DISEÑO CON Ñ by Alba Vega

DISEÑO CON

CECILIA DIEZ DE FRUTOS ALBA VEGA LEDESMA

El diseño abre un mundo nuevo y se encarga de decorarlo, de hacerlo accesible y fácil. El diseño te enseña a darte cuenta de lo importante, a ir al meollo del problema y solucionarlo. El diseño va de fijarte en las personas, de saber que es lo que se busca, lo que se necesita o quiere. En definitiva, es eso, personas. Por ello, queremos dedicar este libro a nuestras compañeras, porque el diseño también es trabajo y equipo y muchas horas de sueño que dejan de ser de sueño (hay que volverse un poco loca para que quede de locosss). Pero al final, cuando te paras a ver lo que has conseguido y la gente que has conocido en el camino, sabes que todo ha merecido la pena.

índice

01-46

INVESTIGACIÓN SOBRE EL DISEÑO DE UNA NACIÓN Y SU CONTEXTO

03-08

antecedentes y protodiseño (1900-1929)

09-14

primeras propuestas (1930-1959)

15-26

nacimiento y desarrollo (1960-1979)

27-34

el boom del diseño español (1980-1989)

35-44

normalización e internacionalización (AÑOS 90)

45-46

fisionomía del diseño y futuro

47-116

AUTORES DESTACADOS Y OBRAS ANALIZADAS

49-60 66-60

66-60 49-54

57-58 66-60 66-60 59-60

55-56 66-60

61-60 66-60 66-60 61-66 66-60 69-76

67-68 66-60

77-84 66-60 66-60 77-80

81-82 66-60 66-60 83-84

85-96 66-60 85-92 66-60

66-60 95-96

93-94 66-60

66-60 97-116 66-60 97-102

66-60 102-112

66-60 113-114

66-60 115-116

INVESTIGACIÓN SOBRE EL DISEÑO DE UNA NACIÓN Y SU CONTEXTO

antecedentes y protodiseño 1900-1929

La revolución industrial en España se inició en el segundo tercio del siglo XIX, mas tuvo diferente alcance y características según la región. La agricultura comenzó a industrializarse lentamente, lo que dio lugar a los primeros antecedentes del diseño industrial. En un principio, la industria solo copiaba las formas de los objetos artesanales. Más adelante tomó su propio rumbo, dando lugar a una nueva expresión funcional y estética, impulsada por la aparición de nuevas tecnologías y el auge de movimientos artísticos (Arts & Crafts, el modernismo, el artdéco, el funcionalismo, etc).

Gaudí es una ﬁgura muy importante en la historia del diseño español. No solo destaca por su brillante arquitectura, pues también se dedicó al diseño de mobiliario y objetos, a menudo como complemento de sus obras. Destacan la racionalización de las formas, los procesos constructivos y la funcionalidad, sin olvidar su carácter artesanal. Aunque en la obra de Gaudí el diseño es latente, el proceso sigue siendo preindustrial. Es por ello que se considera un verdadero precursor de la profesión de diseñador.

SILLÓN CALVET 1902 Antoni Gaudí Reedición. Productor: BD

SILLAS GEMELAS 1906 Antoni Gaudí Reedición. Productor: BD

MÁQUINA DE COSER 20 ALFA, 1924 Oficina Técnica Alfa Productor: Alfa

PROYECTOR, 1907 Mariano Fortuny y Madrazo Reedición. Productor: AEG

AUTOMÓVIL HISPANO - SUIZA T 49, 1924 Marc Birkigt Productor: Hispano - Suiza

primeras propuestas 1930-1959

El espíritu del diseño industrial radica en pensar y proyectar los objetos antes de producirlos y en que dichos objetos no sean fabricados por quien los diseña, su producción se deja a manos de terceros. Este hecho se inició en este período. Las vanguardias centroeuropeas inﬂuenciaron a la España de la época y, con las ideas de progreso y modernización, la industria se vio favorecida. Así se empieza a usar el término “diseño industrial” y algunas empresas comienzan a producir en serie modelos previamente pensados para la industria. En España y en el resto de Europa, las propuestas de los años treinta se caracterizan por un diseño racionalista que emplea mayoritariamente el acero, el vidrio o la baquelita como nuevos materiales estructurales y expresivos. Estos son diseños creados por arquitectos que buscan objetos y muebles acordes con sus nuevas construcciones.

La defensa de la arquitectura funcionalista (con una marcada inﬂuencia lecorbusierana) en España, fue llevada a cabo por el GATEPAC (Grupo de Arquitectos y Técnicos Catalanes para el Progreso de la Arquitectura Contemporánea). Lo hizo a través de su obra y de la revista A.C. (Documentos de Actividad Contemporáneo), pues de esta manera propugnó la renovación vanguardista del mobiliario y el equipamiento domésticos, frente a las posturas historicistas.

A. C. Documentos de Actividad Contemporánea Revista del GATEPAC

Miembros del GATEPAC

Siguiendo estos ideales, fundaron la tienda MIDVA (Muebles y Decoración para la Vivienda Actual), donde vendían muebles basados en la estricta funcionalidad, realizadas con tecnologías no complejas, la estandarización y el bajo coste. También distribuyeron muebles, diseñados colectivamente, y piezas importadas de la empresa ‘Thonet’ y de autores como Breuer y Aalto. La empresa Rolaco-MAC, Madrid 1932, se convirtió en la primera marca española dedicada a la producción de muebles de tubo curvado, influenciada por los modelos centroeuropeos. Al no contar con la tecnología idónea, desarrollaron un nuevo método para poder curvar los tubos metálicos. Este consistía en llenar el tubo con plomo líquido o arena. Por este motivo fue la primera empresa española que firmó un contrato con Mies van der Rohe para fabricar y distribuir sus sillas, lo que, sumando la obtención de maquinaria moderna, le hizo muy exitosa. La empresa Thonet les acusó en un momento dado de haber copiado y variado el diseño de una silla de Breuer. Rolaco-MAC fue el productor de muebles de los mejores arquitectos del momento: Gutiérrez Soto diseñó los muebles del bar Chicote y Luis Feduchi el mobiliario del edificio Capitol. Sin embargo, al poco tiempo llegó la guerra civil y la fábrica fue incautada; en la posguerra, Luis y Javier Feduchi trataron de continuar con la empresa y produjeron muebles de madera, electrodomésticos, asientos para los trenes Talgo y los aviones de Iberia, hasta que finalmente cierra en 1966.

El declive de esta empresa es un ejemplo de cómo la guerra civil española (1936-39) paralizó de un plumazo el proceso internacional de renovación de la arquitectura y el diseño, y la posguerra, bajo la dictadura franquista, provocó un aislamiento total respecto a la evolución en el exterior. No obstante, en Italia y Alemania el diseño constituyó un factor de desarrollo y modernización que ayudó a superar los estragos de la II Guerra Mundial. Hasta mediados los años cincuenta no se revitalizó el interés por el diseño, que en esa época estaba más próximo a lo cultural que a lo empresarial. La falta de un mobiliario moderno empujó a arquitectos como Barba Corsini' Carvajal, Fisac, de la Sota, de Moragas y Coderch a diseñar ellos mismos piezas y complementos que les permitieran acabar coherentemente sus proyectos.

BUTACA HOTEL CAPITOL, 1930 Luis Feduchi Ruiz Producción: Rolaco-MAC, S.A.

SILLONCITO CHICOTE, 1934 Luis Gutiérrez Soto Producción: Rolaco-MAC, S.A.

MESA, 1931 GATCPAC Producción: GATCPAC

SILLA PELUQUERÍA HILTON, 1952 Javier Feduchi Benlliure Producción: Rolaco-MAC, S.A.

MOTOCICLETA IRUÑA SCOOTER 202, 1953 Industrias Metálicas de Navarra, S.A. Productor:IMENASA

LÁMPARA DE TECHO, 1957 José Antonio Coderch de Sentmenat Producción: Disa M.L.B. Coderch

nacimiento y desarrollo 1960-1979

En la década de los sesenta, se dio el verdadero arranque del diseño industrial español, favorecido por la aparición de un reducido pero destacado grupo de «activistas» que daban una gran importancia al diseño como disciplina, y por el gran cambio económico, pues la autarquía llegó a su ﬁn. Los primeros actos para potenciar el diseño, los llevaron a cabo pequeñas agrupaciones, como el SEDI y el ADI FAD. Más tarde se dieron iniciativas oﬁciales, como los concursos y premios del EXCO organizados por el Ministerio de la Vivienda, para suplir la escasa oferta del mueble práctico y económico.

En el campo de la enseñanza, Barcelona fue el primer lugar en España donde se fundó, en 1961, una escuela dedicada al diseño industrial, la escuela Elisava. De esta surgiría la escuela Eina. Posteriormente otras instituciones, como Massana, introducirían la especialización en diseño industrial.

En 1972 apareció “Temas de Diseño”, la primera revista dedicada exclusivamente a esta profesión, dirigida por el arquitecto Miguel Durán-Lóriga y con graﬁsmo de José M. Cruz Novillo. REVISTA TEMAS DE DISEÑO, 1972-74 Patrocinador: ADI FAD

En el ámbito empresarial, este mismo año nació en Barcelona B.D Ediciones de Diseño, destacada por producir exclusivamente diseños de alta calidad. Un año después se creó el BCD (Barcelona Centro de Diseño), que promocionaba a las empresas de diseño.

GRAPADORA DE PLÁSTICO 8 Y 20, 1976 Guillermo Capdevila oductor: El Casco. Olabe y Solozabal S.A.

