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Liebe Buchhändler*innen, Bücherfreund*innen und Kunstbegeisterte,
die aktuellen Geschehnisse in der Welt führen einmal mehr vor Augen, dass die Zukunft keine berechenbare Größe, sondern vor allem eine große Unbekannte ist. Um der damit einhergehenden Verunsicherung zu begegnen, braucht es gesellschaftliche Verständigung. Der Kunst obliegt dabei die Rolle des Spekulativen. Sie muss keine Statistiken erstellen und keine Prognosen treffen, keine Handlungsanweisungen formulieren, keine Lobby-Politik betreiben und weder Wahlen noch Beliebtheitswettbewerbe gewinnen. Sie lässt uns Möglichkeitsräume jenseits des Machbaren ergründen und wirbt für das Denken in Widersprüchen. In der Vergangenheit lässt sie uns suchen, was verloren ging, und in der Zukunft, auf was zu hoffen ist. All diese Potenziale der Kunst werden in unserem Herbstprogramm in ihren unterschiedlichen Facetten deutlich.
Mit Hutong 101 Photos freuen wir uns auf einen Meilenstein chinesischer Fotokunst von Xu Yong. Die Schwarz-WeißAufnahmen von 1989 zeugen in poetischer Nuanciertheit von Erinnerung und Verlust, aber auch von der dokumentarischen Stärke der Fotografie. Die traditionellen Wohnviertel Pekings –einst Architekturen gesellschaftlicher Blütezeit, später dem Verfall und dem Abriss preisgegeben – werden dabei in jenem Moment zum Gegenstand ästhetischer Reflektion, in dem ihr Schicksal schon längst besiegelt ist.
Der aus Aserbaidschan stammende Künstler Faig Ahmed gibt in diesem Jahr seine erste Monografie heraus. Er verbindet in seinem international viel beachteten Werk die jahrtausendealte Handwerkstechnik des Teppichknüpfens mit zeitgenössischen Strategien der Bildproduktion und dekonstruiert damit Traditionen und Stereotypen.
Unter dem Titel New Ecologies findet in Chemnitz im Sommer eine umfangreiche Ausstellung im öffentlichen Raum zum Thema Klimawandel statt. Künstler*innen wie Tue Greenfort und Simon Starling, Künstler*innenkollektive wie Forensic Architecture und atelier le balto sowie regionale Initiativen machen dabei mit ihren Werken auf die Gefahren der Klimakrise aufmerksam. Die begleitende Publikation dokumentiert die Arbeiten und liefert umfangreiche Hintergrundinformationen.
Darüber hinaus erscheinen weitere vielseitige Publikationen aus dem Bereich der zeitgenössischen Kunst und Fotografie, die zur Diskussion anregen und das Bewusstsein für drängende Themen der Gegenwart schärfen.
Wir freuen uns darauf, unsere Bücher in diesem Jahr auf vielen internationalen Messen zu präsentieren und mit Ihnen und Euch ins Gespräch zu kommen. Bis dahin viel Freude beim Stöbern und Entdecken auf den folgenden Seiten,
Dear booksellers, book lovers, and art enthusiasts,
Current events around the world are another reminder that the future is not a predictable end result, and remains largely unknown. Social dialogue is needed to tackle the resulting uncertainty. In this context, art assumes the role of the speculative. Art does not need to compile statistics or make forecasts, formulate guidelines for action, engage in lobbying, or win elections or popularity contests. Instead, it allows us to explore the realms of possibility beyond the feasible and encourages us to think in terms of contradictions. It allows us to look to the past for what has been lost and to the future for what we can hope for. Our fall program reflects the various facets of art’s inherent potential.
With Hutong 101 Photos, we are delighted to present a milestone in Chinese photographic art by Xu Yong. The black-and-white images dating from 1989 are a poetically nuanced testament to memory and loss, as well as to the documentary power of photography. In that moment, the traditional residential districts of Beijing—the architectural symbol of a period of social prosperity, later abandoned to decay and demolition— become the subject of aesthetic reflection, since their fate has long since been decided.
The artist Faig Ahmed, who hails from Azerbaijan, is publishing his first monograph this year. Ahmed’s internationally acclaimed work marries the centuries-old craft of carpet knotting with contemporary image production methods, deconstructing traditions and stereotypes in the process.
This summer, Chemnitz is hosting an extensive exhibition across the city entitled New Ecologies on the topic of climate change. Artists such as Tue Greenfort and Simon Starling, artists’ collectives including Forensic Architecture and atelier le balto, as well as regional initiatives, will use their works in public spaces to draw attention to the threat posed by the climate crisis. The accompanying publication documents the project and provides extensive background information.
Our program for the fall also includes many other inspiring publications in the field of contemporary art and photography. Ideally, we hope that these volumes will provoke discussion and raise awareness of pressing current issues.
We also look forward to presenting our books at several international trade fairs this year, where we hope to have the chance to speak with you. Until then, we wish you much enjoyment in exploring this catalogue of new releases.
Ihr Team vom Kerber Verlag | Your Kerber Verlag Team
HIGHLIGHTS
Neuauflage eines Standardwerks:
Die verschwundenen, traditionellen Wohnviertel Pekings
New Edition of a Standard Work: Beijing’s Vanished Traditional Neighborhoods
Xu Yong
Hutong 101 Photos
Texte von | Texts by: Xu Yong
Gestaltung | Graphic design: He Hao, Peking | Beijing
23 ∞ 30 cm, ca. | approx. 160 S. | pp., ca. 101 duplex Abb. | approx. 101 duplex ills., Hardcover
Herbst | Fall 2024
isbn 978-3-7356-0981-6
Englisch, Chinesisch | English, Chinese
Ca. | Approx. 5 48,– (D) chf 62,40
Als einer der ersten Fotografen widmete sich Xu Yong (* 1954, Shanghai) dem alltäglichen Leben im modernen China, jenseits politischer Verklärung und ideologischer Schönfärberei. In Hutong 101 Photos spürt er der Geschichte der traditionellen Wohnviertel Pekings, mit ihren jahrhundertealten Häusern samt Hinterhöfen und den zahllosen engen Gassen, den Hutongs, nach. Viele dieser Nachbarschaften sind inzwischen radikalen Modernisierungsbestrebungen zum Opfer gefallen und wurden abgerissen. Xu Yongs Schwarz-WeißAufnahmen von 1989 bezeugen das Auf und Ab, die Blütezeit und den Niedergang der Hutongs angesichts des rapiden Wandels der chinesischen Gesellschaft seit dem Ende der Qing-Dynastie. In diesem Meilenstein der chinesischen Fotografie, der nun endlich als Neuauflage in Buchform erscheint, hat Xu Yong den alten Gassenvierteln von Peking ein elegisches Denkmal gesetzt, in dem ihre poetische Schönheit ebenso zutage tritt wie die Trauer um ihr Verschwinden.
Xu Yong (b. 1954, Shanghai) was one of the first photographers to focus on everyday life in modern China, free from political romanticization or ideological whitewashing. In Hutong 101 Photos, he traces the history of the traditional residential district of Beijing, with its centuries-old buildings complete with rear courtyards and myriad narrow alleyways, the “Hutongs.” Many of these neighborhoods have since fallen victim to radical redevelopment and have been demolished. Xu Yong’s black-and-white images dating from 1989 bear witness to the rise and fall, the heyday and the decline, of the Hutongs—against the backdrop of the rapid societal change in China that followed the end of the Qing Dynasty. In this milestone of Chinese photography, which is now finally being published as a new edition in book form, Xu Yong has created an elegiac tribute to the old alleyways of Beijing, revealing both their poetic beauty and the sadness surrounding their demise.
Die erste
Monografie des international erfolgreichen Künstlers aus Aserbaidschan
The First Monograph by This Internationally Renowned Artist from Azerbaijan
Faig Ahmed
Texte von | Texts by: Emma Saperstein, Erica Warren, Fahmida Suleman, Leslee Michelsen, Nina Levent
Gestaltung | Graphic design: Andrey Babich, Baku
24 ∞ 32 cm, ca. | approx. 256 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Hardcover
September 2024
isbn 978-3-7356-0978-6
Englisch | English
Ca. | Approx. 5 48,– (D) chf 62,40
Vorläufi ges Cover | Preliminary cover
Faig Ahmed (* 1982), der Aserbaidschan 2007 auf der Venedig Biennale vertrat, gilt als einer der wichtigsten zeitgenössischen Künstler Vorderasiens. Mit seinen konzeptionellen Arbeiten, in denen er die traditionelle Teppichweberei mit zeitgenössischen bildhauerischen Techniken verbindet, erlangte er internationale Bekanntheit. In der Konfrontation der jahrtausendealten handwerklichen Tradition mit gegenwärtigen Strategien der Bildproduktion offenbaren sich ungeahnte Potenziale der Reflexion über das Wechselspiel von Kultur und Religion, Handwerk und Kunst.
