Revista ajá! número especial Disco Crítica 3 by Ajá! la Revista

Manoella Torres Acéptame como soy 1984

Miguel Bosé Bajo el signo de Caín 1993

Flans Flans 1985

Sergio Fachelli Secretos 1981

Paulina Rubio Paulina 2000

Mijares Uno entre milr 1982

Rocío Jurado Rocío Jurado 1981

Luis Ángel Yo mismo 1982

Guillermo Méndez Guillermo 1983

Laureano Brizuela Solo 1986

Ednita Nazario A que no le cuentas 1982

Sasha Sasha 1987

Mónica Naranjo Mónica Naranjo 1994

Rocío Banquells Escucha el infinito 1990

Valeria Lynch Para cantarle a la vida 1985

Lucha Villa Lucha Villa Interpreta a Juan Gabriel 1997

Ana Gabriel Pecado Original 198y

Con las alas rotas 1980

Prisma

Edición Especial

¡INOLVIDABLES!

Edición Especial

¡Ya a la venta!

El nuevo libro de Miguel Ángel Arritola 02

MÚSICA

vEdición Especial

¡VOCES INMORTALES! on interpretes que siguen vigentes de una u otra manera Son cantantes que jamás pasarán de moda. Son artistas inolvidables

Hoy en día, es el mismo artista es quien, con soberbia, mata sus oportunidades de crecer, de permanecer, de hacerse de un nombre de respeto.

En los 80´s y 90s, el auge de la balada fue todo un suceso. No había reguetón, ni tanta “chatarra” musical. No había tantos artistas de fama “por un día”. Y los que existían, eran fáciles de detectar y así como llegaban se iban.

Creen que, con llenar estadios auditorios y otros recintos, ya son GRANDES ENTRE LOS GRANDES.

Era la época de los productores, de los directores musicales, de los y las intérpretes intensos, de los cantantes con garra, de las grandes apuestas. Había hambre entre los cantantes de llegar y de hacer historia. Había la necesidad de expresar sentimientos con letras pensantes, inteligentes, bien creadas, estupendamente escritas que exigían a la vez a cantantes de altura. ¿Será por eso que los 80s musicalmente jamás pasarán al olvido? ¿Será que los 80s dejaron la vara muy alta para las nuevas generaciones? ¿Será que ahora falta más vocación, entrega y ganas de hacer camino al andar? ¿Habrá quien ocupé los “zapatos” de un Luis Miguel, Napoleón, Miguel Bosé, Yuri, Dulce, Rocío Dúrcal, Mijares, Lucero, Ana Gabriel Guillermo Méndez, Angélica María, Lila Deneken, Tatiana, Lupe D´Alessio, Ricky Martin, Chayanne Amanda Miguel o Rocío Jurado...?

Hoy cualquiera puede llenar lugares. Hoy cualquiera puede ser famoso. Hoy cualquiera puede ser el cantante de moda. Hoy cualquiera puede ser tendencia, pero sólo eso, moda y tendencia. Mañana pasan al baúl del olvido. Hay raras excepciones de quienes llegan para quedarse. Hay raras excepciones de quienes luchan contra tanta mediocridad musical para no claudicar en la batalla. Porque todos llegan. Pero pocos se quedan. Muy pocos. Por eso los 80s y parte de los 90s seguirán siendo un mundo de nostalgia musical que no pasa de moda, un mundo de canciones que ya son como películas en la vida de miles y miles de personas que siguen y seguirán cantando esos temas que se escribieron y se cantaron para hacer historia... Una historia que hoy podemos recordar a través de estos fabulosos álbumes que están más vigentes que nunca.

MÚSICA

Edición Especial

MEMORIES OF THE PA Con las alas bien rotas Título del disco: “Con las alas rotas” Artista: Prisma Género: Pop/ranchero Año: 1980 Calificación: ★ ★ ★

e repente, en un terreno donde las cantantes eras “sexosas”, sensuales, atrevidas, con letras punzantes de camas, amantes y adulterios, llegó una mujer de figura muy diminuta y esbelta, muy esbelta, con un carisma aparentemente excepcional, con canciones “de color de rosa” y con una voz “pequeñita” que cantaba “Con las altas rotas” de una manera imposible de no amarla. La soberbia, el no poder manejare la fama, el dinero y el éxito la llevaron al retiro. Un cáncer en un seno que después se alojó en el hígado, la hicieron recapacitar que no todo en la vida es el poder y el dinero, ahora predica la palabra de DIOS. “Con las alas rotas”, (1980) repuntó en su carrera de manera espléndida. Un álbum pleno de optimismo, pero a la vez cargado de temas de amores y desamores cantadas muy al estilo de Prisma, sin pasiones alteradas ni abruptas interpretaciones. Su voz no daba para eso. El disco arranca con una casi infantil “Ya me pegó el amor” de la autoría de la propia Prisma y del argentino Javier Santos “Cat”, el creador de “1+12 enamorados”. “Ya me pegó el amor” es muy del sonido que traía Ricchi E Poveri en “Oh Chery Chery “. Me extraña que a la D´Alessio se le haya escapado “No te detengas”, muy de su escuela y de su temperamento. “Con las alas rotas” es, digamos, su

★ Regular

máxima creación, sin minimizar “Se me cansó el corazón”. Pero es que “Con las alas rotas” rompió esquemas, una balada con sonido medio ranchero fue maravilloso y algo novedoso en el panorama musical, aunque otras ya lo habían explorado, pero no con tan buena fortuna como esta cantautora. Y luego esa voz lánguida que muchos crucificaron pero que yo amé a rabiar. “Con las alas rotas” es de letra fuerte, directa y llena de derrota y no está por demás decir que le sentaba de maravilla. “Mamá” es dulce, es un canto de agradecimiento a quien nos trajo a la vida. Si “Amantes no” estuviera en boca de otra cantante se escucharía chocante, pero Prisma le da un sello de “carrusel”, como las tablas del 6. Igual sucede en “Mío”, pero aquí su voz si es un poquito, pero un poquito pasional, me gusta ese estilo de “canto, pero no canto”. En “No te vayas”, Silvia Tapia Alcázar, su verdadero nombre, se avienta un 10 en eso de darle enjundia a una canción de despecho. Para “cantinear” un rato está “Ámame lento”, este es el tipo de canciones que sabía explotar a la perfección y de las que sus miles de admiradores amaban. “Ámame lento” va de una poesía y de un lamento hecho canción, con ese mariachi pop que puso de moda. Cuando escucho esa maravilla de “En solo dos días” me pregunto por qué Prisma ya no siguió al menos con su faceta de compositora. Sé que su mundo ya no es “color de rosa”, pero su valía como letrista era a la par que como interprete, con todo y su voz pequeñita, pequeñita, como toda ella.

★ ★ Bueno

★ ★ ★ Muy bueno

★ ★ ★ ★ Excelente

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AST...

Michael Quaid

EDICIÓN ESPECIAL DISCO CRÍTICA

¡Ay, Ana Gabriel! Título del disco: “Pecado Original” Artista: Ana Gabriel Género: Pop Año: 1987 Calificación: ★ ★ ★

na de las carreras más sólidas de una cantante en México es la de Ana Gabriel. Esté o no en las listas de popularidad, es garantía de taquilla en los conciertos. Y es que no hay que negar que ha construido una carrera solida con éxitos constantes y consistentes. Ajena al “barullo”, a los escándalos y a las fiestas de las estrellas, Ana Gabriel ha seguido una línea de cantante que su único objetivo es hacer música y cantar. No se puede negar que ese estilo “raspadito” de cantar le valió estar entre el gusto del público. Y sí, es versátil. Es una cantautora con un talento innegable. Y sabe cantarle al pueblo. Sabe componer para las masas. Sabe mantener esa distancia entre lo popular y lo “populachero”. Es de las pocas cantantes que se va y regresa cuando se le antoja y sigue llenado palenques, auditorios y demás. “Pecado original”, (1987) es uno de sus primeros discos con los que la sinaloense se posesionó en un terreno musical muy competitivo. Su triunfo en el festival OTI con “Ay, amor” le dio el pase a seguir colocando hits como “Amor”, de sus joyas más preciadas y de las que más aman sus fans. En “Pecado original” aún no alcanzaba ese arte de componer, pero se

defendía muy bien y ahí está la prueba en “Amor con desamor”. Su voz es muy particular, “raspadita”, pareciera que batalla para cantar, pero es un sello propio y para muchos, magistral. La balada “Ay amor” con la que participó en la OTI es una de las canciones más poderosas en su repertorio. Los arreglos son imponentes y ella canta de una manera más limpia, sin “raspar” tanto su voz, “Pecado original” como single fue buena apuesta. Ya se veía a una Ana Gabriel con garra, con fuerza y con un imán para atraer masas. Con “Ven, ven” de Guadalupe Aurajo, Ana Gabriel ya apuntaba para no ser tan sólo una cantante comercial. “Ven, ven”, es una pieza que conmueve, que llega, ese lamento de dolor por ver el fracaso de tus padres como pareja: “Yo sé bien que esa muchacha es sencilla, más alegre que mamá y más bonita, y que es duro notarse crecer el otoño en la cien. Yo sé bien que esa muchacha es más joven que mi madre, está gastada y torpe sin embargo a luchado por ti por hacerte feliz” Al dolor Ana Gabriel le ponía buena música como en “Cruz y raya” y “Ven Cariño”. “Pecado original” era tan sólo un augurio de lo que vendría después con “”Tierra de nadie”, (1988) , “Quien como tú”, (1990) y “Luna”, (1993), aunque “Vivencias”, (1996) es lo mejor que ha lanzado. Ana Gabriel hoy no está vigente en el panorama musical, no hay éxito en puerta, pero mañana que vuelva, los escenarios, el público la estará esperando para que les cante “Ay, amor” como solo ella sabe hacerlo.

