Desde la Bauhaus hasta la Escuela de Nueva York
-Agustina Andreani -Sofia Ugarte -Franco Villegas -Natasha Levin -Lucas Luna
Indice I. Bauhaus II. Ulm III.Entreguerras IV. Suiza V. Escuela de Nueva York
Bauhaus Se conoce como Bauhaus un movimiento artístico que surgió en 1919 en Weimar, Alemania. Su fundador fue Walter Gropius, un arquitecto, diseñador y urbanista. Dicha institución era una escuela de diseño que fomentaba entre sus alumnos el uso de materiales innovadores para el desarrollo de construcciones, muebles y diversos objetos. El objetivo de Gropius era que las creaciones combinaran funcionalidad y estética. La presión del nazismo sobre la entidad, a la que consideraba socialista y cuyos directivos eran judíos, provocó su cierre. La influencia de la Bauhaus llegó a diversos ámbitos. Además de la arquitectura y de distintas ramas del diseño, varias disciplinas artísticas siguieron los postulados del movimiento. La Bauhaus, sobre todo en su primera etapa, proponía recuperar los métodos artesanales en la construcción y buscaba favorecer la comercialización de productos que fueran accesibles para la mayor parte de la sociedad. Los pintores Paul Klee,
Josef Albers y Vasili Vasílievich Kandinski; el fotógrafo Walter Peterhans; el diseñador Lászlo Moholy-Nagy; el escultor Joost Schmidt; y los arquitectos Ludwig Mies van der Rohe y Marcel Breuer son algunos de los exponentes de esta corriente que dejó importantes obras en las ciudades alemanas de Wiemar y Dessau y en la localidad israelí de Tel Aviv, entre otros 0sitios. Es importante resaltar que el alcance de Bauhaus fue considerable, y que no habrían cerrado si no hubiese sido por la presión que el nazismo ejerció sobre ellos. Una vez más, el poder y las guerras pasaron por encima del arte sin ningún tipo de sensibilidad ni consideración, y cortaron las alas a un grupo de gente que buscaba la innovación.
- Weimar (1919-1925) - Dessau (1925-1932) - Berlín (1932-1934)
Universidad de Bauhaus (1919; Weimar, Alemania)
Uno de los artistas de este movimiento fue el arquitecto y diseñador suizo, Max Bill. Discípulo de Walter Gropius en la Escuela de la Bauhaus, con sus publicaciones teóricas, es uno de los precursores más importantes del arte concreto moderno en la Europa de posguerra. Su incesante estudio le llevó a definir el espacio a través de la lógica matemática.
Walter Gropius (1883-1969)
Max Bill Nació el 22 de diciembre de 1908, en Winterthur, Suiza. Estudió de 1924 a 1927 orfebrería en la Escuela de Artes y Oficios de Zúrich, donde fue influido por el dadaísmo y el cubismo. Trayectoria profesional De 1927 a 1929 estudió artes en la Bauhaus de Dessau, donde se aproximó al funcionalismo del diseño con profesores como Wassily Kandinsky, Paul Klee y Oskar Schlemmer. Al terminar los estudios regresó a Zúrich para dedicarse por completo a la pintura, la arquitectura y el diseño gráfico. En 1930 creó su propio estudio de arquitectura y por ese entonces como miembro de la Federación alemana del trabajo realizó a finca de Nuebühl de estilo moderno, cerca de Zúrich. En 1931 adoptó la teoría del arte concreto de Theo van Doesburg, según la cual era posible alcanzar la universalidad con la claridad. En 1932 trabajó como escultor y se adhirió a algunas organizaciones artísticas como la “Abstraction-Création", el grupo de artistas Alianza de Suiza, el Congreso Internacional de Arquitectura Moderna (CIAM) y la Unión de Artistas Modernos (UAM), de París. En 1944, Bill funda la revista “Abstrakt konkret”, organiza una exposición con el mismo nombre en la galería de arte de Basilea y trabaja como profesor de cálculo de perfiles en la Escuela de Artes Aplicadas de Zúrich.
