Warhol comenzó a involucrarse en este movimiento artístico realizando imágenes tomadas de dibujos animados y anuncios televisivos que pintaba con cuidadosas salpicaduras de pintura. Estas salpicaduras emulaban el aspecto del expresionismo abstracto estadounidense, entonces muy en boga. Eventualmente Warhol iría retirando referencias de sus imágenes hasta reducirlas a la representación icónica de una marca comercial, una celebridad, o el signo del dólar; suprimió también cualquier huella de la mano del artista en sus pinturas. Se trataba en cierto sentido de devolver al arte el valor de cosa mentale, tal y como Leonardo la había definido ya en el Renacimiento. Warhol extrapoló su profundo conocimiento del mundo comercial en su faceta artística. Así, intuía que definir un nicho comercial era al fin y al cabo definir un tema artístico. Los dibujos animados y los cómics ya habían sido utilizados por Lichtenstein, la tipografía era parte del lenguaje de Jasper Johns; y Warhol también quería definir su propia estética distintiva.

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Campbell’s Soup Cans (1962)


Díptico de Marilyn (1962)

Warhol utilizó frecuentemente la serigrafía, y cuando se veía obligado lo hacía calcando de una diapositiva. Según se afianzaba su carrera como pintor, Warhol contrató a varios asistentes que le ayudaban a procesar sus imágenes, siguiendo sus indicaciones para realizar variaciones y versiones sobre el mismo tema. En 1979, Warhol recibió de BMW el encargo de pintar un coche de carreras de competición BMW M1 para la cuarta exposición del proyecto “BMW Art Car”. A diferencia de los tres artistas que le habían precedido, Warhol declinó utilizar inicialmente un modelo a escala, y se puso a pintar directamente sobre el vehículo. Se dice que Warhol tardó un total de 23 minutos en pintar el coche entero. La obra de Warhol adquirió un tono más serio tras el atentado sufrido en 1968. Una tendencia cómica coexistía con una más solemne, y por ello en su obra se pueden encontrar viñetas de cómic o sillas eléctricas, indistintamente. Por otra parte, Warhol utilizó las mismas técnicas (serigrafía, offset, pintura en tonos planos con colores brillantes) para representar a sus queridas celebridades, objetos cotidianos, accidentes de coche, imágenes de suicidios o desastres, como prueba la serie “Death and Disaster” realizada entre 1962 y 1963. Las pinturas de esta serie (como “Ac-

cidente de coche en rojo”, “Hombre púrpura saltando” o “Desastre naranja”) transforman tragedias personales en espectáculos públicos, y anuncian el uso de imágenes de catástrofe que se volvería inherente a la cultura de los medios de masas. El elemento unificador de la obra de Warhol es su estilo deliberadamente inexpresivo y la construcción de un personaje aparentemente imperturbable, como un Buster Keaton del arte. Estos rasgos eran subrayados por la propia personalidad de Warhol, que prefería hacerse pasar por tonto ante los medios y rechazaba dar explicaciones sobre su trabajo. Warhol declaró en cierta ocasión que “todo lo que necesitas saber sobre el cuadro está ahí, en la superficie”. Plantilla:Citequote Algunos de sus dibujos a tinta, que podían recordar imágenes del test de Rorschach pretendían ser comentarios desde el punto de vista del pop sobre lo que el arte podría ser. Otras pinturas, como el “papel de pared de vaca” (un papel de pared con estampado de vacas) o sus “pinturas de oxidación” (a partir de lienzos preparados con cobre oxidado con orina- también pueden entenderse en este sentido. Es igualmente remarcable la manera en que esta obra y los medios con que se producía encajaban en el ambiente de la Factory de Nueva York.

El biógrafo Bob Colacello aporta un testimonio sobre las “pinturas de orines” de Andy: “ Victor...era el espíritu meón de Andy para las Oxidaciones. Venía a la Factory para orinar en lienzos que habían sido preparados con una imprimación basada en cobre por Andy o por Ronnie Cutrone (quien era el segundo espíritu meón, muy apreciado por Andy, quien decía que la vitamina B que Ronnie tomaba proporcionaba un tono más bonito cuando el ácido úrico corroía el cobre). ¿Utilizó Andy su propia orina? Mi diario dice que cuando empezó esa serie, en diciembre de 1977, lo hizo, y hubo más de una persona en ello: chicos que venían a comer y que habían bebido algún vino más de la cuenta, quedaban muy divertidos o intimidados cuando se les pedía que ayudasen a Andy “a pintar”. Andy siempre parecía entusiasmado durante el trayecto hacia el estudio... ” El ciclo inacabado de “La última cena”, que habría aportado un carácter religioso completamente nuevo a su obra, es posiblemente la mayor de sus series, y en palabras de algunos críticos también, “la mejor”. Es igualmente la mayor serie de tema religioso realizada por un artista estadounidense.

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Portadas del “Sticky Fingers” de los Rolling Stones (1971)

Música A mediados de los sesenta, Warhol “adoptó” a una banda llamada “The Velvet Underground”, y les convirtió en un elemento crucial de la exposición de arte multimedia que organizaba, la Exploding Plastic Inevitable. Warhol convirtió a Paul Morrissey en el agente de la banda, y les presentó a Nico, quien se convertiría en miembro de la banda a petición de Warhol. En 1966 produjo su primer disco, titulado “The Velvet Underground and Nico”, y realizó la decoración del disco. En realidad, la producción de Warhol se limitó a pagar por el estudio de grabación. Tras la publicación de este álbum, Warhol y el líder de la banda, Lou Reed, empezaron a disentir sobre la dirección que la banda debería tomar. Esta tensión pudo haber causado el final de su buena relación artística. Warhol había diseñado numerosas portadas de discos desde su primera portada, una fotografía para el primer disco de John Wallowitch (titulado “This Is John Wallowitch”, 1964). También diseño las portadas del “Sticky Fingers” de los Rolling Stones en 1971, y del “Love You Live” (1977). En 1975 le encargaron hacer varios retratos de la cara visible de la banda, el músico Mick Jagger. Para John Cale diseñó la portada de “Honi Soit” (1981) y para Diana Ross las ilustraciones que aparecían en la cubierta de “Silk Electric”. El póstumo “Menlove Ave.” (1986) de Lennon también fue diseñado por Warhol. Andy tenía buena relaciones en el mundo de la música, como Deborah Harry, Grace Jones, Diana Ross y John Lennon. El videoclip, formato que surgiría en los 70, también entraba en sus inquietudes creativas. La productora de vídeo de Warhol produjo, entre otros, el clip del sencillo “Misfit”, para los Curiosity Killed The Cat, y el clip del sencillo “Hello Again” de The Cars (en el que figuraba como barman). La relación de Warhol con la música no fue de índole estrictamente profesional. Su influencia sobre la llamada New Wave -como la banda Devo- y sobre la formación de artistas jóvenes, como David Bowie es sobradamente conocida. Bowie incluía una canción llamada “Andy Warhol” en su Hunky Dory (1971), y Lou Reed compuso una canción llamada “Andy Chest”, que trataba sobre el atentado sufrido en 1968 a manos de Valerie Solanas. Esta canción fue grabada entonces con la Velvet, pero la versión no fue publicada hasta que salió el álbum VU en 1985. En 1972 grabó una versión diferente para su disco Transformer, producida por Bowie y Mick Ronson.

