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GACETA INFORMATIVA DE LA AMC. SOCIEDAD MEXICANA DE AUTORES DE FOTOGRAFIA CINEMATOGRAFICA S.C.
NO. 8 / noviembre 2010
DANIEL PEARL ASC EN MEXICO PARTE 1
DOCSDF 2010 - K'iN 2010 ENTREGA DE PREMIOS
DOCSDF 2010 Resena DEL FESTIVAL
LAS SOLDADERAS Un estilo, dos visiones
DIT Digital Image Technician. (Tecnico en imagen digital).
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Foto cortesía: Juan José Saravia AMC
editoral. sociedad mexicana de autores de fotografia cinematografica sc
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Foto cortesía: Juan José Saravia AMC
stán terminando las celebraciones del centenario de la revolución y ya finalizaron las del bicentenario de la independencia de México. Como cualquier día después de una celebración, hay que levantar los restos de la fiesta y prepararnos para seguir con la vida cotidiana. El cine mexicano continúa, debe encontrarse a si mismo y solidificar su construcción. Celebrar el 2010 nos invita a una profunda reflexión y voltear a revisar la historia para preguntarnos qué tanto hemos madurado como sociedad y país en 100 y 200 años. El cine mexicano se encuentra en un punto coyuntural ante el fuerte embate del consumo de nuestro público de la producción fílmica norteamericana y la creciente oferta de producción en Centro y Sudamérica además de ser actualmente un destino internacional de producción eclipsado por las noticias de inseguridad en nuestro territorio.
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El futuro del cine nacional esta en nuestras manos y la posibilidad de surgimiento como industria radica principalmente en ofrecer los mas altos estándares de calidad, por ello en la AMC estamos propiciando una vinculación más eficiente entre cinefotógrafos y los demás artífices de nuestro cine, Televisón y Publicidad. El 2011 se nos presenta como un año con muchos retos para consolidar la calidad de nuestro cine. Esperamos que los estímulos financieros a la producción sean utilizados para catapultar una industria sólida y que nos permita tener mayor cantidad de películas terminadas en un tiempo razonable y con los más altos niveles de calidad tanto de manufactura como de contenido. Necesitamos analizar nuestra historia para fincar las bases del cine nacional hacia el futuro y crear redes que mantengan constantemente los estándares de calidad, la AMC tiene como uno de sus objetivos procurar la alianza y continua búsqueda de la excelencia en la cinematografía. Nos da gusto dar a conocer que cada día se unen a nosotros cinefotógrafos de gran importancia en nuestra industria para fomentar este trabajo. Entre finales del 2009 y el 2010 se integraron talentosos cinefotógrafos a quienes les damos la más cordial bienvenida: Javier Zarco AMC, Martín Boege AMC, Gerónimo Denti AMC, Jerónimo Rodríguez García AMC, Isi Sarfati AMC, Roberto Correa AMC y Beto Casillas AMC.
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Juan José Saravia AMC Coordinador de edición. Vicepresidente AMC editorial@laamc.com
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Daniel Pearl A.S.C. en Mexico Parte.1
Por Ricardo Cerdán.
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l cinefotógrafo estadounidense Daniel Pearl visitó la Ciudad de México a finales del mes de Septiembre del 2010 gracias a la invitación de Henner Hoffman director del CCC y de Georgina Terán del proveedor de equipo fílmico EFD.
Las producciones como cinefotógrafo de Daniel Peral son reconocidas mundialmente hoy en día, algunas de ellas como “The Texas Chainsaw Massacre”, película de cinema gore de 1974 y el “remake” ó refrito en el 2003 con el mismo nombre. Las dos películas fueron proyectadas en la sala Luis Buñuel del CCC seguidas por una serie de comentarios de las mismas y por una sesión de preguntas y respuestas de los asistentes al evento. Otro genero y especialidad de Daniel es el video clip musical. Su fama llegó por crear imágenes que impactarían al mundo en la revolución del video clip musical con producciones como “Every Breath You Take” del grupo The Police y “Billy Jean” de Michael Jackson. En sus más de 600 video clips que ha filmado, se encuentran diversos músicos como, U2, Van Halen, The Cars, Phil Collins, R.E.M., Duran Duran, Iron Maiden, Chicago, Tina Turner, Stevie Wonder, Aretha Franklin, Paul McCartney, Elton John, Earth Wind and Fire, The Rolling Stones, Jackson Brown y muchos más ya que, sería demasiado mencionarlos todos. El listado completo se puede ver en su curriculum en el siguiente enlace, www.danielpearldp.com
Austin por la presión de sus padres para ser doctor y mas aún con la confrontación de la guerra en Vietnam. Comenta que sus padres opinaban que si no estudiaba y sacaba buenas calificaciones tendría que ir a la guerra. Daniel revisó todos los cursos que ofrecía la Universidad y optó por estudiar radio, televisión y cine aún cuando nada más existían tres televisoras en los Estados Unidos de Norteamérica en el año de 1968. Durante sus estudios en Austin tomó la primera oportunidad de ser cinefotógrafo gracias a su experiencia previa en 8mm. Consultando su primer volumen adquirido del manual de cinefotógrafos de la Sociedad Americana de Cinefotógrafos (ASC), Daniel filma su primera producción de la universidad el cual fue un “western” utilizando película “reversible plus x”. Gracias a los hermosos cielos de Texas, planicies y sus nubes, Daniel trabajó con filtros rojos para incrementar contraste en los cielos y obtiene excelentes
Su inicio cinematográfico fue a los 13 años cuando adquirió una cámara de 8mm donde filmaban sus hazañas con sus amigos en los primeros años del invento de la patineta. Los amigos se juntaban a ver las proyecciones y tocaban acetatos al mismo tiempo. Daniel Pearl comenzó sus estudios en la universidad de Texas en
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Foto cortesía de: El EFD y El CCC