Ese mismo año incursionó en el diseño industrial, con el diseño de un reloj de aluminio para Junghans, firma con la que colaboró durante varios años diseñando relojes de pared, de cocina y de pulsera con estilo racionalista y estética industrial. Uno de esos relojes de pared está expuesto en el Museo de Arte Moderno (MoMA) de Nueva York. Los relojes de pulsera Junghans "Max Bill" se siguen produciendo y son apreciados por los aficionados y coleccionistas de relojes. Diseñó un taburete minimalista, el “Ulmer Hocker” (1954), uno de sus diseños más conocidos. Discípulo de Gropius en la Bauhaus, cuyo espíritu marcó su trayectoria, siguió su esquema para fundar junto a Inge Scholl y Otl Aicher, la Hochschule für Gestaltung de Ulm en Alemania en 1951. En esta institución fue rector y director de los departamentos de arquitectura y diseño de producción entre 1951 y 1956. Su incesante estudio le llevó a definir el espacio a través de la lógica matemática, tema de la Cinta sin fin. Sus proyectos intentaban representar la complejidad matemática de la Nueva Física de principios del siglo XX. Trató de crear objetos a fin de que esta nueva ciencia de la forma puede ser entendido por los sentidos. Un buen ejemplo de ello es su trabajo con la banda de Moebius. Esta aproximación al diseño luego fue continuada por Hans Gugelot en la Hochs-
chule für Gestaltung. En 1957, después de abandonar la Hochschule für Gestaltung de Ulm, fundó su propio estudio en Zúrich y se dedicó a la escultura, la pintura y la arquitectura. En 1964 fue nombrado arquitecto jefe del pabellón de "Educación y creación" en la Exposición Nacional de Suiza y miembro honorario. Desde 1967 a 1971 se convirtió en miembro del Consejo Nacional de Suiza, y trabaja en la Escuela Superior Estatal de Bellas Artes de Hamburgo como catedrático y presidente de Diseño Ambiental, de 1967 a 1974. En 1973 se convirtió en miembro asociado de la Real Academia de Ciencias, Literatura y Arte de Flandes, en Bruselas. En 1976 se convirtió en miembro de la Academia de las Artes de Berlín. En los años ochenta surgen más esculturas monumentales, pero el nombre de Max Bill, sobre todo, está unido con los conceptos del arte concreto y el diseño ambiental.
Muerte Max Bill falleció el 9 de diciciembre de 1994, en Berlín, Alemania; a la edad de 85 años, dejando una rica obra signada por un geometrismo a ultranza y una rica y profunda labor edagógica.
Entreguerras A principios del siglo XIX y XX, se fue demostrando como la rápida expansión se iba transfor mando la realidad socioeconómica y cultural del mundo. De partida al gran cambio son dos, la Primera Guerra Mundial y el Tratado de Versalles. Alemania con el desorden provocado por la guerra, tuvo la capacidad suficiente para llevar adelante corrientes artísticas durante 1910 a 1920. La transición del mundo agrario al mundo industrializado hizo que las ambiciones de las potencias mundiales crezcan de tal manera que provoquen la guerra y los efectos fueron devastadores. El mundo antes de la guerra parecía ideal, pero sin embargo los grandes artistas del diseño supieron canalizar sus angustias y encontrar una salida a tal desesperación. EL LISSITZKY: pintor, dibujante, diseñador, fotógrafo, tipógrafo, ilustrador, arquitecto, publicista, editor, escultor, creador del Praun (1921). El Lissitzky en su afán por integrar la pintura y arquitectura lo llevo hacia 1919, a crear sus primeros Proun, un tipo de obras con una marcada impronta geométrica. Son composiciones geométricas con efectos espaciales y arquitectónicos en los que se han abolido todas las leyes tradicionales de la perspectiva. Paul Renner: creo la tipografía geométrica La Futura, es una fuente tipográfica de palo seco. Fue director de la escuela de Oficios (Múnich) Holanda Escuela de Ámsterdam fue un movimiento arquitectónico que surge entre 1915 y 1930.Se inspiraron en la arquitectura expresionista y en el Art Decó creando de esta manera edificios de diseño imaginativo donde predomina el uso del ladrillo, el hormigón, el hierro forjado y los vitraux. En la arquitectura: busca igualdad, es burguesa. (Estilo Neogótico). Escuela de Glasgow (1875-1905) enseñanza de Arte, el
nombre hace referencia al grupo de Glasgow, artistas modernos que desarrollaron el Art Nouveau en Escocia. Y se encontraron los arquitectos Charles Rennie Mackintosh y Herber McNair y las diseñadoras gráficas y decoradoras de interiores, Margaret y Frances Macdonald. CASSANDRE (1901-1968), se exilió en EE. UU y regreso a su Francia natal. Conoció a Charles Peignot y en base a esto crea una serie de tipografías como Bifur, Acier Noir y la afamada Peignot, también realizaba carteles. Años después creo la tipografía Cassanet, basada en los tipos de letras utilizadas por él. Suiza HELBERT MATTER (1907-1984) fotógrafo, diseñador y tipógrafo. Estudió pintura con Léger y trabajo con Cassandre carteles, e hizo montajes de contrastes fuertes, por ej. caras gigantes. Francia PAUL COLIN fue uno de los mejores artistas de carteles de Francia, creo más de 1.400 carteles para la Revue Negre, elogiado por su magistral integración de temas orgánicos y figurales con formas geométricas, empleada con formas atrevidas, colores llamativos, caricaturas y formas altamente estilizadas. CHARLES LOUPOT (1892-1962) inventó un arte geométrico y riguroso, en las fronteras de la Abstracción, arte académico. Italia LEONETTO CAPIELLO (1875-1942) nunca conoció una formación académica y llego a ser uno de los cartelistas e ilustradores más famosos del siglo XX. MARCELO DUDOVICH (1878-1962) fue pintor, ilustrador y diseñador de carteles como Cinzano, Martini y Olivetti. FORTUNATTO DEPERO (1892-1960) se desarrolló como pintor, escultor, creador de instalaciones, arquitecto e inventor. Y de manera singular y exquisita, diseñador editorial, publicitario de tipografías (Campari).
