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N*0 EDITORIAL

A TRAVES Y MAS ALLA DE LA CRÍSIS

‘Para abordar este número de Layout os proponemos un ejercicio dinámico, intermitente y circular. Elegid un artículo o una sección. Leedlo sin prisas (leed el texto pero leed también las imágenes) y sed conscientes de vuestros procesos mentales mientras lo hacéis, de la sucesión de lugares que atraviesa vuestro pensamiento: quizás el artículo que habéis elegido trata un tema que ya os suena y esperáis encontrar en el artículo información que ya conocéis, quizás esperéis corroborar esta información o polemizar con ella; quizás se trata de un estudio cuyo trabajo no conocíais pero en el que sois capaces de rastrear sus referentes y sus fuentes de inspiración; quizás se trata de un proyecto que os inspira para encontrar la solución a algún problema de diseño al que veníais dando vueltas desde hace tiempo y la lectura del artículo os remita continuamente a ese problema.

Lo que es seguro, si os dais cuenta, es que en ningún caso abordaréis esa lectura con la mente diáfana. Al acercarnos a cualquier nueva información llevamos un equipaje previo compuesto por creencias, relatos, conocimientos y presupuestos heredados que configuran nuestras expectativas.

Siempre anticipamos un poco el sentido de aquello que se nos está comunicando. Por eso se ha dicho que conocer es siempre interpretar y que el objeto de conocimiento no puede pensarse como algo que se encuentra aislado frente a nosotros, puesto que al acercarnos a él lo contaminamos desde el lugar en que comprendemos. Nuestra visión es siempre parcial, relativa y transitoria.

Seguid leyendo después el resto de los artículos, este número supone un verdadero desplazamiento espacio-temporal. Una oportunidad para entender un poco más el diseño a partir de la vertebración que se produce entre tradiciones y de la distancia que se da entre ellas. Cuando terminéis de leer la revista, volved al primer artículo que habíais elegido. Leedlo de nuevo ¿Os sugiere lo mismo? ¿Os plantea las mismas cuestiones? ¿Ha variado vuestra lectura?’

SUMARIO

NEW MONSTERS

STYLE WARS

O10

O18

012

020

David M. Cook

Saner

Supreme

Face Down Ass Up!

014

021

016

022

Derek

C. Bothwell

FUND & FORM

O32

PUBLICITY EVOLUTION

O40

ALEX TROCHUT

Por Carlos Calvo

L.E.V 2012

Revok//Sacrilege

024

Veneno 44

026

Vava Gallery

028

Aeon Fly

O44 PACKAGING FUNCION Por Carmen Morales

TECHNOLOGY

VISUAL PLEASURE

050

O54

Cintiq 21Ux

William O. Brien

056

Alex Gronsky

058

Shwood

052

Leica M9

NEW MONSTERS DAVID M.COOK

MEXICAN LOVE Obras de David M. Cook Obras del ilustrador, sin titulo

Del cruce entre la old-school en tatuaje y otras escenas artísticas como el street art y la ilustración se están dando muchos y buenos hijos bastardos. Hoy os presentamos uno más de estos injertos a medio camino, la obra de David M. Cook. Este neoyorquino nacido en Louisville conjuga en sus ilustraciones elementos clásicos del mundo del tatuaje con elementos contemporáneos propios de la neo-psicodelia y los caracteres pop que han inundando la cultura vinyl toy en los últimos años.

Esta mezcla le ha valido un considerable éxito entre la escena lowbrow americana, sustentada y mantenida por revistas como Juxtapoz y Hi-Fructose, y galerías como Fifty24, La Luz de Jesus o Jonathan LeVine, por mencionar unas pocas. Las criaturas de Cook suelen ser monstruos conectados con alegorías clásicas, donde abundan las calaveras y al mismo tiempo los elementos sacados de la cultura pop americana. Asistiendo así a un cruce entre mórbido y naive, donde el sexo y la muerte se visten de colores festivos. En definitiva: una orgía para el sentido de la vista.

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NEW MONSTERS SANER

GORE CRITICISM Obras de Saner Obras del ilustrador, sin titulo

Un artista que nunca deja de impresionarnos es Saner, quien ya debe ser bien conocido entre nuestros lectores y seguidores. Gran artista, gran persona y gran amigo al que dedicamos el libro Die Young 008 y al que invitamos a exponer sus obras junto a Sego, Seher y Dhear, el pasado mes de junio en la muestra de Arte Urbano Mexicano que organizamos en el Centro de Cultura Contempor谩nea El Escoxador de Elche. Desde entonces, Saner no ha parado ni un segundo en su creaci贸n.

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NEW MONSTERS DEREK

3D ILLUSTRATION Obras de Derek Obras del ilustrador, sin titulo

Formado como animador clásico, Derek ha pasado la última década trabajando en el campo del desarrollo de videojuegos en Vancouver, Canadá. Durante estos años desempeñó diferentes trabajos artísticos dentro de la creación de proyectos para clientes como Nintendo, Sega, Activision y Marvel Entertainment.

Debido a la necesidad de volver a crear su propio arte, Derek comenzó a centrarse en su propia obra en 2009, después de haberla abandonado durante 12 años. Su primer proyecto personal, Entartete Kunst, fue desarrollado con el fin de disipar sus prejuicios hacia el arte expresivo, superar sus propias limitaciones y rejuvenecer su espíritu creativo. Este proyecto ha sido presentado en numerosas exposiciones dentro de la Feria de Arte Blooom 21 en Colonia, Stroke 04 en Munich, State of the Art en Whistler, Canadá, o en la Galería de Arte Artishox de Hasselt.

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NEW MONSTERS C.BOTHWELL

VISIBLE GHOST Obras de C. Bothwell Obras de la escultora, sin titulo

Nacida en Nueva York en 1960, Christina Bothwell emplea vidrio, arcilla, madera, pintura y objetos encontrados en sus reveladoras esculturas. En su trabajo se siente atraída por los procesos de nacimiento, muerte y renovación.

Le fascina aquello que se esconde debajo de la superficie y trata de captar las cualidades de lo “invisible” expresando así la capacidad de asombro que ella siente en su vida cotidiana. “Me siento atraída por el vidrio, ya que puede hacer todo lo que otros medios escultóricos pueden; pero además, ofrece un espacio interior y transmite la luz.”

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STYLE WARS SUPREME

STREET ELEGANCE Supreme advertising Campaña promocional de la marca supreme para la coleccion de ropa de 2012.

Pagina siguiente Baseball series Sudaderas para la coleccion de ropa de 2012 Supreme skates Nuevos diseños para tablas de skate Supreme Gorras Supreme Nueva coleccion de gorras en dos unicos colores American series Camisas de pana para la nueva coleccion de ropa.

Supreme shoes Nuevos coleccion de zapatos Supreme para la nueva temporada de invierno.

Zapatillas Supreme Nueva coleccion de zapatillas para chica en 2012.

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En los últimos años, algunas tiendas de zapatillas de deporte han llegado a parecerse a galerías de arte pomposa, ha sido un poco desconcertante que es lo que se pretendía por ambas partes. Consideremos, por ejemplo, la marca Supreme. Es una marca de ropa centrada a fondo, con una tienda en la calle Lafayette en Manhattan y se asocia con la cultura del skate. Por otra parte, la devoción y la meticulosidad - o, si lo prefiere, el esnobismo - del consumidor Supreme es comparado con la de los consumidores de moda de gama alta. (Vogue, una vez señaló las similitudes entre los compradores de la marca en cuestión y Chanel.) Sus productos se extienden mucho más allá de camisetas y zapatillas de deporte: la línea actual Suprema incluye sudaderas con detalles de acolchado ($ 130) y chaquetas en un cuadros personalizados ($ 180). Incluso GQ “Estilo Guy”, mientras meditaba que puede ser el único cliente de pelo gris en frecuentar la tienda, denominada a un par de pantalones de la marca de skate, de entre todas las cosas, sus “favoritos absolutos”.

Cuando la primera tienda Suprema abrió sus puertas en 1994, James Jebbia, su fundador, decía que no sabía mucho acerca de los aficionados al skate, pero estaba intrigado por su rebel-

día y su creatividad. Trabajó duro, entonces y aun ahora, para ser fiel a esa escena, hasta llegar a la contratación de los patinadores locales para trabajar en la tienda.”Muchos de los niños del centro de Nueva York son muy, muy particulares”, dice. Esta era su meta: el público difícil, escéptico, que quería, por ejemplo, ropa que podría obtener sólo si se encontraban en dentro del rollo. Estos niños eran más como un consumidor de alta costura que uno de masas. Y así no se alarmó al ver a su marca que se menciona en las principales revistas de moda. De hecho, Jebbia considera Supreme como una marca de estilo de vida.

Supreme tiene ahora tres tiendas en Japón (donde la distinción entre la moda de la calle y la alta costura se encuentra en un estado turbio),una en Los Ángeles, Inglaterra, Canada, Alemania y Australia. Las cosas han cambiado un poco desde mediados de la década de 1990, por supuesto. Un gran número de marcas - de las grandes corporaciones o individuos con gráficos en tres camisetas y un blog - ahora están persiguiendo a los consumidores exigentes de la “alta costura de calle”. En un entorno de clientes volubles, la longevidad de Supreme puede ser la cosa más sorprendente sobre la marca. Se-

ñala que el interior de su tienda de Los Ángeles fue diseñada por Harry Allen & Associates, la misma empresa que hizo la famosa boutique en Manhattan de la marca Moss. “Somos una compañía adecuada”, dice, aunque suena un poco exasperado. “No estaríamos en el negocio si solo se tratase de camisetas.” Por supuesto, cada nueva línea que sale de Supreme todavía incluye camisetas, a menudo de una demanda que supera con creces la oferta intencional.

Pero es la coherencia y la calidad lo que hace que sus piezas sean de gama alta, lo que él dice, que cree que han ayudado a Supreme a sobrevivir en un negocio volátil, que todavía se centra en un cliente principal exigente, que hoy en día es más exigente y más difícil de impresionar que nunca. “No estamos tratando de hacer cosas para las masas”, dice, sino para “los pocos que saben lo que pasa.”

Y así, después de décadas de ver su creatividad rebelde, los patinadores marginales, por una vez, han logrado alcanzar a las élites - mediante la apropiación de su exclusividad.

