MINIMALISMO
Amara Tripaiñan Saravia
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comienzos
estilo de vida
arte referentes minimalitas
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música
fotografía
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arquitectura
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índice
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comienzos del minimalismo
El minimalismo es un movimiento artístico que comenzó en post de la Segunda Guerra Mundial. El arte occidental, más fuertemente con las artes visuales americanas en la década de 1960 y princi-
lo esencial, a despojar de elementos sobrantes. Es una traducción transliterar del término inglés minimalist, o sea, que utiliza lo mínimo (minimal en inglés). Es también la concepción de simplificar
pios de 1970, continuando la tradición geométrica norteamericana y reaccionando contra el abusivo predominio de las corrientes realistas, y el arte pop por parte de museos tanto como de coleccionistas. Se deriva de los aspectos reductivos del modernismo y se interpreta a menudo como una reacción contra el expresionismo abstracto y un puente
todo a lo mínimo. Esta tendencia supuso la última etapa del reduccionismo propuesto en su día por Kazimir Malévich, por los constructivistas rusos y por el movimiento artístico De Stijl. El minimalismo queda más claro si se explica que minimalismo en realidad quiere decir minimismo. El término «minimal» fue utilizado por primera
hacia las prácticas de arte postminimal. Reducir a
vez por el filósofo británico Richard Wollheim en
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1965 para referirse a las pinturas de Ad Reinhardt y a otros objetos de muy alto contenido intelectual, pero de bajo contenido de manufactura, como los «ready-made» de Marcel Duchamp. El término de Wolheim se usaría posteriormente para definir una serie de obras de principios de los 60’s que enfrentaban al expresionismo abstracto con formas puras. Así se formaliza el nacimiento del “Minimal Art”, también conocido como Minimalismo. El término también se aplica a los grupos o individuos que practican el ascetismo y que reducen sus pertenencias físicas y necesidades al mínimo.
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e s t i l o dcomo e unvminimalista ida Los minimalistas son personas que tratan consciente e intencionadamente de vivir sólo con lo que realmente necesitan. La lógica implícita es que, al tener tantas cosas guardadas sin ser usadas se entra en estrés al pensar que no hay tiempo de usarlas todas. Ya que al tener más cosas que puedes usar y deseas más de las que puedes pagar, se entra a un ciclo vicioso en el que las cosas no trabajan para ti, sino tú a ellas. Esto conlleva a la culpa, por haber supuesto un derroche sin uso y al que con gracias al tiempo acumulado pierde su valor; y que además su misma producción ha
generado desperdicios contaminantes a los que inconscientemente se sigue colaborando conforme se van adquiriendo cosas nuevas. El minimalismo libera de la pasión de poseer, como estilo de vida es una corriente que se enfoca en simplificar, revalorizando las prioridades viviendo una vida consciente, y con un propósito deliberado, es decir, identificar lo esencial y permanecer con eso. La cultura moderna ha creído en la mentira de que la buena vida se encuentra en acumular cosas, en poseer tanto como sea posible. Creen que más es mejor y se suscribieron inadver-
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tidamente a la idea de que la felicidad se puede comprar en una tienda departamental. Pero están equivocados. El minimalismo libera la pasión que todo lo consume de poseer. Se sale de la rueda del consumismo y se atreve a buscar la felicidad en otro lado. Valora las relaciones, las experiencias y el cuidado del alma. Y al hacerlo, encuentra la vida. El minimalismo es contra-cultural. Si bien el minimalismo no está en contra del capitalismo, si lo está del consumismo sin control. Vivimos en un mundo que idolatra a las celebridades. Son fotografiados para revistas, entrevistados en la radio y grabados para televisión. Sus vidas se mantienen como el estándar de oro y son envidiados por mu-
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chos. Las personas que viven vidas minimalistas no son defendidas por los medios de la misma manera. No encajan en la cultura consumista promovida por corporaciones y políticos. Sin embargo, viven una vida atractiva. Mientras que la mayoría de la gente persigue el éxito, el glamour y la fama, el minimalismo nos llama con una voz más pequeña, más tranquila y más tranquila. Nos invita a reducir la velocidad, consumir menos, pero disfrutar más. Y cuando conocemos a alguien que vive una vida simplificada, a menudo reconocemos que hemos estado persiguiendo las cosas equivocadas todo el tiempo.
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minimalismo en el
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Las pinturas y esculturas minimalistas están compuestas de formas precisas, con bordes geométricos, con planos rígidos de pigmento de color, por lo general la utilización de tonalidades frescas o tal vez sólo un color. Suelen consistir en composiciones geométricas no regulares ni jerárquicas. El objetivo de este arte es provocar emotividad del expresionismo abstracto.
