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¿Que es el diseño gráfico? 5 Metodología del diseño 6 Relevamiento y utilidad en los proyectos de diseño 7 Cultura gráfica
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El diseño gráfico como actividad profesional 10 Eldiseño grafico como objeto de estudio
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Oportunidades del diseñador gráfico
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Promedio mensual de ingresos 14 Diseño de información
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Aplicaciones del diseño de información y la Visualización de datos 17
10 Diseñadores Gráficos que tienes que conocer
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Dualidad entre el código y la identidad Principales áreas de especialización del diseñador gráfico
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10 diseñadores que debes conocer
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Empresas dedicadas al diseño
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10 Libros que todo diseñador gráfico tiene que conocer
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10 Revistas de diseño que debes conocer
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10 Blogs que deberias conocer
65 Maestrias y doctorados especializados en diseño 3
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¿Que es el diseño gráfico?
Se trata de una amplia disciplina que interactúa con muchas otras y que, a su vez, funciona de manera autónoma. Diseño gráfico es todo aquello que comunica un mensaje visual. Así, su máxima es obtener manifestaciones o mensajes gráficos. Su auge actual se debe a la gran expansión de todo tipo de mensajes visuales a través de nuestros diversos dispositivos digitales y tecnológicos. Gabin Ambrose y Paul Harris, comentan que la disciplina del diseño gráfico “impone un orden y una estructura al contenido a fin de facilitar el proceso de comunicación, para que el mensaje sea captado y comprendido por el público al que va dirigido”5 , por lo que en el acto de diseñar (intencionalmente) para determinado usuario, se debe considerar un proceso o método en su ejecución.
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Metodología del diseño
1. Define el proyecto: En esta fase debes definir la visión general del proyecto, para lo cual deberás reunirte con el cliente, contar con un brief, investigar sobre el cliente, negocio y audiencia. 2. El brief; El brief debe ser claro, eficaz y completo. Incluye los datos sobre la empresa, el sector, el canal de distribución, imagen de la marca y diferenciadores. También incluye los objetivos del proyecto, a quién está dirigido, el posicionamiento deseado, la planificación, el presupuesto y el mensaje que busca transmitir. Por lo general todas las piezas de diseño gráfico responden a una necesidad de comunicación visual específica ya sea por encargo de un tercero (cliente) o bien por autoencargo. A contuniación te presentamos una metodología de diseño gráfico.
3. Crea una estrategia : Con base en la información que tienes, es momento de establecer las directrices de lo que quiere el cliente y una solución para lograr los objetivos. 4. Para generar ideas tienes varias opciones: – Lluvia de ideas (brainstorm) – El método morfológico – Marcos de experiencia, mapas mentales, organizadores gráficos (esquemas gráficos), listas de atributos, guiones gráficos… Un consejo final es crear otras dos alternativas. 5. Crea bocetos : Los dibujos preliminares deben ser hechos rápidamente y sin tanta complejidad. En tanto que los borradores son los prototipos de lo que serán los diseños finales. 6. El arte final: Esta es la representación detallada de un concepto de diseño, muy cercana al aspecto que tendrá la pieza final. 7. Revisiones con el cliente: El paso final son las revisiones con el cliente. Esta parte del proceso puede ser lo más tedioso porque en un principio puede no ser aceptada.
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¿En que consiste el relevamiento y la utilidad en los proyectos de diseño?
Un relevamiento es una revisión, una investigación o un estudio de algo. Lo que se hace al relevar, en este sentido, es registrar cierta información que se detecta a partir de una observación. Se deben recopilar los datos que son relevantes para el sistema que se investiga. En tal sentido se puedan utilizar: •Materiales escritos •Entrevistas •Cuestionarios •Observaciones y Muestreo
Una observación ocular detenida, atenta, de recorrido del objeto, tomando nota de todos los aspectos que se presentan, es importante para lograr una comprensión de las características que lo conforman. Y para tener una aproximación. En esta instancia pueden realizarse dibujos, croquis, esquemas. El análisis permite generar una primera hipótesis de las causas y de las posibles soluciones. Registrar todo es de utilidad una vez avanzado el trabajo. El otro aspecto que complementa excelentemente esta tarea es el relevamiento fotográfico. Siguiendo las mismas pautas de la observación ocular, un registro fotográfico inicial será de gran utilidad en etapas posteriores.
Es interesante tomar conciencia de qué es lo que debemos relevar cuando nos aproximamos al objeto en cuestión.
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Cultura gráfica
Podemos utilizar el término “cultura gráfica” como conocimiento de la historia de las obras y las técnicas empleadas para producir gráficos. Pero también se puede utilizar en un contexto profesional: la cultura gráfica de una empresa es la capacidad para crear una identidad visual real conectada con su cultura corporativa. Ya sea en forma impresa u online, desde tarjetas de presentación y vallas publicitarias, logotipos, diseño de empaques, folletos y más. La cultura gráfica se encuentra en todas partes en nuestra vida diaria. Un excelente diseño gráfico permite dar una primera impresión positiva a quienes lo ven. Los seres humanos se forman una primera opinión en segundos. Por otro lado, se necesita mucho más tiempo para cambiar de opinión después de una primera impresión. Los gráficos estéticamente agradables y diseñados profesionalmente llevarán a otras personas a formarse una opinión positiva de un producto, servicio o marca. La cultura gráfica corresponde a la asociación de una serie de visuales con valores, un esteticismo que hace que un producto destaque entre la multitud. Es posible que los clientes potenciales no estén dispuestos a leer un documento que intente convencerlos de que compren un producto. Pero estarán dispuestos a echar un vistazo a una imagen que tenga el mismo propósito. Además, el diseño gráfico debe ser coherente. Todas las representaciones de una marca deben ser visualmente similares para generar confianza y garantizar que ésta sea reconocible.
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El diseño gráfico como actividad profesional
Director Creativo: gestiona un equipo creativo que trabaja para una marca haciendo campañas, branding y todo lo relacionado con la imagen. Director de Arte: gestiona y coordina al equipo de diseñadores para asegurarse de que los proyectos se entregan a tiempo. Art Production Manager: gestiona la producción de las artes, así como su creación, de forma que sea eficiente y los costes se reduzcan. Package Designer: diseño de packaging implica la protección de un producto para su venta y distribución, es decir, los envases, envoltorios, y etiquetados de cualquier producto comercial. Creador de imagen de marca: como su nombre indica, el diseñador que realiza esta labor crea las piezas para el branding de la marca.
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Visual Image Developer: creación de imágenes y diseños usando imágenes tridimensionales y edición. Diseñador de branding: crea el la imagen corporativa de la marca o la empresa. Diseño web: como diseñador gráfico, también puedes crear la página web para la empresa con la que estés trabajando. Director de arte publicitario: Especialista capaz de crear una sinergia entre los códigos visuales y lingüísticos, de forma que la imagen consiga la armonía perfecta. Desarrollador multimedia: un diseñador multimedia, piensa en la combinación de herramientas pertenecientes a la comunicación, el diseño y la publicidad. Ilustradores: realizan dibujos, imágenes, pinturas o diagramas para una amplia variedad de productos, para lo que usan toda una serie de técnicas artísticas y gráficas.
El diseño gráfico como objeto de estudio
Comprender la función del diseño gráfico en la actualidad, involucra a diversas áreas del saber, en la indagación de un entramado fenomenológico de difícil interpretación. Actualmente, el entendimiento —ordenado y procesado— sobre la información relacionada al mundo del diseño gráfico y sus producciones, incluye una variedad de elementos visuales que el investigador no puede obviar: libros, obras de arte, entramados urbanos, arquitecturas, objetos (domésticos, industriales, lúdicos o estéticos), campañas publicitarias, señaléticas y diseño de modas; conjunto que compone un maravilloso mundo objetovisual. La incorporación de la fotografía primero y de las técnicas multimedia después, sumado a los adelantos de la revolución industrial, representaron novedosos componentes estructurales que renovaron las bases de lo entendido como tal, acorde a las exigencias de un sistema de producción editorial floreciente, un mercado de objetos industrializados en ciernes, una ilusoria necesidad estética convertida en moda para la decoración y la exhibición de un mundo artificial emanado de una cultura de masas avasallante.