Miguel Milá y André Ricard representan la generación pionera de diseñadores no arquitectos. Las piezas que desarrollaron en la época son siempre funcionales, contenidas, ingeniosas, de bajo coste y en ellas destaca la simplicidad constructiva. Los años setenta se vieron afectados por una tecnología más avanzada y una demanda estéticamente más exigente; llegaron los moldes, los muebles componibles y modulares, la espuma rígida, etc. En 1955, se promovió en Madrid la creación de la que es la primera entidad dedicada al diseño en España, aunque la Sociedad de Estudios para el Diseño Industrial no nació hasta 1957. El SEDI estuvo impulsado por los prestigiosos arquitectos Carlos de Miguel, Javier Carvajal y Luis Feduchi; estos querían incidir en el campo teórico con la elaboración de documentos y la organización de foros de debate e introducirse en el mercado, a través de la realización de encargos y propuestas para la industria. Pese al reconocido prestigio de sus componentes y a su importancia en el ámbito de formación profesional, el SEDI no contó con el apoyo suﬁciente de los sectores industriales y a los pocos años cesó en su actividad. Al igual que el SEDI, se creó también el Instituto de Diseño Industrial de Barcelona (IDIB), cuyos promotores fueron Antoni de Moragas, Oriol Bohigas, Alexandre Cirici, André Ricard o Ramon Marine. Este se acogió a la institución histórica FAD, constituyendo de esta manera el ADI FAD. Esta gana renombre gracias a los premios Delta de diseño y, en 1971, organiza en Ibiza un congreso del ICSID, organismo que agrupa centros de diseño de todo el mundo. Este congreso supuso el primer gran encuentro del diseño internacional con el de España.

LÁMPARA CESTA, 1962 Miguel Milá Sagnier Productor: Polinax DAE, S.A. Santa & Cole

LÁMPARA DE SOBREMESA O PARED TATÚ, 1970 André Ricard Productor: Metalarte S.A

Como ya se ha mencionado anteriormente, la revolución industrial no se dio de manera homogénea en toda España, el País Vasco fue una de las regiones donde más auge tuvo, por ello las décadas de los sesenta y los setenta constituyen un momento especialmente dinámico ahí, pues disponía de unas fábricas y unos recursos naturales que le permitieron acometer productos de mayor envergadura. Ferrocarriles, barcos, vehículos agrícolas, transportes pesados, bicicletas y motocicletas, electrodomésticos, maquinaria, armas, cuchillería, herramientas, cuberterías, utillaje, etc., fueron, y son, producidos por una industria que cada vez toma más conciencia de la importancia del diseño, cuyos valores incorpora a los requerimientos impuestos por la ingeniería, y que abastece al mercado peninsular y también exporta gran parte de su producción. En Galicia destacan las fábricas y el laboratorio de Formas fundados en Sargadelos, en 1970. Estas tienen su origen en el exilio argentino de un grupo de intelectuales, artistas y técnicos, dirigidos por Isaac Díaz Pardo y Luis Seoane, cuyo objetivo principal era la recuperación de la memoria histórica de Galicia y la promoción de su industrialización. Sargadelos supuso una innovación en la industria, que permitió la investigación de materiales, tecnologías y diseño, a la vez que la recuperación de una tradición industrial iniciada en aquella población de Lugo a principios del siglo XIX.

Cuando lo artesanal y lo tradicional comenzó a dejarse a un lado, Sargadelos fue capaz de fundar un complejo industrial que producía una amplia gama de productos cerámicos en su fábrica (fuente de sus recursos), y que también albergaba un Seminario de Estudios Cerámicos, una escuela de tecnología, unos talleres y unos laboratorios, donde se trabajó para encontrar una línea de diseño en cerámica, renovadora y personal, que armonizara la calidad estética, la innovación industrial y las necesidades sociales. JUEGO DE CAFÉ PMBA DEC. M-1, 1960 Isaac Díaz Pardo Producción: Sargadelos

BUTACA, 1961 Equipo 57 Productor: Darro

SILLA ERLO, 1961 Equipo 57 Productor: Danona

BICICLETA PLEGABLE BH 75-500, 1960 Oficina Técnica Productor: Beistegui Hermanos, S.A.

BUTACA BILBAO, 1965 Miguel Fisac Serna Productor: Rafael García

TABURETE FREEDOM, 1966 Jordi Galí Camprubí Productor: G3

RADIO – TRANSISTOR INTER – 6, 1969 Productor Inter

JERINGUILLA FS, 1973 Manuel Jalón Corominas, Tomás Sánchez, Luis Serrano, José Luis Clemente y Julio Cejudo Productor: Fabersánitas, S.A.

GRAPADORA DE PLÁSTICO 8 Y 20, 1976 Guillermo Capdevila Productor: El Casco. Olabe y Solozabal S.A.

CAMPANA EXTRACTORA, BD, 1978 Lluis Clotet, Óscar Tusquets Blanca y Anna Bohigas Productor: BD, Ediciones de Diseño

el boom del diseño español 1980-1989

En la década de los ochenta, el diseño español se podría decir que renació. Esto fue posible por el nuevo proceso democrático en el que se encontraba el país, la favorable situación económica y la incorporación a Europa. También es determinante la madurez del sector del diseño y su deseo de expandirse: diseñadores adecuadamente formados, entidades promocionales, empresas dispuestas a incorporar el diseño como valor diferenciador de sus productos y la complicidad de diversas administraciones que decidieron apostar por el diseño como signo de modernidad y factor de competitividad ante la nueva situación internacional. A su vez, tuvo gran importancia la difusión que

se dio al diseño en esta época: publicaciones especializadas; asociaciones profesionales; el SIDI, plataforma de difusión internacional del mobiliario español; y el aspecto mediático. Este último ámbito fue un factor clave del llamado boom del diseño español, la prensa internacional destacó la creatividad y los medios de comunicación nacionales difundieron profusamente el novedoso concepto de diseño, aunque no siempre de la manera correcta, lo que llevó en ocasiones a la ambigüedad y banalización del término. Sin embargo, en esta década surgieron algunos de los productos más emblemáticos del diseño español que aún siguen exhibiendo nuestra creatividad. VINAGRERAS 4, 1981 Equipo Técnico Valira, S.A. Productor: Valira, S.A.

JUEGO DE TÉ ORONDA, 1980-83 Óscar Tusquets Blanca Productor: Alessi, spa

SILLA VARIUS (COLECCIÓN), 1983-84 Óscar Tusquets Blanca. Productor: Casas

BUZÓN 3-4-5, 1984 Óscar Tusquets Blanca y Lluís Clotet Productor: B.D Ediciones de Diseño

FUENTE AFRODITA, 1985 La Nave Productor: Industrias Saludes, S.A.

LÁMPARA BIB LUZ LIBRO, 1985 Óscar Tusquets Blanca Productor: B.D Ediciones de Diseño

FAROLA LAMPELUNAS, 1986 José A. Martínez Lapeña y Elías Torres Productor: Cemusa, Santa & Cole

SILLA SENTADA, 1988 Enric Miralles y Carme Pinós Productor: Artespaña

BANCO Ú, 1988 Albert Viaplana y Helio Piñón Productor: Escofet, S.A.; Elementos urbanos, fachadas y pavimentos

SILLA DE BRAZOS PLEGABLE SISTER MOON, 1989 Bañó + Asociados Productor: Punt Mobles, S.L.

BUTACA SALINAS, 1989 Ximo Roca Productor: Bon Stil, S.L.

normalización e internacionalización AÑOS 90

Es en los años noventa cuando se aﬁanza el sector del diseño. Tanto en España como internacionalmente se van abandonando los excesos de los ochenta y aparece una estética más minimalista o tradicional. Las propuestas para la industria buscan un elemento diferenciador basado en la optimización, el ingenio y el ahorro. Como consecuencia de esta nueva percepción, se da la involución del diseño de exhibición o experimental, que tuvo que refugiarse en los ámbitos artísticos, y también la creación de departamentos de diseño dentro de la propia estructura de las empresas. En esta época el diseño llegó a los museos y se creó la primera colección de diseño industrial español, albergada en el Museo de las Artes Decorativas de Barcelona.

El impulso de los años anteriores lleva a dos acontecimientos, en 1992, que situaron a España en el foco internacional: los Juegos Olímpicos celebrados en Barcelona y la Expo de Sevilla. Desde que en 1987 se concedió a Barcelona la organización de los Juegos Olímpicos, se puso en marcha un complejo dispositivo en el que el diseño jugó un papel muy relevante. La mascota, el Cobi de Mariscal, fue el primer signo de modernidad de los juegos, puesto que no continuaba la ya conocidísima línea waltdisneyana, sino que apostaba por el riesgo en una propuesta que se vio apoyada por el expresivo y gestual logotipo de Josep M. Trias.

Cabe destacar que la antorcha olímpica fue diseñada por André Ricard, de manera que los JJOO del ‘92 hacen que se encuentren dos personalidades tan importantes y prestigiosas en el diseño español como Javier Mariscal y André Ricard, de las que hablaremos a continuación. Se desarrolló el “Proyecto ventana” (ventana televisiva), que trataba de transmitir una imagen original y creativa más allá de lo reglamentario. La Expo de Sevilla también fue ejemplo de modernización, tanto en el campo de la arquitectura como en el del diseño, donde participaron numerosos equipos creativos (nacionales e internacionales). De los diseños producidos para el interior de cada pabellón, destacan los de la Comunidad Valenciana y los del Pabellón de España, la colección de mobiliario urbano también fue muy importante.

Fue la empresa ‘Artespaña’ quien se encargó de coordinar el proyecto de diseño de los principales elementos que había que producir, el resultado fue una amplia colección de piezas que destacaban por su pragmatismo e idoneidad. La incorporación de España al grupo de los países con diseño avanzado, supuso el inicio de un creciente intercambio internacional, un proceso simbiótico en el que ambas partes salen beneﬁciadas: por un lado, los diseñadores españoles son invitados a colaborar con prestigiosas empresas extranjeras, que intentan aprovechar la frescura española y, recíprocamente, las empresas españolas contratan los servicios de expertos estudios extranjeros. Se trata de homologar la producción con el objetivo de aumentar la exportación, propiciando una concurrencia que ha generado un enriquecimiento del potencial creativo español, que participa de un nuevo fenómeno: la mundialización.