Películas

Película Chelsea Girls (1966)

En 1962, Warhol asistió al estreno de una composición estática de LaMonte Young, titulada “Trio for Strings”, a partir de la cual creó una serie de películas estáticas como “Kiss”, “Eat” o la misma “Sleep” (para la que contrató a Young como compositor). Uwe Hussein dice que el cineasta Jonas Mekas -que acompañó a Warhol en el estreno del “Trio” afirmó que el espectáculo fue una influencia esencial para esas películas de Warhol. En 1964 Warhol dirigió y produjo “Batman Dracula”, una película que no contaba con la aprobación de DC Comics, propietaria legal del personaje. Esta película fue proyectada únicamente en exposiciones. Warhol se confesó un gran admirador de la serie y afirmó que pretendía realizar un homenaje personal al superhéroe. Actualmente se la considera la primera representación de Batman en la estética camp. La película se había considerado perdida hasta 2006, con la proyección del documental “Jack Smith and the Destruction of Atlantis” en el que aparecían fragmentos de la pieza original. En 1965, Warhol produjo “Vinyl”, una adaptación de la célebre distopía de Burgess, “The Clockwork Orange”. Otras grabaciones eran improvisadas, y registran encuentros entre los habituales de la Factory, como Viva, Edie Sedgwick, Candy Darling, Holly Woodlawn, Ondine, Nico y Jackie Curtis. El legendario artista underground Jack Smith aparece en la película “Camp”. Su producción cinematográfica de más éxito, tanto de público como de crítica, fue “Chelsea Girls” (1966), una película muy innovadora que se exhibía con dos proyectores de 16mm funcionando simultáneamente.

Warhol recurrió a una gran variedad de medios de expresión artística: pintura, dibujo, fotografía, grabado, escultura y cine, y fue un cineasta experimental bastante prolífico, si consideramos que entre 1963 y 1968 produjo más de sesenta películas. En una de las más conocidas, “Sleep”, John Giorno dormía durante seis horas. El mediometraje “Blowjob” muestra un plano de DeVeren Bookwalter (supuestamente felado por el cineasta Williard Maas).

Cada película tenía su propia historia, y ofrecían una lectura simultánea de acontecimientos aparentemente inconexos. Eventualmente, desde la cabina de proyección se regulaba el sonido para darle a una de las proyecciones cierta preponderancia sobre la otra. Esta multiplicación de imágenes evocaba los trabajos de serigrafía de Warhol de principios de esa década, en los que se superponían diversas “capas de información”. La influencia de esta división de pantalla, con el valor multinarrativo que implicaba, tuvo una gran resonancia posterior.

En “Empire”, una película de ocho horas de duración, la cámara muestra una vista del Empire State Building al amanecer. Warhol ignoraba las convenciones usuales sobre la duración de una película, como podemos juzgar en “Eat”, una película de 45 minutos de duración en la que aparece un hombre comiéndose una seta.

Otras de sus películas más importantes son “Bike Boy”, “My Hustler”, y “Lonesome Cowboys”, un pseudo-western de bajo presupuesto en el que Warhol se interpretaba a sí mismo. Estas películas han trascendido más como documentales de la subcultura gay del momento y aún hoy ocupan un lugar ilustre en los estudios de arte y sexualidad.

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La última producción de Warhol como director fue “Blue Movie”, en la que Viva, una superestrella de la Factory, sale haciendo el amor y tonteando con un hombre durante 33 minutos. La polémica desatada alrededor de esta película (debida a ese franco planteamiento de un encuentro sexual) hizo que la propia intérprete se negase durante años a su proyección pública. “Blue Movie” fue proyectada en Nueva York por primera vez en 2005, tras más de treinta años de espera. Después del atentado sufrido en 1968, Warhol se volvió más reticente a la producción de películas. Su colaborador y ayudante de dirección, Paul Morrisey, llevó las producciones del colectivo de la Factory a un terreno más convencional y narrativo, con producciones de serie-B y películas de tono contestatario como “Flesh”, “Trash”, y “Heat” (1972). Todas estas películas, incluyendo las versiones de Drácula y Frankenstein, iban dirigidas a un público convencional adulto, más que a los sofisticados espectadores que habían apreciado las obras de Warhol. En estas últimas películas actuó Joe Dallesandro, a quien algunos han querido catalogar como una “estrella” de Morrisey, y no una auténtica “estrella de Warhol”.

