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LA MEJOR
EL JUEGO DE LA ABSTRACCIÓN
SELECCIÓN DE
03 CHANEL. EL ESTILO GARÇONNE
DATOS DE
POR SITKA SEMSCH
VOL.1 / 2010
ARQUITECTURA,
04 NOGUCHI. LA ABSTRACCIÓN ORGÁNICA
MAGAZINE
DECORACIÓN,
POR MARCELA MUJICA
COLECCIONABLE
ARTE, DISEÑO
05 MIES VAN DER ROHE. MENOS ES MÁS
DE DISTRIBUCIÓN
Y MODA DE LIMA.
POR DIRK BORNHORST
GRATUITA
06 POLLOCK. MURAL DE 1943
W W W.DEBOCAENBOCA.PE
POR NICOLÁS TARNAWIECKI 08 ENTREVISTA A RAMIRO LLONA
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Intervención: Ramiro Llona. Cita: Ramiro Llona.
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DE BOCA DE LA EDITORA
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EL JUEGO DE LA ABSTRACCIÓN un nuevo mundo que en la superficie no tenía nada que ver con el espacio cotidiano, pero que se ubicaba como un lugar alternativo junto a él. Entre 1940 y 1950, Norteamérica acogió a muchos creadores La propuesta del arte abstracto que exploraban el camino de dio mucho que hablar a críticos la simplificación de las formas y artistas. Para De Kooning se para encontrar nuevas posibilitrataba de un “arte desnudo”, dades de expresión. esto es el arte en su mayor En el número cinco de nuestro pureza. Para Salvador Dalí era magazine les presentamos las valioso en tanto restauraba propuestas de cuatro artistas la virginidad de lo figurativo. movidos por la búsqueda inLa abstracción tiene sus inicios Pablo Picasso afirmaba que, cesante de la depuración de las en el movimiento cubista lide- en estricto, el arte abstracto no existía porque uno siempre formas. Encontrarán al arquirado por Pablo Picasso y tecto Mies van der Rohe que empezaba a pintar a partir de Georges Braque. Buscaba con su propuesta de “menos un referente real y sólo posromper con la imitación de es más” marcó la arquitectura teriormente se procedía a la naturaleza que, por mucho de su época e inició el camino tiempo, había sido la consigna borrar las huellas de esa reahacia el minimalismo. También lidad. Kandinsky sostenía de la producción artística. Las tenemos un artículo sobre el que el arte abstracto creaba líneas se simplifican y la reLos detractores del arte abstracto dicen que “no se entiende” o que parece “hecho por un niño”. Por el contrario, sus adeptos afirman que no hay mayor expresividad que la contenida en la línea de las composiciones abstractas y que estas demuestran la genialidad de sus creadores. Posturas contrapuestas frente a uno de los estilos que más ha influido sobre el arte contemporáneo.
presentación deja de ser una supuesta copia del original para diferenciarse de él tanto en el color como en la forma. El artista modifica lo que ve para lograr una nueva composición.
escultor Isamu Noguchi y la abstracción orgánica. Además, les presentamos el mural de Jackson Pollock de 1943, reconocido como pieza pionera del expresionismo abstracto. Finalmente, compartiremos con ustedes la experiencia de vida y creaciones de la modista francesa Coco Chanel, ícono de la elegancia. Nuestro invitado especial para esta edición es el reconocido pintor Ramiro Llona. No se pierdan una interesante entrevista con él. Para esta ocasión, además, el MALI nos presenta un póster con una pieza de Fernando de Szyszlo, que forma parte de su colección.