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resultados. Al estar estudiando en una universidad donde la carrera estaba dirigida principalmente a directores y guionistas, Daniel se vuelve sumamente popular entre los estudiantes por su calidad como cinefotógrafo y comienza a filmar cada vez más con sus compañeros. La combinación de que su madre era pintora y su padre ingeniero mecánico formó a Daniel en un perfecto prospecto a ser cinefotógrafo. Gracias a su talento y reconocimiento en los proyectos de sus compañeros en la universidad, Daniel logró una gran experiencia en producciones fílmicas donde los estudiantes le pedían que filmara un gran numero de proyectos. Posteriormente, Daniel decidió estudiar su maestría en la misma universidad después de que le ofrecieron un trabajo en el departamento de equipo fílmico de la misma escuela. Varios de sus compañeros ya graduados comenzaron a trabajar en comerciales y Daniel Pearl fue invitado por suerte a trabajar con ellos en pequeñas producciones profesionales. En una fiesta de graduación, donde se encontraban varios amigos de Daniel, el les comentó que filmaría su primera película antes de cumplir los 35 años. Tres semanas después recibe un llamada de Tobe Hooper (www.imdb.com/name/ nm0001361/bio) quien le comenta que es el cinefotógrafo con mas talento en el estado de Texas y que estaba interesado en que él filmara la película de “The Texas Chainsaw Massacre” que el mismo Tobe dirigiría. Daniel colgó el teléfono atónito y sus amigos le preguntan que ocurría, el les responde que su sueño de realizar su primera película llega 12 años antes de lo esperado. El presupuesto de “The Texas Chainsaw Massacre” fue de $80,000 dólares. Esta es una historia basada en Ed Gein ,un asesino canibalista el cual es responsable de la salvaje muerte de varias personas en los años cincuentas. Foto cortesía de: hugasponge.blogspot.com
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en el largometraje se debió a su poca experiencia, el “ASA 25” y las pocas luces que utilizó directas provocando un alto contraste mismo que hoy en día es característica esencial de su estilo cinematográfico aunque en ese momento fue para poder sobrevivir y tener exposición en cámara. Daniel comenta que su fuerte en la película fue su estilo y diseño en composición ya que el manejo de la iluminación no logró dominarlo hasta muchos años después. El
éxito
del
largometraje
lo
impulsó
como
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Al inicio del rodaje en 1974, Daniel contaba con una cámara de 16mm, pocas emulsiones como la de “Kodak 7254”, la cual tenía mucho grano, “Kodak ektachrome 160 ASA” y “Kodak ektachrome ECO 25 ASA” la cual decidió utilizar para hacer el aumento a 35mm. En cuanto a iluminación nunca había utilizado nada más grande que un dos mil. En esta producción lo armaron con dos cinco miles y un diez mil. Comentó el cinefotógrafo que con esas luces sentía que tenía el sol en sus manos. También comentó en su charla que su estilo documentalista
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cinefotógrafo y llegó a filmar hasta 70 comerciales al año con varios directores incluyendo a Marcus Nispel (http://www. imdb.com/name/nm1197971/). Gracias al éxito de la película, también logró colaborar y crear un etapa importante en la transformación de la imagen de los video clips con el director australiano Russell Mulcahy (www.imdb.com/name/
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23.98 nm0611683/bio). Antes de que Russell y Daniel se conocieran, Mulcahy siendo fanático de la película original, pidió a sus productores que buscaran a Daniel Pearl después de tener conflictos con el que en ese entonces era su cinefotógrafo. El primer video clip con Russell fue del grupo Supertramp de la canción “It’s Raining Again”.
Años después, Daniel recibió un llamada del director Marcus Nispel invitándolo a realizar la nueva película de “The Texas Chain Saw Massacre” y el aceptó. En la charla Daniel comentó que aceptar el largometraje era la parte fácil ya que los productores no querían que él filmara la película. Al tener una junta con los productores, incluyendo a Michael Bay (www.imdb.com/name/ nm0000881/) estos le pidieron, después de varias semanas, un “demo reel” de su trabajo donde Pearl incluyó dos video clips que motivaron a Michael Bay a ser director de largometrajes, un video clip que dirigió Marcus Nispel y un clip de la película original. El demo reel causó muy buen efecto y Daniel fue aceptado a filmar la nueva versión de la película. Al regresar a Austin a filmar la película, ahora con un presupuesto de 8 millones de dólares, Daniel fue tomado por sorpresa ya que los productores
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Foto cortesía: movie-shop.us
Después de su primera colaboración con Russell, este presentó a Daniel como el “nuevo chico” a varios productores ingleses en una fiesta en Los Angeles en el famoso hotel Chateau Marmont y Daniel comenzó a fotografiar video clips que cambiaron la historia dentro del género. Esta evolución importante del video clip musical fue en parte relacionado al uso del “telecine” y el cambio extremo del proceso normal del laboratorio donde no se podían cambiar los colores individualmente. Otras características especiales incluyen que los video clips se veían más de 30 veces por el público general, algo que no ocurría usualmente en las películas y su estilo en conjunto con Russell fue hacer las imágenes mas oscuras para que el televidente descubriera cosas nuevas cada vez, también fue romper el lineamiento típico de la historia y por ultimo, acelerar la edición como nunca antes se había visto en los video clips.
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le comentaron que querían filmar la película idéntica a la primera. También le pidieron que querían al próximo Daniel Pearl con el aspecto visual lleno de grano y documentalero como antes visto. Daniel comentó que a él también le gustaría contar con otro Daniel Pearl como todos quisiéramos un doble, pero que era un error rehacer la película al 100% ya que la estética visual en ese momento era más hacia el estilo de los video clips musicales y el publico había cambiado radicalmente. Pearl les mencionó que tenían que utilizar película de 16mm para tener grano y los productores se negaron ya que tenía que ser filmada en 35mm. Daniel los convenció de utilizar un nuevo aspecto visual ya que él mismo no esta de acuerdo en imitar a otros y menos a si mismo. Esta cualidad es una de la principales razones por las cuales el director Marcus Nispel lo empujo a ser el cinefotógrafo de la nueva película. Marcus sabía que Daniel haría todo por realizar la película lo mejor posible, unos de los muchos atributos que Daniel posee. Daniel concluyó la charla reafirmando que él genera su propio estilo cinematográfico y no le gusta imitar a otros colegas viendo ejemplos visuales de sus trabajos antes de sus producciones. Esto es algo que muchos directores actuales hacen muy seguido y el no está de acuerdo.
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Daniel Pearl ASC. Foto cortesía de Donald Bryant AMC.