Piet Zwart
Piet Zwart, arquitecto, diseñador gráfico y tipógrafo holandés. Además se dedicó al diseño Industrial, la fotografía y a muchas disciplinas referidas al diseño integral.Nació el 28 de mayo de 1885 en Zaandijk,Países Bajos. Esudió diseño industrial, arquitectura y dibujo en la Escuela Nacional de Artes aplicadas de Ámsterdam de 1902 a 1907. Al año siguiente entró como profesor de Historia del Arte en la Escuela de Economía Doméstica e Industrial de Leenwaarden. Trayectoria profesional A partir de 1912 comenzó a enseñar en cursos nocturnos. Un año después se trasladó a Voorburg y comenzó a diseñar muebles y objetos de decoración. En esta ciudad entró en contacto con el “Haagsche Kunstkring”, conociendo a figuras como Huszár y Jan Wils (con quien trabajó de 1919 a 1921 diseñando en su estudio, por ejemplo el stand de feria para las Eerste Nederlandsche Celluloidfabrieken).A pesar de su vínculo con Wils y Huszár,
nunca entró al movimiento De Stijl, inclusive en 1919 a los artistas de Stijl y fue criticado por Van Doesburg en su revista.Trabajó en la oficina de Hendrik Petrus Berlage y se dedicó al diseño de platos de 1921 a 1927, también hizo las campañas publicitarias de nueva tipografía para la Compañía de Cables neerlandesa, decoró el interior del restaurante “Fanst” de París y realizó la decoración de los interiores de la Christian Scientist Church de La Haya. En 1927, conoció a Kurt Schwitters , quien le propuso hacerse miembro del “Ring Never Werbegestalter” de Alemania. A partir de 1928, experimentó con nuevas formas de fotografía y en 1929, realizó la campaña publicitaria para la Compañía de Correos neerlandesa. A finales de 1933 se inclinó por el diseño industrial e interior, hizo muebles de cocina para Bruijnzeel. A los cuarenta años dejó Berlage y estableció su propiio estudio. Uno de sus clientes más importantes fue PTT.
La solución a necesidades de comunicación a través de sistemas gráficos complejos fue su principal inquietud y su mejor logro, como por ejemplo el trabajo para NKF (empresa de cables) para cual diseñó la imagen corporativa.
Suiza Tras el paréntesis que significo la Segunda Guerra mundial,en los años 50 surgio en Suiza y Alemania un nuevo estilo de diseño gráfico que se convirtió en la imagen oficial de muchas instituciones del país, llamándose en un primer momento “Diseño Suizo”, y que pronto se extendió universalmente por toda Europa y Estados Unidos llegando a ser el estilo predominante hasta los años 70. Esta internacionalización del movimiento y la gran dependencia de elementos tipográficos que veremos a continuación hizo que fuera conocido como “Estilo Tipográfico Internacional”. En Suiza,surgió la necesidad de formatos multilingües y claridad comunicativa para trascender las barreras del idioma, y el nuevo diseño gráfico desarrollado en Suiza ayudó a satisfacer estas necesidades. Sus principios se basan en los ideales del modernismo y constructivismo: buscar la sencillez y el orden bajo la reducción de ornamentos, priorizando la comprensión y organización. Por tanto el estilo suizo se caracteriza por la presentación objetiva de la información (visual y verbal) de forma clara mediante el uso de uso de una retícula modular que permite la composición asimétrica de los elementos de diseño. Además, la maquetación del texto en bandera con tipografía sans serif, se convirtió en la protagonista de los impresos frente al justificado tradicional. El diseño debía dejar de lado toda expresión artística y personal para mostrar una solución más científica y universal apoyándose por tanto en el empleo de la fotografía en blanco y negro en lugar de ilustraciones Con este objetivo de realizar diseños funcionales caracterizados por la limpieza, legibilidad y objetividad, se creó la necesidad de una tipografía limpia y de palo seco que causara mayor impacto visual.