Volúmenes creados en materiales industriales que aparecen en una exposición, dominando de forma extraña el espacio. Pueden ser consideradas frías, sólidas, austeras. El minimalismo deja fuera toda emoción, dejando una contemplación puramente intelectual y objetiva, algo que llama la atención teniendo en cuenta el contexto político y social. El minimalismo en el arte busca influir en el
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espacio que lo rodea y sobre todo, influir en quien está en este espacio; poniendo un poco de orden en un mundo tan caótico. Tanto la escultura minimalista como la vanguardista tienen en común su reivindicación de las condiciones propias de la escultura, pero difieren en el mayor e indirecto protagonismo dado al espectador en las obras minimal, en la incidencia de la unidad y completud de la experiencia receptiva en las obras seriales y en la mayor conciencia de quien contempla respecto a su rol como perceptor: se requiere de él una actitud diferente. La ubicación de los objetos minimal contribuye a su contenido, lo que erosiona en parte la autonomía de la obra de arte.
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carmen herrera Carmen Herrera es una pintora y escultora cubana, residente de Nueva York desde mediados del siglo XX. Estudió bachillerato en París y se matriculó en arquitectura en una universidad cubana. En 1939, se casó con Jesse Loewenthal y se trasladó a Nueva York donde estudió en Art Students League. Luego de la Segunda Guerra Mundial, ella y su marido se instalaron en Paris, y fue allí cuando se unió a un grupo de artistas abstractos, miembros del Salón de las Nuevas Realidades, que expusieron su trabajo junto con el de Josef Albers, Jean Arp, Sonia Delaunay, entre otros. Sin embargo, al mudarse a Nueva York, su
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abstracción geométrica no tenía cabida ya que imperaba el expresionismo abstracto. Durante décadas, Herrera celebró esporádicas exposiciones individuales, incluyendo muestras en un par de museos (The Alternative Museum en 1984 y El Museo del Barrio en 1998). Es considerada por la crítica una pionera de la abstracción geométrica y del modernismo Latinoamericano. Sus obras tienen una precisión casi espiritual y recuerda la pintura de Barnett Newman. Su estilo es hard edge y sus pinturas forman parte del movimiento minimalista geométrico.
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sin título,1952 |25
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green and white, 1956 26|
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Iberic, 1948 |27
Noemi Escande
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noemi escandell Oriunda de Cañada de Gómez, Argentina. Noemi fue una artista de formas geométricas con interés en política. Al llegar a la mayoría de edad como artista a mediados y finales de la década de 1960 en Argentina, durante la dictadura notoriamente opresiva y violenta de Juan Carlos Ongania, Escandell se unió al colectivo político radical conocido como Grupo de Arte Vanguardia en Rosario, después de graduarse de la universidad. allí. Tomando una posición contra la feroz censura del dictador,
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la opresión de los intelectuales y el maltrato a los trabajadores rurales, esos artistas unieron fuerzas con artistas y activistas en Buenos Aires para organizar la ahora famosa protesta colaborativa “Tucumán Arde” (Tucumán Arde). La obra de Escandell, formas geométricas abstractas sobre papel o construidas con madera, fue censurada. No pudo exhibir públicamente su arte de 1968 a 1983, hasta que Argentina volvió a ser democrática. Para la exposición “Otras estructuras
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primarias” del Museo Judío, creó una versión gigante de madera pintada de su boceto Desplazamiento de 1967, una forma de X que se extiende desde el suelo hasta el techo. Las extremidades alargadas de la X sugieren vagamente una forma humana, pero también podrían simbolizar “una cancelación de la narrativa hegemónica que nos han alimentado sobre la historia del arte y el minimalismo, específicamente”, como dijo el curador de la muestra, Jens Hoffmann, a Art. en Estados Unidos en 2014.
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Boceto para estructura Espacios Correspondientes , 1967 |31
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Espacios correspondientes 32|
s, 1967
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Vector, 1966 |33
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donald judd Su trayectoria artística pasó de una primera etapa como pintor abstracto de composiciones geométricas bastante austeras a una segunda etapa como crítico de arte (durante los años cincuen-
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ta) y a una tercera como escultor, desde comienzos de la década de 1960. Este último período es el que lo convirtió en una figura de proyección universal y en uno de los principales representantes teóricos del minimalismo. El arte minimal se consolidó en Estados Unidos a partir de 1965 siguiendo un proceso reduccionista que llevaría la pintura,
más simples y esenciales. El término “minimalismo” fue aplicado por primera vez por Richard Wollheim en un artículo de la revista Arts Magazine en el que, citando obras de Duchamp, Reinhardt y algunos artistas pop, defendía la intervención mínima de los autores. Se debe sin embargo a Ad Reinhardt el famoso “menos es más”, que se convirtió en una de las consignas fundamentales del movimiento. Donald Judd utilizó la madera en sus primeras realizaciones, pero pronto incorporó el plexiglás y
pero sobre todo la escultura, hacia sus estructuras
el acero inoxidable, su material más característico.
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Con ellos creó obras basadas en yuxtaposiciones y superposiciones mediante las que intentó expresar relaciones afines a las progresiones matemáticas. Todas sus creaciones son obras frías, carentes de cualquier intención decorativa o implicación emocional, en las que a menudo utiliza el color para de esta manera acentuar la estructura de las piezas.