Supreme es un tipo diferente de empresa de moda. Algunas personas llamarían a Supreme moda de la calle, algunos lo llaman skater de la moda, pero en realidad está más allá

de la clasificación. Ellos hacen ropa y accesorios, pero también hacen monopatines, patinetas que son coleccionados como obras de arte. De hecho, han sacado al mercado tablas de skate con cubiertas hechas por artistas como Larry Clark, Jeff Koons, Richard Prince,Christopher Wool, Nate Lowman, y, más recientemente, Damien Hirst. Sus zapatos y otros productos se coleccionan fanáticamente como arte. A veces, cuando un nuevo elemento entra en la línea, los clientes esperan en la acera durante 24 horas, durmiendo en la calle para estar entre los pocos afortunados que son capaces de comprar.

James Jebbia estaba en la primera ola de la moda skater, en asociación con Sean Stüssy. Cuando Stüssy dejóel negocio, Jebbia abrió Supreme en 1994 en una pequeña tienda en la calle Lafayette, en el centro de Nueva York. Quince años después, la Supreme está en el pináculo de la moda juvenil populista. Es tan grande, ya que quiere estar en Nueva York y Los Ángeles y enorme en Japón.

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STYLE WARS

FACE DOWN ASS UP!!

URBAN NOISE HOOLS

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FACE.DOWN.ASS.UP! CLUB cumple este viernes 2 años por todo lo alto. Desde su apertura, se ha consagrado en la escena mediante un éxito rotundo en cada una de sus fiestas en las que unen música, moda, videoarte, show y desfase.

Para celebrarlo contarán con la presencia de Bitcode, ganador nacional del Redbull thre3style, finalista entre los 6 mejores del mundo y subcampeón de España de la DMC de 2002 ; los MC’s de Rap Solo (Violadores del Verso / Xhelazz), Rapsusklei, Sharif y Oscar a Secas.

Además de los djs residentes Ms.Von Disko y Sweet Drinkz, y el videoartista Hache de la P y Sr.Craneo.

Además se aprovechará la ocasión para realizar la presentación a nivel nacional de la colaboración de WeSC x RZA (fundador de Wu-Tang Clan) que unen las señas de identidad de WeSC con el talento y versatilidad de un creador como RZA.

Face Down Ass Up Club se caracteriza por la diversidad en el ambiente, donde no hay etiquetas ni una única tribu urbana, en el local se mezclan skaters, punks, raperos, heavys, modernos, clubbers, raveros, rockers, góticos, alternativos, mods… y diversidad en la música, sonidos de vanguardia no aptos para los amantes del sonido minimalista ni para la gente de oído y corazón sensible, moviendose entre el bass music, el electro macarra y el crossover (moombahton, dubstep, bassline rave, fidget, maximal, uk funky, wonky, grime, drum and bass, jungle, footwork, miami bass, nu rave…), por ello cuentan con los artistas mas destacados de la escena en sus sesiones como Foreign Beggars, Oink Oink!, Dj Soak, Kaze, Tony Karate, Yasmin Gate, Telephunken, Chelis, La Musique d’ordinateur, 1000k, etc… Los responsables de todas las perversiones que ocurren los jueves noche son los djs Sweet Drinkz y Ms.Von Disko y el diseñador Sr.Craneo.

Face Down Ass Up le da la nota de color, de frescura y de ruido a la noche zaragozana, ofreciendo un concepto diferente de sesión con una actitud punk y manteniendo una calidad técnica y musical en cada fiesta con residencia en la sala Boulevard de Zaragoza e itinerante en festivales como FIZ o diferentes ciudades como Barcelona, Valencia o Madrid.

Face Down Ass Up son los culpables de que te echaran del trabajo por llegar borracho a la reunión con tu jefe el viernes por la mañana, que te detuvieran por escandalo público, que tu familia te desheredara…

STYLE WARS L.E.V 2012

ELECTROGRAPHICS Ghostpoet Fotografia promocional del artista para L.E.V Holy Other Fotografia promocional del artista para L.E.V Ryoji Ikeda Fotografia promocional del artista para L.E.V Pagina anterior Face down Ass up!

Foto del colectivo urbano FDAU

El 27 y 28 de abril se celebra la sexta edición de Laboratorio de Electrónica Visual, o L.E.V. en Gijón, donde se unen la música experimental y las artes visuales y escénicas como una forma de expresión artística en constante evolución.

Esto se traduce, como cada año desde 2007, en una programación excitante y aventurada donde hay sitio para instalaciones como las de Ryoichi Kurokawa (rheo: 5 horizons) y Ryoji Ikeda (data.tecture[5 SXGA + version], el Workshop de la Red Bull Music Academy, la exposición Visualizar el sonido, el Concierto Fotosintético de Paula Pin y las actuaciones en directo de aritstas como Ghostpoet, Various Production, Arbol, Holy Other, Kuedo y Prefuse 73, entre muchos otros. De este último encontrarás una sesión especial grabada para la revista Self-Titled en la que Guillermo Scott Herren nos descubre la música que le preocupa en estos momentos.

Además, L.E.V., la emisora de radio scannerFM y la plataforma Mixcloud colaboran en una convocatoria dirigida a artistas y proyectos nacionales para promover y facilitar la difusión de nuevos creadores de música electrónica de nuestro país.

Y terminamos con “They Live, We Rise”, un proyecto de Javier y Pablo Iglesias, artistas, diseñadores y directores de Belio Magazine. Se trata de una edición física y digital inspirada en la película “Están Vivos (They Live)” de John Carpenter. Una especie de homenaje a esta película para denunciar una sociedad conformista y lobotomizada, tratando de agitar conciencias e invitar al público a formar parte de una acción artística de protesta.

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STYLE WARS

REVOK / SACRILEGE

GRAFFITI LIKE VIDA The Detroit Beautification Proj.

Entrada a la galeria Hamburg´s Vicious gallery.

7TH Letter Conference Cartel para la “conferencia” sobre graffiti y street art en el Ahmanson theater.

7TH Letter Poster Cartel promocional “The seventh letter”.

Pagina siguiente Revok Pieza del escritor Revok para The Detroit Beautification proj.

Iglesia de Detroit Plano detalle de la iglesia de Detroit Lamina Revok Presentacion de la edicion limitada de la lamina firmada por Revok.

Constancia como rutina Conjunto de dos piezas trabajadas en madera para la exposicion The Beautification Detroit proj.

Caligrafia Trabajo mural realizado por el colectivo The seventh letter.

Free Revok Escaparate y lamina en apoyo al escritor Revok durante su estancia en prision por “vandalismo”

REVOK, Montana Cans, The Seventh Letter and 1xRUN present: The Detroit Beautification Proj.

As the chill of winter has given way to the warm hues of spring here in Detroit, we’re excited to unveil our most recent public arts project that will bring over a dozen of the world’s premier graffiti artists into the city for a series of murals in the neighborhoods that need them the most.

We are presenting this never before seen image of a piece REVOK created in a now demolished church back in 2009 during his first visit to Detroit. In what is commonplace in the world of graffiti & street art, an artist will go to great lengths creating a piece of work in certain location, only to have the works lifespan cut short by city clean up crews, over zealous and mentally disturbed vigilantes or rival artists… Or in this case a demolition wrecking ball. The work often lives on only in the documentation of a few, or in this case one image.

To coincide with the first phase of the project we’re excited to release a series of prints with several of the participating artists including RISK, SEVER, STEEL, REYES, DMOT, WANE, CES, REVOK, Tristan Eaton, Dabs Myla, 123 Klan and POSE. 22

For the first RUN of the Detroit Beautification Project we’re excited to present our very first print by REVOK. His vision for the Detroit Beautification Project is to uplift communities and brighten the day of the residents of the great City of Detroit.

Born in Riverside, Ca. in 1977 Los Angeles based REVOK discovered art through his fathers collection of 60s & 70s album covers, comic books, and skateboarding. In 1990 REVOK began sneaking out of the 2nd story window of his parents home to write graffiti around his neighborhood… 22 years later not much has changed despite numerous arrests, Jail time and fines in the U.S. and overseas. REVOK enjoys traveling and painting graffiti, He is currently the target of a political war against Graffiti and street art led by Los Angeles city attorney Carmen Trutanich and the L.A. Sheriffs dept.

REVOK’s work explores the struggle between opposing perspectives that is perpetual action around us in our shared common spaces. In 2011 REVOK was featured in MOCA LA’s in the “Art in the streets” Exhibition. The Pasadena Musuem of Contemporary art’s “Street Cred”, “PERSEVERENCE” at KNOWN gallery and “TRIUMPH & TRAGEDY” in Hamburg’s Vicious gallery.

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STYLE WARS VENENO 44

URBAN CONCEPTS

Vaya semana la pasada amigos. Estuve en Madrid desde el domingo hasta el viernes, después de la inauguración de Veneno44. Parece que las neuronas ya van reaccionando y aquí os ofrecemos por fin unas fotos de la genial obra expuesta por Dems333, Pantone y Sozyone.

Entre todo el material, os recomiendo que no perdáis de vista la instalación de Pantone, en la que descontextualiza de una manera brillante su característico estilo de mercurio en un escenario espacial.

O la escultura y collages de Sozyone. Tampoco la bestial escultura de Dems, en la que presenta las líneas básicas que componen su graffiti en una pieza de madera en tres dimensiones. Todo cojonudo.

Gracias a los amigos con los que pasamos el rato, a los de antes y a los nuevos. Cada vez que voy a Madrid flipo con la escena que hay, pero sobretodo con lo que está viniendo. Pronto más cosas de IAM Gallery, de Buenos Días Studio, y de todo Madrid.

Saltan de ciudad en ciudad, dejando parte de ellos y trayéndose parte de las ciudades con ellos. Impregnan las calles con su veneno y las calles les envenenan. Se trata de un juego sencillo, en el que gana el que más goles le marca al otro.

44 ciudades con las que han practicado esta particular danza. 44 ciudades con miles de hazañas y aventuras. Veneno inyectado y emociones vandálicas. 44 alegorías o pruebas de lo que ocurrió entre un vuelo y otro.

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Ambas páginas.

Fotografias de la exposicion VENENO 44 en IAM GALLERY Graffity 3D Escultura realizada por Dems sobre madera en la que nos enseña las lineas de su graffiti UrltraBoys Trabajo realizado por Pantone sobre el suelo con tinta plateada.

EgoSculpture Escultura realizada por Dems, material desconocido.

Pagina anterior Veneno 44 Cartel promocional de la exposicion Veneno 44.