ANTORCHA OLÍMPICA BARCELONA 92´, 1990 André Ricard Productor: Vilagrasa, S.A.

MASCOTA COBI, 1991 Javier Mariscal Productor: Estudio de Mariscal

PINZAS PARA HIELO, 1963 Productor: Arce, Nodax, Acinox

VAJILA “COMPACT”, 1962 Productor: Porcelanas Bidasoa

VELA ARCE, 1962 Productor: Arce

FRASCO DE COLONIA QUORUM, 1981 Productor: Antonio Puig Perfumes S.A.

INTERRUPTORES SERIE IBIZA, 1974 Productor: BJC. Fábrica Electrotécnica. Josa S.A.

ENVASE DE LECHE RANIA, 1967 Productor: Productos lácteos Freixas S.A. FRASCO DE COLONIA AGUA BRAVA, 1968 Productor: Antonio Puig Perfumes S.A.

TUPPERWARE, 1995 Productor: Ta-Tay

CAFETERA MINI-MOKA, 1976 Productor: Moka Exprés S.A.

EXPRIMIDOR ELÉCTRICO, 1986 Productor: Moulinex

CENICERO DE SOBREMESA COPENHAGEN, 1965 Productor: Flaminaire-Flamagás, Anexa, Norda S.A.

LÁMPARA DE SOBREMESA / PARED TATÚ, 1970 Productor: Metalarte S.A.

PINZA ANTIPOLILLA, 1972 Productor: ORION

LÁMPARA ARAÑA, 1983 Junto a Pepé Cortés Productor: BD

LÁMPARA VALENCIA, 1983 Productor: BD

SILLA GARRIRI, 1987 Productor: Akaba S.A. TABURETE DUPLEX, 1980 Productor: BD

SIILLÍN BISCÚTER, 1987 Productor: Akaba S.A.

CARRITO HILTON, 1981 Productor: Memphis FLORERO OLÉ, 1987 Productor: Porcelanas Bidasoa S.A.

BUTACA ALESSANDRA,1995 Productor: Moroso

SILLA TORERA, 1987 Productor: Akaba S.A. SILLA TIO PEPE, 1987 Productor: Akaba S.A.

CENICERO – PARAGÜERO TOMBA´L, 1990 Miguel Milá Sagnier Productor: Miscel .lánia de Mercé Bohigas, S.L.

CHAISE – LONGUE FAVENTIA, 1991 Josep Llusca Productor: Oken, S.A.

PERCHERO ONA, 1992 Montse Padrós y Carles Riart Productor: Mobles 114

ESPEJO MIRALLMAR, 1991 Eduard Samsó Productor: B.D Ediciones de Diseño

LÁMPARA ALTA COSTURA L, 1992 Josep Aregall Productor: Metalarte, S.A.

fisionomía del diseño y futuro

Fisionomía del diseño español

El diseño es futuro

El diseño industrial español deriva en numerosas corrientes con rasgos diversos. Al contrario que con el diseño nórdico o el italiano, no es posible encontrar un estilo propio claramente identiﬁcable, pero sí hallar ciertas características comunes.

Una vez superado el pasajero e impetuoso arranque que sufrió el diseño en su emerger de los ochenta, se dio paso a una disciplina que tiene cabida en todos los ámbitos de nuestra sociedad.

El diseño español destaca por su marcada gestualidad y personalidad. El trazo del autor suele estar presente de forma evidente, y se observa una clara tendencia hacia la simplicidad y la pieza ingeniosa, ideas felices convertidas en materia. Surgen objetos versátiles, con diversos usos y prestaciones. Otro rasgo de la creatividad nacional es la vía del invento, la agudización del ingenio, la búsqueda de soluciones brillantes para problemas cotidianos. También se observa una tendencia organicista, sensual, refrescante, que desde fuera califican como mediterránea y latina. Prevalece el trazo libre, sobrio o barroco, pero vinculado a nuestro bagaje pictórico y escultórico. Es latente a la presencia de la rica tradición de las bellas artes, las artes aplicadas y la artesanía, con el uso cuidado de materiales nobles y una sabia y valiente apuesta cromática. En España el diseño se identifica habitualmente con un autor, en contraposición a la tendencia internacional de los grupos del diseño. En nuestro país prácticamente no existen grupos de diseño y prevalece la labor individual, que se distingue ofreciendo piezas cualificadas y singulares. En general, diseñadores y empresas utilizan procesos productivos de nivel tecnológico bajo y medio, y escasea la labor experimental tanto en la génesis proyectual como en la productiva.

El diseño no ha hecho más que comenzar y no existe una perspectiva de futuro que no pase por su incorporación en las empresas. Si proyectar es pensar las cosas antes de hacerlas, si diseñar es prefigurar con un objetivo, no es posible imaginar un futuro sin tal herramienta. En un país como el nuestro, dotado especialmente para esta profesión, como hemos visto, el diseño puede ayudar a superar numerosos problemas y obstáculos, puede contribuir a suplir las deficiencias en materias primas o en tecnologías avanzadas, puede servir para aumentar la competitividad de nuestra industria, para crear comercio y riqueza, y como elemento diferenciador. Correctamente aplicado, puede generar una amplia gama de productos atractivos y eficaces. Pero también, el diseño ofrece un servicio a la sociedad, hace más práctica y confortable la vida cotidiana de las personas y da oportunidades a quien más lo necesita, pues el buen diseño es aquel que no discrimina, el diseño para todos. Proporciona una vida más bella y armónica. Por eso, el diseño, más que mirar hacia el pasado, se proyecta hacia el futuro.

AUTORES DESTACADOS Y OBRAS ANALIZADAS

Nací en Oviedo, en 1961, y soy arquitecta y diseñadora. Estudié arquitectura en Madrid y terminé mis estudios en el ‘Politecnico di Milano’, dónde me gradué en 1989 y dónde tuve la oportunidad de que el gran arquitecto italiano Achille Castiglioni supervisara mi tesis de graduación. Entre 1990 y 1996 estuve trabajando en ‘De Padova’ bajo la supervisión de Vico Magistretti. En 2001 conseguí fundar mi estudio de diseño, ‘Studio Urquiola’, junto con mi socio, Alberto Zontone (mi pareja en la profesión y en la vida). Aquí opero en las áreas de diseño de producto industrial, arquitectura (hoteles, espacios comerciales, residencias, exposiciones e instalaciones), dirección de arte y consultoría estratégica.

Desde este estudio realizamos diseños para diferentes empresas como ‘Alessi’, ‘B&B’, ‘Axor Hansgrohe’, ‘Moroso’, ‘Molteni’, ‘Kartell’, ‘Kettal’, ‘GANDIABLASCO’ (GAN) y ‘Viccarbe’. Cuento ahora con un equipo de alrededor de 70 personas, compuesto por 43 arquitectos e interioristas; 15 diseñadores de producto, diseñadores textiles y maquetistas; y 12 en el departamento de ﬁnanzas, administración, relaciones públicas y prensa. Están representadas 18 nacionalidades y se hablan 15 lenguas extranjeras, una comunidad muy internacional con diseñadores y arquitectos colaborando de la forma más interrelacionada posible.

La producción del estudio refleja la infinita capacidad de trabajo y mi carácter intenso: oficinas, hoteles, tiendas, mobiliario, objetos de todo tipo y la dirección creativa para dos grandes como Cassina y Haworth. Desde 2015, también soy directora artística de ‘Cassina’, formo parte del consejo asesor del Politécnico de Milán y del Museo de la Triennale, y he sido profesora de la Academia ‘Domus’ de Milán y en las universidades de Harvard, Michigan, Israel e instituciones como la ‘Alvar Aalto Academy’ de Finlandia. Mi trabajo se exhibe en muchos museos de arte y diseño de todo el mundo, incluido el ‘MoMA’ de Nueva York, el Museo de Artes Decorativas de París, el Museo del Diseño de Mónaco, el Museo del Diseño de ‘Vitra en Weil am Rhein’, el Museo Victoria & Albert de Londres, el Museo del Diseño de Zúrich, el Museo ‘Stedelijk’ de arte moderno y contemporáneo de Ámsterdam y el Museo de Arte de Filadelfia. Tanto desde el diseño de producto como a través de la concepción de espacios y soluciones, mi obra parte de una concepción del oficio como propio de,

“una persona que analiza y ayuda a cambiar el punto de vista y a materializar soluciones” Porque el diseño no solo es un modo de hacer lo que yo llamo ‘tools for living’,

“El factor humano es clave en el proceso creativo” ESTUDIO URQUIOLA

“No son meros objetos, sino extensiones de nuestro cuerpo que, en realidad, son la prolongación de nuestra mente”, argumenta. Tengo el estudio en el mismo ediﬁcio que mi vivienda. Ahí recibo a los clientes porque considero que es muy positivo que estos vengan y absorban lo que se respira. En este trabajo es importante crear relaciones empáticas. En mi trabajo experimento constantemente, y me atrevo a avanzar hacia un mejor diseño y arquitectura, siguiendo las enseñanzas de mis mentores anteriores, como Vico Magistretti y Maddalena de Padova. Acostumbrada a afrontar procesos complejos, trabajando con escalas de lo micro a lo macro, trabajo con la tecnología disponible para ir más allá de los límites de lo ya experimentado. A Studio Urquiola se le pide con frecuencia que diseñe no solo objetos y arquitecturas, sino también que piense en el futuro de la movilidad, el lugar de trabajo y los ciclos de producción. Creando vínculos entre la artesanía y la investigación industrial, el patrimonio junto con la innovación y la tecnología. También impulso a las empresas con las que trabajo a reciclar material que alguna vez fue un desecho y trato de reimaginar procesos completos que los llevan al cambio, la evolución y la innovación,

“hay que ser inteligentes para hacer esa transición hacia la producción circular” He ganado varios premios y galardones internacionales, entre ellos la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes; Orden de Isabel la Católica; “Diseñador de la década” para dos revistas alemanas, ‘Home y Häuser’, “Diseñador del año” para ‘Wallpaper’, ‘Ad Spain’, Elle Decor International y Architektur und Wohnen Magazine. Creo en un punto de vista de diseño original que fusiona enfoques humanísticos, tecnológicos y sociales.