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Obra sin título ubicado en la fundación Chinati en Marfa, Texas. |37
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jeremy moon Pintor británico (Altrincham, Cheshire, Gran Bretaña, 1934 – Londres, 1973). Influenciado por el incipiente movimiento minimalista que surgía en Inglaterra, Moon se convirtió en uno de los protagonistas más importantes y fue el pintor minimalista más relevante en Londres de los 60’s. Su objetivo como pintor era captar un flujo óptico de imágenes que parecieran estar en reposo y que, al mismo tiempo, dieran la impresión de estar en movimiento hacia el exterior. Durante una década, Moon desarrolló su pintura como un monólogo de imágenes interiores. La obra que se muestra aquí pertenece a la se-
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rie de cuadros en Y realizados en 1967, que hacen referencia a los “shaped canvases” (lienzos con forma) del “Hard Edge” americano, cuyos representantes pudieron verse por primera vez en Londres en 1963 y 1965. El cuadro se caracteriza por la orientación dinámica y sígnica de su campo, que penetra en el espacio. Jeremy Moon se convirtió en una figura destacada en el arte británico durante los años sesenta y setenta. Su trabajo fue abstracto y geométrico en su forma. Sus primeras pinturas hasta 1964 usaban óleo sobre lienzo, cambiando luego a las nue-
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vas pinturas acrílicas. En general, aplicó pintura de forma plana y sin modular con cinta adhesiva para delinear áreas claras de color. Fue uno de los primeros expositores del lienzo en forma y también produjo una pequeña cantidad de trabajos en 3D y de socorro. Los motivos recurrentes y los elementos dentro de sus obras incluían formas cuadriculadas compuestas de líneas verticales, horizontales o diagonales.
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sin titulo, 1972 |41
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El minimalismo en el diseño propone eliminar elementos pesados para la vista, priorizando el mensaje. De esa forma su contenido es liviano, equilibrado y lleva la mente del observador a lo básico de la pieza gráfica. Es decir, los diseños minimalistas ofrecen contenidos visuales concretos abordados con simplicidad de recursos gráficos que buscan el desarrollo de una composición concisa, que comunique lo importante y fundamental, evadiendo las distracciones innecesarias que puedan confundir al receptor. El diseño minimalista ha sido muy in-
fluenciado por el diseño tradicional japonés y por la arquitectura. Además, los trabajos del movimiento De Stijl han sido una fuente de referencia para este tipo de creaciones debido a los diferentes usos de recursos y figuras básicas, tales como líneas y planos organizados de forma particular. El minimalismo en el diseño gráfico, como hemos mencionado anteriormente, sigue las características propias del estilo: la abstracción, la economía del lenguaje, purismo estructural y funcional, orden, reducción, síntesis, sencillez y concentración. Re-
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duciendo las formas a lo elemental, así como la predilección por emocionar a través de la mínima expresión. El minimalismo en el diseño industrial se basa en el contraste blanco-negro. Priman las líneas rectas, la ausencia de ornamentación y florituras, los muebles sencillos y funcionales, la disposición ordenada y acabados finos. Los creadores reducen al máximo los elementos propios del arte buscando la belleza en la mínima expresión. Utilizando colores puros, formas simples y geométricas, y materiales industriales de la manera más neutra posible, pero sin afectar la calidad visual de las piezas.
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kenya hara
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El diseñador japonés Kenya Hara experto en la creación de imágenes corporativas, parte de los conceptos estéticos. Hara lleva 15 años como director creativo de Muji, marca conocida en todo el mundo por sus diseños esenciales y agradables que reflejan el concepto de sencillez, siendo productos desnudos y bien pensados que marcarán el siglo XX. Muji trabaja con artículos para el hogar, muebles, equipamiento para viajes, ropa, artículos de oficina y muchos otros proyectos que componen un catálogo inquieto y en constante movimiento: cabinas prefa-
de el inicio de su trabajo en Muji (2001), Kenya Hara tiene como objetivo principal contribuir a mejorar la vida cotidiana de la gente. A lo largo de su carrera profesional colaboró con diferentes marcas y eventos, como los Juegos Olímpicos de Nagano en 1998 en donde fue el responsable de diseñar los programas de la ceremonia de apertura y clausura. En 2008 fue contratado por la marca de moda Kenzo para idear el aspecto de su perfume Kenzo Power. Hoy en día dirige su propia agencia llamada Hara Design Institute y trabaja como
bricadas para vacaciones, hoteles, entre otros. Des-
profesor en la universidad de arte de Musashino.
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Gráfica para MUJI diner 50|
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charlotte perriand Charlotte Perriand fue diseñadora y arquitecta francesa, fue una de las figuras claves del siglo XX al ser parte las precursoras de la arquitectura interior moderna. Tras su obra Bar sous le Toi (1927) caracterizada por el interior de luz, aluminio y cristal, consiguió captar la atención del autor de la capilla Notre Dame du Haut, Le Corbusier. Llevándola a trabajar y colaborar en su atelier por cerca de 10 años, donde Charlotte se encargaría del desarrollo de los interiores de la Villa La Roche-Jeanneret, Villa Stein en Garches (1927) y Villa Savoye en Poissy (1929). Así mismo de la creación de piezas icónicas del
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diseño doméstico como “la chaise longue LC4” o la butaca “LC2”. El estilo de Perriand se inclinaba cada vez más por una arquitectura social y un mobiliario económico intercambiable, por lo que esto la llevó a desligarse de Le Corbusier. Su interés por el “art de vivre” quedó impregnado en sus obras reflejando su inclinación por el movimiento, destacando la economía del cuerpo, como del espacio y del cuerpo en el espacio. Se concluye que Charlotte Perriand es una figura icónica del diseño doméstico contemporáneo, siendo una indiscutible pionera e impulsora sumamente libre al momento de crear.
