Revista ajá! número especial Disco Crítica 2 by Ajá! la Revista

Juan Gabriel Cosas de enamorados 1982

Gloria Trevi El amor 2015

José José Gracias 1981

Dulce Salvaje 1987

Tatiana A plena luz 1984

Napoleón Sin tu amor 1979

Chayanne Chayanne II 1988

Alejandra Guzmán Flor de papel 1991

Lucero Siempre contigo 1994

¡DISCOS Miguel Gallardo Sígueme 1980

poderosos!

María Conchita Alonso María Conchita Alonso 1984

Ricky Martin A medio vivir 1995

Thalía Primera Fila 2009

Luis MIguel Soy como quiero ser 1987

Emmanuel Íntimamente 1980

Graciela Carballo De Pe a Pa 1985

Pablo Abraira 30 de febrero 1977z

Angélica María Y el sentir de Juan Gabriel 1982

Yuri Yo te pido amor 1985

Una canción de España 1977

José Luis Rodríguez

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¡Ya a la venta!

El nuevo libro de Miguel Ángel Arritola 02

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¡QUE NO PARE LA MÚSICA! abía una vez una época en la que surgieron verdaderos artistas que, a la fecha, son íconos de la buena música, de excelentes recuerdos. Unos siguen en pie de lucha. Otros han pasado a mejor vida. Pero cada uno de ellos, con una propuesta musical diferente, han dejado huella en la música. Dicen que recordar es vivir. Dicen que la música trae gratos momentos. Dicen que cada canción bien puede ser un pasaje triste, alegre o melancólico en un instante vivido. Dicen que la música es magia. Dicen tantas cosas sobre este arte musical. Los 80´s y parte de los 90´s, fue trascendental para que surgieran figuras del canto que hoy son inmortales, con canciones o álbumes inmortales. Hoy, a manera de homenaje para los que están y a los que no están, ¡la revista “ajá!” ofrece esta segunda jornada de algunos de las grabaciones que han permanecido vigentes a lo largo de estos años y que, por su excelente manufactura, a la fecha, siguen siendo marco de referencia para quienes quieren entrar de lleno a estos escenarios de la música. Entremos pues, a los 80´s y 90´s, a ese mundo fascinante de grandes y maravillosos intérpretes.

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MEMORIES OF THE PA Un ‘Puma’ sexy y sensual Título del disco: “Una canción de España” Artista: José Luis Rodríguez (El Puma) Género: Pop Año: 1977 Calificación: ★ ★ ★ ★

n 1977, un locutor de Miami rompió récord al tocar en la radio un día completo el sencillo “Voy a perder la cabeza por tu amor”. Y es que este tema, de la autoría de Manuel Alejandro y Ana Magdalena, que está editado en el álbum “Una canción de España”, (1977), desde su lanzamiento fue todo un hit. “Voy a perder la cabeza por tu amor” marcó y definió en México el potencial como cantante de este también actor venezolano. Todos hablaban de la gallardía y galanura de José Luis Rodríguez. “Una canción de España”, producido por Manuel Alejandro y Ana Magdalena, era oro puro para la radio y en ventas, ni se diga. La letra fue trabajada por Manuel Alejandro y Ana Magdalena de tal manera para que traspasara fronteras y fuera perpetua. “Voy a perderla cabeza por tu amor” es de arreglos contemporáneos, con una letra contundente que, en 5 minutos con 25 segundos, proyectan a un cantante de alcances sensuales en su interpretar. Pero en “Una canción de España” hay más temas por resaltar. Porque hablar de Manuel Alejandro y Ana Magdalena, es hablar de plumas de gran escuela. Por ejemplo, “Qué nos une a ti y a mi” es un tema fuerte que habla de un amor hecho pedazos; la intensidad

★ Regular

de la letra, aunado a la voz poderosa de José Luis Rodríguez convierten la canción en pieza clave de este álbum. “Será que estoy enamorado” es tan orquestal, impresionantes para ser los 70´s , y sí, es muy “ñoña” para alguien tan serio y adusto como “El Puma”, mote que se le adjudicó cuando en 1972 trabajó en la telenovela venezolana “Una muchacha llamada Milagros”, interpretando a un personaje llamado “El Puma”. Manuel Alejando conocía a la perfección los alcances de su cliente, por ello en “Espérate”, le arrancó más lo intérprete que lo cantante. “Espérate” es una canción muy cara, no destinada para radio, pero sí destinada para perdurar a través de los años. La canción que da título al álbum es un himno para provocar recuerdos de quienes están lejos de España. Los arreglos y el acento tan “españolado” del cantante son una delicia. La canción dura, fuerte, provocadora y descaradamente retadora es “Tú”, la mejor del disco, la más intensa, en la que José Luis Rodríguez encontró ese tono exacto que brilla intensamente, donde su voz cobra matices muy interesantes; Su tono va de la burla al desdén con aquello que dice: “Y es que tú, no sabes que ya tuve mil amores como tú, que me reí mil veces de personas como, de infelices como tú, de inocentes como tú...”. Aún ahora, “Tú” se escucha actual en sonido y en interpretación; es mi favorita de este álbum. “Aún quisiera correr más” cae en lo festivo y, con esa voz de tenor interpreta “Silencio” una bella melodía donde maneja con maestría sus matices. Cuanta verdad hay en “Ya no quiero oír hablar del hombre”, con esa letra

★ ★ Bueno

de Manuel Alejandro y Ana Magdalena tan directa, tan cierta...”Ya no quiero oír hablar al hombre. Prefiero oír el llanto eterno de los niños ó el canto que repite la cigarra. Que me da la vida. Que me da la vida...”. “Quisiera saber por qué” es un sutil reclamo a la vida, es un constante de preguntas sin respuestas: “Quisiera saber porque dura poco la tormenta y las penas del querer, muchas veces son eternas. Quisiera saber por qué las aves vuelan y vuelan y el hombre con su saber

★ ★ ★ Muy bueno

camina con duras penas...” Astutamente, Manuel Alejandro & Ana Magdalena, produjeron, dirigieron y escribieron un disco tan comercial y tan deliciosamente vendible con tan sólo una pieza, “Voy a perder la cabeza por tu amor” y de igual astucia, escribieron canciones, no para la radio, pero sí para quienes gustan de temas serios, con letras profundas y el canto de un “Puma” con una técnica y afinación perfecta en piezas como “Tú”, “Silencio” y “Una canción de España”.

★ ★ ★ ★ Excelente

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Cuando es Yuri... ¡nadie puede con ella! Título del disco: “Yo te pido amor” Artista: Yuri Género: Pop Año: 1985 Calificación: ★ ★ ★ ★

u voz es de un timbre per-fecto. De las pocas, muy pocas, de las poquísimas que sabe matizar. Y cuando canta e interpreta como Yuri... ¡cuidado! Porque luego le da por imitar a Madonna, Boy George, Dionne Warwick, Taylor Dayne, Cyndi Lauper y quiere cantar como ellas y pues, ahí pierde la brújula de su sentido musical. Pero cuando se planta como baladista sin ser nadie más que ella, por Dios, eclipsa a casi todas. Siento que Yuri es de singles, no de álbumes. No era y ni es muy exigente a la hora de armar un LP. Me queda claro que, de una larga duración de 10 temas, mínimo tres son de éxitos redonditos, lo demás es desechable. El álbum que nos ocupa es “Yo te pido amor”, el sexto de su carrera, el disco que impresionó a los de la Academia de Grabación de los Estados Unidos de Norteamérica y que en 1986 fue nominado para un premio Grammy dentro de la categoría “Best Latin Pop Performance”; cierto, no lo ganó, se lo arrebató de manera injusta José Feliciano con “Le Lo Lai”. Como punta lanza de este álbum, “Dame un beso” resultó una mina de oro en ventas y posesionó a Yuri como una cantante versátil, de proyección internacional, era cuando la jarocha aún no le pegaba a la “Madonna mexicana”.

“Dame un beso” era imposible no amarla, Yuri está descubriendo su potencial como artista, como intérprete y como líder de las baladas desgarradoras y para prueba estaba “Yo te pido amor”, que en su momento fue prohibida en la radio por mencionar en su letra la palabra “terremoto”, justo cuando acababa de suceder uno en México. “Yo te pido amor” es de lo más vibrante que ha interpretado, los dramáticos arreglos y ella en una entrega desenfrenada era la mezcla perfecta para que fuera un hit y para que Yuri entrara a las grandes ligas de la balada. “El amor es un boomerang” era una canción necesaria para sus constantes show en vivo, un tema ni fu ni fa. Como bien he recalcado, la balada es lo suyo y en “Perdona”, ahí estaba la intérprete en franca tempestad, con una voz limpia, perfecta en tonalidades. “Sálvame” suena a Yuri, y amo eso. Su sello y estilo no le pide nada a nadie, Ella tiene un sello único e irrepetible. “Yo te pido amor” es un disco bien cuidado en cuanto a productores, letristas y músicos: M José Ramón Flórez, Hernando Zúñiga, Gian Pietro Felisatti y Loris Cerrone, todos viejos lobos de mar. “Déjala” seguirá siendo de lo mejor que ha grabado hasta la fecha. Su tónica de reproche no irrita, no incomoda al oído, trata profesionalmente sus tonos altos, hay estudio en su canto. “Déjala” es como un tatuaje en su andar por la música, indispensable siempre en sus conciertos. “Mal” y “Te quiero” son un ejemplo fiel de que cuando Yuri canta como Yuri, ¡cuidado, pocas, muy pocas como ella en México!