“Cuando pienso en el diseño pienso en la intersección de desafíos y romper prejuicios, encontrando conexiones inesperadas entre lo familiar y lo inexplorado”, explica El crítico y comisario de arte suizo Hans Ulrich Obrist aﬁrma que todos somos una caja de herramientas para los demás, yo soy eso.

Serie CRINOLINE Lo que más llama la atención de este conjunto de asientos de exterior es su aspecto natural junto con la transparencia y elegancia que Urquiola transmite con el diseño. Las formas recuerdan al ‘miriñaque’ o ‘crinolina’ que utilizaban las damas del siglo XIX; la estructura con aros de acero que se colocaban por debajo de la falda para generar un efecto de amplitud en su vestido.

Sillón CRINOLINE por Patricia Urquiola B&B Italia 2008

La estructura de acero es sustituida por una de aluminio, que se envuelve con un entrelazado de abacá natural, abacá en color bronce envejecido o poliestireno bicolor (dependiendo del modelo). El asiento es de poliuretano moldeado, con posibilidad de combinarlo en distinos colores. Los modelos más destacados son el sillón C3P de respaldo bajo, el C5P de respaldo alto y el C5C de respaldo alto con decoración ﬂoral. Son el resultado de un estudio de texturas 3D, generando un aspecto atractivo e incluso veraniego, que hace que sean perfectos para utilizarlos como sillones de jardín. La serie Crinoline también incluye pequeños sillones, sillas y taburetes.

C5P

C5C C3P

Ø 52

Serie SHIMMER La presentación de la colección “Shimmer”, de 26 piezas de mobiliario, tuvo un gran éxito en la feria ‘Salón del Mueble’ de 2015 en Milán. Se trata de un conjunto de mesas altas y bajas, repisas y estantes en vidrio laminado y encolado, con un acabado multicromático tornasolado especial, cuya coloración varía según el ángulo de incidencia de la luz y del punto de observación. De esta forma Urquiola consigue que los objetos que se reﬂejen en ella tengan una apariencia mágica y etérea.

Mesa SHIMMER por Patricia Urquiola Glas Italia 2015

El conjunto está disponible en cristal mate o transparente. Los modelos, desde la SHI01 hasta la SHI13, disponen de patas colocadas en ángulo con sus extremos en forma de ‘U’, mientras que en los demás modelos el ﬁnal de las mismas es plano y se orientan formando ángulos rectos. El cristal de las mesas altas es desmontable y se ﬁja a las patas mediante una placa de metal, que queda oculta por un revestimiento circular en la parte superior del cristal. Urquiola también ha creado un conjunto de espejos con el mismo acabado multicromático para acompañar la colección.

SHI07

SHI01

SHI13

89 x 95 x 66 cm

Serie OBJETOS NÓMADAS En 2017, Patricia Urquiola creó la silla Palaver, como parte de la iniciativa ‘Objetos Nómadas’ de Louis Vuitton. Esta serie nació en 2012 y conforma un conjunto de piezas artesanales de viaje limitadas. La propuesta de Urquiola está hecha de dos piezas unidas de tal modo que se puede plegar. Su forma está inspirada en la silla ‘palaver’ africana [‘palaver’ signiﬁca palabrería], un asiento tradicional hecho de dos piezas de madera que se unen para formar una silla portátil. Esta remasterización le da un toque más moderno, cubriéndola parcialmente de cuero, elemento representativo de la marca Louis Vuitton.

Silla PALAVER por Patricia Urquiola Louis Vuitton 2017

La piel del exterior se convierte en parte integral del diseño, uniéndose a la estructura de madera con broches de presión. El entrelazado de 150 tiras de piel de vacuno, formando una red, muestra el increíble trabajo de marroquinería (entretejido y perforación del cuero) que atesora. Además, es ligera y de fácil almacenamiento, pues está especíﬁcamente diseñada para viajeros. Se hicieron tan solo 100 unidades por color (azul o beige).

OscarTusquets Me convertí en arquitecto por formación, diseñador por adaptación, pintor por vocación y escritor por deseo de ganar amigos. Dicen que poseo un humor y carácter peculiar y divertido, a la vez que profesional, el cual siempre me ha acompañado en toda mi obra, desde el campo del diseño hasta la escritura.

“Ser tantos tiene ventajas e inconvenientes. Pensamos que el trabajo profesional y serio no tiene porque ser aburrido y frustrante, y sabemos que la exigencia es incómoda, pero inevitable”

“Soy el prototipo del artista integral que la especialización del mundo moderno ha llevado progresivamente a la extinción”

STUDIO PER

Estudié en la Escuela de la Lonja, en el Colegio Alemán de Barcelona y en la ETSAB (Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Barcelona). Tras terminar los estudios, trabajé en el estudio de Federico Correa y Alfonso Milà desde 1961 a 1964, cuando fundé el Studio PER junto a Lluís Clotet, Cristian Cirici y Pep Bonet, donde participé hasta 1984. Con quien más proyectos realicé en aquella época fue con Lluís Clotet, como: Casa Fullà, Casa Regás y su Belvedere [mirador], Casa Victoria en Pantelleria [isla de Italia] y restaurante la Balsa.

CASA FULLÀ, 1966-70

CASA REGÁS Y SU BELVEDERE, 1970-72

También ejercí de profesor adjunto a la Cátedra de Proyectos de la ETSAB y en 1979 estuve como invitado en la misma cátedra. En los años 80 trabajé de nuevo de profesor, invitado en la Rhode Island School of Design (RISDI) y a partir de entonces comencé a dar a conocer mi forma de entender el diseño, mediante conferencias y workshops en Harvard, Yale, Princeton, UCLA y University of Miami, así como en universidades europeas.

CASA VICTORIA, 1972-75

“De las obras que están haciendo ahora, todos los detalles están equivocados. Si me dan tres años y tres millones de euros, yo lo arreglo. Hay un desafío para el cual no veo solución, que es la luz artiﬁcial.” Siete años después, desarrollé proyectos de urbanismo y arquitectura en diversos países como España, Francia, Holanda y Japón, junto al arquitecto Carlos Díaz. En 2008, dejé a un lado las colaboraciones y pasé a trabajar solo o con la ayuda esporádica de jóvenes colaboradores formados en mí estudio [Estudio OTB, 1989]. También soy socio fundador de BD Barcelona Design (1972), empresa con la que di mis primeros pasos como proyectista de muebles y objetos.

REST. LA BALSA, 1978-79

He trabajado, sobre todo, para empresas italianas, alemanas y españolas y algunas de mis piezas forman parte de las colecciones de importantes museos, como el ‘MOMA’ de Nueva York o el ‘George Pompidou’ de París.

Suele llamar la atención que, aunque pinto desde hace sesenta años, he comenzado recientemente a exponer y vender mi pintura de forma nacional e internacional.

VISIÓN MATUTINA, ÓLEO Colección Privada - 2009

En 1994 me adentro en una nueva etapa en el mundo de la literatura publicando el ensayo ‘Más que discutible’, publicado por Tusquets Editores; editorial que fundé en 1969 junto a Beatriz de Moura y que me permitió conocer y aprender de diversos escritores como Vargas Llosa, de Gabriel García Márquez, de Carlos Barral, de Juan Marsé, de Vila-Matas. Más tarde he publicado otros libros, además de artículos y textos para la prensa.

JULIA EN PIE, ÓLEO Colección Privada - 2014

He recibido numerosos premios, como el Premio Nacional de Diseño (1988), la Medalla de Oro al Mérito en las Bellas Artes, la Palme de Chevalier de l’Ordre des Arts et des Lettres, y la Creu de Sant Jordi (1987), dos premios Ciudad de Barcelona, y varios FAD de Arquitectura y Delta de Diseño.

SALA WEST ROOM Centre Pompidou, 2012

El Plexiglás, más comúnmente conocido como metacrilato, lo patenta Otto Röhm en 1939. Irpen Policril S.A. (1961), se convierte en el principal fabricante y proveedor en España de las placas acrílicas de metacrilato de colada.

La colección ‘Ola’ surge de combinar estas dos últimas ideas; “el hecho de no desperdiciar la más pequeña superﬁcie de plancha, aparte de ingenioso, es en este caso bastante lógico dado el elevado precio del metacrilato", menciona Tusquets.

En los últimos años de la década de 1960, los metacrilatos, con sus fantásticas propiedades de difusión de la luz, se convierten en el material preferido de los diseñadores de lámparas, especialmente en Italia.

De esta serie de muebles destacan el sillón y el taburete. Analizamos el sillón por encontrar claras analogías con la ﬁlosofía del trabajo de curvado de la madera en los muebles de Alvar Aalto. En concreto, con el Sillón 41 ‘Paimio’ o incluso la Butaca 400 ‘Tank’ por su forma.

También resulta fascinante para los demás diseñadores, ya que tiene características parecidas al vidrio, eliminando su fragilidad, y su vistosa apariencia sintética representa la modernidad de la época.

SILLÓN 41 ‘PAIMIO’, 1931-32 Alvar Aalto

Los materiales transparentes como el metacrilato son perfectos para generar la ilusión de ﬂotar en el espacio como si no hubiese muebles, una fantasía típica del ‘space age’. Además, es fácil de manipular y se puede trabajar a partir de un bloque o en formato plancha para cortar o plegar.

