VISUALES Revista de arte, cultura y diseño by Agustina Balvidares

FOTOGRAFÍA

ARQUITECTURA

ILUSTRACIÓN

BEN ZANK

FREDDY MAMANI

ALEJANDRO SORDI

EDITORIAL El lanzamiento de una revista es siempre un desafío humano, pero es también una aventura intelectual. Desafío, porque pensamos que existe un lugar para las revistas en el paisaje intelectual. Aventura, porque se analiza los cambios del mundo contemporáneo, las nuevas formas de vanguardias, sus relaciones con las mutaciones del arte mundial. Del encuentro entre las expectativas de un público e invastigaciones de fondo nacerá una dinámica de la cual Visuales quiere ser vector.

STAFF DIRECTOR/ Silvio Somma EDICIÓN/ Lucía Marenzzi REDACCIÓN/ Pablo Mileno Marianela Estelante DISEÑO GRÁFICO/ Agustina Balvidares PRODUCCIÓN/ Martina Selam DEPARTAMENTO COMERCIAL/ Ignacio Carrizo IMPRESIÓN/ 3D PRrint Soluciones Impresas (3dprint62@gmail.com) VISUALES www.visuales.com.ar (info@visuales.com.ar)

S U M A R I O

6 PERSONAJE /NACIONAL ALEJANDRO SORDI Ilustrador argentino. Sus obras emanan un especial tenos latinoamericano, con un toque surraelista y fantacioso.

ENTERATE / DISEÑO GRÁFICO BAUHAUS_100(X3) Un tributo a la escuela de arquitectura, diseño, artesanía y arte fundada en Weimar en 1919 en conmemoración del centenario de su inauguración.

10 EN PORTADA/FOTOGRAFÍA BEN ZANK Es un joven neoyorquino que ha sabido encontrar su sitio en la fotografía a través del surrealismo. Zank nos involucra en su mundo que bien podríamos denominar onírico, pues tiene más de sueño que de realidad. Esta fantástica creación de Zank nos muestra lo que las palabras no pueden expresar.

EN REDES/ INSTAGRAM

CONOCEME/ ARQUITECTURA

ARTISTAS EN REDES Un recorrido de ilustradores, fotógrafos y artistas vigentes en las edes sociales.

FREDDY MAMANI Ingeniero, albañil y arquitecto autodidacta boliviano, reconocido por su trabajo conocido como Nueva arquitectura andina o Arquitectura Transformer, con más de 60 proyectos construidos en la ciudad boliviana de El Alto.

PERSONAJE/INTERNACIONAL ROMAIN NICOLOSO Apacionado por el dibujo y la creatividad, interviene sus propias fotografías con ilustraciones magníficas.

6 | PERSONAJE

NACIONAL | 7

ALEJANDRO SORDI

as obras de Alejandro Sordi emanan un especial tenor latinoamericano. Surrealistas y fantasiosos, sus dibujos resultan luego de años de búsqueda. Ex alumno de la escuela secundaria Fernando Fader, aprendió a dibujar y pintar en clases completamente dedicadas al modelo vivo. Esa experiencia, se suma al libro de Loomis que le regaló su abuela cuando era niño. Así es como Alejandro aprendió jugando y hoy continúa con esa filosofía. Sordi se define a sí mismo como un dibujante que trata de llevar su obra a todos los lugares que puede ya que tiene muchos dibujos a lápiz, pero también cuadros al óleo, esculturas, digitales e ilustración. En una entrevista realizada al artista al preguntarle cuáles eran sus influencias nos dijo “sabes que no se, siempre me acuerdo que lo primero que me llamó la atención de chico fueron los dibujitos animados, la animación japonesa, luego Dalí y luego los dibujos otra vez; los relatos de ficción como El Señor de Los Anillos y Lovecraft.” Podemos ver que aunque Sordi está influenciado como dijo por los dibujos animados, tampoco tiene muy en claro lo que lo influencia, obviamente está influenciado por artistas anteriores como Dalí y otros pero parece no saber claramente cuáles son, esto nos da a entender que aunque los artistas actuales estén influenciados por los artistas más antiguos, estos desconocen su existencia o tal vez los han visto pero sin saber quiénes son o sin investigar a profundidad para conocerlos mejor. También podemos ver que Sordi utiliza una seria de elementos gráficos que se repiten que utiliza para dar profundidad y perspectiva a sus composiciones y aunque sabe usarlos, no sabe bien lo que son ya que el mismo los definió como “cosos en 3D, o decorado” y en algunos casos tentáculos en las criaturas para darle cierta curva y continuidad a la composición. Sordi abarca muchos de los tipos de arte: digital, escultura, pintura y dibujo. Todas conectadas entre sí por lo que podemos interpretar como un mundo de fantasía creado por el artista, todos los personajes utilizados por Sordi aparecen en varias de las composiciones dando a entender que no son elementos aislados sino personajes que integran un todo. Las obras de este artista nos muestran un mundo de fantasía y ciencia ficción que solo él conoce en el que se cuentan historias y se producen situaciones que a simple vista solo el podría entender. Artistas como Sordi utilizan más los medios digitales debido a que en la computadora poseen infinita cantidad de colores y pinceles que no podrían tener en la vida real esto les da la posibilidad de explorar mas técnicas, expresarse mejor o dar efectos que ellos desean que de otras maneras no podrían debido a lo costosos que suelen ser las pinturas, pinceles y otros materiales necesarios para el arte.

