Revista ajá número especial Disco Crítica 1 by Ajá! la Revista

Barbra Streisand Memories 1981

María del Sol Quiero tu vida 1982

Donna Summer Four Seasons of Love 1976

Lila Deneken Se solicita una aventura 1980

Mariah Carey Mariah Carey 1990

Rocío Dúrcal Entre tú y yo 1983

Whitney Houston Just Whitney 2002

Dulce Lobo 1985

Lupita D’Alessio Yo 1984

maestro!

Marisela Sin él 1984

Bette Midler Soundtrack ‘The Rose’ 1979

Vanessa Williams The Comfort Zone 1991

Lucía Méndez Cerca de ti 1982

Annie Lennox Diva 1992

Rocío Dúrcal Confidencias 1981

¡Música,

Toni Braxton Toni Braxton 1993

Dulce Tú muñeca 1984

Laura Branigan Branigan 2 1983

Daniela Romo Daniela Romo 1983

Anita Baker Rapture 1986

Amanda Miguel El Sonido Vol. 1 1981

Tracy Chapman Tracy Chapman 1988

Dulce Heridas 1982

Whitney Houston Whitney Houston 1985

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MÚSICA

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MEMORIES FROM THE PAST... a música de los 70s, 80´s y parte de los 90´s estaba hecha para crear y formar cantantes e intérpretes de gran calibre tanto en Estados Unidos como en México. Allá presumían a una Donna Summer, Whitney Houston, Anita Baker, Annie Lenox, Mariah Carey, Tracy Chapman, Laura Branigan, Barbra Streisand, Bette Midler, y Toni Braxton, entre muchas más. Acá presumimos a excelentes exponentes de la balada como Lila Deneken, Lupe D´Alessio, Dulce, Amanda Miguel, Daniela Romo, Lucía Méndez, Marisela, María del Sol, entre otras muchas más. Cada una de ellas tienen un álbum histórico que presumir. Un dato curioso e inquietante es que en México no hay en redes testimonios de críticos de música de aquellos años, de aquellos tiempos que reseñaran a estas grandes voces que con el tiempo se han convertido en íconos de la balada pop, de esa balada que sólo divas como las que están en esta selecta lista pudieron marcar toda una época con su estilo y su manera de interpretar. Los 70´s, 80´s y parte de los 90´s, fueron semillero de verdaderas diosas del canto, de artistas que tuvieron el talento para hacer historia en el panorama musical, de intérpretes que salían al escenario como panteras para arañar el éxito, la fama, la fortuna y el amor de sus incondicionales. En un interesante y glorioso ejercicio musical, ponemos en la mesa a consideración 24 álbumes de cantantes aguerridas que han saboreado el fracaso para poder gozar el triunfo. Algunas ya no están en vida, pero es justamente para ellas, como un justo homenaje a su paso por la industria que fue diseñado este especial de "ajá!". Las nuevas generaciones que están haciendo discos y que están cantando baladas con letras desordenadas y burdas, estos 24 álbumes pudieran ser un excelente "curso" para saber trabajar en estupendas producciones, letras perfectamente bien estructuradas y con coherencia y, sobre todo, que sepan que estos 24 álbumes son parte de un acervo musical que vale oro aquí y en China. Para ustedes que aman los espléndidos trabajos musicales de verdaderas divas del canto, no estaría nada mal que le echaran un ojo a estos discos para que escuchen el por qué la música de los 70´s, 80´s y parte de los 90´es deliciosamente inmortal.

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MEMORIES FROM THE PA La perfección de una voz que no se olvida Título del disco: Whitney Houston Artista: Whitney Houston Género: R&B /Pop Calificación: ★ ★ ★ ★

Michael Quaid

l disco debut homónimo de Whitney Houston vio la luz por vez primera el 14 de febrero de 1985. “Whitney Houston” fue un disco que le dio otro sentido más estricto y elevado al R&B y al pop. Whitney llegó al panorama musical para enfrentarse a una crítica feroz a esa propuesta musical que surgió en 1982, en Manhattan, Nueva York, en la discoteca Seventh Avenue South. Clave Davis, su mentor de cabecera y descubridor de su talento, sumó a Jermaine Jackson, Narada Michael Walden, Kashif y Michael Masser para que, con sus habilidades de producción, lograran un álbum perfecto, impecable y que pasara a la historia, y lo consiguieron. . A más de 35 años de su lanzamiento, “Whitney Houston” es un álbum de referencia, un disco en el que Whitney alcanzó alturas inconmensurables como solista. Pero hay que decir que la recepción de este álbum debut en su lanzamiento fue tibia casi tirándole al olvido. Los temas no fueron los que la llevaron al puesto número uno en las listas estadounidenses, no, fue su voz la que impactó, la que doblegó hasta al crítico musical más exigente. La habilidad vocal de Whitney era perfecta, eso el mundo lo supo desde la primera vez que pisó un escenario,

★ Regular

por eso el universo entero lo tuvo a sus pies. En este trabajo de estudio hay melodías como “Nobody Love Like Me Like You Do” y “Take a Good Care Of My Heart”, ambas a dueto con Jermaine Jackson. “Someone For Me” y “Thinkig About You”, son canciones tan necesarias en un álbum muy Adulto/ Contemporáneo. Y luego llega una de mis favoritas, “All At Once”, de las canciones más tristes que le he escuchado a Whitney y esa lágrima al cantar me rompe el alma. “You Give Good Love” fue el primer sencillo, un tema que valía más por la voz que por la letra, una pieza que seducía más por la música que por la historia. Pero la lista del Billboard la esperaba con los brazos abiertos y fueron el talento vocal de “Saving All My Love for You”, “How Will I Know” y “Greatest Love of All”, la que la consagraron en un mundo donde su estilo aún incomodaba a muchos ejecutivos de la industria musical. “Saving All My Love For You” es la prueba de fuego para toda intérprete. “Saving All My Love For You” es el reto vocal para quien se dice cantante. “Saving All My Love For You” fue la consagración inmediata de una intérprete que recién se estaba enfrentando al dragón de las 7 cabezas. “How Will I Know” la proyectó como una chica como cualquier otra en busca de diversión y amor, un tema dance ideal para la época. ¿Y qué pasa con “Greatest Love of All”? Que Whitney, en una emotiva y estupenda interpretación viene a levantar y a consolar a todos aquellos

★ ★ Bueno

corazones caídos, golpeados y olvidados por el amor. “Greatest Love of All”, hasta la fecha, es la máxima creación de Houston, un tema que habla de dignidad, de valores y de amor a uno mismo. “Greatest Love of All” es la pieza musical con la que siempre se recordará a Whitney, muy por encima de “I Will Always Love You”, con todo y sus más de mil millones de vistas en youtube.

★ ★ ★ Muy bueno

★ ★ ★ ★ Excelente

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AST... ¡Irreverente...! Título del disco: Heridas Artista: Dulce Género: Pop Calificación:★ ★ ★ ★

Michael Quaid

ra la cantante de los escotes de “infarto”. Era la intérprete de mirada feroz y salvaje. Era la artista a la que no le importaba el “qué dirán” y salía a cantar aquello de “haz conmigo lo que quieras, reina, esclava o mujer, pero déjame volver contigo...”. Por su voz, su fuerte personalidad, y la manera atrevida en su vestir, es que Dulce revolucionó el mercado musical en los 80´s. Esa tesitura vocal y la manera de interpretar siempre en tonos altísimos, provocaron que de inmediato “Heridas”, su quinto disco de estudio, vendiera millones de copias. Y no era para menos, detrás de ese estupendo álbum estaba el compositor español Rafael Pérez Botija, el rey midas del pop agridulce. Cuando Dulce llegó ante Pérez Botija para preparar “Heridas”, este hizo oídos sordos a lo que la tamaulipeca ya había grabado antes. Se puso a analizar cuidadosamente sus alcances vocales. Estudió su personalidad y al cabo de unas horas le dijo: “Si en la música ya hay una cantante que le grita al hombre, (Amanda Miguel) y está otra cantante que los maltrata sin piedad, (Lupe D´Alessio), entonces tú vas a ser la cantante mediadora, la que reclama, pero no grita, la que los agrede, pero no los maltrata”. Y de esa suerte surgió la intérprete fiera, la cantante de escotes de infartos y la artista que supo hacer “heridas” en sus fans, pero

sin lastimarlos y mucho menos, agredirlos. “Heridas” fue y sigue siendo todo un suceso en la carrera de Dulce. Es el disco que la proyectó a niveles de popularidad insospechados. Es el álbum que la inmortalizó en vida. Rafael Pérez Botija logró un trabajo impecable en uno de las grabaciones más impactantes de los 80´s. Aquí todo estaba diseñado para que fuera un trancazo en ventas... ¡y lo fue! Desde la portada y contraportada. Desde las canciones, con temáticas fuertes, atrevidas e irreverentes. Y con una interpretación de lujo, producto de muchas horas de trabajo. “Heridas” fue lanzado en 1982, un disco que logró 8 de los 10 temas en las listas de popularidad siendo “Heridas” el tema que ocupa el puesto 35 en las “100 más grandiosas canciones de los 80’s en español. Y qué decir de “Déjame volver contigo”, todo un clásico, no sólo en México sino a nivel internacional. De “Heridas” hay mucho que decir, sobre todo en su contenido. “Échame la culpa a mí” es de lo más paralizante que Dulce ha grabado, es un tema de una exigencia vocal inmensa, de una entrega interpretativa que va de menos a más. “Heridas” es EL TEMA del disco, inmortal como ninguno. Pérez Botija sacó a Dulce de la balada dramática para llevarla a “Por ti”, un pop electrizante y “más movido” que debió ser promovido como Dios manda. La primera canción en español que se puso en un baile de luces en las discotecas en Monterrey fue “Cuál de los dos” y cómo no hacerlo, si este tema estaba a la par de las grandes baladas en inglés en su momento. En “Cuál de los dos”, el compositor español supo plasmar toda la dulzura de la intérprete, logrando con ello

una de las piezas más poderosas de “Heridas”. Esa manera de subir y bajar tonos en “Cara a Cara”, colocaron a Dulce como la cantante por excelencia, como la bautizó el buen Raúl Velasco. “Déjame volver contigo” había que escucharse con respeto, la letra fuerte, la interpretación de Dulce descomunal y los arreglos dramáticos, todo ello tuvo como resultado que esta canción aún ahora, sea el tatuaje eterno en el peregrinar musical de la matamorense. De hecho, en una entrevista, el propio Rafael Pérez Botija dijo que “Déjame volver contigo” la compuso para

que nadie más que Dulce la pudiera cantar. “Tú de repente tú” es festiva y alegre, no así “Mi cassette de amor”, de lo más tierno y suave que ha grabado Dulce. Si hay en “Heridas” una canción perfecta, esa es “De seguir así”, la potencia de su voz aunado a esos arreglos tan delicadamente hermosos convierte esta canción en algo muy especial. El disco cierra con una desoladora interpretación a “Sola” en la que Dulce echa toda la carne al asador para dejar en claro el por qué se le conoce como una de las cantantes más importantes de habla hispana.

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MEMORIES FROM THE PA Una guitarra... una voz... y un disco histórico... Título del disco: Tracy Chapman Artista: Tracy Chapman Género: Folk Año: 1988 Calificación: ★ ★ ★ ★

Michael Quaid

n 1988, una mujer tipo andrógino irrumpió en la escena musical con un álbum debut hiriente, con letras fustigantes que le tiraban duro y directo a la basura social estadounidense, con un canto cargado de dolor que, con tan sólo una guitarra a cuestas, revolucionó el mundo de la música... ¡y de qué manera! Sí, eran los 80´s, cuando Whitney Houston estaba fuerte con “So Emotional” y todos coreaban “The Way That You Make Me Feel” de Michael Jackson y no hubo quien no cayera seducido ante “”Never Gonna Give You Up” de Rick Astley. De repente, enciendo la radio y una voz “asexual” me eriza la piel con ese lamento convertido en canción y esa frase tan desoladora pero tan cierta, aún ahora: “Why when there’re so many of us are there people still alone”, (“Por qué cuando somos muchos hay tanta gente aún sola”). El álbum debut homónimo de Tracy Chapman va mucho pero mucho más allá de “Fast Car” y “Baby Can I Hold You”, El álbum debut homónimo de Tracy Chapman es una joya musical dentro de esta industria musical que ya se olvidó de hacer discos con contenido y con buena música. El álbum fue aclamado por la crítica y junto con ‘Fast Car’, llevó a Tracy Chapman a ganar las categorías de ‘Mejor álbum de folk contemporáneo’, ‘Mejor Artista Nuevo’ y ‘Mejor Interpretación Vocal Pop Femenina’ en los Grammy de 1988. A la fecha, “Tracy Chapman” es todo un suceso, los años lo han convertido en un disco glorioso y memorable. Este álbum abre con la esperanzadora “Talking About Revolution”, una pieza que en tan sólo en 2 minutos con 41 segundos, deja abierta la puerta a