Ahmeds erste Monografie gewährt tiefe Einblicke in die kreativen Prozesse hinter seinen Werken und versammelt erstmals sämtliche Arbeiten, die zwischen 2007 und 2023 entstanden sind sowie Visualisierungen von zukünftigen Projekten. Zahlreiche Interviews und kunsthistorische Essays runden den Band inhaltlich ab und ermöglichen eine profunde Auseinandersetzung mit dem Schaffen des Ausnahmekünstlers.
Faig Ahmed (b. 1982) represented Azerbaijan at the 2007 Biennale in Venice and is considered to be one of the most important contemporary artists from the Middle East. His conceptual works, which combine traditional carpet weaving with contemporary sculptural techniques, have earned him international acclaim. The confrontation between the millennia-old tradition of craftsmanship and modern-day image production strategies reveals unimagined potential for reflection on the interplay between culture and religion, craftsmanship and art.
Ahmed’s first monograph offers deep insights into the creative processes behind his art and for the first time brings together all of the works created between 2007 and 2023, as well as visualizations of future projects. Numerous interviews and art-historical essays complete the volume and allow for a powerful exploration of the work of this exceptional artist.
Eine Auseinandersetzung mit der Klimakrise: Kunst im öffentlichen Raum der
Kulturhauptstadt
Europas 2025
An Examination of the Climate Crisis in the Public Space of the European Capital of Culture 2025
New Ecologies
Kunst und Klima | Art and Climate Gegenwarten II | Presences II
Texte von | Texts by: die Künstler*innen sowie | the artists as well as Florian Matzner, Anja Richter, Naomi Siman-Tov, Ursula Ströbele, Samira Yildirm u. a. | et al.
Gestaltung | Graphic design: Studio Pandan, Berlin
24 ∞ 29,7 cm, ca. | approx. 220 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Softcover
Juli | July 2024
isbn 978-3-7356-0985-4
Deutsch, Englisch | German, English
Ca. | Approx. 5 39,– (D) chf 51,–
Künstler*innen | Artists : Irwan Ahmet und | and Tita Salina, atelier le balto, Begehungen e. V., Claire Fontaine, Forensic Architecture, Tue Greenfort, Haubitz + Zoche, Hochschule für Bildende Künste Dresden, Klub Solitaer e. V., Margrethe Pettersen, Pochen e. V., Ooze & Marjetica Potrc, Raumlabor, Gil Shachar, Simon Starling, Simon Weckert, Weltecho mit | with Oscar e. V.
Ausstellung | Exhibition: New Ecologies – Kunst und Klima, 22.6.–29.9.2024, Ausstellung im Stadtraum von Chemnitz | Exhibition in the city of Chemnitz
New Ecologies – Kunst und Klima ist der Titel eines umfangreichen Kunstprojekts der Kunstsammlungen Chemnitz im öffentlichen Raum. Die Freiluftausstellung will Perspektiven der ökologischen Nachhaltigkeit untersuchen, für klimapolitische Anliegen sensibilisieren und mögliche Praxisfelder ausloten. Durch künstlerische Interventionen internationaler Künstler*innen sowie Chemnitzer Initiativen sollen die Auswirkungen der Klimakrise verdeutlicht und der globale Diskurs auf lokaler Ebene sichtbar gemacht werden. Mit New Ecologies werden der Klimawandel und seine ökologischen Folgen zum ersten Mal in Deutschland durch ein Kunstprojekt im Stadtraum bearbeitet und diskutiert. Die Ausstellung versteht sich deshalb auch als ein konkreter Beitrag zu einer breit geführten gesellschaftspolitischen Debatte. Der begleitende Katalog dokumentiert die Kunstwerke im öffentlichen Raum und versammelt wichtige Hintergrundinformationen in Textbeiträgen renommierter Autor*innen.
New Ecologies: Art and Climate is the title of an ambitious public art project organized by the Kunstsammlungen Chemnitz. The open-air exhibition aims to examine perspectives on ecological sustainability, raise awareness of climate policy issues, and explore possible fields of practice. Artistic interventions by established and internationally renowned artists, as well as young artists and initiatives from Chemnitz, will highlight the impact of the climate crisis and encourage global discourse at the local level. New Ecologies marks the first art project in an urban space in Germany to address and discuss the problem of climate change and its environmental consequences. The exhibition thus also hopes to provide a practical contribution to a broad sociopolitical debate. The accompanying catalogue documents the artworks in public space and provides important background information in texts by leading authors.
Vorläufi ges Cover | Preliminary cover
ART
Dialog über ein grundlegendes Element der Kunst: die Linie
Dialogue about a Fundamental Element of Art: The Line
Monika Grzymala & Katharina Hinsberg
Zwischen einer Linie
Between one Line
Herausgegeben von | Edited by: Thomas Köllhofer, Susanna Baumgartner, Kunsthalle Mannheim
Texte von | Texts by: Susanna Baumgartner, Monika Grzymala, Katharina Hinsberg, Thomas Köllhofer, Petra Oelschlägel
Gestaltung | Graphic design: Jennifer Eckert, Neuss
21 ∞ 29,7 cm, 160 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Klappenbroschur | softcover with fl aps
Juni | June 2024
isbn 978-3-7356-0976-2
Deutsch, Englisch | German, English
Ca. | Approx. 5 38,– (D) chf 49,40
Vorläufi ges Cover | Preliminary cover
Katharina Hinsberg und Monika Gryzmala arbeiten beide im Medium der Zeichnung, und die Auseinandersetzung mit der Linie ist für sie ein Thema von dauernder Aktualität. Dabei weisen viele ihrer Arbeiten über die klassischen Gattungsgrenzen hinaus und gewinnen in ihrem dynamischen Ausgreifen eine nahezu bildhauerische Qualität. Während Katharina Hinsberg ihre Linien mit einer sezierenden Klarheit durch den Raum schneiden lässt, durchdringen Monika Grzymalas mächtige Linienbündel diesen mit einer eruptiven, explosionsartigen Wucht. In der gemeinsamen Ausstellung Zwischen einer Linie in der Kunsthalle Mannheim werden beide künstlerischen Positionen erstmals gemeinsam präsentiert. Der begleitende Katalog entstand im fortlaufenden Dialog beider Künstlerinnen. Als Grundlage dienten zwei Skizzenhefte, an denen sie abwechselnd arbeiteten und sich bildlich „ins Wort fielen“, stets im Bestreben, die zeichnerische Vorarbeit der Kollegin mit dem eigenen Verständnis der Linie zu konfrontieren und so deren künstlerischen Potenziale in kollaborativer Praxis zu erforschen.
The shared medium of Katharina Hinsberg and Monika Gryzmala is drawing. The exploration of the line is central to the work of both artists. Many of these artworks transcend the traditional boundaries of the genre and, in their dynamic reach, take on an almost sculptural quality. While Katharina Hinsberg’s lines dissect space with meticulous clarity, Monika Grzymala’s imposing bundles of lines penetrate space with an eruptive power. The two artistic approaches are being shown together for the first time in the joint exhibition Between a Line at the Kunsthalle Mannheim.
The accompanying catalogue was created through an ongoing dialogue between the two artists. Two sketchbooks formed the basis; the artists worked in them alternately, each visually “interrupting” one another, constantly striving to confront their colleague’s preliminary drawing work with their own understanding of the line, and exploring their artistic potential through a collaborative practice.
