African modern art by africanmodernart

AFRICAN MODERN ART BETWEEN TWO CENTURIES

A PERSONAL COLLECTION

The African artist, whether famous or not, is always an element of change, as he represents the African realty with new eyes and not as everybody sees it or as the “conservative” canons of traditional art wants to represent it. To break with such canons is a step forward to a different Africa. L’artista africano, famoso o meno, è sempre un fattore di cambiamento in quanto rappresenta la realtà africana con occhi nuovi e non come tutti la vedono o come i ripetitivi canoni “conservatori” dell’arte tradizionale la vuole rappresentata. Il rompere con questi canoni è un passo avanti verso un’Africa diversa.

Content Pictures

Profiles

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John Takawira ..................…………….. 61 Fanizani Akuda ……………………….... 62 Nicholas Mukomberanwa ……….. 63 Alberto Chissano ………………...…… 64 Reinata Sadimba ………………..……. 65 Bertina Lopes …………………………….. 66 Idasse Malendza …………..……….….. 67 Naguib Abdula ………………….…….. 68 Isabel Martins ……………………….…... 69 Fátima Fernandes …………………...... 70 Pompilio Gemuce ………..………….. 71 Mulugeta Kassa ………………….……… 72 Tingatinga art ………………………..…… 73 Malangatana Ngwenya ……….….. 74 Ernesto Shikhani ………….…………… 75 Shadreck Simukanga …….………... 76 Rahwa Tesfai Ghermai …………….. 77 Meron Zekarias ……………………….... 78 Other artists Arms into art .................................... 79 5

John Takawira – “Woman in the wind “ – 1986 -springstone - cm.32

John Takawira – “Mainini (mother-aunt)“ - 1986 - springstone – h. cm.31

John Takawira – “Madzumi bull” - 1986 – serpentine – h. cm. 18

Fanizani Akuda – “Moon man” – 1985 – serprntine – h. Cm. 20

Nicholas Mukomberanwa – “Proud man” – 1985 – serpentine – h. cm. 23

Alberto Chissano – “Woman head” – 1992 - sandal wood – h. cm. 43

J. Matine – untitled – 2002 - wood sculpture – h. cm. 60

Artist unknown (Chissano’s school?) – “Hair in the wind” – sandal wood – 2002 – h. cm.50

Maconde artist – “Prisoner” – 2000 – wood sculpture . h. cm67

Maconde artist.- “Shetani” – 2000 – wood sculpture – h. cm. 67

Maconde artist.- “Shetani” – 2000 – wood sculpture – h. cm. 67 - (front)

Reinata Sadimba – “Tortois man” – 2000 – terra-cotta – h. cm.25

Reinata Sadimba – “Reclining woman” – 2000 – terra-cotta – cm.35

Reinata Sadimba – “Sitting woman” – 2000 – terra-cotta – h. cm.23

Reinata Sadimba – “Mother with children” – 2000 – terra-cotta – h. cm.28

Reinata Sadimba – “Standing woman” – 2000 – terra-cotta – h. cm.41

Bertina Lopes - “Succede brillantemente” – 1988 – oil on canvas – cm. 60x50

Bertina Lpopes . “If you see me screaming” (recto) – 1980 (?) – bronze – h. cm.30

Bertina Lpopes - “If you see me screaming” (verso) – 1980 (?) – bronze - cm.30

Bertina Lopes – “For Martina” – 1990 - collage with different materials – cm. 35x50

Idasse Malendza – « Magician » - 1982 – 0il on masonite – cm.70x85

Naguib Abdula - “Invocacao da paz” - 1986 – oil on canvas – cm.100x112

Naguib Abdula - “Amantes” - 1986 – print – cm.30x50

Naguib Abdula - “Grito de paz” - 1986 – print – cm.30x50

Isabel Martins – “Meninas com boneca” – 1989 - oil on canvas - cm. 70x90 (damaged on exhibition)

Isabel Martins – “Meninas com corda” - 1987 - oil on canvas - cm.70x90

Isabel Martins – “Mulheres na praia” – 1987 - oil on canvas - cm. 90x60

Fátima Fernandes . “Baia de Maputo” – 1982 . batik – cm. 120x80

Fátima Fernandes – N’Txuva – 1982 – print – cm.36x48

Pompilio Gemuce – “Meninas saltando corda” – 2005 – oil on canvas – cm.122x80

Mulugeta Kassa – “TV news on war” – 2009 – collage on plastic jerry can – cm. 30x30

Mwirya – “Coral reef fishes” – 2004 – enamel painting on canvas – cm.50x80

Malangatana Ngwenya – senza titolo - 1985 – screen print and water colour – cm.41x32

Malangatana Ngwenya – untitled – 1983 – print – cm.33x47

Malangatana Ngwenya – “Mulheres com fruta” – 1983 -print – cm.23x23

Malangatana Ngwenya – untitled – 1982 – print – cm. 48x36

Malangatana Ngwenya – “Novos caminhos” – 1986 - print – cm.48x36

Malangatana Ngwenya – untitled – 1983 – print – cm.62x44

Malangatana Ngwenya – “Viajantes nocturnos” – 1986 – print and water colour – cm.38x47

Ernesto Shikhani – “Homen invisivel” – 2002 – print – cm.50x70

Shadrek Simukanga – “At the market” – 1986 – oil on canvas – cm.50x75

Rahwa Tesfai Ghermai – “Rqpture” – 2002 – batik and gold ink – cm.45x43

Rahwa Tesfai Ghermai - untitled – 2001 – batik – cm.70x100

Rahwa Tesfai Ghermai – “Iman” – 2011 – print – cm.45x35

Rahwa Tesfai Ghermai – “Exile series - The way you make me feel” – 2011 – print – cm.70x40

Rahwa Tesfai Ghermai – “The eldest daughter” – print – cm.17x25

â&#x20AC;&#x153;Akuabaâ&#x20AC;?: traditional fertility doll (Ashanti, Ghana)