T 442 8322 F 442 8323 N 837*0533 C 997 510 871 publicidad@debocaenboca.pe
Créditos Dirección general: Rochi del Castillo de Bornhorst. Edición general: Giuliana Vidarte. Comité de Publicación: Chichi Cabrerizo de Noriega. Asesoría editorial: Micaela Chirif. Diseño: Futura. Retoque: Silvia Custodio. Columnistas: Dirk Bornhorst, Marcela Mujica, Sitka Semsch y Nicolás Tarnawiecki. Imprenta: Biblos. Legal de boca en boca, sus promotores y editores, no se responsabilizan por las opiniones o comentarios vertidos por los columnistas, entrevistados y/o anunciantes. Se deja expresa constancia de que son los anunciantes los responsables de escribir y ofrecer sus productos y/o servicios sin que ello implique responsabilidad alguna sobre su contenido por parte de boca en boca. Contacto Para comentar sobre algún tema o darnos sus sugerencias: contacto@debocaenboca.pe www.debocaenboca.pe
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“La moda pasa, el estilo jamás.” Chanel
SITKA SEMSCH DISEÑADORA DE MODAS
DE BOCA DE LA MODISTA
CHANEL. EL ESTILO GARÇONNE Muchas de las mujeres más hermosas, influyentes y talentosas del siglo XX vistieron los trajes de Chanel: Marlene Dietrich, Katherine Hepburn, Brigitte Bardot, Elizabeth Taylor y Grace Kelly.
La diseñadora francesa Gabrielle Chanel (1883-1971) es un ícono de la historia de la moda. La libertad de movimientos fue el objetivo que guió el diseño de sus vestidos y la originalidad fue su sello distintivo. “Coco” −nombre que Chanel adoptó durante su breve carrera como cantante de cabaret entre 1905 y 1908− llevó la búsqueda de las formas simples en los trajes femeninos hasta un punto nunca antes alcanzado, creando un estilo elegante pero sumamente cómodo, que podía acompañar a las mujeres en todas sus actividades. Luego de la muerte de su madre, el padre de Chanel se desentendió de ella y sus hermanos y los dejó al cuidado de dos tías que tenían un orfelinato. Allí aprendió a coser y es posible que muchos de sus diseños sean el reflejo directo del uniforme sencillo del hospicio en el que pasó su
infancia y juventud. Su carrera empezó en 1909 diseñando sombreros en París y ya para 1910 tenía su propia tienda llamada Modas Chanel. Gabrielle se apropió de las gabardinas y sacos que hasta ese momento eran de uso exclusivo de los hombres y, dándoles un toque femenino, las convirtió en piezas infaltables del guardarropa de la mujer moderna. El estilo garçonne −de muchacho−, que hizo famosa su casa de modas, no sólo introdujo el uso de prendas masculinas sino que debía completarse llevando el pelo muy corto. Además, la piel bronceada dejó de ser un signo de pobreza para convertirse en una moda que hacía patente la importancia crucial de la diversión, el trabajo y la vida aire libre. Las creaciones de Chanel se han convertido en clásicos de la moda, como es el caso de su vestido negro (1926) y
su conjunto de calle (1925). Muchas de las mujeres más hermosas, influyentes y talentosas del siglo XX vistieron sus trajes: Marlene Dietrich, Katherine Hepburn, Brigitte Bardot, Elizabeth Taylor y Grace Kelly. Sus diseños, sin embargo, no se limitaron a la ropa femenina. Chanel se convirtió en la primera creadora de un look total. A la ropa se sumaron una colección de joyas de fantasía −que funcionaba como alternativa a los lujosos collares y aretes de moda en la época−, una línea de perfumes y una de cosméticos. Marilyn Monroe contribuyó a la fama de la línea cuando dijo que para dormir lo único que usaba eran dos gotas de Chanel No. 5.
mientos para la piel y maquillaje. A lo largo de los años su estilo se ha redefinido pero ha mantenido siempre la elegancia y sencillez propias de su fundadora. Lejos de disminuir, el valor y el precio de sus creaciones se ha incrementado con el paso de los años. Un vestido color marfil bordado con perlas nacaradas, diseñado por Chanel en 1923, se subastó en febrero de este año a 35000 euros. El estilo impuesto por Coco Chanel continúa influyendo a los jóvenes diseñadores y marcando pauta en el terreno de la elegancia femenina.
Gabrielle “Coco” Chanel AJUSTANDO LOS DETALLES DE UNO DE SUS DISEÑOS.