LA MIRADA ES EL CENTRO DE MUCHOS CUADROS DE SORDI Y FUNCIONA COMO UNA PUERTA DE ENTRADA O UN PUNTO DE CONTACTO.

www.alejandrosordi.com

8 | ENTERATE

BAUHAUS_100 (X3) El nuevo proyecto tipográfico de BunkerType Tres etapas, tres sedes, tres directores, tres figuras geométricas. El concepto de Trinidad parece casi ligado a la historia de la Bauhaus, y así lo ha querido mostrar BunkerType en su último proyecto Bauhaus_100 (x3), un tríptico que homenajea a la gran escuela de arquitectura, diseño, artesanía y arte fundada en Weimar en 1919 que el presente año conmemora el centenario de su inauguración.

l último trabajo de BunkerType, Bauhaus_100(x3), rinde tributo a la escuela de arquitectura, diseño, artesanía y arte fundada en Weimar en 1919 en conmemoración del centenario de su inauguración. Se trata nuevamente de un trabajo de revisión y reinterpretación de un pasado que reivindica como vigente y del que todavía queda mucho por aprender. No es fácil huir de los tópicos y mantenerse reconocible, así que Jesús Morentin —diseñador de BunkerType— parece que directamente los asuma para tratarlos, eso sí, en un modo en que uno no espera. Aparecen las recurrentes formas geométricas básicas, pero no como elementos significantes, sino como simples contenedores. Aparecen imágenes, pero no retratando las ya conocidas obras o espacios, sino que la intangibilidad del espíritu de quienes habitaban la escuela y de sus aventuras. Según reza el texto de Juan Agustín Marcano que acompaña el proyecto «aventuras de descubrimiento e igualdad, donde el mérito y la diversión corrían a raudales y sin complejos, atreviéndose a romper todas y cada una de las convenciones establecidas». Incluso los innegociables colores primarios transmutan a metálicos primarios (oro, plata y bronce) recalcando, más si cabe, la singularidad de la conmemoración. Una colección que consta de tres composiciones, como siempre en el caso de BunkerType, impresas con tipos móviles de madera y plomo, en

la que todos los procesos —tanto de montaje como de impresión— han sido íntegramente manuales y que vienen a completar los trabajos de revisión histórica que Jesús Morentin inició con The New Call —en el que reinterpretaba la paradigmática revista editada por artista holandés entre los años 1923 y 1926—, su personal y crítica visión de la sociedad y política españolas con el proyecto Spain Is Different —en el que gracias a la colaboración con la Foundation Gerd Arntz Estate interpretó el singular y rico universo icónico del artista gráfico alemán—, y Futura_90, un homenaje a la tipografía que diseñó Paul Renner en 1927 en ocasión de su nonagésimo aniversario. Puede ser que no la conozcas pero es parte de tu vida, de la imagen que del mundo tienes. De hecho, es el pilar básico de las artes visuales del siglo XX y XXI. Bauhaus es la escuela, el proyecto que determinó de forma absoluta la manera en la que entendemos cual ha de ser la forma de los muebles, de la arquitectura, de los objetos y el diseño gráfico durante los últimos dos siglos. Y eso a pesar de que los fascistas la intentaron enterrar en el olvido. Lo que ellos no sabían es que Bauhaus era semilla y floreció. Y aún florece. Bauhaus fue el descubrimiento de que lo útil y popular puede además ser bello, uniendo el Arte a la Técnica, dándole un nuevo sentido al termino «Artesanía», combatiendo la fealdad y la misería de la era industrial, sucia,