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Edición Especial

MEMORIES OF THE PA ¡Eres divina, Lucha! Título del disco: “Lucha Villa Interpreta a Juan Gabriel” Artista: Lucha Villa Género: Ranchero Año: 1997 Calificación: ★ ★ ★ ★

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Lucha Villa Interpreta a Juan Gabriel” es uno de los trabajos más exquisitos e impecables que produjera y compusiera Juan Gabriel. En Lucha Villa, “El Divo de Juárez “encontró a una intérprete de altura, a una cantante que arropó con clase cada una de sus canciones. Lanzado en 1997, “Lucha Villa Interpreta a Juan Gabriel” es un trabajo perfecto de por donde se le vea, los 10 temas son una joya musical y es uno de los discos mejor musicalizados, con arreglos tan “mexicanos” sin caer en “lo sobrado”. La voz de la gran Lucha Villa estaba en su punto. Su sentido musical y su dicción, de un nivel increíble. La mancuerna entre ella y Juan Gabriel ha sido la mejor en años, muchísimos años y este legado musical es tan atemporal que volverlo a escuchar remasterizado es un regalo a los oídos. El arte en las letras de Juan Gabriel siempre fue el contar lo cotidiano sin palabras rimbombantes, pero siempre con ese toque respetuoso y de ahí parte “Amor de un rato”, una pieza tan orquestal, con un mariachi que eleva las emociones, con una voz fuerte, de un lamento excepcional para cantarle a la derrota de un amor. Después está por ahí “Ella te va a decir adiós” en donde Juan Gabriel le dio libertad total para que Lucha luciera esa voz de trueno que matiza como nadie.

★ Regular

Y es que después de Lucha Villa es que vienen las Dúrcal, las Aidas y otras más que sí, no lo dudo, eran grandes musas para el compositor, nadie como Luz Elena Ruiz Bejarano, honestamente, no. Porque Lucha tenía esa vena de dramatizar y hacer tan teatrales lo que cayera en su boca y prueba de ello está “Tú a mí no me hundes”, así es que “para qué, para qué, para qué… comparar”. “Tú a mí no me hundes” sostiene esa línea que amo de Lucha, la de darle color y variedad a su canto, En los jaripeos, en los palenques y donde la cantara, “Siete versos” fue un exitazo, ese juego de palabras y la participación vocal del Mariachi Arriba Juárez es de antología y Juan Gabriel por ahí en los “hey, hey, hey” es de replay. Para “cantinear” está “No me olvides”, de esas canciones tan con el sello de Juan Gabriel, con arreglos magistrales, aquí, el romanticismo de doña Lucha es de una pieza cuando cae en un ruego fascinante. Esta versión supera y en mucho la que hizo Yolanda del Río, allá por los 70s. “Tú a mí ya no me interesas” es un suceso en este disco; ella tan divina y “chiflada” en su canto y ese generoso espacio musical que le da Juan Gabriel al mariachi se agradece. 2:15 es todo lo que dura “Nos discutamos”, a mi parecer, la mejor canción de Juan Gabriel, la de mejores arreglos y la de mejor lirica y sin duda, la de mejor interpretación. Recuerdo cuando Lucha Villa fue a un programa matutino de Televisa a promocionar “No discutamos”, al término de la canción le dice Memo Ochoa… ”¿Ya...?...y ella le contesta…”¡Ya...!” y él un poco enojado le dice…”No la friegue, está muy corta, vuélvala a cantar, esta canción es una joya...pero muy corta”.

★ ★ Bueno

“Resulta” es...Lucha Villa. “Resulta” es...Juan Gabriel. “Resulta” es de esas canciones que tienen todos los ingredientes para quedarse por siempre en el corazón de quien la escucha. “Resulta” es una canción en la que Lucha supo darle ese toque exacto de dramatismo, de reproche, de ira, de fracaso, de dignidad; aquí es cuando el saber matizar es importante para darle sentido a cada frase como en la parte que dice “Que estoy equivocada, eso dices tú, yo sé que es porque ya no tengo juventud, que me dejas y

★ ★ ★ Muy bueno

te vas, ya no te importo más, después que te entregué toda mi vida, ¡mira...!” “Muy enamorada” es como un vals, pero la letra no es nada color de rosa, amo que ella juega el rol de “villana”, los arreglos de mariachi tienen muchos detalles muy especiales. “Eres divino” es de una manufactura sin igual, es un canto al amor en todo lo que representa este sentimiento y es una pieza que nos recuerda que Lucha Villa siempre será divina y recordada como una cantante magistral, de las que están en peligro de extinción.

★ ★ ★ ★ Excelente

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AST...

Michael Quaid

EDICIÓN ESPECIAL DISCO CRÍTICA

Se extrañan sus ‘aullidos’ Título del disco: “Para cantarle a la vida” Artista: Valeria Lynch Género: Pop Año: 1985 Calificación: ★ ★ ★ ★

amás entenderé cómo es que cantantes de la talla de Valeria Lynch, nombrada por el New York Times como una de las 5 mejores voces del planeta junto a Whitney Houston, Diana Ross, Barbra Streisand y Shirley Bassy, la industria de la música las haya dejado a la deriva, a su suerte, sin apuestas para seguir como lo que son: Instituciones VIVIENTES de música, de la balada, del buen canto. La argentina es ícono en esa estela de intérpretes que han dejado discos estupendos e inmortales, canciones himnos para miles de escuchas que seguro añoran su temperamento en un escenario. Sigue haciendo discos, eso no lo pongo en duda, pero el factor proyección de los mismos, está muerto. “Para cantarle a la vida”, (1985) es sólo una “probadita” de los muchos acetatos que ha lanzado al mercado, un disco que la puso en la lista de las grandes entre las grandes. Valeria Lynch ha entregado canciones históricas como “Qué ganas de no verte nunca más”, “Mentira”; “Fuera de mi vida” entre tantas más. “Para cantarle a la vida” se grabó en Los Ángeles y es el orgullo de esta cantante argentina, ya que, gracias a este material, entró a mercados que antes la ignoraban. El single “Como una loba” irrumpió en la escena musical justo en el momento en que Dulce estaba en la cima con “Lobo”, (1985). La argentina casi casi le pisaba los talones a la tamaulipeca, pero no logró alcanzarla. “Como una loba” es de letra fuerte,

de un interpretar poderoso y con una habilidad vocal impresionante, como todo lo que canta. “...róbame un beso y llévame contigo muy deprisa, donde tú sabes que yo caeré en tus brazos seducida, ni me preguntes y toma lo que es tuyo sin medida, que hambrienta de tu cuerpo amando moriría...”. Alejandro Vezzani le dio “Señor amante”, un corte en donde transmite pasión pura. Y luego está la paralizante “Querido mío”, composición de Miguel Gallardo, en donde Valeria vierte espectacularmente todos sus conocimientos dentro del canto. “Querido mío” fue la sensación en su momento, es el hastío de una mujer al ver su vida árida; “Querido mío, no te equivoques, tú me llenaste de soledad. Querido mío, no te equivoques, nunca supiste lo que es amar. Querido mío, quemé mi vida, quemé esos años pensando en ti. Querido mío, cualquier mañana me iré de casa para vivir detrás de un sueño para vivir”. En “Yo sin él” de Las Diego, Valeria se muestra mesurada, tranquila, con un canto hasta cierto punto suave y discreto. También de Alejandro Vezzani está “Qué mal elegiste”. de esas de despecho, muy de los 80s. El resto del disco está conformado por temas de alto calibre como “El amor, el dolor”; “Robot programado”, “Eres... el hombre”: Hay una historia interesante en “Puzzle (“Rompecabezas”). Con este tema, en noviembre de 1985 concursó en el Festival Internacional de la Canción Popular Yamaha en Tokio, Japón y ganó el premio a la Mejor Intérprete y el Gran Premio del Jurado, dejando atrás a La Toya Jackson, hermana de Michael Jackson. El gran jurado le dio el triunfo por su potente y magistral voz y su excelente manera de “microfonear”. “Para cantarle a la vida” no será esa producción musical impactante como

los que lazó años después, pero sí es el álbum con el que Valeria Lynch abrió muchas puertas, puertas que antes

jamás se le habían abierto y luchó contra un “Lobo” para poder llegar al top 1 de las listas de popularidad en México.

