Constructivismo by Ahora Debate

2010

CONSTRUCTIVISMO КОНСТРУКТИВИЗМ

el arte de la revolución,

la revolución del arte...

constructivismo el arte de la revolución, la revolución del arte

el arte de la revolución, la revolución del arte... El término constructivismo lo emplea por primera vez N. Punin en 1913 al criticar los relieves de Vladimir Tatlin, aunque, como movimiento, no surgió hasta 1920, respaldado por el Manifiesto realista de los hermanos Pevsner y Gabo: "Proclamamos: el espacio y el tiempo han nacido hoy. El espacio y el tiempo: las únicas formas sobre las cuales se edifica la vida, las únicas sobre las que debería edificarse el arte. Los estados, los sistemas políticos y económicos mueren con el paso de los siglos; las ideas se agostan, pero la vida es robusta; crece y no puede ser arrancada, y el tiempo es continuo en su duración real. ¿Quién nos enseñará formas más eficaces? ¿Qué hombre genial nos dará fundamentos más sólidos? ¿Qué genio concebirá para nosotros

una leyenda más enervante que ese relato prosaico que se llama vida? ".

conceptualmente diferentes. La representada por Kandinsky, Malevich, Gabo y Pevsner que defienden lo subjetivo en la obra El constructivismo nace en Rusia de arte, el proceso consciente de imbuido de las ideas de la creación y la encabezada por revolución que, en nombre del Rodchenko y Tatlin que proletariado, habían llevado a propugna la inserción de la cabo. Este proceso se salda con persona del artista dentro del una profunda crisis social y proceso constructivo de la obra económica como consecuencia de arte, como un elemento más, de la Guerra Mundial y la poseyendo la misma importancia propia revolución rusa, que los materiales o cualquier cerrándose, de esta manera una otro agente. A partir de los años era de la historia y se abre una veinte, el arte en Rusia se nueva época para la humanidad. convierte en una edificación, en Aunque la revolución plástica un producto más. El había precedido a la revolución constructivismo implica que la política. El rayonismo y el obra de arte sea una simultaneísmo se desarrollaron construcción, que se articule antes de 1918, abriendo el como un edificio y se realice camino del constructivismo. siguiendo métodos análogos. En el campo de las artes a partir de los años 20, existen dos tendencias abstractas pero

MANIFIESTOREALISTA

el manifiesto constructivista

De Naum Gabo & Antoine Pevsner. En el torbellino de nuestros días activos, más allá de las cenizas y de las ruinas del pasado, ante las cancelas de un futuro vacuo, nosotros proclamamos ante vosotros, artistas, pintores, escultores, músicos, actores y poetas, ante vosotros, personas para las que el Arte no es solo una mera fuente de conversación, sino el manantial mismo de una real exaltación, nuestra convicción y los hechos. Hay que sacar al Arte del callejón sin salida en que se halla desde hace veinte años. El progreso del saber humano con su potente penetración en las leyes misteriosas del mundo, iniciada a comienzos de este siglo, el florecimiento de una nueva cultura y de una nueva civilización, con un excepcional (por primera vez en la historia) movimiento de las masas populares hacia la posesión de las riquezas naturales, movimiento que abraza al pueblo en estrecha unión, y, por último, pero no menos importante, la guerra y la revolución (corrientes purificadoras de una era futura) nos ha llevado a considerar las nuevas formas de una vida que ya late y actúa. ¿Como contribuye el Arte a la época actual de la historia del hombre?. ¿Posee los medios necesarios para dar vida a un nuevo Gran Estilo? ¿O supone acaso que la nueva época puede acoger una nueva creación sobre los cimientos de la antigua? A pesar de las instancias del espíritu renaciente de nuestro tiempo, el Arte se alimenta de impresiones, de apariencia exterior, y vaga impotente entre el naturalismo y el simbolismo, entre el romanticismo y el misticismo. Los intentos realizados por cubistas y por futuristas para sacar a las artes figurativas del fango del pasado solo han producido nuevos desencantos. El cubismo, que había partido de la simplificación de la técnica representativa, acabo por encallar en el análisis. El revuelto mundo de los cubistas, despedazado por la anarquía intelectual, no puede satisfacer a quienes, como nosotros, ya hayan realizado la Revolución y están construyendo y edificando un mundo nuevo. Se puede sentir interés por las experiencias de los cubistas, pero no adherirse a su movimiento, pues estamos convencidos de que sus experiencias solo arañan la superficie del Arte y no la penetran hasta sus raíces, y también nos parece evidente que su resultado final no conduce más que a la misma representación superada, al mismo volumen superado y, una vez más, a la misma superficie decorativa. En sus tiempos, se hubiera podido exaltar el futurismo por el nuevo aire que aporto su anunciada revolución en el Arte, por su critica demoledora del pasado; como único modo de asaltar las barricadas artísticas del buen gusto, exigía mucha dinamita; pero no se puede construir un sistema artístico sobre una sola frase revolucionaria. Bien mirado, tras la fachada del futurismo solo había un vacuo charlatán, un tipo hábil y equivoco, hinchado de palabras como patriotismo, militarismo, desprecio por la mujer y parecidas sentencias provincianas.