Hoy en día la casa Chanel −en las manos del diseñador Karl Lagerfeld desde 1980− continúa siendo un símbolo de lo mejor de la moda francesa en cuanto a ropa, fragancias, trata-
NOS PASAN EL DATO >
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MARCELA MUJICA decoradora
DE BOCA DE LA DECORADORA
NOGUCHI. LA ABSTRACCIÓN ORGÁNICA Podríamos decir que la coffee table de Noguchi (1944) es un “mueble escultórico”, muestra perfecta de cómo se puede adaptar una escultura a un elemento de decoración, cuidando la forma y la función.
¿Qué es una escultura? ¿Qué la diferencia de un objeto de diseño? ¿Cómo llamamos a un objeto creado por un artista que es escultor y, además, diseñador de muebles? Los trabajos del artista estadounidense-japonés Isamu Noguchi (1904-1988) se desarrollan en los límites de estas categorías. Por una parte, Noguchi se dedicó a hacer esculturas de gran formato para ubicar en espacios al aire libre pero, al mismo tiempo, diseñó lámparas y muebles para interiores. Los muebles de Noguchi están pensados para ser funcionales pero mantienen, al mismo tiempo, los rasgos distintivos de la abstracción orgánica característica de la escultura norteamericana del siglo XX. Esta abstracción presentaba una síntesis de las formas de la naturaleza contraponiéndose al futurismo y su devoción por la máquina y el movimiento.
Coffee Table diseñada por Noguchi EN 1944.
La formación de Noguchi recibió las más variadas influencias. Realizó estudios de medicina en la Universidad de Columbia, lo que reforzó sus conocimientos anatómicos y, posteriormente, trabajó algún tiempo en Japón. A su regreso a Nueva York continuó su aprendizaje con el escultor italiano Onorio Ruotolo. Entre 1927 y 1928, en París, fue ayudante del escultor rumano Constantin Brancusi y tuvo contacto con la obra de Giacometti, desarrollando una sólida propuesta abstracta. Sus trabajos han sido calificados por la crítica internacional como una combinación de la sencillez de Oriente y la abstracción occidental. Hoy les presentaré un famoso diseño de Noguchi: la coffee table (1944). Esta mesa presenta formas orgánicas pulimentadas tanto en el tablero de vidrio como en las dos pie-
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La protagonista de la mesa de Noguchi es la base y no el tablero. Siguiendo su ejemplo,
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Una coffee table tiene muchos usos, pero rara vez se servirá café en ella. Podemos colocar libros o flores sobre su superficie, usarla como mesa de centro para una pequeña sala de estar o también dejarla sola como un bello elemento decorativo. Acompaña armónicamente muebles antiguos y contemporáneos, tanto en casa como en la oficina.
podríamos ser creativos y producir un nuevo diseño en el que juguemos con diferentes bases: una escultura en metal o piedra, piezas de trofeo de caza, cubos de colores o forrados en piel o, incluso, hasta un tronco pintado. Además, se puede trabajar con filtros de colores en el vidrio del tablero para romper con la transparencia. El resultado con seguridad deslumbrará a nuestros invitados.
DECORACIÓN
NOS PASAN EL DATO >
zas de madera que hacen las veces de base. Podríamos decir que se trata de un “mueble escultórico”, muestra perfecta de cómo se puede adaptar una escultura a un elemento de decoración, cuidando la forma y la función. En esta mesa se puede apreciar el particular dinamismo de las composiciones de este escultor.
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“Dios está en los detalles.” Mies van der Rohe
DIRK BORNHORST ARQUITECTO
DE BOCA DEL ARQUITECTO
MIES VAN DER ROHE. MENOS ES MÁS A MIES VAN DER ROHE LE DEBEMOS GRANDES AVANCES TECNOLóGICOS QUE PERMITIERON LLEVAR A CABO LOS MÁS INNOVADORES PROYECTOS DE RASCACIELOS, GRANDES CAJAS RECTANGULARES QUE PLASMARON LA SENCILLEZ DEL "MENOS ES MáS".