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MEMORIES OF THE PA ¡Escúchala hasta el infinito! Título del disco: “Escucha el infinito” Artista: Rocío Banquells Género: Pop/rock Año: 1990 Calificación: ★ ★ ★ ★

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Escucha el infinito”, (1990) es uno de los discos más afortunados de Rocío Banquells, un álbum de concepto en la que la malvada Esther de “Los Ricos También Lloran puso a prueba su versátil voz, esa que asume magistralmente la balada, el bolero, el pop/rock, el ranchero.... Lo atractivo de la mayoría de los acetatos de Banquells sin duda es la complicidad de grandes músicos y estupendos letristas quienes, aunado a su enorme talento interpretativo, daban como resultado espléndidos álbumes. No está de más decir que “Escucha el infinito” se trabajó con el corazón mismo, en esa época, Rocío estaba instalada en un pedestal como cantante, venía arrastrando una fabulosa racha de éxitos; “Luna mágica”, “Abrázame”, “Amantes”, “Con él”, “No soy una muñeca”, “Estúpido” y muchos más. Y como tal, “Escucha el infinito” llegó en un momento clave para Banquells, el público estaba ávido de su canto y ella deseosa de entregarlo. Sin duda, una de las canciones más significativas en su carrera es la que le da nombre a este disco, “Escucha el infinito”, un track alejado de lo comercial, pero con todo el sello de hit por esencia misma. La letra se tiene que leer y disfrutar entre líneas. Es una canción que habla de soledades maquilladas de alegrías. Es una letra que habla de la libertad sin ataduras, porque como bien lo dice, “todo está en hablar quedito para poder escuchar el infinito”. Escuchar este tema es como soñar con romper esa rutina que sin darnos cuenta nos lleva lejos. Amo este fraseo, de primera: “Daremos fiestas alegres a los buenos amigos y en la cama tendremos montones de abrigos, será ocasión de vivir una fantasía y poder maquillar nuestra melancolía. Pasatiempos y tedios son simples espejos. La ★ Regular

soledad acostumbra llevarnos lejos”. La música de “Escucha el infinito!” me recuerda tanto al quehacer de Wilson Phillips, muy pop con aires de country. Hacer un cover de un tema tan arraigado como “It Must Have Been Love” de Roxette es un gran compromiso, pero Rocío lo hizo y con ese torrente de voz, logró una versión perfecta, respetando en toda la esencia de la original. La traducción es genial. “It Must Have Been Love” se escucha en una de las escenas más tristes de la película “Pretty Woman” con Julia Roberts y Richard Gere. “We’re all alone”, escrita por Boz Scaggs, es una joya en boca de Rita Coolidge. Está en mi top 5 de toda mi vida. Rita Coolidge le imprime una nostalgia a su canto que verdaderamente es imposible no sufrir con ella. Yo pensaba que esta canción debía ser “intocable”, ★ ★ Bueno

★ ★ ★ Muy bueno

pero Banquells me cayó el hocico. La retomó. La cantó. Y la grabó con el título “No hay nadie más”. ¿El resultado? No dejo de escucharla, no dejo de tocarla y no dejo de abrazar esta versión cargada de un sentimiento que, a cuenta gota, lleva poco a poco a un éxtasis maravilloso. Ese puente musical con ese Sax es fascinante y cuando entra Banquells con un discreto interpretar, eleva la canción a limites excepcionales. Banquells asumió a la perfección el sentido que su autor Boz Scaggs le puso a cada frase de “We´re all alone”. Los arreglos de este cover superan en mucho a la original. “Herida de amor”, (“Love Hurts” de Nazareth) no corrió tan buena suerte como el resto del material, pero dio guerra en las listas de popularidad. En “Alma de metal”, “La flama” y “En mi pueblo hay”, ronda un exquisito menú musical de pop rock muy bien aprovechado por la hija del actor y director Rafael Banquells y de la actriz Dina de Marco. Me quedo con la fuerza de “Un último baile” y “Una aventura romántica”, ésta última es de un gozo total, los tonos que a capricho suben y bajan desnudan a una Rocío Banquells suprema. Cuando se lanzó en plan profesional como cantante en 1985 con el disco “Rocío Banquells”, producido por Miguel Blasco, con arreglos de Gian Pietro Felisatti, seguro que Rocío jamás pensó que llegaría a ser ícono de la balada pop con “Este hombre no se toca”, “Luna mágica” y “Abrázame”. Y desde luego que jamás imaginó ser la única cantante mexicana en lanzar en un año, (89/90) tres discos en diferentes estilos; “En el alambre”, (1988) pop, “ Llorarás”, (1989) ranchero y “Un sueño alguna vez soñé “, (1990) de comedias musicales. De “Escucha el infinito”, me quedo con la fuerza de “Un último baile” y “Una aventura romántica”, ésta última es de un gozo total, los tonos que a capricho sube y baja, desnudan a una Rocío Banquells suprema que hay que escuchar... ¡hasta el infinito! ★ ★ ★ ★ Excelente

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Michael Quaid

EDICIÓN ESPECIAL DISCO CRÍTICA

Hay una ‘factura’ pendiente, Mónica Disco Critica Título del disco: “Mónica Naranjo” Artista: Mónica Naranjo Año: 1994 Género: Dance/Pop Calificación★ ★ ★ ★

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Por inmodesto que suene que yo lo diga, el mercado mexicano cambió a raíz de mi aparición. Se trataba de un mercado poco pluralizado, en un país en el que imperaba la música norteña que vendía y vende unos 6 millones de copias al año, y en el que la mayoría de los artistas eran ya mayores y cantaban baladas edulcoradas. “Y de repente aparece una niña de 19 años con el pelo bicolor y un corpiño con alerones cantando una canción a ritmo disco pop que dice: ‘El amor coloca’, y que de la noche a la mañana encabeza las listas. Yo creo que llené un hueco, y eso se demuestra en la cantidad de imitadores que surgieron”: Rolling Stone, España. Hay “facturas” tan caras que son imposibles de saldar y eso Mónica Naranjo lo ha de saber a la perfección, porque después de estas declaraciones, en la cúspide de su carrera, ya nada volvió a brillar con tanta intensidad como en antaño, cuando lanzó “Mónica Naranjo”, (1994), su álbum debut a los 19 años de edad. La historia de Mónica Naranjo es la misma de Whitney Houston y Selena, abrazaron el éxito de manera descomunal cantando realmente lo que no les gustaba cantar. Whitney deseaba ser una diva del góspel. Selena soñaba con entrar al mercado internacional cantando al estilo de Donna Summer y Vanessa Williams. Y Mónica, anhelaba cantar lo que ahora recrea en álbumes como “Minage”, “Chicas malas”, “Tarántula”, temas nada comerciales y de una densidad tremenda que, o la amas, o vuelves a

escarbar al pasado para escuchar a esa “niña” de pelo bicolor que bailaba y “canturreaba” temas “terrenales”, aquéllos que le permitieron vender millones de copias en Europa y México. En los 90s, el álbum “Mónica Naranjo” trajo un sonido mezcla pop, disco y electrónico que la distinguió perfectamente. Sus temas abrieron las puertas de las principales discotecas del mundo para tocar “El amor coloca”, “Sólo se vive una vez”, “Sola” y mi gran favorita “La luna sale para mí”. Sí, la española traía bajo el brazo un gran disco producido por su ex marido Cristóbal Sansano, todo un magnate dentro de la industria que trabajó para Tom Jones, Luciano Pavarotti, Mina, Ricky Martin y otros cantantes de ese mismo calibre. Este álbum homónimo de la Naranjo es de una manufactura de lujo, es un trabajo cuidado hasta el último detalle en letras, música, interpretación. Todo tiene un detalle que lo hace grande. Así como “El amor coloca” y transforma lo que toca, así era Mónica Naranjo, lo que cantara lo transformaba en magia musical y más en esta pieza atemporal, con un sonido tan popero y dance; la letra armada de metáforas es más que perfecta para cantarla y “descifrarla”. Es imposible no llorar al escuchar “Óyeme”, de su autoría en conjunto con Cristóbal Sansano, en esta melodía, su voz es un llanto desgarrador que lamenta la partida de su hermano. La guitarra y ese lamento interpretativo, vaya que estremecen. En más de 30 años de reseñar discos, pocas veces me he encontrado con una canción de esta magnitud que refleja en toda la extensión lo que duele en el alma la ausencia del ser amado. “No me digas por favor que no vuelvo a verte, pues para mí la vida no es vida si tú no estás junto a mí. ¡Maldita sea la gracia!

¡Es muy injusta la vida!” Más canciones como “Supernatural” por favor, esa trompeta marca la diferencia al resto del material y esa alegría con la que la canta me llena de felicidad total: “Aire libre, tierra y mar, quiero ser tu amante supernatural. Mírame, siénteme, tócame, sedúceme, ámame, búscame, supernatural...”. Diosa de la balada, reina de la interpretación y así de suprema está en “Dame tu calor”, de su autoría y de su “ex”; qué línea de sentimiento agarra para, sin esfuerzo alguno, lograr notas brillantes, sin caer en fatales aspavientos. En su momento me atrapó “Fuego de pasión”, que en su versión original es “Love’s about to change my heart” de Donna Summer. Aquí, la técnica vocal de Mónica aún no era fastuosa e impresionante como ahora, pero su versión es irreprochable. Esto es lo que hace a Mónica sublime, la calidez con la que a tonos bajos canta “Llorando bajo la lluvia”, de esas interpretaciones que hay que apreciar en silencio. “Sólo se vive una vez” es tan impactante que bien podría pasar como un

tema recién lanzado en cualquiera de sus discos. Es tan mágica, tan atractiva y con unos arreglos agresivos que la obligan a estar a la par de ellos y llevar ese sigiloso ritmo pop/dance que debería retomar con urgencia. “Sólo se vive una vez” es una historia musical que muchas “cantantes” de hoy, deberían sentarse a escuchar y entender el por qué el pop no es sólo decir barbaridades y salir a cantarlo en “tanga” para cautivar; hey, de “La Josa” no van a estar hablando. El día que parta de este mundo me gustaría irme cantando y bailando “La luna sale para mí”. Ese minuto del 1:13 al 1;20 se me hace tan hechizante y el canto de la Naranjo tan esperanzador, tan pleno de felicidad, de pasión, de esa entrega que se agradece. El disco tiene un gran cierre con “Amor es sólo amar”, una balada de Cristóbal Sansano / Mónica Naranjo con una letra suave, dulce, hasta un poco angelical: “Amor es solo amar, amar por vocación, amarnos como nunca, intensamente”. No me atrevo a decir que esta cantante, compositora, productora musical y presentadora de televisión en España, haya venido a México a revolucionar el pop. No me atrevo a aseverar que, gracias a ella, se escuchó el ritmo disco pop en este país. No me atrevo a tanto... Pero sí me atrevo a decir, es que esa “factura” que tiene pendiente con su público mexicano la puede liquidar hasta con intereses, realizando un disco como “Mónica Naranjo”, con canciones profundas, letras intensas y músicos de este nivel... Y apuesto a ganar que esas abruptas declaraciones arrojadas por el ímpetu de su juventud, quedarían en el olvido total, palabra que sí.