En cuanto a los problemas estrictamente pictóricos, el futurismo no pudo hacer más que repetir los esfuerzos, que ya fueron inútiles con los impresionistas, por fijar en el lienzo un reflejo puramente óptico. Hoy todos sabemos que el simple registro gráfico de una secuencia de movimientos momentáneamente fijados no puede recrear el movimiento. Solo recuerda el latido de un cuerpo muerto. El pomposo eslogan de la velocidad fue un clarín de guerra para los futuristas. Admitimos la sonoridad de tal eslogan y comprendemos muy bien que es superior al más potente eslogan provinciano. Pero intentad preguntar a un futurista como se imagina la velocidad, e inmediatamente aparecerá todo un arenal de locos automóviles y depósitos de chirriantes vagones y alambres intrincados, el estruendo y el ruido de calles atestadas de vehículos. ¿Es necesario convencer a los futuristas de que todo ello no ocurre por la velocidad y sus ritmos?. Mirad un rayo de sol, la más inmóvil de las fuerzas inmóviles. Tiene una velocidad de 300000 kilómetros por segundo. Observad nuestro firmamento estelar que el rayo atraviesa... ¿Que son nuestros depósitos comparados con los del universo? ¿Que son nuestros trenes terrestres comparados con los veloces trenes de las galaxias?. Ciertamente, todo el estruendo de los futuristas acerca de la velocidad es un hecho demasiado sabido, pero desde el momento en que el futurismo proclamo que Espacio y Tiempo son los muertos de ayer, se hundió en la oscuridad de las abstracciones. Ni el futurismo ni el cubismo han ofrecido a nuestro tiempo lo que se esperaba de ellos. Salvo estas dos escuelas artísticas, nuestro pasado reciente no ha ofrecido nada importante ni interesante. Pero la vida no espera; las generaciones no cesan de crecer, y nosotros, que sucedemos a los que entraron en la historia y poseemos los resultados de sus experiencias, sus errores y sus éxitos, después de años de experiencias semejantes a siglos, proclamamos:

MANIFIESTOCONSTRUCTIVISTA

Ningún movimiento artístico podrá afirmar la acción de una nueva cultura en desarrollo hasta que los mismos fundamentos del Arte estén construidos sobre las verdaderas leyes de la vida, hasta que todos los artistas digan con nosotros: Todo es ficción, solo la vida y sus leyes son autenticas, y en la vida solo lo que es activo es maravilloso y capaz, fuerte y justo, porque la vida no conoce belleza en cuanto medida estética. La más grande belleza es una existencia efectiva. La vida no conoce ni el bien ni el mal ni la justicia como medida moral...., la necesidad es la mayor y más justa de todas las morales. La vida no conoce verdades racionales abstractas como metro de conocimiento: el hecho es la mayor y más segura de las verdades. Estas son las leyes de la vida. ¿Puede el Arte soportar tales leyes si se construye sobre la abstracción, el espejismo, la ficción? Nosotros decimos: Espacio y tiempo han renacido hoy para nosotros. Espacio y tiempo son las únicas formas sobre las cuales la vida se construye, y sobre ellos, se debe edificar el Arte. Perecen los Estados y los sistemas políticos y económicos; las ideas se derrumban bajo la fuerza de los siglos, pero la vida es fuerte y crece y el tiempo prosigue en su continuidad real. ¿Quien nos mostrara formas mas eficaces que estas? ¿Quien será el genio que nos de cimientos más sólidos que estos? ¿Que genio nos contara una leyenda más maravillosa que la fábula prosaica que se llama vida? La actuación de nuestras percepciones del mundo en forma de espacio y tiempo es el único objetivo de nuestro arte plástico. No medimos nuestro trabajo con el metro de la belleza y no lo pesamos con el peso de la ternura y de los sentimientos. Con la plomada en la mano, con los ojos infalibles como dominadores, con un espíritu exacto como un compás, edificamos nuestra obra del mismo modo que el universo conforma la suya, del mismo modo que el ingeniero construye los puentes y el matemático elabora las formulas de las órbitas. Sabemos que todo tiene una imagen propia esencial: la silla, la mesa, la lámpara, el teléfono, el libro, la casa, el hombre. Son mundos completos con sus ritmos y sus órbitas. Por esto, en la creación de los objetos les quitamos las etiquetas del propietario, totalmente accidental y postiza, y solo dejamos la realidad del ritmo constante de las fuerzas contenidas en ellos. 1) Por ello, en la pintura renunciamos al color como elemento pictórico: el color es la superficie óptica idealizada de los objetos; es una impresión exterior y superficial; es un accidente que nada tiene en común con la esencia mas intima del objeto. Afirmamos que la tonalidad de la sustancia, es decir, su cuerpo material que absorbe la luz, es la única realidad pictórica. 2) Renunciamos a la línea como valor descriptivo: en la vida no existen líneas descriptivas; la descripción es un signo humano accidental en las cosas, no forma una unidad con la vida esencial ni con la estructura constante