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MEMORIES OF THE PA ¡Un disco ‘Angelical...’ Título del disco: “Angélica María y el sentir de Juan Gabriel” Artista: Angélica María Género: Pop Año: 1982 Calificación: ★ ★ ★ ★

uan Gabriel tenía sus musas: Estela Núñez, Lucha Villa, Aida Cuevas, Rocío Dúrcal y Angélica María. A cada una de ellas les escribió temas que las inmortalizaron. A cada una de ellas les armó sendos álbumes memorables. Y de esas musas, de esos álbumes, de esas admiraciones nace “Angélica María y el sentir de Juan Gabriel”, (1982) una de esas producciones exquisitas que yo llamaría una verdadera obra de arte musical. Juan Gabriel en su mejor momento como compositor. Angélica María en una etapa justa y estupenda como intérprete. Y unas canciones “confeccionadas” exclusivamente para una gran intérprete. “Angélica María y el sentir de Juan Gabriel” es un álbum cantado e interpretado con el corazón, de principio a fin. Son temas inéditos y algunos covers que en boca de Angélica son un manjar. En “Angélica María y el sentir de Juan Gabriel”, se notó el esmero que el Divo de Juárez le imprimió a la selección de cada tema. Y se notó que “La Novia de México” hizo suyas, muy suyas cada una de las 10 canciones de este proyecto musi-

★ Regular

cal. Para la radio fue un lujo tocar “No volverás a verme”, una canción “movidita” pero con una letra agridulce que de inmediato obtuvo excelente respuesta. Juan Gabriel es experto en crear canciones trágicas, pero con ritmos bailables y “No volverás a verme” es ejemplo de ello. “Mañana, mañana” la podrán haber cantado otras, pero a esas “otras” no les salió tan espectacular y con tanta angustia y dolor como a Angélica María. El toque de Alberto Aguilera no se puede negar en “Cómo, cuándo y por qué”, de esas letras sencillas, sin mayor pretensión que ser recreada de manera alegre y rebozando de júbilo y para eso, Angélica María se pinta sola. En un disco siempre tiene que haber un clímax, una canción paralizante que se toque una y otra vez, pero aquí hay dos: “Extraño tus ojos” y “Imaginación”. Qué manera de componer, qué manera de interpretar y qué manera de darle forma y vida a cada frase de estos dos singles. Si de por si ambas letras son desoladoras, Angélica viene y le inyecta ese ímpetu al cantar para volverlas inolvidables. “Extraño tus ojos” es de lo más fascinante que le he escuchado a la reina de las telenovelas; aquí su voz es suave, su voz es casi un susurro, su canto tan íntimo que llega directito al corazón. “Imaginación” va a un terreno más pasional, más intenso, con una entrega interpretativa más llena de fervor; es un tema que ya quedó para la inmortalidad, como su compositor.

★ ★ Bueno

El lado “B” del disco es igual de poderoso con una espléndida versión de “Con tu amor” y “Ven a mi soledad”; en la primera, Angélica la hizo tan suya que no se extraña la versión original. “Ven a mi soledad” es caprichosa en letra e interpretación. “Aquella soledad” es más a gusto de Juan Gabriel al igual que “Adiós cariño”; “Perdona mis celos” es de esos te-

★ ★ ★ Muy bueno

mas profundos muy de él, muy de ella. En resumidas cuentas, “Angélica María y el sentir de Juan Gabriel” es un LP digno de recordarse, digno de volver a escucharse y digno de mantenerlo vigente, porque esa mancuerna Juan Gabriel/Angélica María es un verdadero regalo para quienes aman la intensidad de las baladas escritas y cantadas con el corazón.

★ ★ ★ ★ Excelente

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Michael Quaid

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¿Cuántos “30 de febrero” han marchado? Título del disco: “30 de febrero” Artista: Pablo Abraira Género: Pop Año: 1977 Calificación: ★ ★ ★ ★

“

Mañana será 30 de febrero Y tú vendrás a hacerme compañía Y ya te quedarás aquí conmigo Mi querido amigo arsénico...” Con esa fuerza de voz, con ese timbre que va a una interpretación perfecta, con esa clase con la que se plantaba en el escenario, llenándolo todo con su presencia, sin bailarines, sin escenografía, sin fanfarrias, tan sólo era él y sus intensos ojos azules, la cámara y su “30 de febrero”, no había necesidad de más para impresionar y conquistar al público. Pablo Abraira y su álbum “30 de febrero” (1977) impactaron al mundo de la música por el contenido de las letras, (unas de Rafael Pérez Botija y otras tantas de él) y por la manera ácida de cantarle al amor, al abandono, al suicidio y a la infidelidad. Temas fuertes, pero a la vez de una dulzura sin igual comprendían este long play que revolucionó la balada en los 70´s donde la señora “censura” se hizo presente para impedir que “O tú o nada” saliera a la radio con esa frase: “amada mía ADULTERA, mi gran amor, mi niña mimada...” Era inconcebible que esa palabra saliera al aire y tuvieron que hacer otra edición de este tema para que fuera “decente” y cambiaron “adultera” por “tú serás”: “Amada mía tú serás, mi

gran amor, mi niña mimada”. “O tú o nada” al paso de los años la cantaron los y las intérpretes más reconocidos de la industria, pero nadie logró igualar la versión arrogante y encantadora de Abraira. “30 de febrero” de Rafael Pérez Botija es una impactante metáfora sobre esa manera de acabar con la vida al ver ese amor perdido que jamás volverá: “Corre, corre por favor, o no tendré valor para morir amándola. Voy al este del Edén, amigo mío ven, para esperarla allí, mañana será 30 de febrero, para mí”. Este disco, con tan sólo 9 canciones, destacan “Para vivir”, un tímido cover de Pablo Milanés, pero tiene una maravilla llamada “El hombre más feo del mundo” una pieza con un aire retro y una letra muy alejada a lo que años después armaría Peréz Botija, el compositor de cabecera de Dulce, Rocío Dúrcal y José José en los 80´s. “A fuego lento” y “María mi amor” son tan devastadoras y tan desoladoras, ambas compuestas en momentos desesperantes en la vida de Pablo Abraira, quien, al verse abandonado por su ex amor, María Veranés, un cantante cubano/española que le destrozó el corazón, echó rienda suelta a su faceta como compositor y armó estas dos melodías. “A fuego lento” está vestida con unos arreglos de cuerdas de lujo con un sentir que conmueve hasta los tuétanos: María mi amor” es arrebatadora por esa dolorosa e inquietante súplica de reclamar una espera que jamás llegó. De Rafael Pérez Botija están “Una bomba atómica de amor”, una canción

que habla de ese amor de niña a mujer que “hay que abrir de par en par” y “Amor de otoño”, de una melancolía total, muy a la usanza del español. Abraira, en “Gavilán o paloma”, también del maestro Pérez Botija, debo decir que supera en el sentido interpretativo y pasional a la versión de José José. Ambas son estupendas,

pero Abraira le da una intensidad que José José convierte, hasta cierto punto, en suave y tierno. “30 de febrero” como disco, fue el despunte de Pablo Abraira y los pininos de un Rafael Pérez Botija ya con la pluma de alto vuelo para componer, dirigir e impulsar cantantes de talla internacional.

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MEMORIES OF THE PA ¿Ángel, mujer o demonio? Título del disco: “De pe a pa” Artista: Graciela Carballo Género: Pop Año: 1985 Calificación: ★ ★

raciela Carballo es mi placer culposo dentro de la música. Como compositora: Divina. Como cantante: Desastre total. Pero tenía ese descaro y desfachatez magistral de hacer lo que no le sentaba nada bien, cantar. Y lo hacía de una manera tan caprichosa que al final de cuentas o la odiabas o la amabas: Yo la amé. Sus composiciones fueron todo un menú a la carta para Amanda Miguel y platillo suculento para Lupe D´Alessio. La pluma de Carballo era filosa. La pluma de Carballo exploraba con verdadera maestría asuntos de cama y de amores espinosos. La historia de esta compositora no es precisamente color de rosa, su debilidad por un hombre ajeno le valió romper una amistad de años con Amanda Miguel, la cantante de greñas rebeldes que escribió con ella y Diego Verdaguer las canciones más sólidas de su carrera como “Así no te amará jamás”, “El me mintió”, “Quiero un amor total”, “Mi buen corazón”, “Hagamos un trato”, “Quién será”, “Donde brilla el sol” y “Siempre te amaré”, todas de una calidad en lírica irreprochables. De esos engaños y traiciones, la Carballo decide andar en solitario, probando suerte como cantante y es cuando se aventura a lanzar “De pe a pa”, un disco con letras fuertes y agresivas, propias de su temperamento. ¿En qué consistió el fracaso de esta cantautora argentina en una época en donde sus canciones eran más que oro molido? Hay quienes dicen que la intérprete de “El me mintió” movió influencias en las altas esferas de la industria para que Carballo no tuviera cabida en

★ Regular

estación de radio alguna o programa de televisión alguno. Será el sereno, pero el disco no llegó lejos y casi pasó de noche. Pero si hablamos de aquellas rebeldes de la canción de los 80´s y no mencionar a la Carballo, sería algo así como pecado capital. “De pe a pa” traía el sello del pecado, del engaño, de la traición, el álbum nació con mala estrella y, aunque sus canciones merecían mucho mejor suerte, algo raro pasó que no despuntó como debiera. El álbum arranca con “Locos de atar”; me extraña que a la D´Alessio se le haya escapado este tema, ni mandado hacer para ella y su fiero temperamento. “Locos de atar” es una canción con todo el sello de Amanda Miguel, lástima que no haya llegado a sus

★ ★ Bueno

★ ★ ★ Muy bueno

manos, porque en boca de Carballo le hizo falta enjundia. ¿Pero qué tal suena la Carballo en “Qué acabado se le ve”? Por más que Lupe D´Alessio la haya inmortalizado, me quedo y por mucho con el desenfado y la elocuencia de una interpretación mesurada pero cargada de un delicioso cansancio de fracaso, de ese brillo que alcanza una voz restringida en alcances. “Mala mujer” es, sin querer, divertida por ese juego de palabras en la que la protagonista le dice a su hombre que vaya con su madre a decirle que “dile que soy una mala mujer que te maltrata, pero que soy dueña de ti”. “Alta tensión” es de “relleno”, no le aporta nada al concepto del disco al igual que “He vuelto con él” con todo y ese sonido disco que le quiso imprimir. La seducción en “De pe a pa” estriba en la letra, en la interpretación y en que es una canción con bríos en la que la argentina supo sacarle provecho a la sensualidad de su contenido: “Voy a bailarte la danza más sexy voy a besarte hasta que el cuerpo aguante, si, te voy a saborear de pe a pa”. “De pe a pa” no es la gran canción, pero su autora la vendió así y así se la compré. Su pluma es genial, y ahí está “El feo”, la canción más brillante de este LP, brillante en todos los sentidos. “El feo” es la historia de quien transformó las noches tristes en días de felicidad tan sólo por sus ojos tristes, lo más hermoso en él: “No sé por qué no me gustan los feos, pero a ti te quiero tal y como sos”, dice la letra. “Estoy enamorada de ti” es un poco fantoche y algo ramplona. “Con aliento a cerveza” está cantada muy forzada, pero amo la letra y “Ruego por la paz” si está o no está, ni usted ni yo la echaríamos de menos. En su momento, Carballo debió pedirle perdón a su colega argentina por truncar la felicidad de un matrimonio estable y seguir componiendo esas canciones cargadas de un erotismo que de pe a pa eran geniales.