Abcdario Cuadros tipografico de Pant realizado sobre lienzo con acrílicos.

Collages Collages realizados por Sozyone sobre lienzo con spray y elementos artificiales.

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STYLE WARS VAVA GALLERY

DESIGN SUPPORTERS Ambas páginas.

Fotografias de la ultima exposición de VAVA gallery cedidas por Carmen Gray.

You can run but never hide “Instalacion” realizada en madera y cristal con vinilos, iluminado desde el interior, autor desconocido.

Mine Universe Instalacion realizada por Hear en la que muestra lo que para el es su dia a dia.

Go Up! Escalera realizada por Luce en madera con cuerdas de amarre.

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Ahí va un buen puñado de fotos de la última exposición de VAVA Gallery.

Podéis ver fotos del montaje, de la inauguración, del periplo de Carmen en Madrid y de la obra de los cuatro artistas. Una característica escultura de Sixe. La instalación de Hear que que viene a retratar su universo personal. Obras de Nano4814, con su interesante estilo colorido, inocente e inquietante al mismo tiempo. Y las esculturas de Luce que se mete de lleno en la madera, entendiendo cómo funciona y trabajando el tipo y acabado que más le interesa en cada momento. No para de darle vueltas a la cabeza, pensando en las infinitas posibilidades que le puede dar el juego que encuentra en la manera de componer las cuatro letras de su nombre, en la similitud que encuentra entre ellas, las paralelas y perpendiculares, las “letras normales” en el suelo, incorporadas o componiendo escaleras, ¡su propio nombre como una escalera por la que subir!

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STYLE WARS AEON FLY

STREET LOVERS

Aeon es un escritor de Melbourne que muchos ya conoceréis. El caso es que nos comentó hace unos meses que se iba a hacer un tour por América del Sur, y a nosotros nos ha parecido muy interesante hacerle unas cuantas preguntas para que nos diera a conocer su experiencia.

Esta entrevista no tiene desperdicio, tanto para conocer las aventuras y desventuras de Aeon, como para flipar con esta gran cantidad de piezas que nos manda ilustrando el viaje. Su estilo cargado de soltura y versatilidad parece agradecer la infinidad de spots diferentes que te pueden ofrecer estas tierras.

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L: En general, ¿qué diferencias estás encontrando en el graffiti iberoamericano respecto al australiano? ¿Hay muchos cambios entre los países y ciudades que has visitado?

A: He pintado mayormente por mi cuenta, y teniendo en cuenta que he visitado 6 países en Sudamérica y que todos son muy diferentes creo que sería difícil poder hablar de un estilo particular. En la mayoría de lugares en los que he estado era para no pintar. Me he encontrado que las grandes ciudades están bastantes actualizadas con el graffiti mundial de hoy en día, sin embargo muchas ciudades pequeñas tienen su propio estilo local. No tan influenciadas por Tumblr y blogs, para decirles lo que es cool y qué estilos son la tendencia. Hecho que está muy bien, pero al mismo tiempo no hay demasiados buenos estilos. Todavía ves muchos 3D y mucho estilo de LA de los años 90. Los mejores países en cuanto a graffiti diría que son Chile y Brasil. Parece que hay un montón de buenos escritores en Santiago y Valparaíso, además de muchos estilos diferentes. Sao Paulo y Rio tienen buenas escenas también con muchos escritores que molan. También destacar los trenes sucios que ves en Buenos Aires. Me quedé con ganas de ver lo que Colombia tie-

ne por ofrecer. En Melbourne ves un montón de escritores jóvenes que puedo llamar Tumblr style, lo cual es una combinación de todo lo que está de moda por el mundo, en una sola pieza, pero también hay una fuerte voluntad de estilo entre los más viejos de la escena. En casi todas las ciudades del mundo es lo mismo.

Hay muros legales, hardcore bombers, treneros y un montón de writers. Hay sitios divertidos para pintar porque tienes toda la ciudad para ti y puedes encontrar muchos spots buenos en un mismo día y todo el mundo se pregunta qué carajo estás haciendo. Solo piensan que eres un crazy gringo.

L: ¿Qué escritores nos recomendarías no perder de vista que te hayas encontrado en tu periplio?

A: Mi favorito es Lucer de 031 Crew. Sé que es un escritor europeo, pero realmente ha dejado su marca en Buenos Aires y La Paz con piezas en la calle y t-ups en todas partes. Es el que más se ve y con el mejor estilo. También Adeps crew de Chile también saben realmente cómo hacerse ver y tienen muchos escritores que molan. No sé cuántos son pero tienen reventado Santiago y Valparaíso. También los he visto en Bolivia, Peru y Ecuador. SWK tienen piezas por todo Rio y por supuesto Os Gemeos y Finok tienen todo Sao Paulo.

Ambas páginas.

Fotografias del ultimo viaje por Sudamerica realizadas por Aeon Fly.

Me he encontrado que las grandes ciudades están bastantes actualizadas con el graffiti mundial de hoy en día, sin embargo muchas ciudades pequeñas tienen su propio estilo local.

L: Cuéntanos alguna anécdota de este viaje relacionada con el graffiti.

A: Ha habido un montón de buenas experiencias hasta ahora. Una que me hace reir cada vez que me acuerdo fue en Sucre, Bolivia. Pinté una pared en el centro de la ciudad un día y todas las viejas me preguntaban si podía pintarle la fachada de sus casa. Acabé pintando algunas pero no me dejaban en paz. Me invitaron a comer en sus casas, practiqué español pero un poco más tarde se empezó a poner extraña la situación. Tenía a viejas bolivianas vestidas con trajes tradicionales intentándolo conmigo. Lo más divertido fue que empecé a pintar muñecos y otras cosas que no eran graffiti pensando que les vendría mejor pero las señoras me decían que querían piezas. No creo que supieran lo que era pero les molaba el graffiti. Después de un rato dejé de pintar piezas grandes en la calle porque estaba harto de la gente agobiándome para pintar sus casas y empecé a hacer un montón de piezas de 5-10 minutos y bombing.

L: Cuéntanos alguna anécdota de este viaje no relacionada con el graffiti.

A: Tengo mil historias. Una tarde en Salvador, Brasil, me atracaron con un pedazo de cuchillo en mi garganta. Dio bastante miedo porque se podía adivinar que los 3 tíos eran yonkis. No tenía mucho conmigo porque había estado nadando en la playa antes. Solo tenía 15$ y la llave de mi habitación. No estaban muy contentos así que me agarraron de los huevos bien fuerte y dijeron algo en portugués que no entendí.

Era al principio de mi viaje así que me cagué un poco. Al menos 100 personas vieron lo que pasó y nadie dijo o hizo nada. Desde entonces he tenido bastante suerte. He tenido que pelearme con un tío en La Paz que me estaba intentando meter la mano en los bolsillos. No tenía armas y yo era el doble de grande así que me sentí más confiado esta vez.

L: Bueno Aeon, muchas gracias, un saludo y keep walking...

A: Muchas gracias. Solo estoy a mitad de mi viaje así que espero estar viajando y pintando mucho más en busca de aventuras. Realmente recomiendo Sudamérica como destino. Es mucho más barato que Europa y hay mil paisajes para explorar.

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ARTE Y PUBLICIDAD PUBLICITY EVOL. // FOUND&FORM

REFLEXIONES A PROPOSITO DE UNA EXPOSICION Durante los últimos meses ha tenido lugar en el Centro G. Pompidou, la exposición Art & Publicité, en un ambicioso intento de establecer globalmente las intrincadas relaciones entre el mundo de la creación artística y de la publicidad comercial.

Cabe resaltar la voluntad interdisciplinar que ha propiciado la contextualización de cada etapa creativa. Arte y publicidad se presentan mezclarlos en cada ámbito, sin olvidar las manifestaciones escritas y audiovisuales que completan cada etapa.

Durante los años sesenta del siglo XIX se dan dos acontecimientos clave para nuestra crónica; un grupo de pintores, que pronto serán llamados impresionistas, expone por primera vez su obra, significativamente, en el estudio de su amigo Nadar, fotógrafo de moda parisino. La pintura, liberada de su papel de cronista visual de los acontecimientos, precisamente por la extensión del uso de la fotografía, inicia un camino de reflexión sobre el propio medio y el propio lenguaje, que llevará, en pocas décadas a la sucesión de experimentos expresados por las sucesivas vanguardias artísticas.

Paralelamente asistimos al regreso a París, tras una estancia en Inglaterra, del joven Jules Chéret que instala el primer establecimiento de litografía industrial en la ciudad. Las posibilidades técnicas de la litografia permiten el uso de grandes formatos de papel y de cuerpos ilimitados en la tipografia, así como la utilización extensiva del color. De la nueva tecnología y de la creatividad de Chéret, nace el cartelismo moderno. Se inicia así un proceso que acabará por modificar el mismo paisaje urbano y que llenará las calles de color democratizando el uso cotidiano de la imagen.

NACE LA PUBLICIDAD Esta etapa coincide con la mayoría de edad de la revolución industrial. La profusión de nuevos productos y servicios conlleva un progresivo proceso de personalización. Nacen las marcas que pronto se podrán registrar, mientras que rótulos, etiquetas y embalajes distinguen nuestros productos de los de la competencia. En el momento en que hay que dar a conocer todo esto al público, nace la publicidad moderna. Es curioso resaltar que los primeros pasos de la gráfica publicitaria van acompañados de un estilo bastante académico en ilustración y tipografía, precisamente cuando la pintura estalla en todas las experiencias posteriores al primer impresionismo, donde color, trazo y composición abren nuevas fronteras, en buena medida influenciadas por tradiciones esencialmente gráficas como son la estampa japonesa, la ilustración de prensa o la misma fotografía.

Las estructuras de Cézanne apuntan ya al cubismo, mientras que Gauguin, Van Gogh y Toulouse-Lautrec abren la vía de los expresionismos. Es precisamente Toulouse- Lautrec quien unirá cartelismo y vanguardia pictórica.

Superando la mera traslación de soportes descubre, con gran maestría, el lenguaje específico que demanda la cómoda percepción del cartel. Tintas esencialmente planas, gruesos trazos de contorno en las figuras, siluetas al contraluz y una utilización selectiva del espacio y del color son aplicadas directamente por Toulouse sobre la piedra litográfica, trasladando, sin intermediarios, la fuerza de su trazo sobre el cartel.