oxidada y polvorienta. Bauhaus abrió un hueco entre nubes de humo y la luz penetró. Y ya son 100 años de luz que siguen luciendo en todo su esplendor, jovial y fresca, como una tarde de primavera. La juventud y la vida son persistentes y obstinadas tanto en seguir viviendo como en disfrutar. Y las utopias. Siempre parecen haberse ido cuando, realmente, han estado ahí, agazapadas, haciéndonos andar hacia ese horizonte que nunca alcanzamos pero que nos hace andar, movernos, avanzar. La historia de la Bauhaus es la historia de una Trinidad, de tres sedes, tres directores, tres etapas y tres aventuras de descubrimiento e igualdad, donde el mérito y la diversión corrían a raudales y sin complejos, atreviéndose a romper todas y cada una de las convenciones establecidas. Resulta curioso saberse hijos de ellos en un obscura época de conformismo y ausencia de militancia. Curioso, en el mejor de los casos.

www.bunkertype.com

DISEÑO GRÁFICO | 9

Sobre Jesús Morentin Ligado desde 1996 a la docencia y diseñador gráfico de formación, Jesús Morentin inició en 2009 un proyecto de investigación y recuperación de antiguos métodos de impresión con procesos íntegramente manuales usando tipografías de plomo y madera y creó su propio estudio-taller, BunkerType, un espacio en el que únicamente desarrolla proyectos de tipo personal. En ellos combina una visión cercana al ámbito de lo artístico, aunqué filtrada por la mirada del diseñador y buen hacer y la técnica de los antiguos impresores, buscando que los que los tipos móviles sean siempre los auténticos protagonistas. Así es como Jesús Morentin, «Bunkerman», el hombre escondido tras el bunker decidió llegar a este trabajo, homenajear a aquellos que sobrevivieron en espíritu en su centésimo aniversario. ¡Qué viva la semilla sembrada en el Bunker!

EL SURREALISMO DE BEN ZANK

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Pattern trader, 2017

FOTOGRAFÍA | 13

l fotógrafo neoyorkino Ben Zank, tiene ojo para lo inusual. Extrañas yuxtaposiciones, incómodos inconvenientes y, a menudo, la lucha de la vida misma se expresan a través de su fotografía surrealista y bizarra. Zank a menudo retrata figuras aparentemente en medio de un conflicto personal. Sin embargo, a pesar de la adversidad en cada foto, el elemento del humor parece estar constantemente presente. Es difícil no reírse y sonreír ante los absurdos problemas que concibe para cada toma, recordándonos a todos que a veces debemos dar un paso atrás y simplemente reírnos de lo ridículo de este mundo. En sus fotos Ben acostumbra a desafiar al espectador (autorretratos en su mayoría) con juegos dramáticos y trampantojos. El artista afirma que su mayor logro es hacer que una escena pequeña con un entorno apropiado parezca mucho más grande de lo que es. Otro de los recursos habituales de Zank son las líneas y el aparente riesgo que acostumbra a contrarrestar con un toque de humor. Cuando ves por primera vez las fotografías de Ben Zank te das cuenta de por qué es un artista que da que hablar. Sus imágenes tienen ese toque surrealista que separa el retrato de la fotografía artística. Ya sea innovando con lo que él mismo denomina “fotografía en movimiento” (una especie de vídeo en el que congela o ralentiza al máximo un instante) o consiguiendo autorretratos que lleva al lími- EL SURREALISMO DE BEN te, este joven de 26 sabe NOS TRASLADA A OTROS cómo sorprender. Zank nos involucra en su mundo que bien podríamos denominar onírico, pues tiene más de sueño que de realidad. Esta fantástica creación de Zank nos muestra lo que las palabras no pueden expresar. Nacido en Nueva York, la ciudad estadounidense de los artistas por excelencia, Ben no desarrolló un interés por la fotografía hasta que, a los 18, encontró en casa de su abuela una Pentax ME súper. A pesar de ello, Zank cursó los estudios de periodismo. Una vez finalizados fue consciente de que, para él, la mejor forma de expresar sus ideas era a través de las imágenes. De hecho, uno de sus primeros y más reconocidos trabajos se titula ‘When Words Fail’ -cuando las palabras fallan-, la mejor forma de recordar que mediante las imágenes llega a donde no podía llegar con sus textos periodísticos. Para él, dice, la fotografía es un hobby que le da dinero. En la mayoría de sus imágenes él es el protagonista. Ben Zank hace lo que sea necesario para conseguir la fotografía perfecta. Esto conlleva un riesgo, pues él mismo se encarga de llevar al límite su cuerpo. Se ha sumergido en agua helada, se ha tomado fotografías en medio de carreteras con poca visibilidad, se ha introducido en tuberías, grietas y pozos pero siempre ha conseguido lo que quería: captar el instante ideal y hacerlo único. Sus personajes se funden con el entorno anulando las barreras físicas para convertir sus imágenes en reflejos surrealistas de las emociones internas del propio espectador.