Ausstellung | Exhibition : Zwischen einer Linie. Monika Grzymala & Katharina Hinsberg, 26.4.–25.8.2024, Kunsthalle Mannheim
Großformatige Malerei zu den Themen Herkunft, Flucht und Erinnerung
Large-Format Paintings on the Themes of Origin, Flight, and Memory
Dieter Mammel
Lifeline
Herausgegeben von | Edited by: DZM Donauschwäbisches Zentralmuseum Ulm
Texte von | Texts by: Astrid Beyer, Christoph Tannert
Gestaltung | Graphic design: Klaus Hübner, studio kw. kommunikationsdesign, Frankfurt am Main
24,5 ∞ 35 cm, 160 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Hardcover
April 2024
isbn 978-3-7356-0979-3
Deutsch, Englisch | German, English
5 48,– (D) chf 62,40
Ausstellung | Exhibition : Lifeline, 10.5.–4.8.2024, Timi ș oara Art Museum, Rumänien | Romania / 30.8.–28.9.2024, National Museum of Pan čevo, Pantschowa, Serbien | Serbia / 7.5.2025–18.1.2026, DZM Donauschwäbisches Zentralmuseum Ulm
2015 erlebte Dieter Mammel die Ankunft syrischer Flüchtlinge auf der Insel Kos. In der Folgezeit beschäftigte sich der Berliner Maler mit der Fluchtgeschichte seiner eigenen Familie, der damit verbundenen Entwurzelung und dem Neuanfang in einem anderen Land. Die Ausstellungstournee LIFELINE, die den Lebensweg der Familie nachzeichnet, und der begleitende Katalog zeigen die im Rahmen dieser Auseinandersetzung entstandenen Bilder und befragen die Themen Herkunft, Flucht und Erinnerung als überzeitliche Konstanten menschlicher Erfahrung. Mammel malt mit Tusche auf ungrundierter, nasser Leinwand. Stets liegt der Fokus auf nur einer Farbe, auf Licht und Schatten. Fast scheint es, als würden die Motive zerfließen – und mit ihnen Zeit und Erinnerung. Mit dem Pinsel versucht Mammel sie festzuhalten. Seine Bilder zeugen von der Schwierigkeit dieses Vorhabens, doch ebenso von der Notwendigkeit und Schönheit des Versuchs selbst.
In 2015, Dieter Mammel witnessed the arrival of the first Syrian refugees on the Greek island of Kos. In the years that followed, the Berlin-based painter explored the story of his own family’s flight, the sense of displacement that came with it, and the new beginning in another country. The exhibition tour LIFELINE, which traces the course of the family’s life, with the accompanying catalogue shows the pictures created as part of this exploration and examines the themes of origin, flight, and memory as timeless constants of human experience. Mammel paints with watercolor on unprimed, wet canvas. The focus is always on just one color, on light and shadow. It almost seems as if the motifs were dissolving—and with them time and memory. Mammel tries to capture them with his brush. His pictures bear witness to the difficulty of this endeavor, but also to the necessity and beauty of the attempt in and of itself.
Dokumentation des neuen Denkmals für die Familie
Mann in München
Documentation of the New Monument to the Mann Family in Munich
Albert Coers
Straßen Namen Leuchten.
Ein Denkmal für die Familie Mann Streets Names Lights: A Monument to the Mann Family
Herausgegeben von | Edited by: Florian Matzner
Texte von | Texts by: Albert Coers, Stanley Corngold, Tanja Graf, Dirk Heißerer, Kerstin Klein, Karolina Kühn, Florian Matzner, Holger Pils, Jörg Scheller
Gestaltung | Graphic design: Sabine Bretschneider und | and Andreas Ullrich, Suolocco, München | Munich
17 ∞ 24 cm, ca. | approx. 256 S. | pp., ca. | approx. 60 Abb. | ills., Hardcover
September 2024
isbn 978-3-7356-0973-1
Deutsch, Englisch | German, English
Ca. | Approx. 5 38,– (D) chf 49,90
Ausstellung | Exhibition : anlässlich der Errichtung des neuen Denkmals für die Familie Mann in München | on the occasion of a memorial to the Mann family being erected in Munich, Kulturreferat der Landeshauptstadt München | City of Munich, Department of Arts and Culture, Public Art München
Im Jahr 2018 gewann Albert Coers (* 1975) den Wettbewerb zur Gestaltung eines Denkmals für die Familie Mann am Salvatorplatz in München. In seinem Entwurf Straßen Namen Leuchten verarbeitet er Straßenschilder, die die Namen unterschiedlicher Mitglieder der Familie Mann tragen und Straßenleuchten aus Städten, die für die Familie von besonderer Bedeutung waren, unter anderem München, Lübeck, Nida, Rom, New York, São Paulo und Zürich. Das Denkmal bringt die Exilerfahrung, Internationalität und Strahlkraft der Manns zum Ausdruck und thematisiert zugleich die weltweite Rezeption ihres Wirkens. In der vorliegenden Publikation ist die Entstehung des Denkmals samt der zugrunde liegenden Recherchen dokumentiert; Interviews, Texte und Bilder runden den Band mit umfangreichen Kontextinformationen ab.
In 2018, Albert Coers (b. 1975) won the competition to design a memorial to the Mann family at the center of Salvatorplatz, a square in the heart of Munich. His proposal Streets Names Lights incorporates street signs bearing the names of various members of the Mann family, along with streetlamps from cities of particular importance to the family, including Munich, Lübeck, Nida, Rome, New York, São Paulo, and Zurich. The memorial conveys experiences of a life in exile, of internationality, and the family's charisma while simultaneously exploring the global reception of their work. This publication documents the creation of the memorial, together with the research behind it; interviews, texts, and images round out the volume with extensive background information.
Katalog zur großen Retrospektive des Holzschnittkünstlers
Catalogue for the Major Retrospective of This Woodcut Artist
Matthias Mansen
Triest oder die Götter
Texte von | Texts by: Christoph Bauer, Uta Kuhl
Gestaltung | Graphic design: Peter Nils Dorén, Berlin
24 ∞ 28 cm, 64 S. | pp., 48 farb. Abb. | col. ills., Hardcover, mit Schutzumschlag | with dust jacket, originaler Farbholzschnitt als eingebundener
Einlagebogen | original color woodcut as bound-in insert sheet
März | March 2024
isbn 978-3-7356-0970-0
Deutsch, Englisch | German, English
5 36,– (D) chf 46,80
Ausstellungen | Exhibitions : Matthias Mansen. Triest oder die Götter, 24.3.–25.8.2024, Stiftung SchleswigHolsteinische Landesmuseen Schloss Gottorf, Schleswig / 29.9.2024–5.1.2025, Kunstmuseum Singen
Matthias Mansen (* 1958) zählt zu den prägenden Vertreter*innen des Holzschnitts in der zeitgenössischen Kunst. Mit seinen monumentalen Farbholzschnitten, die aus mehreren Druckstöcken bestehen und teils in Überlagerungen und in immer neuen Zuständen gedruckt werden, hat Mansen die Kunst des Holzschneidens wesentlich fortentwickelt und der Technik neue Ausdrucksmöglichkeiten hinzugefügt.
Die große Retrospektive im Museum für Kunst und Kulturgeschichte Schloss Gottorf und im Kunstmuseum Singen zeigt Arbeiten aus vier Jahrzehnten. Im Mittelpunkt steht dabei die aktuelle Serie Triest oder die Götter, in der Mansen sich dem in der Kunstgeschichte wiederkehrenden Motiv der Badenden widmet. Die Posen und Gesten eröffnen für ihn einen Assoziationsraum mit den Skulpturen der griechischen und römischen Antike, den er in seinen Werken auslotet.
Matthias Mansen (b. 1958) is one of contemporary art’s most influential woodcut artists. With his monumental color woodcuts, which consist of several printing blocks and are often printed in overlays and ever-new states, Mansen has significantly advanced the art of woodcutting and brought new opportunities for expression to the technique.
The major retrospective at the Gottorf Castle Museum of Art and Cultural History and the Kunstmuseum Singen shows works spanning four decades. The centerpiece is Mansen’s most recent series Triest oder die Götter (Trieste or the Gods), in which Mansen focuses on the motif of bathers, a subject that has recurred throughout art history. For him, their poses and gestures open up a world of associations with ancient Greek and Roman sculptures, which he explores in his works.