★ ★ ★ ★ Excelente

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Diez, el disco perfecto Título del disco: “Íntimamente” Artista: Emmanuel Género: Pop Año: 1980 Calificación: Perfecto

ue yo recuerde, sólo tres álbumes en México han sido tocado en la radio los 10 temas que los conforman; “Heridas”, de Dulce, “Secretos” de José José y “Íntimamente” de Emmanuel. “Heridas” realizado en su totalidad por Rafael Pérez Botija, “Secretos” y “Íntimamente”, ambos dirigidos por Manuel Alejandro y Ana Magdalena. Dos productores españoles que inmortalizaron las carteras de tres exponentes de la balada contemporánea que al paso de los años cobran más y más fuerza. Con “Íntimamente”, Emmanuel consolidó su carrera de manera apoteósica, el disco fue todo un suceso y en ventas ni se diga, más de 7 millones. “Íntimamente” es un álbum que tiene tres elementos fundamentales para que sea catalogado como un disco histórico: Es un álbum con canciones de una elegancia dignas de una voz como la de Emmanuel; es un trabajo con ese sello de distinción de un Manuel Alejandro entregado a su oficio y tres, esa unión entre cantante y compositor que llegó en un momento justo en que la pasión de ambos estaba desbordada al por mayor. “Íntimamente”, el cuarto álbum de estudio de Emmanuel, fue grabado en Madrid, España y lanzado al mercado en 1980. Absolutamente todos los temas fueron sencillos promocionales y todos fueron número 1 en las listas de popularidad. Por supuesto que “Íntimamente” estaba amparado de canciones para marcar historia como “Insoportablemente bella” que sonó

a todo lo largo y ancho del país y gran parte del extranjero. “El día que puedas” al igual que “Cuál de los dos” de Dulce, eran las únicas dos piezas mexicanas que se tocaban en los bailes de luces, entre canciones románticas en inglés. “El día que puedas” posee unos arreglos y una interpretación simplemente fuera de serie. Ese puente musical es para recordarlo de por vida. Como diría mi amigo, el estupendo cantante Fernando Botero, en “Esa triste guitarra” hay lágrima en esa voz y en esa guitarra. “Quiero dormir cansado” siempre se me hizo plana, lineal y monótona, no así “Caprichosa María”. “Eso era la vida”, la única que no es de la autoría de Manuel Alejandro, es un tema para reflexionar, que nos enseña que en lugar de soñar hay que vivir porque la vida se va en un abrir y cerrar de ojos. “Con olor a hierba” tiene un toque country que fascina y “Este terco corazón” es un festín para el oído. La balanza perfecta de “Íntimamente” está justo en la recta final, precisamente en “Todo se derrumbó dentro de mi” y “Tengo mucho que aprender de ti”. El drama de “Todo se derrumbó dentro de mi” está tan bien armado que cada instrumento musical empleado en esta canción juega un papel primordial en ese canto rendidor de Emmanuel. Sin “Tengo mucho que aprender de ti”, esta larga duración hubiera sido excelente, más no perfecto, pero bendita la hora en que se incluyó lo que es para mí la esencia de “Íntimamente”. Y aquí es cuando todo encaja a la perfección: letra, música e interpretación, todo era una verdadera obra de arte y pensándolo bien, eso es en resumidas cuentas “Íntimamente”, una verdadera obra de arte musical dentro del pop latino.

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MEMORIES OF THE PA ¡Brillante! Título del disco: “Siempre contigo” Artista: Lucero Género: Pop Año: 1994 Calificación: ★ ★ ★ ★

on Rafael Pérez Botija la que no cantaba, cantaba porque cantaba. Y si no sabía cantar, él lograba que lo hiciera, sino, pregúntenle a Lucía Méndez, quien parió “chayotes” cuando le produjo “Castígame”, ese estupendo álbum del cual más adelante desmenuzaré canción por canción. Lucero se las vio “negras” para arrancarle al compositor español 3 espléndidos discos diseñados exclusivamente para ella, “Sólo pienso en ti”, (1991), “Los Parientes pobres”, (1993) y “Siempre contigo”, (1994) . A decir verdad, no sé cuál de estos tres trabajos de estudio es el mejor, pero lo que sí estoy seguro es que “Siempre contigo” tiene ese aire de alta clase en letras, arreglos e interpretación que tanto me seduce de Pérez Botija. A Dulce sólo le realizó 2 álbumes, “Heridas” y “Tú muñeca”. A Rocío Dúrcal también dos, “Confidencias” y “Entre tú y yo”. A Lucero tres, tres, tres, un número envidiable porque si algo tiene este hombre, es ser perfeccionista y exigente a la hora de decidir a quién le producirá un álbum en su totalidad. “Siempre contigo”, el decimosegundo disco de estudio de Lucero, es un trabajo musical exquisito, elegante, sofisticado, con canciones adultas para una joven que aún no descubría los sinsabores de esos amores a medias, de esos quereres intensos y de esas relaciones que sólo en la alcoba se entendían. Aquí no se escatimó en nada para la grabación del álbum, el cual se realizó entre Miami y Madrid, teniendo en las ★ Regular

cuerdas a la Orquesta Filarmónica de Praga, dirigida por Mario Klemens. Pero Lucero fue una brillante alumna de Pérez Botija, sacarle 3 álbumes, 3 joyas, 3 trabajos pulcros e históricos, no cualquiera, eso se los aseguro y me refiero a mujeres intérpretes, porque a José José le produjo como 10 discos, de los cuales también más adelante daremos cuenta. Lucero creció en todos los sentidos con “Siempre contigo”, dejó en claro que pudo domar el temperamento y exigencia de un divo de la composición, de un auténtico rey midas de las canciones fuertes. De “Siempre contigo” me quedó con la desolación total de “Te extraño tanto”, de esa forma en la que Lucero entendió a la perfección el sentido de esa letra que Pérez Botija escribió para una interprete, no para una cantante. “Te extraño tanto” ubica a una Lucero de altos vuelos que, sin necesidad de un torrencial de voz, logra su objetivo, convencer y conmover con su canto. Y si de dulzura se trata, la ex de Mijares es ama y señora y ahí está “Alguien”, de lo más fabuloso que ha grabado. Y es que el ser actriz le ayuda mucho para darle ese matiz a cada frase, a cada palabra y en “Alguien” hay una parte que rompe el corazón: “Nunca volveré a querer a quien no me acepte como soy, a quien que me haga sufrir, a quien me haga llorar, a quien me haga cambiar por amor, ha de ser alguien y no una quimera…”. Pero también está “Regresar”, ese himno al fracaso de un amor en el que Pérez Botija se lució en el fraseo y Lucero brilló como una intérprete digna de una canción extraordinaria y por qué no, de una canción tan desaprovechada por la disquera y por la propia artista. “Volvamos a empezar” es de ley que tenía que estar en “Siempre contigo”, es de esas canciones no dirigidas a la radio, es de esas canciones de ★ ★ Bueno

exigencia vocal, de una exigencia a nivel interpretación. Aquí, los tonos que alcanza Lucero son de un status que sólo las grandes logran. Ah, cómo disfruto “24 horas” y “Como perro al sol”; de la primera amo la elegancia de los arreglos y porque, además, Pérez Botija obliga a Lucero a matizar perfectamente y de la segunda, amo la letra, divertida e intensa a la vez. Me gusta escuchar “Quién soy yo” y “Déjame ir” con los ojos cerrados para perderme en la voz cristalina de Lucero; me pone muy de buenas escuchar “Palabras”, muy acorde a lo que arrastraba la cantante en esos años. Ok, “Fotografíame” es un pequeño ★ ★ ★ Muy bueno

desliz de Pérez Botija, pero ni quién se dé cuenta, es tan boba y tan “escolar” que sale sobrando en este disco. Pero donde la cantante y el compositor abrazan el cielo es en “Siempre contigo”, ese Sax, esa voz tan sensual y el sello de Rafael Pérez Botija de manejar sutilmente la sensualidad en la letra, convierten esta canción tan intemporal, en algo tan fascinante y en una pieza única en el acervo musical de la actriz. Y es aquí donde Lucero justifica perfectamente el por qué el compositor español le produjo tres, sí, tres álbumes memorables en su carrera, siendo la envida de muchas de su generación.

★ ★ ★ ★ Excelente

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¡Provocador y muy sexy! Título del disco: “Sígueme” Artista: Miguel Gallardo Género: Pop Año:1980 Calificación: ★ ★ ★ ★

raía un sonido muy europeo. Traía un tema muy escabroso que hablaba de la homosexualidad, un tema tabú aún en los 80´s. Traía un álbum confeccionado para ser un hit... ¡y lo fue! “Sígueme”, (1980) es la quinta producción musical de Miguel Gallardo, ese cantautor español que había infringido las reglas de la balada con aquel sugestivo tema “Hoy tengo ganas de ti”, (1976) con una letra cargada de insinuaciones sexuales y una intensa interpretación que conquisto el mundo de habla hispana y, por ende, se convierte, según Billboard , en uno de los más grandes temas de amor de la música española en toda su historia. “Sígueme” se distingue por lo audaz y atrevido de su contenido y en pleno 1980, este álbum se tenía que escuchar “quedito” por aquello de que, en una de sus letras, revelaba que su mejor amigo estaba enamorado de él. El atractivo de este álbum radicó en su sonido, que unos catalogaban de vanguardista y moderno, pero yo más bien lo aterrizaba como un disco muy al sonido de los Bee Gees y de esos grupos que lideraban las listas de éxitos en Estados Unidos. Y he de decir que en “Sígueme” encontré “Seguirá vivo en mi”, una de las canciones más hermosas que he escuchado en mi vida, una de las canciones que aún ahora, me sigue erizando la piel. “Seguirá vivo en mi” es para analizarla y escucharla una y otra vez y así, una y otra vez amarla por esa forma de escribir sobre el amor que “blanquee nuestra sien como nieve”.