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Donald Bryant AMC, Henner Hofmann ASC,AMC, Daniel Pearl ASC y Carlos Diazmuñoz AMC. Foto cortesía de Donald Bryant AMC.
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Por Juan José Saravia AMC.
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DOCSDF 2010 K'iN 2010 Entrega de Premios
Foto cortesía de: www.docsdf.com
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ran oportunidad de ver, analizar y vivir propuestas nuevas fue lo que nos ofreció a varios cinefotógrafos ser jueces para la entrega del premio K´in en el marco del DOCSDF 2010. Analizar tantas obras documentales en un corto tiempo fue una labor titánica pero muy gratificante. Al final del día, es muy agradable tener la oportunidad de conocer nuevos y diferentes puntos de vista sobre diversas temáticas. Este año fuimos siete los jueces que participamos en la calificación y premiación del premio K´in a la mejor fotografía de corto y largometraje documental. De las más de 180 obras documentales tuvimos que restringir el universo de proyectos para hacer viable para todo el jurado poder ver detalladamente cada proyecto; por ello limitamos a premiar proyectos producidos o realizados por Mexicanos o que tuvieran una temática relacionada en algún punto con México. Este año las temáticas nos llevaron, entre varias más, a seguir historias en el desierto, comparar un género musical en Nueva York y en la Havana, la vida después de la dramática y polémica historia de los pescadores Mexicanos que naufragaron en alta mar, conocimos con dos perspectivas distintas la vida al interior del circo, nos mostraron los anhelos, deseos y posibilidades de estos nómadas; en una pieza sencilla vimos y compartimos el dolor y la maravillosa capacidad de la carne humana por transformarse. Compartimos
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Premio K’IN - AMC DOCSDF 2010 Categoría de Mejor Cinefotografía de Largometraje Documental a EMILIANO VILLANUEVA y LUCINO LAROBINA Por “HAVANYORK” Director: Luciano Larobina
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23.98 la incógnita que han vivido los familiares y amigos de Hilario, un músico prodigioso, quien desapareció misteriosamente; tuvimos oportunidad de acompañar y sentir la cotidianeidad de Carmen y Emeterio, nos conmovió su espera y anhelo a la visita familiar de esta pareja de adultos mayores que viven en Acapulco. Varias decenas de historias pasaron frente a nuestros ojos y muchos de ellos nos provocaron diversas emociones.
Havanyork. Dirección y Producción: Luciano Larobina. Fotografia: Emiliano Villanueva, Luciano Larobina. México | 2010 | 90’ | Hdcam
Muchos trabajos contaban con muy buena manufactura, otros con mejor contenido que factura, sin embargo la nutrida participación y selección pone en evidencia que poco a poco el documental está recuperando terreno en la preferencia de los espectadores y realizadores. Los canales de distribución y exhibición a nivel comercial no son los que amantes del género documental quisiéramos que existieran en la ciudad de México, sin embargo DOCSDF ya se colocó contundente en el mapa de las oportunidades para poder ver estos trabajos en nuestro país.
Premio K’IN - AMC DOCSDF 2010 Categoría de Mejor Cinefotografía de Cortometraje Documental a DALIA HUERTA Por “CARNE QUE RECUERDA” Director: Dalia Huerta
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Es un hecho que la producción y distribución del cine documental a nivel mundial ha tenido un resurgimiento y popularidad debido al acceso a nuevas tecnologías digitales que han permitido a los realizadores hacerse de un equipo básico para generar imagen y sonido de muy alta calidad.
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CARNE QUE RECUERDA. Carne que recuerda Dirección, producción y fotografía: Dalia Huerta Cano México |2009 | 25’ | HDV
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9 meses, 9 dias. Dirección: Ozcar Ramírez Producción:Sandra Paredes, Ozcar Ramírez Fotografia: Luis David Sansans y Ozcar Ramírez México | 2009 | 79’ | 16 mm
PUEBLA SINFONIA INAUDIBLE. Dirección y fotografía: Juan Manuel Barreda Producción: Yaizu Vázquez México | 2010 | 63’ | HD
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UN DIA MENOS. Dirección y fotografía: Dariela Ludlow Producción: Dariela Ludlow, Issa Guerra México | 2009 | 80’ | 2009
Ante esta popularización también ha existido un cambio en el esquema de producción documental y una constante que es evidente en la selección de material que tuvimos para premiar la mejor fotografía fue que la mayoría de esta selección el fotógrafo es con mucha frecuencia también director. Esta “dupla personalizada” fue muy acertada en varios casos, pero también hay que recalcar que no fue tan afortunada en muchos otros. No es meramente una apología de la labor del cinefotógrafo, pero si hay una evidente separación entre los proyectos que contaban con cinefotógrafo y los que no, este punto es una realidad ante la necesidad de reducir costos y también, en algunos casos, evitar filtros entre el realizador y sus personajes. Sin embargo aunque se reduzca un puesto en el organigrama de producción no se reducirá la responsabilidad de cuidar la calidad de la imagen tanto formal como contenido. El siguiente paso para que sea aún más popular y que sea factible aumentar el flujo de proyectos será la migración a proyección digital de los cines. Esta migración permitirá en las salas digitales o híbridas exhibir proyectos que solo existirán de forma digital y así poder distribuir masivamente estos documentales en salas cinematográficas. Para lograr exhibir digitalmente con la mejor calidad es necesario realizar los procesos de postproducción lo más preciso posible y con la menor pérdida de calidad para que en el momento en que se exhiba en pantalla grande no se amplifiquen detalles indeseables que pueden distraer al espectador; la importancia de adquirir con la mayor precisión posible durante rodaje será evidente en el momento de proyectar en grande. Aunque los exposímetros cada día son utensilios en desuso no debe caerse en la mala costumbre de exponer solamente con los mini monitores de las cámaras, la herramienta que vendrá a sustituir al exposímetro tiene que ser el monitor de forma de onda y de preferencia el vectorcopio.