En este sentido lo más importante antes de poder hablar, aplicar nuevas técnicas, estudiar e investigar con la debida propiedad sobre diseño gráfico, es conocer qué es diseño. Doblemente significativo es que el objeto de estudio se presenta «casi con vida» y en tiempo real frente a todos (incluidos los invidentes y su sistema braille). Lo diseñado, por lo tanto, comunica mucho más cuando se lo tiene ante los ojos (e incluso al oído y tacto). Pero también puede hacerlo a distancia, gracias a las mejoras en la calidad de medios reprográficos, con lo cual se logran avances en la incursión multimedia. Es recomendable enterarse sobre los procesos de producción que generan su estructura «poética». Para ello, se pueden contactar empresas y talleres tipográficos, editoriales, imprentas, laboratorios de medios audiovisuales y fotográficos, zonas industriales que fabrican papel y pintura, museos temáticos y si las posibilidades lo permiten, observar técnicas de trabajo de otros diseñadores gráficos. Se puede visitar su estudio particular, el taller de trabajo grupal o las escuelas donde se imparte docencia. Estudiar modos de proyectar y bocetar, definiciones relacionadas a diversos soportes y formatos, técnicas gráficas de impresión, uso de la fotografía, de herramientas digitales (diseño asistido en computadora), métodos manuales, artesanales o en formato digital 3D, etc. Y revisar al mismo tiempo documentación ilustrada, tarea simplificada gracias a los avances de la tecnología informática y de la red, al alcance de los investigadores. 11
Los variados resultados en diseño gráfico son producto de un autor que trabaja (individualmente o en equipo), y se debate entre el trabajo intelectual por un lado, y un esfuerzo práctico de ensayo y error por el otro, además de imprimir a su trabajo cualidades intrínsecas de carácter semántico, adquiridas como resultado del perfeccionamiento profesional. El diseñador puede trascender al territorio del arte, mediante técnicas tradicionales o digitales, para revertir su función de comunicador y creativo. Cuando reflexiona y decide que su proyecto debe expresarse más allá de lo convencional, le imprime significados experimentales. Esto es creatividad, una moción en sí misma con un valor dual: crea mensaje al tiempo que diseño. Es en ese momento cuando lo planteado deja de ser sólo un signo primario, pasando de un estado de valores a otro, generando una renovada estructura cognitiva dentro de su cultura transformada en iniciativa o proyecto, que comunica bajo premisas de un nuevo paradigma contemporáneo. Dentro de este proceso, se debe pensar cómo han influenciado los grandes avances de creatividad y producción en el mundo de la imagen contemporánea —después de la segunda mitad del siglo XX y con mayor intensidad a partir de la década de los noventa—, gracias a la incorporación definitiva de los medios electrónicos y herramientas digitales, proceso que gradual e inevitablemente fue aplicado tanto al arte como al diseño gráfico.
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Oportunidades del diseñador gráfico para ejercer de manera profesional. Estudiar diseño gráfico también abre las puertas a otras profesiones no tan habituales, pero igual de creativas e inspiradoras. A continuación hablamos de algunos ejemplos.
Los profesionales y amantes de esta disciplina pueden encontrar diversos tipos de oportunidades laborales en el departamento creativo o publicitario de cualquier tipo de empresa. También en agencias publicitarias o de marketing que busquen profesionales del diseño digital. Por otro lado, el diseño editorial también puede ser una salida profesional en este ámbito. También el diseño de packaging: se trata de un aspecto que llama la atención del cliente desde el primer momento. Por lo tanto, debe ser diseñado teniendo en cuenta todos los detalles. El diseño web, y todo lo que esto implica, también es una disciplina con alta demanda y gran popularidad hoy en día.
Profesionales en diseño y retoque fotográfico. Se trata de una oportunidad laboral para aquellos apasionados de la fotografía que hayan decidido estudiar diseño gráfico. UX Designer. Se trata de una profesión que consiste en idear y diseñar aquellos elementos de una página web o plataforma digital que determinarán la experiencia del usuario. Es una profesión con alta demanda. Esto se debe a la gran importancia que ha adquirido la página web como método de captación de clientes. Modelador 3D. Una profesión para aquellas personas que han decidido estudiar diseño gráfico y especializarse en el diseño audiovisual.
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Promedio mensual de ingresos
Como freelance: Casi 50 % de los freelancers en América Latina obtiene un ingreso mensual de 300 dólares, unos 5 mil 700 pesos; en tanto, sólo 1.1 por ciento logra ganar entre 3 mil y 4 mil dólares, es decir, de 57 mil a 76 mil pesos mensuales. Aquí está el balance. Ingreso mensual de los freelancers: 46.9% gana 5 mil 700 pesos. 24.3% gana 9 mil 489 a 28 20.9% gana 5 mil 700 a 9 6.63% gana 28 mil 431 a 56 1.1% gana 56 mil 844 a 75 0.2% gana 75 mil 786 pesos.
mil 412 pesos. mil 470 pesos. mil 825 pesos. mil 767 pesos.
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Como empleado El sueldo nacional promedio de un Disenador grafico es de MXN$15,770 en México. Como parte de un equipo de investigación El salario mensual bruto de un investigador/a asociado puede variar de $ 25,163.65 a $28,425.45 según la categoría obtenida y la disponibilidad de categorías vacantes de la institución.
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Como gestor de proyectos El salario promedio de un gestor de proyectos en México es de 163,200$ al año o 83.69$ por hora. Los cargos de nivel inicial comienzan con un ingreso de 111,000$ al año, mientras que los profesionales más experimentados perciben hasta 300,600$ al año.
Diseño de información
El DI puede definirse como el arte y la ciencia de preparar la información, de modo que pueda usarse por los humanos con eficacia y eficiencia. Horn (1999a) define los objetivos del DI, de un modo holístico, como la conexión entre la información, el pensamiento humano y el uso. A su vez, identifica tres requisitos de un buen DI, El diseño de información (DI) tiene una gran variedad de raíces disciplinares, entre las que se incluye el diseño de interfaces, la comunicación visual, la presentación de la información, la tipografía y la psicología educativa. Cada disciplina necesita de el DI desde perspectivas diferentes. ¿Qué ventajas ofrece el diseño de información? El primer requisito del DI es que los documentos que transmiten información deben ser comprensibles. Horn afirma que la compresibilidad de un documento se puede evaluar mediante el examen del lenguaje visual subyacente que lo compone. Horn desarrolla una metodología de lenguaje visual llamada “sistema argumentativo”. Sistemas interactivo: Desde la perspectiva de la información, los sistemas interactivos implican la visualización de todos los elementos de la interacción, lo que incluye el entorno social, el estado cognitivo del usuario, el sistema de diseño y la operación del programa. Los sistemas interactivos deben centrarse en el ser humano y ser adaptables. Esto significa que la configuración cultural y social se debe centrar en el diseño y que los ordenadores deben adaptarse a las habilidades humanas y no al contrario. El diseño centrado en el ser humano debería realizarse a través de herramientas adaptadas que dieran una vista de la información coherente, global, manejable, propia, comunicativa, receptiva y panorámica, a la vez que evitará la sobre-estructuración de la información. Espacios de información navegables: Cuando los espacios informativos se diseñan, deben ser navegables para los usuarios. Por analogía con la navegación real, se debe diseñar la información conectando las tareas con el modo de encontrar el camino y de poner señales.
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Aplicaciones del diseño de información y la Visualización de datos
La visualización de datos es la representación gráfica de información y datos. Al utilizar elementos visuales como cuadros, gráficos y mapas, las herramientas de visualización de datos proporcionan una manera accesible de ver y comprender tendencias, valores atípicos y patrones en los datos. En el mundo del big data, las herramientas y tecnologías de visualización de datos son esenciales para analizar grandes cantidades de información y tomar decisiones basadas en los datos. Es difícil pensar en un sector profesional que no se beneficie de hacer que los datos sean más comprensibles. Cada campo STEM (siglas en inglés de ciencia, tecnología, ingeniería y matemáticas) se beneficia de la comprensión de los datos, y también lo hacen los campos de gobierno, finanzas, marketing, historia, bienes de consumo, industrias de servicios, educación, deportes, etc. Diseño de información La esencia del diseño de información es analizar, organizar, entender, solucionar y diseñar, y su principal objetivo es la traducción de información compleja, datos no organizados ni estructurados, en información con sentido y de fácil acceso. Este proceso no está sustentado en la creación de soluciones estéticas o novedosas, también pueden ser un servicio, una estrategia de comunicación, o una forma de pensamiento. El componente estético ocupa un lugar secundario. Entendimiento, análisis, definición de estrategias y metodologías, y organización. Sus presentaciones más comunes son: tablas, gráficos, mapas, diagramas o líneas del tiempo.
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Dualidad entre el código y la identidad Identidad: La identidad es la representación o imagen conceptual que un espectador tiene de una organización o de una empresa, la imagen corporativa es una parte de la identidad corporativa que hace referencia a los aspectos visuales de dicha representación. Código: Ferdinand de Saussure dijo que los signos no son significativos de forma aislada. El significado proviene de interpretar signos en relación el uno con el otro. Cada palabra es un signo compuesto por signos individuales en las letras que incluyen. El alfabeto o abecedario es un código lingüístico que permite la comunicación escrita, pero la tipografía ofrece códigos visuales. El mismo abecedario pero con diferentes tipografías puede transmitir conceptos como sobriedad, elegancia, diversión, sencillez o audacia.
La identidad corporativa no trata sólo del logotipo de la empresa, la identidad corporativa es la imagen, las sensaciones, las emociones, la filosofía y los valores que la empresa transmite al exterior y por extensión, la representación de todo ese conjunto de elementos que nosotros como espectadores percibimos ella.