del cuerpo. Lo descriptivo es un elemento de ilustración gráfica, es decoración. Afirmamos que la línea solo tiene valor como dirección de las fuerzas estáticas y de sus ritmos en los objetos. 3) Renunciamos al volumen como forma espacial pictórica y plástica: no se puede medir el espacio con el volumen, como no se puede medir un liquido con un metro. Miremos el espacio... ¿Qué es sino una profundidad continuada? Afirmamos el valor de la profundidad como única forma espacial pictórica y plástica. 4) Renunciamos a la escultura en cuánto masa entendida como elemento escultural. Todo ingeniero sabe que las fuerzas estáticas de un cuerpo sólido y su fuerza material no dependen de la cantidad de masas; por ejemplo: una vía de tren, una voluta en forma de T, etc. Pero vosotros, escultores de cada sombra y relieve, todavía os aferráis al viejo prejuicio según el cual no es posible liberar el volumen de la masa. Aquí, en esta exposición, tomamos cuatro planos y obtenemos el mismo volumen que si se tratase de cuatro toneladas de masa. Por ello, reintroducimos en la escultura la línea como dirección y en esta afirmamos que la profundidad es una forma espacial. 5) Renunciamos al desencanto artístico enraizado desde hace siglos, según el cual los ritmos estáticos son los únicos elementos de las artes plásticas. Afirmamos que en estas artes esta el nuevo elemento de los ritmos cinéticos en cuanto formas basilares de nuestra percepción del tiempo real. Estos son los cinco principios fundamentales de nuestro trabajo y de nuestra técnica constructiva. Hoy proclamamos ante todos vosotros nuestra fe. En las plazas y en las calles exponemos nuestras obras, convencidos de que el arte no debe seguir siendo un santuario para el ocioso, una consolación para el desesperado ni una justificación para el perezoso. El arte debería asistirnos allí donde la vida transcurre y actúa: en el taller, en la mesa, en el trabajo, en el descanso, en el juego, en los días laborales y en las vacaciones, en casa y en la calle, de modo que la llama de la vida no se extinga en la humanidad. No buscamos consuelo ni en el pasado ni en el futuro. Nadie puede decirnos cual será el futuro ni con cuales instrumentos se le puede comer. Es imposible no engañarse sobre el futuro y sobre el se pueden decir cuantas mentiras se quieran. Para nosotros, los gritos sobre el futuro equivalen a las lágrimas sobre el pasado. El repetido sueño con los ojos abiertos de los románticos. El delirio simiesco del viejo sueño paradisíaco con atuendos contemporáneos. Quien hoy se ocupe del mañana se ocupa en no hacer nada. Y quien mañana no nos de nada de lo que haya hecho hoy no es de ninguna utilidad para el futuro. El hoy pertenece al hecho. Lo tendremos en cuenta también mañana. Dejemos el pasado a nuestras espaldas como una carroña. Dejemos el futuro a los profetas. Nosotros nos quedaremos con el hoy.

NAUMGAVO

“Por esto, en la creación de los objetos les quitamos las etiquetas del propietario, totalmente accidental y postiza, y solo dejamos la realidad del ritmo constante de las fuerzas contenidas en ellos.”

Naum Gavo, Manifiesto Constructivista

los pilares del constructivismo I

Naum Gavo

Naum Gabo (1890-1977), escultor estadounidense de origen ruso. Fue uno de los líderes del constructivismo del siglo XX. Nació en Briansk y cambió su nombre (Naum Pevsner) para evitar confusiones con el de su hermano, Antoine Pevsner, que también era artista. Estudió medicina e ingeniería en Munich entre 1910 y 1914, pero este año comenzó a crear bustos y cabezas de inspiración cubista realizados en láminas de metal recortado, cartón o celuloide.

Vivió en Alemania entre 1922 y 1932 y allí ejecutó piezas que se caracterizan por su calidad arquitectónica monumental, como la Columna (1923, Museo de Arte Moderno, Nueva York), de cristal, metal y plástico.

Durante la II Guerra Mundial continuó produciendo en Londres obras de esas características, como Construcción lineal, variación (1943, Colección Phillips, Washington), en la que hay un espacio oval trazado por unas formas plásticas Entre 1917 y 1922, participó en la fundación del nítidas que, a su vez, están delicadamente entretejidas con movimiento constructivista en Moscú, que abogaba por la unos planos de intersección en hilos de nailon. En 1946 se construcción de esculturas a partir de materiales industriales afincó en Estados Unidos. Una de sus obras más notables es en vez de utilizar el tradicional tallado en piedra o vaciado en un monumento de tamaño colosal, 26 metros, en forma de bronce. En 1920 publicó junto con su hermano el Manifiesto árbol, de 1957, que le encargaron para el Edificio Bijenkorf Realista, que preconizaba la utilización de formas artísticas de Rotterdam (Holanda), recuerdo a los caídos durante la nuevas, basadas en el espacio y el tiempo, trazando las líneas destrucción de la ciudad por los nazis en 1940. Su última fundamentales de lo que se conocería como constructivismo; obra importante, realizada en 1976, fue la fuente del hospital al amparo de estas teorías realizó varias obras, con partes de Santo Tomás en Londres. dotadas de movimiento, a las que denominó esculturas cinéticas.