★ Regular

la esperanza para que los pobres no pierdan la fe de que algún día volverán a tener lo suyo y para que los desempleados tengan una vez más una vida digna, sin perder el tiempo en filas inútiles que no los conducen a ninguna parte. En “Fast Car”, Tracy Chaman regala una verdadera obra maestra tanto narrativa como sónica; es la desgarradora historia de una chica que trabaja como cajera en una tienda y está anclada a vivir al lado de un padre alcohólico, a una rutina que la está aniquilando y a un futuro que depende, metafóricamente, de un carro veloz que le puede sacar de ese hastío y llevarla a cualquier parte, al fin y al cabo, no hay nada que perder. Por desgracia, la perfección de “Fast Car” como canción, peligrosamente eclipsó a un “Acroos the Line”, que habla de racismo, de esa manera infame de matar sueños a quien se atreva a cruzar esa línea entre negros y blancos; esos rasgueos tímidos y genuinamente punzantes de la guitarra, enmarcan a la perfección esta pieza. Cada canción del álbum “Tracy Chapman” son dignas de exploración, como ‘Behind the Wall’ , cantada

★ ★ Bueno

★ ★ ★ Muy bueno

capella en la que no había necesidad de guitarra ni de ningún otro instrumento para narrar la barbarie de la mujer que vive bajo el terror del maltrato familiar, de la mujer que vive con la falsa esperanza de que, a su llamado desesperado de ayuda, la policía llegará a poner orden cuando en realidad jamás llega y si lo llega hacer, es sólo para burlarse del dolor y no solucionar nada. “Baby Can I Hold You” es un remanso de paz ante tanto sufrir de Chapman, y es una canción tan potente como tan tierna que habla de ese amor “apaciguado” por la timidez de un “no” o de un “tal vez”. Hay algo de un reggae vibrante en “Mountain O´Things”, ese track que habla de soñar algún día con tener la opulencia necesaria para tener a un lado a una sirviente y ordenarle cualquier cosa, con tal de sentir el placer del poder que da el dinero. El factor de esperanza y fe mantiene firme a “Tracy CHapman” y de ahí que “She´s Got Her Ticket” anda pro las mismas, de una chica que busca una nueva vida en la que pueda volar tan alto como sus sueños de ser alguien en la vida. Lo que jamás estará a discusión es la perfecta y conmovedora interpretación vocal de Tracy y en “Why” suena totalmente convincente al reclamar ““¿Por qué una mujer todavía no está segura aun cuando está en su casa?”. Intensa es “For my Lover”, desnuda la entrega total de un amor que es capaz de caer en la cárcel con tal de seguir recibiendo el afecto de su amante. ¿Cómo no amarla y caer rendido a sus pies en “If Not Now”? “If Not Now” es la súplica de un amor en encrucijada, es el sutil regaño de un amor que no es del todo entregado pero que podría darse, si no esa ahora, tal vez después y con tan sólo una guitarra acústica, bajo, piano y batería, Chapman llega hasta lo más profundo del corazón. Habría que tener un par de pañuelos para terminar de escuchar “For You”, en la que casi a susurro Tracy dice que cuando se pierde la razón y no hay palabras para expresar tal sentimiento al ser amado. Sin duda, el productor David Kershenbaum y la misma Tracy Chapman, crearon uno de los mejores discos de folk de todos los tiempos.

★ ★ ★ ★ Excelente

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AST... Entre ‘greñas’, gritos y ‘mentiras’... Título del disco: El Sonido Vol. 1 Artista: Amanda Miguel Género: Pop Año: 1981 Calificación: ★ ★ ★ ★

Michael Quaid

n los 80´s, la guerra por vender discos era a brazo partido. No había cabida para discos mediocres y los que llegaron a salir, solitos se iban por donde llegaron. ¿Por qué? Porque era la época en que los discos se grababan en Milán, Nueva York, España, Londres, con verdaderos mostros de la composición como Manuel Alejandro, Rafael Pérez Botija, Armando Manzanero y en este caso de Amanda Miguel, Diego Verdaguer y Graciela Carballo. Mi primer encuentro musical con Amanda Miguel se dio en Nueva York, en una convención donde se estaba presentando el catálogo de Fonovisa, (Melody, en México), ahí fue donde escuché por vez primera “El Sonido Vol. 1”, el cual fue grabado en Los Ángeles. Seré honesto, para mí este disco sólo vale por “Mi buen corazón” en la que la argentina canta como los mismos ángeles. “Mi buen corazón” fue el camino que me llevó a conocer a otras cantantes de su generación, pero eso es punto y aparte. Nunca me impresionaron sus poses

de mujer fatal, jamás sucumbí a sus miradas “desorbitadas” ni a ese pelaje que se me hacía tan anti estético, pero a lo que sí caía rendido era a su voz, a esos tonos que en estudio eran la perfección misma. “Mi buen corazón” marcó en mí el gusto por la balada pop en español y cuando me di a la tarea de escuchar en su totalidad “El Sonido Vol. 1”, caí en cuenta que el álbum traía temas atractivos como “Hagamos un trato”, mi segunda favorita de este disco. “El Sonido Vol. 1” como disco es impresionante, musicalmente es impecable y Amanda logró estupendo desempeño interpretativo en canciones como “Él me mintió” y “Así no te amará jamás”. “Él me mintió”, es su tema insignia y, sin temor a equivocarme, es la canción más importante de toda su carrera. “Así no te amará jamás” me es tan dramática que se me antoja un tanto ruidosa e insoportable. Otras como “Quiero un amor total” y “Siempre te amaré” son verdaderas creaciones en las que Amanda ofrece una voz limpia, clara y potente, sin esos “gemidos” tan sobrados, eso sí, la voz varonil que la acompaña está de miedo. “Quién será” es aguerrida y de un impulso vocal de 10 y “Donde brill el sol” tiene una letra que amé totalmente. “Amanda al piano” es de una belleza musical hermosísima; la mejor lograda en este álbum, un álbum que seguirá siendo para Amanda su máximo triunfo en su carrera.

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MEMORIES FROM THE PA Un ‘rapto’ sensual y exquisito Título del disco: “Rapture” Artista: Anita Baker Año: 1986 Género: Soul/R&B Calificación: ★ ★ ★

Michael Quaid

na portada de un disco vale más que mil palabras. Una portada de un álbum, aún sin escucharlo, nos lleva, muchas veces al contenido de la obra. Una portada con arte vende. Desde que vi la carátula de “Rapture” (1986) de Anita Baker, me entró la imperiosa necesidad de tenerlo entre mis manos y ver el porqué de esa imagen de mujer en pose de ¿súplica, de amor, de dolor, de gozo? La respuesta me la dio la propia protagonista en 8 deliciosas y suaves canciones de amor, unos temas muy pero muy inocentes y otros tantos poderosos y seductores. “Rapture” es el segundo álbum de Baker y fue lanzado en marzo de 1986. Como suele pasar, había cero expectativas ya que venía de “The Songstress” (1983), un álbum ramplón y cero comercial. Además, su estilo, ahora comparado entre Whitney Houston y algo de Aretha Franklin, no era del todo garantía en ventas. ¿Pero qué pasó para que “Rapture” llegara a vender más de 8 millones de copias en todo el mundo, (5 millones en Estados Unidos) y se adjudicara tranquilamente dos premios Grammy?; la voz, la pasión, la

★ Regular

sensualidad y la entrega desmedida en 8 canciones que están para gozarlas en la intimidad. “Rapture” tiene ese sonido “black” que tanto me rinde y seduce, ese sonido que toma algo prestado del jazz y un poquitín, sólo un poquitín del góspel. La dinámica de “Rapture” está facturada para que, desde “Sweet Love”, no sueltes jamás el interpretar de esta cantante estadounidense. “Sweet love” es tan melosa como increíble y “You Bring Me Joy” esa para soñar y soñar con quien te da la satisfacción de alejar tu soledad con tan sólo la magia de una sonrisa, el xax aquí en esta pieza es de lo más embriagante que he escuchado. Dentro del soul, “Caught up in the rapture” ya es un clásico, es una canción de “reposo” vocal, en la que Baker, sin dramatismo alguno, le canta a ese amor sublime que debe quedare en su vida para siempre. “Caught up in the rapture” es el corazón palpitante de “Rapture”, es la parte fuerte y vigorosa del disco. No me atrevería a decir que “Be soo long”, “Watch Your Step”, “Mistery” y “Some Ole Love” no tienen la magia de un “No one in the world”, pero es que, en este tema, Anita rompe con lo establecido dentro del soul y deslumbra con su voz de seda que en ocasiones baja a tonos por demás discretos y encantadores. “Rapture” vale la pena redescubrirlo tan sólo por apreciar esa voz profunda y tan de jazz de una Anita Baker que sabe vender sus amores rosas como sentimientos de primera necesidad dentro de la música.

★ ★ Bueno

★ ★ ★ Muy bueno

★ ★ ★ ★ Excelente

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AST...

Cuando los ‘celos’ te llevan a las ‘mentiras’ Memories of the past 8 de 10 álbumes Disco Crítica Título del disco: “Daniela Romo” Artista: Daniela Romo Género: Pop Año: 1983 Calificación: ★ ★ ★ ★

Michael Quaid

Por qué los 80´s marcaron a la industria del pop en español? ¿Por qué después de más de 40 años siguen vigentes muchas de aquellas canciones? ¿Por qué todavía hay un mercado poderoso para artistas que nacieron musicalmente en esa época? La respuesta es: ESTILO, VOZ Y PRESENCIA Daniela Romo viene de una escuela de grandes cantantes y estupendas interpretes que siempre estaban a la par en popularidad, en ventas de discos y todas y cada una de ellas con un estilo muy bien definido ya sea en “look”, en indumentaria, en voz y en presencia. Las que no tenían ninguna de estas características, irremediablemente pasaban al baúl del olvido, a la carpeta que jamás se volvía abrir. Los 80´s era una guerra de grandes producciones musicales donde contaba al 100 por ciento quién era el productor y compositor de los temas y ojo, dónde se iba a grabar el disco. Surgieron muchas estrellas fugaces. Surgieron muchas estrellas que siguen brillando. Se hacían disco pensando no sólo para vender, sino para perdurar, para hacer historia. Y de esta suerte nace el disco homónimo “Daniela Romo”, un producto lanzando por la compañía Hispavox en 1983 con un éxito desmedido en radio, en ventas y en popularidad. Los celos, las mentiras y las secretarias que conforman este álbum siguen tan vigentes como en aquel 1993 en la que una chica de larga melena y una playera roja con dos grandes ojos al frente se plantaba en los escenarios para cautivar con su canto.

El impacto del álbum “Daniela Romo” radicó en el estilo, la imagen, las letras y el interpretar de una artista que tenía hambre de ser alguien dentro de un panorama musical muy competitivo. Se está hablando de ventas de millones de discos, de un sin fin de presentaciones dentro y fuera del país, y el éxito se conseguía CANTANDO persona a persona, no había el engaño de las redes sociales. Con tan sólo este disco, Daniela Romo se pudo haber dado el lujo de sentarse en sus laureles y dejar pasar la vida viviendo de las regalías de un producto que hoy por hoy sigue siendo marco de referencia del pop que perdura y perdurará por muchos años más. “Daniela Romo” abre con “Mentiras”, el tema que le abrió las puertas de la tan soñada internacionalización. “Mentiras”, escrito por la misma Romo en compañía de Divaona; Divaona es sello garantizado para quien quiera recodar lo que se dio en los 80´s. “La ocasión para amarnos” despuntaba a una can-

tante firme, cautelosa vocalmente, pero con una seguridad para explorar la balada rítmica, esa que tan bien le sienta. La disquera debió apostarle a “Te amo”, una obra comercial a morir, con alcances para ser grande entre las grandes. “Celos” es LA CANCION, es LA OBRA, es EL TEMA de un disco innovador en esencia y contenido, con un sonido muy euro, tirándole a lo disco. “Celos” posee un estribillo inteligentemente bien pensado, tanto que después de 40 años se sigue escuchando en la radio, en los conciertos y es “bandera” entre sus flamantes imitadoras. Para mí, Daniela Romo es balada, es pop suave y dramático, es alcanzar con su estilo y su voz, matices que estremecen al escucharla y eso me pasa con “El fin de un amor”, con letra de Daniela y Felisatti. “El fin de un amor” deslumbra al caer en una interpretación casi a capella en la que poco a poco la música la acompaña para arropar esa historia de amor sin entusiasmo que va directa al ocaso. El desenfado llega en “Pobre secretaria”, mi segunda canción favorita de este disco, de la autoría de Felisatti y Miguel Bosé, incluso el video es una joya teniendo como invitado al mismísimo Bosé. “Ayúdame” y “Ven a mi fiesta” son una excelente tregua para llegar a dos piezas que brillan con luz propia: “No, no puedo dejarte” y “Ayer perdí el corazón”. La primera, de la autoría de Romo y Divaona es un llamado a esa sensación de soledad que se borra tan fácilmente estando con el ser amado y el cierre de este álbum no pudo haber estado mejor con “Ayer perdí mi corazón” de Amparo Rubí. Y cuando digo que para mí Daniela Romo es balada, es pop romántico es porque cuando llega a mis oídos algo como “Ayer perdí mi corazón” refrendo que un estilo interpretativo, una voz educada y con un excelente matiz, no sólo inquieta al corazón, también araña. sacude y “apachurra” los sentidos, todos y cada uno de ellos. “Ayer perdí mi corazón” es para cerrar los ojos y dejar que Daniela Romo haga todo lo demás, con esa manera de colocar cada palabra para que las heridas o se abran o se cierren para siempre.