Por sí solas, las letras no son particularmente significativas, pero cuando se combinan forman palabras que adquieren significado. El significado de las palabras cambia según la forma en que se combinan y el orden que se les da. De manera similar, en el diseño gráfico, conceptos como formas, colores, puntos, líneas o texturas no tienen un significado por sí mismos. Los códigos en el lenguaje visual para diseño gráfico son una herramienta indispensable para crear mensajes en forma de un logotipo, un brochure, una valla, una ilustración o una página web.
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Principales áreas de especialización del diseñador gráfico Diseño multimedia Un desarrollo multimedia es el núcleo de trabajo de todo proyecto multimedia y trabaja los aspectos clave para la creación de un producto o servicio completo, que cumpla de manera eficaz y eficiente los objetivos fijados y responda con la mayor calidad posible a todas las áreas y principios de las disciplinas que se han aplicado para crearlo, desde la programación hasta el diseño de interfaces. Diseño editorial Se encarga de maquetar y componer todo tipo de formatos para publicar. Por ejemplo: Libros, revistas o periódicos. El diseño de la publicación debe ser atractivo, que llame la atención del usuario, y además, funcional. La labor del diseñador pasa por captar la esencia del contenido y plasmarlo en su formato. Diseño web El diseño web implica trabajo relacionado con el layout y diseño de páginas online, así como la producción de contenido, aunque generalmente se aplica a la creación de sitios web. En este caso, los diseñadores web crean las páginas utilizando lenguajes de marcado como HTML o XML. Por lo tanto, es común que los diseñadores web utilizan ambos para construir un site porque juntos definirán cómo aparecerán las páginas en los navegadores. 20
Diseño de aplicaciones web o apps móviles El diseño de apps no es sólo estética, comprende una gran suma de decisiones para que la app sea aceptada de manera favorable por los usuarios. Por un lado, la UX enfoca el diseño pensando en el usuario y por otro la UI tiene como objetivo optimizar la capa externa de la app. Nuestro equipo de diseño de apps tiene un peso fundamental en la creación de las aplicaciones de nuestros clientes. Diseño textil La serigrafía es una técnica de impresión empleada en el método de reproducción de documentos e imágenes sobre cualquier material, y consiste en transferir una tinta a través de una malla tensada en un marco. El paso de la tinta se bloquea en las áreas donde no habrá imagen mediante una emulsión o barniz, quedando libre la zona donde pasará la tinta. Diseño de packaging El diseño de packaging es la carta de presentación del producto, cuyo principal objetivo es captar la atención del consumidor y actuar como medio de comunicación.
Diseño de interfaz de usuario (UI) La UI (por sus siglas en inglés User Interface) o en español Interfaz del Usuario, es la vista que permite a un usuario interactuar de manera efectiva con un sistema. Es la suma de una arquitectura de información, patrones de interacción yelementos visuales Diseño de experiencia de usuario (UX) El Diseño de Experiencia de Usuario (Diseño UX, y User Experience Design en inglés), se refiere a un área en el diseño web que tiene como objetivo analizar con precisión las necesidades del usuario con el fin de implementar los resultados en la interfaz amigable de una aplicación de un sitio web o un programa de escritorio. Diseño en arquitectura informacional LaArquitectura de la Información es la disciplina encargada del estudio, análisis, organización, disposición y estructuración de la información en espacios de contenidos y de la selección y presentación de los datos en los sistemas de información interactivos y no interactivos.
Diseño publicitario El Diseño publicitario es una rama del diseño que combina lo visual con el marketing. Es una especialidad que se centra en que cada proyecto no solo resulte agradable a la vista, sino que también tenga la capacidad de atraer al público e incentivarlo a comprar o contratar un servicio determinado. Diseño tipográfico El diseño tipográfico es el término que hace referencia a las familias, tamaño de letras, los espacios entre ellas, interlineados y medidas. El diseño tipográfico se considera la columna vertebral del diseño. 21
10 Diseñadores Gráficos que tienes que conocer Foto de Dids en Pexels
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Milton Glaser Es uno de los diseñadores más célebres de Estados Unidos. Sus múltiples trabajos, caracterizados por un lenguaje visual, creativo y conceptual, lo han convertido en una figura clave en el campo del diseño gráfico. Con una excepcional trayectoria, Glaser ha recibido diversos reconocimientos por su aportación a la práctica contemporánea del diseño y actualmente continúa en activo a través de su compañía Milton Glaser Inc. Milton Glaser ha realizado infinidad de trabajos relacionados no solo con el diseño editorial, sino también con la identidad corporativa (logotipos, folletos, carteles, informes), diseño de interiores (centros comerciales, restaurantes hoteles, empresas locales) e ilustración (más de 300 pósteres sobre música, teatro, cine, organizaciones internacionales). En la década de los 70 Milton Glaser creó uno de sus logotipos más populares, ‘I Love New York’, desarrollado como campaña para promover el turismo y que acabó convirtiéndose en un popular icono de la ciudad. Esta gran trayectoria y evolución profesional ha consagrado a Milton Glaser como uno de los grandes maestros del diseño, especialmente por su importante aportación durante la segunda mitad del siglo XIX. Su capacidad creativa y sus habilidades en comunicación visual lo han llevado a conseguir numerosos galardones de prestigio. Actualmente Milton Glaser está representado de forma permanente en diversas exposiciones, entre ellas, en el Museo de Arte Moderno de Nueva York (MoMA).
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Stefan Sagmeister Stefan Sagmeister estudió diseño gráfico en Viena para, posteriormente, con una beca, hacerlo en el Pratt Institute en Nueva York. Antes de abrir su propio estudio trabajó en China, entre otras, para Leo Burnett. Su trabajo es especialmente famoso en el mundo de la música, puesto que es el responsable de portadas de discos de artistas y grupos de la talla de Lou Reed y The Rolling Stones. Además de por sus portadas, Sagmeister es conocido por el uso que hace de la ironía y los juegos visuales. También por experimentar con las tipografías. Por este mismo aspecto se conoce al británico Nigel Holmes, al que además se le considera como uno de los padres de la infografía tal como la conocemos en la actualidad. Comenzó a trabajar en la década de los 70 del año pasado, y a finales de dicha década cambió de continente. Se mudó a Nueva York y se dedicó a crear el departamento gráfico de Time, una de las revistas más prestigiosas del mundo. No salió de allí hasta 16 años después, cuando fundó su compañía de diseño. Su estilo utiliza sobre todo las siluetas, con trazos gruesos negros y escasa variedad de color. Sus mejores años como diseñador fueron los que marcaron el ascenso de los ordenadores. En concreto, de los Mac de Apple, compañía para la que también trabajó. Además, también lo ha hecho para Nike, Sony y Visa.
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Saul Bass Saul Bass nació en la ciudad de Nueva York, un 8 de mayo del año 1920.Desde temprana edad demostró inclinaciones hacia el arte las cuales las canalizaba a través del dibujo. Estudió en el Artes League de su ciudad natal y también en el Colegio de Brooklyn. En tanto, sería en este último establecimiento educativo que se contactaría con el diseñador húngaro Gyorgy Kepes, responsable de la iniciación de Bass tanto en el constructivismo ruso como en el estilo Bauhaus, dos claras influencias en su arte. En un comienzo trabajó en relación de dependencia para varias agencias de diseño, en tanto, en el año 1950, ya mudado a la ciudad de Los Ángeles , abre su propio estudio de diseño. En los primeros tiempos, el estudio de Bass se dedicaba con exclusividad a la publicidad hasta que el séptimo arte golpeó su puerta. Su nombre está ligado a algunos de los mejores títulos de crédito de la historia, como sus conocidas composiciones para las películas de Alfred Hitchcock (Psicosis, Con la muerte en los talones) o Martin Scorsese (Uno de los nuestros), entre otros. En cierta manera, Saul Bass introdujo el movimiento y el ritmo en el diseño gráfico, pronosticando la importancia actual que tienen los motion graphics dentro de las artes visuales. Por si fuera poco, Bass es el responsable de algunos de los carteles cinematográficos más celebrados del mundo, y de algunas de las identidades corporativas más recordadas de todos los tiempos.
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Nigel Holmes De nacionalidad inglesa, comenzó su carrera a principios de los años 70 como diseñador de revistas y diarios en su Londres natal, pero en 1977 viajó a Nueva York para crear el departamento de gráficos de la revista Time. Desde allí se convirtió en uno de los precursores de la infografía moderna y 16 años después creó su propia empresa, Explanation Graphics. Su estilo, basado en siluetas, líneas negras gruesas y uso muy limitado del color, se fortaleció en la década de los ochenta cuando las primeras computadoras Mac comenzaron a llegar a las redacciones de la revista Time, pues según Holmes, era fácil trasferir sus trabajos en papel a la máquina. Ha dado servicio a firmas de la talla de Apple, Sony, Nike o Visa. Es un infografista autorreferencial: un entusiasta de los iconos y los pictogramas que optó, desde muy temprano, por convertirse en una de sus creaciones. Sus gafas redondas, de color azul; sus camisas y pantalones, invariablemente del mismo color; su característico peinado... Todo es parte de una imagen fácilmente reproducible en forma de caricatura de trazos geométricos, como él mismo demostró en la entrevista que le hizo Steven Heller, director de Arte de The New York Times, publicada como libro hace cinco años. Este autorretrato resume las habilidades que Holmes considera esenciales para el diseñador de información y el periodista visual: la curiosidad, la capacidad de escribir y representar gráficamente, el buen humor y el entusiasmo por la comunicación, por delante de los conocimientos técnicos y del estudio de la historia de la profesión.