ZANK MUNDOS

EXPLORANDO EL SUBCONSCIENTE

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The Bind, 2013

La visión artística de Ben Zank está guiada por el subconsciente, que explora sus propias experiencias emocionales para dar forma a imágenes que traspasan los límites de la realidad. Nacido y criado en Riverdale, distrito del Bronx, Zank asegura que sus orígenes le permitieron desarrollar su creatividad sin restricciones, gracias a todos los rincones y grietas que su barrio le ofrecía y que él convertía en objetivo y escenario de sus fotografías. Su fascinación por los fotógrafos capaces de transformar el entorno a su voluntad termi nó por afianzar una trayectoria marcada por el surrealismo.

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ENTREVISTA ¿Cómo es nacer y crecer en el Bronx? Crecí en Riverdale, que es una extraña parte del Bronx donde la ciudad se mezcla con el extrarradio de una forma que no he visto en ningún otro lugar. En un lado tienes apartamentos en la colina y en el otro casas junto al río Hudson. ¿Cómo afectó ese background al hecho de convertirte primero en periodista y más adelante en fotógrafo? Supongo que tuve suerte de no haber crecido en Manhattan, porque tanto como me quejo de no tener lugares para hacer fotos, Riverdale sí que tiene rincones y grietas perfectos para fotografiar. Había suficiente espacio abierto para salir y crear, mientras que en la ciudad pudo haber sido mucho más restrictiva. ¿Por qué elegiste el surrealismo como lenguaje visual para tu trabajo? Yo no diría que tuviese opción. De alguna manera se convirtió en mi trabajo, simplemente. Me fascinaban los fotógrafos que manipulaban el entorno a su voluntad, y con el tiempo eso es justo lo que terminé haciendo. No fue un proceso instantáneo. Hay un cierto sentido de la estética en la mayoría de tus fotografías, los trajes hacen juego con el fondo, la ropa es bonita, la selección siempre es la apropiada… ¿Es posible que también te interese la parte estética en tu obra, más allá del concepto del surrealismo? La ropa que uso en mi trabajo complementa la imagen. Realmente no significa mucho más. Por supuesto, esto ha atraído una variedad de clientes que ven que su ropa puede tener cabida en las imágenes. En cierto modo, me gustaría vivir más esa parte, usar la ropa de las fotografías y sentirme siempre como si estuviera dentro de la obra.

¿Cómo afectó ese background al hecho de convertirte primero en periodista y más adelante en fotógrafo? Supongo que tuve suerte de no haber crecido en Manhattan, porque tanto como me quejo de no tener lugares para hacer fotos, Riverdale sí que tiene rincones y grietas perfectos para fotografiar. Había suficiente espacio abierto para salir y crear, mientras que en la ciudad pudo haber sido mucho más restrictiva. ¿Por qué elegiste el surrealismo como lenguaje visual para tu trabajo? Yo no diría que tuviese opción. De alguna manera se convirtió en mi trabajo, simplemente. Me fascinaban los fotógrafos que manipulaban el entorno a su voluntad, y con el tiempo eso es justo lo que terminé haciendo. No fue un proceso instantáneo. Tu trabajo es acerca de tus propias experiencias emocionales. ¿Es esa la razón por la que no muestras rostros, solo figuras humanas anónimas? Muchas veces una imagen que presenta a un ser humano es el escaparate de su cara. Así es como solía hacerlo yo, pero al final terminó aburriéndome. Cuando prescindes del rostro, prescindes también de ese nivel de prejuicios y juicios preconcebidos que involuntariamente se forma el espectador. A partir de ahí es más probable que el espectador se vea reflejado en la imagen.