ANTOINEPEVSNER

los pilares del constructivismo II

Antoine Pevsner

(Orel, 1886 - París, 1962) Escultor francés de origen ruso. Tras seguir estudios en a Academia de Bellas Artes de San Petersburgo, viajó en 1911 a París, donde admiró los trabajos de Delaunay, Gleizes, Metzinger y Léger. En una segunda visita a París en 1913, conoció a Modigliani y a Archipenko, que estimularon su interés por el cubismo.

Sus obras están presentes en la exposición Erste russische Kunst Ausstellung, en la galería

Durante la guerra permaneció en Oslo; volvió a Rusia en 1917 y enseñó en la Academia de Bellas Artes de Moscú. En 1920, Pevsner y Gabo publican el Manifiesto Realista, en donde afirman que el arte tiene un valor absolutamente independiente y una función que desempeñar en la sociedad. En 1923 visitó Berlín, donde conoció a Duchamp y a Catherine Dreier. A partir de su encuentro con Duchamp, abandona la pintura y se vuelca en la escultura constructivista..

En París, los dos hermanos están a la cabeza del grupo constructivista Abstracción-Creación, un grupo de artistas que representan diversas corrientes del arte abstracto. En los años treinta, las obras de Pevsner se muestran en Amsterdam, Basilea, Londres, Nueva York y Chicago.

Luego se instaló definitivamente en París, obteniendo la ciudadanía francesa en 1930. En París, Pevsner y Gabo lideraron el grupo constructivista Abstracción-Creación, un grupo de artistas que representaba diversas corrientes del arte abstracto. En los años treinta, las obras de Pevsner se expusieron en Amsterdam, Basilea, Londres, Nueva York y Chicago. Sus esculturas, construidas en gran parte con elementos metálicos, se organizan alrededor de un eje central, en torno del cual se acumulan estructuras y planos.

En París, los dos hermanos están a la cabeza del grupo constructivista AbstracciónCreación, un grupo de artistas que representan diversas corrientes del arte abstracto

En 1926 sus obras están incluidas en una exposición en la Little Review Gallery de Nueva York. Junto con Gabo, diseña la escenografía para el ballet La Chatte, producido por Sergei Diaghilev.

En el mismo año, la galería René Drouin de París organiza su primera exposición individual. En 1948 el Museo de Arte Moderno de Nueva York presenta la exposición Gabo-Pevsner y en 1952 el artista participa en la Chef-d'ouvres du XX Siècle, promovida por el Museo Nacional de Arte Moderno de París. En 1957 el mismo museo le dedica una exposición individual. En 1958 está presente en la Bienal de Venecia, en el pabellón francés. Muere en París el 12 de abril de 1962.

GUSTAVKLUTSIS

constructivismo al servicio de la ideología

Gustav Gustavovich Klutsis

Gustav Gustavovich Klutsis, nació el 04 de enero de 1895 , cerca de Rujiena, Letonia y falleció en Moscú el 26 de febrero , 1938, fue pionero en el arte de la fotografía y un miembro importante del constructivismo de vanguardia . Es conocido por ser uno de los mayores productores de propaganda a favor del proceso revolucionario soviético, siempre trabajando en compañía de su esposa y colaboradora Valentina Kulagina. En 1915 se enrola en las filas del Ejército Ruso, sirviendo en un regimiento de fusileros letones, llega a Moscú en 1918. En los tres años siguientes comenzó a estudiar arte en compañía de artistas ya consagrados como Malevich y Antoine Pevsner , se afilia al Partido Comunista , en esta época conoce y se casa con quién sería su gran colaborador a lo largo de toda su carrera artística y militancia política, Kulagina Valentina, se gradúa en la escuela de arte estatal VKHUTEMAS . Posteriormente acabaría en VKHUTEMAS, como profesor de teoría del color, desde 1924 hasta que la escuela se cerró en 1930. Klutsis, enseñó, escribió y produjo arte político para el Estado soviético durante el resto de su vida, siempre de forma activa y leal al servicio de la Revolución.