Legado La Artists Rights Society (el equivalente a la SGAE española) es la representante legal de los derechos de propiedad de las obras de la Fundación, con la excepción de algunos fotogramas de películas de Warhol. El representante legal de dichos fotogramas es el Museo Warhol de Pittsburgh. Por otra parte, la fundación tiene acuerdos en lo relativo a sus imágenes de archivo. Todas las imágenes digitalizadas de obra de Warhol son propiedad de Corbis, mientras que las imágenes en diapositiva son gestionadas por Art Resource. La fundación Andy Warhol publicó su informe anual especial del 20 aniversario en 2007, está dividido en tres tomos, a saber: Vol. I, 1987-2007; Vol. II, Asistencias y exposiciones; y Vol. III, Programa de Legado. La fundación sigue siendo el mayor donante de becas para las artes visuales en los Estados Unidos. Dos años tras la muerte de Warhol, “Songs for Drella”, una obra conceptual encargada por la Academia de Música de Brooklyn y The Arts at St. Ann’s, de Nueva York, fue interpretada por Lou Reed y John Cale, un epígono de la Velvet. La actuación fue grabada por el director Ed Lachman el 6 de diciembre de 1989, y editada en formato VHS y laserdisc. En 1990 fue publicada en forma de CD en un envoltorio negro de textura aterciopelada por Sire Records. “Drella” era un apodo acuñado por la estrella Ondine para Warhol, un cruce entre Drácula y Cenicienta muy popular entre los allegados al artista. “Songs for Drella” presenta una especie de descripción literaria de la vida de Warhol, y se centra en sus relaciones personales. Las canciones se agrupan en tres categorías: Una interpretación semi-fantástica desde la perspectiva de Warhol, crónicas en tercera persona de su vida y sus asuntos, y otra perspectiva más emocional guiada por comentarios sobre Warhol de Reed y Cale. En este disco, Reed se disculpa ante el difunto Warhol y pone las bases para una reconciliación a su conflicto personal. Reed y Cale habían estado interpretando las canciones en directo desde 1989 como un ciclo de canciones antes de entrar en un estudio. Hacia el final de la grabación, Cale prometió no volver a trabajar jamás con Reed, debido a diferencias personales, sin embargo el disco sería la causa de la revitalización del grupo de la Velvet Underground. Aunque el álbum fue ideado como una unidad indivisible, se lanzó un sencillo titulado “Nobody But You”. En el 20 aniversario de su muerte el hotel Gershwin de Nueva York celebró un ciclo de actos homenajeando el arte de Warhol y sus “superestrellas”. Hubo una ceremonia de premios, un pase de moda y Blondie actuó en el acto de clausura. Al mismo tiempo, la galería Carrozzini von Buhler de Nueva York organizó “Andy Warhol: In His Wake”, una exposición que incluía obras de algunas de las “superestrellas” Ultra Violet, Billy Name, Taylor Mead e Ivy Nicholson, así como una joven generación de epígonos de Warhol. Una escultura interactiva de Cynthia von Buhler titulada “The Great Warhola” presentaba a Warhol como una máquina tragaperras que adivinaba el futuro. La galería se modificó para parecerse a la plateada Factory. Una película titulada “Factory Girl”, interpretada por Sienna Miller y Hayden Christensen y que versaba sobre la vida de Edie Sedgwick fue lanzada una semana antes de la muerte de Warhol. En 2007, el Financial Times definió a la pintora británica Stella Vine como “una descendiente de Warhol”. Arifa Akbar, de The Independent señaló que la perspectiva de Vine sobre la cultura de la celebridad podía adscribirse a la tradición warholiana. Vine ha declarado sentir una fuerte relación hacia Warhol, indicando que es “el mismo tipo de persona que él” (sic).

Museos Existen dos museos dedicados especialmente a Warhol. El Andy Warhol Museum, uno de los Museos Carnegie de Pittsburgh está localizado en el 117 de Sandusky Street, en Pittsburgh, Pennsylvania. Con sus más de 12.000 piezas de Warhol, es el mayor museo dedicado a un solo artista en todos los Estados Unidos. El segundo museo dedicado a la memoria de Warhol es el Andy Warhol Museum of Modern Art, fundado en 1991 por su hermano John Warhola, el Ministerio de cultura del gobierno eslovaco y la Warhol Fundation de Nueva York. El museo se encuentra en la pequeña ciudad de Medzilaborce,

The Andy Warhol Museum (1991) Pittsburgh (Estados Unidos)

a 15 kilómetros de Miková, el pueblo donde nacieron los padres de Warhol, en Eslovaquia. El museo aloja numerosas obras originales cedidas por la Warhol Foundation y algunos objetos personales donados por los parientes de Warhol.

Andy Warhol en la ficción En 1979, Warhol actuó en la película Cocaine Cowboys (1979). Después de su muerte, Warhol fue interpretado por Crispin Glover en la película de Oliver Stone The Doors (1991), por David Bowie en Basquiat (1996), de Julian Schnabel, y por Jared Harris en la película I shot Andy Warhol (1996), de Mary Harron. Warhol también aparece como un personaje de la ópera de Michael Daugherty Jackie O (1997). El actor Mark Bringlesson hace una breve aparición como Andy en Austin Powers (1997). Por otra parte, muchas películas del cineasta de vanguardia Jonas Mekas muestran imágenes de la vida de Warhol. Sean Gregory Sullivan también retrató la vida de Warhol en 54(película) (1998). La última producción relacionada con Warhol es el largometraje Factory Girl (2007), que trata sobre la vida de Edie Sedgwick. Gus Van Sant planeó rodar una versión de la vida de Warhol, con River Phoenix en el papel protagonista, pero el proyecto quedó frustrado con la muerte del actor en 1993.

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Frank Owen Gehry Toronto (Canadá), 28 de febrero de 1929, es un arquitecto asentado en Norteamérica, ganador del Premio Pritzker, reconocido por las innovadores y peculiares formas de los edificios que diseña.

Biografía Nació originalmente con el nombre de Ephraim Owen Goldberg, sus apellidos originales denotan claramente sus raíces judías, lo cual fue una de las dos razones (la segunda y la de mayor peso fueron las constantes presiones de su ex mujer) las que lo obligaron a cambiar su nombre por el de Frank Owen Gehry, como toda persona dedicada al mundo de la arquitectura, fue su niñez un periodo decisivo de gestación en torno a sus habilidades plásticas y creativas; con su abuela jugaba a hacer pequeñas ciudades de madera y en el colegio un profesor llegó a comentar que tenía Goldene Hänt o “manos de oro”. Frank se distingue por su relativa sencillez (a pesar de lo que hace) y esto se debe a que es una persona que derribo los obstáculos que le impuso la vida, uno a la vez; de origen humilde, su padre cayó en la bancarrota cuando apenas era un niño, al quedar seriamente enfermo decidieron trasladar su residencia a Los Ángeles California donde empezó a ganarse algunos dólares en su adolescencia como conductor de camiones. Su gusto por la arquitectura tuvo también un comienzo bastante difícil, y decidió convertirse en arquitecto cuando tomaba cursos de cerámica y perspectiva, tan pronto como comenzaron sus clases en la carrera uno de sus profesores llegó a decirle que como arquitecto nunca iba a lograr nada. Algo de sus suerte cambio al graduarse como arquitecto, prueba de ello es su ingreso a la Escuela de Diseño de la Universidad de Harvard, en donde estudia urbanismo por cerca de un año (antes de abandonar sus estudios), también logró trabajar durante un breve tiempo en un taller de arquitectura en París. Como todo arquitecto “de vanguardia” en sus primeros años de profesión se presenta el fenómeno de la “arquitectura de papel” proyectos que desarrolla pero solo se conciben en los planos para nunca volverse tangibles, es curioso también, que es hasta los cincuenta años cuando su carrera empieza a levantar y por lo tanto a desarrollar ese estilo tan conocido (y tan criticado) que lo caracteriza. Actualmente a sus 80 años de edad tiene más trabajo que nunca y su obra es reconocida a nivel mundial. Al examinar su vida a detalle podemos observar que no siempre fue el arquitecto famoso que es hoy en día (y nunca nadie nacerá siendo arquitecto de renombre) y que existió todo un proceso que lo llevó a ser la persona que es hoy, contradictoria y controvertida en muchos aspectos tanto personales como de su estilo arquitectónico. Casado dos veces, recurrió a el psicoanálisis para adentrarse en su inconsciente y así poder afrontar algunos de sus males (y malas costumbres) que lo aquejaban de joven, también llegó a asegurar que una buena parte de su vida profesional estuvo en quiebra (algo que se pinta muy común entre los arquitectos). ¿Su salto a la fama? Su residencia hecha de materiales poco convencionales pero de formas muy originales.