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MEMORIES FROM THE PA De Miss América A Miss Cantante... Título del Disco: “The Comfort Zone” Artista: Vanessa Williams Género: Pop Año: 1991 Calificación: ★ ★ ★ ★

Michael Quaid

i quitara “Save the best for last” de “The Comfort Zone”, (1991) el álbum pasaría de noche para mí. Sí, entiendo que “The Comfort Zone” es un disco rico en 14 atractivas secuencias musicales, que van del R&B al más contundente pop, pero…. “The Comfort Zone” de Vanessa Williams es una belleza de álbum en conjunto para quienes aman los temas dance pop y las baldas románticas. Lo que más me llamó la atención de la ex Miss América es que, pese a que su voz no es de grandes alcances ni poderosa para lograr impresionar, ofrece una calidez sincera a la hora de interpretar y eso la eleva a un nicho especial en el canto, porque que ella no va más allá de lo que su voz se lo permite y eso le permite ser muy cuidadosa a la hora de seleccionar lo que va a ejecutar. “The Comfort Zone” es un disco para bailar hasta desfallecer y para llorar como una Magdalena con las partes románticas. De este trabajo de estudio le aposté a “Freedom Dance” con una pista muy rítmica y “Running Back to You” que cojea de la misma pata a la par de “2 Of a Kid”. “Work to do”, un cover de The Isley Brother le sale fabulosa y se adapta a

★ Regular

la perfección a su voz. Los duetos con Brian McKnight en “You Gotta Go” y Strangers Eyes” le dan fuerza y elegancia a este material. “Still in love” es de paso, no así “ What Will I Tell My Heart”, una exquisita versión de una canción de jazz de 1937 del mismo título. Vanessa Williams interpreta el Jazz como las grandes leyendas de los años 30 y 40, eso lo puedo asegurar. Pero vayamos a esa paralizante y dulce entrega vocal de “Save The Best For Last”, una canción que catapultó a Vanessa Williams a la par con dos grandes divas del momento, Mariah Carey y Whitney Houston. “Save The Best For Last” es de lo más hermoso que he escuchado en muchos años. “Save The Best For Last” me ha llegado a impresionar tanto, que, recuerdo perfectamente el día, la hora, el año y el lugar en que la escuché. Recuerdo que fue en una tienda de discos en Houston, por la Westheimer; cuando entré a ese lugar, lo primero que escuché fue esa comparsa que me erizó la piel. Luego esa caricia vocal que me derritió. Recuerdo que le dije al encargado, con mi inglés más sucio que mi mente, que si podía tocar una vez más esa canción y que si me daba el nombre de la artista. Puso en mis manos el álbum y de inmediato vi esa portada tan bella como la artista misma. “Acaba de llegar”, me dijo el trabajador de esa tienda de discos, un hombre alto, de mirada noble y figura atlética, joven, de algunos 25 años de edad, rubio, todo él.

★ ★ Bueno

Cuando puso la canción, le subió a todo lo que daba el aparato reproductor y volví a sucumbir a tan majestuosa interpretación y a tan bella y sarcástica lirica. “Because how could you give your love to someone else and share your dreams with me?”. Amé a rabiar la manera tan dulce y retadora con la que dice esta frase.

★ ★ ★ Muy bueno

No concibo a “The Comfort Zone” sin “Save The Best For Last” y por esta pieza, Vanessa Williams forma parte de una generación en la que, sin tener esos dones vocales de una Toni Braxton, Whitney o Mariah, pone en claro que cuando se canta con el corazón, “hasta la nieve puede caer en junio”, ¿o no Vanessa?

★ ★ ★ ★ Excelente

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AST...

De prostitutas a gigolos Título del disco: “Confidencias” (En México) Título del disco: “La Gata” (En España) Artista: Rocío Dúrcal Género: Pop Año: 1981 Calificación: ★ ★ ★ ★

Michael Quaid

mo la tónica de las letras del compositor español Rafael Pérez Botija, muchas de ellas, maltratando sin miramiento alguno los sentimientos del ser humano, “Desperado”, José José, “Úsame”, Dulce, “El Amor”, Massiel y “30 de febrero”, Pablo Abraira, por tan sólo mencionar algunos. Y de esa tónica agria y ácida está conformado “Confidencias”, el disco número 12 de Rocío Dúrcal. “Confidencias” se llamó en México, pero en España llevó como título “La Gata”. Dirigido y realizado por primera vez por el productor español, en este álbum la intérprete le da un giro importante a la balada pop, dándole luz con sus interpretaciones a personajes que se ganan en la calle vendiendo su cuerpo para poder vivir. Estamos hablando de los 80´s, donde la conducta sexual de esos tiempos no era tema fácil de tratar y menos en canciones. “Confidencias”, en su momento, no era un disco fácil de digerir; su contenido, en el sentido estricto de la palabra, era incómodo, inquietante y era para escucharse a discreción. Si no supiera que existe “Entre tú y yo”, (1983), ese magnífico álbum que también le produjo en su totalidad Pérez Botija, juraría que “Confidencias” es lo más glorioso en su carrera como vocalista. “ No sirvo para estar sin ti “ fue la primera punta lanza de esta grabación realizada en Madrid. El sencillo estuvo pocas semanas en rotación y de emergente se lanzó “La gata bajo la lluvia”, tema que llevó a la cantante a ocupar de inmediato los primeros lugares de sintonía en varias cadenas radiales a nivel internacional, convirtiéndose así en una de las canciones más importantes dentro de su carrera musical. “La gata bajo la lluvia” es la máxima creación de Pérez Botija, eso jamás estará a discusión.

“La gata bajo la lluvia” es la máxima creación interpretativa de Rocío Dúrcal, la canción ícono de su extenso repertorio. La letra de esta pieza va más allá de una simple balada de amor. La canción en sí traspasa la típica historia de un amor quebrantado “bajo la lluvia”. La validación lírica de “La gata…” está en ese perfecto juego de metáforas que Botija maneja con una destreza admirable. “La gata bajo la lluvia” habla de pecados, de deseos, de escándalos, de dignidades pisoteadas. “La gata” es una prostituta que por unas monedas entrega sus caricias y su cuerpo a un distinguido “cliente “de paso, pero en esa entrega pagada, hay más allá que caricias furtivas y sexo desenfrenado, hay un sentimiento que la damisela en cuestión trata de ocultar, pero no puede, por eso aquel discurso de “ Amor, si alguna vez nos vemos por ahí/ invítame un café y hazme el amor/ y si ya no vuelvo a verte/ ojalá que tengas suerte”. Pérez Botija retrata finamente la historia de un amor sin reproches, de un amor sin heridas, pero sí de

un amor que, bajo la lluvia, esa lluvia que no es otra más que el castigo de “la gata” a su entrega tan prohibida como impulsiva, en la que de una u otra manera llegó a involucrar un sentimiento y una esperanza de un amor que alguna vez soñó...pero no un amor de paso ni de paga, de un amor cuando menos ocasional. Igual de poderosa que “La gata bajo la lluvia” está “La Verdad de la Verdad”, temazo en el que Rocío se despliega como una intérprete de alcances monumentales. “La Verdad de la Verdad” es tan españolada como la misma Marieta. La letra es de reclamo y de un dramatismo propio del compatriota de Rocío. “Marinero” es un capricho de la cantante, gozó al grabarla y de la pluma de Camilo Sesto está “¿Por qué me tratas así?”, un acierto de 10 en “Confidencias”. Sin duda “Adiós” es una bendita pausa en este álbum que retrata a tantos amores fracturados y cosa rara, aquí, la mujer es la que lleva la batuta para romper una relación fallida al igual que “Ríndete”, quien una vez más es ella es la que navega con la bandera del control entre la seducción de una relación en la que él, cautelosamente no cae del todo en sus redes. ¿Qué pasa con “Lo que tú sientes” y “Tu pasado”? Habría que remontarnos a aquellas noches heladas de un diciembre de 1981 cuando por vez primera escuché ambas melodías. Eran noches tan increíblemente vulnerables como los mismos arreglos punzantes de “Lo que tú sientes”, esa historia de quien empuja a su amante para que le confiese a su mujer lo que realmente siente por ella. “Lo que tú sientes” es un canto ahogado de aquella que provoca a su amante para que enfrente su relación sin tener a otra mujer a cuestas. No siempre tengo el valor de escuchar “Tu pasado”, es una canción en la que la música dice más que el contenido y esa armónica, esa armónica que tambalea y doblega recuerdos agridulces que muchas veces no estoy preparado para enfrentar de esas noches de diciembre de 1981, noches muy heladas y muy solitarias. “Confidencias” es y por mucho, el disco que proyectó a Rocío Dúrcal como una baladista de temple, de gran nivel y de una categoría que pocas han alcanzado dentro de este género musical.

MÚSICA

MEMORIES FROM THE PA ¡Qué ‘Diva’ tan espectacular! Título del disco: “Diva” Artista: Annie Lennox Género: Pop Año: 1992 Calificación: ★ ★ ★ ★ y dos más ★ ★

Por: Michael Quaid

abía una imperiosa necesidad de que Annie Lennox saliera del concepto de Eurythmics para volar en solitario y echar a andar todos esos sentimientos reprimidos que la estaban ahogando. De ese “desprendimiento” es que nace “Diva”, (1992) su primer álbum como solista, un álbum fantástico y tan lleno de relatos oscuros y espinosos. “Diva” es un libro abierto para conocer la esencia de esta cantante escocesa que gusta de provocar a la razón con su imagen deliciosamente andrógina y con esa voz única e impecable. “Diva” arroja como primer sencillo “Why”, toda una estela de furiosas soledades que, en voz de Annie, suenan a tormentosos lamentos de quien se pregunta una y otra en qué ha fallado para que el amor naufrague entre un adiós o una tímida espera de quedarse a remediar lo que parece imposible de arreglar. “Why” posee un fraseo poderoso, frio, directo en el que Annie Lennox sabe arrancar la entonación perfecta para fustigar, a suave y dolida voz lo quebrantable de esa situación de dos. El video es un todo un lujo en el que la cantante, frente a un espejo de tocador, mientras se maquilla, mira detenidamente su rostro y se asombra de su propia belleza.

★ Regular

El video le valió a Lennox un premio a Mejor Video Femenino en los MTV y Video Music Awards de 1992 y cuando se subió a YouTube, de octubre de 2009 a septiembre de 2020, ha logrado más de 46,8 millones de visitas. “ Why “ es una balada conmovedora que la va de maravilla a la voz triste de Lennox. Después de este drama de “Why”, llega más animada en “Walking On Broken Glass”, sin duda una canción para bailar con esa sección de cuerdas maravillosas y esos coros brillantes. “Precious” es fiel pretexto para que Lennon presuma sus grandes alcances vocales y “Legend In My Living Room” está, simplemente está, no pasa gran cosa con esta pieza. Pero cuidado con “Cold”, esa interpretación alcanza la gloria misma, ese lamento suena suave pero fuerte en contenido; aquí, Lennox luce y se oye como toda una diva del canto. “Cold” es una pieza fuerte en la película para televisión “Soldier´s girl” y suena en una de las escenas cuando Calpernia Addams (Lee Pace), una chica transgénero que trabaja como corista en un club de variedades de transformistas en Nashville, Tennessee se la canta a su amado Barry Winchell (Troy Garity), un soldado raso de la 101 División Aerotransportada del Ejército de los Estados Unidos, estacionado en Fort Campbell, Kentuck “ Money Can’t Buy It “ es un pop/ rock muy pasable y “Little Bird” es un electro-pop que despunta en alto esta canción. “Primitive” es una hermosa baladita tan ajena al concepto de “Diva”, pero nada despreciable para escucharse

★ ★ Bueno

con vino tinto en mano y en camino, pues también atendamos “Stay By Me” con ese juego de ritmos que van del funky a lo sinuosamente rítmico. No sé por qué en “Stand By Me” la voz de Annie me recordó a la de Sade en “No Ordinary Love”. “ The Gift “ y “Keep Young And Beautiful” cierran magistralmente un álbum que al paso de los años se ha convertido en algo así como en

★ ★ ★ Muy bueno

un disco de “culto” al que hay que atender con respeto y admiración, y aunque Annie Lennox esté a años luz de querer ser una “diva”, yo la contradigo categóricamente, porque desde que escuché este cd, supe que estaba frente a una intérprete de garra, de contenido y de actitud, a lo que resumo en pocas palabras, estaba escuchando a una verdadera “DIVA” del canto.

★ ★ ★ ★ Excelente

MÚSICA

EDICIÓN ESPECIAL DISCO CRÍTICA

AST...

¡A callar bocas! Título del disco: “Cerca de ti” Artista: Lucía Méndez Género: Pop Año: 1982 Calificación: ★ ★ ★

Michael Quaid

in tener la voz de Maria Callas, Lucía Méndez vendió millones y millones de discos en tiempos en que había verdaderas panteras de la música pop en

México. Con el álbum “Cerca de ti” que le produjo y compuso Camilo Sesto, sometió a cuanta intérprete se le puso en su camino y tranquilamente dominó las listas de popularidad, por sobre muchas. Y es que Lucía venía cargando éxitos tras éxitos en telenovelas. Su cara era conocida hasta en Japón. Tenía un mercado cautivo en la pantalla chica que astutamente lo llevó de la mano a su faceta como cantante para que compraran sus discos. Eso sí, más allá de acuerdos de disqueras, algo muy pero muy especial le habrá visto Camilo Sesto a Lucía Méndez para producirle y componerle temas para “Cerca de ti”; el disco que marcó su entrada triunfal a la balada pop. En efecto, los 80´s era la época de las voces, de esas voces de concurso, de esas voces de rangos fascinantes y de presencias impactantes. Pero Lucía tenía algo que sus “contrincantes” carecían; telenovelas exitosas a nivel internacional y por ende, tenía un público cautivo que la apoyaba y seguía de manera incondicional. Por ello, cuando salió al mercado con “Atada a nada”; “Culpable o inocente” y “Amiga mía”, la gente enloqueció de felicidad y se fue a las tiendas de discos a vaciarlas por completo para llevarse a casa el LP o el caseette de su actriz y ahora cantante favorita.