Klutsis trabajó una gran variedad de especialidades artísticas de vanguardia y experimentales, gustaba de usar la propaganda como un símbolo y utilizaba una imagen muy personal e imaginativa, muy background, de la Revolución . Su primer proyecto importante, data de 1922, fue una serie de semiportátiles multimedia de agitación y propaganda, quioscos que se instalaban en las calles de Moscú, consistían en la integración de radio-oradores, pantallas de cine, y muestras de papel impreso, este proyecto se dearrolló para la celebración del quinto aniversario de la Revolución. Al igual que otros constructivistas trabajó en escultura, instalaciones de producción de exposiciones, ilustraciones, pintura, fotografía y cartelismo. Pero Klutsis y Kulagina son conocidos fundamentalmente por sus

características del movimiento constructivista La obra de arte está en comunicación con el espacio que la circunda y penetra, cuya estructura invisible se materializa en ella. El arte concreto se apoyó en esta premisa. La obra se abre por todas partes hacia el espacio y consta de elementos, frecuentemente transparentes, de formas geométricas, lineales y planas.

fotomontajes . Los nombres de algunos ellos, son absolutamente significativos y tiene que ver con los éxitos y la política revolucionaria, como “La electrificación de todo el país” (1920), trabajo contextualizado en la afirmación: “No puede haber movimiento revolucionario sin teoría revolucionaria” (1927), y “El campo de los trabajadores de choque en la lucha por la transformación socialista ” (1932), las imágenes son frescas, poderosas y con una gran carga de misterio, composiciones dinámicas, donde el protagonista son las distorsiones de escala y el espacio, puntos de vista en ángulo y las perspectivas perpetuamente modernas. Klutsis es uno de los artistas que cuenta en su haber, el ser pionero en el subgénero del fotomontaje político, junto con los dadaístas alemanes Hannah Höch y Raoul Hausmann y el ruso El Lissitzky .

Se valora la simultaneidad del espacio, el tiempo y la luz. Hace hincapié en lo abstracto, relacionado con la industria y la técnica, y es geométrico y funcional. Al igual que el futurismo, el constructivismo manifestaba su rechazo al arte burgués y descubría el proyecto de un nuevo lenguaje en las "propuestas" de la tecnología y la mecánica industriales. Sin embargo, la peculiar situación sociopolítica de la época caracterizó y distinguió el constructivismo.

ALEKSANDRRÓDCHENKO

arte al servicio de la revolución

Aleksandr Ródchenko

"He recorrido un camino creativo complejo, pero tenía claro quién era y qué quería. Estoy seguro de que seguiré haciendo auténticas obras soviéticas". Aleksandr Ródchenko (San Petersburgo, 1891-Moscú, 1956) De procedencia humilde, Ródchenko se formó a la manera clásica en la Escuela de Bellas Artes de Kazán, aunque ya en 1915, tras conocer a varios artistas futuristas entre los que se encontraba el poeta Vladímir Mayakovski (con el que realizaría después históricos fotomontajes y carteles publicitarios) se trasladó a Moscú.

propaganda política y que él utilizó desde perspectivas poéticas que tuvieron gran influencia) y comenzó Allí participó en los debates de los artistas izquierdistas y, una vez estalló la también a experimentar con la revolución, jugo un papel importante en tipografía, el grafismo, la publicidad y la fotografía, campo en el que fue uno la creación y organización de los de maestros más influyentes del siglo museos de arte contemporáneo que gracias a sus perspectivas forzadas, sus surgieron en toda la Unión Soviética. fascinación por la diagonal y sus En el terreno plástico, experimentó famosos contrapicados.Rodchenko es primero con la abstracción pura, en lo que se denominó la "pintura sin objeto" un admirador de la tecnología y en centrada en formas geométricas simples especial de todo lo que vuela: aviones, dirigibles, globos. De los puentes, torres y fue uno de los creadores del metálicas y de la arquitectura. movimiento constructivista. Ya en los años veinte pensó que incluso el arte estético e individualista era demasiado poco revolucionario y, con otros colegas, centró sus esfuerzos en los fotomontajes (muy útiles para la

La tecnología representa el mundo contemporáneo. Para él, la ciudad moderna con los altos edificios con cristales en sus muros, la industria, los tranvías, los coches, los anuncios

publicitarios, los barcos y aviones necesitan un cambio en la percepción visual. Los puntos de vista más interesantes para mostrar la realidad ya no es la vista horizontal de un hombre de pie, sino de abajo arriba y de arriba abajo, con el horizonte inclinado, lo que hace que la imágen adquiera mayor movimiento y dinamismo. En 1928 escribía: "Nosotros, educados para ver lo habitual y lo ya instaurado, debemos descubrir el mundo de lo visible. Debemos revolucionar nuestro pensamiento visual. Debemos quitarnos del ojo un velo llamado desde el ombligo".

La escuela tenía 100 miembros en la planta docente y una matrícula de 2500 estudiantes. Talleres de Enseñanza Superior Vkhutemas fue formada por la fusión de dos escuelas: la Escuela de del Arte y de la Técnica) fue una Pintura, Escultura y Arquitectura escuela estatal de arte y técnica de de Moscú y la Escuela de Artes Moscú, Rusia creada en 1920 por decreto del gobierno soviético. Los Aplicadas Stroganov. Los talleres tenían facultades artísticas e talleres fueron establecidos por un industriales; en la facultad de arte se decreto de Vladimir Lenin con la intención, en palabras del gobierno dictaban cursos de gráfica, escultura y arquitectura, mientras soviético, de "preparar maestros que en la industrial se dictaban artistas de las más altas cursos sobre impresión, textiles, calificaciones para la industria, constructores y administradores de cerámica, madera y metalurgia la educación técnico - profesional.".