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La Casa Danzante (1997) Praga - República Checa


Hotel Marqués de Riscal (2006) Elciego - España

Estilo Criticado por algunos, alabado por muchos, su estilo cae (algunas veces criticando él mismo que se clasifique su obra bajo un estilo) en el de constructivismo moderno, reúne todos los cánones del mismo en su obra: siendo lo más notable de sus edificios el hecho de que simulen un caos o una irreverencia controlada, un impacto fuerte sobre el espectador que los descubre en la mancha urbanística, donde al observarlos pareciera que se van a caer o que denotan una inestabilidad en su estructura como si dotados de movimiento fueran a desmembrarse y caminar por las calles o volar por los aires. Desde el Museo Guggenheim de Bilbao les imprime una de las características más notables a sus obras; el uso de placas metálicas (algunas veces de titanio, otras de acero inoxidable o aluminio) revistiendo el edificio con formas curvas totalmente opuestas al dogma de “paredes planas” unas veces simulando las escamas de un pez (animal muy recurrente en él) otras tratando de simular una corriente de aire, el material combinado con el uso de la geometría no euclidiana generan una reflexión de la luz y un tratamiento de ella excepcional, dotando el edificio de una textura y un movimiento casi espiritual (aun mayor cuando la luz incide primero en el agua y después en el edificio, produciendo un movimiento contra puntual a la rigidez del edificio pero armónico a sus curvas y texturas). Como todo apóstol del constructivismo hace un uso exhaustivo de la computadora, irónicamente no la sabe usar (tal vez ni prenderla) pero su equipo de diseño hace gala de sofisticados programas CAD (Diseño Asistido por Computadora) con los cuales interpretan las ideas del arquitecto para darles forma y coherencia en todos sus niveles tanto estructurales, como arquitectónicos y de instalaciones. Programas como CATIA (de Dassault Systèmes) o más recientemente Digital Project (obra del propio equipo de Gehry) son usados para generar en 3D las complicadas formas y los análisis estructurales de cada edificio así como controlar los gastos previstos de la obra y eficientes tiempos al momento de mandar construir las partes del edificio.

La manera en que Frank empieza a conceptualizar un edificio es bastante interesante, sus conceptos varían y van desde tomar la forma de un pez, hasta basar uno de sus edificios de manera inconsciente en un cuadro de la virgen María con Jesús. Aún más interesante resulta la forma en que “esculpe” el edificio dándole forma usando maquetas, primero, las cuales pueden tardar decenas de ellas para poder concebir la forma final del edificio dándole especial importancia a la fachada exterior, y segundo, una vez que llega al resultado final su enorme equipo de diseño se encarga mediante tecnologías muy sofisticadas (como el hecho de pasar digitalmente la maqueta con el uso de lápices digitales) de convertir la maqueta en un edificio virtual, del cual se generan los elementos necesarios para poder empezar a construir. Es una dualidad interesante ver el hecho de que arquitecto y equipo de diseño usen dos formas tan contradictorias pero que al final se complementan una con otra: las rudimentarias maquetas hechas de papel y madera (que al ver el resultado final en ellas se las puede llegar a considerar pequeñas obras de arte por sí mismas) y el uso de sofisticada tecnología que se ha convertido en el sello personal de Gehry. Frank pertenece a un selecto grupo de arquitectos, diseñadores de vanguardia, ampliamente criticados por el hecho de crear una arquitectura experimental la cual resulta costosa y que muchas veces puede no generar los resultados esperados tanto por el arquitecto como por el público y el cliente, se le critica por vender un producto o una marca en lugar de arquitectura, sus edificios donde quiera que se construyan se convierten en protagonistas de la urbe en donde habitan, sus diseños también han sido calificados de repetitivos porque pareciera que reúnen las mismas características entre ellos, como si fueran una copia tras otra del museo Guggenheim y que por si fuera poco son tachados de poco prácticos, de ser edificios cubiertos por una escultura, inútil, que representa gastos enormes tanto monetarios como estructurales, que no toman en cuenta factores como la ubicación o factores climáticos del lugar donde se construyen. Ejemplo de estas

críticas son el Walt Disney Concert Hall que con su cubierta de acero inoxidable genera problemas por la reflexión de la luz, elevando la temperatura de los alrededores y causando ceguera a todo aquel que la perciba directamente o también su enorme parecido con el museo Guggenheim en Bilbao, lo cual pareciere que es la falta de creatividad del arquitecto. Sin embargo por cada detractor que existe de Frank hay muchos otros que admiran su obra, porque reta los dogmas establecidos en la arquitectura creando e innovando nuevas formas y técnicas de construcción, también por retar el viejo refrán usado por muchos profesores de arquitectura: Ustedes no vienen a crear nada nuevo. Gehry con cada edificio que proyecta nos muestra los imposibles, nos da el ejemplo de que las ideas pueden llegar a condensarse y moldearse en el concreto armado y las estructuras de acero y titanio, niega la arquitectura tradicional hecha a base de planos, ni siquiera los usa, los niega y lo hace con el uso de la tecnología aceptando que esta es indispensable para el hombre de nuestra era, sin tratar de formar ideologías absurdas que la menosprecian, la da por hecho y realidad. Como hombre también es valido recalcar su sencillez, el espíritu creativo y desbordante de energía, a pesar de llevar 80 años a cuestas, sí, su arquitectura es de vanguardia, tal vez sea una marca, pero ¿acaso no siempre existe un periodo de negación cuando un artista rompe con lo establecido? Sí, su arquitectura puede resultar costosa, a pesar de la ingeniosa manera en que concibe un edificio y que ya es conocido por entregarlos en forma y tiempo y también en presupuesto, pero no vemos enorme beneficio que conlleva este tipo de arquitectura en cuanto a nuevas soluciones ingenieriles y de construcción. Sin duda Frank Gehry continuará dando mucho de que hablar mientras conserve esa vitalidad ojala y sea por algún tiempo más porque sin duda su escuela esta renovando a la arquitectura dándole un nuevo rumbo, el cual ya pedía a gritos desde la concepción del modernismo.