Collector’s Edition (S. | p. 60–61) 5 150,– (D)
Die erste Monografie der Wuppertaler Bildhauerin
The First Monograph on This Wuppertal Sculptor
Jaana Caspary Umformung
Herausgegeben von | Edited by: Jürgen Grölle, Kunstverein Schwäbisch Hall
Texte von | Texts by: Marlene Baum, Robert Fleck, Thomas Hirsch, Christina Irrgang
Gestaltung | Graphic design: wpp:t, Wuppertal
23,5 ∞ 27,5 cm, ca. | approx. 274 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Hardcover
Juli | July 2024
isbn 978-3-7356-0977-9
Deutsch, Englisch | German, English
Ca. | Approx. 5 45,– (D) chf 58,50
umformung ist die erste umfassende Monografie zum Werk der Wuppertaler Bildhauerin Jaana Caspary (* 1988), die mit ihren abstrakten, monochromen Skulpturen in AcrylGießharz, Stein oder Bronze seit einigen Jahren für Furore sorgt. Viele dieser Skulpturen, die oft noch von Farbstiftzeichnungen und Fotomontagen begleitet werden, sind durch das Referenzieren einzelner verwandter, schon für sich elaborierter Grundformen gekennzeichnet. Jaana Caspary vergegenwärtigt die Präsenz derartiger Module im kollektiven Alltag, aber auch in der Natur, und stellt immer wieder den Variantenreichtum und die Vielschichtigkeit ihrer Bedeutungen unter Beweis. Mit besonderem Blick auf die jüngeren Ausstellungen, stellt umformung die wichtigsten Werkgruppen und Schlüsselpositionen aus Casparys Schaffen der letzten zehn Jahre vor.
umformung is the first comprehensive monograph on the work of the Wuppertal-based sculptor Jaana Caspary (b. 1988), whose abstract, monochrome sculptures made of cast acrylic resin, stone, or bronze have been causing a furor for several years now. Many of these sculptures, which are often accompanied by colored pencil drawings and photomontages, are characterized by the referencing of several related basic forms, each elaborate in itself. Jaana Caspary visualizes the presence of such modules in collective everyday life, but also in nature, repeatedly demonstrating the rich variety and complexity of their meanings. With a particular focus on the most recent exhibitions, umformung presents the most important groups of works and key pieces from Caspary’s oeuvre of the last ten years.
Motive aus der Populärkultur in malerischer Perfektion
Motifs from Popular Culture in Painterly Perfection
30,5 ∞ 23 cm, 120 S. | pp., 198 farb. Abb. | col. ills., Hardcover
März | March 2024
isbn 978-3-7356-0972-4
Deutsch, Englisch | German, English
5 45,– (D) chf 58,50
Ausstellung | Exhibition: Heiner Meyer. Pop Art Now, 6.8.–26.8.2023, Kunstforum Wien | Vienna
Der international renommierte Künstler Heiner Meyer (*1953) verwendet die Strategien der Pop-Art und kombiniert Bildmaterial aus den unterschiedlichsten Kontexten. In seinen Gemälden verdichten sich Comicfiguren, Kompositionen von Picasso oder Hockney und Werbung moderner Luxusmarken zu einem neuen Bildganzen, dessen vielfältige Reflexionsangebote das kritische Potenzial der Pop-Art im Lichte gegenwärtiger Konsumkultur aktualisieren.
Die Publikation Pop Art Now zeigt Installationsansichten und Gemälde aus der Ausstellung im Kunstforum Wien sowie aktuelle Arbeiten der letzten zwei Jahre. Die Kunsthistorikerin Dr. Renée Gadsden gibt in ihrem Text Einblicke in die Ausstellung sowie in Heiner Meyers Œuvre seit Beginn seines künstlerischen Schaffens.
Internationally renowned artist Heiner Meyer (b. 1953) utilizes Pop Art strategies, combining visual material from a vast variety of contexts. His paintings combine comic figures, compositions by Picasso or Hockney, and advertising for modern luxury brands, condensing them into a new pictorial creation that allows for a diverse range of reflections that update the critical potential of Pop Art in the face of contemporary consumerism. The publication Pop Art Now shows various views of the installation and paintings from the exhibition at the Kunstforum Wien in Vienna, as well as recent works from the last two years. In her text, the art historian Dr. Renée Gadsden provides insights into the exhibition and Heiner Meyer’s oeuvre since the beginning of his artistic career.
Ortsspezifische Installation der kroatischen Künstlerin in Friedrichshafen
Site-Specific Installation by the Croatian Artist in Friedrichshafen
Luiza Margan
Herausgegeben von | Edited by: Matthias Lenz, Regina Michel, ZF Kunststiftung
Texte von | Texts by: Nora Sternfeld
Gestaltung | Graphic design: HFS Studio, Berlin
23 ∞ 28 cm, 48 S. | pp., 26 farb. Abb. | col. ills., Hardcover
März | March 2024
isbn 978-3-7356-0968-7
Deutsch, Englisch | German, English
5 29,– (D) chf 37,70
Ausstellung | Exhibition: Luiza Margan. Cache, 24.11.2023–28.1.2024, ZF Kunststiftung im Zeppelin Museum Friedrichshafen
In ihren Skulpturen, Installationen, Filmen und Interventionen im öffentlichen Raum untersucht die kroatische Künstlerin Luiza Margan die Diskrepanz zwischen offizieller Geschichtsschreibung und unsichtbarer Geschichte. Sie hinterfragt, wie Machtverhältnisse und ideologische Systeme in den öffentlichen Raum und das kollektive Gedächtnis eingeschrieben sind.
In der Installation Cache, die während des Artist-in-Residence-Programms der ZF Kunststiftung entstanden ist, setzt sie sich mit den Spuren der NS-Zeit in Friedrichshafen auseinander. Der Titel spielt dabei auf einen versteckten Ort, einen versteckten Speicher für Informationen an.
In her sculptures, installations, films, and interventions in public spaces, the Croatian artist Luiza Margan explores the disparity between officially recorded history and history which is invisible. She questions the ways in which power structures and ideological systems are etched into the public sphere and interwoven into collective memory.
The installation Cache, created in the course of the Artist-in-Residence-Program of the ZF Kunststiftung, examines the traces of National Socialist rule left in the city of Friedrichshafen. The title alludes to a hidden location, a concealed storehouse of information.
Cache
Archaisch anmutende Tonfiguren und Arbeiten auf Papier
Archaic-Looking Clay Figures and Works on Paper
Susanne Ring
Tempel
Herausgegeben von | Edited by: HSBI Bielefeld
Texte von | Texts by: Stefan Lüddemann
Gestaltung | Graphic design: Oliver Möst, Foen X, Berlin
20,5 ∞ 20,5 cm, ca. | approx. 120 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Hardcover
Susanne Ring (* 1966) erschafft enigmatische Wesen aus gebranntem Ton, die durch einfache Merkmale wie Kopf, Arme und Beine zwar als körperliche Figuren zu erkennen sind, aber dennoch keine prototypischen Muster duplizieren. Körper sind hier nicht gewachsene Organismen, sondern fragile Hüllen, die als vermittelnde Grenzen zwischen Individuum und Außenwelt selbst Figuren geworden sind. Doch anstatt zu beantworten, ob des Menschen Leiblichkeit nun Fluch oder Segen ist, verkörpern sie im wahrsten Sinne des Wortes das Recht auf Nichtidentität und Ambivalenz. Die Publikation Tempel zeigt aktuelle Arbeiten aus Keramik und auf Papier sowie Ausstellungsansichten der letzten Jahre.
Susanne Ring (b. 1966) creates enigmatic creatures from fired clay. Though recognizable as physical figures through simple features such as a head, arms, and legs, they do not duplicate prototypical patterns. These bodies are not organisms that have grown, but fragile shells that, as the mediating boundaries between the individual and the outside world, have themselves been transformed into figures. However, instead of answering the question as to whether human corporeality is a blessing or a curse, they embody the right to ambivalence and non-identity in the truest sense of the word. The publication Tempel shows current works in ceramics and paper as well as images of exhibitions from the last few years.