vkhutemas el arte leninista

ELLISSITZKY

cimentando el futuro del constructivismo soviético

El Lissitzky

El artista soviético El Lissitzky (1890-1941) fue una de las figuras de vanguardia, más importantes del siglo XX. Hoy podemos ver su obra recogida en una notable variedad de materiales que incluye libros y diseños de periódicos, la correspondencia completa enviada a su esposa, Sophie Lissitzky-Küppers, fotografías de las exposiciones de sus diseños, sus dos libretas de direcciones personales y manuscritos adicionales relacionados con su vida y el trabajo revolucionario que desarrolló, como comunista militante. La carrera de Lissitzky estuvo profundamente marcada por la política y la agitación social de principios del siglo XX. Él siempre buscó crear obras de arte audaces y de gran impacto transformador, que mejor representasen las causas en que creía. Como artista, en su juventud, Lissitzky ayudó inicialmente al movimiento constructivista, influido por Vladímir Tatlin desde su conocimiento de la cultura judía rusa, el estudio de la arquitectura y los ornamentos de las sinagogas le sirvieron para ilustrar sus primeros libros en yiddish.. Su compromiso permanente con el arte abstracto se inició a principios de 1920, poco después conoció al artista Kazimir Malevich, el cual le influye de forma determinante en el futuro de composición artística, con él lidera el grupo artístico suprematista UNOVIS, donde desarrolló una serie suprematista con variante propia, los Prouns. Al establecerse en Berlín en 1921, Lissitzky se inspiró en la utopía del internacionalismo para embarcarse en una búsqueda de un vocabulario pictórico personal que con el tiempo sería universal. En sus últimos años, Lissitzky habló de un impuesto social de misión propia, el cual requería de un

“En contraste con el arte monumental de edad”, señala, “[el libro] se va al pueblo, y no ha permanecido como una catedral en un solo lugar esperando a que alguien se le acercara.”

alineamiento de sus objetivos artísticos y los objetivos del Estado soviético. Fue profesor de diseño de interiores, metalurgia y arquitectura en VKhUTEMAS puesto que mantendría hasta 1930, de esta época data su proyecto para la tribuna de Lenin y el rascacielos llamado Wolkenbügel. Su arte muestra con claridad como el poso político de los principios del contructivismo y el futurismo le van cimentando como artista y agitador político y él lo plasma en imágenes visuales y medios artísticos, como ejemplo de transformación artística e intelectual sirva el siguiente, la imagen de la mano sin cuerpo aparece por primera vez en el trabajo de Lissitzky como la mano de Dios en una ilustración de libros de 1919, la misma regresa transformada como la mano del artista en el Constructor (Autorretrato) de 1924, o en su publicidad de tintas Pelikan.. Un lugar destacado merecen sus diseños de libros, carteles, litografías, y fundamentalmente la exposición Espacios Soviéticos, esta última sirve tanto como elemento arquitectónico, como símbolo visual. El libro como un objeto dinámico es un tema al que acude en varias ocasiones y del que opina lo siguiente: “En contraste con el arte monumental de edad”, señala, “[el libro] se va al pueblo, y no ha permanecido como una catedral en un solo lugar esperando a que alguien se le acercara.”, considera el libro como una “unidad de la acústica y la óptica” que requiere la participación activa del espectador, y, más que con cualquier otro medio, encontró en el libro su “monumento del futuro.” Su última obra se editó en 1941, era un cartel de propaganda soviética que instaba al pueblo a construir más tanques para la lucha contra la Alemania nazi.

LUIBOVPOPOVA

el arte pertenece al pueblo

Luibov Popova

“El arte pertenece al pueblo. Sus raíces deben hundirse en lo más profundo de las masas trabajadoras. El arte debe ser accesible a las masas. Debe concitar los sentimientos, los pensamientos y la voluntad de las masas y elevarlas. Debe despertar y desarrollar su sentido artístico”. Luibov Popova (1889-1924) El constructivismo es una corriente que, a partir de 1921, se convertiría en imagen de marca de la “Nueva Política Económica” de Lenin a través de los trabajos publicitarios, propagandísticos y educativos, con un mensaje marcado por la pura geometría, los colores planos y la letra “de palo seco”, cuestionaba los principios fundamentales del arte y pensaba que el artista tenía que emplear los materiales, científica y objetivamente como un ingeniero, y que la producción de obras de arte debía atenerse a los mismos principios racionales que cualquier otro objeto manufacturado. Popova empieza a aplicar el diseño a sus experimentos sobre abstracciones geométricas en una colección donde prima el interés por la textura, los efectos psicológicos del

color y una geometría en movimiento, así lo prueban sus primeros bocetos de objetos como lámparas, esculturas tridimensionales colgantes y la continuación de formas geométricas pero no sobre lienzo sino en madera contrachapada o cartulina salpicadas con serrín con el fin de recalcar la naturaleza física de la superficie pintada. Al abrirse al campo del diseño, el arte se vuelve proyecto y se pone al servicio de la productividad, de manera que entabla una relación, diálogo, con la industria.