Arquitectura I CROW I 9


Santiago Calatrava

Valencia (España), 28 de julio de 1951, es un arquitecto y escritor español, quien además tiene estudios de ingeniería civil realizados en Zúrich.

Según consta en la biografía, desde los ocho años estudió en la Escuela de Bellas Artes donde empezó formalmente su preparación como dibujante y pintor. A los 13 años su familia le envió a París a través de un programa de intercambio estudiantil. De regreso a Valencia, terminó sus estudios escolares en el colegio de las Escuelas Pias, calle Carniceros, y se matriculó en la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Valencia, donde se graduó como arquitecto y donde realizó un curso de post-graduado en urbanismo. A continuación, Calatrava, que se interesaba por las grandes obras de los maestros clásicos y que deseaba ampliar su formación, se trasladó en 1975 a Zúrich, donde estudió durante cuatro años ingeniería civil en el Instituto Federal de Tecnología, en el cual se graduó con un doctorado en 1979.En 2007 le fue concedido el Premio Nacional de Arquitectura. Finalizada la etapa de estudios, trabajó como profesor auxiliar en el Instituto Federal de Tecnología, donde comenzó a aceptar pequeños encargos y a participar también en concursos de nuevos proyectos. En 1983 le fue adjudicada su primera obra de cierta importancia, la Estación de Ferrocarril de Stadelhofen, situada junto al centro de Zúrich donde también había establecido su despacho. Al año siguiente, Calatrava diseñó el puente Bac de Roda en Barcelona que fue el primero que empezó a darle cierto reconocimiento internacional. A este seguirían el del Alamillo de Sevilla (1992) y el Puente de 9 d´Octubre en Valencia (1995).

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En 1989 Calatrava abrió su segundo despacho en París, mientras estaba trabajando en el proyecto de la Estación de Ferrocarril del Aeropuerto de Lyon. Dos años después creó su tercer despacho, esta vez en Valencia, donde trabajaba en un proyecto de grandes dimensiones, la Ciudad de las Artes y de las Ciencias. En el año 2003 concluyó el edificio del Auditorio de Tenerife en la ciudad de Santa Cruz de Tenerife, en su inauguración estuvieron presentes algunos de los diarios más prestigiosos del mundo como New York Times o Financial Times. El prestigio internacional de Calatrava fue rápidamente en aumento.

Estilo Hoy se considera a Calatrava como uno de los arquitectos especializados en grandes estructuras. Contrariamente a lo que es habitual en muchos arquitectos, que ocultan las estructuras de sus edificios, Calatrava, como ingeniero que es, las convierte en elementos esenciales en las mismas. Calatrava ha recibido numerosos premios y reconocimientos por su trabajo entre los que destaca el Premio Príncipe de Asturias de las Artes en 1999. Ha sido nombrado Doctor Honoris Causa en doce ocasiones. La obra de Calatrava supone una auténtica revolución en la arquitectura, caracterizada por la reunión de la arquitectura y la ingeniería, que vienen circulando separadas desde el siglo XVIII. Santiago Calatrava supone un reencuentro con la tradición constructiva


Palacio de las Artes Reina Sofía (2005)­­­ Valencia - España

de la arquitectura, con influencias de Fernando Higueras, Jørn Utzon, Antonio Gaudí, y las arquitecturas gótica y romana. En un momento en que muchas arquitecturas hacen gala de una gran banalidad, y muchas obras de ingenieria hacen ostentación involuntaria de una gran ordinariez.

Críticas Esa reunión entre la arquitectura y la ingeniería ha sido causa de que muchos arquitectos e ingenieros le critiquen. Por ejemplo, el trabajo de Calatrava en Bilbao ha sido criticado de poco práctico: el aeropuerto de Bilbao carece de instalaciones óptimas para los viajeros, y en el puente de Zubizuri las losetas de cristal se rompen con facilidad y son deslizantes cuando llueve. En 2007, Calatrava demandó al ayuntamiento de Bilbao por permitir que se construyera una pasarela peatonal de Arata Isozaki y quedase unida con el puente. En una primera instancia se desestimó la denuncia interpuesta contra el Ayuntamiento de Bilbao por vulneración sobre la propiedad intelectual en el puente ZubiZuri al entender que, aunque se ha alterado su obra, el interés público prevalece sobre el derecho de autor. Sin embargo, tras una apelación, en marzo de 2009 la Audiencia Provincial de Bizkaia rectificó el criterio del magistrado de lo Mercantil de Bilbao y falló a favor del demandante, condendando al consistorio a pagar 30 000 € al arquitecto en concepto de indemnización. Calatrava en 1996 fue elegido para la construcción de un puente sobre el “Gran Canal” en la ciudad de Venecia. Desde que el proyecto fue aprobado, numerosos cambios estructurales han sido realizados debido a la inestabilidad mecánica de la estructura y al excesivo peso del puente, el cual podría causar que los márgenes del canal se cayesen.