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Michael Bierut Michael Bierut Usualmente se lo relaciona a a Michael Bierut con la “democratización del diseño” gracias a su enfoque ubicuo y único en el cual allanó el camino para un diseño “accesible” por el cual lograba que leer y consumir contenido sea vuelva algo fácil y atractivo, utilizando una técnica de diseño vanguardista y directa. estudió diseño gráfico en la Facultad de Diseño, Arquitectura, Arte y Planificación de la Universidad de Cincinnati, y se graduó summa cum laude en 1980. Trabajó durante diez años en Vignelli Associates antes de unirse a Pentagram como socio en 1990. Sus clientes en Pentagram incluyen The New York Times, Saks Fifth Avenue, The Robin Hood Foundation, MIT Media Lab, Mastercard, Bobby Flay Bold Foods, Princeton University, New York Jets, Brooklyn Academy of Music y Playwrights Horizons. Como voluntario del equipo de comunicaciones de Hillary Clinton, diseñó el logotipo H que fue omnipresente a lo largo de su campaña presidencial de 2016.
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Paula Scher Paula Scher es una de las diseñadoras gráficas más influyentes del mundo. Descrita como la “maestra en conjurar lo familiar instantáneamente”, Scher se extiende a ambos lados de la línea entre la cultura pop y las bellas artes en su trabajo. Icónica, inteligente y accesible, sus imágenes han entrado en la lengua vernácula estadounidense. Paula Scher fue la primera mujer en estar en una posición principal en la aclamada empresa de diseño gráfico “Pentagram” y por muy importantes razones. Scher ha sido socia de la oficina de Pentagram en Nueva York desde 1991. Comenzó su carrera como directora de arte en la década de 1970 y principios de la de 1980, cuando su enfoque ecléctico de la tipografía se volvió muy influyente. A mediados de la década de 1990, su identidad histórica para The Public Theatre fusionó lo alto y lo bajo en una simbología completamente nueva para las instituciones culturales, y sus colaboraciones arquitectónicas recientes han reinventado el paisaje urbano como un entorno dinámico de diseño gráfico dimensional. Sus identidades gráficas para Citibank y Tiffany & Co. se han convertido en casos de estudio para la regeneración contemporánea de las marcas estadounidenses. Scher ha desarrollado sistemas de identidad y marca, materiales promocionales, gráficos ambientales, diseños de empaques y publicaciones para una amplia gama de clientes que incluye, Bloomberg, Microsoft, Bausch + Lomb, Coca-Cola, Shake Shack, Perry Ellis, el Museo. of Modern Art, Sundance Institute, High Line, Jazz at Lincoln Center, Metropolitan Opera, New York City Ballet, New York Philharmonic, New Jersey Performing Arts Center, New 42nd Street, New York Botanical Garden, el Museo Conmemorativo del Holocausto de los Estados Unidos, el Museo de Arte de Filadelfia, la Fundación Robin Hood y el Departamento de Parques y Recreación de la ciudad de Nueva York. 28
Massimo Vignelli Massimo Vignelli fue un importante y afamado diseñador gráfico e industrial italiano del siglo XX. Trabajó en varios trabajos importantes de diseño, diseño de muebles, diseño de salas de exposición y diseño de almacenes. Creó su propia firma, Vignelli Associates, junto con su esposa. Basó su obra en el modernismo y simplicidad, que se manifiesta a través de su gusto por el uso de diseño geométricos. Nació el 10 de enero de 1931, en Milán. Asistió a una escuela de en Brera, antes de obtener su título de arquitectura en la universidad porno de Milán. Durante los años 1953 y 1957, asistió también a la Escuela de Arquitectura en la universidad de Venecia. En los comienzos de su carrera profesional, su área de especialización será el diseño gráfico para la creación de productos e identidades corporativas. A finales de la década de 1950, obtuvo una beca para estudiar en Estados Unidos, concretamente en Towle Silversmiths, Massachusetts y en el Instituto de diseño de Chicago. Considerado por muchos como uno de los diseñadores más influyentes del siglo pasado, Massimo Vignelli era un autoproclamado “arquitecto de la información” que se esforzó por condensar grandes ideas en formatos comprensibles y de forma que el público pueda entender mejor por medio de sus diseños. Un claro ejemplo de su estilo de diseño fue en 1972 al rediseñar el mapa del metro de la ciudad de New York, un diseño abstracto, que fue muy debatido, pero que finalmente resultó sumamente eficaz. 29
Alan Fletcher Alan Fletcher cambió la forma en que el diseño era pensando. Su tipografía expresiva, el uso de colores llamativos y un fuerte lenguaje visual, ayudaron a que se abriera el camino para que el diseño gráfico fuera considerado un elemento clave y crucial para las empresas y no una mera decoración extra. Alan Gerard Fletcher (27 de septiembre de 1931 – 21 de septiembre de 2006) fue un diseñador gráfico británico, calificado por el Daily Telegraph como “el diseñador gráfico más elevado y probablemente el más prolífico de su época”. Fletcher nació en Nairobi, Kenia, Luego volvió a Inglaterra a los 5 años con el resto de su familia, cuando su padre estaba en estado terminal. Fletcher vivió con sus abuelos en Shepherd’s Bush, Londres del oeste, antes de ser evacuado en 1939 al Christ’s Hospital en Horsham. Estudió en la escuela de arte Hammersmith a partir de 1949, después en la escuela central del arte, en donde estudió bajo la tutela de Anthony Froshaug y conoció a Colin Forbes, Theo Crosby, Derek Birdsall y a Ken Garland. Después de un año de enseñar inglés en Barcelona, volvió a Londres a estudiar en la Royal College of Art de 1953 a 1956, donde conoció a Peter Blake, Joe Tilson, Len Deighton, Denis Bailey, David Gentleman y Wellington Dick Smith.
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Jacqueline Casey Reconocida diseñadora gráfica por sus carteles influyentes inspirados en Suiza, Jacqueline ayudó a comprender la importancia de utilizar un diseño limpio, fuerte y con un significado de gran impacto. Estudió Bellas Artes y Moda en el Massachusetts College of Art. Después de graduarse, fue contratada para trabajar en la Oficina de Publicaciones del MIT. En 1972, se convirtió en la directora. Casey nació en 1927 en Massachusetts. Estudió una licenciatura en bellas artes en diseño de moda e ilustración en el Massachusetts College of Art (MassArt), donde se graduó en 1949. Después de graduarse, tuvo varios trabajos como diseñadora de interiores y publicista. En 1955, fue reclutada por la alumna de MassArt, Muriel Cooper para trabajar en la Oficina de Publicaciones del MIT. En 1972, Casey se convirtió en directora, asumiendo este puesto cuando Muriel se unió a la facultad del MIT. Las dos mujeres estaban entre las pocas que trabajaban en este nivel profesional en el MIT de la época. Los carteles de Casey generalmente consistían en una llamativa imagen o tipografía audaz, acompañada de detalles informativos en texto pequeño. A menudo usaba juegos de palabras tipográficas y juegos de palabras visuales en su trabajo. Casey se retiró de su puesto de directora en 1989, pero continuó trabajando como becaria visitante en el MIT Media Laboratory. El trabajo de Casey se lleva a cabo en las colecciones permanentes de la Biblioteca del Congreso, el Museo de Arte Moderno de Nueva York y el Museo Cooper-Hewitt . Además, el MIT montó una exposición del trabajo gráfico de Casey en 1992 y nuevamente en 2012.
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Paul Rand Paul Rand Diseñador gráfico estadounidense, conocido por la cantidad de áreas en las que se desempeñó y sus importantes aportes a la profesión. Fue además pintor, conferencista, diseñador industrial y artista publicitario. Iniciador de la Escuela de Nueva York y referente del diseño gráfico. Uno de los grandes aportes de Paul Rand al mundo del diseño fue la eliminación de la redacción que ocupaba el primer lugar en los mismo, para ubicarlo en la misma posición que el diseño del arte, creando así un “todo” que combinado, funcionaba de una mejor forma a la hora de transmitir un mensaje. Paul Rand (cuyo verdadero apellido era Rosenbaum) nació en Bownsville (Brooklyn), en 1914; en una familia extremadamente religiosa, judía y ortodoxa, la cual prohibía la recreación de imágenes. A pesar de ello Rand era el encargado de pintar los carteles de los eventos de su escuela, y posteriormente consiguió la aprobación de su padre para estudiar, primero en el Pratt Institute (1929-1932), en la Parsons School of Design (1932-1933) y luego en el Arts Students League (1933-1934) con el profesor Georges Grosz. Siendo muy joven asume la dirección artística de las famosas revistas, Esquire (1935), Apparel Arts (1941) y Direction (1938 a 1945), en las cuales se destacan principalmente el diseño original de cubiertas. Gracias a su trabajo en Direction se da a conocer como un artista y diseñador innovador. Calificado por Lázsló Moholy-Nagy como imaginativo y capaz, además destacó su habilidad para utilizar el desarrollo tecnológico. “… Es un idealista y realista que usa el lenguaje de un poeta y un hombre de negocios. Piensa en términos de necesidad y función…”
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Empresas dedicadas al diseño gráfico Foto de Ketut Subiyanto en Pexels
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Estas son las mejores estudios de diseño gráfico
Sede : Londres Ubicación: Austin, Berlin, New York, San Francisco PENTAGRAM: El estudio de diseño de propiedad independiente más grande del mundo”, Pentagram es propiedad y está administrado por 25 socios, todos los cuales son líderes en la industria del diseño. Su lista repleta de estrellas de socios pasados y presentes incluye nombres como Alan Fletcher, Bob Gill, Paula Scher y Michael Bierut.