VLADIMIRTATLIN

constructivismo productivista

Vladimir Tatlin El artista soviético Vladimir Tatlin (1885-1953) viaja en 1913 a París visitando diversas exposiciones pero una de ellas sin duda le marca una exposición del español Pablo Picasso. El pintor soviético se siente poderosamente atraído por lo que ve y fundamentalmente por el sentido que tiene lo que ve . Cuando regresa a su país está decidido a modificar el estilo de sus obras. Hasta ese momento ha mostrado en sus cuadros influencias del fauvismo, del expresionismo y aunque mínimas también del futurismo, pero ahora considera que debe reflexionar sobre la función del arte y más cuando se encuentra con la victoria de la revolución blochevique, con el triunfo del proceso revolucionario, los bolcheviques le conceden a Tatlin diferentes responsabilidades en el terreno de la política artística, poniendo al servicio de la revolución sus planteamientos renovadores. Se instala en Leningrado, crea un Laboratorio de Volumen y condensa sus ideas en la famosa frase: “hacer arte es formar el material”. La misión del artista es, por tanto, la de construir el arte. Ha nacido así el constructivismo, al que en 1920 un manifiesto de Naum Gabo (1890-1977) pone definitivamente nombre. Desde este momento, el constructivismo como tendencia artística transformadora se desarrolla en la URSS al mismo tiempo que se consolida la revolución proletaria.

Numerosos artistas participan creativamente del movimiento, sin que ello signifique unanimidad absoluta en cuanto a sus maneras de entender el sentido del arte. A todos les une la idea de un pensamiento materialista y un sentido de vanguardia. Sin embargo hay algunos matices diferenciadores: Tatlin

Pevsner (1884-1962) se adscriben a una corriente más realista. A principios de los años 20, el escultor Vladimir Tatlin presentó un proyecto arquitectónico para diseñar un gran monumento a la 3ª Internacional Comunista en la ciudad de Leningrado, el mismo nunca llegó a construirse,

y sus seguidores más directos, desde actualmente la obra es reconocida planteamientos formalmente abstractos, internacionalmente como la Torre apuestan por un arte productivista, Tatlin. dado su interés en la búsqueda de la creación de una cultura artística obrera. Otros, como Gabo o su hermano Anton

consructivismo significado Para la palabra Constructivismo, en el diccionario encontramos varias acepciones, a saber: 1.- Como constructivismo se entiende al movimiento artístico de vanguardia que incorpora a la obra artística los conceptos de espacio y tiempo, a fin de conseguir formas dinámicas: el constructivismo nació en

Rusia a principios del siglo xx. 2.- Se aplica en psicología y pedagogía a la teoría explicativa de los procesos de aprendizaje a partir de conocimientos ya adquiridos. 3.- En filosofía se denomina constructivismo a una corriente de pensamiento surgida hacia 1980. Para el pensamiento constructivista, la realidad es una construcción hasta cierto punto "inventada" por quién la observa.

VARVARASTEPANOVA

el arte en la izquierda

Varvara Stepanova Varvara Fyodorovna Stepanova (En ruso: ВарвараФëдоровнаСтепанова 1894-1958), era una artista soviética ligada al movimiento revolucionario Constructivist Sus orígenes son campesinos pero ello no le dificultó el acceder a la escuela de arte, Odessa de Kazan. Allí conoció a su amigo y colaborador Alexander Rodchenko. En los años anteriores a la Revolución soviética de 1917, compartieron apartamento en Moscú con Wassily Kandinsky y a través de él se relacionaron con artistas como Aleksandra Ekster y Liubov Popova, todos ellos participaron en el desarrollo de algunas de las obras principales del denominado Vanguardismo ruso. El nuevo arte abstracto en la URSS comenzó alrededor 1909, sus influencias iniciales procedían del Cubismo, y el Futurismo así como del arte campesino tradicional ruso. Stepanova diseñó la obra Cubo-Futurista trabajo de diseño editorial para los libros de varios artistas. En los años que siguen a la revolución, Stepanova realizó los trabajos para la quinta y la décima exposición del estado, ambos en 1919. En 1920 participa activamente en la discusión ideológica que acaba con la división que se produce entre los pintores que como Kasimir Malevich continúan pintando con una única idea “el arte era una actividad espiritual”, por el contrario Stepanova, junto con Rodchenko, Tatlin y Popova entre otros, piensan que el arte es un instrumento revolucionario y por tanto debe estar al servicio de las transformaciones sociales, en definitiva es una herramienta que debe trabajar directamente con el pueblo y servir para el desarrollo revolucionario de la sociedad. Stepanova declaró en su texto para la exposición 5×5=25, inaugurada en Moscú en 1921: ‘La composición es el acercamiento contemplativo del artista. La técnica y la industria han enfrentado el arte con “La “santidad” de un trabajo como sola entidad se destruye. El museo que era la Hacienda del arte ahora se transforma en un archivo’.