Su consigna del less is more −menos es más− se oponía a los postulados de la construcción en serie, buscando recu-
recepción oficial, presidida por el rey Alfonso XIII y un grupo de autoridades alemanas. Tras la clausura de la Exposición, el Pabellón fue desmontado. Sin embargo, con el pasar de los años se convertiría en un referente clave tanto en la trayectoria de Mies van der Rohe como para la arquitectura del siglo XX. Así, la idea de su Una de sus obras maestras es reconstrucción fue cobrando fuerza y, entre los años 1983 el Pabellón Alemán diseñado y 1986, se procedió a ejecupara la Exposición Universal tarla en su locación original, de Barcelona de 1929. Para por iniciativa de Oriol Bohigas, esta oportunidad, Mies van estando a cargo del proyecder Rohe se encargó también to los arquitectos Fernando de diseñar el famoso sillón Ramos, Ignasi de Solà-Morales Barcelona, de acero cromado y cuero, que se ubicaría dentro y Cristian Cirici. de la construcción. Este edificio contaba con una estructura A Mies van der Rohe también de pequeños pilares metálicos le debemos grandes avances que brindan libertad a la planta, en el desarrollo de tecnologías la cual se muestra mucho más que permitieron llevar a cabo ligera con paneles de mármol, los más innovadores proyectos de rascacielos, grandes cajas travertino y vidrio. El Pabellón rectangulares que plasmaron la se construyó para albergar la perar la originalidad y el amor por los detalles. La mayoría de las veces, sus composiciones son geométricas y carecen de elementos ornamentales, pero destacan siempre su sencillez y expresividad, así como la elegancia en la selección de los materiales −acero, bronce, madera o mármol−.
sencillez del “menos es más”. El Seagram Building, de 39 pisos de altura, en Manhattan, es un buen ejemplo de esta máxima. Está diseñado siguiendo los parámetros de una columna antigua: basa para el hall de entrada, fuste para las oficinas y capitel para la parte superior del edificio. Tuve el placer de visitar a Mies van der Rohe en el invierno de 1966. En aquel entonces, mi esposa y yo tuvimos el honor de entregarle el nombramiento de Miembro Honorario de la Sociedad Venezolana de Arquitectos (SVA). A pesar de sus años, pudimos conversar muy animadamente, a medias en inglés y a medias en alemán. Pabellón Barcelona diseñado por Mies van der Rohe Toda su persona irradiaba PARA LA EXPOSICIóN UNIVERSAL DE 1929. la alegría de vivir que emanan de la búsqueda de la pureza y la sencillez. Su espíritu, para consuelo nuestro, permanece en sus creaciones.
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El arquitecto alemán Ludwig Mies van der Rohe (18861969) es considerado uno de los maestros de la arquitectura moderna. Lo curioso es que no recibió educación formal en ninguna universidad o escuela de arte. Sin embargo, el oficio de su padre, artesano de la piedra, y su temprana colaboración con el estudio del arquitecto Bruno Paul, en Berlín, definieron su vocación y lo introdujeron de lleno en el camino que habría de seguir durante toda su vida. Mies van der Rohe se especializó en la construcción en acero y vidrio, materiales que utilizó para sus conocidos proyectos de rascacielos. Sus obras reflejan su gran sensibilidad para la belleza pura y minimalista.