Cuando concluye el siglo, el cartelismo es ya una realidad consolidada en todo el mundo occidental, que cuenta con profesionales especializados refrendados por clientes, coleccionistas y publicaciones especializadas.

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EL ART NOUVEAU A caballo entre los dos siglos tiene su auge el movimiento que conocemos como Art Nouveau y que, pese a sus diversas denominaciones y características nacionales, es la primera empresa, después del gótico, presente en casi todo el mundo occidental, que intenta definir un estilo que, sin referencias a un pasado más o menos idílico, defina el gusto y el estilo de vida de los nuevos tiempos. Convergen en él todos los intentos que, a partir de William Morris, lucharon por imponer el buen gusto y cierta dosis de sentido común a todo el entorno objetual de la vida cotidiana. Si bien aún subsisten ciertas dosis de elitismo, el modernismo conlleva un notable ensanchamiento de la base social que accede al consumo estético. Más que en escultura y pintura, dominadas aún por el simbolismo, es en la arquitectura y en las llamadas artes aplicadas donde el movimiento modernista alcanzará sus resultados más logrados. Es un estilo aún dominado por lo artesanal y la pieza única, pero precisamente serán las artes gráficas las pioneras en la producción seriada de multitud de ejemplares. Cartelismo, tipografía, ilustración y diseño editorial serán casos paradigmáticos.

Es precisamente en el seno del movimiento Secession, versión centroeuropea del modernismo, donde, a partir de las influencias del escocés Mackintosh y del americano Sullivan, se desarrollan las tendencias funcionalistas, que centrarán más adelante los debates de la Werkbund alemana y definirán el posterior movimiento racionalista internacional. Estilísticamente se han ido depurando las formas, y convive la ornamentación geometrizante con tendencias expresionistas.

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LA RACIONALIZACIÓN TOMA EL MANDO En 1907 el arquitecto y pedagogo Peter Behrens es nombrado consejero artístico de la firma berlinesa AEG; esta colaboración, que se prolonga hasta 1914, representa el primer ejemplo de «diseño integral» a gran escala.

Se ocupa desde la proyectación de los edificios de la compañía, pasando por el diseño industrial de buena parte de los electrodomésticos que producía, hasta el diseño de todos los elementos constituyentes de lo que hoy llamaríamos «imagen corporativa». Marcas, tipografía (antiqua Beherens), folletos y carteles se convierten en paradigma del racionalismo militante.

Baste recordar que entre los asistentes que se formaron en su estudio se cuentan Mies van der Rohe, Gropius o Le Corbusier.

La actividad artística del primer tercio de nuestro siglo viene caracterizada por la sucesión de movimientos, a menudo solapados, que retoman el nombre de vanguardias, término militar trasladado al arte por Courbet en su manifiesto del realismo, hacia 1850.

Por regla general, el diseño gráfico beberá directamente de los nuevos repertorios formales, técnicos y teóricos asumiendo el papel de divulgador de las nuevas tendencias, no sin cierto desfase y superficialidad en algunos casos, pero convirtiendo en cotidianos lenguajes y formas hasta entonces sólo accesibles a ciertas minorías. Resalta la gran profusión de manifiestos, carteles y publicaciones militantes que generan las mismas vanguardias, campo privilegiado para expresar gráficamente, mediante ilustraciones y tratamiento tipográfico, los nuevos postulados estéticos.

A1 mismo tiempo, el mundo que interpretan los nuevos movimientos pictóricos está plagado de publicidad. Esto conlleva la aparición en las telas de un surtido de carteles, rótulos y etiquetas, que aparecen como representantes del nuevo paisaje urbano y objetual, cuando no como clave de lectura de toda la obra, como en la fase más hermética del cubismo.

También será frecuente que varios pintores se confiesen influenciados por las nuevas gamas cromáticas que difunden los anuncios.

A partir de 1905 y hasta la Primera Guerra Mundial se suceden: la explosión cromática de los fauves en París; el expresionismo de Die Brücke en

Dresde, que une a la autonomía de la forma y el color un creciente interés por las texturas y por las posibilidades de seriación de la obra gráfica. Picasso y Braque inician las experiencias cubistas, llevando a Cézanne a sus últimas consecuencias, geometrizando el espacio y aportando la multivisión simultánea del objeto y el descubrimiento del collage. Los futuristas de Marinetti propugnan desde el norte de Italia el culto a la vida moderna, al maquinismo y al dinamismo personalizado en la velocidad. Los expresionistas del grupo Der Blaue Raiter llegarán al abstracción de la mano de Kandinski y Marc. En Rusia, del rayonismo de Larionov y Goncharova, pasamos al suprematismo de Malévich y al constructivismo de Tatlin que, en plena revolución, derivará en las posturas productivistas. Mientras tanto en Francia, el cubismo ortodoxo ha derivado en varias tendencias, como el orfismo de los Delaunay o la obra de Leger. Partiendo también del cubismo, en Holanda, Mondrian y Van Doesburg fundan la revista De Stijl, alma del movimiento neoplasticista.

En plena Primera Guerra Mundial, en 1916, y en la neutral Zürich nace en el Cabaret Voltaire el movimiento Dadá que, más que un rechazo a la guerra, expresa la crisis de todo el sistema de valores que la han hecho posible. La salida será subvertir lo más sagrado y entre ello, el arte. Sólo desde esta perspectiva pueden entenderse las más o menos escandalosas acciones y propuestas del movimiento.

Frente a esta crisis, será interesante valorar las principales aportaciones de esta década. Ante todo está el aspecto formal y el contenido de los nuevos lenguajes. La obra de arte ha alcanzado casi su total autonomía, ella es motivo y centro de las nuevas propuestas y también el fin último de las mismas, aunque siempre trascienda la reflexión sobre su función social última.

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VALORACIÓN

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En general se han asumido los nuevos caminos formales, que giran entorno al figurativismo más o menos expresionista o a las dos ramas de la abstracción: la lírica y la geométrica.

Poco a poco las propuestas de los movimientos se hacen más totales, trascienden los límites de las llamadas bellas artes para preconizar una revolución estética total. E1 futurismo, en este caso es paradigmático, afecta a la poesía, a la literatura, a la pintura y a la escultura, pero también a la música, al teatro y al cine, a la tipografía, a la fotografía y a la publicidad. Los caligramas de Apollinaire y las Parole in libertá de Marinetti emprenden la revolución tipográfica que ya se había insinuado con la introducción de letras en los collages cubistas.

En plena Revolución Rusa, se polariza el debate entre quienes propugnan la autonomía total del arte y las posturas constructivistas que sostienen que en pleno siglo XX la única salida consecuente para el artista es convertirse en «ingeniero constructivista», figura que hoy llamaríamos diseñador y que englobaría al arquitecto, al grafista, al diseñador de producto, al escenógrafo, etc. E1 periodo de entreguerras queda dominado por la dispersión geográfica del fenómeno Dadá, que al morir derivará en el surrealismo. La otra gran constante es la potenciación de todos los movimientos relacionados con la abstracción geométrica, el constructivismo y el racionalismo en arquitectura y diseño.

E1 diseño de masas está dominado por el Art Déco, al mismo tiempo que irrumpe con fuerza la Nueva Tipografía, impulsada por dadaístas como Kurt Switters, por constructivistas como E1 Lissitzky o Moholy Nagy, por neoplasticistas como Huszar o Van Doesburg y por instituciones como la Bauhaus. Grandes composiciones en diagonal, tipografía de palo seco, gruesos filetes y una sobria utilización del color marcan el estilo. Si bien es impensable intentar inventariar las principales aportaciones del diseño gráfico y sus protagonistas, cabe mencionar, en sentido contrario, que raro es el artista plástico que no cuente con incursiones en el campo gráfico.

Desde Picasso a Kandinsky, pasando por Van der Velde o Duchamp, vemos sucederse los ejemplos.

Pero trascendiendo datos más o menos anecdóticos, queremos detenernos en algunos casos que han sabido simultanear una experimentación de primera línea en artes plásticas, con un auténtico cambio de registro, en su dilatada actividad como diseñadores comerciales. E1 futurista italiano Fortunato Depero se caracteriza desde los inicios del movimiento por su vocación interdisciplinar, que abarca desde la pintura a la escenografía, desde la teoría a sus primeros grafismos. En 1919 abre su Casa dell’arte, que funcionará básicamente conmo agencia de publicidad. Cartelismo, diseño editorial y stands se multiplican. Su dilatada producción para Campari le lleva a crear sus famosos Pupazzi, mascotas geometrizantes, emblemáticas de toda una época. En 1931, siguiendo la tradición futurista, publica su Manifesto dell’arte publicitaria.

E1 dadaísta alemán Kurt Switters, conocido por sus collages y assamblages, llamados genéricamente Merz (contracción de Kommerz), y por su colaboración con constructivistas y neoplasticistas, funda en Hannover la agencia Merz Werbezentrale, dedicada a publicidad y a diseño industrial.

Abanderado de la Nueva Tipografía trabaja regularmente para Pelikan, Bahlsen y Philips.

Mención aparte merece la obra gráfica de El Lissitsky, pintor y arquitecto ruso, uno de los principales introductores del fotomontaje en el ámbito de las nuevas corrientes tipográficas. Simultanea el diseño para las instituciones revolucionarias con colaboraciones con las vanguardias holandesa y alemana, o con encargos comerciales para Pelikan.

En 1923, durante la etapa de la NEP (Nueva Política Económica) emprendida por el gobierno soviético y basada en cierto grado de privatización de la economía, el diseñador Rodchenko y el poeta futurista Maiakovski fundan la agencia Publiconstructeur. Se dedican básicamente a la publicidad, al diseño editorial y a la imagen corporativa de organismos y servicios estatales, en plena competencia con los nuevos negocios privados.

La década de los treinta finaliza con el éxodo masivo de artistas hacia América. La aventura surrealista, con sus nuevas fronteras perceptivas y la lucha de la Bauhaus por un arte total y coordinado abandona Europa huyendo del nazismo.

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LA POSGUERRA Estados Unidos se convierte en receptáculo de gran parte de los protagonistas del siglo, que acabarán formando a las nuevas generaciones de la posguerra arrebatando a París la capitalidad del arte. La posguerra viene marcada por el informalismo en Europa y por el expresionismo abstracto en América, mientras que el racionalismo arquitectónico se encarga de la reconstrucción de Europa y de la potenciación de EE.UU. A través de Suiza se extiende por Europa un nuevo diseño gráfico, frío, conciso y depurado, herencia de la vanguardia de entreguerras. Empieza un periodo dominado por el eclecticismo que, en grafismo, superpone sedimientos a los que se agregan las aportaciones de las nuevas experiencias artísticas.