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Edición Especial

MEMORIES OF THE PA ¡Cuánta soledad, Sasha! Titulo del disco: “Sasha” Artista: Sasha Género: Pop Año: 1987 Calificación:★ ★ ★ ★ y dos más

se halo de misterio, de encrucijadas difíciles de sortear, de miradas perdidas en la nada y en un todo, esos sentimientos furiosamente en cautiverio que salen y entran a caprichos de la vida, de su vida, esa nostalgia tatuada en un perfecto y bello rostro tallado a mano por los mismos ángeles, y ese canto tan camaleónico que sube y baja por colinas llenas de amores y desamores, así es Sasha....la Sasha de los 80s. Elegante, con una clase y personalidad imposible de pasar desapercibida, siempre en discreta, en sutil, de un trato amable, pero distante a la vez, de una voz llena de “trampas de luz” que ha manejado extraordinariamente desde “Sasha”, (1987), su primer disco como solista, un disco trascendental en su carrera como cantante. “Sasha”, producido por Fernando Riba, Kiko Campos y Raúl González Biestro, es un clásico de clásicos, con un sonido adelantado a su tiempo y que aún ahora se escucha actual, moderno y fresco. De hecho, es de los álbumes más afortunados de los 80s por la calidad que lo rodea y sin duda, el pasaporte para que Sasha volara en solitario, para demostrarse a sí misma que con su presencia bastaba y sobraba para llenar un escenario. De este trabajo de estudio, dos temas pasaron a la inmortalidad: “No me extraña nada” y “Rueda mi mente”, ambas de la autoría de Fernando Riba y Kiko Campos. “No me extraña nada” ha sido el mayor suceso musical de Sasha, aunque al

★ Regular

paso de los años llegaran temas más poderosos y de mayores alcances, este tema tiene ese “algo especial” que la empoderó por sobre todas, un sencillo que sonaba diferente a todo lo que tocaba la radio en esos tiempos. Contraste a lo dance de “No me extraña nada” está “Rueda mi mente”, una melodía dulce y cautivadora, una canción que cuando la escribieron Fernando Riba y Kiko Campos, rompieron el “molde” ´para que, quien la llegara a cantar, se pusiera en evidencia al no alcanzar esta justa y brillante interpretación. “Rueda mi mente” es de las baladas pop más “copiadas”; pero jamás igualada. “Guerra total” es una explosión de sentimientos, con una Sasha en total libertad vocal. Y cuando hablo de frescura musical me refiero a piezas como “Leyenda”, de Fernando Riba y Kiko Campos, con unos arreglos muy a la escuela de Fleetwood Mac en “Seven Wonders”, igual de fascinante. “Leyenda” es mi favorita de este LP. “Nada qué decirnos” me empapa de una nostalgia por volver a esos momentos en que lo más importante era tirarte al césped de cualquier parque y subirle a todo volumen al walkman y dejar volar la imaginación. “Típico” es buena, aunque los arreglos son muy a lo Timbiriche. Las mismas Flans le hubieran arrebatado de las manos “Dos extraños y una noche”, muy al estilo de ellas, pero muy acorde a lo que Sasha ama cantar. Esa voz discreta en “Alborada”, sin exigencias exageradas, pero de un rigor nostálgico, es de admirarse. Amé la letra de “Anónima” porque siendo honestos, a quién no le gustaría ser “estoqueado” por una mujer así.

★ ★ Bueno

Todo el contenido de “Sasha” es un repaso a esas soledades, abandonos y amores “idealizados” que llegan de vez en vez en la vida de casi todos; pareciera que es un disco cargado de dolor y de mucho pero mucho amor, esto último no está a discusión. ,¿Quién tiene un manual de la vida? ¿Quién tiene el poder de controlar sus demonios? ¿Quién tiene la luz para alumbrar esas oscuridades que llegan sin ser invitadas? ¿Quién no ha caído, tropezado y trastabillado en esta vida y se

★ ★ ★ Muy bueno

ha vuelto a levantar para volver a comenzar? Sasha es un ejemplo claro que “Después de la función” hay que olvidar...y seguir. En “Después de la función”, escrita por Aureo Baqueiro, Sasha alcanza el cielo al interpretar un tema que desnuda el vacío de una artista que, al terminar su show, los aplausos se convierten en silencios, las luces en oscuridad y es cuando se da cuenta que en la vida real realmente no tiene nada y muy en el fondo, anhela tener lo que sus personajes tienen, amor, mucho amor.

★ ★ ★ ★ Excelente

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Edición Especial

AST...

Michael Quaid

EDICIÓN ESPECIAL DISCO CRÍTICA

Ednita Nazario, la otra rebelde de la canción Título del disco: “A que no le cuentas” Artista: Ednita Nazario Género: Pop Año: 1982 Calificación: ★ ★ ★ ★

in duda, era la época de las cantantes con personalidad fuerte, sensual y sexy; la época del “destape” en todos los sentidos. Las baladistas salían al escenario con costos vestidos de gala, brillantes a más no poder y de escotes de infarto, salían a darlo todo, a cantar y contar historias de cama, de sexo, de amantes y amor entre dos iguales. Aquella época era de voces con una personalidad férrea, con intérpretes que a brazo partido luchaban por mantenerse en la cima para ser contratadas en los exclusivos centros nocturnos como “El Patio”, “El Marrakech”, porque si no vendían discos, no las contrataban, así de sencillo. Y dentro de ese panorama, de repente llegó de Puerto Rico una mujer con una voz impresionante, de una personalidad impactante, de una belleza perturbadora y con un álbum bajo el brazo producido por Laureano Brizuela. De repente, en la pantalla de televisión estaba ella, Ednita Nazario, sensual, de mirada arrebatadora, cantando “A que no le cuentas”, “Me quedo aquí abajo” y “Por todo lo que perdimos”, sus primeras tiradas para entrar al eje de intérpretes duras de roer. ¿Qué tenía Ednita Nazario a diferencias de sus “contrincantes”? Que no estaba por “necesidad” sino por pasión, por gusto, por placer de cantar. Y esta respuesta ella misma me la otorga al paso de los años.

A diferencia de muchas de su generación, sigue brillando como toda una diva de la balada pop, como una cantante que no ha dejado de grabar y de cosechar éxitos, esa es la diferencia al resto. “A que no le cuentas”, (1982) es un disco INDISPENSABLE para quienes caen seducidos por voces intensas y canciones maduras, de esas canciones que hablan de amantes y amores ajenos. “A qué no le cuentas”, de puño y letra de Laureano Brizuela, corrió la misma suerte que “Déjame volver contigo” de Dulce, casi censuradas por las representantes de la liga de la decencia porque ambas “eran las amantes” peleando por el amor prohibido de un hombre. La letra, de un escándalo total: “A que no le cuentas, a que no te animas, pase lo que pase, que ya no soportas tener que dejarme porque soy tu amante...” Ednita tiene un timbre de voz firme, increíblemente afinada y con un sentido estricto de una baladista APASIONADA y ese se palpa en ese tesoro que lleva como título “Antes del amor”; esa sensualidad al cantar, ese toque de alargar una palabra es única en ella. “Antes del amor” es como esas prendas “viejitas” que nos ponemos en ocasiones especiales. Me atrevo a decir que es una de sus más excelsas interpretaciones. “No quiero ser una llovizna que cae al mar”, ufff, de esas letras que se quedan y pertenece a “Cuando tú te vayas”, es un track lindo a morir. Cuando se hacían discos pensando en un concepto, cuando no había canciones de “relleno” y el álbum se grababa en grandes estudios, sin filtros, sin “chapuzas”, era voz contra orquesta y esto viene a colación por “Yo soy la

mujer”, temazo donde la orquesta tiene importancia vital y la voz de Ednita se escucha de una perfección única. “Yo soy la mujer que tú olvidaste, la que viene ahora a recordarte que aún sigue siendo sólo tuya”, ah, ese final, qué cierre de canción. Quedé mudo de emoción con “Así era él”, qué clase y qué nivel de relatar una historia de amor y por si fuera poco, qué tamaño de interpretación: “He tenido otros amores, ya mi vida es diferente, he bebido de otras bocas, pero sigues en mi mente y aunque es cierto

que el destino no ha querido que regreses junto a mi otra vez, tú sigues aquí en mi piel”. “Amándote” rompe con la sobriedad del álbum, pero es bien recibida y no pudo haber seleccionado otra canción más ideal que “Por amor” para cerrar un álbum ícono en la carrera de una cantante que tuvo que ser “rebelde” con su propuesta musical para dar la talla en aquel escenario de vestidos de lentejuelas y canciones de “cama” y de “amantes” que alzaban su voz para dejar de ser la otra….”la prohibida”...