Sede: Londres Ubicación: New York, San Francisco. “Hacemos las cosas diferentes para marcar la diferencia”, dice la agencia de consultoría de marca, Wolff Olins. Su sólida reputación se ha prestado a una lista estelar de clientes, incluidos los Juegos Olímpicos de Verano 2012 en Londres, cuyo logo se rumoreaba que tenía un precio de $ 625,000. 34
Sede: San Francisco Ubicación: Bangkok, Beijing, Ciudad del Cabo, Chicago, Cincinnati, Dubai, Ginebra, Guangzhou, Hamburgo, Hong Kong, Estambul, Yakarta, Londres, Melbourne, Ciudad de México, Milán, Moscú, Mumbai, Nueva York, París, Seúl, Shanghai, Singapur, Sydney y Tokio Landor: En sus propias palabras, Landor es “la firma de consultoría de marca preeminente del mundo”. Con sede en San Francisco y oficinas operativas en 25 ciudades de clase mundial, este gigante del diseño tiene una de las listas de clientes más envidiables del planeta.
Sede: San Francisco Ubicación:Nueva York, Zúrich, Pekín, Berlín, Dusseldorf, Ginebra y Lausana Meta Design, una de las firmas de diseño líderes en el mundo, ha creado experiencias de marca convincentes durante más de 20 años. Desde reinventar el sistema de diseño Mac OS de Apple hasta colaborar en el empaque y la identidad de Adobe, resuena a nivel global que es difícil de igualar.
Sede: New York fue fundada por el gurú del diseño web Jeffrey Zeldman, Happy Cog mantiene felices a sus clientes de alto perfil con su impresionante diseño web, desarrollo y consultoría de experiencia de usuario. En sus propias palabras, Happy Cog es el estudio de diseño gráfico que “lo ayudará a elaborar su mensaje, dirigirse al público correcto, obligarlos a actuar y medir los resultados”.
Sede:Monterrey, México Ubicación: Ciudad de México y Tokio. Anagrama, un autoproclamado “grupo de inteligencia de marca”, es una firma internacional de marcas, arquitectura y software con una trayectoria estelar (y una clientela exitosa y de gran alcance para igualar). La empresa está impulsada por la unión, la creatividad y un proceso de flujo de trabajo orientado a plazos. Esencialmente, es una combinación ganadora de arte de espíritu libre y pensamiento racional.
Sede: Londres Ubicación: New York, San Francisco, Copenhague Pearlfisher se trata de “diseñar para la vida”, operando con una mentalidad que se centra en crear “ideas más simples, más ligeras y deseables para el futuro”. Con más de dos décadas de experiencia y una creciente lista de prestigiosos premios, el “grupo visionario” de Pearlfisher de futuristas, estrategas, diseñadores y realizadores ”han tenido un impacto duradero en el panorama global del diseño gráfico.
Sede: Londres Charlie Smith Design fue fundado en 2003 por el ex diseñador de Pentagram, Charlie Smith. Viniendo de una empresa de diseño gráfico de renombre mundial, no sorprende que su nuevo proyecto haya sido un éxito. Su equipo ofrece una gama completa de servicios que incluyen empaque y digital, y adoptan un enfoque orientado a los detalles, prestando atención a cada aspecto de cada proyecto de diseño, desde la elección del papel hasta los materiales utilizados.
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Sede: Barcelona Ubicaciones: New York, Paris y San Francisco Mucho tiene conciencia de que los diseños viajan más allá de la pantalla de la computadora: los diseños aparecen en el mundo que nos rodea, y los diseñadores deben tener cuidado de hacer que el mundo se vea estéticamente agradable. Además, se dedican a dar forma a cómo se percibe a sus clientes a nivel internacional. Su éxito en este sentido se demuestra a través de su asombrosa lista de clientes.
Sede: New York Chermayeff y Geismar y Haviv Los diseñadores Ivan Chermayeff y Tom Geismar son como dos Paul Rands menos conocidos. Comenzaron en 1958 y han trabajado para los clientes más grandes del mundo. Su trabajo es icónico y ha resistido la prueba del tiempo. Con la incorporación de Sagi Haviv en 2006, Chermayeff & Geismar & Haviv sigue fortaleciéndose y sigue dando forma a algunas de las marcas más grandes del mundo. 36
10 Libros que todo diseñador gráfico tiene que conocer
Foto de Ichad Windhiagiri en Pexels
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Psicología del color Eva Heller Editorial: CG 288 páginas Año:2010
Este libro explora la relación que los colores tienen con nuestros sentimientos y demuestra que no se combinan de manera accidental, pues sus asociaciones no son meras cuestiones de gusto, sino experiencias universales que están profundamente enraizadas en nuestro lenguaje y en nuestro pensamiento. Organizado en trece capítulos que corresponden a otros tantos colores distintos, el volumen proporciona una gran cantidad y variedad de información sobre los colores: desde dichos y saberes populares, hasta su utilización en el diseño de productos, los diferentes tests que se basan en colores, la curación por medio de ellos, la manipulación de las personas, o los nombres y apellidos relacionados con colores. La diversidad de este enfoque convierte la obra de Eva Heller en una herramienta fundamental para artistas, terapeutas, diseñadores gráficos e industriales, interioristas, arquitectos, diseñadores de moda, publicistas y todas aquellas personas que trabajan con los colores como herramienta fundamental. Un libro que se ha convertido ya en un clásico.
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Manual de tipografía John Kane Editorial GG 230 páginas Año:2012
Este Manual de tipografía es una introducción a todo lo que cualquier estudiante o profesional del diseño gráfico debe saber sobre tipografía para desarrollar una sensibilidad y unos conocimientos tipográficos bien fundamentados. El libro expone los principios básicos de la tipografía y principales aplicaciones mediante una equilibrada combinación de historia, teoría y práctica. Así, el lector encontrará en estas páginas desde la descripción de las partes de la letra o la clasificación de los diferentes tipos, a la explicación de cómo se compone el texto en la página o cómo funcionan los sistemas de retículas. Pero también encontrará una breve y reveladora historia de la tipografía así como numerosos ejemplos y ejercicios prácticos que pretenden ayudar a adquirir un conocimiento experiencial de la disciplina. Esta segunda edición revisa algunos contenidos de la primera e incorpora nuevos diagramas explicativos y nuevos materiales sobre la composición de textos, la elección de tipos y el uso del color. El libro se apoya además en un nuevo sitio web —www. atypeprimer.com (en inglés)— que alberga materiales adicionales y una serie de ejercicios prácticos.
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Historia del Diseño gráfico Philip Meggs, Alston Purvis Editorial: 578 páginas Año:2012
En su primera edición de 1983, La “Historia del diseño gráfico” recibió por parte de los miembros de la Asociación Americana de Editores la denominación de “hito en la historia de la edición”. En su cuarta edición, esta obra fundacional continúa su larga tradición de proveer un conocimiento equilibrado y completo. Proporciona un texto lúcido y pies de foto interpretativos, con cientos de imágenes a todo color y con la más avanzada información; e incluye un capítulo sobre el diseño de tipografía moderna. Esta recopilación histórica revela, entre otros temas, la invención de la escritura y los alfabetos, los manuscritos medievales, los orígenes de la impresión y la tipografía, el diseño gráfico renacentista, el movimiento arts and crafts, la gráfica victoriana y el art nouveau, el arte moderno y su impacto en el diseño, la identidad visual y las imágenes conceptuales, el diseño posmoderno y la revolución de la gráfica de los ordenadores.
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Las leyes de la simplicidad John Maeda Editorial:GEDISA 128 páginas Año:2006
La sencillez y levedad de artilugios como el iPod han popularizado la simplicidad. Pero en ocasiones, nos vemos atrapados en una paradoja: deseamos algo sencillo y fácil de utilizar, pero que sea capaz de realizar todas aquellas cosas complejas que deseamos que haga. En Las leyes de la simplicidad, John Maeda proporciona las claves: diez leyes que equilibran la simplicidad y la complejidad en los negocios, la tecnología y el diseño, pero también en la vida, pues según Maeda este libro expresa su lucha por comprender el sentido de la existencia desde su condición de tecnólogo humanista. Escrito con los mismos principios que postula, Las leyes de la simplicidad es un libro que se lee de una sentada, divertido y audaz no sólo por su provocativo, libre y lúdico enfoque de los problemas derivados de un mundo cada vez más complejo, sino por una prosa directa y clara que encarna a la perfección la máxima ley, la número 10, que Maeda denomina La única: “La simplicidad consiste en sustraer lo que es obvio y añadir lo específico”. Sea usted bienvenido a esta experiencia creativa.
