GUY BOURDIN
Guy Bourdin Nacido en Francia en 1928, Guy Bourdin es mejor conocido por su fotografía altamente experimental. Trabajando predominantemente en color, Bourdin fue un contribuyente clave de la Vogue francesa desde 1955 hasta finales de los 80, ampliando los límites de la fotografía de moda, presentando imágenes atrevidas, a menudo provocativas, con una estética contemporánea única. Realizado en Francia en la década de 1950, el primer trabajo experimental de Bourdin cierra la brecha entre el surrealismo y la fotografía subjetiva, al tiempo que se basa en el pasado y al mismo tiempo adopta las tendencias actuales. El pasado en su caso es la influencia del surrealismo que se puede ver en la forma en que Bourdin aborda la naturaleza muerta y el retrato. Esta influencia surrealista en su trabajo a menudo se atribuye a su estrecha relación con Man Ray, quien en 1952 escribió el catálogo para la primera exposición individual de Bourdin. Con la mirada de un pintor, Guy Bourdin creó imágenes que contenían historias fascinantes, composiciones, tanto en blanco y negro como en colores. Fue uno de los primeros en crear imágenes con narrativas, contando historias y muestra que la imagen es más importante que el producto que se muestra. Usando la fotografía de moda como su medio, envió su mensaje, uno que era difícil de decodificar, explorando los reinos entre lo absurdo y lo 2
sublime. Famoso por sus sugerentes narrativas y su estética surrealista, rompió radicalmente las convenciones de la fotografía comercial con un perfeccionismo implacable y un humor agudo. Guy Bourdin era un creador de imágenes, un perfeccionista. Sabía captar la atención del espectador y no dejó nada al azar. Creó sets impecables, o cuando no estaba filmando en su estudio rue des Ecouffes en le Marais, en habitaciones sin distinciones, en la playa, en la naturaleza o en paisajes urbanos. Los dramas inusuales que se desarrollan en estas escenas aparentemente cotidianas y encuentros ordinarios despiertan nuestro subconsciente e invitan a nuestra imaginación. Además, desarrolló una técnica utilizando colores hiper reales, composiciones meticulosas de elementos recortados, como cielos bajos con terrenos altos y la interacción de luces y sombras, así como la composición única de los modelos. Su obra ha sido expuesta en los museos más prestigiosos, como el Museo Victoria & Albert, la Tate Modern, el Jeu de Paume, el Museo Getty, el Museo Nacional de Arte de China, el Museo Metropolitano de Fotografía de Tokio y la Casa de Fotografía de Moscú. Sus obras forman parte de la colección de muchas instituciones prestigiosas como el MoMA en Nueva York, el Museo Getty en Los Ángeles, SFMOMA en San Francisco y la colección de V&A, entre otras.
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Elegimos al fotógrafo Guy Bourdin por la gran cantidad de recursos estéticos que utiliza a lo largo de toda su obra. Va desde fotografías en blanco y negro hasta los colores más saturados, pasando por casi todos los tonos. Le presta atención hasta el más mínimo detalle en el armado de sus escenas. Pasando por todas sus fotos, podemos observar la variedad de composiciones realizadas, utilizando distintos planos, encuadres, sobreencuadres, texturas, luces y sombras, entre otras cosas. Por estos motivos, nos pareció una buena opción para poder analizar los diversos elementos compositivos. 5