Kunst zum Anfassen
Hands-On Art
Manfred Webel
Bewegungsskulpturen
Herausgegeben von | Edited by: Skulpturenmuseum
Marl und | and Erzbischöfliches Diözesanmuseum
Paderborn
Texte von | Texts by: Angela Behler, Manfred Webel, Michael Griff, Andreas Hahm-Gerling, Georg Elben, Joachim Göbel, Holger Kempkens, Niko Sioulis, Hilke Wagner, Antje Welz
Gestaltung | Graphic design: clevebrück – Büro für Gestaltung, Krefeld
18 ∞ 24,5 cm, ca. | approx. 150 S. | pp., ca. | approx. 150 Abb. | ills., Broschur | softcover
Juli | July 2024
isbn 978-3-7356-0988-5
Deutsch | German
Ca. | Approx. 5 28,– (D) chf 36,40
Ausstellung | Exhibition : Partizipative Kunst-Aktion „Bitte berühren!“ in Lünen, Siegen, Unna, Paderborn bis Ende 2024 | Participatory art campaign “Please touch!” in Lünen, Siegen, Unna, Paderborn, running through the end of 2024
Manfred Webel. Bewegungsskulpturen stellt einen Pionier partizipativer Kunst und Erfinder der Bewegungsskulptur vor. Bildreich und vielstimmig erzählt das unterhaltsame Buch von Webels dialogischer und publikumsorientierter Arbeitsweise: mit spannenden Fachgesprächen, beispielhaften Mitmachangeboten der Kunstaktion Bitte berühren! und vielen Kommentaren von Beteiligten. Zu Wort kommen Künstler*innen, mit denen er zusammenarbeitet, Museumsleiter*innen, Kunstvermittler*innen aus Politik, Verwaltung und kultureller Bildung. Einen besonderen Stellenwert erhalten jene Menschen, die Webel und seiner zugewandten Kunst auf der Bitte berühren!-Tour in seinem mobilen Kunst-Container begegnen.
Manfred Webel: Bewegungsskulpturen (Movement Sculptures) profiles a pioneer of participatory art and the inventor of “movement sculpture.” Richly illustrated and polyphonic, this highly enjoyable book provides insight into Webel’s dialogue- and audience-based approach: with exciting expert discussions, exemplary participatory offers from the art project Bitte berühren! (Please touch!), and feedback from many participants in his projects. The book features contributions from artists who have worked with Webel, as well as museum directors and arts communicators from the fields of politics, government, and cultural education. There is a special focus on people who have encountered Webel and his approachable art in his mobile art container on the Bitte berühren! Tour.
Vorläufi ges Cover | Preliminary cover
Wiederentdeckung eines bedeutenden
Malers der Nachkriegszeit
Rediscovery of an Important Postwar Painter
Dieter Stein „die Augen
auswischen“
Retrospektive
Herausgegeben von | Edited by: Henrike Holsing und | and Marcus Andrew Hurttig, Museum im Kulturspeicher Würzburg
Texte von | Texts by: Henrike Holsing, Johannes Sander, Suse Schmuck
18 ∞ 23 cm, ca. | approx. 180 S. | pp., ca. | approx. 100 farb. Abb. | approx. 100 numerous col. ills., Klappenbroschur | softcover with fl aps
Oktober | October 2024
isbn 978-3-7356-0987-8
Deutsch | German
Ca. | Approx. 5 36,– (D) chf 46,80
Ausstellung | Exhibition : „die Augen auswischen“
Dieter Stein – Retrospektive, 19.10.2024–16.2.2025, Museum im Kulturspeicher Würzburg
Dieter Stein (1924–2022) gehört zu den großen Unbekannten der deutschen Kunstgeschichte der Nachkriegszeit. Bereits 1950 erregte er mit den ersten abstrakten Gemälden, die in seiner Heimatstadt Würzburg nach dem Krieg zu sehen waren, Aufsehen. Obwohl er weit überregional Anerkennung erhielt, international ausstellte und Preise gewann, entwickelte er sein Werk in den kommenden Jahrzehnten eher im Stillen weiter: von den farbstarken, geometrischen frühen Bildern hin zu einem sparsamen, eleganten und spannungsvollen Spätwerk. Anlässlich des 100. Geburtstages des Künstlers zeigt das Museum im Kulturspeicher die erste Retrospektive des Malers überhaupt und lotet seine ganz eigene Position innerhalb der internationalen Abstraktion des 20. Jahrhunderts aus.
Dieter Stein (1924–2022) remains one of the great unknowns of postwar German art history. His first abstract paintings, which were exhibited in his hometown of Würzburg after the war, caused a sensation as early as 1950. Despite nationwide acclaim, international exhibitions, and being awarded several prizes, he continued to develop his work quietly over the decades that followed, from his vibrant early geometric paintings to his more pared-back, elegant, and exciting later works. To mark the centenary of the artist’s birth, the Museum im Kulturspeicher in Würzburg is showing the first-ever retrospective of Stein’s work, exploring his unique position within the international abstract art movement of the twentieth century.
Vorläufi ges Cover | Preliminary cover
Ein vielschichtiger Dialog zwischen Zeichnung und Installation
Multilayered Dialogue between Drawing and Installation
Nina Annabelle Märkl
Scapes
Herausgegeben von | Edited by: Florian Matzner
Texte von | Texts by: Barbara Fischer, Cornelia Oßwald-Hoffmann, Nina Annabelle Märkl, Florian Matzner, Nadine Seligmann
Gestaltung | Graphic design: Linda Märkl, MABENY, München | Munich
21 ∞ 29,7 cm, 224 S. | pp., 199 farb. Abb. | col. ills., Klappenbroschur | softcover with fl aps
Nina Annabelle Märkl (* 1979) entwickelt in ihren Arbeiten durchlässige Betrachtungsräume, die sich an der Schnittstelle zwischen Zeichnung, Objekt und Installation bewegen. Die Rezipient*innen bewegen sich in modularen Rauminstallationen durch landschaftliche Settings, treten mit den Werken in verschiedene Dialoge und erfahren im Perspektivwechsel die Möglichkeit, sich selbst in der eigenen Betrachtung zu erleben und die Strukturen ihres Wahrnehmens zu befragen.
Die Monografie Scapes vereint verschiedene Stränge der Arbeit von Nina Annabelle Märkl in der Vielfalt ihrer Verknüpfungen und Sprünge zwischen Zeichnung und Raum, die in der Unterschiedlichkeit ihrer Erscheinungsform aufeinanderfolgen oder sich in einzelnen Anordnungen durchdringen.
In her works, Nina Annabelle Märkl (b. 1979) develops permeable viewing spaces that lie at the interface between drawing, object, and installation. The viewers move through landscape-like settings in modular spatial installations, entering into various dialogues with the works. In addition, through the shift in perspective, they can experience the possibility of seeing themselves in their own observations and can question the structures of their perception.
The monograph Scapes unites various strands of Nina Annabelle Märkl’s work in the diversity of their links and leaps between drawing and spatiality, which follow on from one another in the richness of manifestation or interpenetrate one another in individual arrangements.
Pariser Straßenkünstler treffen auf Marcel Duchamp
Paris Street Artists Meet Marcel Duchamp
Rudolf Herz
Marcel Duchamp. La Patte
Herausgegeben von | Edited by: Philipp Norman John, Marie-José Sondeijker, museum Fluxus+, Potsdam, West Den Haag, Den Haag | The Hague
Texte von | Texts by: Antje von Graevenitz, Rudolf Herz, Philipp Norman John, Marie-José Sondeijker
17,5 ∞ 24,5 cm, 80 S. | pp., 26 farb. Abb. | col. ills., Hardcover
Mai | May 2024
isbn 978-3-7356-0982-3 Deutsch, Englisch | German, English
5 22,– (D) chf 28,60
Ausstellung | Exhibition : Rudolf Herz. Marcel Duchamp. La Patte, 26.4.–23.6.2024, museum Fluxus+, Potsdam und | and 7.9.–10.11.2024, West Den Haag, Den Haag | The Hague
Ein Foto von Marcel Duchamp, aufgenommen 1912 in München, dient mehr als hundert Jahre später als Vorlage für siebzehn Zeichnungen. Im Auftrag des Konzeptkünstlers Rudolf Herz haben sich Pariser Straßenmaler Duchamps radikal ausdrucksloses Fotoporträt angeeignet, jeder mit seiner ganz eigenen künstlerischen Handschrift. Dabei führte gerade Duchamps Münchner Zeit zu seinem Entschluss, sich von jeder Form künstlerischer Handschrift, der „patte“, der „Tatze“, zu befreien. Herz’ These: Duchamps Foto nimmt die Entwicklung vorweg, die durch seine revolutionäre Idee der Readymades sichtbar wird. Marcel Duchamp. La Patte ist eine ironische Replik auf Duchamps Entschluss und reflektiert spielerisch, assoziativ die fundamentale Wende in seinem Schaffen. Die Textbeiträge u. a. von Antje von Graevenitz skizzieren die kunsthistorischen Zusammenhänge.