“Seguirá vivo en mí” es esa historia de amor que todos tenemos por alguien, es ese amor que nos lleva a esos momentos que se fueron pero que nos dejan “esos instantes más sinceros”. “Sígueme” lanzó varios hits como “Y apago la luz”, de sus más extraordinarias y fuertes composiciones, “Dos”, (un cover de “I wonder where you are”) y “Me gusta” de lo más profundo en cuanto a letra y canto. Lo incómodo para la radio y la televisión era “Amigo mío”, con esa letra que habla del amor de un hombre... ¡por otro hombre”: “Amigo mío, te da vergüenza hablarme de tu intimidad, amigo mío y temes que al saberla pierdas mi amistad, pierdas mi amistad. Amigo mío, ya sé que disimulas hasta enloquecer, para disfrazar delante de la gente tu amor hacia él, tu amor hacia él”. La clase de interpretación de Miguel Gallardo a esta canción es simple y sencillamente electrizante y de una entrega absoluta y total. El resto del material es tan íntimo, (“Es demasiado tarde para mí”, “Hoy quiero inventar una caricia” y “Comenzar de nuevo”) todas ellas tratadas con un respeto a la balada que sólo este cantante español podía imprimirle. Me enamoré de esa maravilla de canto a “Por qué será” y vuelvo a valorar “Comenzar de nuevo”, de un corte romántico tan de su usanza. Miguel Gallardo se podría decir que la tenía fácil en la música de los 80´s, había pocos cantantes hombres que tenían talento para componer y cantar como él; pocos tenían su galanura y muy pocos poseían la seducción para llegar al corazón de sus millones de fans, de esos millones de fans que lloraron de manera desconsolada su muerte aquel fatídico 11 de noviembre de 2005, un día antes de mi cumpleaños.

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MEMORIES OF THE PA ¡El ímpetu de los 17! Título del disco: “Soy como quiero ser” Artista: Luis Miguel Género: Pop Año: 1987 Calificación: ★ ★ ★ ★ y lo que sigue

n un cantante siempre hay un antes y un después. El antes de Luis Miguel es tan o más glorioso que ahora. Antes, con el ímpetu de sus 17 años, tenía la increíble capacidad de hacer con voz lo que le viniera en gana, hoy lo sigue haciendo, quizás con un poquito menos de pasión y entrega, pero lo sigue haciendo. Para mí. Luis Miguel no es el de “La incondicional” ni el de los sobrevalorados boleros, ni esas fastuosas baladas como “Fría como el viento” o “Tengo todo excepto a ti”. Para mí, el Luis Miguel que arrebata el aliento y estremece con su perfecto sentido musical es el que interpreta “Yo que no vivo sin ti” de ese impecable trabajo de estudio llamado “Soy como quiero ser”, (1987). En “Yo que no vivo sin ti”, hay que valorar en el minuto 2:46 la duración de esa prodigiosa voz, la manera en que sostiene la nota sin desafinar, la arrogante manera en que al final la termina en un falsete MEMORABLE, y eso, no cualquiera lo hace y menos ahora, a menos que sea con la ayuda de la tecnología de un estudio de grabación. “Soy como quiero ser”, producido por Juan Carlos Calderón resultó ser el álbum que rompió con su esencia niño/adolescente para pasar a ser un joven/ adulto, a sus 17 años. ¿Qué sabía Luis Miguel de amores a los 17 años? Quizá nada, quizá mucho, porque para cantar en un sentimiento entre dulce y apasionando como en “Yo que no vivo sin ti”, se requiere algo más que teoría en la vida. Recalco, el estupendo final de “Yo que no vivo sin ti”, nunca lo volví a escuchar sólo con Luis Miguel y en vivo era un reto o de igualarlo o superarlo...¡y lo superaba! Bajo una producción realizada y dirigida por Juan Carlos Calderón, teniendo a Luisito Rey como productor ejecutivo, “Soy como quiero ser” fue lanzado al mercado un 15 de julio de 1987.

★ Regular

Un año después, en1988 obtuvo una nominación al Grammy a la “Mejor Interpretación de Pop Latino”, no lo ganó, lo perdió ante “ Un hombre solo” de Julio Iglesias, de esas injusticias propias de estas ceremonias. ¿Cuál es la variante de este su séptimo álbum a sus antecesores? Ese aire de sensualidad que estremecía a las mujeres mayores que él, ¿verdad Lucía? El cambio de estilo, de niño/adolescente/adulto. La selección perfecta de covers que les sentaban a las mil maravillas. El disco abre con “Es Mejor” (Reach Out I’ll Be There) original de Four Tops, un tema de R&B/ Soul, que data de 1966, al que Luis Miguel le dio la oportunidad de arrojar esa soltura desbordada en la que la sensualidad jugaba un papel importante, esta pieza musical lo proyectó al cielo mismo, y en sus shows en vivo, cuando la cantaba era todo un agasajo. “Sin hablar” a dueto con Laura Branigan, es de esas canciones de vuelos altos, un dueto elegante y de mucha clase, muy a la par a lo que hizo en su momento Roberta Flack y Peabo Bryson en “Tonight

★ ★ Bueno

★ ★ ★ Muy bueno

I Celebrate My Love”. Juan Carlos Calderón logró una canción excepcional. Al paso del tiempo, Laura Branigan llegó a decir que se quedó con ganas de hacer más colaboraciones con Luis Miguel. Luis Gómez Escobar hizo una adaptación increíble de “ I Only Want To Be With You”, (“Ahora te puedes marchar) que sonó allá por noviembre de 1963 en boca de Dusty Springfield, conocida como “la mayor cantante blanca británica”, sólo comparada con la diva Aretha Franklin. “Ahora te puedes marchar” es un tema ícono de su extenso repertorio musical. “Yo que no vivo sin ti” es y será lo mejor que haya interpretado el llamado “Sol de México”. De Mocedades, Luis Miguel tomó prestada “Eres tú”, tan aburrida como la versión original. Gloriosa es su interpretación en “Sólo tú”, (“Only You”) y una vez más, Juan Carlos Calderón acarició el cielo al unir a Luis Miguel con Rocío Banquells en “No me puedo escapar de ti”, tan mesurados, tan románticos, tan intérpretes, ambos. Adiós al niño flacucho de greñas rebeldes, bienvenido al Luis Miguel de cuerpo atlético, de bikini revelador bajo la regadera, del Luis Miguel de piel tostada en “Cuando calienta el sol”; el video, dirigido por Pedro Torres, muestran a un Luis Miguel fogoso, sexualmente imparable y de una calidad vocal fuera de serie. “Soy como quiero ser” es como “Mudanzas” de Lupe D´Alessio. Es la franca rebeldía de un joven que quiere vivir como él quiere, por eso mandó a volar a su padre y vivió “sin mandatos ni fronteras”, aquí es luce supremo como intérprete. Seguro que Eric Carmen, su interprete original, debió sentirse orgulloso si alguna vez escuchó “Perdóname”, (“All by Myself”). A estas alturas del álbum ya Luis Miguel se proyectaba como un cantante e intérprete fuera de serie, irrepetible, uno en un millón. Apuesto a que cuando Quincy Jones escuchó a Luis Miguel explotar esa madurez y sensualidad vocal en “Sunny” de Bobby Hebb, fue que le nació la imperiosa necesidad de producirle un disco a quien, por inseguridad y una pequeña dosis de ignorancia, se negó hacerlo.

★ ★ ★ ★ Excelente

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Michael Quaid

EDICIÓN ESPECIAL DISCO CRÍTICA

¡Miedo a crecer! Título del disco: “Primera fila” Artista: Thalía Género: Pop Año: 2009 Calificación: ★ ★ ★ ★

halía tiene miedo a “envejecer”, musicalmente hablando. Y eso lo demuestra día tras día con sus innumerables Tik Tok y esos últimos álbumes insulsos y desechables. Thalía tiene miedo a dar ese gran paso que había dado en “Primera fila” en el que se reveló como una cantante de prestigio. En su nivel de diva, imagino que ha de ser duro ver que los años pasan y darse cuenta que la juventud es la que se apodera de las listas de popularidad de manera vertiginosa. El caso de Thalía es tan igual al de Ricky Martin; ambos han estado en la cúspide de la fama y el éxito, pero todo tiene su principio y fin. Pero ambos saben que el camino a seguir lo tienen al alcance de sus manos. Thalía puede y debe de ponerse en manos de Mottola para que repita la fórmula de éxitos que empleó con su ex, Mariah Carey. Ricky Martin ya debería de estarle hablando a un Juan Carlos Calderón para que le realice un disco tipo “Soul Provider” de Michael Bolton. Ambos deben de dejarse de jugar a ser niños y retomar lo que saben hacer: Discos. “Primera fila” fue la revolución total en la carrera de Thalía, un disco a la talla de su nivel como artista, un álbum que la posicionó en un nicho envidiable. Vendió como loca miles y miles de unidades y se ganó el respeto de los críticos de música, no sólo de México, sino del extranjero. Y es que “Primera fila”, un álbum acústico, en vivo, (el primero de su carrera), fue orquestado por productores de respeto dentro de la industria como Áureo Baqueiro y el mismísimo Tommy Mottola. Este material, que mezcló el pop latino con el folk, se grabó en el Bank United Center de la Universidad de Miami (Florida) ante selectos invitados que no pasaban de 300. “Primera fila” es lo más arriesgado e innovador de su carrera, el que la sacó de su zona de confort y de sus

insufribles “gemiditos”, que le funcionaban ante sus fans de hueso colorado. Pero este álbum se pensó para ganar al público adulto/contemporáneo y así fue, sí señor. Thalía tuvo a sus pies a los mejores compositores, músicos y productores para no fallarle al resultado final. Y abrió a lo grande esta larga duración con “Cosiéndome el corazón”; desde aquí se notó la mano de Mottola y la disciplina de obligarla a cantar y a cantar bien. Con Mottola no se juega a la hora de hacer discos y los caprichos y berrinches se dejan afuera del estudio, por ello, Thalía está magnifica en “Qué será de ti”, una joya en su enciclopedia musical. “Qué será de ti” es de una exigencia vocal que el mismo Roberto Carlos, su autor original, le aplaudió a Thalía. No me aventuro al decir que esta canción es de lo más emotivo y seductor que la señora de Mottola ha grabado. De Reyli Barba está “Enséñame a vivir”, aquí no hubo

mucho trabajo para Thalía, es de su corte y de su estilo. Lo intenso y complicado está en “Cómo” de Leonel García, una balada que va de menos a más, que va de tonos bajos a unos altos decorosos y muy decentes. La sensación y la parte cumbre del disco recae en “El próximo viernes”, del insoportable y fugaz Espinoza Paz, en esta melodía, Thalía es experta en manejar una sensualidad natural a la hora de interpretar. Ah, vaya que disfruté ese medley de “Entre el mar y una estrella”, “Piel morena”, “No me enseñaste” y “Amor a la mexicana”, Con Pedro Capó cantó “Estoy enamorado”, demasiada melosa para mi gusto. “Equivocada” eclipsó a todas las de su generación que ese año lanzaron discos, sencillos y demás. “Equivocada” era el tema más que ideal para callar bocas sobre su canto. El sentimiento, temperamento e interpretación, que le imprime era el camino a seguir para seguir ganando terreno en la balada. “Brindis” merecía más atención para promover, se quedó en el camino. Joan Sebastián terminó por elevar el valor a este disco al hacer un dueto en “Con la duda”. “Cuando te beso” es arrebatadora y Thalía abraza un interpretar poco usual, de 10. No podía evitar sacar lo “Rosalinda” o lo “María Mercedes” que lleva dentro y para eso está la jocosa “Ya lo sabía”. “Mujeres”, en Ricardo Arjona es un himno al sexo femenino y en labios de Thalía es una complicidad de mujeres a mujeres. Con Flans, “Ay amor” es una verdadera obra de arte musical y con Thalía es un canto opaco, sin matices y como que la letra no la asimiló tal y como lo hicieron Ilse, Ivonne y Mimi. El día que Thalía decida salir al escenario con un “chongo” mal hecho, unos desgastados tenis, un pantalón de mezclilla roto, una playera como si la hubiera comprado en un “mercadito” y se ponga a cantar e interpretar como lo hizo en este “Primera fila”, entonces, sólo entonces, se habrá reencontrado con la artista que tiene “atrapada” en ese mundo de cristal en el que vive las 24 horas.