Maron Zekarias – “Boat in Massawa” – 2007 – oil on canvas . cm. 90x56

Jonas Tembe – “Market” - 2006 – watercolour – cm- 50x35

Jukheyo – “Papagaio sem asas” – 2002 – oil on canvas . cm.85x60

Nucleo de Arte, Maputo, Mozambique (artist unknown) – “Bird-gun” – 1998 – h. cm.56

Profiles

John Takawira (1938-1989). Born in Chegutu, he grew up in Nyanga, Zimbabwe (at the time named Rhodesia). Together with his brothers Bernard and Lazarus, he was led to sculpture by his uncle, Joram Mariga, at the age of twenty. Frank McEwen, the English artist and museum administrator, noticed his remarkable talent immediately and he became one of the first members of the Workshop School (to become later on the community of Shona sculptors at Vukutu). He began his career in an international context after the exhibition organized in 1971 by Frank McEwen at the Musée Rodin in Paris and soon became one of the most renowned African sculptor with works are exhibited at the British Museum and other prestigious collections. He frequently worked on very hard black springstone and was one of the first sculptors in Zimbabwe to experiment with the surface of the stone, combining polished areas with the unkept, powerful natural rough skin, or leaving evidence of his working methods in the marks etched onto the stone in moments of hurried insight. There is little imposition on the part of the artist his role being to assist in the emergence of the spirit from the stone itself. The traditional themes in Shona culture of the eagle as well as that of the skeleton-man and the baboon were his favorite motifs. Women play a very visible role in his work - with elongated necks and flowing hair, they look down on the viewer with a detached power. They embody the strong, creative and empowering personality so inspirational in his own mother. / (1938-1989) Nato a Chegutu e' cresciuto in Nyanga, Zimbabwe (allora Rhodesia) . Come i suoi fratelli Bernard e Lazarus fu iniziato alla scultura dallo zio Joram Maringa all'eta' di vent'anni. Frank McEwen, l’artista inglese e amministratore museale che più ha contribuito allo sviluppo della scultura Shona, noto' subito il suo notevole talento e ne fece uno dei primi allievi della Workshop School di Salisbury (oggi Harare) divenuta in seguito la comunità di scultori Shona nella fattoria di Vukutu. Ha iniziato la sua carriera nel contesto internazionale dopo la mostra organizzata nel 1971 da Franck McEvan al Museo Rodin di Parigi, divenendo presto uno dei più noti scultori africani con opere esposte al British Museum a in altre prestigiose collezioni. Prediligendo la dura pietra scura "springstone", e' stato uno dei primi artisti dello Zimbabwe a sperimentare la combinazione di diverse lavorazioni della superficie di una stessa statua, combinando il “non finito” con parti levigate, o lasciando i segni del suo metodo di lavoro nei colpi di scalpello dati nei momenti di urgenza ispirativa. Il suo ruolo appare limitato a far emergere lo spirito della pietra. I suoi temi favoriti sono i miti tradizionali della cultura Shona: l’aquila, l’uomo- scheletro e il babbuino. La donna ha un posto importante nella sua opera: con collo allungato e capelli al vento guarda lo spettatore con distaccato potere e rappresenta la personalità forte, creativa e dominante che gli fu di ispirazione nella sua stessa madre.

Fanizani Akuda (1932-2011) Born among the Chewa of Zambia he migrated to Zimbabwe in 1949 working as cotton picker, bricklayer and basket weaver. In 1967 he was offered work at the Tengenenge Sculpture Community to dig stone for the sculptors from the quarry. Initially, Fanizani refused to take up sculpting himself but was eventually persuaded to do so. He soon became a full time sculptor. His subjects matter is generally human and animal figures or animal groups. As an artist of the “first generation” he had a very distinctive style (later on widely adopted or copied in Zimbabwe): curved and rounded elements showing a pleasing naturalism. His work often shows a sense of humor: smiling or whistling faces with "slit eyes", one of his distinguishing features . His art reflects closeness to traditions related to people and to the natural and supernatural world. His human forms are often depicting the closeness of family ties typical of African societies. His animal forms are always created totally devoid of any malevolence or evil intent. He is a sculptor totally at peace with his creations. / (1932-2011) Nato fra i Chewa della Zambia immigrò in Zimbabwe nel 1949 lavorando come raccoglitore di cotone, muratore e cestaio. Nel 1967 gli fu offerto un lavoro di cavatore di pietra per i membri della Comunità di Scultura a Tegenenge. All’inizio rifiutò di fare scultura lui stesso, ma poi fu persuaso a farlo. Divenne presto scultore a tempo pieno. I suoi soggetti sono generalmente figure o gruppi di persone e animali. Come artista della “prima generazione” aveva uno stile molto particolare (poi adottato o copiato da tanti in Zimbabwe): linee curve e arrotondare davano alle sue opere un piacevole aspetto naturalistico. Le sue sculture mostrano spesso un senso umoristico: facce sorridenti o fischiettanti con occhi socchiusi, uno dei suoi tratti distintivi. La sua arte riflette la tradizione circa le persone e il mondo soprannaturale. La sue figure umane spesso raffigurano i vincoli familiari tipici della società africana. Le sue figure animali sono prive di malevolenza o intenzioni cattive. E’ uno scultore totalmente in pace con le sue creazioni.

Nicholas Mukomberanwa (1940-2002) He was born in a rural environment of Zimbabwe which was fundamentally to influence his later life and work. It was at the Serima Mission school where he was introduced to the discipline of wood-carving the images of formal worship (Christian) and those of traditional Shona mythology. In 1962 he met Frank McEwen who believed in allowing the natural, latent talents within the artist to emerge, with little formal guidance and 'training'. A constant searching for new forms of description has resulted in some quite fundamental changes in direction within his work. Using the hard black serpentine his later works show a more stylized, patterned use of geometric as well as clear, curvaceous lines, with a tendency to abstract forms. Thus he brought together the traditional folk symbols of his cultural identity with the abstract style of his imagination, to produce a body of work which has left an indelible mark on Zimbabwe’s contemporary art history. / (1940-2002) E’ nato e cresciuto nell’ambiente rurale dello Zimbabwe che è stato fondamentale nell’influenzare la sua vita successive e il suo lavoro di scultore. Alla missione di Serima è stato iniziato all’intaglio del legno nel produrre immagini di culto cristiano, ma anche della mitologia Shona. Nel 1962 ha incontrato Frank McEwan che credeva nel lasciar emergere dall’interno dell’artista i suoi latenti talenti naturali senza tanta guida o ‘scuola’ formale. La sua costante ricerca di nuove forme figurative è risultata in cambiamenti fondamentali nello stile del suo lavoro. Scolpiti nella dura pietra serpentina nera i suoi lavori più tardi mostrano un uso più stilizzato di linee sia geometriche che curve con una tendenza alle forme astratte. Con ciò di verifica una fusione di simboli del folklore tradizionale con lo stile astratto della sua immaginazione in un produzione artistica che ha lasciato un segno indelebile nella storia dell’arte contemporanea in Zimbabwe.