BUTACA 400 ‘TANK’, 1936 Alvar Aalto

TABURETE OLA , 1970 Colección ‘Ola’

SILLÓN OLA AUTORES: Óscar Tusquets Blanca y Lluís Clotet PRODUCTOR: Tecmo-G3 (fuera de procucción) FECHA: 1970 MATERIAL: Metacrilato DIMENSIONES: aproximadamente 65 x 60 x 60 cm (alto x ancho x fondo)

SOFÁ LABIOS MAE WEST ‘Salivasofá’

AUTORES: Óscar Tusquets Blanca y Salvador Dalí PRODUCTOR: BD Barcelona Design FECHA: 1972 MATERIAL: Espuma de poliuretano con esmalte DIMENSIONES: 90 x 200 x 110 cm (alto x ancho x fondo)

Salvador Dalí fue un extravagante artista del Surrealismo ﬁgurativo español desde 1919. Utilizaba el método paranoico crítico para plasmar sus obsesiones en el cuadro y destacaba por su capacidad de entrar en el mundo del subconsciente y de los sueños, creando obras delirantes y chocantes para cualquiera, que no dejaban de ser obras maestras. Estas escandalizaban incluso a los propios surrealistas, cosa de la que Dalí se enorgullecía, pues le encantaba provocar.

Dalí en los años 30 quiso materializar diferentes ideas de muebles, algunos de ellos ya los había pintado. Se empezó a adentrar en el mundo del diseño a través de su amigo francés Jean-Michel Frank, un conocido mueblista y decorador de la época. Dalí le hizo un montón de bocetos para que proyectara sus obras, pero Frank no llegó a realizar más que el sofá-boca en 1937, expuesto en la Gran Exposición Surrealista de 1938, pues se suicidó poco después. Este sofá causa mucha admiración, haciendo que ‘Studio 65’ saque en 1970-71 una reinterpretación al estilo Pop Art. Las limitaciones técnicas de la industria y la indecisión de Dalí por un prototipo ﬁnal provocaron que no se consiguieran desarrollar industrialmente el resto sus proyectos hasta después de su muerte, gracias a Oscar Tusquets y su equipo de diseño de BD (con Joaquim Camps de escultor), que se propusieron en los años 90 reproducir ﬁelmente los objetos que consideraban más viables. La colaboración entre Dalí y Tusquets comenzó con el encargo de la construcción tridimensional del “Retrato de Mae West” para una sala del Teatro-Museo Dalí de Figueres [su ciudad natal], Girona. Se pretendía que el sofá tuviera la fuerza expresiva de los labios rojos de la actriz, con la forma, el color y el brillo característico de los labios humedecidos por la saliva, incluso con las grietas de la piel. Lo consiguieron proyectar en 1972, bajo el nombre de ‘Salivasofá’ y fue presentado en el ‘Hotel Meurice’ de París.

Está hecho con espuma de poliuretano moldeado en caliente y acabado con un revestimiento de un esmalte de ‘Polidur’ en el color “Shoking Pink” del pintalabios de Elsa Schiaparelli, según indicación expresa de Dalí. Esta versión no era funcional, tan solo se podía considerar como una pieza de arte para la sala del Museo, que se montó en 1975. Aún así, BD se animó a producir una serie numerada de 300 ejemplares.

No fue hasta 2004 cuando BD, con ayuda de un modelo a escala reducida en yeso que Tusquets conservaba, consigue industrializar y comercializar el sofá, gracias a los avances tecnológicos que les permitieron utilizar polietileno rotomoldeado junto a un proceso que le daba al sofá su aspecto suave y delicado. Fue presentado en la Feria del mueble de Milán, de ese mismo año.

Versiones Sofá Mae West

“Sofá-boca”, 1938 Jean-Michel Frank

“Salivasofá” , 1972 Oscar Tusquets Blanca (espuma de poliuretano)

“Bocca sofa” para ‘GUFRAM’, 1970-71 Studio 65 (espuma de poliuretano)

‘Dalilips’, 2004 Tusquets y BD (espuma de poliuretano)

PRESENTACIÓN ‘SALIVASOFÁ’ Hotel Meurice, 1973

RETRATO DE MAE WEST QUE PUEDE UTILIZARSE COMO APARTAMENTO SURREALISTA Salvador Dalí, 1934-35

SALA MAE WEST Teatro-Museo Dalí, 1975

Oscar Tusquets, Robert Descharnes y Joaquim Camps BD Barcelona Design Gracias al precedente del “Salivasofá” y el tiempo compartido con Dalí, fueron capaces de llevar a cabo este gran proyecto que revitalizaría el gran nombre del pintor.

SINGURALITES Salvador Dalí, 1935

SILLÓN “PERSONAJE INVISIBLE” BD Barcelona Design, 2016

Los siguientes muebles se puedieron realizar en 1992 gracias a los cuadernos enteros de bocetos que Dalí dejó preparados para Jean-Michel Frank, y que no se puedieron producir en su momento. Algunos ya habían sido pintados por el Maestro.

FEMME À LA TÊTE DE ROSE Salvador Dalí, 1935

MESA BAJA Y SILLÓN LEDA BD Barcelona Design, 1992

Lámpara ‘muletas’

Lámpara ‘Bracelli’ Lámpara ‘cajones’

Sofá ‘vis à vis’ Dalí de Gala

Nací en Barcelona en 1968 y he estado viviendo la mayor parte de mi vida aquí en Barcelona. Estudié diseño industrial en la Escuela Superior de Diseño Elisava y en Central Saint Martins de Londres (estudios que no llegué a acabar por razones largas de explicar ahora, pero contentísimo de haber pasado por allí).

Al regresar trabajé en diferentes trabajos más o menos relacionados con diseño (¿hay algún trabajo que no pueda tener alguna relación con el diseño?). El que me chocó más probablemente fue uno en una fábrica de piezas para coches, de esas donde los trabajadores están todo el día delante de una máquina sin casi poder moverse haciendo lo mismo todo el rato.

“Más allá de los materiales, hay una afinidad en todos los sentidos con lo rechazado, con lo que se tira, con lo que no se valora, con lo que se desprecia“.

“Un cartón pisado por un camión y sucio me atrae de manera inconsciente”, asegura. A partir de 1998 empecé a probar por mi cuenta como diseñador freelance. Desde entonces he estado trabajando en proyectos muy diferentes (pequeños objetos, objetos más grandes, instalaciones, interiorismo, algún evento-happening…). Todos los diseños se han realizado para mi familia, amigos, galerías, instituciones, fundaciones, el Ayuntamiento de Barcelona, la Generalitat de Catalunya, pequeñas compañías, medianas compañías y alguna más grande. Al mismo tiempo he estado haciendo un poco de profesor de diseño industrial, principalmente en Elisava y esporádicamente en otros centros españoles y de otros países. Me gusta mucho dar ‘workshops’. Los workshops permiten que pasen muchas cosas a niveles muy diferentes. También he estado por el FAD. Mi trabajo es lo que hace que me levante cada mañana. Soy consciente de ser un privilegiado, no estoy ocho horas trabajando en algo que no me llena con el único aliciente de la paga a ﬁnal de mes y esperar las vacaciones de verano.

Mi trabajo ha sido expuesto en distintos lugares y publicado en diferentes medios (bla, bla, bla...) y ha recibido distintas distinciones y premios, como el 1er Premio de la ‘Convocatoria de ideas para la Creación de Diseños Contra la Pobreza y la Exclusión Social’ del Ministerio de Cultura, de 2010, con taburetes realizados por gente que ha vivido en la calle a través del taller "La Troballa" con la pieza ‘T300’; o el 1er Premio ‘Disseny per al Reciclatge’ 2009, de la Agencia de Residuos de Catalunya y 2º Premio en el ‘Best Recicled Product’ 2011 (European Association of Plastics Recycling and Recovery Organisations), por la pieza de PVC reciclado para separar el carril bici de los coches, cada pieza tiene seis muescas para pintarse con pintura reﬂectante, pintándose cada vez (en teoría) solo cuatro aleatoriamente (fabricado por Zicla).

“Reutilizar es mucho más simple que reciclar, no implica ninguna transformación. Es la botella vacía que se convierte en jarrón”.

Me considero un diseñador al que le gusta estar donde hay jaleo, donde hay problemas, donde hay personas que, por lo que sea, se han quedado al margen.

“A las nuevas generaciones les ha tocado vivir una realidad muy dura y ven que no puede ser más de lo mismo. Sí o sí les toca a ellos repensar a fondo el papel que como diseñadores quieren tener en esta sociedad, y no solo para sobrevivir, sino para que sientan que lo que hacen da un cierto sentido a sus vidas“.

CURRO

CLARET

Exposición ‘Diseño para vivir’. Museo del Diseño de Barcelona, 2015

Este diseño tuvo cabida también en Viena y se ha realizado alguna versión del inicial, pero sin alejarse del signiﬁcado original.

PRODUCIDO por el carpintero Jordi Serramitjar.

Propuesta original.

POR EL AMOR DE DIOS PROYECTO

Consiste en la realización de un banco de iglesia con un respaldo reclinable que lo transforma en cama. Esta propuesta trata de devolver a la iglesia ese aspecto de cobijo y refugio que durante muchas épocas ha tenido; abierta las 24 horas del día para acoger a personas que, por diferentes motivos, han necesitado esporádicamente un lugar donde dormir.

versión sobre 10 bancos de la parroquia de Santa Anna en Barcelona, 2019 Elemento añadido que se coloca sobre el asiento. Cuando no está en uso queda guardado en la parte posterior del banco de delante. FINANCIADOS por la compañía ‘Crystal Cruises’ DISEÑADO junto con Klaus Speis y PRODUCIDO en su taller del Raval junto a dos usuarios de Arrels Fundació, Meinhart y Aurelio.

versión sobre un banco de la iglesia de la Pietat de Vic (Barcelona) Exposición ‘Misericòrdia organitzada’, ‘Centre de difusió cultural’ del Bisbat de Vic, Barcelona, 2017

versión entera en madera Exposición colectiva ‘The cuckoo syndrome’ comisariada por Uli Marchsteiner en el ‘Kunstraum Niederoesterreich’ de Viena, 2012 Tras la exposición se coloca en la capilla de la Iglesia barroca ‘Jesuitenkirche’ en Viena PRODUCIDO en el taller de Joan Soler y Niall o'flynn

Navidad, 2017

FINANCIADO por ‘Fundació Tot Raval’, ‘Impulsem SCCL’ y ‘Eix Comercial’ del Raval. DISEÑADO junto a la diseñadora de iluminación María Güell.