A photograph of Marcel Duchamp, taken in Munich in 1912, serves more than a hundred years later as the starting point for seventeen drawings. Commissioned by the conceptual artist Rudolf Herz, Parisian street painters appropriated Duchamp’s radically expressionless photographic portrait, each adding their own unique artistic signature. Duchamp’s time in Munich in particular led to his decision to free himself from any form of artistic signature, the “patte” or “paw.” Herz’s thesis: Duchamp’s photograph anticipates the development revealed through his revolutionary idea of readymades.
Marcel Duchamp: La Patte is an ironic response to Duchamp’s decision and reflects in a playful and associative way the fundamental turning point in his work. Texts by Antje von Graevenitz and others outline the art-historical context.
PHOTO
Ein Blick hinter die Hochhauskulissen von Hongkong
A Look behind the Skyscrapers of Hong Kong
Matthias Forster
Metropolis Sunday. Hong Kong Series
Texte von | Texts by: Matthias Forster, Alberto Gerosa Volontè
17 ∞ 20 cm, ca. | approx. 88 S. | pp., 63 farb. Abb. | col. ills., Hardcover
September 2024
isbn 978-3-7356-0989-2
Englisch | English
Ca. | Approx. 5 28,– (D) chf 36,40
Metropolis Sunday von Matthias Forster nimmt die Betrachtenden mit auf einen Streifzug hinter die glänzenden Hochhauskulissen von Hongkong. Der Fotograf findet das Licht im Dunkeln, das Schöne im Hässlichen und das Virtuose im Banalen. Metropolis, die Mutterstadt, ist der Inbegriff der Weltstadt. Der Sonntag ist der Ruhetag par excellence. In Forsters Aufnahmen werden die Gegenpole der hektischen und reizüberfluteten Gesellschaft sichtbar. Abseits der lauten verkehrsreichen Straßen offenbaren sich nahezu menschenleere Plätze. Hier gönnt sich die Stadt eine Atempause und kommt zur Ruhe. Raum und Zeit werden relativ.
Die ikonischen Hochhausformationen mit ihren spiegelglatten Fassaden dienen dabei als Spiegelbild der modernen Stadtgesellschaft: Während mit der repräsentativen Außenseite Ordentlichkeit und Akkuratesse gelobt wird, tritt dahinter das Ungezwungene und Improvisierte des urbanen Lebens in seinen zahllosen Spielarten hervor.
Metropolis Sunday by Matthias Forster takes the audience on an expedition behind the gleaming skyscrapers of Hong Kong. The photographer finds the light in the darkness, the beauty in the unsightly, and the divine in the mundane. Metropolis, the mother city, is the epitome of a cosmopolitan city. Sunday is the day of rest par excellence. Forster’s images reveal the opposite poles of a hectic and stimulus-laden society. Away from the noise of the congested streets, almost deserted squares are revealed. Here, the city takes a breath and comes to rest. Space and time become relative.
The iconic high-rise buildings with their smooth-as-glass façades serve as a mirror image of modern urban society: while their impressive exterior extols orderliness and precision, behind it, the informality and improvisation of urban life emerge in countless permutations.
Der Berufsalltag auf dem Friedhof in eindrücklichen Bildern
Everyday Working Life at the Cemetery in Impressive Pictures
Anke Krey
Erden
Texte von | Texts by: Klaus Honnef
Gestaltung | Graphic design: Julia Wagner, grafi kanstalt, Hamburg
26 ∞ 24 cm, ca. | approx. 96 S. | pp., ca. | approx. 68 Abb. | ills., Hardcover
September 2024
isbn 978-3-7356-0991-5
Deutsch, Englisch | German, English
Ca. | Approx. 5 36,– (D) chf 47,–
Der Südwestkirchhof Stahnsdorf am Rande von Berlin ist der zehntgrößte Friedhof der Welt. Weite Teile des Areals sind bewaldet, es gibt mehr Wildwuchs und verschlungene Pfade als getrimmte Hecken und Asphaltwege. Über zwei Jahre hinweg hat die Fotografin Anke Krey die Mitarbeiter der Ruhestätte mit der Kamera und dem Wunsch begleitet, mehr von ihrer Arbeit zu erfahren. Was macht der tägliche Kontakt zum Tod mit ihnen? Welches Verhältnis haben sie zur Erde und zum Wald, in denen abertausende Menschen ihre letzte Ruhe fanden? Aufmerksam und leise erzählt Erden von den zu verrichtenden Tätigkeiten und komplexen Anforderungen, die hier stündlich variieren können. So wird vor Bestattungen die herkömmliche Arbeitskleidung gegen einen schwarzen Anzug und Schlips getauscht. Dann werden Baumpfleger und Betriebstechniker zu Bestattern und Seelsorgern, die Verstorbene beerdigen und den Angehörigen tröstende Worte spenden. In Anke Kreys Fotografien findet sich diese Transzendierung profaner handwerklicher Berufstätigkeit unter den Vorzeichen der menschlichen Endlichkeitserfahrung so eindrücklich verdichtet wie selten zuvor.
The Südwestkirchhof Stahnsdorf cemetery on the outskirts of Berlin is the tenth-largest in the world. Much of the site is forested, with more wild flora and winding paths than perfectly trimmed hedges and asphalt roads. Over a period of two years, the photographer Anke Krey shadowed the employees at the graveyard with her camera, driven to find out more about their work. How does the daily confrontation with death affect them? What is their relationship to the earth and the forest that provides the final resting place for thousands upon thousands of people?
Erden provides a respectful and quiet chronicle of the daily tasks and the complex demands of the work here, which can vary from one hour to the next. Prior to funerals, for example, the workers swap their everyday work clothes for a black suit and tie; the foresters and technicians become funeral directors and spiritual counselors who bury the deceased and offer words of solace to relatives. With a rare intensity, Anke Krey’s photographs capture and condense the transcendence of mundane manual work alongside these ever-present reminders of human mortality.
Ein fotografischer Rückblick auf die bewegte Geschichte Chiles
A Photographic Review of Chile’s Eventful History
José Giribás Marambio
CHILE
Erinnerungen an mein geschundenes Land
Recuerdos de mi país maltratado
Memories of my battered country
Texte von | Texts by: José Giribás M., Axel Sommer
Gestaltung | Graphic design: Julia Borgwardt, Berlin
25,5 ∞ 22,5 cm, ca. | approx. 128 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Hardcover
September 2024
isbn 978-3-7356-0980-9
Deutsch, Spanisch, Englisch | German, Spanish, English
Ca. | Approx. 5 42,– (D) chf 54,50
Chile 1973: Am 11. September putschte General Augusto Pinochet gegen die gewählte Regierung unter Salvador Allende, beendete gewaltsam die Idee eines demokratischen Sozialismus und regierte das Land fortan durch Terror und Repression. José Giribás Marambio (* 1948 in Santiago de Chile) begleitete die Ereignisse als Mitglied der Arbeiterbewegung, Oppositioneller und Fotograf. Im Dezember 1973 gelang ihm die Flucht nach Deutschland, und in Berlin fand er eine neue Heimat. Über ein halbes Jahrhundert reiste Giribás immer wieder mit der Kamera nach Chile und dokumentierte das gesellschaftliche Leben im Spannungsfeld von politischer Unterdrückung, schmerzvoller Erinnerung und den Möglichkeiten demokratischen Aufbegehrens. Die dabei entstandenen Arbeiten wurden weltweit ausgestellt und in zahlreichen renommierten Magazinen und Zeitungen publiziert. In Chile. Erinnerungen an mein geschundenes Land liegen sie erstmals gesammelt und kommentiert vor.
Chile, 1973: on September 11, General Augusto Pinochet staged a coup to overthrow the elected government led by Salvador Allende, bringing a violent end to the idea of democratic socialism. From that point on, terror and repression reigned. José Giribás Marambio (b. 1948 in Santiago de Chile) lived through these events as a member of the workers’ movement, a member of the opposition, and a photographer. In December 1973, he fled to Germany, where he made a new home for himself in Berlin. For over half a century, Giribás has repeatedly traveled to Chile with his camera to document a society shaped by the tension between political oppression, painful memories, and possibilities for democratic resistance. The resulting works have been exhibited worldwide and published in many renowned magazines and newspapers. Chile: Memories of my battered country is the first collection of his works, which are presented here together with a commentary.