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VOCES DEL SUBTERRANEO. Dirección: Boris Goldenblanck, Blanca Álvarez, Iván López, Yordi Capó Producción: Kenya Márquez Fotografía: Iván López, Pablo Márquez, Isrohan Álvarez México 2010 70’’ 35mm
VUELVE A LA VIDA. Dirección: Carlos Hagerman Producción: Carlos Hagerman, Nicolás Vale, Juan Carlos Rulfo Fotografía: John Grillo México 2009 72’ HDCAM, BETACAM DIGITAL, BLUE RAY, DVD
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DOCSDF 2010 -
Por Claudia Mera O.
Resena del festival
Posteriormente me encontré con parte del jurado de este año: Juan José Saravia AMC, Carlos R. Diazmuños Cerdán AMC, Jaime Reynoso AMC, Fito Pardo AMC y Donald Bryant AMC, quienes después de semanas de estar viendo todos los documentales estaban casi listos para dar paso a la fase final de este proceso.
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OCSDF cumple ya su quinta emisión de manera consecutiva. La AMC, (Sociedad Mexicana de Autores de Fotografía Cinematográfica S.C.) por tercer año consecutivo participa entregando su premio a la Mejor Cinefotografía Documental tanto en la categoría de largometraje como cortometraje en el marco de este importante festival de cine documental.
Este año hubo un total de 46 piezas entre cortos y largos. Así que ya se imaginarán lo complicado de ver 46 documentales en menos de 3 semanas.
Del 21 al 31 de Octubre del 2010, la Ciudad de México se vio invadida por la proyección de una nutrida serie de documentales nacionales e internacionales con diferentes temáticas y para todos los gustos.
Poco después de las 8:00pm, se nos informo que podíamos pasar al auditorio de la Biblioteca. Poco a poco se fue llenando la sala, las luces se apagaron y al centro del escenario aparecieron Inti Cordera Director Ejecutivo y Pau Montagud Director Artístico, encargados de llevar la batuta de este Festival.
Este año el evento inaugural se llevo a cabo por 2da vez consecutiva en la Biblioteca José Vasconcelos, la cita fue a las 7:30 pm. Y así con invitación en mano llegue a la cita puntuamente. Para mi que soy vecina de esa zona de la ciudad me da gusto ver que espacios públicos como este edificio sean parte de una evento de gran magnitud. Al llegar al recinto y después de pasar por la mesa de registro, mi primera sorpresa fue encontrarme con Eric Goethals AMC, por suerte para él se encontraba en la ciudad para poder asistir a este evento. Eric, ya había sido jurado de la AMC el año pasado así que estaba muy contento poder estar presente en este evento.
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Biblioteca Vasconcelos, cede de la Inauguración de DOCSDF 2010. Foto Cortesía de: Claudia Mera O.
El documental de Oliver Stone “South of the Border” (Al sur de la frontera) fue la pieza que inauguró el Festival. Aquí se retrata el resurgimiento de los movimientos políticos latinoamericanos a través de la figura del presidente venezolano, Hugo Chávez, este documental constituye un importante testimonio histórico, pues recoge las opiniones de siete mandatarios latinoamericanos (Hugo Chávez de Venezuela; Evo Morales de Bolivia; Lula da Silva de
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23.98 Directorio coordinacion y diseno editoral juan jose saravia amc coordinacion y distribucion claudia mera olguin CONSEJO DIRECTIVO amc juan jose saravia amC vicepresidente CARLOS DIAZMUNOZ AMC vicepresidente
oscar hijuelos AMC vicepresidente
donald bryant AMC tesorero
jaime reynoso AMC secretario
www.cinefotografo.com www.laamc.com Algunos de los miembros del jurado de la AMC en la fiesta de inauguración. Juan José Saravia AMC, Donald Bryant AMC, Carlos Diazmuñoz AMC, Fito Pardo AMC y Jaime Reynoso AMC Foto Cortesía de: Claudia Mera O.
Brasil; Cristina Kirchner y su esposo el ex presidente Néstor Kirchner de Argentina (recientemente fallecido); Fernando Lugo de Paraguay; Rafael Correa de Ecuador y Raúl Castro de Cuba), sobre la evolución política de la región, así como el deseo de cada uno, a su manera, de manejar su propio destino y sus recursos. Después de haber visto este excelente documental, con el que se dio por inaugurado oficialmente este festival, comenzó la fiesta, en un ambiente relajado y con buena compañía me dispuse a disfrutar del momento.
equipo tecnico y colaboradores Ricardo CerdAn AMC Juan JosE Saravia AMC Iniciativa AMC Claudia Mera Jorge Montalvo Aguirrebeitia Eduado San MartIn Especiales Jack Lach AMC Gaceta informativa de la sociedad mexicana de autores de fotografia cinematografica sc publicacion electronica bimestral derechos reservados 04-2009-120312595300-203 sugerencias
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Como ya es costumbre este año, Ecuador fue el país invitado, con el ciclo “Latitud 0º0’00”. La función inaugural de este ciclo fue realizada en el Cine Lido acompañado de un cóctel, donde los asistentes pudieron convivir de cerca con varios de los realizadores de los documentales presentes en esta muestra. Este año se incluyeron dos nuevas secciones: “DOCSDF TOP 20”
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mexico
Foto cortesía: Juan José Saravia AMC.
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para celebrar su 5to. aniversario y “Hecho en México”. Una de los retos que el festival se propuso realizar fue la presentación de gran parte de los documentales de manera gratuita, para lograr esto DOCSDF colocó varias carpas o “Jaimas” en puntos estratégicos de la ciudad, uno de estos lugares fue Ciudad Universitaria. Esta Jaima se situó justo a un costado de la Biblioteca Central de CU, con un ambiente relajado y el clima perfecto para poder disfrutar de una serie de funciones casi al aire libre. La Jaima CU albergó cerca de 50 espectadores todos cómodamente sentados. Otra de las actividades organizadas por el festival fue Reto DOCSDF que consiste en el reto de 5 equipos que realizan un cortometraje de 10 minutos y por segundo año el tema fue el centro de la ciudad; 4 equipos son mexicanos y uno es del mismo país que es invitado en el festival, que este año Ecuador fue el elegido. Los equipos tienen 100
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Jaima colocada en CU.