Alberto Chissano (1935 – 1994) Now recognized internationally, the sculptor Alberto Chissano followed the normal course of a Mozambican peasant child. He left for the city while still very young. There, he worked as a domestic servant and cook and later on as a miner in South Africa. His story only took a more individual turn when he returned to Mozambique. After serving in the Portuguese armed forces he got a job as a cleaner in an artistic association. Stimulated by what he saw there, and with the support of some experienced artists, he set to work and held his first one-man exhibition in 1964. He considers himself "an eloquent example of the dialectic exchange between African and European culture", which gives his works their power and expressivity. His inspiration is often drawn from the dramatic reality of the anticolonial struggle and the civil war that devastated Mozambique from 1975 to 1992. His house is now a Museum for his own works and those of other Mozambican sculptors who, not belonging to the prevailing Maconde wood sculpting culture, see him as a master, though they take their own way. Maconde sculptors have their own center in Maputo at the Cooperativa da Arte Maconde. / (1935 - 1994) Oggi riconosciuto a livello internazionale, lo scultore mozambicano Alberto Chissano da bambino ha vissuto la vita tradizionale del mondo rurale. Trasferitosi a Maputo ancora molto giovane ha fatto il domestico e il cuoco, per tentare poi la strada del minatore in Sud Africa. Tornato in Mozambico e completato il servizio militare nell'esercito portoghese fu assunto per fare le pulizie in un'associazione di artisti (il Nucleo de Arte). Stimolato da ciò che vedeva lì e con l'aiuto di artisti esperti cominciò a intagliare il legno. La sua prima mostra personale e' del 1964. Da allora non ha più smesso di essere scultore. Lui stesso si considerava "un eloquente esempio dello scambio dialettico fra le culture africana e europea", che da' alle sue opere una particolare forza ed espressività, spesso ispirata alla drammatica realtà del paese durante la lotta per l'indipendenza e la guerra civile che ha insanguinato il Mozambico dal 1975 al 1992. La sua casa è oggi un Museo delle sue opere e di quelle di altri scultori mozambicani che, non appartenendo alla prevalente tradizione Maconde, vedono in lui un maestro. Gli scultori Maconde hanno la loro sede a Maputo presso la Cooperativa d’Arte Maconde.

Reinata Sadimba She was born in Northern Mozambique in 1945. As daughter of a peasant family she received the traditional Maconde education including pottery for domestic use. During the colonial period she participated in the Liberation struggle of the 60s and later one was a refugee in Tanzania. She returned to Mozambique at the end of the civil war in 1992. Her pottery is a reaction to those traumatic periods. The female figures of most of her works, although inspired by traditional Maconde women, are quite unconventionally represented. They are often smiling and have a dreamy aspect or pose. Some works draw directly from dreams and magic, but they never have the dramatic aspect of traditional Makonde wood sculpture of Shetani (spirits). On the contrary, they are full of humor and irony. African sexuality is playfully expressed in the same way. Her works are exhibited in Africa and elsewhere and are present in many private collections. / Nasce nel 1945 nel Mozambico settentrionale. Figlia di contadini, riceve l'educazione tradizionale delle comunità Maconde, inclusa la lavorazione della terracotta per uso domestico. Negli anni ’60 partecipa alla lotta di liberazione dal colonialismo e durante la guerra civile che segue all’indipendenza (1975) si rifugia in Tanzania dove rimane fino al 1992. La sua terracotta è una reazione a quei periodi traumatici. Le figure femminili che dominano nelle sue opere, seppure ispirate alle tradizionali donne Maconde, sono rappresentate in modo molto anticonvenzionale. Sono spesso sorridenti e in pose sognanti. Alcune opere si ispirano direttamente ai sogni e alla magia, ma non hanno mai l’aspetto drammatico tipico delle sculture lignee degli Scitani (spiriti) della tradizione Maconde. Al contrario, sono piene di umorismo e ironia come lo è l’espressione giocosa della sessualità africana. Le sue opere sono esposte nei musei dell’Africa e altrove e sono presenti in molte collezioni private.