Walden
Life in the Woods
Marieken Verheyen REVIERE | REALMS
Texte von | Texts by:
Marieken Verheyen
Gestaltung | Graphic design: Adrian Silvestri, Gebr. Silvestri, Amsterdam
21 ∞ 28 cm, 274 S. | pp., 244 farb. Abb. | col. ills., Klappenbroschur, Japanische Bindung | softcover with fl aps, Japanese binding
März | March 2024
isbn 978-3-7356-0974-8
Deutsch, Englisch | German, English
5 48,– (D) chf 62,40
Ausstellung | Exhibition : Wälder – Von der Romantik in die Zukunft, 16.3.–11.8.2024, Deutsches RomantikMuseum, Frankfurt am Main / Senckenberg Naturmuseum, Frankfurt am Main / Museum Sinclair-Haus, Bad Homburg
Seit die Künstlerin Marieken Verheyen von Amsterdam aufs Land in die Uckermark gezogen ist, unternimmt sie kleine Wahrnehmungsexpeditionen in die Waldgebiete, die sie von ihrem Atelier aus zu Fuß erreichen kann. Sie sucht nach Spuren der Bewohner*innen und Benutzer*innen und versucht, sich in die Seh- und Denkweisen der Lebewesen im Wald einzufühlen. Dabei stellt Verheyen immer wieder fest, dass auf diesem kleinen Gebiet die große weite Welt in komprimierter Form zu finden ist: die widersprüchlichen Vorstellungen von Natur, die oft gegensätzlichen Interessen unterschiedlicher Waldnutzer*innen und die zerstörerischen Einflüsse der Klimakrise. Ebenso zeigen ihre Bilder die schwer fassbare Kraft und Schönheit der Natur, der man sich nicht entziehen kann.
Since moving from Amsterdam to the rural Uckermark region in northeastern Germany, artist Marieken Verheyen has undertaken small sensory expeditions into the fascinating forest areas just a short walk from her atelier. She searches for traces of their inhabitants and the people who use the forest and attempts to feel her way into the forest creatures’ ways of seeing and thinking. In the process, Verheyen finds, again and again, that the entire world can be found compressed into this small area: contradictory ideas of nature, the often opposing interests of various users of the forests, and the destructive influence of the climate crisis. Her images also depict the irresistible yet elusive power and beauty of nature.
Ein einzigartiges Porträt des Stuttgarter Balletts
A Unique Portrait of the Stuttgart Ballet
Alwin Maigler Nuances
Texte u. a. von | Texts by (among others): Tamas Detrich, Matthias Harder
Gestaltung | Graphic design: Studio Tillack Knöll, Stuttgart
23 ∞ 33 cm, ca. | approx. 176 S. | pp., ca. | approx. 103 Abb. | ills., Schweizer Broschur | Swiss paperback binding Herbst | Fall 2024
isbn 978-3-7356-0994-6
Englisch | English
Ca. | Approx. 5 45,– (D) chf 58,50
Im Ballett trifft grazile Ästhetik und Anmut auf die Grenzen der Leistungsfähigkeit des menschlichen Körpers. Eleganz und Härte, Disziplin und Leidenschaft – wo Extreme aufeinandertreffen, beginnen sie uns zu beflügeln. Der Fotograf Alwin Maigler (* 1996) arbeitet seit Jahren eng mit dem international renommierten Stuttgarter Ballett zusammen und widmet dem klassischen Bühnentanz im Rahmen der Doppel-Publikation Nuances und Nocturne seine persönliche Liebeserklärung. Nuances ist Maiglers erste fotografische Arbeit zum Thema Ballett – eine feinfühlige Körper- und Bewegungsstudie, bei der die Erkundung jener flüchtigen Zwischenräume im Vordergrund steht, die sich in der Bewegung verbergen. Im Kontrast von tänzerischer Fluidität und fotografischer Fixierung offenbart sich die ästhetische Tiefenschärfe des Balletts in einer Genauigkeit, die sonst allzu oft nicht sichtbar ist.
In ballet, elegant aesthetics and grace meet the limits of the human body’s capabilities. Elegance and rigor, discipline and passion—where extremes meet, they begin to inspire us. Photographer Alwin Maigler (b. 1996) has been working closely with the internationally renowned Stuttgart Ballet for many years, and the double publication Nuances and Nocturne is his personal declaration of love for classical dance. Nuances is Maigler’s first photographic work on the subject of ballet; it is a sensitive study of the body and movement, focusing on the exploration of those fleeting spaces that are hidden in such movement. The contrast between the fluidity of dance and photographic fixation reveals ballet’s aesthetic depth of field with a precision that all too often remains hidden.
Ein einzigartiges Porträt des Stuttgarter Balletts
A Unique Portrait of the Stuttgart Ballet
Alwin Maigler Nocturne
Texte u. a. von | Texts by (among others): Simone Klein, Marcia Haydée
Gestaltung | Graphic design: Studio Tillack Knöll, Stuttgart
23 ∞ 33 cm, ca. | approx. 176 S. | pp., ca. | approx. 140 Abb. | ills., Hardcover, Halbleineneinband | half-cloth bound
Herbst | Fall 2024
isbn 978-3-7356-0993-9
Englisch | English
Ca. | Approx. 5 45,– (D) chf 58,50
Im Ballett trifft grazile Ästhetik und Anmut auf die Grenzen der Leistungsfähigkeit des menschlichen Körpers. Eleganz und Härte, Disziplin und Leidenschaft – wo Extreme aufeinandertreffen, beginnen sie uns zu beflügeln. Der Fotograf Alwin Maigler (* 1996) arbeitet seit Jahren eng mit dem international renommierten Stuttgarter Ballett zusammen und widmet dem klassischen Bühnentanz im Rahmen der Doppel-Publikation Nuances und Nocturne seine persönliche Liebeserklärung.
Nocturne ist Maiglers jüngste Bildstrecke, für die der Fotograf die Tänzer*innen der Stuttgarter Kompanie aus dem herkömmlichen Theater-Setting gelöst und im nächtlichen Stadtraum inszeniert hat. Hier, von den Zwängen der Zunft entbunden, brechen sie sämtliche Konventionen und fordern die Freiheit: Sie springen in Brunnen, kämpfen in Parks und erklimmen Statuen. Ergänzt werden die subversiven und lebensfrohen Fotografien von Texten – unter anderem von Marcia Haydée, einer der bedeutendsten Ballerinas des 20. Jahrhunderts.
In ballet, elegant aesthetics and grace meet the limits of the human body’s capabilities. Elegance and rigor, discipline and passion—where extremes meet, they begin to inspire us. Photographer Alwin Maigler (b. 1996) has been working closely with the internationally renowned Stuttgart Ballet for many years, and the double publication Nuances and Nocturne is his personal declaration of love for classical dance.
Nocturne is Maigler’s most recent photo series. The photographer invited the dancers of the Stuttgart Ballet to leave their customary theater setting and to instead be staged in urban spaces at night. Here, freed from the constraints of their profession, the dancers break with all convention and demand freedom: they jump into fountains, fight in parks, and climb statues. Texts, including one by Marcia Haydée, one of the most important ballet dancers of the twentieth century, complement the subversive and energetic images.
Ein
Gebäudetyp –vier Kontinente
One Building Type— Four Continents
Christoph Montebelli
Plattenbau Promenades
Berlin Havana Hong Kong Zanzibar
Texte von | Texts by: Philipp Meuser, Christoph Montebelli, Patricia Wruuck
20 ∞ 24 cm, ca. | approx. 144 S. | pp., ca. | approx. 95 farb. Abb. | col. ills., Hardcover, Leineneinband | linen-bound
September 2024
isbn 978-3-7356-0983-0
Deutsch, Englisch | German, English
Ca. | Approx. 5 40,– (D) chf 52,–
Millionen Menschen leben weltweit in Plattenbauten. Die meisten dieser Gebäude entstanden in der zweiten Hälfte des 20. Jahrhunderts, und sie waren stets mit großen Ambitionen verknüpft. Die Wohnungsnot sollte gelindert und das alltägliche Leben vereinfacht werden. Doch oft entpuppten sich die geplanten Städte der Zukunft als Sinnbilder gescheiterter Utopien. Die erhoffte soziale Durchmischung blieb weitgehend aus, und die Bewohner*innen fühlen sich nicht selten marginalisiert. Christoph Montebelli (* 1980) hat vier Plattenbausiedlungen auf vier Erdteilen – in Berlin, Hongkong, Havanna und Sansibar – aufgesucht und befragt sie in seinen Fotografien auf das Verhältnis von Anspruch und Realität. Ohne Simplifizierung und Vorurteil vermittelt Plattenbau Promenades ein emphatisches Bild dieser architektonischen Enfants terribles und verdeutlicht das lebendige Zusammenwirken von lokalen Gegebenheiten, ästhetisch-baulichen Visionen und den Menschen, die darin wohnen.