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23.98 horas para realizar de principio a fin su trabajo y un día antes de la clausura del festival se realiza una función especial para presentar todos los documentales. Mientras éstas y otras actividades se realizaban, los miembros del Jurado de la AMC continuaban viendo documentales, algunos (los más ocupados), tuvieron que hacer sesiones de varias horas para poder terminar de ver todos los documentales. Aunque supone un trabajo complicado a todos los socios les agrada poder ver diversas propuestas tanto en los temas como en la manera de producir, dirigir y fotografiar. Y como ya es costumbre los organizadores de DOCSDF planean una serie de comidas para los jueces de las distintas categorías para que entre buena plática y compañía se llegue la deliberación de los ganadores. A los miembros del jurado de la AMC su comida de deliberación fue realizada en el restauran “El Parnita” situado en la Colonia Roma. A esta comida asistieron Carlos Diazmuñoz Cerdán, Donald Bryant y Carlos Diazmuñoz Gómez, y por parte de DOCSDF estuvieron Karina Guzmán, y posteriormente Pau Montagud, que estuvo un rato con nosotros compartiendo parte de su experiencia en el Festival. Este año el jurado de la AMC designo que el premio K’in a Mejor Cinefotografía de Largometraje Documental Mexicano fue para Emiliano Villanueva y Lucinao Larobina por “Havanayork”. Y el premio a Mejor Cinefotografía de Cortometraje Documental Mexicano fue para Dalia Huerta Cano por “Carne que recuerda” quién además de fotografiar también dirige. Cabe mencionar que la técnica y creatividad de este documental hizo que este premio se diera de manera unánime.
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En la comida de deliberación. Donald Bryant AMC, Pau Montagud, Karina Guzmán (ambos de DOCSDF), Carlos Diazmuñoz Gómez. AMC y Carlos R. Diazmuñoz Cerdán AMC. Foto Cortesía de: Claudia Mera O.
Finalmente se llego el día de la Clausura del Festival, la cual se llevo a cabo el pasado 30 de Octubre a partir de las 7:30pm esta vez en el Teatro de la Ciudad “Esperanza Iris” ubicado en la calle de Donceles, en el centro de esta ciudad. La entrada fue nutrida, y pues cómo no, si este escenario es el marco perfecto para la ceremonia de premiación. Como platillo de entrada fuimos testigos de la proyección titulada “Ciudad de México” dirigida por Luis Mandoki y Mariana Rodríguez; que mejor manera de presentar a la Ciudad de México que con este video documental que nos muestra los lugares, colores y sabores más representativos de esta ciudad y su diversidad. De esta forma nuevamente Inti
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23.98 Cordera y Pau Montagud dieron inicio al evento, a partir de ahí fueron presentadas todas las categorías y sus ganadores. Para la presentación del premio a Mejor Cinefotografía Documental Mexicana estuvieron en el escenario Donald Bryant y Fito Pardo mismos que hicieron entrega de los premios. El evento estuvo amenizado por el grupo “Pancho Villa un canto a tu corazón” agrupación que interpreto una serie de corridos relacionados con Pancho Villa, Emiliano Zapata y el movimiento revolucionario de 1910 (muy acorde a las fechas del Centenario de la Revolución Mexicana). La presentación interesante y apoyada por imágenes de la Revolución proporcionadas por la Filmoteca de la UNAM.
Clausura de DOCSDF, en el Teatro de la Ciudad “Esperanza Iris”. Foto Cortesía de: Claudia Mera O.
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Inti Cordera y Pau Montagud. Foto Cortesía de: Claudia Mera O.
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Los ganadores de la quinta edición del Festival Internacional DOCSDF son:
Grupo “Pancho Villa un canto a tu corazón”
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1.- Mejor Documental Internacional: “Im Bazar der Geschlechter” (En el bazar del sexo), de Sudabeh Mortezai. 2.- Mejor Documental Iberoamericano: “Alumia”, de Andrea Ferraz y Carol Vergolino. 3.- Mejor Cortometraje Internacional: “Poza Zasiegiem” (Fuera de alcance), de Jakub Stozek. 4.- Mejor documental internacional para televisión: “Dacia, Dragostea Mea” (Mi hermoso Dacia), de Julio Soto y Stefan Constantinescu. 5.- Mejor Documental Mexicano: “Los Otros Californios”, de César Talamantes. 6.- Mejor Cortometraje Mexicano: “Carne que Recuerda”, de Dalia Huerta Cano. 7.- Mejor Documental Mexicano para TV: “Los Cinco Secretos del Oficinista”, de Alberto Nulman. 8.- Premio Resistencia: “La Guerra por Otros Medios”, de Cristian Jure y Emilio Cartoy. 9.- Mejor Fotografía de Documental Mexicano otorgado por la Sociedad Mexicana de Autores de Fotografía Cinematográfica (AMC) en categoría de largometraje: “Havanyork”, Emiliano Villanueva y Luciano Larobina, dirección Luciano Larobina. 9.- Mejor Fotografía de Documental Mexicano otorgado por la AMC en categoría de cortometraje: “Carne que Recuerda”, Dalia Huerta, dirección Dalia Huerta Cano. 10.- Premio del Fideicomiso del Centro Histórico-Reto DOCSDF: “Sin Tirar la Toalla”, de Laura Berrón. 11.- Premio Panasonic-Reto DOCSDF: “Tres Hilos para Bordar”, de Yuli Rodríguez. 12.- Premio del Público-Reto DOCSDF: “Lagunillar. No es un Verbo. Son Varios Sujetos”, de Bárbara Moreno Turcott.
Donald Bryant AMC, Fito Pardo AMC y Luciano Larobina. Foto Cortesía de: Claudia Mera O.
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Para finalizar se llevo a cabo la proyección del documental “Aluminia” de Andrea Ferraz y Carol Vergolino ganador de premio a Mejor Documental Iberoamericano, en el que se nos muestra la vida de los campesinos en una de las zonas más áridas del planeta Finca San Francisco, un lugar sin energía eléctrica, situada a 300km de Recife, Brasil. Una mirada cercana a sus habitantes y su ideas sobre luz, obscuridad, matrimonio e hijos, cielo e infierno, vida y muerte, etc. Finalmente la luces se encendieron y poco a poco fuimos desalojando el teatro, para tomar camino a “La Nana Fábrica de las Artes” (antes Salón México), donde nos esperaba ahora si la fiesta, entre abrazos sonrisas y buenos deseos amenizados por el Sr. Bikini y su banda. Yo me quedo con la esperanza de poder presenciar el DOCSDF 2011.