Bertina Lopes (1924 – 2012) Bertina Lopes is one of the internationally best known Mozambican artists and at home she is recognized as “both mother and father of the Mozambican visual arts” (Malangatana). She was born in Maputo (at the time Lourenço Marques) from a Mozambican mother and a Portuguese father: she used to say: “I am too white to be black, and too black to be white!” She moved to Lisbon to complete secondary school. Here she began to study painting and drawing and got in contact with famous painters and intellectuals of the period. After returning to Mozambique in 1953 as an art teacher her anti-colonial attitudes and communist sympathies forced her into exile in 1961, first in Portugal then in Italy where she settled in Rome till her recent death. In Portugal she was influenced by avant-garde painting of modernism. After a figurative period in Rome, characterized by a strong ethnical sensibility, she was influenced by Braque’s post-cubist painting , Matisse’s syncopated linearity and Picasso’s art. During the Mozambican civil war (1975-1992) her paintings are characterized by a violent chromatic impact, and a search for new materials such as ropes, papers and fragments of wood. In the early 1980s Bertina started to make a series of bronzes in totem shape representing a visual metaphor of violence. During the early 1990s she made artworks focused on recreate a personal, colorful cosmogonic reality characterized by astral intersections, planetary joints and encounters, and a series of signs in which her African roots are still evident. Between the late 1990s and the beginning of the 21th century Bertina’ painting was characterized by the absence of paintbrush and a greater concentration of colour. She also used industrial materials. Bertina’ last paintings are founded on the guided, and sometimes violent, pouring of colour on canvas. Her big artworks are now composed of clots and stripes of colour. The spots are quite psychedelic and kaleidoscopic. / (1924 – 2012) Bertina Lopes è una degli artisti mozambicani più noti a livello internazionale e in patria è riconosciuta come “il padre e la madre delle arti visive in Mozambico “ (Malangatana). Nata a Maputo (allora Lourenço Marques) da madre mozambicana e padre portoghese usava dire “sono troppo bianca per essere nera, e troppo nera per essere bianca”. Si trasferì a Lisbona per completare la scuola secondaria e qui cominciò a studiare pittura e disegno, entrando in contatto con famosi intelletuali e pittori del periodo. Tornò in Mozambico nel 1953 come insegnante di arte, ma i suoi atteggiamenti anti-coloniali e le sue simpatie comuniste la obbligarono all’esilio nel 1961, prima in Portogallo poi a Roma dove si stabilì fino al suo recente decesso. In Portogallo fu influenzata dalle avanguardie di pittura modernista. A Roma, dopo un periodo figurativo caratterizzato da una forte sensibilità etnica, subì l’influenza della pittura post-cubista di Braque, dalla linearità sincopata di Matisse e dall’arte di Picasso. Durante la guerra civile in Mozambico (1975-1992) i suoi quadri sono caratterizzati da un violento impatto cromatico e la sperimentazione di nuovi materiali come corde, pezzi di carta e legno. All’inizio degli anni ’80 Bertina cominciò una serie di bronzi in forma di totem, metafora visuale della violenza. Nei primi anni ’90 le sue opere ricreano una personale e colorata cosmogonia della realtà caratterizzata da intersezioni astrali, incontri planetari con una serie di tratti in cui sono ancora evidenti le sue radici africane. Fra il finire degli anni ’90 e l’inizio del 21° secolo la pittura di Bertina è caratterizzata dall’assenza di pennelli a una grande concentrazione di colore. Usò anche materiali industriali. Nelle sue ultime pitture il colore è versato direttamente sulla tela in modo calcolato e a volte violento. I suoi lavori di grandi dimensioni sono composti di stracci e strisce di colore con macchie psichedeliche e caleidoscopiche. “Maternidade”

70s

80s

90s

2000

Idasse Ekson Malendza He was born in 1955 in Infulene (province of Maputo, Mozambique). Practices drawing, painting and ceramics. At the secondary school he was taught drawing by artists Manuela Sena, João Paulo and Antonio Bronze who shared with him the love for the arts. In 1979 he completed a course in animation at the Centro de Estudos Culturais with Malangatana Ngwenya and Domingos Manhica as teachers. He frequented the gallery of Inacio Matsinha where he was taught the basics of the arts. Guided by Antonio Quadros he completed the course Comunicação Grafica. He worked with the Instituto Nacional de Cinema where he established the department of arts. Ídasse also designs covers of books and of literary magazines. Since 1982 he is working as a full-time artist. He is member of Núcleo de Arte (Maputo) and founding member of “Movimento de Artistas Contra a Pobreza”. He Exhibits in various countries of Southern Africa, Cuba, Eastern Europe, Cuba, France, Portugal, Belgium and Denmark. He receives various awards in graphic art as, after an early period in painting, he turns preferably to drawing. His subjects too have an evolution: at the beginning he is attracted by the rich cultural patrimony of traditional magic, where human beings and animals coexist equally, mixed and fused in an imaginary world full of emotions and taboos. Later on his interest shifts to the magic of the human body, expressed through the dance of hands in emotional and sophisticated drawings. / E' nato nel 1955 a Infulene, (provincia di Maputo, Mozambico). Inizia ad apprendere tecniche artistiche (disegno, pittura, ceramica) già nella scuola secondaria da noti artisti che vi insegnavano. Dal 1979 affina le sue capacità frequentando varie scuole d'arte. Sotto la guida di Antonio Quadros completa il Corso di Comunicazione Grafica. All'Istituto Nazionale del Cinema, dove lavora, crea il Dipartimento d'Arte. Nel frattempo esegue disegni per libri e riviste. Dal 1982 si dedica esclusivamente alla propria produzione artistica. É membro del Núcleo de Arte (Maputo) e membro fondatore do “Movimento de Artistas Contra a Pobreza”. Espone in vari paesi dell'Africa Australe, a Cuba e in vari paesi dell'Europa orientale, in Francia, Portogallo, Belgio e Danimarca. Vince vari premi di disegno. Idasse, infatti, dopo un esordio nel campo della pittura, passa a prediligere il disegno. Anche i temi da lui trattati subiscono un evoluzione: all'inizio lo attraggono soprattutto quelli legati al ricco patrimonio culturale della magia tradizionale, in cui esseri umani e animali convivono alla pari, si mescolano e si fondono in un mondo immaginario denso di suggestioni e taboo. Successivamente il suo interesse si sposta verso la magia del corpo umano, espresso soprattutto attraverso la danza e il movimento delle mani resi attraverso disegni raffinati e suggestivi