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La fotografía muestra la chaise longue LC4 junto a la butaca LC2, obras reconocidas de Charlotte Perriand |55
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dieter rams
El fabricante alemán de productos electrónicos para el consumidor se convirtió en uno de los diseñadores industriales más influyentes de finales del siglo XX, al definir un lenguaje visual elegante y legible pero riguroso para el desarrollo de sus productos. Buscaba fomentar aspectos fundamentales de cada objeto, por lo que evitaba lastrarlos torpemente con todo aquello que no era esencial, obteniendo como resultado ideal uno que refleje pureza y simplicidad. Según Rams “Un buen diseño es innovador. Un buen diseño hace que un producto
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sea útil. Un buen diseño es estético. Un buen diseño nos ayuda a entender un producto. Un buen diseño es discreto. Un buen diseño es honesto. Un buen diseño es duradero. Un buen diseño es consecuente al último detalle.El buen diseño se refiere al medio ambiente. Un buen diseño es el menor diseño posible. De vuelta a la pureza, a la simplicidad”. Estos diez principios definen el enfoque de Dieter Rams por el “buen diseño”. Cada uno de los cientos de productos que desarrolló durante cuarenta años con Braun, donde fue director, fue in-
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faliblemente elegante y supremamente versátil. La obra que se muestra es una Braun SK5, estas unidades se hicieron en tamaños modulares para apilarse vertical u horizontalmente. Sus botones, interruptores y diales se redujeron al mínimo y se ordenaron de forma simple. Rams incluso ideó un sistema de codificación de color para los productos de Braun, que se hicieron en blanco y gris. El único toque de color eran los interruptores y diales. El objetivo de Rams era diseñar productos útiles que fueran fáciles de operar. Sin embargo, logró
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mucho más gracias a la elegancia formal y la virtuosidad técnica de su trabajo. Sus diseños siempre se veían sin esfuerzo con una exquisita simplicidad derivada de rigurosas pruebas y experimentos con nuevos materiales y una obsesiva atención al detalle para garantizar que cada pieza apareciera impecablemente coherente. Dieter Rams sigue siendo una inspiración duradera para los diseñadores más jóvenes, especialmente Jonathan Ive y Jasper Morrison, que han reconocido su influencia en su trabajo en Apple y Rowenta, respectivamente.
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aino marsio aalto Aino fue diseñadora y una de las primeras arquitectas filandesas e incluso de Europa. Sus inicios como arquitecta fueron en el estudio de Oiva Kallio, y tiempo después se integró al estudio de Alvar Aalto, con quien se casaría poco después. Uno de sus primeros éxitos fue la serie icónica de cristal Bölgeblick (1932). Consistía en una serie de vajilla y vasos en cristal formado por círculos concéntricos y con variadas tonalidades de transparencia como: caramelo, azul, gris o sin color. Sus proyectos de arquitectura son reconocidos y asociados al nombre de Alvar Aalto, y colaboró
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como independiente en el mobiliario e interior en proyectos para el Sanatorio Paimio o Villa Mairea. Aino junto a su marido Alvaro, crearon el Minimun Apartment Exhibition (1930) con estilo de vivienda pensada para la nueva sociedad que se estaba gestando. En donde Aino diseñó la cocina minimalista, en donde se enfocó en el ahorro de tiempo y espacio para así limpiar fácilmente. También fundaron Artek, donde ella fue directora general. Esta marca estaba centrada en piezas de iluminación, mobiliario minimalista y de cuidado estético.
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cristal Bölgeblick,1932 62|
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minimalismo en la
música Es un género que se originó en Norte América en la década de los 60’s, que se basa en el uso de pulsos constantes, en transformaciones lentas, en la armonía consonante, en elementos estáticos y por lo general utiliza pequeñas frases musicales, ritmos, instrumentación estática y elementos orientales que se repiten. Los compositores estadounidenses con más notoriedad por medio del minimalismo musical fueron: Philip Glass, La Monte Young, Steve Reich y Terry Riley. Mientras que en Europa eran: Louis Andriessen, Wim Mertens, Yann Tiesen y Steve Martland. La música minimalista
marca una ruptura con la vanguardia y una vuelta a la música tonal, y a veces modal. Se caracteriza también por una cierta austeridad y por una economía de medios. La idea de minimalismo es mucho más amplia de lo que la mayoría de la gente piensa. Suele incluir por definición cualquier música que se implementa con una pequeña, mínima o limitada cantidad de recursos musicales: piezas que emplean una pequeña cantidad de notas o frases musicales, o piezas escritas con sólo una pequeña cantidad de instrumentos caseros o simples, tal y como timba-
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les, ruedas de bicicleta o vasos de whiskey. Pueden ser piezas que sostienen ritmos básicos y repetitivos a lo largo del tiempo. Se puede incluir a la música realizada el ruido que generan eventos naturales como por ejemplo las corrientes de los ríos. Piezas que tienen ritmos cíclicos sin final. Piezas de ritmos extraños elaborados con los sonidos de un saxofón y su eco sobre una pared. Puede incluir piezas con ritmos que varían lentamente a lo largo del tiempo y que migran gradualmente a otras melodías. Pueden ser piezas que expresan todas las graduaciones entre dos notas, como puede ser do y re. Puede una pieza con un tempo lento que tiene una densidad musical de dos o tres notas por minuto.