MÚSICA

MEMORIES OF THE PA Y resurgió.... ¡como el Ave Fénix! Título del disco: “Solo” Artista: Laureano Brizuela Género: Rock/Pop/ Año: 1986 Calificación: ★ ★ ★ ★

e manera injusta, sus alas fueron privadas de su vuelo y tuvo que pasar 6 meses en prisión por supuesta evasión fiscal, delito del cual, Laureano Brizuela fue absuelto, declarándolo inocente de TODO... ¡y sus alas volvieron a volar...! Con “Solo”, (1986), su segundo disco editado en México, el cantante argentino Laureano Brizuela, al igual que su compatriota Amanda Miguel, llegó a la escena musical a imponer moda con su melena de pelo ensortijado. Con su rock/pop suave, pero perturbador se ganó el mote de “El Ángel del Rock”-. Romántico, pero aguerrido, con letras de protestas, pero a la vez cargadas de fe y esperanza para el amor en todas y cada una de sus manifestaciones, Laureano Brizuela llegó, simplemente para quedarse en la música. . Argentino, de buen porte, sexy, con sus jeans siempre ajustados al cuerpo, sus chaquetas de piel que lo proyectaban como un rockero de atar, sus ojos, de un mirar intenso, así era el Laureano Brizuela de los 80s, aquel que no batalló en lo absoluto para que su primer sencillo, “Amándote” de inmediato se colara a la radio y, por ende, en el gusto del público. “Solo” fue la llave del éxito de este cantautor argentino, una larga duración excelentemente bien trabajado, innovador para su tiempo y con una carga de ese rock suave

★ Regular

que sería su sello en las siguientes producciones. Pasarán los años y así lleguen los “innovadores” del rock/pop, “Amándote” siempre será una pieza emblemática no sólo de la juventud de los 80s. sino de una generación que sabe apreciar lo que es música y desechar lo que es “ruido”. “Amándote” hoy en día se escucha formidable en su remasterización y se aprecia más a esos músicos que lo acompañaban en ese entonces y que ahora se hacen llamar Caifanes. Los 80s marcaron el inicio de la revolución de “El rock en tu idioma” y había quienes lo hacían con intensidad y otros de manera más romántica como Brizuela y ahí está “Eres lo que quiero”, prueba fiel de ello. Su público, conformado por adolescentes, caían seducidas por esta clase de canciones al igual que con la tierna balada “Te quiero conmigo”. El secreto de Brizuela es que sus letras nunca estuvieron sujetas a un tiempo específico, sus canciones son atemporales y de eso da cuenta “Entre tú y yo”. Son composiciones son de fraseos cotidiano, con un lenguaje directo, a veces con una ternura y acidez que contrasta como en “Ella no es mejor que tú”, donde le canta al amor que está por perder, de sus más bellas canciones. Brizuela sabe de letras, de armonías, de crear historias que duelen, que mueven fibras y después de tantos otoños, tantos inviernos, tantas noches y tantas madrugaras, me sigue estremeciendo “Y tú no estás aquí”, qué manera de interpretar y de crear una atmosfera de nostalgia. “Solo” es su American Express, con la que puede abrir cualquier corazón por

★ ★ Bueno

más hermético que éste sea. El fraseo es de antología y Laureano matiza perfectamente cada palabra, cada frase…”Solo, necesito estar solo, por un tiempo sin ti, sin trampas, sin miedos, sin nada que decir. Solo, necesito estar solo y olvidarme de ti, cerrar esta herida que dejas hoy en mi...”. Traspasó fronteras con “Tormenta de verano” y en “Amor de cristal” su voz se “quiebra en pedazos”; volverla a escuchar de esta manera, sin duda alguna, mueve los sentidos.

★ ★ ★ Muy bueno

Su voz, su voz es la de un intérprete que le apasiona su oficio. Jamás él pensaría que “Soy un hombre” sería algo así como su bandera de lucha para combatir esa terrible y estúpida injusticia que se gestó en el gobierno de Salinas de Gortari, una injusticia que sólo le puso una pausa a su carrera, porque cuando volvió a ver la luz del día, resurgió como el Ave Fénix y sus alas volvieron a volar alto, tan alto que hoy por está de estreno con “Todo está ok”, al lado de otro genio de la música, Benny Ibarra.

★ ★ ★ ★ Excelente

MÚSICA

AST...

Michael Quaid

EDICIÓN ESPECIAL DISCO CRÍTICA

¡Qué estupidez...! Título del disco: “Guillermo” Artista: Guillermo Méndez Género: Pop Año: 1983 Calificación: ★ ★ ★ ★

uillermo Méndez es un cantante estupendo, con una sensibilidad maravillosa para transmitir sentimientos y tiene canciones que enaltecen y le dan lustre a la balada pop. Gracias al programa de radio “Juntos esta noche” en FM Globo con mis amigos Magaly Martínez y Pablo Carranza, es que conocí el canto de este gran intérprete, allá por los 80´s. Magaly y Pablo sabían hacer radio. Ambos se salían de lo convencional y tocaban canciones de María Martha Serra Lima, Jorge Rigo, Lissette, y tantos cantantes que en otras estaciones por ignorancia dejaban pasar. Precisamente en “Juntos esta noche” es que conocí “Guillermo”, (1983) uno de los discos más espléndidos que he escuchado, uno de los álbumes más desairados y desaprovechados. Nunca se le hizo promoción alguna y, sin embargo, trascendió por su calidad, por sus canciones tan llenas de historias de esos amores desairados y de tantos corazones rotos. “Guillermo” trae bajo el morral canciones que hay que escuchar con respeto, porque son canciones que hoy en día siguen siendo un escaparate para conocer la balada provocativa, cargada de historias interesantes y de una manufactura de 10. En este trabajo de estudio, destacan dos canciones que son el sostén de este LP difícil de encontrar, de este álbum que sólo Spotify y Deezer lo tienen en sus respectivas plataformas. Uno de esos temas es “Crees que

no duele”, que es un himno para los corazones solitarios. “Crees que no duele” es como esas películas de culto que al paso de los años se vuelven amadas e idolatradas por un cierto sector de público que no se ancla a las modas. La letra es de una tristeza que sacude. “Es tan injusto, desearte 24 horas, es tan injusto que no te pueda olvidar. Crees que no duele, no duele, no duele, claro que duele saber que no regresaras”; además, la voz de Guillermo es de una melancolía que estruja el alma. Guillermo es todo un master en tratar asuntos de sentimientos abandonados y de injustas despedidas y eso lo proyecta en “Qué estupidez”, la segunda de la tarde, ese gran monumento musical que al paso de los años sigue calando escucharla, la letra es todo un caso y esos arreglos tan suaves inquietan: “Hoy buscaré un pretexto para volverte a ver, hoy pediré a un amigo que te cite en un lugar, yo llegaré más tarde como ignorando tu presencia, fingiendo que mi amor por ti murió. Hoy usaré las ropas que mejor se ven, hoy cubriré mi cuerpo de perfume, hoy buscaré la frase para decir en tu presencia, esperando que tu mente piense en mí. Que estupidez pensar que tú me vas amar, que estupidez desear tu cuerpo una vez más, que estupidez demostrar mis sentimientos, que estupidez a casa solo regresar”. Amante del teatro, de los musicales, Guillermo está genial en “Se acabó”, digna de alguna puesta en escena. Es obvio que, al paso de los años, las maneras de cantarle al amor se han vuelto vulgares e incómodas, con letras baratas y exponentes de un peso, por eso será raro que alguien se atreva a lanzar una larga duración como “Guillermo”Pero mientras alguien se atreva, atienda mi llamado, súbale lo más que pueda de volumen a su plataforma favori-

ta y escuche “No te enamores de mi” en la que no se requiere más que una dulce voz, un par de arreglos modestos, y dejar el corazón abierto a todo. “No te enamores de mí” barre con esta absurda idea de que el romanticismo puede pasar de moda y eso jamás. Todo el disco es de una inocencia que se abraza, de un romance que ya no se escucha, por eso no se sorprenda al escuchar “Hoy te vas”, bella por donde se le vea. La voz de Guillermo no es de trueno, pero sí es como una brisa que empapa

de tristeza y de alegría el alma como en “Nos dejamos”, que invita a ir por café y regresar el tiempo, a capricho, para recordar que en los 80´s se trabajaba muy buena música. Quien conozca a Bad Bunny, siéntenlo y que escuche “Ámame sin temor” para que aprenda a hacer lo que él cree que hace. Y mientras más le doy vueltas al disco, siempre pienso lo mismo, “qué estupidez no tener más cantantes como Guillermo Méndez...en verdad, qué estupidez”.

MÚSICA

MEMORIES OF THE PA ¡Se quedó en el camino! Título del disco: “Acéptame como soy” Artista: Manoella Torres Género: Pop Año: 1984 Calificación: ★ ★ ★

enía todo para seguir; voz, presencia, belleza y un disco justo para que la aceptaran tal y como era en su nueva faceta de cantante moderna y aguerrida que amenazaba con despuntar... ¡y quedarse! ¿Entonces? Los malos manejos en su carrera y un desorden en las decisiones la llevaron por caminos escabrosos en los que se perdió y es fecha en que no ha encontrado EL DISCO que le haga justicia. “Acéptame como soy”, (1984) como álbum, la llevó a un nuevo público, a compositores con más experiencia y de un nivel acorde a su status de cantante. “Acéptame como soy” la puso en el ring para darle batalla a las panteras que daban férrea pelea en la música; Lupe D´Alessio, Dulce, Amanda Miguel.... Entró con agallas con “Acéptame como soy”, de la pluma de José María Napoleón, un tema con un estribillo que se quedaba porque se quedaba en la mente para tararear: “No hay nada perfecto amor, todos nos equivocamos, el amor es imperfecto lo perfecto es inhumano. No hay nada qué hacer amor, si me quieres dar la mano, acéptame como soy o vivamos separados”. Esta canción le devolvió la seguridad perdida y subió y subió escaleras muy altas hasta llegar a la cima. Esta grabación estuvo arropada por los mejores compositores nacionales e internacionales, con los mejores