el problema de la construcción como proceso activo y no reflexivo. La “santidad” de un trabajo como sola entidad se destruye. El museo que era la Hacienda del arte ahora se transforma en un archivo’. El teatro es otra área donde son capaces los artistas de comunicar nuevas ideas artísticas y sociales. Stepanova diseñó los escenarios y la tramoya para La muerte de Tarelkin en 1922. Así mismo realizó diversos diseños e implementó diferentes procesos para la producción industrial convirtiéndose junto con Popova, en diseñadoras textiles en el Tsindel (la primera fábrica de textil del estado) cerca de Moscú, en 1924 son nombradas profesoras de diseño textil en el Vkhutemas (estudios artísticos técnicos superiores) Otras ramas del arte no son desconocidas para Stepanova como la tipografía, cuyo conocimiento le sirve para participar en la maquetación de libros y contribuir al desarrollo y diseño del LEF “ЛЕФ“ el diario del Frente de la izquierda y de las artes una asociación revolucionaria, católica en sus orígenes, sus primeros redactores eran Osip Brik y Vladimir Mayakovsky, el LEF estaba formado por escritores vanguardistas, fotógrafos, críticos y diseñadores de la Unión Soviética. El periódico tubo dos momentos importantes de eclosión creativa y agitadora, el primero desde 1923 a 1925 como LEF, y más adelante desde 1927 a 1929 como Novyi LEF (“LEF nuevo”). El objetivo del diario, según palabras de sus creadores en una de sus primeras ediciones, era “reexaminar la ideología y las prácticas del arte en la izquierda, y abandonar el individualismo, para aumentar el valor del arte en la lucha por el comunismo.”

JHONHEARTFIELD

constructivismo en alemania Jhon Heartfield John Heartfield nació en Berlín el 19 de junio de 1891. Su verdadero nombre era Helmut Herzfelde hasta que en 1916 se lo cambió en señal de protesta contra el ultra nacionalismo de la I Guerra Mundial. Ese mismo año fue nombrado director artístico de la editorial Malik, fundada por su hermano Wieland Herzfelde. Heartfield y su hermano fueron miembros fundadores del Partido Comunista Alemán (KPD) en diciembre de 1918. También se unió al grupo dadaísta de Berlín, que publicaba periódicos como el Jeder Mann Sein Eigener Fussball (1920), para el que realizó sus primeros fotomontajes. Después de diseñar la escenografía para obras producidas por Max Reinhardt y Erwin Piscator, ingresó en el consejo editor de la revista semanal AIZ (El Periódico Ilustrado de los Trabajadores), donde realizó fotomontajes satíricos sobre las instituciones de la República de Weimar que habían permitido el desarrollo del nacismo, a partir de este momento, el trabajo del artista alemán tendría una gran carga de denuncia política, íntimamente ligada al trabajo literario de su amigo el poeta comunista Bertolt Brecht. Cada vez más implicado en el terreno del fotomontaje, trabajó en revistas ilustradas. Durante 1930 y 1931, viajó por la Unión Soviética y conoció de primera mano el trabajo de los constructivistas y los logros de la revolución soviética. Después de la ascensión de los nazis al poder en 1933, se exilió en la antigua Checoslovaquia, donde trabajó, una vez más, para la AIZ hasta que dejó de publicarse en 1938. De allí se trasladó a Gran Bretaña y volvió a Alemania en 1950, para

La mayoría del arte de Heartfield es una crítica satírica al Tercer Reich, y en particular a la figura de Adolf Hitler (una de sus obras más conocidas es “Adolf, el superhombre, traga oro y vomita basura“).

instalarse en Berlín, donde se dedicó al diseño escenográfico para el Berliner Ensemble y otras compañías de teatro, conjuntamente realizó trabajos de profesor universitario y fundó su propia editorial. Para entonces, ya estaba gravemente enfermo. Fue durante la década de los cincuenta, y en Alemania del Este, cuando su obra fue realmente reconocida por el público. Murió en su ciudad natal el 26 de abril de 1968. Al igual que la obra de otros artistas marxistas, sus fotomontajes, con gran carga y contenido político, han ejercido una enorme influencia en el arte moderno, incluso en la publicidad televisiva y la prensa. Fue durante el período de la Segunda Guerra Mundial cuando su trabajo resultó más productivo y más representativo de su personalidad como artista. La mayoría del arte de Heartfield es una crítica satírica al Tercer Reich, y en particular a la figura de Adolf Hitler (una de sus obras más conocidas es “Adolf, el superhombre, traga oro y vomita basura“). Asimismo, condenó el antisemitismo y la sociedad industrial capitalista. (“El capitalismo les está robando su última pieza de pan“, “La conquista de las máquinas“). Heartfield continuó en activo durante varios años, viajando regularmente a China (donde rodaría su primera película, una obra autobiográfica), y actuando de comisario en algunas exposiciones propias. Su mano aparece en la portada del primer disco de la banda System of a Down.

EXPOCONSTRUCTIVISMO