A finales de los cincuenta, la pintura asiste a un cierto cansancio de las corrientes informalistas y ve retomar fuerzas a la vieja abstracción geométrica, renacida en el nuevo arte cinético que, en su variante Op-Art, causará notable impacto en el diseño gráfico por sus investigaciones sobre la percepción visual y la imagen virtual. Paralelamente el Pop-art inglés, pero sobre todo el americano, inician su particular cruzada en pro de la sacralización de las imágenes, objetos y mitos de la cultura de masas. La descontextualización de la imagen, su tratamiento neutro y despersonalizado sugieren una burda pero eficaz unión del recuerdo de Duchamp con las técnicas del marketing. Es como si todo el movimiento fuera un ready-made a excepción quizá, de las cuentas corrientes que moviliza. La publicidad, el cómic y las revistas ilustradas son las nuevas fuentes de inspiración. Al artista se le reserva la dura tarea de la designación, que genera inmortalidad mediante la representación selectiva.

Mención aparte merecen los Nouveaux réalistes franceses que, con una notable dosis de imaginación, se atreven a restituir al arte la dura tarea de hacer pensar a la humanidad. A ellos debemos la técnica del decollage, basada en los efectos causados al arrancar al azar partes de las distintas capas que forman los anuncios encolados unos sobre otros, en los espacios publicitarios.

Si estas tendencias artísticas basan buena parte de su inspiración en la publicidad, el círculo se cierra influenciando la estética publicitaria, que desborda de situaciones netamente pop.

Se suceden los movimientos, Psicodelia, minimalismo y tendencias conceptuales van depositando estratos que no dejan de detectarse en grafismo y publicidad, mientras las nuevas tecnologías y la mercadotecnia dotan de nuevos instrumentos al viejo eclecticismo.

Aunque sea por fatiga de combate, la publicidad ha pasado del complejo de Edipo a cierta mayoría de edad. Pero el arte ya ha aprendido la gran lección. El fenómeno Warhol es la demostración de que buena parte de lo que llamamos arte no es más que la consagración de las técnicas de mercado y de unas inteligentes relaciones públicas. Grandes exposiciones y mecenazgos no son más que un nuevo medio publicitario para las empresas y organismos patrocinadores.

Han o más bien hemos aprendido la lección. Pero esto ya es otra historia.

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ALEX TROCHUT GRAPHIC DESIGNER // FOUND&FORM

¿Cuantos años llevas trabajando en el mundo del diseño gráfico? ¿Como fue tu primer contacto con él?

Empecé a estudiar diseño a les 18 años, antes de entrar en Elisava no tenia ni idea de lo que era ser diseñador. ¿Como fue la experiencia de trabajar para Vasava Artworks durante dos años? ¿La consideras positiva?

Muy positiva, Vasava me perimitió desarrollarme, y reencontrar en el trabajo las sensaciones de un niño cuando coge un papel en blanco.

Vasava es un mirada hacia el diseño que me ha marcado enormemente, son y siempre serán mis padres en este oficio.

En la actualidad trabajas como freelance, lo que no te ha impedido acceder a clientes de la talla de Nike, Diesel o Fotogramas. ¿Crees que el haber trabajado en Vasava te ha ayudado en esta difícil tarea? ¿Te dan libertad este tipo de clientes a nivel creativo?

Claro, los trabajos hechos en Vasava son un gran aval y un trampolín, pero el camino después de ahí hay que andarlo solo, y demostrar a los clientes, lo que uno vale por sí mismo, demostrar en cada proyecto las ganas implicarse en el proceso y descubrir nuevas maneras de visualizar las ideas, ser positivo y seguir sorprendiendo gracias a mucha energía y voluntad. El trabajo que eres capaz de hacer es lo que vale, y es lo que te vende, más que cualquier otra cosa.

Un buen proyecto llama a otro.

Matiz: Nunca he trabajado para Diesel ni para Fotogramas como Alex Trochut, sino desde VASAVA.

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¿Te has planteado trabajar para algún estudio, o te sientes a gusto trabajando como Freelance? ¿Que ventajas encuentras frente a trabajar por cuenta ajena?

En los últimos 6 meses he trabajado solo, en casa, y lo que más hecho de menos es compartir opiniones en un lugar de trabajo, por eso dentro de poco me mudo a un espacio compartido.

Trabajar dentro de un equipo creativo es algo a lo que siempre estaré abierto, pero como freelance. Creo que es muy importante que desde una especialización o manera de hacer, uno busque la manera de combinar dentro de otros engranajes compuestos de otras piezas creativas, aprender otros métodos, otras maneras de pensar, etc, ...

El papel del diseñador esta mucho más valorado fuera de España, y espero que en poco tiempo sea una corriente que llegue a nuestro país...

¿En que proyectos estas trabajando en la actualidad?

Estoy acabando la portada para un doble recopilatorio para los Rolling Stones, unas camisetas para Beautiful Decay, una campaña para British Airways y unos carteles/anuncios para el periódico inglés The Guardian. ¿Tus tres webs más visitadas? www.ntmy.com. www.fecalface.com y www.drawn.ca.

Observando tus trabajos, compruebo que le otorgas una especial importancia a la tipografía y a la ilustración en los mismos: ¿Diseñas las tipografías de tus trabajos? ¿A que se debe la ausencia de fotografía en la inmensa mayoría de tus diseños?

La fotografía es un medio que no domino, pero no es que no quiera usarla, o darle la espalda, ni mucho menos, lo que pasa es que me gusta plantearme cada proyecto como algo que puedas tocar, y retocar y retocar a tu antojo, por eso me gusta la ilustración y a menudo hacer mis propias tipografías, ya que así controlo cada parte del trabajo, y eso hace que lo sienta mío.

Tambien se debe a una cuestion del momento, ahora mismo miro de expresarme a través de otros soportes, pero la fotografia es un pilar dentro del diseño grafico y nunca lo voy a descartar. ¿Donde buscas la inspiración?

La naturaleza, portadas de vinilos viejos, cosas que no estén de moda.... ¿Como ves el mercado del diseño en nuestro País?

Creo que las cosas están cambiando, creo que los diseñadores se están especializando cada vez más y que el carácter expresivo del diseñador híbrido está cada vez más potenciado por las agencias y estudios con dirección de arte. El papel del diseñador esta mucho más valorado fuera de España, y espero que en poco tiempo sea una corriente que llegue a nuestro país, teniendo más tiempo, mejor organización, más presupuesto, ...

A la hora de trabajar para otros, como estableces la relación con el cliente, ¿te piden bocetos y previos antes de entregar el trabajo finalizado? La verdad no me quiero imaginar tu cara si cuando presentas una de tus ilustraciones te viene el cliente y te dice que hay que repetirlo por completo…

Procuro compartir al máximo el proceso de trabajo con el cliente o con el Director de Arte, y siempre ser coherente con lo que se pide. Si el cambio no tiene nada que ver con el brief, es que el encargo no estaba bien hecho. De todas formas la mejor manera de minimizar las sorpresas es comunicar de cerca con tu interlocutor, buscar referencias en tu portafolio o identificar posible soluciones antes de ponerte a trabajar a fondo, y ceñirse a un plan previamente establecido.

En varias ocasiones has comentado que la labor del diseñador está infravalorada respecto a otros países de Europa y realmente muchos opinamos igual, ¿se puede decir que una gran parte del sector publicitario en España apenas tira de diseño e ilustración de calidad?

Pienso que a nivel nacional se tiende a ser más conservador y a minimizar riesgos creativamente hablando, más los clientes finales que las agencias. Poco a poco, trabajar de forma global es algo cada vez más común y pienso que paulatinamente los criterios están cada vez menos marcados por una frontera, sino a través de un mundo que no las tiene gracias a internet. Eso nos hace libres para poder encontrar el tipo de cliente que busca lo que nosotros queremos ofrecer.

Quizá seas un poco la cabeza visible de este nuevo resurgir del diseño tipográfico en España, pero realmente se está viendo cada día el trabajo de muchos ilustradores y diseñadores que centran gran parte de su trabajo en la experimentación y trabajo con tipos, ¿a que crees que se debe esta revaloración de la tipografía dentro del diseño o de otros nuevos campos como los Motion Graphics?

Pues supongo que a muchas cosas, pero pienso que en gran parte es debido al hecho de que los diseñadores se están queriendo expresar cada vez más, sumado al hecho de que las herramientas digitales permitan cada vez un uso más personal y que la tipografía es el medio más propio del diseño gráfico (por encima de la fotografía o la ilustración).

Tus ilustraciones están a la venta desde tu web y a unos precios muy razonables, ¿tu mejor cliente acabarás siendo tú mismo?

El hecho de poder poner precios bajos es gracias a HP. Me ha permitido poder alcanzar un nivel de calidad y tamaño de impresión del nivel más alto con un coste muy bajo, y todos los compradores de todas partes del mundo están encantados con el resultado de los prints.

El trabajo que eres capaz de hacer es lo que vale, y es lo que te vende...las herramientas digitales permitan cada vez un uso más personal...

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He leído hace poco que en un mercadillo de Bangkok se pueden encontrar camisetas con ilustraciones tuyas…

Ja,ja, sí, es increíble, se ve que hay un stand que vende las camisetas de un montón de diseñadores/ilustradores. Hombre, pirateo aparte, es bueno ver que se estén popularizando imágenes de diseñadores hasta llegar al punto que un mercadillo en Tailandia las venda, ¿no? No deja de tener una lectura en el fondo bastante positiva creo…

Apenas muestras bocetos o artboards en tu web, en tus ilustraciones ¿qué porcentaje hay de trabajo a mano y cuanto de digital?

Pues la verdad es que mi herramienta es el ordenador más que el papel i el lápiz, aunque mi primer paso es siempre a lápiz, es lo que me permite trabajar rápido, y poder pensar visualmente. Pero a nivel de % es solo un 10% 20% de todo el trabajo en horas.

Actualizas tu web con nuevos trabajos y la verdad desde que comenzaste tu etapa en solitario se acumulan con gran rapidez, ¿para cuando un libro exclusivo con tus trabajos?