La crítica más común y generalizada a la obra de Calatrava fue recogida por el diario estadounidense The New York Times en 2009. En sus páginas, se afirmó que los edificios de Calatrava presentan “una preocupante incongruencia entre la extravagancia de su arquitectura y el limitado porpósito al que sirve”, en referencia a la estación que Calatrava ha diseñado para la zona cero de Nueva York. De hecho, no es la primera obra de Calatrava que ha sido criticada por extravagante, por ineficacia al distribuir el espacio, o por poco práctica. Por ejemplo, el Museo de las Ciencias Príncipe Felipe de Valencia ha sido ampliamente criticado por ofrecer inmensos espacios poco adecuados a su objetivo que, pese a ser espectaculares hitos arquitectónicos, son un derroche de espacio difícilemente empleable, con techos altos, paredes de formas irregulares, elementos estructurales pasantes,..., de manera que el espacio expuesto es una ínfima fracción del espacio construido. Además, en ese mismo edificio se ha señalado el derroche energético que supone tener que refrigerar un edificio inmenso cerrado en su totalidad con ventanales que, durante el día valenciano medio, elevarían sobremanera la temperatura del local. Otros, como la terminal del aeropuerto de Bilbao, han recibido abiertas críticas por situar la zona de espera para llegadas en plena calle en un territorio de clima oceánico en el que llueve a menudo, por emplear en su construcción el caro y poco ecológico hormigón blanco, y por una distribución interior que desaprovecha gran cantidad de espacio. En general, sus detractores señalan que Calatrava pretende diseñar grandes y espectaculares cajas que luego rellena con mayor o menor fortuna, sin modificar apenas su estilo, que ha sido tachado de repetitivo y poco variado, sin adecuarse apenas al entorno en que construye, ni en lo refereido a la climatología, ni en lo referido al propio paraje natural o entorno arquitectónico en que va a enmarcarse la nueva construcción.

En 10 años el proyecto ha sido inspeccionado por más de 8 consultoras diferentes y el coste del proyecto ha aumentado más de tres veces del presupuesto original; en 2008 el puente fue terminado y el alcalde decidió no festejar la inauguración debido a la polémica generada durante la construcción.

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Takashi Murakami

Tokio (Japón), nacido en 1962, es uno de los más influyentes y aclamados artistas asiáticos del siglo XX, debido a la creación de un amplio y particular espectro de trabajo que une el arte, el diseño, la animación, la moda, y la cultura popular.

Biografía Curiosamente tras terminar sus estudios en la prestigiosa Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio, decidió hacer el doctorado sobre el Nihonga, un tipo de pintura tradicional japonesa perteneciente al siglo XIX y que mezcla las tradiciones oriental y occidental. Es precisamente este concepto de la singular mezcla de dos mundos tan diferentes lo que ha prevalecido siempre en su obra, pero quizá debido a su juventud, de una manera mucho más actual.

El contraste de los opuestos es un tema recurrente en la obra de este artista japonés: el bien y el mal, la dulzura y la perversión, el humor y la oscuridad. Es muy frecuente encontrar imágenes alegres y de tinte naif que, tras una lectura más atenta, revelan un lado bastante mas oscuro; por ejemplo las aparentemente infantiles formas de setas que están omnipresentes en toda su obra, suelen leerse como una referencia a las nubes de hongo atómico provocadas por la explosión de las bombas atómicas arrojadas sobre Hiroshima y Nagasaki.

Su particular mundo creativo navega entre los signos de la actual cultura popular japonesa, plasmada en corrientes tan extendidas como el anime (animación) o el manga (cómic). Pero con grandes dosis de pop totalmente americano y surrealismo europeo. Del movimiento Pop no solo ha heredado una estética llamativa de colores planos y juegos con textos o logotipos, sino toda una idea mercantil de la producción en serie. Con su empresa KaiKai Kiki, nombre tomado de las palabras japonesas para “extraño” y “elegante”, con sedes en Tokio, Saitama y Nueva York, ha creado un autentico emporio que comenzó con la asistencia en la producción del trabajo de Murakami. Pero hoy por hoy, aparte del trabajo directo con el artista, esta macro empresa representa a un buen número de jóvenes creativos, patrocina una feria de arte en Tokio, produce y promueve mercancías que van desde balones de fútbol a trajes de etiqueta, y desarrolla proyectos de colaboración entre diferentes firmas. La participación de Murakami en campos del diseño industrial, grafico o de moda, está reflejada a la perfección en la muestra. Incluso, hay una tienda real de Louis Vuitton, como parte de ese recorrido que nos permite conocer mejor la auténtica personalidad de este artista. En dicha tienda, uno puede comprar todo tipo de artículos de la reputada marca francesa en los que el creativo japonés ha colaborado recientemente; desde los ya consabidos bolsos, hasta cuadros, telas o pañuelos. Pero eso no es todo ya que, por todos los rincones hay muestras del inmenso merchandising realizado por Murakami, ya sea para su propia firma o para otras como Disney o evidentemente, Marc Yacobs (actual director creativo de Louis Vuitton). Esta novedad de incluir una tienda dentro de una exposición temporal es obviamente una transgresión que ha levantado gran polémica en Estados Unidos y que, previsiblemente lo seguirá haciendo ahí por donde pase. En palabras de Selma Holo, directora de la Fisher Gallery, este hecho no es mas que el próximo paso de una nueva tendencia. “La frontera entre comercio y arte es cada vez más borrosa. Nos debemos preguntar si el museo propone una celebración de esta tendencia, una crítica o una sátira” Y una vez más, recuerda a Duchamp y su urinario de 1917. ‘Desde entonces hemos confiado en los artistas para que digan lo que es arte. ¿Es una letrina en una galería más válida que en una tienda?’. Llevamos años con este debate y continuará así. Bajo el acertadísimo nombre de ‘© Murakami’ la retrospectiva ofrecida por el Brooklyn Museum explora también la naturaleza auto reflexiva de Murakami, centrándose en 90 de los trabajos producidos entre 1992 y 2000. En 1993, en un proyecto para dar una forma concreta a su propia identidad, Murakami creó un alter ego llamado DOB. Este nombre fue tomado de una frase que hizo famosa un comediante japonés llamado Yuri Toru, quien siempre se hacia la misma pregunta existencial: Dobojite dobojite?, o (¿Por qué?, ¿Por qué?). A medida que la complejidad de la propia personalidad de Murakami iba evolucionando, también lo hacia DOB. Desde sus primeras formas pictóricas como un compuesto de ADN, hasta convertirse en una especie de globo con ojos inocentes.

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Takashi Murakami


MR.DOB (1993) Definida como su propia identidad

En sus escritos acuñó el estilo artístico “Superflat”, término que ha servido también para calificar su obra, y que, además de caracterizarse por la bidimensionalidad, critica la propia estructura del arte, desdibujando los límites entre la alta y baja cultura.