Naguib Elias Abdula He was born in 1955 in Tete (Northern Mozambique) on the border of the Zambezi river. Although resident in the capital of Mozambique for many years now, the influence of the great African river can still be seen in his works: “the lovely flows of colour, the texture of the blue, now greeny-blue, now inky-blue, in the throbbing of a hip, in the enchanted kiss of a movement". The dove, a symbol of peace, is equally recurrent theme in his works that precede and follow the end of the civil war in 1992. Attended Escola Superior de Belas Artes in Lisbon, Workshop on Serigraphy at Cape Town University, South Africa, Workshop on Restoring at Kunts Museum in Koln, Germany, Nothumbria University in the United Kingdom. He is represented in the National Art Museum and in private and public collections in Africa, the USA and Europe. / Naguib e' nato nel 1955 a Tete nel centro-nord del Mozambico, lungo il fiume Zambezi. Benché l'artista risieda e lavori ormai da molti anni nella capitale del paese l'influenza del grande fiume africano e' ben riconoscibili nei suoi grandi quadri a olio e nelle sue opere grafiche, nei caratteristici toni contrastanti dei blu, del verde e dell'ocra, e nel fluido fondersi dei soggetti in un continuum grafico ben leggibile nell'armonica complessità della composizione, e nell'intrecciarsi - ora drammatico, ora sensuale dei corpi spesso fusi nella natura. La colomba - segno di pace - e' una presenza ugualmente caratteristica nelle opere dell'artista che precedono e seguono la fine della guerra civile nel 1992. Ha frequentato la Scuola Superiore di Belle Arti a Lisbona (Portogallo9, il Seminario di Serigrafia all’Università di Città del Capo (Sudafrica), il seminario di Restauro al Musei d’Arte di Colonia (Germania) e l’Università di Northumbira (Inghilterra). Le opere di Naguib sono presenti nel Museo Nazionale d'arte in Mozambico e in molte collezioni pubbliche e private in Africa, America e Europa.

“Desegio de paz” screen print – cm.16,5x23 - 1986

"Gestos de vidas sem norte" oil on metal, 83x130 cm, 1997

"Poema utópico" oil on canvas, 75x100 cm, 1994

"Antevisão de amor adiado" quina on paper, 57x76 cm, 1994

Isabel Martins She was born (in 1950) in Maputo, Mozambique where she still works. Since the 60s she takes part to various exhibitions at Nucleo de Arte, the “official” center of Mozambican artists, and is one of the few women artists represented in the permanent collection at the National Museum in Maputo. Nevertheless she occupies quite a separate place in the country’s art panorama dominated by the dramatic themes and tones of the colonial armed struggle (1962-1975) and the following civil war (1975-1992). On the contrary her works are inspired by her own infancy dreams, her subjects are mainly girls and their toys immersed in dreamy landscapes, in which local environments are just sketched in colorful, almost geometric forms. The difficulties of the period are visible in the scarce availability of painting materials, as witnessed by the pale, sparingly and at times limited use of oil colors that the artist is forced to do. After a personal exhibition in 1987 she turns to garden architecture, showing once more her independence from the prevailing art currents of her own country. Her art is expressed in the sophisticated composition of exotic plants and Ikebana for the cafe-greenhouse she manages in the center of Maputo, where she still exhibit her dreamy naïf pictures. / Nasce (nel 1950) e lavora a Maputo, Mozambico. Per quanto a partire gia' dagli anni '60 abbia partecipato a varie esposizioni del gruppo ufficiale degli artisti mozambicani, il Nucleo de Arte, e sia una delle poche artiste presenti nella collezione permanente del Museo Nazionale di Arte a Maputo, occupa un posto a se' nel panorama artistico del paese. Infatti i suoi quadri, piu' che i temi e i toni drammatici della guerra coloniale e civile - carattersitici nelle opere mozambicane fino agli anni '90 - si ispirano ai ricordi quasi sognanti dell'infanzia, i cui soggetti sono soprattutto le bambine e i loro giochi, immersi in colorati paesaggi onirici, in cui gli ambienti locali sono solo accennati in composizioni cromatiche quasi geometriche. Le difficolta' del periodo sono per lo piu' deducibili dalla scarsa reperibilita' dei materiali pittorici, testimoniata dall'uso tenue, parsimonioso - e spesso limitato - dei colori a olio che Isabel e' costretta a fare nelle sue tele. Dopo una esposizione personale nel 1987, Isabel si dedica all'architettura dei giardini, dimostrando ancora una volta la sua indipendenza dalle correnti artistiche prevalenti nel paese. Oggi esprime la sua arte soprattutto nelle raffinate composizioni di piante esotiche per il vivaio-serra che gestisce nel centro di Maputo, dove espone ancora i suoi sognanti quadri naif.

“Mercado” - 1988

“A noiva na sala” - 1988

Fátima Fernandes She grew up in Mozambique, where she was born in Chimoio. After graduating in law at University Eduardo Mondlane, Maputo, she attended a Fine Art course at the University of South Africa (UNISA). Then she worked as a painter in Maputo where she exhibited in group and solo shows and participated in international art events such as workshops and art residencies. She was the organiser in Mozambique, of the international art workshops known as "Ujamaa" which were part of the Triangle Network. In 1994 he moved to Johannesburg, South Africa, where she worked as a permanent artist at the Fordsburg Artists Foundation, The Bag Factory, from 1999 to 2001 and participated in group shows and had solo shows in Johannesburg. From 2006 to 2009 she lived and worked in Gaberone, Botswana, keeping a studio at the Thapong Art Center . She is presently living in Lisbon, Portugal where she is attending a course in photography at Atelier de Imagem. / E’ cresciuta in Mozambico dove è nata a Chimoio. Dopo la laurea in legge all’Università Eduardo Mondlane di Maputo ha frequentato un corso di Belle Arti all’Università del Sudafrica (UNISA). Successivamente ha lavorato come pittrice a Maputo, dove ha esposto in mostre collettive e personali e ha partecipato in evento artistici internazionali. In Mozambico è stata l’organizzatrice dei laboratori internazionali d’arte noti come “Ujamaa” che erano parte della Triangle Network. Nel 1994 si è trasferita in Sudafrica a Johannesburg dove dal 1999 al 2001 ha lavorato come artista permanente presso la Fordsburg Artists Foundation, The Bag Factory, e ha esposto in mostre collettive e personali a Johannesburg. Dal 2006 al 2009 ha vissuto e lavorato in Botswana a Gaborone aprendo uno studio al Thapong Art Center. Attualmente vive in Portogallo a Lisbona, dove frequenta un corso di fotografia all’ Atelier de Imagem.