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MEMORIES OF THE PA ¿Y la pasión... y la osadía...? Título del disco: “A medio vivir” Artista: Ricky Martin Género: Pop Año: 1995 Calificación: ★ ★ ★ ★

o cualquiera está preparado para el éxito. No cualquiera sale bien librado de los reflectores, de la fama, del dinero y del

poder. No cualquiera sabe enfrentar la soledad de un cuarto de hotel cuando momentos ante las luces del escenario se apagaron y ya los miles de rostros desconocidos y los efusivos aplausos quedaron atrás. Ricky Martin vivió y en grandes escalas eso que se llama fama. El éxito le llegó en grandes dosis, a temprana edad. Gira tras gira de llenos totales a niveles internacionales seguro que lo abrumaron. Éxito tras éxito le hicieron perder piso, no en arrogancia, pero sí en estabilidad emocional. Álbum tras álbum en los primeros lugares lo obligaban a exigirse quizás más de lo debido. Su arsenal de exitosas baladas llegaban una tras otra. No había tregua para el fracaso. Ahora que mira hacia atrás y absurdamente lo compara con su presente, claro que el shock es tremendo. No ha vuelto a sacar algo tan poderoso como “A medio vivir” y ni remotamente se ha acercado a la belleza de un “Te extraño, te olvido, te amo”. Su desequilibro artístico reposa en la inseguridad de ya no conocerse como artista. Ricky mira lo que hacen los demás, quiere hacer lo que hacen los demás

★ Regular

y quiere verse como se ven los demás y olvida que en él habita tremendo intérprete que en estos años tristemente ha ocultado. “A medio vivir”, (1995) es un disco anclado en la categoría adulto/contemporáneo, pero con destellos de juventud, de frescura, de sonidos latinos que van de la cumbia a lo flamenco, para caer en baladas escritas especialmente para su espejismo sexual que ya tímidamente dejaba entrever en juegos de metáforas escritas por grandes como Alejandro Sáenz, Mónica Naranjo, Marco Flores, Carlos Lara, KC Porter, Franco de Vita y Luis Gómez Escolar. “A medio vivir” le permitió al cantante puertorriqueño a expresarse con más libertad, sin tantos tapujos, pero siempre cuidando las formas, sin ofender ni incomodar a nadie. Los escenarios en cada uno de los temas son de esos amores en que los límites de la pasión llegan a tan sólo recuerdos y despedidas como en “Te extraño, te olvido, te amo” en la que Ricky sin esfuerzo alguno regala una interpretación agónica en la que grandiosamente sale del set de lo rítmico como en “María”, tan bailada, tan cantada y tan…”María”. Espléndida y deliciosamente bailable es “Dónde estarás” escrita por Mónica Naranjo con esa cortina a punto de descorrer para ser ya sin tapujos el verdadero Ricky Martin que ahora es: “No puedo más, yo ya estoy harto de jugar a amar. Dónde estarás, no sé si el amor que busco existirá...”. Esa lágrima que hay en “Volverás” es la que le urge volver a encontrar, esa melancolía al cantar que tan bien le sienta. “Volverás” es de una hermosura musical fuera de serie; esos violines, y el sutil coro de Drako Rosa es lomás. “Es una revolución” está y punto, no

★ ★ Bueno

pasa nada con ella. “Somos la semilla” es de esas canciones de luz y esperanza que tanto le gustan a Ricky para concientizar hacia dónde vamos en esta vida. “Corazón” escrita por Luis Ángel y KC Porter es de 10, es ese estilo dance ideal para que Ricky mueva las caderas como sólo él y Shakira saben hacerlo. Urge que se siente con Alejandro Sanz para que le componga otra rola como “Nada es imposible” y que, de paso, le de unos consejitos para volver a ser tan grande como él.

★ ★ ★ Muy bueno

“Cómo decirte adiós” es de lo más triste y de lo más valioso en su carrera y “Bombón de azúcar” es para que, en una de esas noches, cuando esté frente al espejo y se despoje de esas inseguridades que lo tienen anclado a una pasividad musical, recuerde sin temor que había una vez, hace ya algunos años, un artista capaz de llenar estadios, auditorios y plazas con tan solo la pureza de su talento como cantante y como un intérprete que pugna por salir desesperadamente entre tantas pelucas, tacones altos y uñas postizas.

★ ★ ★ ★ Excelente

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Michael Quaid

EDICIÓN ESPECIAL DISCO CRÍTICA

¿Canta... o encanta? Título del disco: “María Conchita Alonso” Artista: María Conchita Alonso Género: Pop Año: 1984 Calificación: ★ ★ ★ ★

e origen venezolano/estadounidense. Hermosa. Sexy. Sensual. Con un carisma irresistible. ¿Qué más le podía pedir a la vida esta preciosura de mujer? ¿Un disco? Concedido. Y de la mano de otro rey midas de la música, Juan Carlos Calderón que le armó un álbum con sello internacional. “María Conchita Alonso” (1984), es el disco debut de la ex reina de belleza, quien, con su natural sensualidad puso al mundo al revés con temas como “Una noche de copas” y “Acaríciame”. Este álbum, nominado al Grammy a Mejor Interpretación de Pop Latino, es marca de referencia de lo que es hacer excelente música, de cómo se logra un disco con clase y elegancia. Un disco en el que su productor, compositor y arreglista Juan Carlos Calderón no escatimó en nada para que “María Conchita Alfonso” resultara un trabajo impecable y que impactara en radio, prensa y televisión. Y cómo no lograrlo si tenía como bandera a una intérprete monumental y no en voz, pero si en temperamento e imagen. “Acaríciame”, resultó ser prácticamente la canción del año, la arista del año y el escándalo del año también, ya que había quienes aseguraban que María Conchita Alonso era un producto fabricado, de estudio, de los que sólo cantaban con playback. Pero mientras se discutía eso, este

portento de mujer cosecha éxito tras éxito. Pocas lograron tener dos sencillos a la par en los primeros lugares en la radio y en las listas: “Noche de copas” y “Acaríciame”. Su nivel de popularidad era imparable. El álbum alcanzó Disco de Oro y Disco de Platino y los reconocimientos a Juan Carlos Calderón por tan espléndido trabajo le llegaban por doquier. ¿Cantaba o no cantaba? Eso a quien le importaba cuando María Conchita Alonso transportaba al éxtasis total al público con su muy estilo agitado y sexy de cantar y ese rostro que cuando estaba frente a una cámara de televisión prometía todo y un poco más. Voz si tenía...y la sigue conservando. No será una María Callas pero ese estilo inconfundible de respirar dramáticamente para enlazar una frase a otra, sin duda es y será su sello. En “Acaríciame” desborda pasión desenfrenada y en “Noche de copas” hay un exquisito descaro a la hora de cantar que uno se olvida del mundo con tal de gozar de una sensual Interpretación. En este álbum hay piezas aún más comprometidas como “La loca”, compuesta por Las Diego, que la retrata tal cual, un single divertido, ameno y estupendamente bien orquestado. Mi consentida y por mucho es “Entre la espada y la pared”, una baladita que a luces se ve que la sufrió para conseguirla, pero el resultado final es de aplaudirse. El resto del material es excelente pero ninguna canción alcanza personalidad propia. Al paso de los años, María Conchita Alonso lanzaría baladas no tan impactantes como “Acaríciame” o “Noche de copas”, pero mantuvo su estatus de gran baladista que lo mismo interpretaba una maravilla como “Lluvia de amor” o algo con más fervor como “Hazme sentir”, esta última de lo más fascinante que ha grabado.

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MEMORIES OF THE PA Las “cosas” de Juan Gabriel Título del Disco: “Cosas de enamorados” Artista: Juan Gabriel Género: Bolero/Pop Año: 1982 Calificación: ★ ★ ★ ★

Como cantante, había que quitarse el sombrero ante él Como intérprete, había que volverse a quitar el sombrero ante él. Pero como compositor, simplemente había que adorarlo y venerarlo por inigualable, único e irrepetible. El baúl de los recuerdos musicales del Divo de Juárez es tan extenso, tan incalculable, tan valioso. La forma tan desordenada de componer, pero a la vez tan práctica y eficaz, nadie la tuvo ni la tiene hoy en día. El arte de armar frases cotidianas para convertirlas en canciones fue un don que Dios le dio y que supo regalar a sus millones de seguidores. Tuvo espléndidos álbumes que ya son del patrimonio nacional, pero hubo uno especial que aún ahora digo y sostengo fue su verdadera obra maestra: “Cosas de enamorados”, (1982). Este disco, el decimoctavo en su carrera, es de una belleza sin igual; voz, arreglos, (del maestro Chamin Correa), letras, de una sencillez maravillosa y el sonido, ese sonido que lo convierte en un álbum de gran valía. Qué valentía de rescatar el bolero, de darle nueva forma y otra textura, ese era el talento real de Juan Gabriel, esa versatilidad para crear arte musical. “Cosas de enamorados” es clásico de clásicos con canciones como “Ya lo sé que tú te vas”, “Si quieres” y “Tú me dijiste adiós”. La guitarra de Chamin Correa en “No me vuelvo a enamorar” suena tan hechizante, tan hermosa. Y ni qué decir de “Insensible”, dos pie-