¿Cuándo decides comenzar con una nueva serie? ¿Cómo planeas tus sesiones? Háblanos de tu proceso de trabajo, desde la inspiración y las ideas, hasta el producto final, pasando por todo el trabajo entre medias. No planteo series. Disparo cuando puedo y a todo lo que puedo. Es todo bastante espontáneo, por desgracia. A veces desearía poder plantearlo todo un poco más, pero de momento me funciona bien trabajar así. ¿Cuál ha sido el mejor espacio en el que has trabajado? ¿El que más te ha inspirado? Puede variar. Recientemente fue en un viaje por carretera a través del sudoeste y encontré una localización muy inspiradora en Utah. Me gustaría regresar pronto. Un fotógrafo al que admires. En realidad admiro a Kanye West.

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EL FOTÓGRAFO QUE NUNCA DA LA CARA

EL ARTISTA CONSIGUE EMOCIONAR CON SUS AUTORRETRATOS SIN NECESIDAD DE ENSEÑAR SU ROSTRO EVITANDO DISTRAER LA ATENCIÓN SOBRE EL RESTO DE ELEMENTOS.

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formar el entorno a su voluntad termi nó por afianzar una trayectoria marcada por el surrealismo. Cuando ves por primera vez las fotografías de Ben Zank te das cuenta de por qué es un artista que da que hablar. Sus imágenes tienen ese toque surrealista que separa el retrato de la fotografía artística. Ya sea innovando con lo que él mismo denomina “fotografía en movimiento” (una especie de vídeo en el que congela o ralentiza al máximo un instante) o consiguiendo

autorretratos que lleva al límite, este joven de 26 sabe cómo sorprender. Zank nos involucra en su mundo que bien podríamos denominar onírico, pues tiene más de sueño que de realidad. Esta fantástica creación de Zank nos muestra lo que las palabras no pueden expresar.

Untitled, 2018

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BEN ZANK Comenzó a hacer fotos con tan solo 18 años por puro placer. Fue el descubrimiento de una Pentax ME Super en el ático de su abuela lo que provocó que comenzara con esta afición. Sus autorretratos tienen como objetivo estirar la imaginación del espectador y expresar sus sentimientos cuando las palabras fallan. Él dice: “No fui a la escuela para la fotografía. En cambio me especialicé en periodismo. Como periodista en la escuela, encuentras que tus propias palabras terminan siendo silenciadas y en su lugar son una narrativa objetiva y casi robótica que se regurgita constantemente.Consecuentemente, me encontré mal expresando mis emociones a través de las palabras. Era bueno en la perorata, pero cualquier significado real sobre mí estaba encerrado en lo más profundo. Mis fotografías son una forma de expresar mi opinión de manera abstracta y sacar a la luz mis emociones“. Encontrá más en: www.benzank.com @benzank

FOTOGRAFĂ?A | 19

Daily Commute, 2017

Daily Commute, 2017 Big brother, 2017

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ARTISTAS

Road to wild Madrid, España Esta pareja de viajeros deslumbran con sus maravillosas fotografías en cada lugar que pasan.

Jonathan Higbee Nueva York, EEUU Fotografías urbanas casualmente ingeniosas.

Pilar Centeno Buenos Aires, Argentina Sus hermosas ilustraciones te harán sentir como niño/a otra vez. Conquista La Plata, Buenos Aires Espacio de producción gráfica, especializados en letterpress.

INSTAGRAM | 21

EN REDES

Sofía Lago Mar del Plata, Argentina Ilustraciones con sentimiento y mucho para decir. Abbey Londres, Reino Unido Pequeñas y dulces ilustraciones de los animales más tiernos que verás.

Chris Hong Ontario, Canada Ilustraciones, principalmente hechas en acuarela, con mucho detallismo y color.

Ignacio Rivas Buenos Aires, Argentina Magníficos collages hechos manualmente y completamente surraelistas.