★ Regular

arreglistas y desde luego, con una de las mejores voces de México, Manoella Torres. Rubén Amado le dio “Me siento sola”, claro está, una canción para escucharla en el carro, en el cuarto, en los shows, porque jamás la radio la tocaría por no ser “comercial”. Memo Méndez Guiu puso su granito de arena en “Para qué te vas”, el segundo mejor track de este LP, de esas canciones en la que se aprecia la letra y se goza de una voz con un brillo excepcional. Luis Angel y Marcia Bell le dieron a Manoella Torres una de las mejores canciones de su carrera, “Hoy lloré por ti”, esa categoría de bajar y subir tonos altísimos es francamente de diosas de la interpretación. “Hoy lloré por ti” puso a temblar a varias de su generación y, aunque nunca se le trató como lado “A”, bastaba que estuviera en este disco para recordarle a muchas advenedizas que ASI SE INTERPRETA. Había que dejar muy atrás la imagen virginal que venía arrastrando años atrás y por eso Carlo Lara y Jesús Monárrez, (maravilla de dueto, “Volverás con el verano”, sublime) se pusieron las pilas, le dieron un giro total a su canto y la pusieron a cantar “Fíjate que no”, como anillo al dedo para su nuevo “look”. “Demasiado tarde” de Tottis Noroña es otra cosa, es una melodía para cortarse las venas, para amar y volver a amar esa voz de “La mujer que nació para cantar”. Otro rey midas de la composición, Alejandro Jean está en este álbum con “Qué te has creído”, un drama cantado muy a lo J.Lo, con musiquita entre medio sensualita y medio bailable. Carlos Lara y Jesús Monárrez vuelven a la carga con “Una y otra vez”; un

★ ★ Bueno

temita algo ramplón pero la voz de Manoella la hace poderosa y claro que eso se agradece. Alejandro Jean sabe de letras, de canciones fuertes y es de lo más exigente como compositor por eso en “Yo te daría la vida” seguro le dijo a Manoella Torres que la cantara como los mismos dioses y estuviera a la altura de

★ ★ ★ Muy bueno

esos arreglos tan “acá”. De una u otra manera, “Te hubiera conocido un poco antes” de Alejandro Vezzani, tiene el mismo aire, casi el mismo sonido y la misma tónica de “Estás aburrido de mí” de Dulce, ambas canciones tan increíblemente bien escritas, mejor cantadas, pero igual de olvidadas por sus propias intérpretes.

★ ★ ★ ★ Excelente

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AST...

Michael Quaid

EDICIÓN ESPECIAL DISCO CRÍTICA

¿...y si no vuelves, Bosé? Título del disco: “Bajo el signo de Caín” Artista: Miguel Bosé Género: Pop Año: 1993 Calificación: ★ ★ ★ ★ y dos más

ntimo, sensual, camaleónico, denso, oscuro, brillante, enigmático... ¡siempre Bosé! Como cantante e intérprete, excelso, como pocos. A estas alturas bien podría retirarse de la música y que su legado hable de su paso por la música. No la está pasando nada bien. Sus facultades vocales están por la calle de la amargura. Y su estabilidad emocional transita entre “Don Diablo” y “Bajo el signo de Caín”. Partiendo de la necesidad de alejarse de lo ordinario, de lo popular, en 1993 saca de entre sus alucinaciones “Bajo el signo de Caín”, uno de sus trabajos más complejos, más íntimo, más personal y más alejado a lo que antes había recetado. “Bajo el signo de Caín”, el undécimo álbum de estudio de Bosé, es una evolución musical que necesitaba para sentirse él, para demostrar que las modas se las pasaba por... Bajo la producción a cargo de Ross Cullum y Sandy McLelland, “Bajo el signo de Caín” es un lujo ostentoso pero formidable que se grabó en The River (Londres, Inglaterra) y en Quarzo (Madrid, España). Además, fue mezclado en Mayfair (Londres). La serenidad que abriga todo el álbum es de una elegancia propia de quien no deja nada a medias, o se es excelente o lo que le sigue...y Bosé siempre es eso, lo que le sigue. Las 12 composiciones que conforman el disco, abordan de una manera contundente su visión por la religión, el amor, la ausencia, la traición, las

plegarias, los enredos emocionales de personajes supremos. De esa locura mental que amenaza con llegar canta en un susurro “Te comería el corazón”, escrita por Bosé y sus productores Ross Cullum y Sandy McLelland, “Lo que ves es lo que hay” es enorme, impecable e infinita: “Que se lleve el diablo la razón que en tu puerta esperaré quien persigue acaba por caer tiempo al tiempo entenderás, entenderé...”. Que instrumentación tan mas espléndida en “Si tú no vuelves”, que letra, que sentimiento; cuanta intimidad y melancolía hay en ella: “...y cada noche vendrá una estrella a hacerme compañía que te cuente como estoy y sepas lo que hay…”. “Si tú no vuelves” es de una estética extraordinaria, es el dolor convertido en canción. “Bajo el signo de Caín” es el disco más bello, complejo y perfecto, con letras llenas de metáforas. En “Nada particular” muero de emoción con ese estribillo: “dame una isla en el medio del mar, llámala libertad, canta fuerte hermano, dime que el viento, no la hundirá”. Hay un góspel muy discreto pero muy revelador. “Mayo” es de corte “revolucionario” y “Bajo el signo de Caín” es una conversación entre Bosé y Dios en la que le suplica lo libere del miedo y del dolor. En “Wako/Shaman” ronda la historia de un sabio que juraba ser un profeta. Y si de amores se trata, ahí está “Imagínate que te quiero”, con un Bosé sublime, así de fácil. La guitarra de Vicente Amigo crea esa atmósfera propicia para tan delicada obra. “Sol forastero” y “Sara” son historias que hay que escuchar con atención y con los cinco sentidos muy alertas: la primera habla de sueños idealizados de quien lucha por algo desconocido y “Sara” es de quien vende su alma por conseguir el amor. En “Gota a gota” les tunde a los me-

dios de comunicación, “a los mercenarios de rumores y calumnias, raza despreciable que rebosó el vaso” dice en una parte de la canción. Y en “La americana” juega “sabrosamente” con la mujer que “tiene una pasión que no duerme y quiere hacer el amor después de

hacer el amor… Amén” “Bajo el signo de Caín” es un álbum insuperable, un disco en el que Bosé no escatimó absolutamente nada para conseguir la obra maestra de su carrera, de esa carrera que está en la cuerda floja por tantos excesos y tanto amor…después del amor

MÚSICA

MEMORIES OF THE PA ¡Entre cuadros y revistas...! Título del disco: Flans Artista: Flans Género: Pop Año: 1985 Calificación: ★ ★ ★ ★ y dos más

esde la portada del primer álbum, se notaba ese arte innovador de tres chiquillas que querían hacer música sin control, sin límites y sin etiquetas. La fundadora y representante de este concepto fue Mildred Villafañe, una empresaria hija del millonario puertorriqueño Joaquín Villafañe, (dueño de la famosa “Sal de Uvas Picot”). Villafañe se llevó a esas tres chiquillas a Inglaterra y España y bajo su producción musical al lado de Mariano Pérez, volvió a México con un grupo llamado Flans, conformado por Ilse, Ivonne y Mimi. Regresó con un disco titulado en primera instancia “Flans”, que más adelante, en una nueva edición le pondría “Me gusta ser sonrisas”, (1985) y con unas ganas de tener al mundo a sus pies. Todo esto ocurrió allá por 1985, un 6 de octubre en el programa “Siempre en Domingo”, donde se estrenó “Bazar”, aquella pieza que marcaría la gloria y el infierno de un trío de cantantes que por desgracia jamás estuvo preparado para la fama, el éxito y las agitadas noches de “champagne” que tenían que vivir en esas agotadoras giras por el mundo entero. “Flans” o “Me gusta ser sonrisa” fue un trabajo de estudio más que certero, con un concepto innovador desde imagen, sonido y canciones, un disco como pocos en los 80s. “Me gusta ser sonrisas” es el punto de partida de un trío de chicas tan irreverentes como divertidas, que llegaron para pintar de colores un mundo musical lleno de jóvenes a las que las disqueras a fuerza obligaban a ser “señoras”, a tan temprana edad, cantando canciones para un público adulto contemporáneo. Tracks como “No controles”, de Nacho Cano, “Ay, amor” y “Bazar”, marcaron bien y fuerte, la corriente musical de los 80´s. En Flans había de todo; moda, (que la impusieron a nivel internacional) y voces impresionantes, Ivonne, la de grandes alcances, Ilse, la de la voz suave y de

★ Regular

ensueño, Mimi, la del temperamento desbordado. Tenían el mundo a sus pies. La radio no paraba de tocar sus temas. La agenda de trabajo las reclamaba por todo el país y en el extranjero y “Bazar”, creación de Carlos Lara y Jesús Monárrez era el amuleto de la buena suerte, de la buena suerte que pudo ser eterna, pero algo falló aquí que las llevó a desintegrarse en el momento en que acariciaban el cielo mismo. Aunque el álbum estaba destinado para esos jóvenes hambrientos de cantar y bailar; por vez primera un grupo mexicano conquistaba a la familia completa y eso se veía en sus constantes conciertos cuando todos, papá, mamá, la tía, la vecina, todos al unísono se unían a cantar “Me gusta ser sonrisa”, (“I’d like to say i love you”) un hit que popularizó el grupo británico Bucks Fizz. “En medio de los dos”, (de Carlos Gómez, Mario Pérez y Rosa María Girón Ávila), aunque no fue promovida como sencillo, resultó ser de las baladas consentidas de las adolescentes. Con “Cerveza de bote” (de Carlos Gómez, Mario Pérez) no pasó nada, una canción coquetona que en

★ ★ Bueno

★ ★ ★ Muy bueno

vivo le pusieron una coreografía linda y sus fans la cantaban porque la cantaban. Yvonne se impone por sobre sus compañeras en “Te quiero, te quiero”, una de esas canciones que se escriben en aras de que su intérprete se luzca al por mayor. No sé qué intento decir Mariano Pérez al escribir “Flans”; pero suena padre. Quien se atreva a cantar “Ay amor” lleva todas las de perder, sea la cantante que sea. “Ay amor” es de Ilse, de esa voz icónica, de esa voz diferente, tan bella y suave, es de ella, de nadie más y esa música que es una capa que arropa con una melancolía su canto, ese canto que llega directito al corazón. “Ay amor” definitivamente es parte de la historia de la vida de millones de fans que estuvieron ahí, en la penumbra de un estadio, de un palenque, de un auditorio, llorando en silencio, pero cantando a todo pulmón una de las baladas más hermosas que se hayan escrito hasta la fecha. “No controles” de Nacho Cano, es el soundtrack de quien presuma que ama el pop de los 80´s. No sé qué me seduce más de “No controles”, si la música, la letra, la interpretación, la coreografía o todo en conjunto pero verlas cantar en vivo este tema es, en verdad, un delicioso delirio. “Quién eres tú” de María Ovelar y Mario Pérez es poderosa, las tres en una armonía vocal perfecta. De Guillermo Méndez Guiu es “Billy”, nada comercial y con un sonido muy dance. Alguien me preguntó que cómo definiría a Flans: “Flans es melancolía, es música fresca, es canción tras canción que invita a un ayer gratificante, para mi son las Wilson Phillips mexicanas”. Y es que escuchar “Bazar” es como viajar a un tiempo en que todo formaba una dimensión totalmente diferente a la de ahora. Ilse, Ivonne y Mimi eran una invitación sana e inocente para ir a sus shows a cantar y bailar con ellas y de paso, buscar “entre cuadros y revistas, camisetas discos y jeans “ lo que ahora ya no hay: calidad en la música, en los arreglos, en las letras y en los artistas. Porque este Flans está más rico y más suculento que hace muchos, pero muchos años y basta con escuchar a todo volumen “20 millas”, un álbum que más adelante trataré con el merecidísimo respeto que se merece.