Navidad, 2016

Mención especial en los Premios ‘Lamp Lighting solutions’, 2017 y el Premio de la opinión en la categoría de intervenciones efímeras de los Premios ‘Fad’ de Arquitectura e interiorismo 2017. Premio de la opinión en los Premios ADI Cultura del FAD 2018. Premio al mejor proyecto de innovación social en los ‘IED Design Awards’, 2018 (Madrid) Seleccionado en la 6ª Bienal Iberoamericana de Diseño, bid18.

2016 - 2020

Con este proyecto también se pretendía generar oportunidades formativas y ocupacionales para su vecindario y así lo consiguieron, pues cada uno de los paneles parte de una fotografía sobre la cual un grupo de cuatro personas desempleadas del barrio, tras una formación expresa para ello, trazan las siluetas con manguera de luz sobre mallas metálicas de obra.

DEL RAVAL #RAVALKM0 LUCES DE NAVIDAD PROYECTO

Esta decoración se realizó por primera vez en 2016 y forma parte del proyecto #RavalKm0 (iniciativa del grupo Territori Socialment Responsable del Raval, 2015). Su objetivo era fomentar la dinamización comercial y social del barrio, pues las imágenes muestran diferentes escenas de vecinos y comerciantes del lugar.

Navidad, 2019 Los nuevos arcos fueron instalados en la plaza Universidad y parte de la ronda de Sant Antoni PRODUCIDOS en distintos colores en los talleres de ‘Impulsem’

Navidad, 2020 Además de en las calles, se instalaron 41 en la fachada del Ayuntamiento de Barcelona bajo el lema "Abraçades ravalkm0".

Navidad, 2018

A ﬁnales del siglo veinte, en Valencia las actividades emergentes como el diseño eran bien acogidas y había entre los profesionales de este campo una fuerte tendencia a agruparse. A los grupos creados en los setenta -Caps i Mans y Nuc- se les sumaron Enebecé, formado en 1981 por Lorenzo Company, Daniel Nebot y Paco Bascuñán; y, en 1984, Triseño, con Ana gutiérrez, Gemma Furió y Gabriel Folqués. De esa unión surgió la agrupación La Nave, un inusual colectivo de diseñadores creado en 1984 y disuelto en 1991. Inusual porque no era común un grupo de 11 miembros y también inusual por su sistema de trabajo pues, al compartir un mismo espacio, una única nave, se producía entre ellos un constante intercambio de ideas, y aunque se trabajaba de forma individual o en pequeños grupos dentro del colectivo, continuamente se producían fructíferas interferencias. La Nave estuvo compuesta por Eduardo Albors, Paco Bascuñán, José Juan Belda, Carlos Bento, Lorenzo Company, Sandra Figuerola, Marisa Gallén, Luis González, Luis Lavernia, Nacho Lavernia y Daniel Nebot, siendo la secretaria Luz Martí. Más tarde entraron como colaboradores de alguno de los componentes del grupo José Vicente Paredes y Belén Payá.

“Ser tantos tiene ventajas e inconvenientes. Pensamos que el trabajo profesional y serio no tiene porque ser aburrido y frustrante, y sabemos que la exigencia es incómoda, pero inevitable.”

Solo ﬁrmaron como colectivo para el montaje de tres exposiciones, las dos de los premios IMPIVA de 1985 y 1986, y la realizada en el ‘Espai d'Art Contemporani’ en la Casa-Museo Benlliure. En esta ocasión se pudo ver además los trabajos y el pensamiento del grupo:

“Aquí hemos aprendido la mayoría a darle la vuelta a un proyecto cuando apenas queda tiempo para realizarlo. Noches de trabajo y días somnolientos. Pero lo hacemos. Y esperamos continuar teniendo la insensatez o la cordura necesaria para seguir haciéndolo. Nos interesan más los lenguajes que los estilos. Admiramos la precisión del políglota que conoce y mezcla distintos lenguajes para decir cosas nuevas, o las de siempre de otra manera. Nos aburre la repetición de tics o modos. Nos seduce más la ambigüedad inteligente que la fe ciega. ” Cada componente seguía un camino diferente dentro del diseño, aunque tendían a trabajar en grupos pequeños con diferentes proyectos.

Eduardo Albors

Carlos Bento

Se especializó en iluminación y diseño del producto.

Era el único arquitecto del grupo y había dejado su estudio en Madrid para embarcarse en esta aventura, y aquí se dedicó al diseño de stands, como su primo Luis Lavernia.

Luis Lavernia Además de stands, también hacía capotas para automóviles.

Marisa Gallén y Sandra Figuerola

Paco Bascuñán, Lorenzo Company y Luis González

Compaginaban el diseño gráﬁco con otros productos como los hinchables con recursos pop para Toi.

Estaban centrados en el diseño gráﬁco. Luis se junta con Nebot para un proyecto con Tombow.

José Juan Belda

Nacho Lavernia y Daniel Nebot

Realizaba sus muebles puramente postmodernos.

Trabajaban en el diseño del producto.

Estas eran las actividades principales a las que los distintos miembros se dedicaban, pero esto no quita que haya continuas incursiones en otros proyectos y, por supuesto, su evolución ha sido muy diversa.

Ambas se licenciaron en bellas artes. En 1997 Gallén y Figuerola abrieron un estudio propio dedicado principalmente al diseño gráﬁco y haciendo pequeñas incursiones en el diseño industrial, textil y otros trabajos. Gallén ha sido profesora de diseño, presidenta de la Asociación de diseñadores de Valencia y actualmente dirige, junto a Carmina Ibáñez, el estudio de diseño gráﬁco Gallén+Ibáñez. Sandra Figuerola se introdujo en el diseño de la mano de Marisa Gallén, quien la animo a participar en un concurso de carteles, el cual ganaron. Había estudiado bellas artes, animada por su padre arquitecto. Sin embargo, vio que encajaba más en el mundo del diseño:

“Tenía claro que no me veía como una pintora al uso… tal vez por mi carácter extrovertido no me visualizaba trabajando como una artista, de forma un tanto bohemia. Por el contrario, del diseño me atrajeron los plazos más cortos, un tipo de encargo más concreto… Creo que mi carácter y mis expectativas encajaban mucho más con el perﬁl de diseñadora que de artista”, comenta en una entrevista

“La Nave fue como cursar estudios de postgrado en diferentes especialidades del diseño donde aprendimos que la multidisciplinariedad era el antídoto para una perspectiva limitada. Que las diferentes disciplinas interactúan entre si, y nos atrevimos, a veces incautamente, a hacer de todo. Desde cacharros de cocina hasta una colección de bañadores pisando fuerte sobre una alfombra ﬂotando en un hinchable, y además a hacer la marca y el catálogo.” SANDRA FIGUEROLA Y MARISA GALLÉN

ESTUDIO DE LA NAVE Calle San Vicente 200, Valencia

Nace en Castellón y se gradúa en Artes Aplicadas. Aún en activo, cuenta con más de veinte años trabajando en el campo del diseño gráﬁco inicialmente e industrial en los últimos años. Fue miembro fundador de varios grupos como es La Nave. Obtuvo el 2º premio en el ‘Design Plus’, de 1993 de la Feria Internacional de Frankfurt, diversas selecciones Delta y el Premio ‘AEDP’ (Asociación Española de Profesionales de Diseño) al mejor diseño, por la colección de juguetes “Muga”. En 1995, se le concede el Premio Nacional el Diseño. Actualmente trabaja en su estudio “Daniel Nebot S.C.” junto a un equipo de profesionales titulados en diseño, un técnico en artes gráﬁcas y un maquetista, que hacen que sus diseños se desarrollen de forma óptima. Es mayormente conocido en el panorama internacional, desde Japón hasta Italia.

“soy diseñador porque es lo que más se parece a lo que me gustaría hacer” “vivimos en una sociedad a efectos del diseño, cada vez más universal, donde las señas de identidad prácticamente se reducen al autor”, comenta “deberíamos trabajar sencillamente por la integración de nuestro desarrollo en el ecosistema, evitando tener que elevar a categoría de excepcional el que un diseño respete el medio ambiente.” “el ciclo de la creación es individual, íntimo, reflexivo, y esto dificilmente puede ser compartido. En cambio, su desarrollo es tarea de equipo, de complementación, de controversia.” “Sin ninguna duda, el proyecto más destacable de La Nave es la propia Nave, un espacio singular donde crecer sumando las sinergias de los demás, una forma de entender el oficio como una cuestión vivencial, trabajando con pasión y sinceridad, a veces individualmente y otras en grupos formados de forma espontánea según las necesidades del propio proyecto, con el objetivo de optimizar los resultados del mismo.”

El humor, la ternura, la espontaneidad y la gracia de los trabajos elaborados por estas diseñadoras van más allá de los registros habituales y abarca un potencial creativo casi mágico. Esta serie de hinchables fue producida por Torrente Industriales, S.L. (TOI), cuyos productos llenaban playas y piscinas. La participación de Marisa y Sandra logra conjuntar la comercialidad con la innovación estética de calidad, en una amplia gama de propuestas en la que podemos encontrar labios, tubos de pasta, bolígrafos, personajes de cómics o huevos fritos.