★ Regular

zas fundamentales para que el disco vendiera más de un millón de copias en su primer tiraje. El éxito de “Cosas de enamorados” radicó en la sencillez del producto como tal, no se orquestó para que fuera un LP fastuoso o rimbombante, mucho menos pretensioso, La clave estuvo en darle al bolero un aire moderno, pero sin perder la esencia, un bolero tan sólo cobijado con guitarras, saxofón y bajo electrónico, no más y por supuesto, la voz “mormada” de un Juan Gabriel en su mero punto como intérprete. Nunca me sedujo “Ya lo sé que tú te vas”, demasiado drama para soportar, pero caí rendido ante la entrega total de “Si quieres” y abracé su llanto sin reservas en “Es mejor”, esta última, de alto calibre. Tirarse para que lo levantarán fue la fórmula secreta que utilizó Juan Gabriel por muchos años, por ello “No me vuelvo a enamorar” dio con el clavo para que “Cosas de enamorados” esté en la selecta lista que lanzó Sony Music de los 100 discos que tienes que escuchar antes de morir, (ni modo que después). Gracias a mi hermana Myrna, conozco toda la discografía de Juan Gabriel y gracias a ella, aparte de que la tengo, me la sé de memoria, queriendo y no. En casa era lo único que se escuchaba por aquellos años, por eso tengo la autoridad para decir que los temas de despecho son los que mejor le van, la prueba está en “Insensible”, qué canción, pero que canción. “Insensible” era como las tablas de multiplicar, te la aprendías porque te la aprendías. “Insensible” se tocaba en la radio día y noche y me encantaba que ahora el rol que jugaba no era el del hombre sumiso y “apaleado” por la mujer. “Cosas de enamorados” es un tema

★ ★ Bueno

que escurre mucha pero mucha miel, tanta que empalaga, aquí, Alberto Aguilera suena demasiado meloso, muy ajeno al quehacer que realmente le va, el de gritar y reclamar para después tirarse al llanto. En cierta ocasión, en una de esas charlas que tuve con él, me preguntó que cuál canción era mi consentida de todo su culto musical, mi respuesta lo desconcertó, me preguntó el por qué esa canción si jamás fue lanzada como sencillo y “jamás la he cantado, que yo recuerde”. Cuando le conté la historia, buscó en

★ ★ ★ Muy bueno

su mente la letra de la canción...y a lo más que llegó a tararear fue...”Lloraré, sé que mañana lloraré, que tonto, que tonto fui al decirte adiós...”. Me miró a los ojos y como si fuera ayer aún recuerdo sus palabras, ‘no te prometo que la vaya a cantar un día, pero si te prometo que cuando te vuelva a ver, verás que recordaré más de la letra...” Y si, meses, muchos meses después coincidimos y se acordó…se acordó de dos líneas más de “Lo sé, mañana lloraré”, mi eterna favorita de él, del Divo de Juárez, de Juan Gabriel...

★ ★ ★ ★ Excelente

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Michael Quaid

EDICIÓN ESPECIAL DISCO CRÍTICA

Prefirió las medias rotas, que los vestidos de diseñador Título del Disco: El amor Artista: Gloria Trevi Género: Pop Año: 2015 Calificación: ★ ★ ★

io 5 pasos adelante. Pero le dio miedo. Y prefirió dar 10 pasos para atrás. En pocas palabras. Tuvo miedo de crecer como artista. Prefirió seguir arrastrando sus zapatos viejos, sus medias rotas, sus “garras” de vagabunda y su desordenada cabellera que andar de “pipa y guante”. Y es que realmente siempre me quedaré con la duda de saber si alguna vez Gloria Trevi dimensionó quien le estaba produciendo “El amor”, (2015) su décimo disco de estudio. Nada más ni nada menos que el productor de talla mundial, Humberto Gatica, ganador de 17 premios Grammys al lado de figuras de la talla de Michael Jackson, Cher, Celine Dion, Mariah Carey, Michael Bublé y muchos más de ese nivel... ‘El amor” es un señor álbum que le dió a Trevi un status de arista como antes no lo había tenido, cuando menos no en esas dimensiones. Para este trabajo de estudio, se atrevió a “bañarse” para ponerse guapa ante canciones y compositores que en su vida soñó interpretar. Le pusieron en bandeja de plata a los verdaderos titanes de la composición: Rafael Pérez Botija, José Luis Perales, Manuel Alejandro, Camilo Sesto, y así, plumas finas, elegantes y muy pero muy caras. Ok, la regia se cuadró, dejó su canto de “raza” parar entrar a un canto de escuela, de un nivel de exigencia en la

que salió triunfante, pero... “El amor” es un disco de concepto y arranca con “Como yo te amo” que en manos de Raphael es una furia vocal sin freno, acá, Gloria la suaviza, le baja intensidad, pero hace buen trabajo. En “Perdóname” de Camilo Sesto sucede lo mismo, a cambio de tempestad interpretativa hay una súplica más de rendición. Pero bien. “Cama y mesa” tiene esos arreglos muy a lo David Foster y acepto, me encantó. Pero la que me arrebató el suspiró fue “Te quiero” de José Luis Perales. “Te quiero” es un poema hecho canción y es donde me es difícil seguir con el resto del material. Trevi entró en cintura, se disciplinó y cantó este tema como los verdaderos ángeles. Después el disco tiene un pequeño tropiezo en “A quién”, de Marc Anthony, pero se recupera velozmente en “El amor después del amor” del queridísimo Fito Páez. “Las pequeñas cosas” de Amanda Miguel es tan seductora como la versión original, hasta me atrevo a decir que me gusta más con la ex discípula de Sergio Andrade. “Desahogo” del cantante brasileño Roberto Carlos le quedó de 11 varas. “Tú y yo” en Emmanuel es un agasajo en colorido de voz. Gloria la sacó adelante de manera decorosa. “Que muera el amor” de Rocío Jurado, honestamente, no hay punto de comparación, a un lado Trevi. Y claro que había que volver a grabar “Como si fuera la primera vez” para borrar del mapa aquella espantosa y horrenda versión original. De Rafael Pérez Botija, la Trevi se la jugó con “El amor” un tema fuerte, provocador y con una letra “zacatóna” que ni la misma Massiel pudo decir

abiertamente cuando en el clímax de la canción la palabra “mierda” rondaba por ahí. Massiel deliberadamente la dice casi ahogada y Gloria la pronuncia bien y fuerte: “el amor te hace burla, se ríe de ti y te empuja a ser malo y te deja hecho mierda…”. “El amor” era el pasaporte para que Gloria creciera como artista... Para que poco a poco se pusiera a “remendar” esas medias rotas... Para que arrumbara esos “trapos” y los cambiara por vestidos de gala y ya de

paso, que dejara que el peine pasara por esas greñas rebeldes. “El amor” era un álbum ideal para que dejara de una vez por todas el playback en sus conciertos y se pusiera a cantar de verdad como en este disco. Que se vea en “El espejo” de Yuri, que se resiste a dejar de “volar” y de hacer malabares en el escenario cuando ya la condición física no es la misma de cuando cantaba “Osito panda”. “El amor” lo puede todo...y Gloria lo sabe.

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MEMORIES OF THE PA ¡Gracias... Mil veces... Gracias “Pepe”...! Título del disco: “Gracias” Artista: José José Género: Pop Año: 1981 Calificación: ★ ★ ★ ★

os discos, los buenos discos, son como los buenos vinos, mientras más pasan los años, son mejores. Por ello, mientras más escucho “Gracias”, (1981), ese magnífico álbum producido, dirigido y escrito por Rafael Pérez Botija, más amo la música, más amo el canto de José José y más me declaro ferviente admirador de este gran compositor español. Recuerdo perfectamente que el primer día, del primer semestre de la carrera de periodismo, allá en los Palomares, en San Nicolás, se nos hizo una recepción de bienvenida. Yo no conocía a nadie. La recepción fue en el Club de Leones, un lunes de 1981. Llegué a ese salón muerto de nervios, de inseguridades, pero también llegué con esa ansía voraz por saber qué me deparaba mi nueva etapa estudiantil. Llegué con mis Sergio Valente y mi camisa color vino que era mi bandera para el “pegue” y justo al entrar al salón de baile, las cintas que amenazaban pusieron a todo volumen, a todo bendito y perfecto volumen “Pero me hiciste tuyo” de José José. Ese fue mi primer encuentro con “Gracias”, uno de los mejores trabajos

★ Regular

de estudio de El Príncipe de la Canción, para mí, el mejor, seguido muy pero muy de cerca por “Desesperado” que en otra ocasión trataré. “Gracias” logró sencillos impactantes como “Me basta”, “Preso”, “Pero me hiciste tuyo” y “Una noche de amor”. Pero por ahí, entre todas las canciones, estaba una que me dejó perplejo por esa interpretación de casi una sola pasada, con un grado de alcance vocal fuera de lo normal y con un José José soberbio: “Ámame”, este tema que al escucharlo quebranta el alma, doblegaba el corazón y arrebata el aliento. “Ámame” es la cereza del álbum, es la canción que por exigencia al interpretar merece todos los honores. Es correcto, “Preso” es de un lujo total y “Me basta” del mismo lineamiento, pero “Ámame” me recordó a otros temas de un rango vocal igual como “Rosa de fuego”, Rafael Pérez Botija) y “Tu primera vez”, (Napoleón). “Gracias”, la canción que da título al disco es estremecedora, con una letra contundente para un adiós amargo, cruel y desastroso: “...y si un día oyes que yo te busco di, que tú no me conoces, que yo jamás existí...”. De esas palabrerías de “me tiró para que me ames” es “Me basta”, en la que el rol del hombre es la de arrastrase por unas migajas de amor. El constante fraseo de “Pero me hiciste tuyo” es la fuerza que le da a esta pieza musical. Ese una y otra y otra y otra vez “Pero me hiciste tuyo, tuyo nada más.” es

★ ★ Bueno

tan sensual y entregado. “Vamos a darnos tiempo”, “Tranquilo”, “No puedes mentirme” y “Solo tú y yo”, redondean un disco en perfecta armonía, con canciones que ya son inmortales y con un José José con una voz

★ ★ ★ Muy bueno

digna de un príncipe, como él. Por algo, cuando al fin Rafael Pérez Botija logró entender, aceptar y ponerse a la altura de la categoría vocal de José José, prometió jamás dejarlo... hasta que la muerte los separó.