Cierto, “Cerca de ti” ya era el sexto álbum de Lucía, pero ninguno de sus anteriores contaba con el sello de producción de un Camilo Sesto. Claro, Camilo será el rey midas de la composición, pero tampoco hace “milagros”, lo bondadoso de él al trabajar con Lucía, es que le consiguió un sello y un estilo a su medida y posibilidades, un estilo por demás decoroso y sin exigencias. Las canciones fueron creadas para esa voz entonada, pero sin riesgos, para esa voz con un color hermoso, pero sin alcances deslumbrantes. Pero eso a quién le importaba si Lucía estaba de lujo en “Atada a nada”, con esos tonos bajos, con esa “cantadita muy platicadita” que, a decir verdad, calló a muchas de su generación que jamás lograron lo que ella consiguió; LA INTERNACIONALIZACIÓN. Escrita y producida por Camilo Sesto, “Atada a nada” fue todo un suceso al igual que “Culpable o Inocente”, también de la autoría del intérprete de “Melina”El valor de “Culpable o Inocente” es que proyectaba a una Lucía Méndez agresiva, sensual, dolida, capaz de luchar por su hombre y con un estribillo escrito con toda la mano para que pegara y fuerte: “...y a pesar de todo, cierro mis ojos y oídos, rabian mis puños y gritos, cierro mi casa a quien te ofende, te prefiero a ti, culpable o inocente”. Y Lucía, como buena actriz que es, matizaba rico cada frase, cada palabra de esta canción, vaya, la chica en aquel entonces sabía lo que estaba haciendo y sabía que tenía una espléndida canción entre manos. “Ni una semana”, escrita por Camilo Sesto y Sergio Fachelli, definitivamente era mucha canción para ella, había que interpretar, había que ejercer más allá de un estilo y el tema se le fue, pero qué tal “Escúchame”, aquí, Camilo la llevó cautelosamente a un susurro

convincente, a un canto que de menos a más cobra personalidad. “Escúchame”, también de Camilo Blanes, fue un gran intento y Lucía respondió y bien. La valía de “Cerca de ti” es que se arriesgaron y le apostaron con todo a la Méndez, sólo por eso aplaudo el arrojo de aventarse a cantar otro tema de Camilo, “Contigo o sin ti”, si, majestuosamente muy valiente la mujer, hay un claro y genuino intento de llegar a las notas altas. Claro que Camilo se las vio difíciles para conseguir domar a Lucía en “¿Qué clase de hombre eres tú?”, este tema en boca de la D´Alessio hubiera sido oro puro.

Todo, pero todo en “Amiga mía” es de 10; arreglos, letra, INTERPETACIÓN, dirección e intención. “Amiga mía” en vivo era todo un agasajo porque Lucia le daba ese toque dramático que le funcionaban en sus archi famosas telenovelas. De hecho, apostaría que es la canción más honesta y mejor lograda de “Cerca de ti”, álbum grabado entre Londres, España y Los Ángeles. “Amo todo de ti” es un caso y “Don´t tell my mama”, escrita por Fernando Arbex fue un lujo que no se debió haber dado, su inglés estaba más infame y forzado que el mío y eso, ya son palabras mayores.

MÚSICA

MEMORIES FROM THE PA Drogas Sexo y... ¡The Rose! Titulo del disco: Soundtrack “The Rose” Artista: Bette Midler Género: Pop/Rock Año: 1979 Calificación: ★ ★ ★ ★

Michael Quaid

“

Cuando la noche ha sido demasiado solitaria y el camino demasiado largo, y piensas que el amor es solo para los afortunados y los fuertes, recuerda que, en el invierno, muy por debajo de las nevadas amargas, yace la semilla que, con el sol, el amor en la primavera se convierte en la rosa “. Sin vacilar un segundo, puedo decir que “The Rose” es una de mis bandas sonoras favoritas que han marcado mi vida. Recuerdo estar en la prepa 1, mis dos grandes amigos, Pilar y Ricardo, me invitaron al cine a ver este filme bajo una condición, cada uno tenía que meter a hurtadillas al cine una lata de cerveza. Cristo redentor, eso era mucho para un “mocoso de rancho” como yo. Pero no me rajé, les dije que sí. Pilar y Ricardo eran mis dos grandes amigos de prepa, eran mis héroes. Ambos de familias de abolengo. Mi curso por la Prepa 1 la pasé con ellos, día y noche. “¿Y para qué la lata de cerveza?” pregunté absurdamente. Pilar, mi amadísima Pilar me contestó con ese fastidio tan femenino que me enloquecía…”pues para estar a tono con la película, no ves que trata de drogas y mucho alcohol”. Se llegó el día. Fuimos al cine, a la función de las cuatro, al cine Cuauhtémoc, en aquel entonces, un cine de gala y de gran renombre. “¿Traes tu cerveza?” me preguntó Ricardo con cara de maloso. “¡Claro, claro que traigo en mi morral mi “cerveza”! le respondí. Pilar se me quedó viendo con ojos de “te mato si no la traes”. Pilar era de una figura hermosamente delgada. De una belleza estilo Helena Rojo en su época de “Más negro que la noche”. Pilar era mi diosa.

★ Regular

Hacía conmigo lo que quería, como amiga y cómplice de bailes y juergas, nadie como ella. Ricardo era el clásico chavo de “lana”. Guapo, muy guapo y “zambo”, ah, como le hacía bromas al respecto y él gozaba de ello. Era un hit con las chicas por su aspecto atractivo y varonil. Siempre con la camisa sin abrochar, en son de “me vale la vida” Conquisté su cariño y estima como amigo gracias a que, sin conocerme, se acercó a mi para que le tradujera una de sus canciones favoritas, “”She Believes In Me” (1979) de Kenny Rogers. Se apagan las luces del cine, arranca la función, una función en las que había tan sólo 5 personas, Pilar, Ricardo, yo y una pareja de “hippies” tan maltrechos como la dulcería de ese cine, (cosa rara par un cine de 5 estrellas). Justo cuando Bette Midler, en su brillante papel de “Rose” empieza a cantar “When a man loves a woman”; dice Pilar en tono de complicidad, a susurro, como si alguien la fuera a descubrir, cuando aquello estaba más solo que los conciertos de Ana Torroja cuando se lanzó como solista, “saquemos las cervezas, ya empieza lo bueno”. Recuerdo que el sonido del cine Cuauhtémoc era sensacional, retumbaba como si fuera Black Heart Music y ahí, justo ahí, precisamente ahí, cuando Miss

★ ★ Bueno

★ ★ ★ Muy bueno

Bette Midler, toda descompuesta por el alcohol y las drogas empieza a cantar “When he held me in his arms, when he held me in his arms and said, baby, baby, baby, you are the only one for me”, Pilar y Ricardo sacan sus respectivas cervezas y en total frenesí le dan un generoso sorbo. Pilar voltea a verme mientras Bette suena más intensa al decir “Oh, you tell me you love me, baby, and gonna hold me tight...”, yo hago como que le doy un tremendo trago a mi bebida y ambos me ven con satisfacción, lo que jamás vieron es que, en vez de cerveza, había metido una lata de refresco, tan gratificante y embriagadora como la misma cerveza de ellos. El soundtrack “The Rose” con una marcada influencia de magistral de pop/rock, fue grabado entre junio y julio de 1979 y dado a conocer justo el 3 de diciembre de 1979. De este álbum son imprescindibles en este orden, “Stay with me”, “Midnight in Memphis”, “Camelia” y por supuesto “The Rose”. El filme lo vi en cine más de 10 veces tan sólo por caer una y otra vez en la fascinación de ese desenfreno de Bette en “When a man loves a woman”. Lo vi para elevar mis sentidos con la pasión desbordada en “Stay with me”, y lo volví a ver para gozar de la sensualidad tácita en la introducción de “Camelia”, con ese baile desenfado de Bette al subir al escenario. Lo vi para abrazar esa entrega vigorosa em “Midnight In Memphis” y la volví a ver para llorar como tonto con esa absurda, romántica y conmovedora “The Rose”. En “Stay with me” hay una interpretación que desgarra el alma. La introducción de “When a man loves a woman” es un divertido juego de palabras para luego llegar a un canto único y pasional, propia de una Bette que estaba en su mejor momento como cantante. “The Rose”, dirigida por Mark Rydell y protagonizada por Bette Midler, es una cinta basada libremente en la vida de Janis Joplin. Como película me resultó terrible, con un guión y dirección de dudosa calidad, pero aun así felizmente fue nominada a cuatro premios de la Academia, incluyendo Mejor Actriz en un Papel Protagónico (Bette Midler, en su debut en la pantalla), Mejor Actor en un Papel de Reparto (Frederic Forrest), Mejor Montaje de Película y Mejor Sonido.

★ ★ ★ ★ Excelente

MÚSICA

EDICIÓN ESPECIAL DISCO CRÍTICA

AST...

Reina del drama Título del disco: “Yo” Artista: Lupita D´Alessio Género: Pop Año: 1984 Calificación: ★ ★ ★

Michael Quaid

e vende como la mejor intérprete de México. Se vende como la mujer que le “tira” bien y bonito a los hombres. Se vende…¡y se vende bien! Lupe D´Alessio es de las pocas intérpretes que sin tener por años un éxito radial, su popularidad no disminuye y crece como la espuma. Y es que, en tiempos de mediocridad musical, es más fácil que el talento se distinga y si alguien en este mercado musical lo tiene es ella, la llamada “Leona dormida”. “Yo” es un disco de 1984, un trabajo de estudio mediocre para una gran voz. Y es que Lupe, a decir verdad, nunca tuvo discos de gran calidad por estar atada a una disquera que le tenía las alas amarradas. ¿Qué le valió salir adelante? Los temas. La voz. Y que supo llegarles a las mujeres que estaban sumisas a la voluntad de los hombres; Lupe fue como una tabla de salvación para ellas. Es cuando temas como “Mudanzas”, “Ya no vuelvo contigo”, “Ese hombre”, “Punto y coma” se volvieron un himno entre el sexo femenino. Pero el tema de hoy es “Yo”, ese álbum tan potente en interpretación y tan pobre en grabación. “Yo” contiene uno de los poquísimos

temas que más me ha atrapado de la DÁlessio y es “Si no te gusta como soy”, con una exquisita manera de explotar su voz sin llegar a excesos de reclamos baratos y morbosos. “Se vende esta casa”, un gancho perfecto para vender discos, ya los problemas maritales con uno de sus tantos maridos estaban en la línea de divorcio así es que este tema, ni mandado hacer. “Si no te gusta como soy” es un tema en el que Lupe puede llegar a otro nivel como cantante, de hecho, es el estilo que debió de explotar más como también alcanza ese brillo en “Yo” y “Qué esperabas”. Me hubiera gustado en su peregrinar musical más canciones como “Qué esperabas”, mi segunda favorita de este LP. Su voz siempre es de 10, aclaro, estamos hablando de los 80´s por ello en “Yo” se reveló como una intérprete que puede dejar a un lado los temas ardientes, de infidelidades, de reclamos chillantes para abarcar la balada desde otro terreno. “Dígame si usted” es hechizante, con un fraseo intenso y una DÁlessio de lujo. Confieso, revelo y digo que gracias a mi amigo Tony Graham, quien caracteriza a Lupe como NADIE en su show de “Divas”, amé el canto de esta artista que sigue en pie de lucha. Con “Ese fue tu error”, DÁlessio me recuerda una época en la que los travestis la imitaban de manera maravillosa, pero recalcó, nadie como Graham. Ah, cómo disfruto “Ahora llora tú”, aquí es, definitivamente, otra cantante, ajena a excesos y si entregada a un canto suave, delicado y, aunque la letra es fuerte, ella le da otro matiz. La amé. Y la desconocí, para bien.

“Miserable amor” va por la ruta de reclamos, pero en suave, no en “Leona”. Escuchar en los 80´s “Me muero, me muero” tenía que ser a volumen bajo, a sonido sólo para uno, por aquello de “por cabalgar vientre con vientre…” no era así como que escuchar a Rocío Dúrcal cantar “Amor en el aire”. Por mucho, “Yo” es un álbum que le faltó ser grabado en un excelente estudio para que sonara formidable, pero que tan fregona no era Lupe que, pese a eso, se escuchaba suprema y

en sonido “mono”, no cualquiera lo podía lograr. “Me muero me muero” es una verdeara creación interpretativa de esta rebelde de la canción que jamás ha sido de mis cantantes favoritas, pero por tan sólo tres temas de todo su repertorio le perdono todo, hasta que me haya recordado a mi mamá cuando yo apenas tenía horas, minutos, días, de haber entrado como reportero de espectáculos, hace ya más de 30 años...