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else marie pade Else Marie fue música y compositora danesa. Durante su infancia, frecuentemente enfermaba por lo que constantemente tenía que guardar cama. Fue en ese escenario en donde ella escuchó los sonidos del mundo exterior y creó “imágenes auditivas” más allá de los sonidos. Estos sonidos reales se convirtieron en la base para sus trabajos musicales específicos. Durante la Segunda Guerra Mundial ayudó a distribuir periódicos ilegales, aprendió a utilizar armas y armar explosivos como método de resistencia al nazismo. Fue prisionera después de ser arrestada por la Gestapo. Terminada la guerra se convirtió en la primera compositora de música
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electrónica danesa en 1954, al final de la guerra. Ella se convirtió en una compositora de música electrónica por necesidad, ya que tras su presidio no pudo volver a tocar el piano. Su trabajo incluye composiciones que se hicieron a partir de grabaciones registradas en un parque de atracciones, una obra inspirada en el planetario, así como música para un ballet, entre otras muchas cosas. Su larga carrera fue documentada en una reedición de 2015 llamada Electronic Works 1958-1995. Había declarado poco tiempo antes de su muerte que aún tenía intenciones de componer más música a los 89 años, mientras residía en un hogar de vida asistida.
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la monte young Es un compositor y músico estadounidense, generalmente reconocido como el primer compositor minimalista. Sus obras han sido incluidas entre las obras más importantes y radicales después de la Segunda Guerra Mundial, calificadas como avant-garde, música experimental o música drone. Tanto sus composiciones proto-Fluxus como minimal ponen en tela de juicio la naturaleza y la definición de música y, a menudo incluyen elementos típicos de las performances. Su primera influencia musical fue en su primera infancia en Berna. Young relata que «el verdadero primer sonido que recuerdo haber escuchado era
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el ruido del viento en los aleros y en todo el registro de extensiones en las esquinas de la cabaña de troncos» (traducción de: the very first sound that I recall hearing was the sound of wind blowing under the eaves and around the log extensions at the corners of the log cabin). Los sonidos continuos —tanto hechos por el hombre como naturales— le fascinaban cuando era niño. Los cuatro lanzamientos que más tarde llamó el «acorde sueño» (Dream Chord), en el que basó muchas de sus obras de madurez, vienen de su reconocimiento a temprana edad del sonido continuo realizado por los postes de teléfono en Berna.
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terr y riley
Con más de medio siglo de trayectoria artística, Terry Riley ha destacado por su constante trabajo como compositor para Kronos Quartet. Su música se caracteriza por sus estructuras complejas y llenas de improvisación con elementos del minimalismo, el jazz y la raga hindú. Su obra más conocida es In C, compuesta en 1964, donde se revela sobre todo la influencia de su colaboración con La Monte Young y el grupo Fluxus en Nueva York, así como el trabajo que realizó en los estudios de Radio France con grabaciones en cinta. Inspirado en la experimentación con el
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desfase, la superposición y la repetición de sonidos grabados, Riley estructuró la música de In C a partir de 53 frases musicales o módulos de diversa longitud que cada intérprete puede repetir libremente sobre un pulso constante en la nota Do. Sin embargo, hay procesos indeterminados en las repeticiones y en la manera que los intérpretes las ejecutan, por lo que el resultado final es una compleja e impredecible red de cánones, polirritmias y énfasis armónicos, como también en los énfasis de la música contemporánea.
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éliane radigue Éliane es una compositora francesa de música electrónica, cuyo trabajo, desde principios de la década de 1970. Había estudiado piano y ya había ensayado a componer cuando escuchó por vez primera una emisión en la radio de una pieza de uno de los padres fundadores de la música concreta, Pierre Schaeffer. Poco después, en los años 1950, se reunió con él y se convirtió en una de sus alumnas y trabajó de manera periódica, durante sus estancias en París, en el «Studio d’Essai». Durante la década de 1960 fue asistente de Pierre Henry, periodo durante el cual creó algunos de los
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sonidos que aparecen en su obra. Como su trabajo ganó en madurez, Schaeffer y Henry estimaron que su uso particular del micro, con largos bucles grabados de efecto Larsen, eran contrarios a sus ideales, pero su práctica singular permaneció todavía fuertemente influida por sus métodos. Alrededor de 1970, creó en la Universidad de Nueva York, en un estudio que compartió con Laurie Spiegel, su primera música basada únicamente en el uso del sintetizador, un modelo Buchla prestado por Morton Subotnick. Su objetivo era entonces crear un lento y determinado desarrollo
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del sonido, a la vez próximo al de los compositores minimalistas de Nueva York y de sus antiguos aliados de la música concreta francesa. Después de haber presentado el primero de sus Adnos en 1974 en el «Mills College», por invitación de Terry Riley, un grupo de estudiantes visitantes franceses destacó la ligazón profunda entre su música y la meditación, y le sugirieron interesarse por el budismo tibetano, que le era relativamente desconocido. Tras la investigación del budismo tibetano, se convirtió rápidamente y pasó los siguientes tres años dedicada a su práctica con el gurú Pawo Rinpoche, que posteriormente la reorientó de nuevo a sus trabajos musicales. Regresó a la composición, retomando los mismos métodos de trabajo
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y persiguiendo los mismos objetivos que antes, y terminó Adnos II (1979) y Adnos III (1980). Durante buena parte de los años 1980, se dedicó a una obra singular, de una duración de más de tres horas, puede que su obra maestra, la Trilogie de la Mort, muy influida por el Libro Tibetano de los Muertos, por su práctica de la meditación y por la muerte de Pawo Rinpoche y la de su hijo Yves Arman. El primer volumen de la trilogía, Kyema, fue su primera grabación publicada, en el sello XI de Phill Niblock. Desde entonces, ha creado un gran número de obras, entre ellas una patrocinada por el gobierno francés, basada en cuentos e historias de la tradición budista.