Ui, pues aun no lo tengo nada claro, creo que un libro no se debería hacer sin una buena perspectiva de tiempo que pueda juzgar bien que entra y que no. Es un soporte más atemporal que cualquier otro medio, así que aún lo veo pronto, no te diré que no me ha pasado por la cabeza, pero aún no es el momento.

En muchas ocasiones has hablado sobre tus referentes y sinceramente a veces se ve una influencia del arte urbano ¿alguna concreta dentro del mundo del graffiti?

El trabajo de London Police, Banksy, Inocuo, Swoon, Wk interact o Futura, me encanta y seguro me han influenciado; aunque nunca he pintado en mi vida ni tampoco he sido nunca muy forofo del graffiti old school. Pero sí del trabajo de los arriba mencionados, entre otros más que, de no haber puesto su trabajo en la calle, no hubiese llegado a conocer.

Esta pregunta es obligada y suele marcar el fin de las entrevistas…¿qué planes tienes de futuro a corto plazo?

Pues estoy muy contento de poder irme ahora unos días a NYC, donde me han invitado a ser jurado del TDC, y también a dar una charla en el AIGA. Después de eso, a seguir trabajando y aprendiendo! Muchas gracias Alex, seguiremos disfrutando y aprendiendo de tu trabajo.

...mi primer paso es siempre a lápiz, es lo que me permite trabajar rápido, y poder pensar visualmente...

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Ambas páginas.

Todos los trabajos por cortesia de Alex Trochut y Vasava

Es bueno ver que se estén popularizando imágenes de diseñadores hasta llegar al punto que un mercadillo en Tailandia las venda, ¿no? No deja de tener una lectura en el fondo bastante positiva creo…

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ARTE Y PUBLICIDAD PACKAGING // FOUND&FORM

Los productos de alta rotación tienen unas características muy particulares: segmentos de mercado objetivo amplios, consumo habitual y compra frecuente, precios y beneficio por unidad vendida bajos. Esto provoca que para conseguir ganancias se tengan que vender grandes volúmenes de producto. Ejemplos de productos de consumo de alta rotación serían artículos como productos de limpieza, alimentación o productos de higiene personal.

Es importante saber que los consumidores están dispuestos a aceptar productos substitutos sin gran dificultad. En esta situación los fabricantes se ven obligados a competir unos contra otros para conseguir las ventas.

También es fundamental conocer las distintas dimensiones o niveles de un producto desde el punto de vista del marketing: Producto básico. El que cubre una necesidad o un deseo básico del consumidor.

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PRODUCTO REAL Entran en juego cuatro variables: calidad, características del producto, marca y envase. Producto ampliado. Beneficios adicionales como garantía, servicio al consumidor, productos complementarios, etc. Éstos no suelen ser determinantes pero refuerzan la decisión de compra.

Así pues, las empresas tienen dos opciones para conseguir su cuota de mercado: implementar estrategias de lucha (descuentos, promociones, guerras de precios...) o implementar estrategias de diferenciación de producto (modificaciones de diseño, cubrir nue- vas necesidades...).

Las primeras ofrecen ventajas inmediatas pero efímeras, pues son fáciles de copiar por la competencia. Las segundas, llevadas a cabo por empresas orientadas al mercado y no a las ventas, tienen periodos de ventaja mayores y mejor posición frente a la competencia El objetivo de cualquier empresa orientada al mercado ha de ser crear una oferta de productos distinta, que sea difícil de copiar y que ofrezca mayor valor a algún segmento del mercado. Es decir, la clave es hacer productos que sean irreemplazables en opinión de los consumidores y para presentar un producto dis- tinto de la oferta de la competencia es necesario que dicho producto cuente con una ventaja diferencial que sea capaz de justificar el acto de compra.

CARACTERISTICAS DEL PRODUCTO, MARCA Y ENVASE Si se toma como hipótesis que actualmente entre la mayoría de productos existe una paridad en cuanto a la calidad ofrecida, se obtiene que las variables que se van a poder mane- jar para ofrecer una oferta de artículos distinta a la de la competencia son las características del producto, la marca y el envase.

Las características del producto es uno de los factores que más juego da a la hora de diseñar un producto distinto al de la competencia. Se puede actuar modificando o incremen- tando el valor de las características actuales o bien creando productos con características diferentes que pueden derivar en nuevos conceptos de producto. Evidentemente, para conseguir un buen resultado será esencial destacar dichas características de la manera más llamativa posible en el envase. De todos modos, si el producto no presenta realmente una novedad de compra diferente para el consumidor, un buen envase puede permitir al producto establecer una diferencia en la primera compra, pero no así en compras sucesivas.

La marca es otra de las variables con las que se cuenta para ofrecer productos diferenciados. El crear una identidad de marca (branding) es especialmente importante ya que facilita el reconocimiento del producto por parte del consumidor (a partir del grafismo o la forma del envase, el logotipo...); puede hacer que los consumidores desarrollen una lealtad de compra hacia la marca; si ésta es conocida puede ayudar a la empresa a introducir con menos riesgos en el mercado nuevos productos al amparo de dicha marca, y por último ayuda a posicionar el producto en la mente del consumidor. Los consumidores no quieren comprar un producto diferente cada semana sino que prefieren recordar el nombre y las características de una lista de productos (shortlist) que satisfacen sus necesidades o expectativas.

Tanto la marca como el envase son generadores de espacio en la mente.

Ver e identificar un producto con frecuencia (en el lineal, en anuncios...) ayuda a incrementar su presencia en la mente del consumidor y mejora su imagen pues se sugiere que es popular. Este espacio en la mente puede ser suficiente para provocar un acto de compra. Es en ese momento, una vez quE el consumidor tiene contacto directo con el producto, cuando

éste pasará a formar parte de la shortlist del consumidor (siempre que el producto, evidentemente, cumpla las expectativas generadas).

Se puede empezar a vislumbrar ya parte de la importancia del envase. Por un lado se ha visto que es una de las herramientas que va a ayudar a generar identidad de marca. Por otro lado se ha subrayado que las características diferenciadoras han de destacarse a través de el. Pero además sucede que el envase en si mismo es una variable que puede ser utilizada como ventaja diferencial. Un envase que aporte una mejora al producto, a su transporte, uso, dispensación... puede convertirse en una ventaja diferencial.

SEGMENTACION Para diferenciar un producto es primordial que un determinado segmento de consumidores crea que se acerca más a su producto ideal que el de la competencia. Esto tiene varias implicaciones. Primero, que es necesario definir un segmento objetivo de consumidores a los que dirigirse. Segundo, que es necesario que el producto se acerque de manera efectiva al ideal del consumidor. Tercero, y no menos importante, que es necesario comunicar a los consumidores los beneficios del producto. Precisamente aquí es donde tiene mayor responsabilidad el envase. Si la clave es hacer productos que sean irreemplazables en opinión de los consumidores a partir de identificar cuáles son sus necesidades, es básico conocer los factores que afectan a estos.

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FACTORES QUE AFECTAN AL CONSUMIDOR El estilo de vida y personalidad del consumidor es un factor a tener en cuenta pues los productos con imagen de marca actúan como símbolos con los que se identifica el comprador, ya que en general se adquieren productos porque simbolizan la imagen que se tiene de uno mismo o la que gustaría tener. Al mismo tiempo, el dónde se compran, expresa a los demás esa imagen. Conocer el estilo de vida del consumidor objetivo es básico para diseñar productos con ventajas diferenciales psicológicas y envases capaces de transmitirlas.

La motivación del consumidor en el momento de la compra es otro de los factores importantes. La elección del producto a comprar está influenciada por una serie de móviles de compra: -Moda: entendido como deseo de buscar productos novedosos o actuales, de tener lo que se lleva. -Interés: puede ser la búsqueda de ahorro, de utilidad del pro- ducto o de la mejor relación calidad/precio.

-Comodidad: es el deseo de confort, bienestar, la facilidad de manejo de los productos. -Afecto: es el deseo de gustar a los demás, de obsequiarlos, de sentir simpatía por un punto de venta y una marca.

-Seguridad: es la búsqueda de la garantía ante el temor a lo desconocido.

-Orgullo: es el deseo de ostentación, de prestigio, de tener lo que no tienen los demás o aquello que da mayor categoría.

La percepción es el tercer factor a tener en cuenta. La gente tiende a prestar atención sólo a aquellos estímulos que estén relacionados con sus necesidades del momento. Se puede lla- mar más la atención del consumidor en función de la intensidad del estímulo (uso de colores vivos y saturados, imágenes vivas, etc.), del contraste de estímulos (contraste de colores, formas, tamaños, etc.), de la innovación (originalidad, creatividad, cam- bios, etc.) y de la repetición. Evidentemente esos estímulos han de transmitirse de manera que el consumidor objetivo los perciba, interprete y valore positivamente de acuerdo con su escala de valores socioculturales, personales y psicológicos.

Un cuarto factor a tener en cuenta es el segmento al que pertenece el consumidor objetivo. El consumidor tendrá una serie de características y deseos propios a los que se tendrá que apelar tanto al definir el producto como al transmitirle sus beneficios a través del envase y la publicidad.

COMPORTAMIENTO DEL CONSUMIDOR La importancia del envase como elemento de comunicación es muy evidente si se analiza tanto los motivos que provocan la atracción por un producto en la estantería como el comportamiento de compra del consumidor.

En un supermercado o un hipermercado el consumidor encuentra una enorme cantidad de referencias de productos. Se suele admitir que unos veinte segundos es lo que tarda un consumidor en examinar todo un lineal y que ocho segundos bastan para seleccionar el producto que se com- prará. Además, el 70% de las decisiones finales de compra se toman en el propio establecimiento lo que pone en valor la importancia de destacar con respecto a la competencia. Entonces, si la clave está en destacar, en atraer al cliente para que realice la prim- era compra del producto, es necesario saber qué provoca que un consumidor se acerque a un producto de un lineal y no a otro. Hay cuatro factores principales, y en todos ellos el envase tiene su importancia: En primer lugar, en una de cada tres ocasiones la atracción la provoca única y exclusivamente el envase.

En una de cada cuatro ocasiones es el precio el que provoca dicha atracción. El envase tiene su importancia en la determinación del precio, puesto que el envase es parte del producto y, por tanto, del coste.

En una de cada cinco ocasiones la atracción la provoca el hecho de que el consumidor recuerda o tiene en su mente al producto. Contribuyen a esta circunstancia tanto a la publicidad como el envase.