MÚSICA

MEMORIES FROM THE PA ¡Una carrera brillante con un final trágico! Título del disco: “Branigan 2” Artista: Laura Branigan Género: Pop/Dance Año: 1983 Calificación: ★ ★ ★ ★

Michael Quaid

enía una voz poderosa, intensa y única que alcanzaba un rango de 4 octavas. Su álbum debut titulado “Gloria”, lanzado en el verano de 1982 y por el que recibió su primera nominación al Grammy, fue su carta de presentación. Un disco poderoso únicamente por el sencillo “Gloria”, del italiano Umberto Tozzi, el resto del material era una agonía de canciones ramplonas que ella enaltecía con esa voz privilegiada. Después, también en el verano, pero de 1983, se planta en el panorama musical con “Branigan 2”, justo en el momento en que la música estaba en un caos de sonidos, de propuestas y de intérpretes de gran valía. La propuesta de “Branigan 2” se puede decir que se asentaba en el synth pop, un subgénero del pop y de la música electrónica que le funcionó, a medias, hay que decir que la industria no le hizo justicia a ese talento que demostró al paso de los años, hasta el día de su muerte, aquel penoso 26 de agosto de 2004; Branigan murió a causa de un aneurisma cerebral. La primera punta lanza de “Branigan 2” es “Solitaire”, una balada de gran poder interpretativo en la que esta dama de ascendencia irlandesa e ita-

★ Regular

liana dejó en claro que no sostenía su carrera con tan sólo un éxito en ventas como lo fue “Gloria”. “Solitaire”, donde Diane Warren, hizo la adaptación al inglés de esta canción francesa, la colocó en un lugar preponderante en la historia de la música pop y así lo reafirmó con otras canciones de este álbum como “Deep in the dark”, “Lucky”, “Find me” y la paralizante “How am I supposed to live without you”, del insufrible Michael Bolton quien años después la incluiría en su estupendo “Soul Provider”, (1989) con mejores resultados que Branigan. “Deep in the dark” es la valiente respuesta del sexo femenino a “Der Kommissar” de Falco y “Lucky “ es una atractiva balada con un mensaje positivo para volar sin mirar atrás: “Like a wild bird of prey, like a thief in the night. You can take what you want, and you don’t think twice, cause the world’s in your hands, and you’ve got all you want and you won’t change a thing, you’re the lucky one”. “Find me” sin duda, es de lo más hermoso que le he escuchado, con una voz tan llena de intensidad y cargada de lamento. Después caemos en el tormento intenso de un canto abrumador en “How am I supposed to live without you”, con una letra profunda que coloca a Laura Branigan en el mismo plano de aquellas divas como Regina Belle, Laura Nyro y la propia Whitney Houston. En youtube hay un video en el que Branigan la canta en vivo y en la parte cumbre de la canción, su voz cae en un llanto desolador y apenas pudo

★ ★ Bueno

concluir tan estupenda actuación. En “How am I supposed to live without you” simplemente se escucha omnipotente con ese timbre de voz expresivo. El resto de “Branigan 2” es interesante, con “Dont Show Your Love” y “I’m Not The Only One”; la primera, con esa increíble versatilidad vocal de Lura y la

★ ★ ★ Muy bueno

segunda, indispensable en las pistas de baile. En “Squeeze Box” quedó algo a deber, el rock no era lo suyo, pero en “Mama”, nadie como ella para enganchar con esta clase de baladas. “Branigan 2” es un bello álbum de quien hoy por hoy es todo un ícono de la cultura pop, de ese pop que se extraña...y mucho.

★ ★ ★ ★ Excelente

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AST...

EDICIÓN ESPECIAL DISCO CRÍTICA ¡Oye tú...!

Título del disco: “Tú muñeca” Artista: Dulce Género: Pop Año: 1984 Calificación: ★ ★ ★ ★

Michael Quaid

uando Dulce estaba a punto de abordar su vuelo de Madrid/España, después de intensos meses de grabación, Rafael Pérez Botija le hace llegar un mensaje de caracter urgente para que vuelva a los estudios de grabación, algo había pasado con la grabación final del contenido de “Tú Muñeca”. Temperamental y de carácter fuerte, la tamaulipeca llegó rauda y veloz a los estudios de grabación y Pérez Botija le dijo: “hay que empezar de nuevo, todo se “borró”, entra y ponle voz a las pistas”. ¿El resultado? Millones de discos vendidos tanto en LP´s como en sencillos. Y es que el español aludió a que la primera grabación de “Tu Muñeca” había quedado demasiado perfecta y él necesitaba a una Dulce más intensa, más entregada, más intérprete. Y casi de una “pasada”, todo el disco quedó a gusto de Botija y Dulce, con resultados extraordinarios. A título personal, “Tu Muñeca” es el mejor disco de Dulce por muchos motivos, pero el principal, porque es un disco muy adulto contemporáneo, con letras fuertes que cuentan historias donde la mujer por lo general es sobajada, humillada y maltratada, pero de una manera que sólo el compositor español puede escribir sin resultar ofensivo. Dulce va mucho más allá de “Déjame volver contigo”, “Heridas”, “Lobo” y sus más estruendosos éxitos. Dulce es una intérprete como pocas que logra hacer de la balada algo potente y poderoso en ingenio interpretativo. Siempre será una lástima que, de este trabajo de estudio, lazado en 1982, sólo haya sido promocionado con intensidad el sencillo que da nombre al álbum. “Tu Muñeca” es una variante de “La gata bajo la lluvia”, ambos personajes son de “dudosa reputación” que los hombres “usan, tiran y ya está”. Como proyección internacional, “Tu Muñeca” fue un suceso en la carrera de Dulce. Las listas de popularidad se la disputaban. Ocupo los primeros lugares en ventas no sólo en México, también en el extranjero.

Pero había más por explotar en este, su segundo trabajo de la mano de Pérez Botija. ¿Ejemplos? Sobran y aquí van. “Para mí sí vale” necesitaba un “empujoncito” para ser un trancazo radial. Mientras Lupe D´Alessio hablaba de sábanas ardientes, Dulce le cantaba a “la otra” de una manera sutil y elegante para que le dejara el camino libre con su amante: “Oye querida, por qué sigues con él, si no te llena y le criticas haciéndole sufrir, sin más ni más. Por qué le encierras en tu jaula de amor como un jilguero y le condenas a una clase de amor que no le va. Si no te gusta que sea como es, si tu conoces a tantos que le igualen, pues déjale libre de una vez porque así tal como es... ¡para mí, sí vale!”; y luego ese electrizante puente musical que puede decir más que la canción misma. “Úsame” es atrevida, es sensual, es incómoda por su contenido y es todo un deleite en esa voz que Pérez Botija domó y dirigió de manera magistral; les faltó criterio y mucho para dejar en el olvido esta variante de “Déjame volver contigo”. “Úsame” era para que estuviera en la radio y para que Dulce se luciera con ella en cualquier escenario. Sólo una vez se la escuché cantar en vivo. Sólo una vez. “Úsame” es una pieza para presumir, es una de esas baladas que ya quisiera en su repertorio cualquiera que se jacte de ser intérprete. Y la letra, tan del mismo trazo de “Déjame volver contigo” pero con tonos más apasionados, más intensos y de una delicadeza que va de menos a más: “¡Qué ignorancia, no ves que para mí, andar cerca de ti, es una puerta abierta a la esperanza. Úsame, pero úsame, sin dudas sin promesas sin piedad, úsame sin problemas, para lo que quieras, si me hieras, que me hieras, pero úsame, sólo úsame, si es todo lo que tú me puedas dar., úsame sin barreras, todo lo que quieras, de la forma que tú quieras”. “Hielo” es de una fiereza interpretativa propia de Dulce que seduce, con unas cuerdas de infarto. “Fui demasiado fácil” es una canción de despecho, de ira, de las que goza Pérez Botija y que le van de

10 a la matamórense. “Necesidad de ti” merece estar en el repertorio de Dulce, de lo mejor que le he escuchado y esa letra tan “española” que amo: “Oye tú, qué pretendes, a ver, usarme a tu capricho porque sí. Oye tú, pero no comprendes, lo caro que es el precio al que te vendes para mí. Tengo necesidad de ti, cada segundo y te voy a seguir amor, al fin del mundo, tengo necesidad de ti, que no se calma que cuanto más amor me das, más me hace falta...”. Esa batería tan hechizante en “Sinceridad” le dan un aire de lujo a este disco y es de las pocas veces que Dulce se arriesgaba a salir de la balada para entra a un sonido más rítmico. De lo mejor de “Tu Muñeca”, que, por cierto, fue el primer disco o de los primeros en grabarse con sintetizadores y con sonido dolby. “La guerra del amor” es hermosa en contenido y en canto. De lo más cálido en su historia musical. “Pájaro Herido” con todo y sus “pío pío” es de antología. “Estás aburrido de mí” es la que considero un himno en su peregrinar musical, la canción por excelencia, con ese sonido tan old fashion, con esa letra tan de mujer rendida, con esa elegancia a la hora de cantar que hasta ahora no he escuchado en casi nadie, con ese matiz perfecto y esa letra, esa letra...”...Oye, no temas no te voy hacer escenas ni a cortarme las venas, no faltaba más. Oye, no sufras porque no vale la pena, no hay ningún problema y nunca lo habrá. Oye, no sufras porque no me debes nada, antes o después por ser fuego el amor se acaba, porque sí, porque estás aburrido de mi”. Los arreglos, (sintetizadores al 100) son de historia. En México, Dulce debería hacer historia y ser la primera en reeditar a manera de festejo por los “tantos” años de su lanzamiento un disco como “Tú Muñeca”; pero incluyendo a manera de “plus” ese tema llamado “El amor” (de Pérez Botija) que por azares del destino quedó fuera de este disco y que Massiel y Gloria Trevi supieron aprovechar muy bien. La contra portada del álbum es un culto a su belleza.

MÚSICA

MEMORIES FROM THE PA Gracia, Anita Baker, bienvenida, Toni Braxton Artista: Toni Braxton Género: Pop/Soul Año: 1993 Calificación: ★ ★ ★ ★

Michael Quaid

o tenía el camino fácil, ya en el firmamento brillaban con intensidad Whitney Houston, Tracy Chapman, Vanessa William, Cece Peniston, Anita Baker, Mariah Carey, Celine Dion... Pero, aun así, Baby Face, su descubridor y compositor de cabecera, decidió lanzar un 13 de julio de 1993 “Toni Braxton”, disco debut de una chica con voz más que perfecta, de una belleza fulminante y de unas ganas tremendas de aniquilar a sus contrincantes en un dos por tres. ¿Lo logró? Sí, y hasta algunas de ellas palidecieron de temor al escuchar en la radio esa voz que prometía romper esquemas dentro del R6B y ese pop tan conservador que se destilaba por ese entonces. “Toni Braxton”, producido principalmente por LA Reid , Babyface y Daryl Simmons, es un mosaico de estupendas baladas como “ Another Sad Love Song “, primer sencillo que alcanzó los números siete y dos en las listas Billboard Hot 100 y Hot R & B / Hip-Hop Songs . La voz grave y “llorosa” de Braxton de inmediato llamó la atención. ¿Quién era esa chica que en la radio incesantemente sonaba cantándole a ese abandono de amor? ¿Quién había osado con “Another Sad Love Song” inquietar a las divas del pop de ese entonces? ¿Quién? Braxton dio otro remate mortal en las listas con “Breathe Again”, un segundo sencillo que se colocó en los cinco primeros puestos en las listas Hot 100 y R&B y en el número dos en la lista de singles del Reino Unido .

★ Regular

En “Breath Again” el fatalismo de quien una vez ha sido arrojada de la vida de su hombre prolifera en esta balada que fue la sensación entre los consumidores de R&B que ya estaban buscando nuevas divas en sus gustos personales. Admito que ni “Another Sad Love Song” ni “Breatj Again” satisficieron mis gustos musicales. Tanto una como la otra se me antojaban planas, sin alma, sin ese “punch” de una voz con ese potencial. De hecho “Toni Braxton” cobró vida cuando en una de esas brillantes tardes que sigo recordando em Houston, Martin y yo íbamos caminando por un parque cuando me dice Martín con total asombro: “...y la muy perra todavía sigue cantando. Tienes que escuchar esto”.

★ ★ Bueno

★ ★ ★ Muy bueno

Me pasa sus audífonos y le doy play a “Love Shoulda Brought You Home” y sí, ese interpretar me erizó la piel, esa canción fue total detonante para caer rendido a una intérprete que estaba naciendo de una forma descomunal, no había quien la parara. “Love Shoulda Brought You Home” es una explosión de voz, es un enfrentamiento a emociones provocadas por una Toni Braxton que sabe explotar cada frase de una canción que fue escrita para Anita Baker pero que, por cuestiones de egos, vino a caer en boca de una Braxton espléndida, brillante y con unos alcances que la misma Toni desconocía. En las baladas que hablan de amores rotos y desquiciados, se podría decir que ya todo está dicho, pero siempre hay nuevos caminos que explorar para no caer en lo repetitivo y en “ Shoulda Brought You Home” lo encontramos en ese incesante reclamo para quien no sabe amar en tiempo completo y sólo busca mentiras para echar a un lado a quien se hartó de compartir con otra sus quereres. El estupendo y dramático juego de voces que permite Toni profundizar, aunado a ese estribillo tan sensual, hacen que “ Shoulda Brought You Home” sea una canción memorable. “ You Mean the World to Me “ y “ Seven Whole Days “ se lanzaron como singles con mucha suerte, ambas son baladas increíbles con interpretaciones tan sofisticadas, elegantes y conmovedoras a morir. Después de su álbum debut, Toni alcanzó la gloria a nivel mundial con “Un-breake my heart”, realmente su último gran hit, aunque lanzó espléndidos álbumes que no fueron tratados como se merecían. Los malos manejos en su carrera la llevaron a bancarrota y ahora deambula como tantas, en busca de lo que tuvo a manos llenas: fama, dinero y éxitos tras éxitos, aunque ninguno como “” Shoulda Brought You Home”, mi eterna favorita.