★ ★ ★ ★ Excelente

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Michael Quaid

EDICIÓN ESPECIAL DISCO CRÍTICA

¡Nos haces falta, Fachelli! Título del disco: “Secretos” Artista: Sergio Fachelli Género: Pop Año: 1981 Calificación: ★ ★ ★ ★

legó a México con “No te quiero perder” como carta de presentación de su primer álbum producido por Antonio Morales, “Júnior” y grabado en los Estudios Abbey Road, en Londres, Inglaterra. De este ejercicio musical colocó “Respirar mi libertad”, “Contigo” y por supuesto, “No te quiero perder”. Ya instalado en México, el camino estaba preparado para continuar cosechando éxitos. Y más rápido que veloz, se puso en manos del rey midas de la composición, Rafael Pérez Botija para lanzar “Secretos”, ese extraordinario álbum del cual se lanzarían directo a las listas de popularidad “Sin ti”, “El único que te entiende” y “Fuego”, tres misiles musicales ideales para afianzar su propuesta musical entre el gusto del público. El pasado de Fachelli en la música se remonta cuando fue músico del grupo Trigo Limpio y de hacerle “chambitas” a Ángela Carrasco y Camilo Sesto. Pero su pasaporte al estrellato como compositor se dio cuando José José le grabó “Aléjate”, a partir de ahí, la vereda al éxito estaba ya marcada. “Secretos”, (1981) por supuesto que no es lo mejor que ha producción Pérez Botija ni lo mejor que ha cantado Fachelli, pero sí es un parteaguas para que ambos se cotizaran en México. Este álbum del cantante uruguayo es un trabajo sólido, atractivo con canciones muy de la escuela de Pérez Botija, pero sin tanto maltrato y sin tanta amargura en la lírica, bueno, una que otra sí, por ejemplo está la paralizante interpretación de “Sin ti” con esa letra más desoladora que las historias de “La Rosa de Guadalupe”. “Sin ti, todo se hunde a mis pies, no

tengo norte ni sur, no tengo guerra ni paz. Sin ti, pierdo mi último tren, vuelvo a vivir por vivir, dime qué más puedo hacer”. De lo mejor que ha grabado Sergio Fachelli, mi favorita por sobre todas. Mentira aquello de que “el que pega primero pega dos veces”, Fachelli dio a conocer “Esa niña” de Juan Carlos Calderón, pero es Luis Miguel quien la explota mejor, aunque me quedo por mucho con la versión del ex de Laura Flores. “Fuego” es “chapucera” con ese estribillo de “ Agua, agua” que me lleva irremediablemente de la versión en inglés, “ Aqua, aqua”, pero hay que reconocer que le fue genial con esta canción que después retomó Menudo. Rafael Pérez Botija fue mesurado y tierno en la letra de “Si quieres volver” en donde Fachelli regala un canto suave, bohemio y enternecedor. “Amándonos” es un temazo con un sonido tan ochentero que ahora se escucha “old fashion”. Amo la pluma de Juan Carlos Calderón, de una valía sin igual y eso lo corroboro en “Tu nombre”, qué exquisita y que bella. “Vamos a marte” de Pérez Botija es deliciosamente absurda pero creativa. Les encargo “Vale más”, es romántica hasta las lágrimas y “Tú “ es para que los escolares de los 80´s se la cantaran en el recreo a ese “tu, que intentas conquistar”. Es pregunta: ¿Alguna vez Maluma o Bad Bunny o todo ese lastre de impostores de la música serán recordados después de 20 años por haber grabado algo tan perfecto como “Soy el único que te entiende”? Pérez Botija me intriga y mucho. ¿Cómo es posible que componga tan ácido y a la vez tan dulce? “Soy el único que te entiende soy el único que te escucha el mismo al que llamas siempre cuando te hace falta ayuda soy el único que te entiende soy

el único que te ama conmigo lo tienes todo y sin mí no tienes nada”. Cuando escucho “El único que te entiende” me lleva a un pasado gratifi-

cante donde la música era una caricia al oído y no un insulto y una burla, como lo es ahora. ¡Dónde andas, Fachelli, se te extraña!

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MEMORIES OF THE PA ¿Voz...? ¡Estilo...! Título del disco: “Paulina” Artista: Paulina Rubio Género: Pop Año: 2000 Calificación: ★ ★ ★ ★

uando se logra un estilo, se logra todo dentro de la música y eso Paulina Rubio lo tiene muy en claro, ya que ese ha sido su carnet para entrar a muchos países con su canto, su estilo y su sensualidad. ¿Voz? Estilo, mucho estilo y eso no cualquiera lo consigue. Habrá decenas que quizás canten mejor que ella, pero pocas muy pocas pueden presumir tener un estilo tan bien definido como Pau. ¿Voz? Bah, estilo, mucho estilo. “Paulina”, (20’00) es el 5to. álbum de estudio de la “Chica dorada”, un disco con una de las estrategias de mercadotecnia mejor realizada en muchos años en su carrera, hasta podría apostar que es el mejor álbum de su carrera. “Paulina” es una grabación coqueta y ambiciosa, un disco que plasma toda una gama de ritmos que van desde el pop, al dance pop y algo de folclore. De su generación, no cualquiera puede decir que de un sólo álbum, siete fueron número uno en las listas; “Lo haré por ti”, “El último adiós”, “Y yo sigo aquí”, Yo no soy esa mujer”, “Vive el verano”, “Sexi Dance” y “Tal vez, quizá” De Julio “Estéfano” Salgado es esa gloria llamada “Lo haré por ti”, un pop/rock que estabilizó la carrera de Paulina y la estacionó en un sitio privilegiado como cantante. “El último adiós” llegó en un momento crucial en la música, cuando todos los jóvenes compraban cantaban y consumían rolas bien trabajadas y con una lirica decente. En los bares fue de rigor que después ★ Regular

de las 12 de la noche, “El último adiós” tenía que rotarse una y otra vez, para que los tragos corrieran como agua en manantial. El maestro Armando Manzanero era un compositor estricto en toda la extensión de la palabra, no a cualquiera le entregaba una de sus “hijas” y en Paulina Rubio encontró un potencial de entrega para que ella le pusiera voz a “Tal vez, quizá”, una balada romántica, arropada a base de un seductor piano. En “Tal vez. quizás”, sencillo producido por Marcello Azevedo, Pau logra proyectar tanto sentimiento con su pequeña voz que regala una interpretación subyugante e inolvidable. No hubo discoteca en todo México que no alegrara la noche y pusiera a cantar y bailar a propios y extraños con “Y yo sigo aquí”, excelente track para sacare los mejores pasos de baile en la pista al igual que “Sexi dance”, tan sexosa, tan ardiente con una Pau que saca la casta para estar a la altura de la composición de Estéfano. En “Sin aire”; la cantante se entrega a la letra y al baile y se aplica muy bien en “Tan sola”, de esas baladitas ricas para escuchar en penumbras y con bebida en mano. Unas poderosas guitarras anuncian “Yo no soy esa mujer”, canción justa para que Paulina Rubio se luzca en todos los sentidos; aqui su estilo al interpretar esta canción es de aplausos. “Vive el verano” es ritmos, muy al estilo de Gloria Estéfan, aunque la esposa de Emilio Estefan se la lleva de calle en todo. “Baby Paulina” son los “balbuceos” de cuando Paulina tenía dos o tres años de edad y nada más. Como álbum, “Paulina” es lo mejor que hecho la hija de Susana Dosamantes y como cantante e intérprete, hay que seguir tomando clases de canto, de dicción y sobre todo, un curso para jamás dejar de pisar suelo. ★ ★ Bueno