Finalmente, en una de cada cinco ocasiones la atracción la provoca algún aspecto particular del producto. El consumidor puede que ya conozca ese aspecto particular de antemano a partir de la publicidad, pero aun así en el envase se ha de destacar ese aspecto ya sea para mostrarlo por primera vez o para reforzar el mensaje publicitario.

En compras previstas o impulsivas, la idea básica es la misma: o se está ya en la mente del consumidor a partir de la publicidad y la identidad de marca, o se llama la atención del consumidor en el punto de venta utili- zando el merchandising y el envase.

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Ambas páginas.

Todas las imagenes del articulo han sido cedidas para la realizacion de esta revista.

...las decisiones finales de compra se toman en el propio establecimiento lo que pone en valor la importancia de destacar con respecto a la competencia...

FUNCIONES DE MARKETING DEL ENVASE En este punto se puede ya afirmar que el envase, además de las funciones típicas de continente, conservación y protección, servicio, seguridad e información, tiene una importante función de marketing en la que básicamente se trata de seducir al consumidor para que realice la compra.

La función de marketing del envase puede sub- dividirse en subfunciones: Localización: El consumidor ha de poder identifi- car desde lejos en el lineal el producto que va a comprar. La forma y la imagen gráfica del envase es lo que va a hacer que los productos sean visibles y destaquen ya desde lejos. Identificación: Una vez localizado el producto el consumidor ha de poder identificar claramente que el producto que adquiere es el que realmente desea, sin equivocarse de pro- ducto dentro de una familia o marca. Información: además de la información habitual mostrada en los envases, existe otra adicional (modo de empleo, suger- encias de utilización, recetas...) que pese a no ser determi- nante ayuda a generar confianza en el producto y refuerza la decisión de compra.

Seducción: el envase ha de ser portador de la imagen que la empresa quiere transmitir a su público objetivo para poder provocar el deseo de compra.

Servicio: se trata de que el envase disponga de alguna cualidad que pueda darle valor añadido desde el punto de vista del consumidor (recerrable, con dosificador...).

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TECHNOLOGY LEICA M9

SUPREME PHOTO

The LEICA M9, a camera that carries the legend of Leica M cameras into the digital age. It is the smallest full-format digital system camera the world has ever seen.

In a nutshell: it is a contemporary tool for all who demand the highest standards in image quality and love freedom of composition.

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24 x 36 - No Compromises The combination of an extremely high-resolution image sensor, the superior performance of M lenses, and sophisticated processing of the captured digital information ensures the best imaging results in all photographic situations. The 18-megapixel CCD image sensor, specifically designed and developed for this camera, enables the capture of the full 35-mm film format without any compromises. All M lenses mounted on the M9 or M9-P offer the same angle of view they had when using film material. This means that the high

resolution and unique imaging quality of the now-digital M9 and M9-P are capable of fully exploiting the enormous potentials of M lenses. Or, in other words: in the case of the M9 and M9-P, it wasn’t a matter of modifying the lenses to match the image sensor, but rather the other way around.

This results in images particularly rich in details. Natural. Authentic. Without compromise.

Intuitive Handling When it comes to handling, the Leica M9 - and now, the new M9P, too - concentrate on essentials.

It has even been possible to further improve the already simple menu navigation. The key control element is an intuitive four-way switch and dial combination used in conjunction with the 2.5” monitor. Setting the sensitivity requires only constant pressure on the ISO button while simultaneously turning the dial to select the re-

quired setting. All other functions important for everyday situations are quickly and easily accessible by pressing the “Set” button: these include white balance, imagedata compression, resolution, exposure correction, exposure bracketing, and programmable user profiles. The user profiles can be programmed with any camera and shooting settings, stored under an arbitrary name, and accessed quickly whenever required for a particular situation.

Compact, Built for a Lifetime, and Enduring in Value It is not rare for a Leica to become its owner’s lifelong companion.

This also applies to the digital Leica M9 and equally to the M9P: despite the considerably larger sensor, it has been possible to maintain the compact body size of their predecessors, the Leica M8 and M8.2. With dimensions of only 139 x 37 x 80 mm, the

Leica M9 and M9-P retain the ideal size of the M series and the unique honor of being the world’s smallest full-format digital system cameras. The one-piece, full-metal housing, made from a high-tensile magnesium alloy, and a top deck and bottom plate machined from blocks of solid brass, provide perfect protection for their precious inner mechanisms.

The digital components and shutter assembly of the M9 and the M9-P are similarly constructed with a lifetime of endurance in mind. Free updates ensure that the cameras’ firmware always embraces the latest developments. In short: an M camera is not only an investment for life, but also a lifelong companion.

Ambas pĂĄginas.

Vistas y planos detalle del nuevo modelo de camara Leica M9.

Unobtrusive, Discreet, and Resilient: the New Leica M9-P The M9 now has a twin sister, the new Leica M9-P. In technological terms, they are absolutely identical twins and feature precisely the same high performance qualities.

The only differences are found in a few characteristic details. The compact size of Leica M cameras, their unobtrusive looks, minimalist design, and the almost inaudible sound of their shutters make it possible for Leica M photographers to virtually melt into the background. The M9-P now makes photography even more unobtrusive - instead of the red dot on the front, it now bears a restrained Leica logogram on the top deck. And, in turn, is even more discreet.

The Leica M9-P now features an extremely scratch-resistant, almost unbreakable, sapphire crystal cover for its LCD monitor display. Sapphire crystal is one of the world’s hardest materials and so hard that it can only be worked with special diamond-cutting tools. The antireflective coating on both sides of the monitor cover glass further improves image reviewing, particularly in unfavorable lighting conditions.

The Leica M9-P is optionally available in the classical Leica silver chrome camera finish or in black paint - the M9 offers two options, elegant steel gray or black paint. The Leica M9-P also features vulcanite leathering with particularly good grip characteristics.

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VISUAL PLEASURE WILLIAM O´BRIEN JR

ARCHITEC

William O’Brien Jr. is Assistant Professor of Architecture at the MIT School of Architecture and Planning, and is principal of an independent design practice in Cambridge, Massachusetts.

His practice was recently awarded the 2011 Architectural League Prize for Young Architects and Designers. Last year his practice was a finalist for the MoMA PS1 Young Architects Program, and was recognized as an inaugural winner of the Design Biennial Boston Award.

O’Brien has taught previously at The University of California Berkeley as a Bernard Maybeck Fellow, and was the LeFevre Emerging Practitioner Fellow at The Ohio State University. Before joining MIT, for two years he was Assistant Professor at The University of Texas at Austin where he taught advanced theory seminars and design studios in the graduate curriculum. At MIT O’Brien currently holds the Cecil and Ida Green Career Development Chair, and teaches design studios in both the graduate and undergraduate programs. He was the recipient of the 2010 Rotch Traveling Studio Scholarship which funded research and travel for an advanced design studio in Iceland.

O’Brien pursued his graduate studies at Harvard University where he was the recipient of the Master of Architecture Faculty Design Award. Prior to graduate school he attended Hobart College in New York where he studied architecture and music theory, and was the winner of the Nicholas Cusimano Prize in Music. After completion of his graduate work he studied in Austria as the recipient of the Hayward Prize for Fine Arts Traveling Fellowship in Architecture under the sponsorship of The American Austrian Foundation. He has been named a MacDowell Fellow by the MacDowell Colony in Peterborough, New Hampshire, and a Socrates Fellow by the Aspen Institute.

His publications include essays, “Approaching Irreducible Formations,” in ACADIA re:Form, and “Experts in Expediency,” in Log Journal.

He is currently contributing to and editing a collection of essays, entitled “Cycles,” for which he has recently received a grant from The Graham Foundation for Advanced Studies in the Fine Arts.

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Ambas pĂĄginas.

Todas las fotografias cedidas por William O´brein Jr y MoMA Museum.

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VISUAL PLEASURE ALEX GRONSKY

PHOTOGRAPHER Alexander Gronsky Born in 1980 in Tallinn, Estonia. Based in Riga, Latvia.

Awards: 2012 World Press Photo 3rd place Daily Life stories 2011 Prix Photographique Ville de LevalloisEpson 2010 Foam Paul Huf Award 2010 Silver Camera Grand Prix, Moscow 2009 Critical Mass Top 50 2009 Aperture Portfolio Prize 2009 Linhof Young Photographer Award 2008 Kandinsky Prize finalist, Moscow 2004 Finalist for the Ian Parry Award, UK 2003 Participant of the Joop Swart Masterclass, Netherlands Exhibitions: 2012 “Mountains & Waters”, Polka Gallery, Paris 2011 “Pastoral”, Photographer.ru Gallery, Moscow 2011 “Mountains&Waters”, Levallois 2011 “The Edge”, Fotografica, Bogota, Columbia 2010 “The Edge”, Aperture Foundation, New York 2010 “Alexander Gronsky”, FOAM Museum, Amsterdam 2009 “The Edge”. Photographer.ru Gallery, Moscow 2008 “Background”. Photographer.ru Gallery, Moscow.

Group: Crossroads, Australian Centre for Photography, Sidney 2011 Backlight Photo Festival in Tampere, Finland 2011 SI FEST in Savignano sul Rubicone, Italy 2011 “Eastside Story”, Polka Gallery, Paris 2010 “InsideOutside”. FotoWeekDC Festival, Washington DC, 2009 “Minus Ideology”, Art+Art Gallery, Moscow, 2009

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Ambas pĂĄginas.

Todas las fotografias cedidas por William O´brein Jr y MoMA Museum.

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VISUAL PLEASURE SHWOOD

UVA PHOTOGRAPHER A simple experiment with nature. Born from the limb of a Madrone tree, a rusty pair of cabinet hinges, and lenses from the corner store, Shwood has been a curious endeavor from the beginning. An endeavor to create a product that encompasses the individuality and uniqueness that can only be found in natural surroundings.

A desire to experiment with design, materials, and aesthetics in the search for something that works. Free from passing trends, the brand’s focus remains that of its roots, innovation and creation. Long live creativity.

Shwood’s in-house manufacturing process merges precision technology with classic skilled craftsmanship to create a timeless art form. Every step from veneering and precision lens cutting, to shaping and finishing is conducted in our own Portland-based workshop to promise an entirely handcrafted piece of wooden eyewear.

Wood manipulation is kept to a minimum in order to showcase the medium’s natural and unique splendor. All models are accompanied by 100% UVA/UVB protection Carl Zeiss lenses imported from Italy. Polarized lenses are also available.

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Ambas pรกginas.