ARQUITECTURA | 23

FREDDY MAMANI Q

ué me dicen de esa casa sola que se ve desde un avión? La pregunta que León Gieco se hacía en la canción “Pensar en nada” puede tener dos respuestas si se sobrevuelan las cercanías de El Alto, ese suburbio de La Paz que no ha dejado de crecer desde mediados de los años 80 para convertirse en una ciudad de más de un millón de habitantes, la más alta del mundo, a cuatro mil metros del nivel del mar. La primera respuesta nos lleva a una casa, todavía en pie, recostada sobre una serranía en la comunidad aymara de Catavi. Es una vivienda rural, estructura rústica de ladrillos de adobe y techo de paja. La segunda respuesta surge en El Alto, entre el ruido de una infinidad de casas de ladrillo crudo que desde el aire parecen amontonarse como hormigas y entre las que asoma una especie de nave de Star Trek a punto de despegar hacia el espacio. La primera casa, rural y rústica, es el lugar donde nació hace 47 años Freddy Mamani Silvestri. La otra, barroca, andina y espacial a un tiempo, es uno de los cien “cholets” o “cohetillos” que Mamani lleva imaginados y construidos desde 2005 en Bolivia pero también en Perú y el norte de Chile. El pasaje de una casa a la otra resume el proceso de afirmación y expansión de la cultura aymara en la Bolivia de Evo Morales, y la emergencia de una nueva burguesía indígena que encontró en Mamani a su arquitecto-artista. Un Brunelleschi posmoderno y andino que distribuye sus palazzos en un asentamiento urbano que pasó de la fase rural a sus actuales formas laberínticas, salteándose la etapa colonial. “Es bueno que ricos y pobres vivan juntos. Esto no es una zona residencial, la gente que prospera en el barrio con sus comercios y sus negocios no quiere marcharse afuera. Mis obras son como lunares esparcidos por la ciudad”, le dijo Mamani, que vive en El Alto, a El País de Madrid. La atención internacional sobre su obra ha ido creciendo en los últimos diez años. Las crónicas de su vida coinciden en señalar sus comienzos como ayudante de albañil a los 14 años, pero no terminan de ponerse de acuerdo en cuanto a su formación. Unas veces es autodidacta, otras completó sus estudios en una escuela nocturna; a veces es arquitecto e ingeniero, otras simplemente constructor. Quizás en esa zona de incertidumbre sobre la legitimación social de su oficio le pueda caber la categoría más elástica de artista, uno que lleva su atelier encima y que trabaja los diseños en planta, dibujando sobre la pared, asistido apenas con una tablet. Mamani no se parece en nada a los starchitects, arquitectos estrella de la globalización que viajan dejando su firma en las grandes capitales. Más bien al revés: cada vez más especialistas y turistas peregrinan a El Alto para ver sus edificios.

"MI ARQUITECTURA NO ES ARQUITECTURA EXÓTICA, SINO UNA ARQUITECTURA ANDINA QUE TRANSMITE IDENTIDAD Y RECUPERA LA ESENCIA DE UNA CULTURA."

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“NO ME HE HECHO RICO CONSTRUYENDO ESTOS EDIFICIOS, PERO UN ARTISTA NO BUSCA SOLO LA RENTABILIDAD ECONÓMICA” Los “cholets” ya han sido compilados por la historiadora brasileña Elisabetta Andreoli en el libro The Architecture of Freddy Mamani Silvestre (La arquitectura de Freddy Mamani Silvestre), con fotos del boliviano Alfredo Zeballos. Su vida y obra quedó registrada en Cholet: la obra de Freddy Mamani, un largometraje del director brasileño Isaac Niemand con música original del tecnostar Moby que se estrenó hace dos años en el festival de Rotterdam. Luego, en octubre de 2018, la Fundación Cartier le comisionó la instalación de un salón de eventos donde en el marco de las Nomadic Nights se realizó una “Fiesta Andina”. Mamani metió la cultura de El Alto en París y consagró a sus “cholets” en la tapa del catálogo de la muestra Southern Geometries: from México to Patagonia. El historiador paraguayo Ticio Escobar fue uno de los curadores que trabajó en la mues-