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Album Triptych por Éliane Radigue, 2008 |79
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Como hemos mencionado anteriormente el minimalismo trata de reducir a lo esencial. Y este concepto se puede aplicar también a la fotografía, eligiendo un único sujeto y hacer que sea el protagonista único de la imagen. Con esto se trata de mostrar la belleza de lo simple, seducir con la mínima información, decir mucho con muy poco. Cuidando la composición de toda la fotografía. El color es un elemento importante, ya que con este se da sentido a la fotografía como con la ausencia de este también. El uso de las geometrías es una
herramienta muy común en este tipo de fotografías. El minimalismo no solo está enfocado a la fotografía de objetos, sino que también puede ser explotado en un ciento por ciento en las fotografías de retratos. En su mayoría las imágenes que mejor logran reflejar el minimalismo en retratos son aquellas en las que se juega con las luces y las sombras, ocultando gran parte de este en las sombras y dejando una bella fotografía, aunque debemos reconocer que son algo extremas.
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luca tombilini Utiliza la fotografía como medio de conexión con los paisajes. El trabajo se convierte en una comparativa entre la majestuosidad y espiritualidad que caracterizan las fotos de Tombolini tanto por composición como por gama de colores y los valores de la sociedad contemporánea; donde todo viene marcado por el tiempo, las prisas y el estrés. «Tener un periodo largo de tiempo para viajar es fundamental para volver a un estado mental más esencial», explica Luca Tombolini. El italiano describe su proceso de trabajo como “extremadamente lento y
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meditativo”, pero que es necesario para puedan trabajar correctamente su visión y sus emociones. Se convierte en una búsqueda de aquella libertad que anhela el fotógrafo, escapando de las conexiones de la sociedad y la vida cotidiana. En palabras del artista: «Cuando estoy frente a las necesidades básicas de la vida y vuelvo lentamente a nuestro vínculo primordial con la naturaleza». Además, el trabajo de Tombolini va más allá de ser una escapatoria al frenesí de la sociedad; para el fotógrafo también es una herramienta especial-
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mente eficiente para hacer consideraciones sobre el tiempo. Ya sea cuando se detiene claramente o, por el contrario, cuando se tiene la impresión de que se comprime, como si el momento de la foto hubiera existido para siempre. Por último, las fotografías que el autor ha presentado a lo largo de todo el mundo durante estos últimos cuatro años son post-procesadas de la misma forma: Primero se escanean con tambor y posteriormente son impresas utilizando un chorro de luz.
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george digalakis El portafolio de Digalakis está arraigado simultáneamente en el mundo natural y en otro sutilmente surrealista. Sus fotografías, que están envueltas en una quietud palpable y en una misteriosa melancolía, piden a los espectadores que se pierdan en la escena y aprovechen el duermevela de su subconsciente. Con preferencia por los paisajes e inclinación por el minimalismo, su fotografía capta con habilidad y gracia la belleza oculta de la naturaleza. Fotos exquisitamente soñadoras de árboles solitarios, horizontes brumosos y viviendas desiertas transmiten la asombrosa habilidad del artista para transformar escenas y entornos ordi-
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narios en temperamentales obras maestras. Digalakis utiliza a menudo la presencia de elementos naturales (como el agua) para aumentar el atractivo innato de estos entornos. “El agua, un elemento que él ama profundamente”, dice su biografía, “se puede encontrar en la mayoría de sus obras, pero nunca como su tema central. Más bien, utiliza el agua y el cielo como lienzo en el que coloca a los sujetos”. El fotógrafo es también aficionado a emplear técnicas de larga exposición. Esta es una táctica creativa para “llevar las imágenes más allá de la realidad”.