Una de las principales influencias de este movimiento fue la Escuela Bauhaus donde se originó este cambio tipográfico utilizando los elementos gráficos básicos como el cuadrado, el círculo y el triángulo.Otra de las influencias que tuvieron gran repercusión en el posterior desarrollo de la tipografía en Suiza fue la Nueva Tipografía de Jan Tschichold y Paul Renner, creador de la Futura.Con estas aportaciones y la creciente demanda de tipografías sans serif junto con la popularidad que en los diseñadores del estilo suizo alcanzó el tipo Akzidenz Grotesk (creado por Berthold en 1896), aparecen tres grandes tipografías: la Folio (diseñada por los alemanes Walter Baum y Konrad Bauer), la Univers (creada por el suizo Adrian Frutiger), y la Helvética (creada por el también suizo Max Miedinger) que, libres de las formas geométricas, se caracterizan por sus formas bien definidas, la homogeneidad del trazo, su contraste entre blancos y negros junto con la ausencia de remates, consiguiendo uniformidad en la mancha de texto. En el Estilo Tipográfico Internacional el cartel fue uno de los elementos gráficos más representativos en el mundo del diseño, mostrando gran innovación: se descubre una manera potente de comunicar sin necesidad de sobrecargar Siguiendo las normas del estilo, la retícula está siempre presente organizando los distintos elementos de diseño, pero el elemento más importante dentro de estos carteles es la tipografía y el juego que se hace con ella. Adquiere tal protagonismo dentro de la realización de carteles informativos y de publicidad que comenzó a utilizarse en cuerpos grandes, alcanzando tal eficacia en la comunicación que la mayoría de los carteles son completamente tipográficos, en blanco y negro, resueltos con una exquisitez compositiva espectacular.
Josef Müller Brockmann
Nacido en Rapperswil, Müller-Brockmann se convirtió en un aprendiz de diseñador gráfico inmediatamente después de salir de la escuela secundaria. Entre 1932 y 1934 estudió en las clases de Alfredo Keller y Willimann Ernst, dos diseñadores que fueron pioneros del diseño gráfico moderno en la Escuela de Zurich de Artes y Oficios. A principios de 1930 un grupo de arquitectos y diseñadores interesados en el constructivismo, el funcionalismo y la abstracción se había reunido en Suiza. Entre los diseñadores gráficos fueron Max Bill, Anton Stankowski y Hans Erni, cuyos carteles y muestras de diseño resultaron muy influyentes en la definición del estilo de Müller-Brockmann.
mostraban lo que constituía la ideología del grupo “Konstruktive Grafik”: el rechazo del dibujo libre y la subordinación a la estructura reticular, alterada en ocasiones sólo por el uso de ejes diagonales. Su estilo pulcro y preciso combina con éxito la comunicación efectiva de la información con la expresión del contenido y la armonía visual logrando gran impacto visual con una impresionante claridad mediante el uso de la fotografía en blanco y negro, formas geométricas simples y planas y la tipografía como protagonista por encima de todo creando composiciones dinámicas. El crecimiento del comercio, el avance en las comunicaciones y la globalización terminaron por imponer la necesidad de claridad en la comunicación. Los mensajes debían ser comprendidos por todo el mundo y el Estilo Tipográfico Internacional lo logró creando formas visuales nuevas y sencillas. Fue un estilo fácil de comprender que permitió su rápida expansión a nivel mundial además de seguir siendo una referencia imprescindible en la actualidad.Automóvil Club de Suiza encargó un cartel para hacer frente a la seguridad de los niños en 1952. Aunque inicialmente criticada por el público, la fórmula fue seguida por una serie de carteles de seguridad vial con el uso de fotografía, un tipo de letra sans-serif - Akzidenz Grotesk - y un mínimo de color.