Para comenzar el análisis de esta fotografía, podemos destacar el punto de interés que funciona como entrada a la imagen, en este caso es la mirada de la mujer, que mira fijamente a la cámara, llamando la atención del espectador. Esta idea está reforzada por el uso de un marco formado por la ventana del automóvil, que reencuadra la cara de la mujer, destacándola del resto de la imagen. Y también ubicando su cara en uno de los puntos de interés fuertes de la imagen (regla de los tercios). Continuaremos analizando el uso de las líneas horizontales, las cuales le aportan estabilidad a la imagen, acompañado del uso de la regla del horizonte, la cual ubica al cielo y el mar en el tercio superior de la imagen, dejando así los otros dos tercios ocupados por el suelo. Esta idea se contrapone con el uso de la línea diagonal formado por el cuerpo de la mujer, que viene a romper esta estabilidad, y nos da la idea de movimiento e inestabilidad. También se podría pensar que el uso de estas líneas horizontales nos trasmiten calma, y la diagonal, al estar en movimiento, nos genera una tensión. Podemos destacar también el uso de la continuidad de las líneas, que están perfectamente alineadas unas con otras, generando así distintos planos o figuras. Además, al abarcar el suelo la mayoría de la imagen, dejando así una pequeña porción para el cielo y el mar, nos transmite la idea de robustez y fuerza en vez de transmitirnos calma. Concepto que refuerza con el uso de rectángulos formados por las líneas y también con el sobreencuadre. Creemos que 6
ANÁLISIS DE SIGNOS PLÁSTICOS
intenta transmitir una posición de fuerza o dominación de la mujer, en contraposición a lo generalmente utilizado para retratar al cuerpo femenino, que es el uso de curvas y formas más orgánicas, que en este caso se pueden apreciar en la forma de sus piernas y la posición de su brazo. También al decidir esconder su cuerpo en vez de mostrarlo, ya que solo podemos ver su cara, brazo, mano, piernas y pies. Seguiremos analizando el uso de la direccionalidad en esta imagen. Podemos ver en primer lugar la cara de la mujer, que luego nos lleva la mirada hacia sus pies y estos luego nos trasladan hacia el cartel de “STOP” que también contiene una flecha que nos vuelve a llevar la mirada hacia la cara de la mujer, formando así un triángulo que se repetirá cada vez que veamos la imagen. En segundo lugar, podemos ver la direccionalidad en las líneas horizontales de la imagen, llevándonos hacia la izquierda, idea también reforzado por el uso del fuera de campo, todo lo que no podemos ver de la imagen e imaginamos, como el resto del automóvil que estaría por fuera del encuadre. La asimetría en la imagen refuerza la idea de tensión y también ayuda a centrar la mirada del espectador en la cara de la mujer. Utiliza un plano entero para poder mostrar la totalidad del cuerpo de ella, coincidiendo con la altura de la puerta del automóvil, sin dejar mucho aire por encima, lo cual nos recuerda la idea de poder. El uso de la angulación normal y la altura de la cámara nos hace pensar que podríamos estar a la misma altura que ella. Para hablar del color en la imagen, podemos destacar el uso del par complementario formado por el rojo y el verde (colores opuestos). El verde de la puerta nos transmite la idea de fuerza, en cambio el rojo del cartel, nos transmite la idea de atención o advertencia, también reforzado por la palabra “STOP”, que luego nos dirige hacia el rojo en los labios de la mujer, y finalmente nos dirige hacia los zapatos de color dorado. Idea también reforzada por el uso del cartel que dice “ONE WAY” que nos hace pensar que “el único camino es ir hacia los zapatos”1. Acompañado por la idea de la direccionalidad y el triángulo previamente explicados. También creemos que el uso de la saturacion en la imagen, la cual está mayormente desaturada excepto por la puerta y la mujer donde usa el color de forma más saturada, haciéndolo más vibrante y llamativo.
Esta fotografía fue realizada para una campaña de la marca de zapatos Charles Jourdan para la revista VOGUE francesa.
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Por último, utiliza la luz artifical para dar énfasis a la puerta y las piernas, resaltando así sus zapatos; y luz natural para iluminar el resto de la escena. 7
Charles Jourdan Campaña Publicitaria 1979
Podemos observar cómo se transmite algo completamente distinto al cambiar el nivel de saturación.