★ ★ ★ ★ Excelente

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Michael Quaid

EDICIÓN ESPECIAL DISCO CRÍTICA

Al estilo Whitney... Título del disco: “Salvaje” Artista: Dulce Género: Pop Año: 1987 Calificación: ★ ★ ★ ★

“

La cantante...la cantante por excelencia” así la anunciaba Raúl Velasco en su programa de variedad musical “Siempre en domingo”. Y cómo no conocerla con ese mote cuando en 1978 en el Festival de Palma de Mallorca con el tema de “Señor amor” de Armando Manzanero, arrasó con todos los premios, entre ellos el de Mejor Intérprete. Y ese mismo año, en Tokio, en el Festival de Yamaha, se ganó a los críticos y al jurado con el poderío de su voz con el mismo tema, logrando el premio a Mejor Intérprete. La voz de Dulce es sinónimo de fuerza y pasión. Sus discos han logrado ventas millonarias en una época donde se compraba en físico el LP, cassette o sencillo. Tiene álbumes interesantes y “Salvaje”, (1987) es uno de ellos. “Salvaje” es su noveno álbum de estudio y sale al mercado en el justo momento en que la industria de la música era un cocktail de ritmos y sonidos. Producido por el sueco Daniel Friberg.y el productor y compositor argentino Luis Mircoli, “Salvaje” es un disco donde se exploró con nuevos sonidos, nuevas maneras de cantarle al amor sin traicionar la balada en la que Dulce se desenvuelve como pez en el agua, vaya, para acabar pronto, “Salvaje” fue un disco para jugarse el todo por el todo. La revista Billboard le dio excelente recepción y rápidamente se colocó entre los 100 álbumes más importantes. En “Salvaje” todo es novedad, desde el sonido, más guapachoso, (“Mala costumbre de amar”, “Amor caliente”), hasta ese leve aire de country en algunas canciones, (“Me muero igual”) hasta llegar a la elegancia de esas intensas baladas a la escuela de Whitney Houston, (“Siempre sola)”. Massías, Fernando Riba, Alejandro Lerner, Luis Mircoli y la propia Dulce, contribuyeron con

espléndidos temas que iban del eterno amor fracturado, (“Me muero igual”) hasta el amor al padre, a la madre, al hijo o al ser amado que ya está allá, arriba, (“No hace falta que lo digas”). El riesgo de “Salvaje” recayó de inmediato en “Amor caliente”, un tema con sonido “tropicales”. Esos poderosos y festivos metales (que sacaban a Dulce de la balada desgarradora) desconcertaron un poco al panorama musical que ella dominaba sin problema alguno. Las críticas estuvieron a su favor y “Amor caliente” le abrió camino para otra clase de público, ese que ama bailar y cantar temas como este, de la autoría de Massías, Daniel Freiberg y Luis Mircoli. “Salvaje” fue pensado a lo grande, no había temas de relleno, por ello, escuchar a Dulce cantar una pieza motivacional como “No dejes que se apague tu luz” de Alejandro Lerner fue todo un suceso y un agasajo al oído, los arreglos muy jazz le hacen justicia a esa voz prodigiosa.

“No dejes que se apague tu luz” debería ser un himno hoy en día para recordar que nunca hay que perder la fé y la esperanza en tiempos tan difíciles como los que estamos viviendo ahora. “Como un pez” y “Tentación” son de esos temas que elevan el status de una cantante de la talla de Dulce. “Como un pez” de Massías, Mircoli y Freiberg es un astuto juego de palabras con un delicioso doble sentido que al igual que al pez, atrapa...y de qué manera. “Tentación” de la pluma de Dulce y Luis Mircoli tiene su intenso atractivo ya sea por la música o por cómo Dulce le da un valor agregado a su canto, transformándolo en un interpretar sensual, tan propia de ella. La intensidad de “Voy a culparte” y la melancolía de “Me muero igual”, sitúan a la tamaulipeca como lo que es, una Intérprete de altos vuelos. “Mala costumbre de amar” es TODO en este disco, Masías, Freiberg y Mircoli se pulieron no sólo en letra y orquestación, sino en dirigir el sentido musial de Dulce a otro nivel. “Salvaje” que da título al álbum merecía mejor trato en la radio y mayor impulso. La interpretación y lo dramático de la letra de Massías, es de ovación. Y, deliberadamente deje para el final “Siempre sola”. Tengo un amigo que es músico, vive en Nueva York, por él he aprendido mucho de conocer nuevos y viejos cantantes. Y una vez, en su departamento, puse “Siempre sola”, él dejó de hacer sus actividades, me pidió que repitiera una vez más la canción y dijo...”ella sabe lo que hace...ella sabe cantar, aquí en Nueva York, ella sería como una Whitney Houston”. En lo que va de su andar por la música, en lo que va de todos sus álbumes, de todas sus canciones, “Siempre sola” escrita por Luis Mircoli, resume el por qué Dulce como cantante e intérprete no tiene igual. “Siempre sola” es como ese hermoso vestido que hay que lucir de manera despampanante en noches de gala, en grandes escenarios y con un público de lujo. Porque para llevar “pintada la tristeza en todo el cuerpo...”, sólo Dulce, con esa voz, con ese sax, con esa letra y con ese interpretar lo puede lograr, nadie más.

MÚSICA

MEMORIES OF THE PA Cuando amar era ‘a plena luz’ Título del disco: “A plena luz” Artista: Tatiana Género: Pop Año: 1984 Calificación: ★ ★ ★ ★

os 80´s eran otros tiempos en la música, en la balada pop, en las cantantes, en las intérpretes, en los compositores. Tatiana viene de esa generación de intérpretes que alcanzaron a formar una carrera sólida, con éxitos firmes tanto en ventas como en el gusto del público. La regia puede presumir haber estado cinco veces nominada a los premios Grammy Latino y además, es de las pocas de su generación que alcanzó ventas de más de 9 millones de discos. Como baladista tiene una carrera intensa y muy importante, ya que ella, contrario a las que estaban de moda, le cantaba al amor inocente, al amor adolescente, al amor que tenía como bandera los buenos valores y el respeto entre la pareja. “A plena luz”, (1984) su primer disco, producido por el italiano Gian Pietro Felisatti, fue determinante para que Tatiana se colocara entre las baladistas más importantes de los 80´s. De este disco saltaron a la radio éxitos como “Querido amigo”, “El amor no se calla” y desde luego, “A plena luz”. “A plena luz” es una canción intensa en todos los sentidos que hace el llamado a la relación con respeto, con amor, alejados de la oscuridad para entregarse a un sentimiento, pero a plena luz, nunca a escondidas. “A plena luz” como álbum, ofrece mensajes para los jóvenes, con temas bien estructurados de plumas caras y exquisitas como José Luis Perales, Paloma San Basilio y el mismo Gian Pietro Felisatti, temas que vendrían siendo un remanso de paz entre tantas canciones de despecho que preponderaban en las listas de popularidad. El disco estaba armado con piezas pop/rock como ““Reportaje”, escrita por Gian Pietro Felisatti y Paloma San Basilio, donde Tatiana canta con una voz

★ Regular

armoniosa, su timbre de voz sigue siendo fuera de serie y esa letra que la va de maravilla: “Que piernas tan bonitas, tus ojos, qué color, como un escaparate me exhibes en tu imaginación, soy una chica de ficción, último grito de robot”. “Reportaje” me recuerda mucho a “Self Control” de Laura Branigan. “Me estás volviendo loca”, de la autoría de José Luis Perales, es un himno a la inocencia, al amor puro, la voz de Tatiana se escucha tan limpia, tan dulce y tan llena de armonía. Recuerdo que en 1984 yo era mesero en el restaurante de papá cuando salió como single “A plena luz”, ese tema de la pluma de Gonzalo Benavides. El locutor de la estación “Radio Gallito” de Matamoros, Tamaulipas, todos los días, justo a las 8 de la noche, tocaba esta canción. Hubiera o no hubiera gente en el restaurante, yo me pegaba a la radio para escucharla. Me llamaba poderosamente la atención esa voz que

★ ★ Bueno

★ ★ ★ Muy bueno

matizaba de manera perfecta cada frase, cada palabra de la canción; me atrapaban como esa voz era tan cómplice de esos arreglos tan dramáticos. “A plena luz” es un bendito tatuaje en la carrera de Tatiana, si en un concierto no la canta, simple y sencillamente no es un concierto completo. Qué dulzura y que inocencia ronda en “Por qué te vas”, también de Gian Pietro Felisatti y Paloma San Basilio. En su momento amé y vuelvo a amar esa letra de “No tengas miedo” de José María Puron, además, esa voz, esa voz que maneja a antojo aquello que dice: “Quisiera ser sincera y explicarte a mi manera lo que pienso una vez más antes que a ti se te haga tarde y no puedes volverte a atrás. Quisiera que entendieras que pasó la primavera y llegó la realidad y nuestro amor está a la vuelta, no hay quien pueda engañarlo ya. No tengas miedo, de hablar conmigo, somos amigos, nada hay que callar”. “El amor no se calla”, de Paloma San Basilio, es como viajar al pasado, a ese pasado en los que las adolescentes sí eran inocentes, vivían en un mundo lleno de magia y de amor con este tipo de canciones. “El amor nunca se calla” es un tema que se puede escuchar con los ojos cerrados, a todo volumen y jugar a volver a ser adolescente, se vale soñar, Tatiana nos invita a soñar con esta canción. “Si tú no estás aquí” es muy buena y “Más”, de Gian Pietro Felisatti es una balada bellísima, quizá la mejor de “A plena luz”, en la que ya se vislumbraba a una intérprete con excelentes dotes para canciones intensas y apasionadas. “Querido amigo”, de Gian Pietro Felisatti es de 10 y su letra es muy acorde a aquella época, el estribillo es genial: “Quiero ser, tan libre como el río aquel y saber que un día a ti podré volver. Quiero ser, paloma en vuelo para ver recorrer el mundo con el que soñé. Quiero ser tan libre como el río aquel y saber que un día a ti podré volver”. De Paloma San Basilio es “Nunca me esperes”, un pop/rock que tan bien le va. En 1986, Tatiana se consolida con ese fabuloso disco llamado “Chicas de hoy” el cual merece tratarse con respeto y por separado, más adelante.

★ ★ ★ ★ Excelente

MÚSICA

AST...