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Fiesta de Clausura, amenisada por el Sr. Bikini.
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Donald Bryant AMC, Dalia Huerta C. y Fito Pardo AMC.
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Fotos Cortesía de: Claudia Mera O.
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LAS SOLDADERAS
Por Jack Lach AMC. CUEC - UNAM
Un estilo, dos visiones
UN TEMA, DOS ESTILOS. • LAS SOLDADERAS VISTAS DESDE LAS CÁMARAS DE GABRIEL FIGUEROA Y ALEX PHILLIPS, SR. • ANALISIS DE LA CINEFOTOGRAFÍA DE “ENAMORADA” (1946), DIRIGIDA POR EMILIO FERNANDEZ Y “LA SOLDADERA” (1967), POR JOSÉ BOLAÑOS.
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ara hablar, a propósito del Centenario de la Revolución Mexicana, elegí el tema de la soldadera como excusa para analizar el trabajo de dos destacados cinefotógrafos y cómo es que encontraron el estilo fotográfico para interpretar este acontecimiento. Las mujeres representadas en estos dos filmes son ambas hijas de familias burguesas, sin ideales sociales, que por diversas circunstancias, una por enamorarse de un jefe revolucionario y la otra debido a que fue secuestrada por las tropas revolucionarias el día de su boda, fueron arrastradas a la vorágine revolucionaria.
Alex Phillips (1900-1977) Fotografía tomada del libro: LUNA CORNEA Num. 24, julio-septiembre 2002
Así como muchas otras, esas sí pertenecientes a los hechos históricos, quedan vinculadas por sumisión al hombre luchador, no importando el bando al que pertenecen e incluso cambiando de él según fuesen sucediendo las circunstancias de sus hombres. Existen documentos donde encontramos casos de soldaderas que no solo preparaban los alimentos, daban cobijo y curaban las heridas sino que tomaron las armas y lucharon junto a los hombres en igualdad de circunstancias. Tal es el caso de Lázara, protagonista de “La Soldadera”. En términos fotográficos, el primer dilema al que se enfrentan el realizador y el cinefotógrafo es la cuestión del estilo de la imagen, por lo que es necesario decir que, en el caso del cine, esta decisión debe ser asumida por ambos. Si nos atenemos al concepto de estilo podríamos decir que “…. El estilo es un instrumento básico para la historia y la crítica del arte. Permite aclarar, trazar relaciones y demostrar influencias. En su sentido más profundo, el estilo no es algo que se adquiere en cualquier sitio, compuesto de una o dos técnicas y un motivo recurrente. Es una sensibilidad visual frente al motivo que está ante la cámara, sea cual sea ese motivo; una sensibilidad que invita a estudiarlo, a explorarlo y a reflexionar sobre él”, enuncia Michael Freeman en su libro Achieving
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Photographic Style1. La crítica de arte y muchos artistas se sienten más cómodos cuando su obra puede ser encasillada en un estilo determinado. En el caso que nos ocupa, encontramos que Emilio Fernández y Gabriel Figueroa, en 1946, se encontraban influenciados, cómo muchos otros artistas plásticos de su época, por la corriente estética del Nacionalismo Revolucionario y el Expresionismo Alemán. Por su parte, José Bolaños y Alex Phillips, en 1967, se vieron atraídos por el Neorrealismo Italiano y el Realismo Socialista de la entonces URSS. El estilo y la tecnología afectan en sentido práctico todas las decisiones visuales. Desde la elección de la emulsión fotográfica adecuada, la óptica que mejor destaque el punto de vista del realizador, la composición de la imagen desde los ángulos escogidos por él, los movimientos de cámara que mejor acompañen la historia y el montaje elegidos, sin dejar pasar la elección de las mejores locaciones que impriman verosimilitud y emoción estética a la película, la selección de actores, la dirección de arte y el sonido. No hay que olvidar, o hacer a de lado las aportaciones de los actores, sin las cuales nada de lo que he mencionado serviría. En fín, el cine es la suma de muchas artes. Desde la escritura del guión de “Enamorada” (Emilio Fernández e Iñigo de Martino), la intención visual era enfatizar la grandeza de los valores que simbolizaban el nacionalismo mexicano y construir el México de “ensueño”, donde por razones de censura nunca pudiéramos ubicar políticamente al protagonista masculino (Pedro Armendáriz como el General José Juan Reyes) dentro de la trama. Debido a su vestuario nunca podremos afirmar si es zapatista ó un militar. No hay que olvidar que la película se filmó en la presidencia del último general que ocupó el cargo, Manuel Avila Camacho. Su físico era ideal para la construcción de un rostro con el que el espectador pudiera identificar la fuerza y la belleza del mexicano surgido de la lucha liberadora de la identidad nacional, quien merecía enamorarse de la mujer más hermosa del pueblo recién conquistado. Ella (María Félix como Beatriz Peñafiel), representa el trofeo que el general reclama al hombre más rico del ____________________________________________________________________ 1 (Quill Publishing Ltd. London, 1984)
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Illustración de: Claudia Mera O.
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23.98 pueblo. Beatriz simboliza a la mexicana ideal que procreará en el futuro a las nuevas generaciones de mexicanos surgidos de esta idìlica revolución cinematográfica. Quiero pensar que con estas ideas estereotipadas y con estos actores protagonistas en mente, Fernández y Figueroa junto con Manuel Fontanals en el diseño de producción, la construcción y decoración de los interiores en foro de Manuel Parra y el vestuario diseñado por Armando Valdés Peza, juntos se dieron a la tarea de escoger los mejores sitios para filmar los exteriores que recayeron en una de las ciudades coloniales con las mas bellas iglesias de México, Cholula, Puebla.