tra en Cartier, y analiza el creciente interés por su obra. “Los ‘cholets’ constituyen sin duda una expresiónrefrescante, imaginativa y renovadora que ayuda a enriquecer el repertorio del arte latinoamericano, del que forman parte. Su riesgo es el de todo arte: sucumbir a la sociedad del espectáculo que podría convertirlas en fetiche kitsch o en pintoresquismo exótico latinoamericanista”. El tráiler de Cholet... puede verse en la plataforma online Vimeo y es un inmejorable acercamiento a las obras de Mamani. La panorámica del interior de uno de sus edificios pareciera sumergir al observador en el vértigo de un flipper visto por dentro. Construido a base de vidrio, policarbonato y cristal chino, el interior de los “cholets” brilla hasta la exasperación, a fuerza de cientos de leds y espejos. Esa ilusión de lujo rococó es lo que se le critica a Mamani como kitsch y lo que le

para referirse con desprecio a la etnia aymara. Como suele suceder, la palabra fue apropiada positivamente y hoy da la vuelta al mundo como una contribución genuina de América Latina a la estética urbana del siglo XXI. En rigor, el “chalet-cholo” es el último piso reservado a los dueños del edificio. El resto de la estructura respeta un axioma del diseño: la forma sigue a la función. En este caso, parece representarse una forma de vida particular, la del capitalismo de El Alto. Mamani lo explica así: “La ideacentral pasa por una construcción en la que todo sea rentable: la planta baja, dividida en locales, estará dedicada al comercio; la segunda, de unos 600 metros cuadrados, se alquila como sala de fiestas o para banquetes de boda, con habitación para los novios y caja fuerte incluida; en la tercera se ubican varios apartamentos que también salen a renta, y en la cuarta se construye el chalet para que vivan los dueños del edificio.

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Una vez acabado, todo debe servir para generar dinero. Así lo quieren los propietarios”. La descripción de Mamani parece auscultar no solo la planta de sus edificios-obra sino también la estructura social de la “choliburguesía”. Por fuera, sus “cohetillos” son una oda extrema al sincretismo. La potencia estética rinde culto a los monumentos de la cultura preincaica de Tiwanaku, a solo treinta kilómetros, en una de las orillas del lago Titicaca. Así, las fachadas incorporan formas de serpientes, cóndores y pumas al tiempo que exhiben la paleta cromática de los “aguayos”, tejidos populares de las mujeres de la zona.

Esta fuerte marca de identidad estética está cruzada por atisbos de un espacialismo de ciencia ficción que a Mamani le llegó a través de la iconografía de los videojuegos de los años 80. En ese sentido, sus obras son monumentos retrofuturistas enclavados en una ciudad paradigmática de la economía de mercado informal. El Alto, con su mezcla de comerciantes, exmineros y campesinos, ha sido el tablero de ajedrez donde surgió una forma estética tan inesperada como la de Mamani, y también la plataforma de despegue del liderazgo de Evo Morales. En una radiografía de la ciudad publicada por The New York Times, Benjamin Kohl, profesor de estudios urbanos de la Universidad de Temple (Filadelfia), expresaba: “El Alto es al mismo tiempo la ciudad más revolucionaria de toda América Latina y la más cercana al neoliberalismo, la ciudad más individualista de todo el continente”.

Lo más parecido al corazón de esta ciudad es, entonces, el mercado al aire libre que atesta las calles los sábados y domingos. Cientos de vendedores comercian allí todo tipo de bienes: remeras usadas que llegan en fardos desde los Estados Unidos; autos nuevos y viejos (también robados); armas; piernas y cabezas de muñecas Barbie rotas; guitarras eléctricas, momias de bebés llama. Cada semana se vuelcan millones de dólares en este mercado que opera fuera de cualquier regulación estatal o estructura impositiva. Las obras para habitar de Mamani están hechas también de esta riqueza desprolija y se cotizan entre los 200 y 300 mil dólares cada una.

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FREDDY MAMANI Freddy Mamani Silvestre (1 de noviembre de 1971) es un ingeniero, albañil y arquitecto autodidacta boliviano,1reconocido por su trabajo conocido como Nueva arquitectura andina o Arquitectura Transformer, c on más de 60 proyectos construidos en la ciudad boliviana de El Alto. Nació en una pequeña comunidad aimara llamada Catavi, ubicada en el cantón de Konani, en el municipio de Sica Sica de la provincia de Aroma del departamento de La Paz. Comenzó a trabajar a los 14 años como asistente de albañil. En 1986 realizó sus estudios en la Facultad Tecnológica de Construcciones Civiles en la Universidad Mayor de San Andrés. Luego, cursó la carrera de Ingeniería Civil en la UBI. Encontrá más en: @freddy_mamani_silvestre Documental "Cholet: el trabajo de Freddy Mamani"