★ ★ ★ ★ Excelente

MÚSICA

EDICIÓN ESPECIAL DISCO CRÍTICA

AST...

¡Poderosa! Título del disco: “Sin él” Artista: Marisela Género: Pop Año: 1984 Calificación: ★ ★ ★ ★

Michael Quaid

o cualquiera puede presumir vender más de 41 millones de discos. No cualquiera puede presumir colocar en los primeros lugares de la revista Billboard los 10 temas de un álbum debut. No cualquiera tiene el carisma, la voz, la sencillez y el talento de Marisela“Sin él”, (1984) llegó al mercado justo cuando la gente salía a comprar discos. Justo cuando la gente se sentaba a ver “Siempre en Domingo” para conocer las novedades discográficas. Justo cuando estaban cayendo las estrellas del cielo y había que competir con ellas. Y Marisela con toda su inocencia, llegó con un disco noble, con un álbum debut “redondito” para impactar. Y llegó para quedarse y hacer historia. Porque cundo se habla de la balada pop de los 80´s, sería imperdonable no hablar de Marisela y su aportación musical de gran valía y de una manufacturación de primera línea. “Sín él”, producido en su totalidad por Marco Antonio Solís, tenía a su favor, en comparación al de sus colegas, un sonido algo “country” que fascinaba, era como estar escuchando a Lisa López, pero más sofisticada. Tenía la frescura de una cantante con una tesitura y estilo inconfundible. “No puedo olvidarlo” desde su primera tocada en la radio, la gente quedó atada a esa voz con lágrima que sabía llegar al corazón de quien la escuchaba. “No puedo olvidarlo” fue tan sólo un

gentil pretexto para conocer después “Sin él”, aunque mi memoria me dicta que, en ese entonces, la radio se hizo “bolas” porque unos tocaban “No puedo olvidarlo” y otros “Sin él”. La claridad y fuerza de su canto era imposible que pasara desapercibida y “Sin él” es la prueba palpable, una canción dibujada para explotar al por mayor el torrente vocal de una cantante muy joven, muy bella, algo tímida, pero segura de saber hacía donde dirigir su arte en el canto. “Sin él” es un himno a la soledad, pero proyectada desde un ángulo dramático mesurado, sin caer en excesos de gritos desaforados. De hecho, este álbum se distingue por eso, por tener baladas muyyyyyyyy románticas, muy de “cenicienta” y pocas de despecho; todo aquí ronda sobre el amor en situaciones tranquilas y en soledades que no matan, pero que desestabilizan el corazón. “La pareja ideal” a dueto con Marco Antonio Solís es pura miel derretida y por esas andamos con “El chico aquel” y “Dios bendiga nuestro amor”. “Vete mejor” y “Prefiero ir sola”, esta última con una guitarrita que huele a campo, están formidables. Tengo fijación enfermiza con la dicción en los y las cantantes y siempre agradeceré que maticen fuerte y claro, por ello, en “Prefiero ir sola”, desde la primera vez que la escuché adoré ese perfecto registro vocal que al paso de los años Marisela a pulido al máximo. “Vete mejor” es linda, con arreglos muy a las Wilson Phillips. Y como dice Vanessa Williams, “guardo lo mejor para el final” y es, sin duda, para “Si no te hubieras ido”. Me faltarían palabras para decir todo lo que encierra esta canción, todo un torbellino de recuerdos agridulces, más agrios que dulces. “Si no te hubieras ido” llegó en momentos intensos de la balada en

México. De toda su discografía, que me la sé de pe a pa, “Si no te hubieras ido” apuesto a ganar que es la máxima creación de Solís como compositor y Marisela como intérprete. Es de esas piezas musicales que te sacuden, te agitan, te hacen más vulnerable y que cuando la escuchas, estás en un llanto ahogado, pero con la firme convicción de que gozas de una canción suprema con una intérprete igual de suprema. “Si no te hubieras ido” es de esas canciones en un millón que la tienes que escuchar en su versión original, con la cantante original, todo lo que se haga

con ella fuera de la voz de Marisela, suena a broma. Hablar del pop, del buen pop bien hecho, es hablar de una artista que con talento y belleza se ganó el corazón de más de 50 millones de fans que a la fecha ha ido creciendo para abrazar esa historia musical que no para y que hoy sigue más fuerte que nunca, porque Marisela va más allá de una época, Marisela ES la cantante de todos los tiempos y sus innumerables éxitos internacionales así lo dejan en claro. Ahhh y me pierdo en esa portada que atrapa la virginidad de lo más puro y bello que habitaba en su corazón en ese entonces.

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MEMORIES FROM THE PA ¡Recuerdos que estremecen! Título del disco: “Memories” Artista: Barbra Streisand Género: Pop Año:1981 Calificación: ★ ★ ★ ★ y dos más ★ ★

Michael Quaid

Qué aporta Barbra Streisand a la música? Pureza vocal, pureza interpretativa y pureza en despertar los sentidos con tan increíble don que Dios le regaló: una voz perfecta. “Memories”, (1981) es tan sólo una “probadita” de lo mucho que le ha aportado Barbra a la música. “Memories” es un puñado de canciones de alto calibre. “Memories” es un álbum indispensable para todo aquel que se jacte del buen gusto por la música universal. “Memories” no es un disco recopilatorio de éxitos. “Memories” es un álbum de las baladas consentidas de ella, de Barbra. Este disco fue lanzado en 1981, poco después del estruendoso y apabullante éxito de “Guilty”, que le produjo Barry Gibb. “Memories” es un trabajo musical arrebatador que abre justo con el tema que da título a este álbum, una pieza extraída de “Cats” en la que la fuerza vocal de Barbra es impresionante, es perfecta, es emotiva e inolvidable. La fusión de la orquesta con su voz es paralizante, de un delirio sin igual. Cuando se habla de duetos, hay que remontarnos a “You Don’t Bring Me Flowers” con Neil Diamond, qué manera de ensamblar las voces, qué manera de fundirse en uno para alcanzar la destreza de una comunión interpretativa de grandes alcances. Estos son duetos, no los que se hacen ahora, a distancia y muchas veces con letras insulsas y mediocres. Si alguien sabe estrujar y zarandear sentimientos, esa es Streisand y si no me cree, atienda ese ir y subir de emociones en “My Heart Belongs To Me”, de mi top 5 de su peregrinar en la música. Amo los coros, son bellos, dulces y contundentes. “New York State Of Mind” de BillyJoel, sigue impac-

★ Regular

tando por su belleza musical, ese Sax adorna deliciosamente la voz rebelde de Streisand. La leyenda que encierra “No More Tears (Enough is Enough)” es fabulosa: “es que Donna le tiene envidia a Barbra”, “es que Barbra quería las notas más altas que Donna”, “ es que una quería brillar más que la otra”. Lo cierto es que esta canción producida por Giorgio Moroder en 1979, jamás fue cantada en vivo por ambas, jamás le dieron promoción en conjunto, pero el tema, por poderoso de nacimiento, fue un total acontecimiento en las plataformas del pop, del disco, del soul y del R&B. Dueto como este, donde dos divas con voces privilegiadas y con el mismo rango vocal, no se ha vuelto hacer, porque en “No More Tears (Enough is Enough)” hay LETRAS, hay dos DIVAS del canto y hay un GIORGIO MORODER que supo ablandar egos y domar pasiones para que este tema sea prueba de que a dos REINAS en un estudio de grabación se les trata así, con respeto y con una canción a la altura de ellas.

★ ★ Bueno

★ ★ ★ Muy bueno

Hay cátedra de interpretación en “”Comin ‘in and Out of Your Life”, y sigue tan conmovedora como hace más de casi cuatro décadas. Lo que se debe señalar en “”Comin ‘in and Out of Your Life” son esas notas que alcanza sin esfuerzo alguno, ésos bajos y altos que a capricho le sienten de maravilla. Una vez más, los coros son una delicia. No hay palabras justas para resaltar lo sublime que es “Evergreen”. Este tema, compuesto por Paul Williams pata la cinta “A star is born”,(1976) tiene una historia de premios fantástica. Ganó el Óscar a la mejor canción original . Barbra Streisand pasó a ser en la primera compositora en recibir el premio. Se adjudicó el Grammy a la mejor canción de dicho año. “Evergreen” forma parte de la popular lista de las 100 canciones más representativas del cine estadounidense que realizó la American Film Institute en el año 2004, en la que se sitúa en el puesto número 16. “Evergreen” es lo más puro y perfecto que ha interpretado y en vivo la explota de manera genuinamente perfecta “The Love Inside” es una versión regrabada que le dio aún más sentimiento a su letra. No podía ser de otra manera, este álbum cierra con ese tema que al paso del tiempo se fortalece como un roble: “The Way We Were”, de la película del mismo nombre. “The way we were”, (1973) cinta que dirigió Sydney Pollack , protagonizada por Robert Redford y la misma Barbra Streisand), tiene decenas de versiones, quizás la más cercana sea la de Gladys Knight & the Pips , pero cuando la señora Streisand la canta, hay que callar y disfrutarla. El valor agregado a “The way we were”, que también ganó un Óscar a mejor canción, es que, en tan sólo 3 minutos con 29 segundos, Barbra no sigue llenando de ese anhelo de reflexión, de ese anhelo de arañar el pasado para recordar cuando se reía y se amaba “tal como éramos”. “The way were” marca un antes y un después de una diva que está en peligro de extinción al ya no querer hacer conciertos por temor al bullicio…y a las multitudes.

★ ★ ★ ★ Excelente

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EDICIÓN ESPECIAL DISCO CRÍTICA

AST...

Una cantante muy incomprendida Título del disco: “Quiero tu vida” Artista: María del Sol Género: Pop Año: 1982 Calificación: ★ ★ ★ ★

Michael Quaid

aría del sol es de sencillos, no de álbumes. A la que un día fue ganadora de la La Voz del Heraldo en 1979 le faltó una disquera con visión, con ganas de invertirle a ella, a unas de las intérpretes más poderosas de la música pop en México. Siempre la recordaré con “Barato”; “Quiéreme de frente” y el dueto con Jorge Muñiz, “No prometas lo que no será” y su participación en el OTI, con el tema “Contigo y con el mundo”: ¿Qué pasó en la carrera de María del Sol? Ni ella misma lo ha de saber, pero lo que sí es cierto es que esa voz tan camaleónica en México nadie la tiene. Siento que fue demasiado cantante para un sello discográfico que pensaba en “chiquito”. “Quiero tu vida” (1982) es su segundo disco en forma. De este álbum sólo se salvó “Quiero tu vida”, un single más que suficiente para impulsar la carrera de esta flamante interprete. En Monterrey, “Quiero tu vida” estuvo por meses en primer lugar, pero por desgracia no hubo seguimiento. Rondaron tímidamente “Porque se parece a mí”, y “Tengo miedo de ena-

morarme de ti”, pero ninguno con la fuerza de “Quiero tu vida”. “Porque se parece a mí” pudo haber escalado más, mucho más, pero no le pusieron “ganitas”. Lo dejaron morir. “Amor de media noche” es incompresiblemente suave, con una letra fuerte y llegadora; también merecía ser cara “A” del disco y si lo fue, se perdió en la nada. “Fantasía” es de una “personalidad” increíble y María canta uffff....como nadie. . “Te amo” está a tonos bajos, muy bajos que no le va a María del Sol, ella es un huracán desatado. “Puedes irte si quieres” es disfrutable y aquí es donde se despunta como lo que es, una intérprete de agallas. Me gusta esa manera de “vocalizar” en “Desde hoy he decido”, me gusta la letra, me gusta cómo se planta ante una balada bien estructurada. “No llores vida, no llores más” es “ñoña” a morir, pero debo aceptar que “Mientes” es de esas canciones que merecían estar en las listas de popularidad, de esas rolas que sólo una voz como la de María del Sol la pudo haber elevado a ese dramatismo fabulosamente dramático y extraordinario. “Mientes” es del maestro Roberto Cantoral hecho a la medida de una maestra del canto. Como álbum, “Quiero tu vida” era un desorden en sonidos y en interpretación; no había un concepto establecido, pero como singles, había muchos por rescatar. En 1986, con “Un nuevo amor”, María del Sol abrazó el éxito, un éxito que por azares del destino no supo cuidar.