Gabriel Figueroa María Felix Emilio “Indio” Fernández Fotografía tomada del libro: En Su Propio Espejo (Entrevista con Emilio “Indio” Fernández) Autor: Julia Tuñon Editorial: UAM México, 1988
No existe información a la mano acerca del negativo elegido por Figueroa, pero por los resultados utilizó uno de grano muy fino, que en combinación con una serie de filtros de contraste y la iluminación, con los que se volvió legendario no solo por esta película, logró imprimir una enorme carga dramática que permitió que el melodrama se desarrollara hasta su desenlace climático cuando Beatriz interrumpe su boda civil (ojo, pues para 1929 el gobierno mexicano había derrotado a las fuerzas de la iglesia en la guerra cristera y el mensaje era eminentemente laico, aunque el hermano del general Reyes, el actor Fernando Fernández, fuese un sacerdote progresista), y corre por la calle apresurada al escuchar que su amado abandona la ciudad por el acoso de las tropas federales. Esta secuencia es la más impactante del film, debido a que la cámara acompaña a Beatriz con el fondo de un muro iluminado con las sombras estilizadas, muy al estilo Expresionista Alemán, de los revolucionarios en retirada y el sonido de sus trompetas y sus caballos. Es una secuencia de antología, donde se antoja que Gabriel Figueroa haya sugerido esta puesta en cámara, pero también pudo haber sucedido que Emilio Fernández la haya visualizado por si mismo. En todo caso fue la colaboración de ambos, tal como sucede en toda buena película. Otra cuestión muy importante en “Enamorada” es la utilización de los ángulos de cámara y la distancia focal. Cada secuencia está formada por dos escenificaciones, la puesta en escena y la puesta en cámara. Estas decisiones forman parte del estilo elegido, significan el montaje del film, son decisiones que normalmente toma el realizador aunque en muchas ocasiones el cinefotógrafo y el editor pueden influenciar también. En los casos a los que me refiero, la mirada de Fernández-Figueroa es muy diferente de la de Bolaños-Philips. Influye la diferencia de 21 años
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entre ambas películas, el estilo, el contexto histórico, los gustos, la ideología, etc., pero también influyen la forma de mirar de ambos binomios e incluso los cambios tecnológicos. Emilio Fernández nació en 1903 en Hondo, Coahuila y murió en el D.F. en 1986. Durante su carrera profesional actuó en 89 filmes; dirigió 43 películas y escribió 42 guiones cinematográficos. Recibió en vida muchas distinciones por su trabajo. Gabriel Figueroa nació en 1907 en la ciudad de México, donde falleció en 1997. Fotografió 210 largometrajes y fue muy premiado y homenajeado. Colaboró con grandes realizadores de su tiempo cómo Luis Buñuel y John Houston, por solo citar dos. En “La Soldadera”, 1967, la influencia del neorrealismo italiano en la puesta en escena, cómo la Gelsomina de “La Strada”, 1954, de Federico Fellini interpretada por Giuletta Masina, mezclada con grandes planos secuencia, es decir, puestas en cámara donde ésta se mueve alrededor de la acción sin cortar, de influencia soviética, cómo “Cuando pasan las cigüeñas”, 1957, de Mikhail Kalatosov, y el guión, escrito por el propio Bolaños, dieron como resultado una película de soldaderas con un enfoque muy diferente, más realista, pero sin abandonar el acento melodramático, donde seguimos las peripecias de Lázara (Silvia Pinal), desde el momento en que recién casada espera junto con su esposo Juan (Jaime Fernández) la llegada del tren que los llevaría de viaje de bodas, cuando ambos son secuestrados y forzados a unirse a la revolución por tropas que llegan en dicho ferrocarril. No hay que olvidar que la Revolución se llevó a cabo en el norte de México, utilizando las vías férreas para sus traslados, lo que nos hace suponer que son villistas los que finalmente los llevan con ellos. En esta película también aparece la censura. 21 años después de “Enamorada” las condiciones políticas de los gobiernos de la Revolución temían la influencia villista, por lo que el nombre de Francisco Villa o el de sus tropas no es mencionado. Además, el punto de vista masculino acerca de las mujeres tampoco había sido modificado notoriamente en el transcurso de esos años.
Illustración de: Claudia Mera O.
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Lázara, junto con muchas otras mujeres en la misma condición irá cambiando de hombre según vayan muriendo en el conflicto bélico, “La Soldadera” aparece cómo la con-
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23.98 tinuación de “Enamorada”, pues ahora vemos a las soldaderas vivir la experiencia bélica y cómo van incluso adquiriendo destreza con el fusil que algunos hombres les entregan. Merecen especial mención las secuencias cuando las soldaderas invaden una hacienda porfirista destruyendo y robando todo a su paso, muy al estilo surrealista de Luis Buñuel y aquella secuencia de la proyección cinematográfica al aire libre, donde Silvia Pinal imita las gesticulaciones de Giuletta Masina. En términos fotográficos, el acuerdo al que habrían llegado Bolaños y Phillips incluyó decisiones cómo las siguientes: Utilizar negativo monócromo como la opción válida, ya que a diferencia de “Enamorada”, la tecnología proporcionaba negativo en color en 1967. Lo utilizaron quizás cómo nostalgia de aquellos filmes de la Revolución rodados en las décadas de los treinta y cuarenta, pero también por aquellos legendarios filmes italianos del Neorrealismo. La emulsión elegida por Alex Phillips fue de menor contraste y más granosa que la elegida por Gabriel Figueroa para “Enamorada”.
Fotogreamas de la película “Soldadera” (1967) Dirección: José Bolaños Fotografía: Alex Phillips
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Mientras en “Enamorada” la dimensión proporcional de la pantalla era de 1.37:1, en “La Soldadera” la tecnología había avanzado gracias a la televisión y los cines proporcionaban dimensiones proporcionales de hasta 2.40:1, como el “Cinemascope”, lo cual ayudaba a la espectacularidad buscada. Además, estaba en boga el uso de lentes de distancia focal variable, zoom. Por otro lado, decidieron utilizar “dolys” y grúas lo más
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23.98 posible para mover la cámara y seguir sin cortes los desplazamientos de los personajes y también del otro protagonista: el ferrocarril. Sin embargo, el resultado no fue del todo satisfactorio, debido entre otros factores a que los excesivos plano secuencias restan ritmo a la acción, además de que ésta fue la Opera Prima de José Bolaños, mientras que “Enamorada” fue la octava película de Emilio Fernández. La experiencia es la experiencia. Alex Phillips fotografió durante su vida profesional 207 largometrajes, una labor similar a la de Gabriel Figueroa. En la década de los 70’s fue mi maestro en el CUEC-UNAM, al que se acercó cuando su salud le impidió seguir filmando. El solía decir con cierta ironía, que le faltaba aún mucho por aprender. Nunca se enteró de la Revolución Digital.