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A forest of pillars por George Digalakis 90|
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Sleeping dragon por George Digalakis |91
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david frutos
Su trabajo se centra en el entorno costero captando imágenes tanto en color como en blanco y negro de larga exposición. Sus fotografías han sido publicadas en varias revistas en papel y digitales, de reconocido prestigio tanto nacionales como internacionales como Naturaleza Salvaje, La Naturaleza Habla LNH, Canonikos, El paisaje Perfecto, Stark-Magazine, eZine by Nathan Wirth, Andrew S Gibson, entre otros. Fotógrafo especializado en arquitectura, comenzó realizando reportajes fotográficos de todo tipo pasando en 2001 a especializarse en el campo de la arquitectura, ganándose una magnífica repu-
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tación que le ha llevado a realizar reportajes por toda la geografía nacional, posicionándose como el fotógrafo de arquitectura español más solicitado del momento. Su trabajo ha sido publicado en más de 300 publicaciones de todo el mundo, así como en infinidad de medios digitales. David Frutos ha participado en distintas exposiciones, destacando su selección para Photoencuentros 2010 por su reportaje sobre los resorts de Polaris World. Ha impartido diversas conferencias, cursos y seminarios, así como participado en mesas redondas y jurados en diversas ocasiones.
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Clipped por David Frutos 94|
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One Almond Tree Under the Storm por David Frutos |95
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helena georgiou Helena Georgiou nació y se crió en Nicosia, Chipre. Estudió Diseño de Interiores en la Universidad de Nicosia, Historia de la Arquitectura en HarvardX Extension School y Fotografía y Periodismo en la Universidad Estatal de Michigan. Sin embargo, estudia Historia de la Fotografía en la Universidad de Londres y asistió a lecciones de fotografía en el museo MoMa de Nueva York. Actualmente estudia estudios de cultura griega en la Universidad Abierta de Chipre. Desde 2011, ha presentado varias
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exposiciones individuales y colectivas en distinguidas galerías de todo el mundo, como la Galería Papenhuder57 de Alemania, Parliamentarioum (Bruselas), Parlamento Europeo (Estrasburgo), Öffentliche Versicherung Braunschweig (Alemania). Ha sido nominada con importantes distinciones como premios de fotografía del Parlamento Europeo (3 veces) y del Sony Award Sony World Photography Awards. Su portafolio incluye: fotografía callejera, retratos de gente común, arte digital (ma-
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nipulación), arquitectura, minimalismo, naturaleza muerta, etc. El minimalismo en fotografía puede parecer fácil de lograr en teoría, pero no se trata simplemente de poner un sujeto singular sobre un fondo sencillo, como demuestra la fotógrafa y artista digital con sede en Chipre Helena Georgiou con su brillante fotografía minimalista. Los colores y los patrones son componentes importantes de su estilo visual, la mayoría de los cuales utiliza para integrar técnicas de arte digital en su fotografía. Y para aquellos que renderizó en monocromo, la imaginación le permite transformar escenas cotidianas en imágenes de ensueño.
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El minimalismo en la arquitectura surgió como corriente en Europa y el arquitecto alemán Ludwig Mies Van Der Rohe fue el pionero en esta tendencia al proponer su famosa frase “menos es más”. Este tipo de arquitectura minimalista tiene como objetivo destacar lo mínimo. Este concepto guía a la arquitectura a conseguir mucho con lo mínimo e indispensable; es decir, sin elementos decorativos sobrantes, para sobresalir por su geometría y su simpleza, utilizando materiales puros, texturas simples y colores monocromáticos. Con la intención de
crear espacios pacíficos, armónicos y funcionales, sin demasiados detalles irrelevantes y objetos innecesarios y redundantes. Ya que el minimalismo arquitectónico es, como hemos mencionado anteriormente, una tendencia sobria y austera. La arquitectura minimalista no es fría es humana, pues destaca la naturaleza y la luz teniendo esta última un importantísimo papel. En casi todos los desarrollos modernos está presente este estilo. Algunas de las principales reglas del estilo minimalista en la decoración de interiores es la organización:
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todo debe tener su lugar. Las casas minimalistas tienden a tener fachadas con decoración no recargada. El uso de la luz y la espacialidad son muy particulares en este estilo. La armonía de materiales y formas distinguen a esta tendencia presente. Los materiales más usados en una decoración minimalista son la madera, vidrio, acero inoxidable, cromo, espejo, mármol y granito. Se destacan la terminación de los acabados, así que estos deben ser excelentes en su terminación.
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tadao ando
Es un arquitecto japonés autodidacta cuya obra ha sido categorizada como “regionalismo crítico”. Como Kenya Hara, ha sabido servirse de su profundo conocimiento de las corrientes filosóficas y estéticas japonesas que tanto han influido el diseño occidental desde el siglo XVIII. Además del minimalismo zen, estudió desde su juventud el trabajo de otros arquitectos atraídos por las formas y funciones esenciales, desprovistas de postizos: Le Corbusier, Ludwig Mies Van der Rohe, Frank Lloyd
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Wright, etc. Tadao Ando ha explicado: “Cuando vi la luz proveniente del óculo del Panteón en Roma, supe que quería ser arquitecto”. Sus primeros trabajos muestran un estilo postmoderno incipiente, aunque claramente adaptado a las costumbres niponas. En 1976 finaliza su primera obra Casa Azuma, Tadao Ando divide la vivienda en dos volúmenes, uno privado y otro común, entre ellos un patio se destina al “juego del viento y la luz”. La presencia de elementos naturales en
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sus obras le acompañará durante toda su carrera. Durante los años ochenta, Tadao Ando salta a la escena internacional como máximo exponente de la nueva arquitectura japonesa. De estos años destacamos la urbanización Rokko Housing (19831993) con su capilla en el monte Rokko(1986), en estos edificios la influencia de Le Corbusier en Tadao Ando queda patente en el uso del hormigón como material principal, aunque el tratamiento individualizado de la luz le confiere a sus obras un sello personal. Entre sus últimas obras tenemos la Langen Foundation (2004), donde el agua, el vidrio y el hormigón vuelven a ser los protagonistas. La pareja de Casas 4x4 (2006) y la Casa en Sri Lanka (2011) son dos obras íntimas donde el arquitecto japonés adapta la construcción al entorno.