Toda la serie (caracterizada por el arte pop) es viva y alegre y tuvo mucho éxito, pero los hinchables que más triunfaron fueron el huevo frito y los labios. De estos segundos también destaca su carácter postmodernista, pues es una referencia al emblemático icono de los labios rojos (que llenó portadas, comercios y diseños), pero materializados mediante métodos actuales. Es decir, incorpora las corrientes vanguardistas anteriores en una estética actual y un tanto caótica. Todo ello cumpliendo los requerimientos del diseño para ofrecer unos hinchables de calidad. Algunos de ellos como el huevo frito y los labios se siguen comercializando. AUTORES: Sandra Figuerola y Marisa Gallén PRODUCTOR: Torrente Industriales, S.L (TOI) FECHA: 1985 MATERIAL: PVC DIMENSIONES ACTUALES:

“A mediados de los 80 La empresa de hinchables Toi se encontraba con la dura competencia de las fábricas ubicadas en Taiwan y apostó por contratar diseño. El reto era innovar en la tipología de producto y hacerlo con el menor coste económico. Conseguimos sacar adelante una colección resuelta con un solo golpe de soldadura y convertirla en un bestseller”. Marisa Gallén

Serie

LA NAVE

sh portaminas bc bolígrafo

Esta colaboración entre La Nave y la compañía japonesa Tombow fue un tanto casual, ya que el grupo de diseño fue el que presentó a Tombow este proyecto para solicitar su comercialización, sin que ellos se lo pidieran. Estos diseños no se podían comparar con lo que Tombow estaba realizando en esos momentos, por lo que les pareció una idea fresca y creativa. Daniel Nebot y Luis González se encargaron de la creación de estos 4 tipos de portaminas y bolígrafos. Todos ellos cuentan con detalles singulares, como el nombre de TITÁN; el satélite más grande de Saturno.

ESPAÑA

TITÁN / V472

MANO

OCEANIC

espiga de trigo gris, negro

nave espacial logo - alienígena plata, titanio

bomba nuclear para zurdos y diestros rojo, negro

pez gris, negro

Design PLUS 1994 iF product design Award 1994 Design Center Stuttgart 1994

Design PLUS 94

Design PLUS 1993

Goma en la parte de atrás de los ‘sh’

PRODUCTOR: Tombow FECHA: Diseño 1989 Lanzamiento 1991 MATERIAL: Termoplástico DIMENSIONES: 13cm largo (máximas) 2cm alto Premio ‘Design PLUS’ 1993

"Los diseñadores me ven como un ilustrador y los ilustradores como un diseñador"

Nací en Madrid, en 1963. Me gradué en Arte Dramático y Escenografía y estuve trabajando como actor en varias compañías teatrales. En esa época a raíz de un pequeño accidente que sufrí, me tengo que apartar de las tablas y empiezo a ver el teatro desde fuera. Y lo que veo no termina de convencerme. Empiezo a percibirme no como parte integrante del teatro, sino como espectador, pero sabiendo perfectamente cómo funciona y cuáles son sus mecanismos. A su vez, fui padre muy joven, por lo que tenía una obligación de rentabilidad, de obtener recursos para mantenernos, y eso me condujo a buscar alternativas laborales inmediatas. Una de las que se me presentó -además, de manera muy azarosa, porque yo ilustraba, colaboraba por diversión en ‘fanzines’ en los 80 en los movimientos alternativos de Zaragoza, en la época que coincide con el Madrid de la Movidafue la de entrar a trabajar en un departamento nuevo del Heraldo de Aragón, el de composición o maquetación, justo cuando se produce un cambio y ya no se trabaja sobre las galeradas, sino que se diseña antes para que el periodista escriba sobre lo determinado y hacerlo así más ﬁelmente. Eso me permite contar con un primer sueldo ﬁjo y descubrir cosas que venían ya en mi agenda genética. Porque mi abuelo trabajó en una imprenta,

era cajista… Ese hilo familiar me unía con el mundo de las artes gráficas, que me apasionaba, y empiezo a concebir el territorio del libro y el espacio físico de la lectura de una manera distinta. Aprendí que una de las capacidades del lenguaje gráfico es la de generar emociones y contenidos. Así llego al diseño. Fue gracias a un programa de ‘Metrópolis’ en televisión, donde descubro la figura de Peret y sufro una especie de epifanía: ¡Eso era lo que yo quería ser!

En resumidas cuentas, uno a pesar de pelearse contra aquellas fantasías que construye en su cabeza para ocupar terrenos profesionales, la vida lo conduce hacia otros derroteros que son inesperados. Así me pasó con la ilustración, pero especialmente con el diseño; un descubrimiento tardío contra el que no pude pelear y por el que me dejé llevar. El teatro queda aparcado, lo dejo, pero de alguna manera sigo vinculado con la profesión a través de amigos.

Y este ha ido saliendo de forma natural muy a posteriori, entonces uno echa mano de los recursos que posee. Y sin yo buscarlo empiezan a surgir cosas que entiendo que son muy escénicas y escenográficas: la disposición, los tiempos, el uso de ciertas herramientas casi escenográficas, sobre todo compositivas... Incluso cuestiones que afectan al propio relato, a la manera de contar las cosas. Soy afortunado por trabajar para ámbitos que me apasionan, uniendo el teatro con el diseño gráfico y la ilustración. En 1989 creé, junto a otros tres profesionales, el Estudio ‘Camaleón’ en Zaragoza y comencé a cosechar diversos premios, como el del Ministerio de Cultura al libro mejor editado (en 1993) por “El Vuelo de la Razón: Una visión de Goya”. Soy un hombre de tiempos lentos, pues el tiempo se convierte en ingrediente fundamental de mi trabajo. Es el que me permite explorar con calma otros territorios desde la ilustración y el diseño.

Aunque uso el ordenador, me deﬁno como “diseñador de lápiz”. Quedan aún espectadores que sepan mirar imágenes más allá de una pantalla, hay un público sensible. Lo que ocurre es que hay que buscarlo. No es fácil, pero hay algo en las imágenes que trasciende, que está más allá de uno mismo.

Es verdad que estamos anestesiados, que hay una cantidad enorme de información visual que contamina nuestro día a día y nos insensibiliza: todo es prácticamente lo mismo. Pero cuando llegas a imágenes que tienen un signiﬁcado o contienen misterio, que te ponen a prueba o te generan preguntas, uno es capaz de intuir que ahí hay algo más. Y eso es algo que no tiene que ver tanto con la educación como con la sensibilidad. Lo paradójico es que todos los esfuerzos se orientan a que aprendamos a leer, pero no a que sepamos ver imágenes o generarlas. Una de las grandes carencias de la educación es esa: la visual, la educación comprensiva. Lo que se llama lectura comprensiva está dirigida únicamente a la lectura del texto, pero toda imagen también requiere de una comprensión y de una lectura detallada para sacarle la máxima rentabilidad a sus contenidos. Los planes educativos ahora pasan por reconvertir los contenidos visuales en una materia sin importancia., incluso se elimina del currículum. Soy un hombre de periferias, vivo y trabajo en Huesca (donde fundé mi propio estudio en 1996), en lo que fuera una antigua tintorería, desde donde puedo contemplar el mundo y quedarme con lo que realmente me interesa. Una vez creado mi estudio, comencé a contar con importantes encargos para grupos editoriales como Santillana o Alfaguara y el diario El País.

He trabajado principalmente en diseño editorial, cartelismo e ilustración. A lo largo de mi trayectoria, mis diseños han recibido premios como: Premio Nacional de Diseño otorgado por el Ministerio de Ciencia y Tecnología; Premio Nacional a las mejores ilustraciones infantiles y juveniles del Ministerio de Educación y Cultura por “Una casa para el Abuelo”… También he desarrollado trabajos audiovisuales como el realizado para un anuncio del New Beetle de Volkswagen o diversas cortinillas de continuidad para Canal +, premiadas en el 2000 con el Premio AEPD (Asociación Española de Profesionales del Diseño). Actualmente (y desde hace 10 años) trabajo para el Centro Dramático Nacional, entre otros proyectos. Suelen preguntarme que cómo se consigue después de tantos años que a uno no le ahogue su propio proyecto, su propio estilo aplicado a lo mismo. Y es que hay una cosa sobre la que trabajo constantemente y es sobre la duda y no sobre la certeza. Tengo pavor a repetirme, no creo en los estilos, que considero que son una consecuencia de las limitaciones, y creo más en las voces que en la forma. Cada año me pongo el reto de cambiar sustancialmente el lenguaje para encontrar elementos coherentes a una línea, a un discurso gráﬁco que, pese a que mantengan la esencia del reconocimiento de la gráﬁca existente del Centro Dramático Nacional,

varíen o cambien de senda. Una vez encauzado el territorio de actuación, es cada obra de teatro la que me dictamina cuál será el resultado, cuál la búsqueda, y no sólo hay una; son varias las posibles.

“Nunca estoy al cien por cien satisfecho con los resultados. En mi caso, siempre hay mucha satisfacción, pero poca autocomplacencia” En mi estudio cuento conmigo mismo, trabajo solo, porque quiero vivir intensamente cada uno de los procesos del diseño y la ilustración. En mis trabajos las imágenes juegan con distintos sentidos y los objetos cotidianos cobran una relevancia excepcional, convirtiéndose en significantes de contenidos sorprendentes y, a menudo sirven de medio para representarse a sí mismos. Experimento con el surrealismo y con la combinación chocante de motivos para que, fotografiados en conjunto, adquieran una nueva dimensión. Además, las texturas tienen un papel importante en las composiciones de unos materiales que, al pasar por mi filtro, se humanizan o "animalizan" convirtiéndose en personajes singulares. El diseño es un aprendizaje constante y continuo. Para lo cual mi carácter soñador y creativo son de gran ayuda y me han dado reconocimiento nacional e internacional como a diseñador gráfico e ilustrador.

Serie de carteles

Centro Dramático Nacional Esta serie presenta un conjunto de carteles que anuncian diferentes obras, pero con la misma estética: un dibujo simpliﬁcado de aquello que se quiera representar.

UN ENEMIGO DEL PUEBLO de Henrik Ibsen Centro Dramático Nacional Madrid, 2007

Es una ﬁgura en negro sobre un fondo blanco en el cual está colocado el texto referente a la obra que anuncia, cuyo título aparece en rojo y en mayúsculas. Se dan letras simples y rotundas.