“1° Maio” . 1990 – collage and acrylic – cm. 735x59

Pompílio Hilário Gemuce He was born in Quelimane, Mozambique in 1963, He attended art courses in his own country and abroad (Ukraine and France). He is active in promoting and managing art initiatives. In 1995 he is among the founders of the association “Arte Feliz” and in 2000 of the modern art association “Muvart”. He is always interested in new forms of art expression. Beyond oil and graphic he experiments installations and videos. Since 1984 he had some ten personal exhibitions and twenty collective ones at home and abroad (Germany, Portugal, Finland …) His works are present in various public exhibitions in Mozambique and in private ones in Finland, France, USA, Portugal, Kenya, South Corea). / E' nato a Quelimane, Mozambico, nel 1963. Ha seguito vari corsi di formazione artistica sia in Mozambico (Tete e Maputo), sia all'estero (Ukraine e Francia). E' attivo nella promozione e gestione di iniziative a carattere artistico. Nel 1995 e' fra i membri fondatori dell'Associazione "Arte Feliz" e nel 2002 fonda e presiede l'Associazione di Arte Contemporanea "Muvart" . Sempre interessato a nuove forme di espressione artistica, oltre alla pittura e al disegno, si dedica alla sperimentazione attraverso la realizzazione di istallazioni e video. Dal 1984 ha esposto in una decina di mostre personali e in una ventina di collettive, in patria e all'estero (Germania, Portogallo, Finlandia...) Sue opere si trovano in varie collezioni pubbliche in Mozambico e private in Finlandia, Francia, USA, Portogallo, Kenya, Corea del Sud...)

“Emergecia”

“Still in search of Europe?”

Monument to Legal Pluralism / Monumento al Pluralismo Giuridico (Centro de Formaçao Juridica e Judiciaria, Maputo,Mozambique) The five vertical elements represent the different legal systems of the country: custom, Sharia, community rules, European and International law. / I cinque elementi verticali rappresenta i diversi sistemi giuridici che coesistono nel Paese: tradizionale, comunitario, islamico, europeo, internazionale. “Deixar andar”

Mulugheta Kassa He is one of the founders of the Netsa Art Village, an artist run and community based platform located in the scenic Ferensay Park of Addis Ababa, in the old villa where Konjit Seyoum’s Asni Gallery originally started in mid ’90 (www.asniartvillage.com.et) . He is active in the most creative art initiatives in Ethiopia these days. The mask shown here belongs to a series of similar artworks representing TV news speakers talking about different topics. They are all made out of used plastic tanks on which the author has pasted colourful newspapers cuts and fabrics: an inventive critique of both TV standard formats and wastage of consumer society. / E’ fra I fondatori del Netsa Art Village, un laboratorio di artisti e comunità di base situate nello scenografico Ferensay Park di Addis Ababa, nella vecchia villa dove a metà anni ’90 Konjit Seyoum ha inisziato l’Asni Gallery (www.asniartvillage.com.et). E’ attivo nelle più creative iniziative artistiche dell’Etiopia di questi tempi. La maschera qui presentata fa parte di una serie di opere simili che rappresentano le notizie date su diversi argomenti dai telegiornali. Sono tutte fatte con taniche di plastica su cui l’autore ha incollato colorati ritagli di giornale e pezzi di stoffa: un’inventiva critica sia ai ripetitivi format televisivi che agli scarti della società dei consumi.

Recycling/ Riciclaggio The huge African landfills are monuments to the gap between Nort and South in the present World. What the consumer society of the North is thrown away, in the South is precious material to be reused in hundred ways in daily life. The famous artist Hazoumé from Benin, using as many other African artists recycled material, says “My Art is a way to give you back your wastes”. While he uses these material to create masks that mock traditional habits, Mulugeta uses the same materials to deride Western media and consumerist wastage. / In Africa le sterminate discariche a cielo aperto sono un monumento allo squilibrio fra Nord e Sud del mondo. Quello che al Nord la società dei consumi getta via, al Sud diventa prezioso materiale da riutilizzare nella vita di tutti giorni. Il noto artista beninese Hazoumé, che come molti altri lavora con materiale riciclato, dice "La mia Arte è un modo di ridarvi le vostre immondizie”. Contrariamente a lui, che con questi materiali crea maschere che si ricollegano, quasi irridendola, alla cultura tradizionale, Mulugeta usa gli stessi materiali per irridere alla cultura dei mas media occidentali, con loro ripetitivi stereotipi e il loro spreco consumistico.

Tingatinga Tingatinga is a name for a well-known painting art style from Southern Tanzania, which was started in 1968 by Edward Saidi Tingatinga (1936-1972). African animals, birds, fishes and flowers are the most common subjects, with their figures entirely fitting into the frame of the painting. Some artists, however, have turned to painting village or town life. Others have followed George Lilanga’s taste for Shetanis (spirits). The technique is painting on masonite or canvas using enamel industrial paint, which is a good medium to work in when making clear, vibrant coloured paintings that contain sharp contrasts. The painter must wait until each layer of color dries before the next layer is applied. The result is a stunningly shining painting. After Mr Tingatinga’s death an increasing number of Tanzanian painters followed his art style that became very popular among tourists with a plethora of replicas made just for commercial reasons. Therefore, today it is sometimes difficult to distinguish art from handicraft in Tingatinga paintings, but creativity and originality in subjects or composition make it quite visible the true piece of art. / Tingatinga è il nome di un noto stile pittorico della Tanzania meridionale, iniziato nel 1968 da Edwars Saidi Tingatinga (1936-1972). I suoi soggetti più ricorrenti sono animali africani, uccelli, pesci e fiori che riempiono tutta la superficie del quadro. Alcuni artisti, però, dipingono anche scene di villaggio e di città. Altri hanno subito l’influenza di George Lilanga e dipingono Shetani (spiriti). La tecnica è una pittura su masonite o tela con smalti industriali per metalli, che rendono i colori vivaci con contraste netti. Il pittore deve aspettare che ogni strato di colore si asciughi prima di applicare lo strato successivo. Il risultato è una pittura sorprendentemente brillanti. Dopo la morte di Tingatinga un crescente numero di pittori tanzani hanno seguito il suo stile che è divenuto molto popolare fra i turisti, con una pletora di copie fatte per scopi commerciali. Perciò oggi qualche volta nelle pitture Tingatinga è difficile distinguere l’arte dall’artigianato, ma la creatività e l’originalità del soggetto o della composizione rivelano le vere opere d’arte.