Después de que Müller-Brockmann había trabajado durante varios años como ilustrador freelance y diseñador de escenarios, su estilo maduro surgió en una serie de carteles de conciertos de la Tonhalle de Zurich en 1952. En el primer grupo, una combinación de la tipografía asimétrica, las retículas y motivos abstractos evocan las obras que se interpretaban. Poco a poco los diseños se hicieron más abstractos y los espacios de color fueron manejados de manera equivalente a la pintura abstracta contemporánea. En 1960, Müller-Brockmann visitó Tokio para hablar en la Conferencia Mundial del Una segunda serie de carteles muestran un Diseño. La visita tuvo una profunda influenprofundo interés de Müller-Brockmann, en el cia sobre él, y más tarde regresó a Japón fotomontaje. Preocupado por el aumento de para estudiar el Budismo Zen, inspirado en vehículos de motor y otros temas de su uso en la reducción de los fundamentos que las carreteras de los años de la posguerra, el caracterizan a la religión y la filosofía. Josef Müller-Brockman fue uno de los principales teóricos y practicantes del movimiento, buscó Además de diseñar, Müller-Brockmann fue una expresión gráfica universal para comunicar crítico del diseño y la historia del diseño. al público sin que interfiera la subjetividad del En la Conferencia Internacional de Diseño diseñador. de Aspen en 1956, habló sobre el arte Entendía el diseño como algo estrictamente funcional. Su serie de carteles para el Zurich Tonhalle
suizo, arquitectura y diseño. De 1956 a 1959 fue profesor de diseño gráfico en la Escuela de Zurich de Artes y Oficios, como sucesor de Ernst Keller, y más tarde en Japón y en la Hochschule für Gestaltung de Ulm en Alemania Occidental en 1963. Escribió "El artista gráfico y sus problemas de diseño" en 1960 y otros tres libros sobre diseño gráfico entre esa fecha y 1981. Después de haber trabajado como diseñador y consultor para varias empresas en diseño de identidad corporativa, Müller-Brockmann fue co-fundador de la Müller-Brockmann & Co, su agencia de publicidad, en 1967. En el mismo año se convirtió en consultor de diseño para IBM Europa, una relación que confirmó su gran prestigio en el campo del diseño gráfico. La experiencia de Müller-Brockmann durante los años de guerra afirmó su estilo objetivo de informar e ilustrar sin ser manipulador. Una revisión de su trabajo, que va desde la publicidad hasta el diseño de exposiciones, abarca estilos que van desde lo dramático a la comedia. Y su dominio de la tipografía, particularmente su trabajo con la tipografía Helvetica, definió una generación de diseñadores y aún sigue inspirando hoy en día.
Luego de los acontecimientos de la Segunda Guerra Mundial,provoca que muchos artistas tengan que desplazarse a diferentes paises porque eran perseguidos. Muchos de ellos emigran a Estados Unidos principalmente a la ciudad de Nueva York,esto provoca que Paris ya no sea la nueva Capital Cultural del siglo XX El diseñp estadounidense era pragmatico,intuitivo y mas informal en su enfoque para organizar el espacio a diferencia del europeo que era teorico y sumamente estructurado Los diseñadpres de esta epoca buscaron enfocar el diseño en resolver los problemas de la comunicacion y satisfacer una necesiidad de expresion personal,naciendo asi el Good Design(1940-1960). Dicha corriente del diseño nacio por la necesidad de crear nuevos objetos para esa sociedad, estudiando los objetos desde los distintos ambitos(, en el industrial se llamo Good Design, en arte se llamo Expresionismo Abstracto y en diseño grafico se denomino Expresionismo Grafico. En el ámbito industrial se caracterizo por la poca cantidad de ornamento y sus formas ergonométricas, ya que estuvo influenciado por la escuela Bauhaus. En arte se caracterizó por el uso libre y expresivo del color y la forma, como así también trato de eliminar la categoría de arte, eliminar técnicas y tamaños tradicionales; se trabajó con formas biomorficas en un periodo figurativo donde se tato de liberar energías a través del arte, por lo cual se desarrolló el Dripping. En diseño gráfico se caracterizó por el uso de racionalidad, intuición, pragmatismo y uso de símbolos, se trabajó en varios ámbitos (editorial, título de películas, embalajes y cartelería). También se introdujeron nuevos tipos gráficos. Algunos de sus representantes fueron:
Saul Bass Llevo a la Escuela de Nueva York a los Angeles inspirado en el manejo de la figura y balance asimetrico de Paul Rand.En sus diseños predomina una imagen dominante sencilla y visualmente sentada en el espacio. Despojo el diseño estadounidense de la complejidad visual, reducioendo a la imagen sencilla y simplificada.Elaboro carteles de teatro y cine , logos,publicidad y titulos de peliculas
Herbert Lubalin
En su obra se unificaron dos puntos del diseño:la orientacion hacia el concepto visual/vertical y las tendencias hacia una tipografia figurativa y mas estructuradalo que consideraba para sus composiciones donde el punto vista eran el espacio y la superficie. Elimino la separacion tradicional entre la palabra e imagen , palabras y letras se convertian en imágenes y viceversa. En su trabajo mas innovador, el concepto y la forma visual estan ligados en una unidad llamada tipograma
Milton Glaser
Afirma que una frase persuasiva y efectiva se encuentra sobre la elegancia.Utiliza elementos humoristicos y artisticos. Tuvo una influencia arraigada al surrealismo y a la cultura hippie
Alvin Lustig Inicio trabajando en un negocio de impresión y
diseño.Se dedico al diseño de portadas, que lohicieron famoso. Años despues se dedico a la docencia,decia que en la creacion de los simbolos lo mas importante era que realmente captaran la escencia. Mas tarde quedo ciego pero continuo enseñando
David Carson
Rompe con los conceptos editoriales establecidos:cajas de texos,columnas. Distorciona la tipografia
Paul Rand fue unos de los diseñadores norteamericanos más influyentes e innovadores del S.XX. Paul Rand nació en Brooklyn, Nueva York, en 1914. Se puede decir que fue un autodidacta, que se inspiró en los trabajos de otros y luego los mezcló hasta dar con su propio estilo. Buscaba inspiración en importantes revista de diseño de la época. Quizás uno de sus mayores influencias fue Cassandre, un cartelista moderno y diseñador francés.
aceptó el puesto en Esquire con tan solo 23 años. Más tarde, en 1941 (con 27 años), se convirtió en el director creativo de la agencia de publicidad William Weintraub.
Además de su labor como diseñador, Paul Rand también escribió varios libros y fue profesor de diseño gráfico en la Universidad de Yale. En 1972 fue incluido en el New York Art Directors Club Hall of Fame y en 1984 le dieron la medalla del “Type Director’s Club”La obra de Paul Rand posee un estilo Mientras iba al instituto, se apuntó a modernista donde abundan los diseños clases nocturnas en el Pratt Institute. simples, el uso de los espacios en Más tarde, continuó sus estudios en la blanco, de la tipografía y de las formas Parson The New School for Design y geométricas. En las obras de Paul en la Art Students League. Rand destacan estos aspectos fundamentales: A pesar de comenzar a trabajar de forma muy humilde, a veces incluso - La tipografía. Está claro que una de gratis, Paul Rand avanzó rápidamente las cosas que más le gustaban a Paul en su carrera. Su pasión, creatividad y Rand era el uso de la tipografía en estilo hicieron de él una figura impor- cualquier diseño. Le encantaba unir tante y muy conocida. letras, establecer el namig de las El diseño editorial fue la base inicial de su reputación. En 1936 se le encargó la portada del aniversario de la revista Apparel Arts. Luego le llegaron ofertas para convertirse en el director de arte de las Revistas Esquire y Coronel. Aunque inicialmente rechazó ambas oferta por no verse preparado para el puesto, finalmente
empresas creando composiciones tipográficas únicas. Esto se puede ver claramente en muchos de sus logos.
- Simplicidad. Ya fuera un logo o la portada de una revista, se podría decir que la simplicidad era la marca distintiva de Paul Rand. Él dijo una vez que “Hay una gran diferencia entre diseño abstracto sin contenido y diseño abstracto con contenido. Se puede ser un gran manipulador de la forma, pero si la solución no es la más apta, no tiene sentido”. Otra de las características más comunes en el trabajo de Paul Rand era el
uso de los juegos visuales. Uno de los más populares fue el cartel para IBM que realizó en 1981. En él empleó un jeroglífico por el que se obligaba al espectador a deletrear el nombre de la empresa (eye bee -m) Pero lo que verdaderamente hizo popular a Paul Rand fue el diseño de identidad corporativa y de logotipos, siendo el logo para IBM su marca identificatoria. También hizo los logos de muchas otras compañías como UPS, Enron, ABC o Apple. Se dice que fue él quien estableció las normas para el diseño de logos y sus ideas todavía se emplean a día de hoy..