Entre el arte y la cultura de masas Tras el fin de la Segunda Guerra Mundial, Japón quedó sin ejército y con su política controlada por Estados Unidos. El mundo cultural quedó en un principio al margen de este control, aunque finalmente la influencia de la cultura popular americana se tradujo en una pérdida de tradiciones en Japón que conformó un vacío que es, precisamente, una de las principales líneas temáticas que recorren la obra de Takashi Murakami. Así lo explica Paul Schimmel, comisario de la exposición “©Murakami”, una muestra retrospectiva sobre los últimos 20 años de actividad del artista japonés que el Museo Guggenheim Bilbao albergará hasta el 31 de mayo. El tema social que más aparece en la obra de Murakami es la devastación o destrucción total, señala Schimmel, quien destaca que esta temática no se refiere sólo a la destrucción de Japón con las bombas atómicas de Hiroshima y Nagasaki, sino también a su pérdida de tradiciones. De hecho, el propio artista confesaba que algunas de sus creaciones, como “Mr. DOB”, surgieron del complejo que tanto él como otros muchos artistas jóvenes japoneses sentían frente al arte de otros países, como España y Alemania.

Una síntesis que, según destaca el comisario de la exposición, está muy presente en la obra “Miss Ko2”, una joven de largas piernas y cabello rubio que mezcla la estética manga con el aspecto de las camareras americanas de los años 60. Sus ojos parecen un poco japoneses, pero son de color verde en lugar de marrones. Y el pelo también es rubio en vez de moreno, por lo que es una mezcla entre el arte popular americano y japonés», indica Schimmel. En esta obra, además, están presentes otros elementos que después se transforman en constantes del arte de Murakami, como son los ojos de la camarera o la flor que lleva en el cuello del traje y que, según indica Schimmel, es un símbolo del emperador de Japón muy recurrente en la obra del artista. En cuanto a las pinturas, hay que remarcar que muchas de ellas pertenecen a instalaciones o a conjuntos de obras, que van de la mano para crear en el espectador, una especie de tele transportación a los mundos imaginarios del artista. Así, se pueden ver pinturas de muy variado formato y contenido. Desde las representaciones de los personajes de su propia mitología, hasta telas enormes y abstractas que sirven de fondo a esculturas u objetos. Decir que la producción de esta retrospectiva está hecha impecablemente y así, podemos ver hasta salas enteras con paredes y suelos pintados por el propio artista que hacen las veces de “contenedor” de obras. La obra de Murakami está poblada de personajes que van reapareciendo a lo largo de su trabajo en formas infinitamente ingeniosas. Entre ellos está Mr. DOB, un personaje similar a Mickey Mouse, Hyakume, de forma oval, con reminiscencias de un personaje manga y similar a un Buda; las flores sonrientes que se repiten en una paleta confusa de colores brillantes que forman complejos diseños y de gran riqueza en las formas, y Kaikai Kiki. Murakami produce su obra en su empresa Kaikai Kiki, una enorme organización que en la actualidad emplea a más de 100 personas que participan en la creación, distribución y promoción de las pinturas, esculturas, serigrafías, productos y películas animadas realizadas por Murakami y otros artistas a los que protege. Al igual que su héroe Warhol, Murakami elabora los bocetos iniciales de sus obras y supervisa la producción, pero gran parte del trabajo de detalle lo realizan sus empleados.

Así, el arte de Murakami posee elementos de la cultura japonesa tradicional con rasgos de cultura popular actual nipona, como son el manga (cómic) y el anime (animación), al mismo tiempo que toma elementos de artistas occidentales como Dalí y los surrealistas o Warhol y el Pop Art.

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Murakami en Versalles Tiempo de polémica

inspiradas en el arte tradicional japonés. De esta forma se consiguen unos contrastes que darán juego a la polémica ya que no serán del agrado de todos los visitantes

La muestra “Murakami Versailles”, que se expondrá en el palacio del 14 de septiembre hasta el 12 de diciembre, confronta “lo antiguo y lo moderno”, el clasicismo de la residencia real que se hizo construir en el siglo XVII el Rey Sol frente al vanguardismo jovial del nipón, según explicó hoy el propio artista en la presentación de la exposición a la prensa.

Los visitantes se encontrarán con el “Yume Lion (la versión de oro) en el Salón del Trono. Una escultura sorprendente y monumental de fibra de vidrio y acero, “el Sr. Pointy” en el centro del Salón de Hércules, de siete metros de altura y rematado por una especie de madre, irresistiblemente empuja al espectador a mirar hacia arriba, hacia el límite máximo de Le Moyne que representa la Apoteosis de Hércules.

Las esculturas de estética manga, las figuras Anime y el “pop art” de Takeshi Murakami, considerado el Andy Warhol japonés, se mezclan con la majestuosidad y tradición del Palacio de Versalles en una exposición no exenta de polémica por contraponer dos estilos tan dispares.

En los jardines, el Buda Oval (Oro), de cinco metros de altura, y en el Salón de los Espejos la hermosa escultura Flor Matango. Para ellos, el matrimonio es la audacia deslumbrante. Algunas obras, muy feas -una pin-up, una especie de monstruosa boca llena de gadgets desentonan con el dorado de Versalles.

El conjunto incluye 22 obras, más once inéditas. Siete esculturas (una de ellas será expuesta al aire libre), vídeos, pinturas, alfombras y un conjunto de lámparas forman parte de la exposición que se muestra en los aposentos reales. Los obras están expuestas a lo largo del recorrido por el palacio, los apartamentos reales y el jardín –el lugar favorito de María Antonieta–. Las alegorías y mitos de Versalles interactúan con las criaturas de ensueño de Murakami,

Entrevista al Presidente del Castillo de Versalles

Jean Jacques Aillagon ¿Le molesta esta controversia? Jean-Jacques Aillagon: El Palacio de Versalles no es el tabernáculo de la memoria del antiguo régimen. Como si el arte manchara este lugar con algo que viene de otro tiempo. Son reacciones fundamentalistas. Ha habido regularmente reacciones hostiles a las exposiciones de arte contemporáneo, sobre todo en Versalles. Son puntos de vistas impresionantes: Versalles se transformó en un museo nacional gracias a Louis-Philippe. Invitó a los artistas de su tiempo artistas contemporáneos si se puede decir así- a crear grupos. Esta convergencia no empezó ayer.. Como museo, Versalles tiene el deber de participar en las direcciones principales de la vida cultural. Como Soulages y los vitrales en la abadía de Conques, Chagall en Reims u Opera, etc. Desde Malraux y “El museo imaginario, sabemos que la cabeza del Khmer le puede sonreír al ángel de Reims, y que la pintura del siglo XX puede interactuar con el Renacimiento.