Malangata Ngwenya (1936 – 2011) Best known for his dramatic paintings, Malangatana is an internationally recognized artist. He has produced a broad range of work in diverse mediums - from drawings, murals, ceramics and sculpture, to poetry and music. Malangatana's works are frequently commentaries on the historical and political events in his country, including Portuguese colonialism and Mozambique's anti-colonial struggle, civil war and independence (1975). His works explore and express suffering, heroism and eroticism through a crowded and interlacing humanity, close to the group character of African culture. After art school in young age he was influenced, almost obsessed, by religious aspects introduced by missionaries during the colonial period. But he reinterpret them with a critical, and at times grotesque, view inspired by the traditional culture of magic and witchcraft .With the arrival of peace in 1992 his style began to reflect a lighter and more optimistic view without being rhetoric, thus confirming his independent personality as a leading figure in Mozambican art, Malangatana has been instrumental in the establishment of the Mozambican National Museum of Art and the Centre for Cultural Studies Arts at his native village Matalana. And he has always been engaged in teaching painting and drawing to children in the streets. / Malangatana (1936-2011) e' un artista conosciuto a livello internazionale, noto per i suoi quadri drammatici. Ha prodotto un'ampia gamma di opere artistiche con varie tecniche e in ambiti diversi - disegni, murali, ceramiche, poesia e musica. Le opere di Malangatana sono spesso ispirate agli eventi storici e politici del suo paese, dal colonialismo portoghese alla lotta anticoloniale, dalla guerra civile all'indipendenza (1975). I suoi lavori, tutti incentrati su un addensarsi e intrecciarsi di figure umane, tipici dell'africano spirito di gruppo, esplorano e esprimono spesso il tema della violenza, cogliendo nella collettività gli aspetti umani e individuali della sofferenza, dell'eroismo ma anche dell’erotismo. Dopo la scuola d'arte negli anni giovanili e' stato influenzato, quasi ossessionato, dai temi religiosi diffusi dai missionari durante il periodo coloniale, da lui rivisitati e reinterpretati con spirito critico, talvolta grottesco, alla luce della cultura tradizionale dominata da magia, spiriti e demoni. Dopo il ritorno della pace nel paese, (1992), nelle sue opere compaiono elementi di ottimismo, senza essere mai retorici o celebrativi, confermando la forte personalità indipendente di questo protagonista dell'arte mozambicana. Dà un contributo fondamentale alla nascita del Museo Nazionale di Arte e realizza la "città dell'arte" a Matalana (suo villaggio natale). Ed è sempre stato pronto a insegnare disegno e pittura ai ragazzi in strada.

Ernesto Shikhani (1934-2010) He was born in Muvesha, 50 km north of Maputo. In the '60s he attended the school Nucleo de Arte in Maputo, where he had the Portuguese sculptor Lobo Fernandes as a professor. He made his first exposition in 1968 in Matalana. In 1970 he started working as a painter and he moved to Beira, an important costal city where he lived for 27 years; he has also opened a house-atelier in the Bairro Macurungo, where he taught drawing in the art gallery of the city. Shikhani has a relevant role in the Mozambican artistic environment and we can find many works of him at the National Art Musem and in various international collections. In the late 60’s and 70’s his works are figurative paintings, typical of the period in early Mozambican modern art. The dramatic situation of the local people during the colonial war is rendered by pictures with primary and contrasting colours, crowded by suffering people from frame to frame. In the late 80’ develops his well known personal style, still mainly figurative, but more symbolic. From the 90’s on his work becomes more and more graphic, ending in abstract pictures where geometrical forms and alternate band of brilliant colours give a sense of lively movement and joy. / (1934-2010) E’ nato a Muvesha, circa 50 km a nord di Maputo. Negli anni '60 frequenta a Maputo il Nucleo de Arte, dove ha avuto come maestro lo scultore portoghese Lobo Fernandes. La sua prima esposizione è del 1968 a Matalana. A partire dal 1970 inizia a dedicarsi anche alla pittura e si trasferisce a Beira, importante città costiera dove vive per 27 anni aprendo una casa-atelier nel Bairro Macurungo, e dove dà lezioni di disegno nell'auditorium-galleria d'arte della città. Shikhani ricopre un ruolo di rilievo all'interno del mosaico artistico mozambicano ed è presente con varie opere nel Museo Nazionale d'Arte e in varie collezioni internazionali. Agli inizi (anni ’60 e ’70) le sue opere sono quadri figurativi, tipici di questo primo periodo della moderna arte mozambicana. La drammatica situazione sociale durante la guerra coloniale è rappresentata in pitture con contrastanti colori primari e figure addossate fino alla cornice. Negli anni ’80 Shikhani sviluppa il suo ben noto stile personale, dove le figure assumono un aspetto più simbolico. Dagli anni ’90 la sua opera diventa sempre più grafica fino ad esprimersi in mere forme geometriche e fasce di colori brillanti, che danno un luminoso senso di movimento vivace e gioioso. Marriage Palace, Beira

Shadreck Simukanga He was born and works in Lusaka, Zambia. “As I started drawing and painting in 1979 people regards me as the veteran of Zambian artists. My work is figurative, as I could study the old masters, such as Leonardo da Vinci and Michelangelo. In the art circles I am called the “fossil”. But new “informal” artists should learn much from fossils like me. Therefore I devote myself to art teaching. I am proud for the discovery of new talents: that means more creative people and less politicians” / E’ nato e lavora a Lusaka, Zambia. “Ho cominciato a disegnare e dipingere nel 1979, quindi sono considerate il veterano degli artisti in Zambia. I miei lavori sono figurativi, perché ho potuto studiare le opera dei grandi maestri del passato come Michelangelo e Leonardo Da Vinci. Forse anche per questo nei circoli artistici sono chiamato il “fossile”. Ma i nuovi artisti “informali” avrebbero molto da imparare dai fossili; per questo mi dedico volentieri all’insegnamento. Sono fiero di aver scoperto nuovi talenti: ciò significa più gente creativa e meno politici.”