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NICOLÁS TARNAWIECKI TEÓRICO DEL ARTE
DE BOCA DEL TEÓRICO DEL ARTE
POLLOCK. MURAL DE 1943 El Mural de Pollock de 1943 es considerado una de las piezas desarrollado a partir de 1940 en los EEUU y considerado como la primera expresión fundadoras del expresionismo abstracto y es la primera en verdaderamente norteamericana en el arte. la que el artista experimenta con el action painting. Fue comisionada por la mecenas y coleccionista de arte Peggy Guggenheim (1898-1979), quien requería de una pieza para ubicarla en el corredor de su nuevo departamento en Nueva York. El encargado de hacer el contacto con Pollock fue el artista francés Marcel Duchamp (1887-1968) quien, cuando tuvo que montar la pieza en la casa de Guggenheim, se dio cuenta de que quedaba demasiado grande así que cortó el lienzo con la primera tijera que tuvo a mano. Luego de este trabajo, Mural pintado por Pollock en 1943. Peggy Guggenheim apoyaría económicamente a Pollock “Mi pintura no viene del Pollock fue uno de los artistas que refugiarse en América De esta manera describía el durante largo tiempo. Según durante la Segunda Guerra caballete. Yo prefiero clavar el pintor norteamericano Jackson más representativos del exla famosa frase de De Kooning, Mundial. De hecho, el action lienzo en la pared o en el piso. Pollock (1912-1956) su proceso presionismo abstracto desaNecesito la resistencia de una creativo. Para él, la pintura abs- rrollado a partir de 1940 en los painting, que consiste en salpi- Pollock con su Mural “rompió car con pintura la superficie de el hielo”. superficie sólida. En el piso tracta confrontaba a su creador EEUU y considerado como la un lienzo para capturar el moestoy mucho más cómodo. tanto como al espectador. Para primera expresión verdaderaExisten numerosos debates vimiento del artista, surge de Me siento cerca, parte de la Pollock el resultado del trabajo mente norteamericana en el la experimentación surrealista en torno a esta pieza. Hay pintura, de esta manera puedo en el lienzo no era una imagen, arte. Este movimiento recibió quienes la critican por no en busca de nuevas técnicas caminar a su alrededor, trauna fuerte influencia del susino que se trataba esencialbajar en sus cuatro costados rrealismo debido a que muchos que permitieran liberar el poder contar con una base concepmente de llevar a cabo una tual sólida o una estructura y literalmente estar en ella”. artistas europeos habían tenido creativo del inconsciente. acción.
© APSAV LIMA, 2010
Pollock fue uno de los artistas más representativos del expresionismo abstracto
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Según algunos críticos, la historia del arte no estaba preparada para acercarse a esta nueva forma de la pintura norteamericana. Este tipo de cuadros obligan al espectador a repensar los límites entre lo decorativo y lo pictórico. A pesar de que no podamos dar un significado preciso a las piezas del expresionismo abstracto, ello no significa que no posean un contenido poderoso revestido de una forma enigmática que se anuncia por las líneas o colores generales de la composición.
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sino, más bien, asemejarse a lo que podría hacer un niño derramando pintura sobre un lienzo. Existen, por otra parte, numerosos académicos que se han dedicado a analizar las complejas composiciones del artista. Para el historiador de arte Henry Adams, en el Mural es posible reconocer las letras que forman el nombre “Jackson Pollock”. La afirmación no ha podido corroborarse pues no se han realizado aún los análisis con rayos x necesarios para saber cuáles fueron los pigmentos colocados primero.
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Pregunta: ¿Cómo sabe cuándo ha terminado una pintura Sr. Pollock?
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Prohibida su reproducción total o parcial sin autorización expresa de CRBG EIRL.
ARTISTA PLÁSTICO RAMIROLLONA1@GMAIL.COM
DE BOCA DEL INVITADO
RAMIRO LLONA.
EL USO DE LA MEMORIA (HOMENAJE A BLANCA VARELA) 2009 2.54 X 5.20 M. ÓLEO SOBRE TELA.
Los datos de RAMIRO LLONA