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El arte de mirar hacia los dos lados Alan Fletcher Editorial: Phaidon Press 200 páginas Año: 2020
“EL ARTE DE MIRAR HACÍA LOS LADOS” Alan Fletcher, uno de los diseñadores gráficos más influyentes de su época, es uno de los socios fundadores de la mítica consultora independiente de diseño Pentagram. Como es de esperar, este libro roza prácticamente la perfección hablando de tipografías, espacios y demás elementos. Lo que más llama la atención de esta obra es que, para hacerlo, no repite ni una sola página tipográficamente. Fletcher describe este libro como una “colección de fragmentos”; hay más de 1.000 citas de otros diseñadores, escritores y artistas que le han servido como inspiración, además de gran cantidad de anécdotas. El libro no tiene ni principio ni final, está escrito especialmente para poder leerse desde cualquier página, sin importar desde donde se abra, y para dar una visión diferente a todo aquel que lo lea, no solo a los profesionales del ámbito del diseño, si no a un nivel más personal.
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Psicología para creativos Frank Berzbach Editorial: Gustavo Gili 192 páginas Año: 2013
Cumplir con los plazos de un proyecto, estar a la altura de las expectativas del cliente, trabajar en casa de forma disciplinada, trabajar por cuenta ajena sin perder la motivación, lograr jornadas laborales que no se extiendan hasta altas horas de la madrugada, priorizar y ordenar acertadamente el trabajo pendiente... ¿Eres diseñador, ilustrador o creativo y te has enfrentado alguna vez a cualquiera de estas situaciones? Los psicólogos definen la creatividad como “la producción de ideas novedosas y adecuadas en cualquier ámbito de la actividad humana”, pero la creatividad también es un oficio y, como tal, acarrea una serie de condiciones y situaciones laborales que no siempre son fáciles de llevar. En este libro, Frank Berzbach analiza con humor y lucidez los factores que condicionan el rendimiento y la capacidad creativa del profesional del diseño, y proporciona una serie de reflexiones y consejos prácticos para desenvolverse en el día a día laboral del estudio, la agencia o el aislamiento sin que decaigan los ánimos. Desde los ilustradores que trabajan solos en su casa hasta los directores de arte publicitarios que tienen a su cargo un gran equipo multidisciplinar, cualquier perfil de creativo encontrará en estas páginas un iluminador retrato del mundo laboral y una guía práctica para adquirir buenos hábitos de trabajo y no bloquearse a lo largo de la trayectoria profesional. 43
Como ser diseñador gráfico sin perder el alma Adrian Shaughnessy Editorial: INDEX BOOK 160 páginas Año: 2006
Los diseñadores gráficos se quejan constantemente de que no hay carreras prácticas que les guíen a través de dicha profesión. Ahora Adrian Shaughnessy, diseñador asesor y escritor dibuja desde las alturas de su experiencia y nos proporciona un manual. El objetivo de la mente independiente se dirige hacia jóvenes diseñadores que quieren ganar dinero haciendo un trabajo significativo pero quieren evitar trabajar como zánganos en proyectos desalmados. Ofrece un consejo directo de cómo establecer la profesión de diseñador y sugerencias prácticas (las cuales no se enseñan en la universidad), para tener un negocio con éxito.
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Diseño de marcas Alina R. Wheeler Editorial: Anaya Multimedia 336 páginas Año: 2018
Esta obra es un bestseller mundial. En su quinta edición, cada tema se ha organizado para que resulte fácil asimilarlo y ponerlo en práctica. Con la ayuda de esta guía, sólo necesitará ambición y pasión para que su marca destaque. Con los cinco pasos del método de Alina Wheeler, en pocas horas conocerá todos los secretos para diseñar marcas de éxito o para dar un nuevo impulso a las ya existentes. Abarca desde la investigación hasta la estrategia de” branding” , la ejecución del diseño, el lanzamiento y la dirección.” Diseño de marcas” es un compendio de herramientas para alcanzar el éxito en la creación de marcas y de métodos efectivos para conseguir inspiración: El 50 por ciento de su contenido es nuevo, más de 100 temas, listas, herramientas y diagramas relacionados con la creación de marcas, 50 casos prácticos que describen objetivos, procesos, estrategias, soluciones y resultados, más de 700 ilustraciones de puntos de contacto de marcas, más de 400 citas de expertos en creación de marcas, directores ejecutivos y gurús del diseño.
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El libro de ideas para el diseño gráfico:inspiración de la mano de 50 maestros Steven Heller, Gail Anderson Editorial: BLUME 128 páginas Año:2016 Sin datos complejos. Sin tecnicismos. Una introducción clara y accesible a algunos de los elementos fundamentales del buen diseño. Cincuenta maestros de esta disciplina ilustran diversas ideas creativas y técnicas para que usted las aplique a sus propios diseños. Experimenta y explora el mundo del diseño gráfico con esta guía imprescindible. Este libro no garantiza trascendencia ni innovación. De hecho, las probabilidades de auténtica innovación, de crear algo nunca visto, son muy pocas. Lo que este libro ofrece es una guía (subjetiva, todo hay que decirlo) sobre las diversas ideas, enfoques y temas que los diseñadores han utilizado y utilizan para realzar la calidad y la eficacia de sus trabajos. El diseño gráfico es una amalgama de diferentes componentes que da como resultado comunicaciones visuales y textuales informativas, amenas y con autoridad. El objetivo es que experimente con las herramientas que incluye el kit del diseñador gráfico; que no copie los ejemplos que se ofrecen, sino que tenga conocimiento de su existencia. Estas técnicas e ideas pueden ser opciones o influencias viables para su propio trabajo, y si además le ayudan a crear diseños gráficos realmente buenos, ¡mucho mejor! 46
Roba como un artista Austin Kleon Editorial: Aguilar 160 páginas Año:2012
Roba como un artista presenta diez principios que ayudarán a los lectores a descubrir su lado artístico y a tener una vida mucho más creativa. Nada es original, dice el autor, así que es mejor que aceptes las influencias, instrúyete en el trabajo de los demás, reimagina y mezcla tu propio camino. Encuentra un pasatiempo que ames y conviértelo en tu trabajo: escribe el libro que te gustaría leer y la película que te gustaría ver. Y pues, ya sabes... no te endeudes, come sano, actúa con sentido común, ¡y atrévete a ser aventado y osado! Un libro con las mejores ideas para quienes necesitan inyectar creatividad y vida en su rutina diaria. Austin Kleon, artista gráfico, deja clara una premisa: todos los artistas roban, toda la creatividad es reciclada, sólo tienes que descifrar quién eres y qué es tu trabajo. En un tono juvenil, fresco e irreverente y con ilustraciones, gráficas y esquemas hechos por el autor, Roba como un artista es la fuente más rápida y genial para encontrar inspiración y dejar el bloqueo creativo olvidado en un cajón. No importa si eres un artista gráfico, musical o de óleo, un artista de algún deporte, un escritor, pintor o diseñador... la creatividad se escapa fácilmente de cualquier mente. Sólo necesitas los diez pasos de Austin Kleon para poner en orden desde tu mente hasta tu escritorio y recuperar la creatividad y la confianza en aquello que creas. 47
10 Revistas de diseño que debes conocer Foto de Miguel Constantin Montes en Pexels
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a! Diseño
Nuestra primera revista que encabeza esta lista es una de las pioneras en el ramo del diseño gráfico. La actividad de a! Diseño comenzó por allá de 1991. En otras palabras lleva 28 años subsistiendo en el mercado editorial y dando difusión a todas las propuestas del diseño en México. Pero lo que más nos gusta de esta publicación es que siempre se reinventó, pues, cabe señalar que es una de las revistas más antiguas de diseño. Y esto se debe a que acerca a sus más de 48 mil lectores a tras disciplinas de la creatividad, como el diseño gráfico, el industrial; el diseño de moda; fotografías, publicidad, marketing, packaging, etc. Es un mundo de posibilidades. Por si fuera poco, desde hace 25 años, la publicación organiza el Congreso Internacional a! Diseño. Un evento que vincula a expertos en diversos rubros del diseño con el público. Asimismo, es un puente que conecta con los creativos del gremio y promueve las alianzas artísticas. Además, desde 1996 otorga un premio a lo mejor del diseño. El plus que por mucho la hace la mejor es que la revista trabaja en colaboración con universidades. En este sentido, los estudiantes de diseño pueden entrar en contacto con el mundo laboral gracias a las alianzas de la revista con agencias creativas.