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MEMORIES FROM THE PA Exótica, sensual y elegante Título del disco: “Four Seasons of Love” Artista: Donna Summer Género: Disco Año: 1976 Calificación; ★ ★ ★ ★ y dos más ★ ★

Michael Quaid

ólo Giorgio Moroder y Donna Summer fueron capaces de tener el ingenio para conceptualizar un álbum como “Four Seasons of Love”, tan exótico, sensual y elegante. “Four Seasons of Love”, (1976) es el cuarto álbum de esta brillante cantautora estadounidense, un álbum que narra de manera inteligente la historia de un amor que va de lo inocente a lo desalmado, todo ello entrelazándolo con las cuatro estaciones. El disco está dividido en cara “A” y cara “B”. La cara “A” es un himno a la primavera con “Spring Affair y un abrazo furtivo al verano con “Summer Fever”. El otoño se proyecta en el lado “B” del álbum con “Atumn Changes” y lo crudo de un invierno está plasmado en la desoladora “Winter Melody”. “Spring Affair”, es una pieza disco, indispensble en el “Studio 54”, que habla de un amor muy primaveral, de un amor que va naciendo; aquí, la letra es casi nula, lo que hace de esta canción una joya es la música y la desbordante sensualidad con la que Donna Summer canturrea una y otra vez “Ooh, the feeling’s getting really strong. Ooh, gives me strength to carry on, I’ve fallen, I’ve fallen...” En verano el amor llega a sus últimas

★ Regular

consecuencias carnales y eso queda plasmado en “Summer Fever”, con ese sonido tan extravagante y perfecto y ella, con una voz tan de soprano. Musicalmente, es la canción perfecta de “Four Season of Love”, alcanza un clímax fascinante tanto en música como en interpretación. La otra cara del disco es más palpable el dolor de un sentimiento herido y abandonado, de un amor que está en su fase terminal y en “Autumn Changes”, con esos ritmos caribeños, la intérprete lo pone de manifiesto a base de un constate fraseo en el que apunta que los cambios de otoño no favorecen una relación que día a día muere. La conexión inmediata de “Autumn Changes” con “Winter Melody” es palpitante e inolvidable, extrañamente, con una balada, nada propia en el camino musical de Donna, la cantante narra a punto del llanto la historia de un amor que se va dejando tan sólo una melodía invernal como recuerdo. “Winter Melody” que se cuenta de una manera que duele y lastima “Winter Melody” es la única canción de “Four Season of Love” que tiene una historia desarrollada en su letra, es una canción ambientada con ese aire frío que impera la estación del año y con unos puentes musicales tan desoladores como la misma impactante interpretación de Donna Summer. El reprise de “Spring Affair” con la que cierra el álbum es únicamente para devolvernos un poco la fe del amor que se perdió a lo largo de este trabajo conceptual y estupendamente bien equilibrado. El arte de la portada, donde Donna

★ ★ Bueno

Summer está sentada en la luna y la contraportada, que recrea la famosa escena de Marilyn Monroe de “The Seven Year Itch” con el ondeante vestido blanco sobre la rejilla del metro son una verdadera obra de arte fotográfica. Vendría después quizás álbumes más sofisticados como “Bad Girls” y “On the radio”; con más fama mundial y más sencillos electrizantes, pero nin-

★ ★ ★ Muy bueno

guno de ellos posee la sensibilidad y pureza de un “Four Seasons of Love” en el que cada estación del año se tenía que vivir con esa voz tan perfecta y acariciante al oído, en un época en la que todas las representantes de la música disco eran cantantes de estudio, con canciones pasajeras y desechables, hasta que llegó a quien se le conoció como “The First Lady of Love”: Donna Summer.

★ ★ ★ ★ Excelente

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EDICIÓN ESPECIAL DISCO CRÍTICA

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“A donde quiera...” yo te sigo Lila Deneken Título del disco: “Se solicita una aventura” Artista: Lila Deneken Género: Pop Año: 1980 Calificación: ★ ★ ★ ★

Michael Quaid

rfeón como sello discográfico era una basura. No trataba bien a sus artistas. Los metía literal a un cuarto de baño y ahí grababan sus

discos. Cero calidades, cero niveles. “Se solicita una aventura” de Lila Deneken, es un disco con temática fuerte, con temas de Roberto Cantoral y Lolita de la Colina, sin duda, ella, como el álbum, merecían estar en las grandes ligas en todos los aspectos, no en Orfeón, eso no está a discusión. Como intérprete, Deneken fue... ¡ y es suprema! Esos alcances vocales. Esa estupenda manera de colocar la voz. Y esa entrega interpretativa no cualquiera la tenía en los 80´s y menos ahora. “Se solicita una aventura” es un mosaico de sentimientos encontrados, es un torbellino de pasiones, es un trabajo de estudio con temas fuertes, para mentalidades muy abiertas. De Roberto Cantoral está “Te reto. (En busca del paraíso)” un track inquietante, poderoso en interpretación y es de esas piezas que hablan de alcobas, de amantes, de quereres atrevidos sin caer en la vulgaridad. “Te reto a mi alcoba, testigo de lo nuestro, donde saldremos sin resenti-

mientos, como amigos quizás o más que amantes...”, ¿qué tal? Me encantan los tímidos arreglos de Chucho Ferrer en “Que no te vaya a sorprender” de la magnífica pluma de Lolita de la Colina, un poema hecho canción. Lila tiene la virtud de poseer una voz llena de color, de matices variantes, como los debe tener todo cantante y en “No te vaya a sorprender”, esa lágrima al cantar es adictiva, la puedo escuchar una y otra vez y gozarla de igual o más manera. “No hay vacante”, también del maestro Roberto Cantoral es un single muy a la D´Alessio pero interpretado con un sello muy Deneken; elegante y de altura. “Se solicita una aventura” , que en 1980 ganó el segundo lugar en el Festival OTI , fue una canción muy bien recibida por el público, pero no fue suficiente para quien ,en 1981 fuera la primera artista latina en presentar un espectáculo en el Sporting Club de Montecarlo como vedette. Sue y Javier le dieron “Yo quiero ser más que eso”, qué bello la canta y Lolita de la Colina vuelve a la carga con un potente “Pero yo volveré”. “Que fácil es decir (que me perdone tu señora)”, supongo que es la respuesta a “Que me perdone tu señora” de Manoella Torres; la amé y la sigo amando, no tuvo el impactado deseado, pero dio pelea en la radio. Por algo se ganó el slogan de “La número uno, uno, uno...” en los centros nocturnos con su show muy a Las Vegas, cantando fastuosamente “A donde quiera”, quizás, para la mí, el tema que marca toda su historia musical.

“A donde quiera” es como “El Triste” para José José, “Mudanzas” para Lupe D´Alessio y “Señor amor” para Dulce. “A donde quiera” es un tema fuerte que necesitaba de una voz y temperamento como el de Lila para tocar fibras e inquietar corazones solitarios; mientras más la escucho, más me seduce. Los arreglos son deliberadamente dramáticos para darle la fuerza necesaria a ese canto tan agónico como fiero. Lila va más allá de “Por cobardía”.

Lila va más allá de ser una cantante de “catálago”. Los escenarios reclaman a esa Lila Deneken en potencia. Los estudios de grabación están ávidos de tenerla ahí, poniéndole voz a temas de gran talla. El público la extraña, pero en solitario. Porque yo, al igual que sus miles de fans, “A donde quiera” que Lila Deneken vaya, la acompañaremos con los ojos cerrados, ¿o no Tony Graham?

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MEMORIES FROM THE PA ¡De esas leyendas en la música que ya no hay! Título del disco: “Mariah Carey” Artista: Mariah Carey Género: Pop/R&B Año: 1990 Calificación: ★ ★ ★ ★ y dos más ★ ★

Michael Quaid

esde hace muchos años, Mariah Carey bien se pudo haber retirado del negocio de la música y vivir como una diosa esta y tres vidas

más. Es de las pocas cantantes que ha tenido la habilidad de trasformar su canto en negocio redituable, altamente redituable, todo lo que ella canta se convierte en oro. Pero no todo fue así, al igual que muchas de sus contemporáneas, la sufrió y mucho. ¿Cuál fue la diferencia entre Mariah, Whitney, Toni Braxton y demás damas de la canción? En que Mariah sí tuvo “Vision of love”. Esa voz que acaricia sin problema alguno un rango de cinco octavas, llegó a la industria de la música con su álbum debut titulado simplemente “Mariah Carey”; estamos hablando de que este álbum lo lanzó un 12 de junio de 1990. Este trabajo de estudio la llevó a la cima del éxito a nivel mundial, logrando con ello importantes premios de la industria y fue, sin duda, el que le valió construir ese mote de “leyenda” viviente del pop. Mariah canta con suma intensidad y

★ Regular

su propuesta a capricho navega entre el soul, gospel, r&b y el pop en toda su pasión y prueba de está “Vision of Love” el primer corte que la dio a conocer. “Vision of Love” tiene ese toque de magia que atrapa y cautiva con esa extensión vocal que impacta, es un corte vibrante y emotivo. “There´s Got To Be a Way” es punto y aparte del resto de las 10 canciones, no es tan dramática como “Alone in Love” y “You Needed Me”. La técnica vocal de Mariah se sostiene en “Prisoner” y en la tan amada ““Vanishing”, con ese góspel excitante que tanto gusta a la también ex de Luis Miguel. “Someday” va por el camino que le ha funcionado más a Mariah, entre el pop/dance, pero siempre ofreciendo esa calidad vocal que impresiona hasta a una piedra “Sent From Up Above” sobre sale por ese ir y venir del R&B con un toque sexy de la música disco que imperaba en los 70´s. “Mariah Carey” en resumidas cuentas es un álbum con baladas creativas que van del dance pop , R&B hasta un bello góspel que le permite presumir sus alcances vocales. Y cada vez que escucho este, su álbum, debut, me estaciono en dos de sus más grandes creaciones hasta la fecha, sufribles como inmortales, “I Don´t Wanna Cry” y “Love Takes Time”, la canción favorita de Tommy Mottola, aquel hombre que la tenía como una verdadera reina, en una jaula de oro. .

★ ★ Bueno

“I Don´t Wanna Cry” es un suculento manjar a los oídos, esa destreza para bajar y subir tonos, esa magia para atrapar la melancolía y esa habilidad para alcanzar el cielo en ejecuciones vocales de diosa, conmueven hasta lo más profundo. Y si hablamos de himnos al amor y

★ ★ ★ Muy bueno

desamor, basta con llegar a “Love Takes Time” para entender el por qué Mariah se convirtió a tan temprana edad en toda una leyenda del llamado pop inquietante y de clase, del que la nueva ola de seudo cantantes se ha encargado de aplastar y minimizar.

★ ★ ★ ★ Excelente

MÚSICA

EDICIÓN ESPECIAL DISCO CRÍTICA

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¡Íntimo y poderoso! Título del disco: “Entre tú y yo” Artista: Rocío Dúrcal Género: Pop Año: 1983 Calificación: ★ ★ ★ ★ y dos más ★ ★

Michael Quaid

“

Entre tú y yo” (1983) no es un disco para escucharse cuando andamos trapeando, cocinando o lavando los trastes. Este disco, el segundo realizado una vez más por el compositor y productor español Rafael Pérez Botija, es para disfrutarse bajo el embrujo de una copa de vino tinto, a luz tenue y casi al amanecer. “Entre tú y yo” es un álbum íntimo, poderoso, con letras fuertes que hablan de suicidios, de amores imaginarios, de relaciones devastadoras, de situaciones que sólo alguien como Pérez Botija es capaz de desarrollar con ingenio, destreza y con una habilidad increíble, sólo él y nadie más. De no saber que existe “Confidencias” ese espléndido trabajo de estudio también manufacturado por Pérez Botija, el rey midas de las tragedias musicales, juraría que “Entre tú y yo” es el disco más perfecto que he escuchado en una cantante de habla hispana. En este, su decimocuarto álbum, la cantante española fue estupendamente bien dirigida y encausada con canciones creadas expresamente para una voz y un sentimiento fuera de serie. La mancuerna Dúrcal/Pérez Botija era extraordinaria; de “Entre tú y yo” se consiguió disco de Platino y disco de Oro en México, en España fue otra historia. “Entre tú y yo” se grabó en los Estudios Casa de la Luz, de Los Ángeles, California, y las Torres de Sonido, de Madrid bajo la realización y producción de un Rafael Pérez Botija agudo, mordaz, irónico, cruel, ácido, pero siempre con una pluma certera a la hora de contar historias de amores contemporáneas. De primera mano sé que, para Pérez Botija, Rocío Dúrcal era su musa por excelencia, por ello, para tenerla más tiempo en los estudios de grabación, le ponía notas de alto grado de dificultad casi imposible de conseguir. Desde que el álbum abre con “Jamás te dejaré”, sabemos que la tónica del productor va enfocada a la mujer que ruega, que se maltrata y humilla para

conseguir ser amada. “Jamás te dejaré” es brillante en interpretación, con una letra nada ácida y unos arreglos tan conservadores que enaltecen esta canción. La invitación para escuchar “Tú sí que sabes amar” es inevitable y es aquí cuando Rafael Pérez Botija saca la garra interpretativa de una Rocío que, sin aspavientos, se arrastra por los suelos tan sólo para conseguir las migajas de un amor que no se la da. El estribillo fustiga con fuerza y redondea con “Soy una tonta que no sabe a dónde va, un alma en pena, un perrillo sin collar, en cambio tú, sí que sabes amar” y si a eso le aunamos unos arreglos tan paralelos a “Pájaro herido” de Dulce, esto se convierte en algo espectacular. Ya encaminados en amores frustrados, caemos en la estrujante “Nos hemos vuelto locos”, ese relato cargado de odios y de iras contenidas. El encanto de Rafael Pérez Botija como productor y compositor de “Entre tú y yo” es que encontró el punto exacto en cuestión de interpretación de Rocío, jamás la llevó al drama barato ni a lo exasperante de una balada sosa y estúpida, aquí se habla del suicido de una manera seca, dura, sin maquillaje y de eso