★ ★ ★ Muy bueno

★ ★ ★ ★ Excelente

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Michael Quaid

EDICIÓN ESPECIAL DISCO CRÍTICA

Como los buenos vinos... Título del disco: “Uno entre mil” Artista: Mijares Género: Pop Año: 1982 Calificación: ★ ★ ★ ★ y una más

s una lástima que son pocos, poquísimos, casi nulos los artistas que leen, que se documentan de aquellos que han seguido su carrera. Y lo digo porque en mis poco más de 30 años de reportero, a uno de los artistas a quien más he reseñado y entrevistado casi desde sus inicios es a Mijares. Y si mañana lo llegara a entrevistar, ni por la mente se le vendría mis reseñas y entrevistas de aquellas presentaciones fabulosas que hacía para una organización de jóvenes que iban por todo el país dando a conocer la palabra de Dios.....¡y ahí iba yo como reportero, a todos esos concierto donde Mijares era el show de atracción. De tanto andar con ellos, casi me “graduaba” de monaguillo o de sacerdote. Y no es queja, es como observación que siempre me ha inquietado, la ignorancia de muchos artistas de no leer, de no saber qué se dice de ellos en el terreno profesional. Porque si yo fuera artista, (como lo hacen muchos de los artistas de otros países), me daría a la tarea de saber qué periodista le ha dado continuidad a mi carrera, lo buscaría de vez en vez, le invitaría a intercambiar pareceres de mis avances, bueno, bueno, bueno, creo que ya estoy alucinando “chayotes”. El caso es que Mijares es uno de los baladistas más importantes de la balada seria y de altura, con una discografía respetable y de una calidad generosa y la prueba está en “Uno entre mil”, (1982) . A sus 25 años de trayectoria, Mijares es insuperable en éxitos, en calidad vocal, en llevar una carrera intachable

y lo mejor, de ir acorde a los tiempos, a los sonidos que abundan, sin traicionar sus raíces y sin malbaratar su oficio de baladista. “Uno entre mil” es la canción que habla sobre la superación personal, que incita a esforzarse cada vez más y que provoca a vencer cuanto obstáculo se ponga enfrente. Es su himno. De este álbum hay mucho por decir, mucho por contar y tanto que reseñar. Es claro que “Soldado del amor” lo volvió a llevar al éxito, un tema muy conocido, muy amado y muy premiado, ok, eso ya todos los sabemos. Pero también está la adorable “Un centavo de amor”, escrita por Felisatti y J.R. Flores. Tan etérea es “Un centavo de amor”, de ese estilo de canciones que le funcionan a su sentir a la hora de cantar, de esas canciones de amores tan distantes y de letras llegadoras. “Como un ladrón” es un excelente ensayo para llegar a la graduación en “Con un nudo en la garganta”, en la que el ex corista de Emmanuel se planta en un pop rítmico al que le sacó sangre años después. “El breve espacio” de Pablo Milanés la hace tan suya que se la compro. “La guerra del amor” de Miguel Blasco y “No quiero perderte” cumplen y muy bien. Lo fuerte y nostálgico de “Uno entre mil” recae en “Tan solo” de Alejandro Filio y “Nube azul”, ni a cuál irle, las dos son de una calidad majestuosa. “Tan solo” está tan bien narrada, tan extraordinariamente bien interpretada que es como una película que pasa por nuestra mente y vemos a un Mijares que camina por el parque, como tantas veces, fumando un cigarro, el número 13, dibujando su figura entre humo y lluvia y llorando porque jamás pensó que un día ella le faltara tanto. La mancuerna de Mijares/Filio en “Tan solo”, resultó estupenda. En “Nube azul” encontramos a ese Mijares entregado, impulsivo, arreba-

tado, poniéndole voz a la canción que para mí lo proyecta como uno de los 5 latinos más influyentes de la balada

romántica hecha con un nivel y con una clase que aplasta toda esa basura musical que impera hoy en día.

MÚSICA

MEMORIES OF THE PA ¡La más grande, y no sólo de España...! Título del disco: Rocío Jurado Artista: Rocío Jurado Género: Pop Año: 1981 Calificación: ★ ★ ★ ★ y una más

asta para portar la arrogancia y soberbia se requiere de un estilo, de una personalidad, de una actitud, de una clase y todo eso lo tenía de sobra Rocío Jurado, la más grande, y no sólo de España... ¡del mundo entero! “Rocío Jurado” o mejor conocido “Como una ola”, (1981) fue, quizás, el álbum y la canción más representativa de esta impactante intérprete que todo lo que cantaba le sentaba de maravilla, cada canción era como una joya diseñada a su medida, a su temperamento, a su prodigiosa y memorable voz. “Como una ola”, de Pablo Herrero y José Luis Armenteros, es una de las contadísimas canciones que metaforizan al amor de una manera tan bella y sublime; “Como una ola” es la perla que la Jurado portaba con orgullo-. El álbum homónimo de Rocío Jurado es un trabajo pulcro con temática adulta, que trata de situaciones propias que se tienen que cantar con voz fuerte, agresiva pasional y con mucha entrega y de este calibre está “Muera el amor”, tan increíblemente dramática como la mirada fiera de la Jurado. “Muera el amor” se convirtió en un himno por esa manera tan soberbia de plantearla, por esa furia vocal tan propia e irrepetible que tenía de hacerlo. “Tú, que me besas, que me pesas. Tú, que me rompes, que me rasgas, que me dueles, que me gastas, que me manchas y encima voy y te quiero y ★ Regular

yo te quiero. Muera el amor, muera el amor, muera el amor”. “La emperatriz de la copla”, como también se le conocía, está de un sufrir en “Por la puerta más pequeña”, la historia de quien se siente engañada y tiene que salir de la vida de su amado por la puerta más pequeña de su amor, de su vida. “Todavía tengo orgullo” es de un corte muy al drama de aquella que se rebela a ya no vivir sin haber vivido al lado de su hombre. Un tema que, a pesar de su contenido abgridulce, es disfrutable por esa entrega al cantar. Por algo este álbum logró 15 discos de platino y ese algo estriba en piezas de gran poderío como “A pesar de todo”; con ese despliegue que la Jurado hace de canto. Y es grande en “De quien será la culpa”, un tema de José Luis Perales, que trata de esa historia triste de cuando el deseo de estar juntos muere por parte de uno de los dos, de ese amor que irremediablemente se va poco a poco. El sello de este LP radica en los arreglos tan orquestales, muy a la par a la arrolladora personalidad de su interprete, una cantante que cada que salía al escenario, dejaba el alma misma en él. El disco, producido por José Antonio Álvarez Alija y Miguel Ángel Patiño Martín incluye “Naranja pero limón” de Honorio Herreros y Luis Gómez Escolar, es de una pieza alejada de todo dramatismo, de un reposo vocal que hacía falta en este disco, al igual que “Lo vas a conseguir”, mi favorita de este disco que por mucho es un hermoso legado de alguien que definía su canto como “una pincelada de flamenco, una pincelada de una canción romántica, otra sudamericana y otra internacional…” ★ ★ Bueno

★ ★ ★ Muy bueno

★ ★ ★ ★ Excelente

MÚSICA

AST...

Michael Quaid

EDICIÓN ESPECIAL DISCO CRÍTICA

¡Romántico a morir! Título del disco: “Yo mismo” Artista: Luis Ángel Género: Pop Año: 1982 Calificación: ★ ★ ★ ★

on ese registro vocal, Luis Ángel puede cantar lo que se le pegue la gana y hacerlo como él sabe hacerlo, de una lágrima que abraza cualquier tipo de sentimientos. Como compositor es punto y aparte, sus “clientes” son de un catálogo muy caro: José Feliciano, Paul Anka, Dulce, Herb Alpert, Lani Hall, Jimmy Osmond, Luis Miguel, Ricky Martin, Pedro Fernández, Eddie Santiago, Jerry Rivera, Ednita Nazario, Yuridia, María Conchita Alonso, Olga Tañón, Valeria Lynch, por tan sólo mencionar algunos. “Yo mismo”, (1982), su segunda producción en el mercado, es un álbum que afianzó la carrera en México del ex de la puertorriqueña Ednita Nazario, y su éxito mayor de este disco fue “Lluvia”, que lo llevó a recorrer mundo. De “Yo mismo”, el cantante argentino extrajo canciones ya inmortales como “No hieras mi vida” y “Devuélveme”, que en boca de Lupe D´Alessio es oro molido. Pero vamos por parte, “Lluvia” es un corte musical que entró de lleno al gusto del público y cómo no, si es un sencillo escrito con toda la mano e interpretado con verdadera pasión y entrega. De todos los argentinos que han llegado a México, Luis Angel es de los pocos que en verdad construyó una carrera sólida y de respeto, sus composiciones son de una fuerza y elegancia a prueba del más exigente. Y para muestra basta con escuchar

“Devuélveme” de esas canciones de un reclamo interpretativo de pasión, de enjundia, de “tirarte” al piso y exigir “el amor que en tu boca gasté”. “Devuélveme” es de letra cara, muy cara, de una letra que era irremediable llamaría la atención de “La Leona Dormida” y confieso que aún ahora, al paso de los años, no sé cuál versión me seduce más, si la de Luis Angel o la de Lupe, ambas son de una entrega interpretativa apantallante. “Amo no hieras más mi vida” es de rigor en las fiestas donde un karaoke “Amo no hieras más mi vida” es de esas rolas que no se olvidan, de las que tiene una personalidad poderosa que al paso de los años se aprecia y se goza mejor. Pero mi favorita es “Viento”, esa clase de matizar y darle el tono exacto a cada palabra, pocos lo logran como Luis Ángel, además, un plus que tiene este hombre es una dicción PERFECTA, cosa que siempre agradeceré en un cantante. “Viento” es el suceso musical en “Yo mismo”. “Y es que llegaste tú” les funcionó a las mil maravillas, tanto que muchas y muchos se la pidieron “prestada” para grabarla en sus respectivos discos, ¿verdad María Conchita Alonso? “Súbete a una estrella” es para agarrar un cancionero y hacerle segunda voz. Conozco tantas canciones con el nombre de “Sin ti”, que una más o una menos no pasa nada; esta “Sin ti”, a diferencia de muchas otras, es de colección, porque insisto, el sello y estilo de Luis Ángel es hermoso, relajante y por demás disfrutable. Por ahí están “Dime dónde” y “Un día más”, ambas escritas para aquellas almas que aman el amor, ese amor que va del abandono al amor más puro del universo.

Edición Especial