Todas las fotografias cedidas por cortesia de Shwood

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DESIGN NEWS

NOTICIAS DIARIAS

DESIGN SUPPORT

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Ateval anuncia la convocatoria de sus dos concursos de diseño e innovación La Asociación de Empresarios Textiles de la Comunidad Valenciana (Ateval) ha lanzado la convocatoria de dos concursos de diseño e innovación. Por un lado, el Concurso Internacional de Diseño Textil, Premios Ateval, que alcanza su edición número doce y, por otro, la segunda edición del Concurso Internacional de Productos Textiles Innovadores, enmarcado en el Plan de Competitividad de la Empresa Valenciana 2009.

El Festival del Diseño de Londres se nutre de savia extranjera El Festival del Diseño de Londres, que se celebra del 19 al 27 de septiembre, se nutre en buena medida de savia extranjera, reconoció hoy a Efe su director, Ben Evans.

“Londres es una ciudad cosmopolita en la que vive gente de todo el mundo, entre ellos muchos diseñadores y creadores en general”.

Mariscal desembarca en Londres con ‘Drawing life’ El Design Museum de Londres acoge del 1 julio al 1 de noviembre, ‘Drawing life’, una exposición que muestra una selección de los trabajos de Javier Mariscal y Estudio Mariscal a los largo de su trayectoria profesional. Más de 2.000 objetos e imágenes, entre muros collage, cortinas gráficas, objetos, dibujos, bocetos, audiovisuales y teatritos, sirven para mostrar las claves, la evolución y la metodología del lenguaje personal del diseñador valenciano.

La Stockholm Furniture convoca una nueva edición de GreenHouse GREENHOUSE, la sección de jóvenes diseñadores, estudiantes & escuelas de diseño de la Stockholm Design Week, tendrá lugar del 9-13 de Febrero de 2010 en Estocolmo.

Si bien la participación de cualquier escuela en la sección se lleva a cabo de forma directa, lo cierto es que todos aquellos estudiantes y diseñadores individuales que quieran optar a uno de los espacios expositivos, tendrán que someter su proyecto a la valoración de un jurado profesional.

Convocatoria del IX Concurso Internacional de Diseño Andreu world El XI Concurso Internacional de Diseño Andreu World ya está en marcha. Hasta el próximo 14 de septiembre estará abierto el plazo de recepción de los proyectos de esta edición. Esta competición se consolida como una cita que anualmente reúne las mejores creaciones realizadas en el campo del diseño de producto y en una plataforma de lanzamiento para noveles creadores.

Barcelona acogerá el primer festival europeo de la innovación Barcelona acogerá a partir del 22 de octubre el European Innovation Festival (IF), un evento pionero impulsado por la Comisión Europea y organizado por BCD Barcelona Centro de Diseño para fomentar la innovación, la creatividad y el diseño como factores decisivos para la competitividad de las empresas y la economía.

25 años de diseño valenciano El Museu Valencià de la Il·Lustració i la Modernitat presenta la exposición ‘Suma y Sigue del diseño en la Comunidad Valenciana’, que recoge los hitos más importantes de esta actividad durante los últimos 25 años a través de una selección de más de 250 productos industriales y elementos de comunicación creados por 130 autores y empresas valencianas.

Talleres de diseño para niños Como viene realizando DIMAD con otras exposiciones, dos sábados al mes, se realizarán unos talleres destinados a los más pequeños. En este caso las propuestas de trabajos girarán alrededor del tema del agua y de la cultura japonesa.

Los talleres, con una duración de una hora y cuarto, serán llevados a cabo por especialistas en talleres infantiles de diseño y estarán dirigido a niños de diferentes edades: de 4 a 8 años y de 9 a 12 años.

Más de 80 jóvenes diseñadores participan en el concurso Creamoda Un total de 82 diseñadores menores de 35 años procedentes de distintas comunidades autónomas, de Francia y de Portugal, participarán en la 22 edición del Concurso de Diseño de Moda “Creamoda”, que se celebrará a partir de hoy en Bilbao Exhibition Centre (BEC), en Barakaldo.

Según informó BEC, el concurso repartirá 27.000 euros en premios, ya que este centro de convenciones otorgará 15.000 euros a los primeros clasificados en las categorías de moda femenina, masculina e infantil, y la Diputación Foral de Vizcaya concederá 12.000 euros a los primeros clasificados de este territorio.

Cocktail 09, IED Madrid invita a un excelente combinado de diseñadores internacionales Los días 19, 20 y 21 de mayo IED Madrid celebra Cocktail 09, un encuentro entre los profesionales del diseño y el público. Este año los conferenciantes son Stuart Vevers, Carlos Alija, Carlotta de Bevilacqua, Miguel Villalobos, Peret y Mathieu Lehanneur.

L´Antic Colonial entrega sus galardones de diseño ante más de 400 asistentes L’Antic Colonial, empresa del Grupo Porcelanosa dedicada a la fabricación de pavimentos y revestimientos con materiales naturales, entregó ayer los premios del segundo certamen de diseño, unos galardones que tienen una dotación global de 40.000 euros.

Una muestra repasa el diseño español de los últimos 20 años La exposición de los premios nacionales de diseño organizada por el Ministerio de Ciencia e Innovación y que se inauguró ayer, por primera vez en Andalucía, en el Teatro Cómico Principal de Córdoba, de la mano del Centro Tecnológico Andaluz del Diseño (Surgenia) y con el apoyo de la Consejería de Innovación y la Consejería de Cultura de la Junta, repasa la historia del certamen con las obras de casi un centenar de creadores galardonados desde 1987 y hasta el 2008, mostrando así la mejor imagen del diseño español. Una muestra repasa el diseño español de los últimos 20 años

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ITESO reúne a profesionales del diseño Profesionales del diseño, creadores e impulsores del diseño gráfico editorial, industrial, de tipografía, ilustración y aplicado a prenda, así como jóvenes talentos, se reunirán durante tres días en el Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Occidente (ITESO) en el marco de las Jornadas Internacionales de Diseño (JID), evento que llega este año a su decimotercera edición. El encuentro, que se realizará del 27 al 29 de abril, se suma a la celebración del Día Mundial del Diseño y al aniversario número 15 de la apertura de la carrera en el ITESO. Estará dedicada al diseñador japonés Shigeo Fukuda, fallecido en enero, una de las figuras más respetadas a escala internacional.

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Divertidos y originales diseños italianos para tu cocina Tratando de recrear el mejor espacio para tu cocina, la firma italiana Alessi ha puesto a trabajar a sus diseñadores para ofrecer esta temporada artículos bonitos, funcionales e inspirados en la tradición milenaria del Feng shui, basados en el año del mono con utensilios de cocina que aportarán a tu hogar la energía y dinamismo que necesitas para afrontar los retos cotidianos con mejor humor.

Iprocor y el Grupo “Gallego Sánchez” convocan el concurso nacional de diseño de mueble auxiliar El Instituto del Corcho, la Madera y el Carbón de la Junta de Extremadura (Iprocor) y el Grupo ‘Gallego Sánchez’, la principal empresa exportadora de muebles de la región, convocan el II Concurso Nacional de Diseño de Mueble Auxiliar ‘Hábitat de Extremadura’, dotado con un primer premio de 3.000 euros y con dos accésit de 1.000 euros cada uno.

Ikea, muebles de diseño y piezas de museo Las populares creaciones de IKEA, el grupo sueco líder mundial en la venta de muebles y decoración para el hogar, serán desde mañana las protagonistas de una nueva exposición en la Pinacoteca de los Modernos (Pinakothek der Moderne) de Múnich (sur de Alemania). La muestra Diseño democrático - Ikea reúne por primera vez en un museo algunos de los muebles y accesorios más vendidos de los últimos sesenta años por la casa sueca, como el sofá Klippan, la silla infantil Mammut y la estantería para libros Billy.

La Bauhaus regresa a casa Hubo un tiempo en que los arquitectos prefiguraban el arte.

Profesiones antes insospechadas, el diseño industrial y gráfico nació así y aquí, en Weimar, Dessau, Berlín, repartido en tres sedes y en un tiempo brevísimo rediseñó el espacio en que naceríamos. Todo un programa cultural, en actos festivos, sedes varias y exposiciones espectaculares hasta con 1.200 piezas recuerda en «La Bauhaus que viene» el 90 aniversario del movimiento que hospedó a Gropius, László Moholy-Nagy, Mies van der Rohe, Paul Klee, Marcel Breuer y Vasily Kandinsky.

Exposición Czech Grand Design: lo mejor del diseño checo actual La Academia de Diseño de la República Checa acaba de otorgar los premios Czech Grand Design 2008 a destacadas obras creadas por los diseñadores checos el año pasado. Los trabajos ganadores pueden verse en estos días en el Museo de Artes Aplicadas, Praga.

Fotografías, vasos de cristal, juguetes infantiles, sofás, una bañera, un aparcabici y varios pares de zapatillas de la marca Botas: La exposición Czech Grand Design representa un amplio abanico de las posibilidades temáticas y formales que ofrece el diseño artístico. Al mismo tiempo, permite hacerse una visión conjunta de la creación checa actual, destaca el comisario de la muestra, Jiří Macek.

Barcelona cuenta con una guía de la cultura del diseño en la ciudad La fundación Barcelona Centre de Disseny (BCD), en colaboración con Turismo de Barcelona, ha publicado el ‘Barcelona Design Tour’, una guía que agrupa más de 150 puntos de interés relacionados con la cultura del diseño en la capital catalana.

La iniciativa pretende promover los principales locales, edificios, entidades, escuelas, hoteles, bares, restaurantes, tiendas de moda y librerías, así como potenciar el posicionamiento de la ciudad como punto de referencia del diseño a nivel internacional entre los turistas que visitan la capital catalana.

Fuendetodos exhibe el fruto del trabajo de 33 jóvenes diseñadores La consejera de Servicios Sociales y Familia, Ana Fernández, ha inaugurado hoy en la Sala Ignacio Zuloaga de Fuendetodos (Zaragoza) la exposición con las obras de los 33 jóvenes artistas que participaron en noviembre el I Curso de Comunicación y Diseño del Instituto Aragonés de la Juventud (IAJ).

La iniciativa se puso en marcha con el objetivo de ofrecer formación especializada a través de reconocidos profesionales en el campo del diseño gráfico, un área muy demandada por los jóvenes y por la sociedad.

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//NOS VEMOS EN LA PROXIMA//

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