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En esta imagen predomina el uso de la perspectiva, es lo que más nos llama la atención apenas la vemos. Esta perspectiva genera un punto de fuga que nos da la idea de profundidad y continuación, así también como de dirección; si caminásemos por ese sendero rojo nos llevaría hasta el edificio situado al final del camino. Esta perspectiva está reforzada por los cuatro triángulos que se delimitan a partir de los límites entre los objetos, que son esas líneas diagonales. Estas líneas además de generar profundidad, generan tensión en la imagen, así como también la idea de movimiento (podríamos pensar que el tren está por irse o que acaba de llegar). Podemos encontrar muchas diagonales en esta imagen, como el tren, el senderero de color rojo, el muro ubicado sobre la derecha y el cielo en la parte superior. También podemos observar varias líneas verticales y horizontales, como las columnas y bases del muro, o las ventanas y puertas del tren, pero en vez de diferenciarlas separadamente, las entendemos como una gran franja
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diagonal y las entendemos como un todo (ritmo). Este concepto genera la idea de ritmo, que también refuerza el concepto de profundidad. El círculo ubicado en el centro de la imagen nos da la idea de estabilidad y equilibrio, además de llevarnos la mirada hacia él. También se utiliza para dirigir la mirada hacia el banco, para luego llevarnos hacia los zapatos, formando de esta manera un recorrido y también aportando un poco de suavidad a la imagen con el uso de líneas curvas. Utiliza una luz ténue para darle protagonismo a los zapatos, y también delimita otra franja diagonal formada por la sombra del banco, convergente con el sendero rojo. Como en la imagen anterior, en esta también se basa en la regla de los tercios, ubicando a los zapatos en uno de los puntos fuertes de interés. Si bien la imagen en primera instancia parece simétrica, la posición del banco opuesto al vacío que tiene detrás la
convierte en una imagen asimétrica, pensando también en la oposición entre el espacio ocupado por el tren y el vacío hacia la derecha de la imagen, que nos deja pensar en la llegada de otro tren. Aquí vemos un contraste entre un espacio lleno y otro vacío, que también podemos encontrar entre la ausencia y presencia de la figura humana, ya que si bien nos hace pensar que hay una mujer por la presencia de las piernas y pies, su cuerpo en la imagen realmente no está. Pensamos que esta ausencia dialoga con la ausencia del tren, el vacío sobre las vías, haciéndonos pensar que ella podría estar esperando el próximo tren o también pudo haberse ido. También encontramos un contraste entre el color oscuro del tren y el claro del muro sobre la derecha. Respecto al color en la imagen, vuelve a utilizar el par complementario de rojo y verde, agregando el amarillo y el celeste. La mayoría de los colores están desaturados1, excepto por el amarillo utilizado en la línea superior del tren.
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A primera vista, lo que nos atrae de esta imagen es el uso de los colores. Podemos notar dos pares análogos de colores, uno en los tonos azules del cielo y otro entre el color del pelo, la malla y los zapatos de la mujer. Estos entre sí también son colores opuestos entre fríos y cálidos, lo que genera un gran contraste. Los tonos fríos, en este caso, nos transmiten calma y libertad, mientras que los cálidos, nos dan la idea de altas temperaturas y verano, estos también nos acercan y aumentan el tamaño de los objetos, mientras que los otros, los alejan y reducen. Colocar un tono azul en el último plano y uno rojo en primero, nos aporta profundidad a la imagen. Además el color rojo es tan atractivo que nos lleva la mirada hacia el objeto principal de la imagen (la mujer).
Charles Jourdan Campaña Publicitaria 1977
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ANÁLISIS DE SIGNOS PLÁSTICOS
El alto nivel de saturación de la imagen genera mucho impacto ya que tiene mucha vibración visual, lo cual capta mucho nuestra atención. La imagen con menores niveles de saturación
El color rojo en la malla y el pelo, nos transmite la idea de fuerza, seguridad y confianza, que también lo podemos interpretar por cómo está tomada la foto, con una elección de un plano entero y una angulación entre normal y contrapicada, tomada desde una baja altura, en el que ella parece mucho más grande que el resto de la imagen. También el hecho de que esté sentada, bien al borde inferior de la imagen y sin dejar mucho aire del lado superior, nos da la idea de estabilidad, de que ella está bien plantada en la imagen, aspecto que podemos observar también por la composición simétrica y equilibrada de la fotografía. Si tenemos en cuenta el contexto en donde se encuentra esta mujer, podríamos llegar a pensar que se encuentra en una situación de peligro. En cambio, por la forma en la que está sentada y al haberse sacado los zapatos, nos hace pensar que está tranquila y relajada, descansando del extremo calor, o quizás esperando a alguien. Las curvas en su cuerpo suavizan un poco la imagen, en contraste con el resto de los elementos. También nos transmiten sensualidad, elegancia y delicadeza, signos claramente femeninos, que nos muestran que ella podría estar tranquila y segura llevando la ropa que quisiera en un mundo no tan machista. Para analizar la iluminación, podríamos pensar que la fotografía fue tomada durante las primeras horas de la tarde, ya que las sombras están bien definidas, lo cual nos indica que es una luz dura, natural y de direccionalidad equilibrada. Por último, la línea horizontal nos da la idea de estabilidad, serenidad y continuidad hacia ambos bordes de la imagen, en el fuera de campo. 11