Millions of people around the globe live in Plattenbau structures. The majority of these were constructed in the second half of the twentieth century and always went hand in hand with lofty ambitions. They were intended to alleviate the housing shortage and to make daily life simpler. Often, however, the planned cities of the future came to symbolize failed utopias. The hoped-for social mixing largely failed to materialize and residents often felt marginalized. Christoph Montebelli (b. 1980) visited four Plattenbau housing estates on four continents—in Berlin, Hong Kong, Havana, and Zanzibar—and through his photographs explores the relationship between aspiration and reality. Free from oversimplification or prejudice, Plattenbau Promenades conveys powerful insight into these architectural enfants terribles and illustrates the dynamic interaction between local features, visions of an architectural aesthetic, and the people who live there.
Im Kaleidoskop der Sinnlichkeit
In the Kaleidoscope of Sensuality
THE OPÉRA
Magazine for Classic & Contemporary Nude Photography Vol. XII. ÆTHERUM
Herausgegeben von | Edited by: Matthias Straub
Texte von | Texts by: Matthias Straub
Gestaltung | Graphic design: Studio TillackKnöll, Stuttgart
24 ∞ 31 cm, ca. | approx. 224 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Softcover
Oktober | October 2024
isbn 978-3-7356-0992-2
Englisch | English
Ca. | Approx. 5 45,– (D) chf 5 8,50
Künstler*innen u. a. | Artists (among others) :
Anne Marie Luard, Arnoldas Kubilius, Charlotte Grimm, Chaz Windus, Dmitry Bulin, Dorian Ulyses Elena Prosdocimo, Hristina Novykova, Isabelle Chapuis, Julia Sang Nguyen, Katja Heinemann, Louise Boruque, Manon Deck-Sablon, Mar Fu Qui, Mona Eden, Pauline Bo, Rafael Andreu, Roxy Hervé, Shen Wie, Sophie Ellen, Teresa Lemme, Yessica Mück
ÆTHERUM – wie von der göttlichen Energie des Äthers beflügelt, bahnt die aktuelle Ausgabe von The Opéra sich einen Weg zu den geheimen Gedanken, Sehnsüchten und Träumen, die im Körper eines jeden Menschen verborgen liegen. In diesem Kaleidoskop der Sinnlichkeit transzendieren die Akte den menschlichen Körper als physische Hülle und erzählen Geschichten von Verletzlichkeit und Intimität, aber auch von Selbstermächtigung, Stärke und Schönheit.
ÆTHERUM versammelt Positionen etablierter Fotokünstler*innen und aufstrebender Talente. Erneut wurde der spezifisch-weiblichen Perspektive auf den menschlichen Körper ein ebenso großer Stellenwert beigemessen wie der differenzierten Darstellung fernab gängiger Stereotypen.
ÆTHERUM—as if fueled by the divine energy of the ether, the current edition of The Opéra paves the way to the secret thoughts, desires, and dreams that lie dormant within every human body. In this kaleidoscope of sensuality, the nudes transcend the human body as a physical shell and tell stories of vulnerability and intimacy, but also of self-empowerment, strength, and beauty.
ÆTHERUM brings together work by established photographic artists and up-and-coming talents. Once again, the specific female perspective on the human body has been accorded just as much importance as a nuanced portrayal that couldn’t be further from common stereotypes.
In filmischen Landschaften auf den Spuren der Conditio humana
On the Trail of the Human Condition in Cinematic Landscapes
Florence Montmare
Scenes from an Island
30 ∞ 24,5 cm, ca. | approx. 176 S. | pp., zahlreiche farb. Abb. | numerous col. ills., Hardcover
September 2024
isbn 978-3-7356-0990-8
Englisch | English
Ca. | Approx. 5 45,– (D) chf 58,50
ges Cover | Preliminary cover
Scenes from an Island ist die zweite Monografie von Florence Montmare, eine Sammlung von Fotografien und Texten, die zwischen 2014 und 2021 während verschiedener Residenzaufenthalte beim Ingmar Bergman Estate auf der Insel Fårö in Schweden entstanden ist. In drei Akte gegliedert, thematisiert Montmare in der Serie die Verletzlichkeit von Mensch und Natur im Spiegel der Klimakrise und globaler Konflikte. Vor dem Hintergrund der dramatischen Insellandschaft, die schon Bergman als Inspirationsquelle und Kulisse für seine Filme diente, werden Inselbewohner*innen und Geflüchtete zu Darstellenden in einer fotografischen Reflexion über die existenziellen Themen unserer Zeit.
Scenes from an Island is the second monograph by Florence Montmare. This collection of photographs and texts was created between 2014 and 2021, during various stays at the Ingmar Bergman Estate on the Swedish island of Fårö. Divided into three acts, Montmare’s series examines the vulnerability of humankind and nature, as reflected in the climate crisis and global conflicts. Set against the dramatic island landscape, which already served Bergman as a source of inspiration and a backdrop for his films, islanders and refugees become protagonists in a photographic reflection on the existential issues of our time.
Vorläufi
Poetische Naturaufnahmen aus Andalusien
Poetic Nature Photographs from Andalusia
Oliver Ullrich
Synaptic Landscape
Texte von | Texts by: Oliver Ullrich, Michael Wimmer
30 ∞ 26 cm, ca. | approx. 112 S. | pp., ca. | approx. 55 farb. Abb. |col. ills., Hardcover
September 2024
isbn 978-3-7356-0984-7
Deutsch, Englisch | German, English
Ca. | Approx. 5 40,– (D) chf 52,–
Der Naturwissenschaftler und Fotograf Oliver Ullrich (* 1960) erkundet wiederholt den Cabo de Gata in Andalusien, eine der trockensten Regionen Europas. Auf den ersten Blick scheint die Landschaft hier erstarrt und unveränderlich, doch Ullrich spürt die Orte auf, an denen die Natur zu kommunizieren scheint. Unterschiedliche Naturobjekte, Wind, Wasser und Sonne treten in Verbindung zueinander und offenbaren die Natur selbst hier als etwas Lebendiges, das sich eher als poetische denn allein rationale Qualität erfahren lässt. Die Aufnahmen in Synaptic Landscape zeugen von Vitalität, Schönheit und Veränderung im Gleichgewicht – als Zeichen gesunder Landschaften. Gleichzeitig verdeutlichen sie jedoch auch die Verletzlichkeit der Natur und gemahnen ihrer Bedrohung durch den Menschen.
Scientist and photographer Oliver Ullrich (b. 1960) returns to explore the Cabo de Gata in Andalusia, one of the driest regions in Europe. At first glance, the landscape here appears frozen and unchanging, but Ullrich tracks down the places where nature seems to communicate. Various natural objects, wind, water, and sun interact and reveal nature here as a living thing that can be experienced as a poetic rather than a purely rational quality. The images in Synaptic Landscape bear witness to vitality, beauty, and change in equilibrium—as signs of a healthy landscape. At the same time, however, they highlight the vulnerability of nature and remind us of the threat posed by humankind.
COLLECTOR ’S EDITION
K.H. HÖDICKE
K.H. Hödicke Collector’s Edition
Offsetlithografi e | Offset lithograph
Blatt | Paper sheet: 21 ∞ 29,5 cm
Bild | Image: 18,4 ∞ 25,4 cm
Auflage | Edition:
50 + 5 AP, nummeriert, signiert | numbered, signed
Láibmat II (Drifting II), Performance im Fluß in Chemnitz | performance in the river in Chemnitz, April 2024, Vorbereitung für NEW ECOLOGIES, Sommer 2024 | preparations for NEW ECOLOGIES, summer 2024
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Papier | Paper: Magno Volume 170 g/m2 (Cover) Magno Volume 150 g/m2 (Inhalt | Text block)