BIO Realizó estudios de arquitectura en la UNI. En 1971, ingresó a la Escuela de Artes Plásticas de la PUCP. Su primera exposición individual se realizó en 1976 en la galería Fórum. Pocos años más tarde llevaría a cabo exhibiciones en Bogotá y Caracas. Desde 1980 reside por una larga temporada en la ciudad de Nueva York, durante una época de auge de la pintura en esta ciudad. Considera que cada una de sus exposiciones es importante, pues marca hitos y le permite agrupar partes de su trabajo. Recuerda especialmente la de 1986 en el Museo de Arte Moderno de Bogotá y la 1998 en el Museo de Arte de Lima. Prefiere trabajar en forma-tos grandes pues los considera su hábitat natural. Usa como referente la imagen de la novela total. Para él cada cuadro es una aventura hacia lo desconocido. Tendrá una exposición en la Galería Lucía de la Puente en noviembre próximo, que llevará el nombre de El uso de la memoria. ¿Qué es lo que más te gusta de vivir en Lima? El sentido de pertenencia. Este es mi país. Yo nunca he podido repetir ese sentimiento en otra ciudad. Viviendo en otros lugares siempre me he sentido extranjero. En Lima, ¿cuál es tu edificio, construcción o espacio preferido y por qué? Me gusta Barranco. Es un distrito por el que se puede caminar y disfrutar de esa caminata. La visión peatonal es mucho más interesante que la que uno tiene desde el auto. También me gusta mucho el centro de Lima. Además, me gusta el mar. Crecí con él como frontera y horizonte. ¿Qué diseño consideras inmejorable y por qué? Aunque soy de la idea de que nada es inmejorable y que
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finalmente todo se puede mejorar, puedo nombrar algunos diseños que me parecen excelentes. Primero, todo lo de la marca Apple. La clave del éxito de esta tecnología es el diseño. De otro lado, también el Art Deco y la Bauhaus. Finalmente, pienso en la Capilla de la Arena del Giotto y la Plaza de San Marcos en Venecia. ¿Cuál es el primer recuerdo que tienes de algún objeto que haya llamado tu atención por su diseño? Cuando yo era chico tenía un tío que comerciaba con reproducciones trasteladas. Esas copias impresas que se colocaban sobre tela, a las que se les daban un par de pinceladas para que parezcan más reales. Recuerdo a mi tío diciendo que ya era hora de que empezara a aprender sobre arte y mos-
trándome una imitación de Campo de amapolas de Argenteuil de Monet. ¿Qué cuadro te hubiera gustado pintar? Las señoritas de Avignon de Pablo Picasso y La danza de Matisse. También los cuadros de gran formato de los bañistas de Cézanne. ¿A qué pintor elegirías para que hiciera tu retrato? A Bronzino o a Tiziano porque me parece que vivieron en una época, siglos XV y XVI, en la que los retratos realmente decían algo sobre las personas. ¿El uso de la tecnología ha cambiado significativamente tu proceso creativo? No, para nada. Solo interviene como herramienta pero no como elemento sustancial. No diseño mis cuadros con mi computadora. Eso sí,
soy un adicto a las infinitas posibilidades de información a las que uno puede acceder. ¿A qué objeto personal le tienes más cariño y por qué? Mi iPad, que es como mi fiel compañera. Aunque no soy mucho de objetos, lo que me interesa es la tecnología. ¿Cuál es la mayor satisfacción que puede darte tu trabajo? Creo que esta aparece cada vez que terminas un cuadro. Ese momento en que sientes que por fin ya lo tienes. Cuando empiezas otro, se reinicia el proceso. La pintura es buscar qué quieres decir y cómo lo quieres decir. Es una manera de preguntarte quién eres permanentemente. Yo nunca tengo idea de lo que voy a
Para leer Sueños bárbaros de Rodrigo Núñez Carvallo. Es una muy buena novela sobre un momento de la historia de Lima Para ver Contracorriente de Javier Fuentes-León. Para escuchar Los solos para violonchelo de Bach. Para probar Las hamburguesas de La Bodega de la Trattoria y el pie de uvas borgoña del Arúgula.
pintar. Mientras voy pintando me voy encontrando con el cuadro. En la pintura no hay errores, todo añade. A mí me gusta que se pueda percibir el proceso del cuadro. Si hubieras podido escoger ¿en qué época te habría gustado nacer? Me hubiera gustado vivir en el París de los primeros veinte años del siglo XX, junto a Picasso, Matisse y Cézanne. También en los EEUU entre 1940 y 1950, durante el desarrollo del expresionismo abstracto. ¿Qué haces cuando no estás trabajando? Me dedico mucho a mis hijos, gran parte de mi tiempo está ocupado con ellos. También me gusta mucho viajar para ir a ver exposiciones. Además, leo mucho y me encanta ir al cine. Tengo
que sentarme siempre en la tercera fila, me gusta sentir que la realidad de la película me envuelve. ¿Cuál es la cualidad esencial para conseguir el éxito? Trabajo, disciplina, concentración, informacíon y coraje. Hay que trabajar mucho. No hay otra opción. Si no hicieras lo que haces, ¿qué otra profesión te habría gustado tener? Director de cine. También me habría encantado ser músico. ¿En qué crees? Creo en mí y en mi capacidad de cuestionarme. Creo en los valores. En la bondad que se encuentra un poco devaluada hoy en día. También creo en la familia. No creo en Dios, pero creo en la VIDA.
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