Michael Quaid

EDICIÓN ESPECIAL DISCO CRÍTICA

¡Vales oro ‘Napo’, oro puro...! Título del disco: “Sin tu amor” Artista: Napoleón Género: Pop Año: 1979 Calificación: ★ ★ ★ ★

ue yo recuerde, la última vez que lloré fue hace un par de meses, cuando escuché vía streaming a Napoleón en un concierto cargado de recuerdos, melancolía y estupendas canciones. Porque Napoleón es eso, melancolía pura, es un canto de esperanza, es un intérprete que sabe mover sentimientos con sus obras de arte llamadas canciones. “Sin tu amor”, (1979) es una larga duración que retrata toda esa gama de sentimientos que Napoleón plasma en canciones, en letras que sabe armar con un ingenio sin precedentes para convertirlas en verdaderos himnos que recorren el mundo entero. Cuánto habrá amado y cuánto seguirá amando esta hermosura de ser humano para seguir cantando y componiendo, no igual que antes... ¡mejor que antes! “Sin tu amor” es un álbum que encierra baladas que hoy por hoy se siguen cantando, se siguen grabando por nuevas generaciones de cantantes y son canciones indispensables en aquéllos que se jacten de amar la buena música, de la poesía convertida en canción. “Sin tu amor” es de un valor incalculable por todo lo que encierra y es, a jui-

cio personal, EL ÁLBUM de este gran poeta de la canción. Como canción, “Sin tu amor” alcanza niveles insospechados de dolor, de angustia, de esa lágrima contenida, sin duda, es mi canción favorita de todo su acervo musical. Luego está “Eres”, ese homenaje al amor verdadero, al amor incondicional, al ser que idealizamos. “Eres” es tema universal cantado por todo el mundo. Cada vez que escucho “Eres” busco con desesperación en mis recuerdos a ese “Eres” que un día ocupó mis pensamientos. Cómo no llorar, cómo no lamer viejas heridas, cómo no abrazar tantas esperanzas en “Desde que te marchaste”, y qué puedo agregar de “Estoy encadenado a ti”, es una brutal y extraordinaria declaración de amor. “Lo que fue no será” es de mi “Napo” y de nadie más; escucharlo cantar en vivo esta canción es una oda al canto perfecto de un intérprete en potencia, es un agasajo total. “Lo que fue no será” es como un traje hecho a su medida, un traje que le prestó al buen José José, que le quedó a la medida sí, para qué negarlo. “Piel” y “Porque te quiero por eso” son, como todo lo que hace este cantautor, piezas de lujo. Amé el título “Esquina sin farol”, hay que estar enamorado, intensamente enamorado para componer algo así, y qué letra: “De todos los pasajes que recuerdo, ninguno fue jamás lo que es tu amor, por eso no te vayas de mi vida, sin ti una llama no arde y la herida me parte

en dos el corazón. Mi vida necesita de tu amor”. “Pan de cada día” y “Canción final” desnudan el corazón mismo de un cantante, de un intérprete, de un ser humano al que Dios le dio el don de crear poesía, poesía hecha canción, poesía que, al escucharla en su voz, es una invitación a la nostalgia y a la felicidad misma.

MÚSICA

MEMORIES OF THE PA Tan coherente, tan artista, tan intérprete Título del disco: “Chayanne II” Artista: Chayanne Género: Pop Año: 1988 Calificación: ★ ★ ★ ★

l significado de lo que es un artista en toda la extensión de la palabra se le puede adjudicar perfectamente a Chayanne, a este puertorriqueño que canta, actúa, baila, compone y lo que más le celebro, que es un artista que va acorde a los tiempos y jamás ha traicionado su quehacer musical en aras de la fama y la fortuna: eso ya lo tiene y en abundancia. Nadie puede ser famoso a los niveles que ha llegado llamándose Elmer Figueroa Arce, así es que, para usted, para mí y para el mundo entero es simplemente Chayanne, el cantante que ha vendido más de 50 millones de álbumes en todo el mundo, Hablar de Chayanne es hablar de uno de los intérpretes latinos más influyentes en lo que es el pop latino, que domina de una manera estupenda y envidiable para muchos. El tiempo ha sido generoso con su apariencia, con su voz y, sobre todo, con esa capacidad de seguir provocando sentimientos. “Chayanne II” (1988) es un arcoíris de tremendas emociones que van del frenesí a la calma ilimitada, de la salsa a lo romántico, de lo sexy a lo sensual, de lo dance a lo “pegadito”. De la camada de su generación, es el único que no ha traicionado su esencia, sigue firme y convincente en su estilo musical, va acorde a su edad y a los ritmos que predominan en la música, sin necesidad de malbaratar su arte musical. “Chayanne II”, es un menú de ritmos

★ Regular

contagiosos, de nostálgicas baladas como “Tu pirata soy yo”, (Honorio Herrera) una canción que ha trascendido generaciones por seguir en la línea de lo romántico, por ir un poco más allá de una simple canción de amor. Y cómo olvidar cuando cantaba “Dile a todo el mundo no” a ritmo de Michael Jackson, se quería comer el mundo de una sola mordida. Siempre pensé que su juventud no le permitía entender la profundidad de “Fuiste un trozo de hielo en la escarcha”, de José María Cano, pero al paso de los años, le encontró el punto perfecto para interpretarla como debe ser. Y cosa curiosa, siento que “Fuiste un trozo de hielo en la escarcha” es lo mejor que ha grabado en cuanto a balada se refiere. ¿Quién no bailó en las posadas “Pata pata”?; tan divertida, tan rítmica, tan gozosa y con esa perfecta mancuerna al lado de Miriam Makeba, la primera mujer negra que ganó un premio Grammy, en 1965. “Pata pata” es de esas canciones que identifican al Chayanne fiestero, al Chayanne bailarín, al Chayanne que es todo un huracán en el escenario. Sin perder estilo ni actitud, “Palo bonito” lo encumbró a los cuernos de la luna, de rigor verlo bailar esta canción en total desenfreno. Y por supuesto que MTV volteó a verlo y no tuvo más que reconocerle sus dotes como excelente bailarín en “Este ritmo se baila así” y en 1989, Chayanne ganó un premio MTV a “Mejor Video Musical de MTV Internacional” José Luis Perales le dio “Marinero” de las canciones más hermosas que ha grabado. Se dice que cuando el compositor, (José Augusto) encuentra un intér-

★ ★ Bueno

prete digno, (Chayanne), el resultado es una obra maestra y en “Fantasías” está el claro ejemplo, ese saxofón y ese canto tan íntimo es la locura total. Tan actual, tan de tiempos de creer, de abrazar, de amar al amigo, a la pareja, así es “Tengo esperanzas”, la letra es un caso“Quiero pedirles que canten conmigo para que el mundo nos pueda escuchar Quiero sentir que yo tengo un amigo en cada voz que me ayude a cantar...” Vendrían después de “Chayanne II”,

★ ★ ★ Muy bueno

álbumes más elaborados, más sofisticados, con letras mejor trabajadas y más intensas, pero nadie podrá negar que cada vez que se para en un escenario y empieza a cantar “...fuiste tantas cosas a la vez, que me cuesta creer que hoy no seas nada, sobre todo porque no es verdad, no consigo olvidar esa mirada que aún me hace estremecer”, el tiempo se detiene y no sólo hay “Fiesta en América”, hay fiesta en el mundo entero porque como Chayanne, simplemente no hay dos.

★ ★ ★ ★ Excelente

MÚSICA

AST...

Michael Quaid

EDICIÓN ESPECIAL DISCO CRÍTICA

En la fría geometría de su piel... Título del disco: “Flor de papel” Artista: Alejandra Guzmán Género: Rock/Pop Año: 1991 Calificación: ★ ★ ★ ★

mposible pensar que lograría superar “Eternamente bella”, (1990) De locos estaba tan siquiera imaginar que otra canción podría eclipsar a “Llama por favor” o “Cuidado con el corazón”. Yo creo que la misma Alejandra Guzmán lo pensaba también. Pero desde el primer día que se tocó en la radio “Hacer el amor con otro” de Gian Prieto Felisatti, el éxito arrollador de esta canción dejó a un lado todo lo anterior. Y es que “Hacer el amor con otro” fue como sacarse el premio mayor, fue como encontrar un refresco en el desierto, fue como encontrar una aguja en un pajar. Y para qué le digo del tremendo impacto de “Hey, güera” y “Reina de corazones”, de hecho, con estas tres canciones, nadie pudo con Alejandra Guzmán en los 90´s, nadie. “Flor de papel”, (1991), nominado al Grammy, es el suceso discográfico de Alejandra, un disco cuidado al máximo, bajo la producción de Miguel Blasco con escandalosos y estrujantes arreglos musicales de Gian Pietro Felisatti y Loris Ceroni. Es el álbum con el que toda cantante sueña. Un álbum a la medida, con canciones bordadas para su tesitura y sus alcances vocales. Alejandra viene de una generación que ama el rock, por ello, es rockera

por convicción y así lo demuestra en “Provocación” con la que abre este álbum; “Provocación” es de guitarras estridentes y de “vivir sobre un polvorín”. Ni mandada hacer es “Quiero armar un escándalo”, en sus shows en vivo, le sacaba fuego a la pista. En primera instancia, “Hacer el amor con otro” incomodó por pisotear la doble moral de una sociedad “mocha” que se resistía a aceptar esta canción de Consuelo Arango y Gian Prieto Felisatti. “Es que habla de sexo e infidelidades”, argumentaban las representantes de la liga de la decencia, “no es un tema para niños”, añadían. Y tenían razón, “Hacer el amor” no estaba destinada para infantes sino para quien “arañaba la espalda y tenía caderas afiladas y escurridas...”. Ah, verla en los palenques a reventar cantando “Hey, güera”, sí que era un agasajo visual increíble. “Hey, güera”, de José Ramón Flores y Gian Prieto Felisatti es como “Hacer el amor con otro”, es la joya del Nilo, el refresco en un desierto, es como encontrar la aguja en un pajar. Y calle boca, cuando se reveló que “Hey, güera” iba dirigida ni más ni menos que a Paulina Rubio, los bonos de la canción subieron y el morbo del público a todo lo que da para el talento y la creatividad de una letra bien estructurada, bien pensada e increíblemente mejor interpretada; Cuando la cantaba Ale, la gente buscaba con ansias la presencia de “Pau” rondando por el escenario, la gente quería pleito y “desgreñe” de pelucas y postizos. José Ramón Flores le encontró a La

Guzmán ese lado fascinante para cantar las baladas fuertes y con sentido como “La ciudad ardió”, exquisita y adictiva. En este álbum la cantante tuvo excelentes cómplices para lograr una “Reina de corazones” y “Rosas rojas”; esta última de José Ramón García Flores. “Reina de corazones” tiene una intensidad que va de menos a más en

tanto “Rosas rojas” es la balada necesaria para que Alejandra arroje toda esa exigencia interpretativa en la que se pierde la cordura cuando hay que llegar a notas que paralizan por tanta entrega y tanta enjundia. “Flor de papel” es un triunfo descomunal en la carrera de una de las mejores exponentes del rock pop en español, perdón, aclaro, no de las mejores...¡la mejor!

Edición Especial