En esta fotografía podemos analizar el centro de interés, que guía la mirada del espectador al elemento principal y le da un sentido a la imagen. Lo primero que nos llama la atención en la imagen es el rostro humano, refrozado aún más por la mirada, nuestra atención se dirigirá directamente a sus ojos, que además está mirando hacia la cámara, lo cual nos da la idea de que está mirando al espectador y así interactua con él. La composición axial de la imagen también nos guía la mirada hacia el centro de interés. Los elementos están ubicados de manera tal que quede el elemento principal en el centro y esto también dirige la mirada del espectador. La fuerza de los elementos además es centrípeta, todo lo que vemos en la imagen nos lleva la mirada hacia adentro, justamente ubicada en el centro. La simetría y el peso visual de la imagen también aportan los mismos conceptos, además de transmitirle armonía, estabilidad, rigidez y orden a la imagen. En este caso, la ubicación de los elementos nos da la sensación de que la mujer está atrapada o encerrada, rodeada de tantos paragüas, rodeada de una multitud. Parecería que no tiene forma de moverse de ese lugar. También nos da la sensación de continuidad en el fuera de campo, como si hiciéramos un zoom out en la imagen, veríamos aún más y más paragüas, quizás infinitos. Estas ideas las podemos notar gracias al encuadre de la imagen, que recorta a los paragüas, y al ritmo generado por la repetición de los elementos, que nos hace pensar que la imagen continúa y nos aporta textura. Con respecto all color también funciona guiando la mirada hacia el centro de interés. Por un lado, utilizando el contraste entre el negro y el blanco del rostro, acompañado por el rojo y el azul, que resaltan aún mas la mirada de la mujer. Por el otro, el uso del color rojo, que es un color cálido, nos aproxima y nos pone la mirada en primer plano, nos acerca y aumenta el tamaño de la mirada, además de captar nuestra atención. Esto también se refuerza con el contraste con los tonos fríos del azul. A su vez, el color negro le aporta elegancia y sensualidad, aspectos que también nos transmiten las formas curvas de los paraguas, que suavizan y armonizan un poco la imagen. 12
ANÁLISIS DE SIGNOS PLÁSTICOS Vogue Francia, Diciembre 1976 - Enero 1977, 1976
También podemos percibir la idea de que la mujer podría estar escapando u ocultándose de alguien. Esto lo pensamos a partir del color negro, que nos da la idea de misterio y seriedad, de la mirada de ella hacia atrás, y el hecho de que esté tapada por todos esos paraguas, que son posibles gracias a la angulación picada y la altura de la cámara, que nos permiten verla a ella desde una mayor altura, lo cual nos hace parecer que es más chicas y más vulnerable. Por último, la direccionalidad de la luz logra el contraste en la escena, y así podemos ver las diferencias de luces y sombras reflejadas en los paraguas, y también les aporta volumen, textura y detalle. La luz dura jerarquiza la mirada y nos permite hacer un recorrido por las zonas más iluminadas de la escena, además de profundizar las formas. 13
Charles Jourdan, CampaĂąa Publicitaria, 1978
ANÁLISIS DE SIGNOS PLÁSTICOS
CONCLUSIÓN Para finalizar, podemos concluir lo importante que es saber manejar las herramientras técnicas y tener conocimiento de los elementos compositivos para la realización de las imágenes. Así, podemos tener un control total sobre lo que queremos transmitir, usando correctamente los conceptos aprendidos en la fotografía. Todos estos elementos adquieren sentido si son bien utilizados, en conjunto con otros, y ese sentido tendrá un poder significativo en las imágenes y podrán transmitir un mensaje. Luego de analizar la obra de Guy Bourdin, vemos claramente cómo estos elementos ayudan a componer la imagen, y cómo le aportan sentido y significado. Vemos lo distinto que nos transmite una imagen con colores saturados a una con colores desaturados, una en blanco y negro a otra con colores, una con tonos cálidos a otra con tonos fríos... cómo con la simple elección de los colores podemos pensar que una escena puede ser tranquila o perturbadora. Vemos la diferencia entre una imagen simétrica a otra asimétrica, cómo una nos transmite estabilidad y la otra movimiento. Cómo la angulación de la cámara nos puede hacer parecer que una persona es vulnerable o poderosa... En resumen, cómo todos los elementos compositivos le aportan sentido a la imagen y nos transmiten ideas y pensamientos, cómo nos generan una “escena” en nuestras cabezas.
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Imรกgenes con distintos tonos de color
Imรกgenes con distintos niveles de saturaciรณn
Imagen con desencuadre
Imagen con marco
Imagen con plano general
Imagen con plano detalle
Imagen con angulaciรณn picada
Imagen con angulaciรณn contrapicada
Charles Jourdan, Campaña Publicitaria, Otoño 1979
Fuentes: https://www.instagram.com/guybourdinofficial/ https://www.guybourdin.org/guy-bourdin http://www.louise-alexander.com/artist/guy-bourdin/