MÓVIL de Sergi Belbel Centro Dramático Nacional Madrid, 2007

Los elementos gráﬁcos son siempre los mismos, bloques de texto, formas y fondo. El espacio es negativo (rodeando a una forma positiva) y liso, no hay profundidad. La estrategia que sigue la serie es la sustitución y el tropo visual la metáfora. Esta ﬁgura retórica consiste en la representación de un sistema

REY LEAR de William Shakespeare Centro Dramático Nacional Madrid, 2008

mediante atributos visuales propios de un sistema diferente que ya es familiar al espectador y que se comporta de una manera análoga, de esta forma se perciben dos sentidos, el literal y el ﬁgurado. Por ejemplo, en el cartel Móvil, la cola del escorpión es un sistema que sustituye a la antena de un móvil, el otro sistema, aportando así un mayor signiﬁcado a la composición.

ANTE LA JUBILACIÓN de Thomas Bernhard Centro Dramático Nacional Madrid, 2008

Fuera de contexto la imagen ya da a entender que el agua va a ser un tema determinante en el desarrollo de la obra y el cual dará paso a una sucesión de conﬂictos. Una vez adentrados en “Un enemigo del pueblo”, de Henrik Ibsen, comprendemos entonces que, efectivamente, todo comienza en el agua y da lugar a una obra sobre la corrupción del poder y la manipulación de los medios informativos al servicio de ese mismo poder. Su protagonista, el Doctor Stockmann, denuncia que las aguas del balneario, principal fuente de ingresos del pueblo, están corrompidas y son un peligro para la salud. Las fuerzas sociales del pueblo tratan de ocultarlo y él se queda solo en su denuncia. Saca a relucir que el enemigo más peligroso de la razón y de la libertad es la opinión de la mayoría.

Gráﬁcamente el cartel muestra un grifo y una pistola que se unen, este tipo de solapamiento entre formas genera relaciones entre los objetos. El grifo es la clara referencia al agua y la pistola puede referirse a la amenaza que esta supone para la salud, a lo perjudicial de que se conozca la verdad a cerca de esta o a lo más perjudicial aun de que no se conozca, también se puede entender como un elemento de poder, pues este es un factor determinante en la obra. La ilustración en sí presenta un ligero desequilibrio, tiende a irse a la izquierda, mas en conjunto con el texto, al colocar las letras más grandes y de color rojo a la derecha, esa sensación se estabiliza en cierto modo, pero sigue latente esa provocación, con la que se pretende llamar la atención del espectador.

En un primer vistazo podemos entender que, sin conocer nada de la obra, se va a mostrar algún aspecto negativo de los móviles. Vemos el teléfono como algo que puede perjudicarnos, tal vez mediante la dependencia que crea en nosotros, por los posibles malentendidos que puede ocasionar una comunicación no presencial o por las diferentes estafas y acosos que se producen por esta vía… Ya conocida la obra, vemos la relación de signiﬁcados, pues “Móvil” aborda la temática de la soledad y la incomunicación entre los seres humanos; narra la historia de cuatro personas que se comunican casi exclusivamente a través de sus móviles de última generación y cuyas vidas se mezclan en un aeropuerto, donde acaba de

producirse un atentado terrorista, de manera que entrecruzan sus llamadas de socorro con las de desahogo. Desde el punto de vista gráﬁco, se observa un teléfono del que sobresale la cola de un escorpión. Esta unión da la connotación de riesgo en el uso del móvil, antes mencionada. Volvemos a apreciar ese ligero desequilibrio en la ilustración, pues parece tambalearse, mientras que los bloques de texto compensan visualmente generando un conjunto ﬁnal equilibrado.

A simple vista la obra podría tratar los temas de la realeza y de la muerte o la vejez, o tal vez de las guerras que se originan en la lucha por el trono y toda la destrucción que estas conllevan. También podríamos pensar que la ﬁgura del rey se encuentra en el dedo índice porque es con ese con el que se señala, juzga, acusa… y es el rey el que toma todas las decisiones relacionadas con esos ámbitos. Ya conocida la trama es fácil ver la relación con el cartel. "El rey Lear " se basa en un cuento popular que aparece incorporado a la historia antigua de Inglaterra desde el siglo XII. El viejo Lear quiso conocer el grado de afecto de sus tres hijas para designar sucesora a quien más le quisiera. Dos se deshicieron en halagos y la menor le contestó que le quería como padre y nada más. Le pareció poco al rey, que la castigó.

El tiempo vendría a demostrar más tarde que era la única digna del trono que, por ﬁn, tras una guerra con las hermanas, consiguió. En la composición se presenta la mano de un esqueleto, cuya falange superior del dedo índice es sustituida por la ﬁgurita del rey del ajedrez. Sin esta fusión el mensaje no sería el mismo. En este caso la ilustración no necesita del texto para estar equilibrada, pues lo está por si sola, de manera que el texto, para no romper dicha estabilidad, se coloca en la parte inferior de manera ordenada.

Fuera de contexto, la unión de una metralleta y una muleta puede dar la idea de que las personas con algún tipo de invalidez, por el motivo que sea (vejez, enfermedad…) son capaces también defenderse y pelear. También puede representar la guerra y la devastación que origina en las personas que se ven involucradas, las cuales en muchas ocasiones se ven como una carga inútil, viéndose obligadas a hacer frente a un futuro incierto. “Ante la jubilación”, de Thomas Bernhard, es una obra antinazi en la que se representa una familia intoxicada por el nazismo -la enfermedad profunda del hombre contemporáneo que genera individuos inválidos-, según el diagnóstico de Thomas Bernhard. Es "Ante la jubilación", en la que un antiguo oﬁcial de las SS y Presidente de un Tribunal de Justicia prepara, con sus hermanas, y celebra la conmemoración del cumpleaños de Himmler.

Se da un ambiente asﬁxiante, en el que una de las hermanas, inválida a causa de un bombardeo, se presenta como un pensamiento aislado y crítico, una especie de silenciosa voz, fantasmal, de una izquierda sin ninguna salida. De esta forma se añade una nueva manera de interpretar el cartel, en la que la muleta representa la enfermedad y la metralleta el nacismo, pero no es una enfermedad derivada de la guerra, la causa de la guerra es la propia enfermedad, por ello la muleta y el arma se funden en uno. Es una composición equilibrada donde, al igual que en caso anterior, la ilustración no necesita del texto para tener equilibrio. Aquí el texto se sitúa alineado en el lateral derecho.

Cartel “Inmigrante” El cartel “Inmigrante” es una de las pocas obras en las que Isidro Ferrer cuenta con colaboradores, en este caso fue Nicolás Sánchez.

El mecanismo de composición principal es la fotografía, sobre la cual añade texto:

Para Isidro Ferrer, hay que trabajar con una mezcla de intenciones distintas, crear algo nuevo a partir de dos cosas diferentes. Para Nicolás Sánchez se debe tener visión periférica. En ambos casos es necesario recurrir al arsenal de imágenes mentales que el ilustrador posee.

“Mi manera de afrontar la letra es herencia de una parte de la tradición poética francesa, la más ligada a la forma. La tipoesía, los caligramas, los anagramas, la poesía visual, es algo que siempre me ha interesado mucho. Recuperar la letra como signiﬁcado y como signiﬁcante, rescatar la forma de la escritura, unir palabra y grafía, verso y plasticidad. Lo que se dice y como se dice. Dibujar, construir la letra y ponerla al servicio de la mirada y del pensamiento.”

Este cartel fue hecho para anunciar una exposición sobre la inmigración en la frontera norte mexicana. Reﬂeja la carga que supone ser un inmigrante en nuestra sociedad.

Los elementos de la composición se apiñan en la parte superior de la imagen, lo cual puede resultar contradictorio porque los ladrillos son elementos pesados que por gravedad deberían ‘caer’ al fondo del cartel. Con esto consigue crear un foco de atención en la parte superior. Entendemos entonces que la obra está desequilibrada y, en este caso, el texto tiene un gran peso visual por aparecer a mano y de forma irregular.

INMIGRANTE ENE-O Nervio Óptico México, 2004

Lámpara Big Bird En forma de colibrí, la lámpara Big Bird de Isidro Ferrer fue uno de los lanzamientos de Euroluce, en 2019. Esta se une a la familia Life-Size de LZF, Elephant y Fish. Con Big Bird, Isidro Ferrer vuelve a rediseñar el concepto de lo que puede ser una lámpara, tanto en forma como en escala. Está construida en el taller de Manolo Martín con un una técnica artesanal tradicional de madera entrelazada llamada vareta. Resulta una hazaña magistral de artesanía en madera. La lámpara irradia luz desde el plumaje de madera del pájaro. Un globo cuelga de su pico, de chapa de madera, como una bola de néctar brillante.

LÁMPARAS “FISH” Y “ELEPHANT” LZF Lamps, 2015

AUTOR: Isidro Ferrer PRODUCTOR: LZF Lamps FECHA: 2019 MATERIAL: Madera y chapa de madera FUNCIONAMIENTO: 120 – 277V ILUMINACIÓN: Led regulable 0 – 10V DIMENSIONES: 180 x 244 cm (alto x ancho)

180

244

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uZOOM

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las pegatinas con más estilo

CECILIA DIEZ DE FRUTOS ALBA VEGA LEDESMA

Entrada ‘Casa Batlló’ Visita en 2022

Alba Vega Ledesma y Cecilia Diez de Frutos son las autoras y diseñadoras de este libro. Ambas estudian la Ingeniería de Diseño Industrial y Desarrollo de Producto, en Valladolid, y presentaron “Diseño con Ñ” para uno de sus trabajos de la asignatura de ‘Estética e Historia del Diseño’.

@albavega_23 // @cecidiezf

DISEÑO CON Ñ LA NUEVA PERSPECTIVA DEL DISEÑO ESPAÑOL Adéntrate en sus páginas para conocer a Patricia Urquiola, Isidro Ferrer y muchos más. Descubre cómo trabajan y toma nota de los análisis de algunas de sus obras. El diseño es futuro y, en algún momento, tú podrías ocupar las páginas de “Diseño con Ñ”

Mayo de 2022