Pero usted ha anunciado que habrán más exposiciones en los aposentos reales. Dije que el próximo año, el artista trabajará especialmente en los jardines, pero eso no significa que volverá a los aposentos reales. En esta enorme área, debe inventar nuevas formas e innovar en otros lugares.

¿Por qué han eliminado algunas de las obras de Murakami? Las obras deben ser vistas por todos. El público de Versalles no es el mismo que el de los museos: hay menos público

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para estas obras. Son obras que pueden ser fuentes de escándalo utilizando la religión o el sexo. Hablamos mucho de “My Lonesome Cowboy. No la vamos a mostrar. Hablamos mucho sobre ello, pero recuerda que el Palacio de Versalles está lleno de gente desnuda, vemos la polla de muchos caballeros, los pechos…

¿Por qué elegir a Takashi Murakami para Versalles? Como cualquier elección, es evidentemente algo arbitrario. ¿Por qué Garnier programó la ópera “L’Italiana in Algeri” de Rossini? Cada año tenemos un programa contemporáneo, bajo el título “Versailles Off”. Alternamos de un año a otros a artistas franceses y extranjeros. La elección está muy justificada. En primer lugar, debe ser un escultor, es más fácil organizar las obras. Es difícil introducir pinturas y fotos en Versalles. El nuestro, no es el mismo trabajo que el de los cazatalentos de un museo de arte. Debemos asegurarnos de que los artistas tienen una reputación suficientemente capaz de competir con la de Versalles. Es por eso la idea de mostrar a artistas franceses o extranjeros poco conocidos en Francia como Murakami. Hubo una exposición que fue dedicada a él, pero fue en un espacio privado. Me llama la atención por la naturaleza exultante de su obra y la de Versalles. El Castillo no sólo fue diseñado para la representación del poder, sino también para la fiesta. A menudo se ha dotado con decoraciones efímeras. No debemos olvidar que en Versalles se han revisado los mitos. La representación del rey se inspiró en Alexander, dios de la mitología, el rey se convirtió en Apolo. La fabricación del mito, el punto culminante de la identidad

de Versalles, está vinculada con el movimiento del arte pop que se ocupa de los iconos, Warhol capturó las personalidades y las marcas para volver a examinarlas. Murakami es el heredero de esta corriente de expresión artística. El ha capturado los principios de las culturas ancentrales para darles significado. Por ejemplo, fue elegido por Vuitton para reexaminar la marca Vuitton. Existe una convergencia entre Murakami y Versalles.

Muchos visitantes ya están en Versalles. ¿Esta no es la afluencia de público que ustedes buscan? La programación no es sólo esta muestra, eso sería triste. Cuando programamos un evento excepcional, una exposición de Luis XIV, un espectáculo al aire libre en la Fuente de Neptuno, buscamos que el punto de mira se centre en el Castillo. La gran masa de nuestro público, son los turistas que siguen un programa cultural de primer destino, incluidos los de Versalles. Paradójicamente, existe la preocupación por atraer a nuestro público nacional para que redescubra esa zona. Esta audiencia es para esos eventos especiales.


Flor Matango (2010) Salon de los Espejos “Palacio de Versalles” Versalles - Francia

Polémica servida Antes incluso de que la exposición haya sido inaugurada, ya ha sido criticada por el colectivo “Versailles mon amour”, que agrupa a los “amantes” del palacio, y que ha recogido más de 4.000 peticiones contra la muestra. El propio protagonista de este proyecto, Murakami, rehusó entrar en la polémica al ser preguntado sobre este tema, aludiendo que entendía que a no todo el mundo le guste su propuesta, pero defendió esta confrontación entre lo antiguo y lo moderno. Además, el artista aseguró que ha sido el “trabajo más difícil” que ha realizado en toda su carrera. Pese a todo, Murakami Versalles que permanecerá abierta hasta el 12 de diciembre no es la primera exposición de este tipo que se realiza en este histórico palacio. En 2008, el polémico artista Jeff Koons ya llevó a cabo otro original proyecto expositivo, al igual que el francés Xavier Veilhan.

Esto aquí no pinta nada “Esto aquí no pinta nada. Me gusta fuera de aquí, pero yo he venido a ver el Palacio de Versalles”, comentaba una turista española, sorprendida por esta invasión japonesa en uno de los monumentos más tradicionales y visitados de Francia.

“Me encanta y es muy simpático cuando hay un debate sobre la cultura (...) Lo triste es cuando el debate se convierte en polémica fundada en la pasión excesiva y en los prejuicios”, rebatió el presidente del Palacio de Versalles Espectáculos, el ex ministro de Cultura Jean-Jques Aillagon, que reprochó a los críticos atacar la muestra sin ni siquiera haberla visto. Murakami rehusó entrar en la polémica, dijo entender que no a todo el mundo le guste su propuesta pero la defendió como una “confrontación” entre lo antiguo y lo moderno, aunque reconoció que ha sido el trabajo “más difícil” que jamás ha afrontado. Para resolverlo, apostó por dos temas que encontró omnipresentes en Versalles, la huella del Rey Sol y la abundancia del dorado, que le sirvieron como hilo conductor para distribuir sus figuras. “A Luis XIV le hubiera gustado”, sentenció Aillagon, que indicó que Versalles “no está muerto” y que en sus inicios, en tiempos del ‘Rey Sol’, el palacio sirvió para que “se expresaran” los artistas de la época. No es la primera vez que Versalles inunda sus vetustos salones con arte contemporáneo, que ya asaltaron el palacio en 2008, de la mano del estadounidense Jeff Koons y al año siguiente de la del francés Xavier Veilhan.

Otra visitante lo consideró “horroroso” y afirmó no entender cómo los objetivos de las numerosas cámaras fotográficas se dirigían a las obras de Murakami en lugar de a los retratos de alguno de los reyes franceses o a los muebles de la época que adornan el lugar.

Miss Ko2

Estas impresiones no son únicas. La exposición ya es fruto de la polémica incluso antes de que se inaugure, puesto que el colectivo “Versailles mon amour”, que agrupa a amantes del palacio, ha recogido ya más de 4.000 peticiones contra la muestra.

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