trata “Tú foto en la pared”. No me atrevería a decir que “Tu foto en la pared” sea el single mejor logrado de este disco, pero lo que sí apuesto es que es el tema que encierra la magia de reunir a un magnífico compositor y una cantante que alcanza la gloria a la hora de interpretar. “Tu foto en la parad” traza el mismo camino de “30 de febrero”, también de Pérez Botija que grabó Pablo Abraira y Dulce en 1977 y que habla del suicidio de una manera en que el arsénico y de la prisa por llegar al mundo del edén son fundamentales para ser “feliz”: “Después de un corto viaje por la noche, descansaremos junto al abrigo del sitio donde nace verde el trigo mi querido amigo arsénico. Corre, corre por favor o no tendré valor para morir amándola, voy al este del Edén amigo mío ven, para esperarla allí...” En “Tu foto en la pared” el asunto se trata de una manera un poco más “poética”; “Mañana hallarán mi puerta abierta, mi cuerpo caído donde esté, mis ojos igual que si te vieran, clavados en tu foto en la pared. Que suban esa música, que bajen esa luz porque Marieta está cantando “Bailemos otra vez”, toda una perla carísima en este LP. “Bailemos otra vez” es como ese bello vals para estar en brazos de quien de una y otra manera, al llegar el amanecer, se irá en la complicidad de un adiós retenido, imposible de decir con palabras. Desde el “¿Qué pasó, que de repente fuiste otro para mí…”? “Yo no sirvo para ti” se quedó como mi gran favorita de “Entre tú y yo” y lo destacable de este tema es que es ella la que juega el rol de “maldita”; te desconozco Botija. A estas alturas, “Entre tú y yo” ya se convierte en un disco de historias cada vez más hirientes, más crudas y más sensatas, pero no por ello menos agrías y ahí está “Limosna de amor”, de quien gusta de estar como el mendigo, implorando al grado de la humillación para estar con quien ya no quiere continuar. No encaja en este concepto, pero se agradece algo como “Amor, no gracias”, tan alegre y optimista. “Fruta verde” es un juego de palabras en la que la ofendida le reclama a su pareja que la está cambiando por alguien más joven. La letra es una maravilla y la vocalización de Rocío exquisita. No me gustó ¿Por qué será? para el cierre de “Entre tú y yo”, el mejor álbum de una cantante que decidió cambiar el “caviar” por las “garnachas”.

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MEMORIES FROM THE PA ¡Murió en el intento! Titulo del disco: “Just Whitney” Artista: Whitney Houston Género: R&B/Pop Año: 2002 Calificación: ★ ★

Michael Quaid

uando compré “Just Whitney” y lo escuché en mi carro manejando de la carretera Laredo/Monterrey, intuí que este álbum era el adiós de la que un día llegó a ser a nivel mundial, “La niña mimada del pop”. Se me hizo un nudo en la garganta conforme avanzaba el disco. No podía creer lo que estaba escuchando. Me resistía a asumir que mi diosa de la música pop estaba en franco declive vocal. “Just Whitney”, (“2002”) es un álbum pobre en todos los sentidos, es un disco gris, sin sentido, pleno de canciones insulsas y de interpretares que van de modestos a malos, muy malos. Es un disco hecho con odio hacia el mundo, hacia su vida, hacia su deplorable situación matrimonial que estaba atravesando, es un disco hecho con una furia contra la prensa que una vez la encumbró y después se burló de ella hasta arrojarla al olvidó. Ni por asomo “Just Whitney” tiene el brillo de sus dos grandes álbumes, “Whitney”, (1985) y “Whitney Houston”, (1987)y mucho menos tiene el encanto de “My Love Is Your Love”, (1998). “Just “Whitney” no debió salir al mercado, no de esta manera en la que Houston exhibe una voz sin luz, sin color, “añeja” y ausente de alma.

★ Regular

Desde la letra de “One Those Day” el primero de la tanda, sentimos a una Whitney cansada del mundo, harta de los reflectores y su canto es suave, sin riesgos. Sin duda, “Tell me no” está dirigida a Bobby Brown, al marido que aparentemente sólo la criticaba y no la dejaba avanzar; “Criticas mis acciones, pero no te veo en mis zapatos”, canta una desesperada Whitney. El valor de “Tell me no” es esa guitarra que opaca la voz de Houston. El reclamo directo a la prensa que miente sobre su persona y se burla de sus fracasos está implícito en la repetitiva “Watchulookinat”, una canción mediocre y sin creatividad. “Just Whitney “ es el quinto trabajo de estudio en el que incluye la insufrible “My Love” a dueto con su marido Bobby Brown. “Dear John Letter” sonó por ahí, en alguna discoteca perdida en los suburbios de Nueva York, pero se nota que Whitney no le puso corazón en su canto. Las baladas son su poder celestial, así lo ha marcado años atrás en “Greatest love of all”, “Didn´t we almost have it all?”, “I will always love you” y “I have nothing” y pensé que en “Try it on my own” y “You light up my life” encontraría esa llama que jamás encendió en el trascurso de “Just Whitney”. Al escuchar “Try It on my own” caí en un llanto ahogado, me preguntaba una y otra vez qué había pasado con ese regristo vocal que puso al mundo a sus pies. “Try it on my own” es una lucha angustiante por conseguir lo perdido, por lograr aquellos alcances que dominaba con la mano en la cintura.

★ ★ Bueno

“Try it on my own” lo acepto, me partió en dos al percibir esa lucha de Whitney por volver a deslumbrar, sin conseguirlo. “You light up my life” es tan decepcionante como conmovedora, provoca sentimientos encontrados y ya para que se extrañe la versión insulsa de Debby Bonne, está cañón. “You light up my life” proyecta a una Whitney tratando de conquistar lo

★ ★ ★ Muy bueno

que alguna vez tuvo a manos llenas y lo dejó ir…lo que alguna vez fue perfectamente brillante y por lo que al paso de los años lucho por ello, hasta el último suspiro. Por supuesto que “Just Whitney” no es el mejor álbum de su carrera, pero nadie podrá negar que es el álbum con el que Houston murió en el intento de volver a ser “la niña mimada del pop”....

★ ★ ★ ★ Excelente

MÚSICA

AST...

EDICIÓN ESPECIAL DISCO CRÍTICA

Sin Rafael Pérez Botija... ¿el ocaso de Dulce? Disco Critica Título del disco: “Lobo” Artista: Dulce Género: Pop Año: 1985 Calificación: ★ ★ ★ ★ y dos más ★ ★

Michael Quaid

sí como ahora el escándalo son las declaraciones de la hija de Alejandra Guzmán. Así como ahora el escándalo se mide de acuerdo a los “acostones” de los seudo cantantes. Así era en los 80´s, pero en otro nivel, en otro rubro y en otra categoría. El escándalo que ocupaba los titulares y encabezados de revistas y periódicos en los 80´s era...”Dulce regresa a la música sin Pérez Botija”... “¿Será el ocaso de Dulce sin su mentor de cabecera?”, “¿Podrá Dulce superar “Heridas” y “Tu Muñeca”? El escándalo era mayúsculo. Dulce abandonaba a quien la había lanzado a terrenos insospechados de la música con verdaderas obras musicales, todas en ventas millonarias y en números uno en el país y en el extranjero: “Heridas”, “Cara a cara”, “Déjame volver contigo”, “Échame la culpa a mí”, “Cuál de los dos”, “Tu muñeca”, “Hielo”, “Fui demasiado fácil”, “Pájaro herido”, todas de Rafael Pérez Botija, su mentor de cabecera. Y ya sea por ahorrar costos o por buscar nuevas propuestas, Dulce se pone en manos del productor argentino Luis Mircoli, en ese entonces su esposo y de esa unión surge “Lobo”, un álbum que de inmediato eclipsó en ventas a “Heridas” y “Tu Muñeca”, cosa inaudita pero cierta. La fórmula Dulce/Mircoli resultó mucho más de lo que la propia interprete y su disquera Melody habían dimensionando. A la primera semana de lanzamiento, “Lobo” ya le estaba dando guerra a cantantes de talla mundial como Miguel Bosé con su “Amante Bandido”, Alaska y Dinarama y su “Deseo Carnal”, Olé, Olé y su “Voy a mil”. Entonces, “Lobo” estaba en territorios duros de conquistar y difíciles de vencer, pero poco a poco, las argucias de ese “lobo que siempre ha vestido piel de oveja, que acecha, que mima, que muerde, que besa y se va”, escaló los primeros lugares en las principales listas de popularidad. La radio amaba “Lobo”. La televisión reclamaba a Dulce para que la interpretara.

Las fechas en palenques y centros nocturnos interrumpieron la quietad de su hasta entonces plácida vida diaria. El lanzamiento de “Lobo” lo hizo en el programa “En Vivo” con Ricardo Rocha donde por única vez en toda su carrera cantó “Vencida”, “Para no morir de amor”, No te hagas tonto” y “Amor de Mentiras”. En “Lobo” quedó atrás la mujer que grita, regaña, señala y acusa de manera punzante y desgarradora; aquí, en este álbum, está quien, con un rango vocal más generoso y apabullante que en sus dos anteriores producciones, arremete contra el hombre de manera digna, con clase y sin caer en humillaciones desastrosas. De todos es sabido que “Lobo” de Jorge Macias Gómez es todo un suceso en la trayectoria de Dulce, pero “Lobo” va más allá de este tema, “Lobo” va a extremos impactantes en lirica e interpretación que poquísimas cantantes mexicanas han logrado explorar. En “Lobo” hay temas desafiantes y escritos para los alcances vocales de Dulce como “No te hagas tonto” del maestro Armando Manzanero quien en una ocasión me dijo “esa canción se la compuse a Dulce para que NO la grabara, porque nunca pensé que alcanzaría esos tonos que a trampas le puse...¡y los supero!”. “No te hagas tonto” explota y exhibe generosamente ese sentido musical que posee Dulce, y es, sin temor a equivocarme, la pieza que reta sus cualidades como cantante y como intérprete. “No te hagas tonto” tiene una letra de lujo compuesta con frases contundentes y de una fuerza explosiva. “Estamos a mano” de Amparo Rubí pudo haber dado mucho más como single, pero “Lobo” no se lo permitió, la aplastó y no dejó que ese reclamo de vanidades y adioses llegara a más. “Estamos a mano” tiene unos arreglos de sax que cobijan a una de las mejores interpretaciones de Dulce. “Soy una dama” de Luis Ángel y Marcia Bell, es comercial a morir, pero no por ello deja de ser un track de lo mejor de “Lobo”; aquí su voz se luce a plenitud y ese puente musical, un deleite al oído. Dulce para mí es “Ese cruel amor” y “Para no morir de amor”, ambas de Fernando Riba y Kiko Campos, ambas son melodías en las que se llega al clímax de la interpretación. Me gustaría ver a una María José o a una Edith

Márquez llegar al estrujante fraseo de “Ese cruel amor”, de tan siquiera llegar a ese temperamento vocal que a la par con el sax, logran una verdadera obra de arte musical. “Ese cruel amor” debe ser la joya preciada en el acervo musical de Dulce y siempre será una profunda lástima que jamás la ha cantado ni en vivo ni en ningún programa de variedades. Y si “Ese cruel amor” es la joya preciada, “Para no morir de amor” es la graduación con honores de una Dulce privilegiada en voz y privilegiada en trasmitir emociones, es la Dulce que llega a un rango vocal “a tope”, la que canta la desoladora venganza de una mujer que amó hasta el cansancio y que ahora ese amor se convierte en un frío recuerdo para no morir de amor. De Macias está “Amor de mentiras”, de una temática acusadora que le va de maravilla a esta sensual cantante. La de mejor fraseo, mejor interpretación y mejores arreglos es “Qué traidor”; qué manera de colocar la voz y qué manera de sin arrebatos plantear la problemática de un hombre que tiene “doble vida”. “Qué traidor”, de Amparo Rubí y Daniel Freiberg, es lo más elegante y sofisticado que le he escuchado a Dulce. “Ni me amas ni me dejas”, de la autoría de Amparo Rubí, Daniel Freiberg y Luis Mircoli, es un ejercicio válido de romper con la balada intensa; aquí hay para bailar muy al estilo de los 70´s. Dulce se estrena como co/compositora al lado de Daniel Freiberg y Luis Mircoli. en “Vencida”, la canción que cuando la cantó en “En Vivo” con Ricardo Rocha, el conductor de televisión quedó pasmado con esos altos en los que la tamaulipeca se luce una y otra vez y tuvo que pedirle que le cantara a capella parte de la canción para que el público comprobara la potencia de su voz. “Vencida” es un fiel pretexto en el cierre de “Lobo” para que Dulce demostrara a sus detractores que con o sin Pérez Botija, su carrera no se detuvo, al contrario, gracias a ese “lobo colmilludo”, el álbum conquistó el premio al Mejor Disco del Año en Nueva York, presea otorgada por la prensa especializada en música de aquellos lugares.

Edición Especial