Rahwa Tesfai Ghermai

Born in 1974 in Addis Abeba, Ethiopia, as Eritrean National, her schooling was at Peterhouse Girls’ School in Marondera, Zimbabwe, and then at Umeä Konstskola, Sweden, the country where she presently lives and works. “At Peterhouse, as a shy girl, I found refuge in the Art Room under the supervision and gentle guidance and encouragement of the Zimbabwean woman artist Avril Pratt. She encouraged me to express my cultural identity through my art. I also met the Ethio-American artist Julie Mehretu who inspired me to take batiking. My art work right now revolves around the center of my being and the infinite themes, thoughts and issues which disturb, perturb, obsess and comfort my life as an Eritrean woman who was born at the height of the Eritrean Revolution, the same year Ras Haile Selassie was murdered, of the memories of my initial years growing up in Addis during The Red Terror when thousands of Eritrean intellectuals were mercilessly massacred. Of moving to Harare, Zimbabwe in August 1980 and growing up there, succeeded and fell while trying to survive in a post apartheid situation. While working I try to deal with the various wounds inflicted on us by politics, displacement and all the various isms. I am depicting the problems which face African women living the diaspora”. / Nata nel 1974 ad Addis Ababa, di nazionalità Eritrea, ha studiato alla Peterhouse Girls’ School in Marondera, Zimbabwe, e succesivamente alla Umeä Konstskola, Svezia, paese dove attualmente vive e lavora. “ Alla scuola Peterhouse ero una ragazza timida e trovavo rifugio nell’aula di arte sotto la gentile supervisione, guida e incoraggiamento dell’artista zimbabwana Avril Prett, che mi incoraggiava a esprimere la mia identità culturale attraverso l’arte. Ho incontrato anche l’artista etiopico-americana Julie Mehretu che mi ha ispirato a lavorare ai batik. I miei lavori artistici ora sono incentrati sul mio essere e sugli infiniti temi, pensieri e problemi che disturbano, perturbano, ossessionano e sfidano la mia vita di donna eritrea nata durante la rivoluzione eritrea nello stesso anno in cui fu assassinato Ras Haile Selassie con la memoria della mia crescita giovanile ad Addis Abeba durante il Terrore Rosso, quando migliaia di intellettuali eritrei venivano massacrati senza pietà. Trasferitami ad Harare, Zimbabwe e crescendo lì, ho avuto successi e cadute cercando di sopravvivere una situazione di post-apartheid. Quando lavoro cerco di affrontare le molte ferite inflitteci dalla politica, dallo sradicamento e dalle varie ideologie. Ritraggo i problemi che affrontano le donne Africane che vivono nella diaspora”.

“Landscape”

“Mother and son”

“Giving, giving, giving”

Meron Zekarias

"I was born in Asmara, Eritrea, in 1986 and started to paint while I was only twelve years old. I got my diploma in fine arts from Asmara Fine Art School in 1998. The initial apparition for an image always begins for me out of every day experience as a viewer and as participant. My first solo Exhibition was in March 2008 in Asmara, while undergoing my college studies. In 2010, after graduating in computer Engineering from Eritrea Institute of Technology, I staged my second solo art exhibition. I use strokes and splash of colors down on the canvas forming a "vertical rainbow". I compose different colors to represent the different life affairs we pass through. I still challenge myself to find aesthetics of life and the earth we are living in, currently I am at Baylor University in Waco, Texas." / “Sono nato ad Asmara, Eritrea nel 1986 e ho cominciato a dipingere all’età di 12 anni. Nel 1998 mi sono diplomato alla Scuola di Belle Arti di Asmara. La mia prima esposizione personale è stata Ad Asmara nel Marzo del 2008 mentre studiavo al college. Nel 2010, dopo essermi diplomato in Ingegneria Informatica ho tenuto la mia seconda mostra personale. Per me la prima apparizione di un’immagine comincia sempre da un’esperienza di vita quotidiana come spettatore partecipe. Uso tratti e pennellate di colore sulla tela che formano un “arcobaleno verticale”. Combino colori diversi per rappresentare i diversi fatti della vita che attraversiamo.

Arms into art After the 1992 Peace Agreement that ended the 17 year civil war in Mozambique, the local Christian Council started the project “Transformation of arms into tools”. The aim was to collect as many arms as possible among the population and to destroy them, so at the same time preventing them from finding their way into neighboring countries at knock-down prices. In exchange for arms handed over, people received agricultural tools. Some of the arms were used in workshops at the artists' collective Nucleo de Arte, where AK 47 machine guns, landmines and hand weapons were transformed into works of art. The war tools provided inspiration for the creation of sometimes fragile and elegant, sometimes robust sculptures. Works exhibited underneath are by Gonçalo Mabunda, one of the best known among these arm-artists. His works have been shown in well known galleries, including the British Museum. / Dopo gli accordi di pace che nel 1992 posero fine a 17 anni di Guerra civile in Mozambico, il locale Consiglio Cristiano lanciò il progetto “Trasformazione di armi in attrezzi di lavoro”. Lo scopo era di raccogliere fra la gente più armi possibile e distruggerle, in modo da prevenire allo stesso tempo che venissero vendute a basso prezzo nei paesi vicini. In cambio delle armi consegnate la gente riceveva attrezzi agricoli. Fucili AK 47, mine anticarro e pistole furono trasformate in opere d’arte. Gli strumenti di guerra ispirarono la creazione di opere fragili e eleganti o in solide sculture Le opere esposte qui sotto sono di Gonçalo Mabunda, uno dei più noti artisti delle armi, che ha esposto in prestigiose gallerie, incluso il British Museum.

This Collection would have not been started without the introduction to Mozambican art by Albie Sachs Justice of the Constitutional Court of South Africa Dean, Law Faculty, E. Mondlane University, Maputo

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