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Picnic
Picnic es una publicación un poco más contemporánea. El primer ejemplar vio la luz por allá de noviembre de 2004 y está editada por Flavours, S.A. de C.V. De entrada, la revista jamás pasará desapercibida en un aparador de revistas, pues sus portadas siempre traen consigo propuestas bastante originales y creativas. El objetivo primordial de la publicación es acercar al público a la lectura. En segundo lugar, poner sobre la mesa a los artistas y actividades que conforman el amplio espectro cultural en nuestro país y en otras latitudes. Sumado a ello, cada número contiene los trabajos creativos del talento emergente. En este sentido, en su interior encontraremos una amplia propuesta en torno al diseño gráfico, las artes visuales, la tipografía, la fotografía y hasta la narrativa. Siempre conectados en torno a la cultura visual a lo largo y ancho de México.
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Matiz
Entre las mejores revistas también recordamos a Matiz. Una revista que, por allá de finales de los 90, fue una publicación novedosa tanto en su diseño como por su contenido. Para ser exactos su primera número salió en abril de 1997 y algunos ejemplares aún se pueden encontrar en puestos cercanos al metro Balderas. Aunque tuvo una muerte un poco prematura, la revista puso sacar 20 número bajo la dirección de Álvaro Rego García de Alba y la dirección de arte de Nacho Peón. Si nos pregunta, debemos decir que lamentamos mucho su extinción, pues llegamos a leer artículos sumamente interesantes en torno al diseño. Ejemplo de ello fue un número dedicado al diseño de tipografías en el que se hablaron de las herramientas básicas para su creación, así como un poco de su historia y demás aspectos. El plus lo ofrecía su enfoque, pues se avocaba más por entender la semiología y hasta el análisis retórico de un diseño, cosa que muchas revistas olvidan. Además, su target estaba centrado en los profesionales del diseño, mismos a los que se les ofrecían artículos que contribuyeran en su formación y conocimiento. Donde es más seguro que encuentren estos ejemplares es en la tienda MUMEDI del centro histórico.
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Código
La primera publicación de la revista Código ocurrió el 1 de enero de 2001 en un formato de revista bimestral. Sin embargo, a pesar de su temporalidad siempre la espera valdrá la pena pues en cada número ofrece una visión del diseño que se inclina más por la reflexión y crítica entorno a la escena la de la cultura y arte contemporáneos. Su formato en físico nos ofrece un tamaño poket fácil de leer y de portar. Asimismo nos ofrece un diseño sobrio con tipografías fáciles de leer. Pero, sin duda, lo que más nos gusta es su contenido. Pues abarca el diseño gráfico e industrial; así como el diseño de modas, el branding; música, exposiciones y demás componentes de la cultura. Por si fuera poco, la publicación es la responsable de la organización de eventos como la feria de arte Gallery Weekend México y la feria del libro de arte PaperWorks. En resumen, una revista comprometida con la difusión de nuevas propuestas, así como del diseño y el arte ya consolidados. Desde el industrial, el gráfico o el de interiores, las mejores revistas de diseño hablan de eso y más…
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Folio
Folio es una publicación mexicana que destaca por su amplio abanico de contenidos. Éstos se enfocan en varios tipo de diseño: el gráfico, el industrial, de modas e interiores. Si eres aficionado a la creatividad Folio seguramente superará tus expectativas. Lo que más nos encanta de esta revista son sus dos modalidades de temporalidad. Por una parte está la versión Volumen la cual se publica de manera bimestral. La otra es Prensa de diseño, misma que se distribuye cada catorce días y sin ningún costo. Por supuesto estos dos estilos ofrecen un tratamiento especial a los contenidos así como al diseño. En este sentido en el año 2013 la revista recibió el premio Quorum por ser de las mejores publicaciones con un diseño gráfico mejores revistas con un diseño gráfico de calidad. Y, ciertamente, su diseño y formatos son un deleite a la vista. Eso sin dejar del lado el compromiso de la publicación con la difusión de la creatividad mexicana. Esto la hace de las mejores revistas de diseño en México.
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Experimenta
Esta revista publicada en Madrid por primera vez en 1989 muestra la actualidad del diseño Gráfico, Arquitectónico, Industrial y Tecnológico de las formas más innovadoras. Se ha convertido en una revista referente en el ámbito profesional en más de 50 países, sobretodo aquellos de habla hispana. Con la creación de sus contenidos y su diseño, potencia la innovación cultural y desarrolla proyectos que aportan gran valor creativo. A su vez, impulsa las relaciones entre diversos sectores de la industria, diseñadores y estudiantes. Experimenta se publica trimestralmente en formato impreso y se complementa con un portal on line, desde donde se puede adquirir la revista en papel, en el que se difunden algunos de los contenidos de actualidad de la revista.
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Visual
Visual es un magazine de cairo professional basada en los ámbitos del diseño, la creatividad gráfica y la comunicación. Nació en Madrid en 1989 y que se caracteriza por su gran evolución a lo largo de su historia adaptándose al estilo de la época. La gráfica de la revista comunica visualmente de una forma muy particular que suele llamar la atención de los lectores. Visual no sólamente se centra en el diseño sino que también crea y difunde contenido sobre fotografía, arte, productos audiovisuales, ilustración, multimedia y nuevas tecnologías. En definitiva, Visual es la viva imagen de evolución de la cultura, las técnicas de expresión y el diseño. La revista se publica impresa cada dos meses y se puede adquirir mediante suscripción. En su portal web se encuentran diversos artículos atemporales que se van publicando, aproximadamente cada semana.
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Gràffica
Con un estilo algo más sobrio que las dos anteriores tenemos la revista valenciana Gràffica, que como su nombre indica, se centra en el diseño gráfico y la imagen aunque también trata otros ámbitos de la comunicación a pinceladas. A pesar de ser una revista muy joven, publicada por primera vez en 2009, está considerada una de las revistas españolas referentes a nivel profesional con una audiencia de alrededor de 500.000 lectores mensuales en España y Latinoamerica. Ofrece contenido de actualidad y nos informan sobre eventos y conferencias relacionadas con el diseño y la comunicación. Se puede comprar en varios puntos de venta alrededor de todo el país, que se indican en su página web. Puede encontrarse, por ejemplo en la Librería Medios en Barcelona o la Librería La Sombra en Madrid. Además la revista impresa se puede adquirir por suscripción en su página web donde también se puede encontrar parte del contenido publicado en la revista impresa.
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Mosaic
Mosaic es la revista de diseño y multimedia de la UOC (Universitat Oberta de Catalunya). A pesar de ser una revista enfocada a reforzar el contenido universitario de la oferta formativa de la universidad, es una revista fresca, joven y con la ambición de informar a sus lectores y lectoras sobre cualquier tema relacionado con la actualidad del diseño y la tecnología. De carácter transversal, Mosaic no se centra de manera específica en ningún ámbito del diseño y lo relaciona con las aplicaciones multimedia, la cultura, el mundo audiovisual y la tecnología. Ofrece entrevistas con profesionales del diseño, nos informa sobre la actualidad del sector con su noticiario e impulsa conferencias y congresos. Lo mejor de todo es que se trata de una revista online y gratuita, de esta manera es accesible a que todas y todos tengamos acceso a actualidad y contenidos de referencia sobre diseño y tecnología.
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Dúplex
Dúplex es una revista muy valenciana, pero no dirigida sólo a los lectores valencianos sino que trata de impulsar, a nivel nacional, el diseño creado en la Comunidad Valenciana. Está integrada, hasta tal punto, en el panorama nacional que incluso se ha convertido en un referente en cuanto a creación de contenido sobre diseño. La revista pertenece a DissenyCV, una revista de difusión digital y se caracteriza por tener un aire de desenfadado y familiar pero a la vez sobrio y profesional. La revista, sólamente en versión impresa, por ahora, se distribuye a diversas librerías de todo el país como; París-València (Gran Vía Marqués del Turia) y Espai Guastavino París-València (Gran Vía Marqués del Turia), Espai Guastavino (Colegio de Arquitectos de València), Atypical València y Dadá (MUVIM).
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Neo2
Esta revista, que cumple este 2019, 25 años de actividad, trata diversos ámbitos dentro del mundo de la cultura y uno de ellos es el diseño. No está especializada en este entorno, pero sí que tiene un apartado con varios artículos de actualidad sobre diseño generalista, interiorismo, gràfico y actualidad y tendencias del sector. Dentro del diseño, se centra mucho en la visión que tiene cada diseñador y artista. Se edita impresa bimensualmente y se distribuye a toda españa, latinoamérica y es traducida al inglés para, también, distribuirse a algunos países anglosajones.
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Yorokobu
Es una revista nacida en 2009 que trata sobre creatividad, innovación y diseño. Yorokobu trabaja en colaboración con el diario es para crear contenido de actualidad y tendencias en la cultura y el diseño de la forma más innovadora posible. Esta revista apuesta por la visibilización de los artistas y emprendedores, haciendo un hueco a todos aquellos que presenten proyectos creativos e innovadores. La revista es muy joven, dinámica y desenfadada y no dudan en usar el humor en sus publicaciones. Existe su edición digital y también en papel. La versión digital permite el feedback constante entre redactores y lectores. La versión impresa se edita mensualmente y se puede comprar en la web de yorokobu.