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ROMAIN NICOLOSO

ormado como diseñador industrial, Romain Nicoloso es un apasionado del dibujo y la creatividad. “El arte y la creación son dos elementos que siempre han formado parte de mi vida. Al observar otras obras de Basquiat, Klimt o Frank Loyd White, mi deseo de crear y dibujar realmente cobró vida”. Este artista con base en Hong Kong ilustra a partir de sus fotografías diferentes historias que relatan acontecimientos particulares de su vida desde un encuentro, un viaje o un sentimiento que sintió en un momento. Los representa en forma de elementos (animales, objetos cotidianos…) o procedentes de su imaginación. Mediante contornos blancos que hacen de estos una manera de marcar esta diferencia entre el mundo real y su imaginación. Romain Nicoloso, diseñador industrial, siente pasión por el dibujo y la creación. "El arte y la creación son elementos que siempre han sido parte de mi vida. Al observar las obras de Basquiat, Klimt o Frank Loyd White, mi deseo de crear y dibujar se manifestó rápidamente." Por su cuenta Instagram, este artista ilustra a partir de sus fotografías diferentes historias que relatan eventos particulares de su vida como una reunión, un viaje o un sentimiento en un momento dado. Los representa en forma de elementos conocidos (animales, objetos cotidianos ...) o totalmente fuera de su imaginación (transbordador espacial, brazo telescópico en la ciudad ...). "La mayoría de las veces, cuando tomo una foto, la idea de ilustración aparece instantáneamente después. También navego por mis fotos antiguas para crear nuevas ilustraciones. Siempre me ha encantado imaginar el mundo a mi alrededor de manera diferente. Por eso quise compartir esta visión a través de mis ilustraciones. Los contornos en blanco son una forma de marcar esta diferencia entre el mundo real y mi imaginación." El dice

"LA VIDA NO SE TRATA DE ENCONTRARTE A TI MISMO, LA VIDA SE TRATA DE CREARTE A TI MISMO."

¿Su objetivo ? Dar el deseo a su audiencia para crear su propia visión del mundo. "Mis ilustraciones son un reflejo de mi personalidad y del alma de mi hijo. Esto es lo que quiero compartir con mi audiencia para darles el deseo de crear y hacer que su día a día sea más colorido. El arte está cada vez más presente en nuestras vidas, lo que lo hace más colorido y, por lo tanto, más agradable." El dijo.

@romainnicoloso

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FERIA MIGRA Es una feria de publicaciones y arte impreso, creada con el objetivo de incentivar y ser un espacio de intercambio,producción y representación desde una perspectiva novedosa, educativa estética y contemporánea al nicho de las publicaciones y arte impreso. "Creamos un espacio para reunir a los que hacen del arte impreso una forma de vida." 6, 7 y 8 de Junio | 16 a 22 hs. Cooperativa Cultural QÍ, Thames 240

FESTIVAL PROVINCIA EMERGENTE La Plata vuelve a convertirse en sede de la mayor celebración de la música y la cultura urbana bonaerenses. La cuarta edición del Festival Provincia Emergente tiene más de 212 actividades y espectáculos a cargo de 557 artistas en 31 disciplinas; todo, como siempre, con entrada libre y gratuita. 7, 8 y 9 de Junio | a partir de las 14 hs. Estadio Único Ciudad de La Plata

GRÁFICA PRESIÓN Encuentro abierto de gráfica contemporánea que reúne a personas expertas o principiantes interesadas en aprender, ayudarse mutuamente intercambiar pareceres y visualidades. En su sexta edición, el festival libera la consigna: ¿Para dónde va la micro de la gráfica? Y proclama al 2019 como "El año de la liberación de las imágenes". Entrada gratis. Capacidad limitada. Sábado 15.06 | 15 a 20 hs. Centro Cultural Recoleta | Sala C

FERIA MEET AND PRINT VOL. II Este taller, convocado por el estudio de serigrafía artística House of Prints (Buenos Aires), será un encuentro de serigrafistas que buscan unir fuerzas, compartir conocimientos y generar un espacio de difusión de la técnica. Entrada gratis. Capacidad limitada.

Sábado 22.06 | 15 a 20 hs. Centro Cultural Recoleta | Sala C