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Fotogreamas de la película “Enamorada”(1946)
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Dirección: Emilio Fernández “El Indio”.
Fotografía: Gabriel Figueroa.
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DIT
Por Juan José Saravía AMC.
Digital Image Technician. (Tecnico en imagen digital).
La importancia de calidad en la imagen digital.
Definitivamente la planeación eficiente permite optimizar los costos mucho mejor que armar una producción a base de paquetes de todos los servicio.
E
l 2010 en México, además de celebraciones de bicentenario y centenario, fue el año en el cual se consolidó la aceptación general de la tecnología digital. Hay cámaras para todos los gustos y para todos los tamaños de producción, existen muchas variables que son nuevas para nuestro entorno cotidiano y sobre todo, totalmente desconocidas para muchos productores.
El “paquete” en la producción y en los procesos de postproducción tienen fronteras, hay procesos que si son “paqueteables” para que sean funcionales, para hacerlo obvio es como si rentáramos un auto y nos cotizaran el precio sin llantas y sin motor, es evidente que hay que dar el precio del auto completo, pero no es lo mismo el costo de un sedan que el de un tractocamión, así como no rentaríamos un sedan para cargar un elefante.
Ante tantas variables el desconocimiento e ignorancia de estas posibilidades es perfecto terreno para el desastre si no se toma en cuenta la opinión de expertos para escoger los mejores equipos y procesos para cada proyecto en particular. El concepto de “paquete” es muy peligroso ya que en muchos casos llega a comprometer la calidad visual del proyecto. Este concepto y práctica se ha vuelto muy popular en México, es decir que de antemano se firma por asumir que algo saldrá mal y que necesitaremos echar mano del recurso del paquete para que no nos cueste más caro por la imprecisión en la planeación y tratar de que las cosas que no calculamos no modifique el precio.
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Para poder tomar las mejores decisiones y poder definir el mejor proceso es necesario que el director de fotografía en conjunto con el supervisor de postproducción tomen la responsabilidad de determinar el mejor formato dependiendo de las condiciones de producción y presupuesto para terminación del proyecto. Siempre han existido miles de variables en la producción y postproducción de un proyecto, sin embargo hoy en día es indispensable una comunicación directa entre los responsables de control de calidad de la imagen desde principio a fin (cinefotógrafo y supervisor de postproducción).
Foto cortesía de: Claudia Mera O.
Una vez decidido el proceso general (llamado en otros países “pipeline”) se debe
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distribuir la responsabilidad, para ello en rodaje es necesario que alguien dentro del equipo de cámara asuma la responsabilidad de calibración de las cámaras digitales, ya sea uno o varios cuerpos.
Foto cortesía de: Claudia Mera O.
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En el organigrama de producción se ha añadido un nuevo personaje, el DIT: Digital Image Techncian (técnico en imagen digital), es el o la responsable de la calibración total de la cámara en base a los requerimientos pedidos por el cinefotógrafo; ajusta formato de grabación, codecs, temperatura de color, salida a monitoreo, sincronización de códigos de tiempo, ajuste preciso de color entre varias cámaras entre otros valores de colorimetría y registro de imagen. En la producción norteamericana se definió una posición exclusiva para esta responsabilidad y todo proyecto que se realiza en formato digital siempre se incluye un DIT en el equipo de cámara, para la realidad de la producción latinoamericana esta inclusión nos cuestiona si es posible el soporte en el presupuesto de una persona más en los equipos de producción o si esta responsabilidad se le debe asignar a los asistentes de cámara ya sea primero o segundo o exigir a un DIT en todo rodaje con tecnología digital. La forma de incluir a este personaje será tema de discusión y conciliación entre productores; fotógrafos y postproductores, pero la realidad es que siempre deberá existir un responsable en el equipo de rodaje que ejecute las responsabilidades de un DIT.
Foto cortesía de: Claudia Mera O.
Hoy en día es una realidad que no más del 40 % de las cámaras digitales aprovechan su potencial debido a una pésima calibración y muy mala eje-
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Calcular los riesgos posibles y tiempos reales en los procesos de postproducción es un factor que ya no se debe dejar a tan a la ligera y asumir que muchas veces el “paquete” puede ser contraproducente en el resultado final de un proyecto. Cada proyecto debe tener su propia arquitectura y con ello sus propias herramientas por lo que la inclusión o por lo menos buscar la asesoría de DIT´s y de Postproductores desde la concepción del proyecto debería ser obligatorio esto para optimizar los recursos y obtener el mejor resultado.
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Foto cortesía de: Juan José Saravia AMC
cución en post. Por ejemplo la cámara RED en México, es en definitiva la cámara que destapó la popularidad del uso de cámaras digitales, sin embargo muy pocas veces es explotado su verdadero potencial. El mayor potencial de esta cámara radica en capturar la mayor cantidad de escalas de grises de la escena a filmar y reducir la cantidad de información que tiene que almacenar para hacer factible una gran resolución en poco espacio de disco. Para lograrlo, la RED tiene procesadores muy eficientes que capturan la información de color y la codifican, es decir que calculan fórmulas para posteriormente reconstruir la imagen con la mejor calidad posible. Para que el sistema de RED visualice efectivamente su mayor calidad es necesario contar con un equipo de postproducción que pueda interpretar y calcular la información almacenada, muchas computadoras personales con el software indicado pueden interpretarla pero a una velocidad considerablemente lenta. Ha habido muchos casos en México que el proceso es tan lento por no contar con la infraestructura necesaria que sacrifican la información “RAW” (información en crudo, es decir el 100% de la captura del sensor) convirtiendo todos los archivos a un tamaño de imagen más pequeño para poder procesar la imagen, al hacer esto lo más grave es que se sacrifican significativamente miles de escales de grises las cuales no se recuperarán y resultará en una disminución considerable en la calidad de resolución y color, este proceso sería a terminar trabajando con un formato muy similar e inclusive en algunos casos más bajo al “full HD” que nativamente arroja una cámara XDCAM EX de Sony, o un formato de Panasonic AVCHD o DVCProHD.
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