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john pawson
Defensor del famoso lema less is more de Mies Van der Rohe, John Pawson es uno de los arquitectos más activos e influyentes en el panorama actual, no sólo en el campo de la arquitectura sino también en el diseño de espacios interiores y de objetos domésticos y mobiliario. Se educó en Eton, pero no se dedicó desde el principio a la arquitectura, sino que realizó sus estudios tras haber cumplido los treinta en la Architectural Association. En 1973 le surge una oportunidad de viajar a Japón, y fascinado por la espiritualidad y la estéti-
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ca zen, dejó en Inglaterra su empleo en la fábrica textil de su familia en Yorkshire. En el país en el que la ceremonia del té se considera y se refina hasta alcanzar la perfección ejerció de profesor y visitó el estudio del arquitecto japonés Shiro Kuramata, conocido por sus diseños de interiores y sus muebles. Así se fue alimentando su interés por la sensibilidad por la esencia de las cosas y el ideal de simplicidad, últimamente denominado minimalismo. Se declara detractor de lo irrelevante y simpatizante de lo imprescindible.
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De vuelta en Inglaterra, se estableció como arquitecto y ha dejado patente su particular enfoque arquitectónico en obras como el Granero Tilty, el apartamento del escritor Bruce Chatwin, la Casa Pawson en Inglaterra, la Casa Baron en Suecia, las tiendas de Calvin Klein en Manhattan, Seúl o Londres que se han convertido en el buque insignia de la firma, las zonas de embarque para Cathay Pacific en el aeropuerto de Hong Kong o el interior del Design Museum de Londres. Entre sus encargos se encuentra incluso un monasterio, el de Nuestra Señora de Novy Dvur en Chequia para una comunidad de monjes trapenses, donde sobriedad y pragmatismo combinan a la perfección para plasmar en el espacio la austeridad de la vida de una comunidad religiosa.
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Jane Drew fue una arquitecta, urbanista y pionera del movimiento moderno en Inglaterra. El hecho de que un premio lleve su nombre denota la relevancia de su trayectoria profesional. Jane fue una de las principales precursoras de MARS (Modern Architectual Research Group), una asociación arquitectónica fundada en Londres (1933) a raíz del Congreso Internacional de Arquitectura Modernsa
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(CIAM), que había sido creado, entre otros, por Le Corbusier, y que se centraba en una mejora de las condiciones de la vivienda y el urbanismo. Empezó a trabajar en Londres llevando a cabo grandes proyectos, para después asociarse con Maxwell Fry, su esposo. Su foco principal: el desarrollo de viviendas asequibles en Inglaterra o África Occidental. Su gran obra llegó cuando el ministro indio
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de la época les solicitó a Drew y Fry proyectar la nueva capital de Punjab, Chandigarh. Ante la envergadura del proyecto, hablaron con Le Corbusier para realizarlo en una estrecha colaboración los tres arquitectos. Chandigarh le sirvió como campo de experimentación de su visión de vivienda social y fue el catalizador del estilo de vivienda moderna en toda la India.
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Kenneth Onwuka Dike, Library, Ibadan, Nigeria |119
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lina bo bardi Italiana de nacimiento, se convirtió en brasileña por adopción (y por aportación). Lina Bo Bardi (Roma, 1914-Saõ Paulo 1992) estudió arquitectura en Roma y al acabar, en 1939, se traslada a Milán donde luego crea su propio estudio. Debido a la falta de proyectos por la guerra, empieza a trabajar en la revista Domus. En 1946, se muda a Brasil con su marido, el crítico de arte Pietro María Bardi, donde le encargan el diseño de MASP, el museo de arte de la ciudad, su gran obra. Su
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Casa de Vidrio, su residencia abierta a la vegetación circundante, es todo un referente del modernismo brasileño. Su arquitectura está centrada en el ser humano y con el tiempo se fue simplificando más y más hasta levantar lo que ella denomina “arquitectura pobre”. Pero su obra no se reduce a esto, también creó piezas de mobiliario en madera contrachapada, decorados de ópera y teatro, y comisarió exposiciones.
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El contenido recopilado para la creación de esta publicación fue obtenido a partir de textos oficiales/entrevistas. Las fotografías de autores y obras pertenecen a los artistas que las capturaron. Las fotografías que son parte de las secciones y portadas son de autoridad de Amara Tripaiñan.
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