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10 Blogs que deberias conocer
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El blog de Mr. Cup - Graphic Exchange El blog Graphic Exchange sigue la vida, trabajo y viajes del diseñador gráfico freelance Fabien Barrar, mejor conocido como Mr. Cup. Desde 2006, Barral ha publicado más de 50,000 imágenes y tiene millones de visitantes internacionales en su blog cada año. En su sitio cubre todo, desde sus viajes al Offf Festival en Barcelona, su fascinación por los proyectos de deletreo, su afición por las historias de los billetes de banco de Estados Unidos. ¿
Designinspiration Un gran sitio para descubrir y compartir buenos diseños, Designinspiration crea y mantiene solamente contenido de alta calidad y fue creado en 2010 por el diseñador visual y empresario Shelby White. Es un buen sitio que estimula visualmente, te permite organizar y guardar las cosas que te gustan, y buscar por tema o etiquetas de color.
Awwwards Awwwards proporciona un lugar de encuentro único para inspirar. Un panel de expertos formado por creativos internacionales otorga premios para reconocer el talento y el esfuerzo de los mejores diseñadores web, desarrolladores y agencias en el mundo. A juzgar por el diseño, la usabilidad, la creatividad y el contenido, este sitio realmente celebra algunas de las mejores creaciones web del mundo, mientras fomenta la conversación y debates en el proceso. 62
Grain Edit Si estás en busca de inspiración a la vieja escuela, echa un vistazo a Grain Edit. Posee un enfoque de diseño clásico de los años 1950 a 1970 y diseñadores contemporáneos que se inspiran en ese período de tiempo, este sitio inspirará tu lado nostálgico. Con entrevistas, artículos y bibliotecas de los diseñadores, Grain Edit tiene un poco de todo para hacer que fluya tu imaginación vintage.
TDB - The Design Blog Iniciado en 2011 como inspiración personal del diseñador croata Ena Bacanovic, The Desing Blog rápidamente atrajo a más de un par de ojos. El joven diseñador selecciona cuidadosamente trabajos de alta calidad de diseñadores y estudios de todo el mundo, con un enfoque especial en diseñadores y estudiantes jóvenes. Tiene secciones diarias divertidas, como los lunes del diseñador de la semana o domingos de Dribbble, y una página de recursos que hacen al blog más atractivo. From Up North La revista digital actualiza el sitio para mostrar lo último sobre la industria y un escaparate de lo más atractivo para inspirar. Su actualización épica resalta gemas de todos los rincones de la web creativa y acorta las búsquedas por intereses. También puedes navegar a través de los contenidos originales de From Up North o echar un vistazo a la página de recursos (y, frecuentes descuentos) seleccionados. 63
Abduzeedo Fundado en 2006, este blog de diseño con nombre extraño significa secuestrado en portugués. Tiene artículos sobre arquitectura, diseño, fotografía y usabilidad de aplicaciones móviles; que son recopilados por un grupo de escritores individuales alrededor del mundo. Con fragmentos inspiradores, encontrarás opiniones libres, así como tutoriales que van desde la animación a Photoshop.
Design Clever Se trata de una galería cuyo objetivo es mostrar el trabajo de diseñadores de todo el mundo. No solo es ideal para inspirarte, también puede ofrecerte la posibilidad de darte a conocer, ya que cualquiera puede enviar su trabajo para que sea mostrado.
Good Design Makes Me Happy
Logo Design Love
Sí, empezamos con un blog que lleva sin actualizarse desde el pasado octubre porque su autor ha decidido tomarse un hiato. Sin embargo, el archivo de este blog se remonta a diez años y es un lugar ideal para echar una mirada atrás a las tendencias que han marcado la última década
Si necesitas inspirarte a la hora de crear un logo, este blog es el lugar ideal: desde estilos de logos hasta repasos por la historia de los más conocidos, incluso realiza análisis de símbolos que no estrictamente logos, pero de los cuales puedes sacar ideas, como los símbolos usados por los vagabundos.
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Maestrias y doctorados especializados en diseño
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Idep Barcelona Máster en Diseño Gráfico y Fotografía En el máster en Diseño Gráfico y Fotografía aprenderás a desarrollar proyectos complejos y globales de diseño gráfico (de identidad, editorial, packaging, etc.) con una metodología y procesos profesionales.
Idep Barcelona Master en Diseño Gráfico y Digital En el máster en Diseño Gráfico y Digital aprenderás a liderar grandes proyectos de diseño gráfico, desde la identidad o la creación de piezas editoriales hasta el desarrollo gráfico de una app o una web. idep Barcelona Máster en Diseño gráfico y motion design En el máster en Diseño gráfico y motion design aprenderás a desarrollar proyectos de diseño de identidad, editorial y de comunicación, y a dominar el software y el lenguaje audiovisual necesarios para potenciar tu concepto de la forma más efectiva.
Idep Barcelona Máster en Diseño Gráfico e Ilustración
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En el máster en Diseño Gráfico e Ilustración de Idep Barcelona aprenderás a desarrollar proyectos complejos y globales de diseño gráfico (de identidad, editorial, packaging, etc.) en los que la ilustración tenga un peso significativo.
Escuela Superior de Diseño de Barcelona Maestría Online en Diseño Gráfico Duración 12 meses (60 ECTS) Contenido: conceptualizar,realizar, proyectar
CUC Centro Universitario de Comunicación La Especialidad en Branding (Diseño de Marcas) Tendrá como objetivo principal el construir una marca publicitaria partiendo de los estudios formales de mercado y estudio del consumidor, pasando por la arquitectura de marcas, el diseño gráfico, las estrategias de comunicación y los medios.
UDEM Universidad de Monterrey La Especialidad en Diseño Editorial y Publicitario atiende la demanda actual de las empresas editoriales que requieren expertos en las áreas de mercadotecnia, diseño y comunicación, para marcar tendencia en los medios digitales e impresos y en el proceso editorial.
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Doctorado en Diseño y Estudios Urbanos Universidad Autónoma Metropolitana Objetivo Formar recursos humanos de alto nivel en las disciplinas del Diseño con conocimientos innovadores que les permitan contribuir al desarrollo científico, humanístico y tecnológico del país en campos tales como la práctica profesional, la docencia y la investigación.
Doctorado en Diseño Universidad Autónoma del Estado de México Objetivo El Doctorado en Diseño de la Universidad Autónoma del Estado de México busca formar recurso humano de alto nivel académico que realice investigación de vanguardia en el campo de los diseños arquitectónico, urbano, gráfico, industrial y de ingeniería civil para el desarrollo de la competitividad de las ciudades en el proceso de la globalización y en la sociedad del conocimiento.
El Doctorado en Diseño (IADE ) está orientado a la Tesis desde el primer día y se basa en la comprensión del gesto de la profesión. En IADE, los estudiantes tienen la oportunidad de estudiar e investigar diseño con diseñadores y unirse a una reconocida Unidad de Investigación de Diseño: UNIDCOM / IADE. Este programa de doctorado cuenta con un profesorado con amplia experiencia profesional y promueve una fuerte conexión entre el profesor y el alumno, fundamental en el desarrollo y orientación de la tesis doctoral.
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Doctorado en Diseño y Desarrollo de Productos Universidad Autónoma Metropolitana Objetivo Formar maestros y doctores de alto nivel académico en el ámbito del Diseño y Desarrollo de Productos que generen y difundan nuevos conocimientos que correspondan a las necesidades de la sociedad en relación con las condiciones del desenvolvimiento histórico.
Doctor en Diseño y Creación Universidad de Caldas El Doctorado tiene como objeto el estudio de la naturaleza y la práctica del diseño y la creación a través de la investigación y los procesos interdisciplinarios que se lideran desde el diseño, el arte, las ciencias y las tecnologías, a partir de los grupos de investigación existentes en la Universidad de Caldas, y apoyados en procesos experimentales que han desarrollado otros centros académicos nacionales e internacionales a través de investigaciones originales.
Doctorado en Diseño y Comunicación Centro: Unidad de Doctorado de BAU, Centro Universitario de Diseño de Barcelona y la Escuela de Doctorado UVic-UCC. El Programa de Doctorado en Diseño y Comunicación contribuye al crecimiento cualitativo de la investigación académica de alto nivel relacionada con las disciplinas
Doctorado en Multimedia y Diseño Tomas Bata University Republica Checa El programa de estudios de doctorado se centra en la actividad teórica y creativa independiente en el campo del arte. El estudio está dirigido a la investigación científica, las actividades experimentales y creativas en el campo dado, y el nivel de conocimiento alcanzado se prueba en un examen de doctorado.
Doctorado en diseño Información General Campus: IADA El doctorado en Diseño tiene como objetivo formar líderes en investigación del diseño, con conocimientos profundos sobre su discurso, producción e impacto social, que les permita contribuir al desarrollo regional y de la disciplina; formando recursos humanos capaces de lograr acercamientos interdisciplinarios hacia y desde el diseño para su aplicación en la práctica profesional y académica.
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