Revista DIFUSION by AlexaCruz

El hilo de la comunicación, es un concepto basado en los diferentes aspectos y elementos que lleva la comunicación, y ¿por qué un dinosaurio?, Bueno como todos saben la comucación no es algo nuevo, sino es algo que lleva años, siglos de existir, el dinosaurio es una metáfora, que representa el tiempo y todo lo que a sucedido a traves de los años con la comunicación.

6-9 10-15

Desde diferentes persptectivas

16-23

Diseño Universas

Tendencias en Blogs

24-27

¿Qué la unión hace la fuerza?

28-31

The New Call

32-37

Fotografía Macro

38-43

Recursos Digitales

44-45

Los Macarrones de Francis

46-51

Guía para diseñar un portafolio impresionante

52-57

Una herramienta de estimulación “el diseño

58-65

La historia sin fin

66-71

Diseño innovador

72-75

La moda eco diseño

76-79

Señalética en Tiquisia

día en el que el 80-83 El peatón vive a ciudad pinceles 84-89 Pintura, alma y corazón

Créditos Difusión es una revista cuatrimestral de criterio independiente con un propósito académico desde el prisma del diseño, el arte y las industrias culturales. Las opiniones de los elaboradores no necesariamente expresan los puntos de vista del Concejo Editorial o de la Universidad Veritas. Queda prohibida la reproducción total o parcial de los contenidos sin la debida autorización. Editorial “Aprender a recibir la crítica constructiva y sobre ella trabajar por la mejora de los diseños, fue de las experiencias más significativas alrededor de este curso y de la realización de la revista; además, el lograr entender que la propuesta de uno no es mejor que la de los otros, en tanto la otra propuesta realmente logró un mejor diseño que la de uno, eso también hace crecer”, expresó Mariam Briceño, al presentar la propuesta de esta edición el último día de clases. Porque aparte del reto de resolver el diseño de un artículo, el estudiante se enfrenta con el proyecto de la revista a trabajar cada uno de los contenidos con el objetivo de que sea el suyo el que sea elegido para estar dentro de la edición; sobre esto está la sana competencia y la humildad de reconocer que siempre hay quien da un paso más allá y es el que logra la diferencia. Pero al final queda el aprendizaje que es lo que nos permite crecer y retarnos para hacer de nuestro trabajo algo que cada vez sea mejor. En esta edición encontrarán más que artículos, experiencias vividas alrededor de la quinta edición del Festival Internacional del Diseño FID, y de la visita a la exposición de uno de los artistas más importantes del Renacimiento, el alemán Alberto Durero, realizada en el Museo del Banco Central. Encontrarán entrevistas a estudiantes y egresados de las carreras con experiencias como la participación que ellos tuvieron en el Nueva York Fashion Week y el éxito de un Blog alrededor del proyecto Peppermint de la egresada de nuestra Escuela Lisa Barquero, entre otros artículos de gran interés que espero puedan disfrutar.

Presidente Ejecutivo Ronald Sasso Vicepresidenta Luis Diego Bolaños Concejo Editorial Juan Carlos Porras Eric Rodríguez Ana Lucía Ferrero Dirección de Arte Vicky Ramos Diagramación y Diseño Diseño Publicitario IV Arte Final Mónica Bastos Portada Alexa Cruz Ceciliano Redacción Ana Lucía Ferrero Iconografía Alexa Cruz Ceciliano

Mariana Ramírez Director de la Escuela de Comunicación Visual Editorial

Tendencias en Blogs Comida y Food Styling

El acelerado acceso a Internet en todas partes del mundo, es una herramienta que busca reinventarse todos los días debido a su propia característica de generar respuestas de manera instantánea, esto ha abierto una gran cantidad de posibilidades para sus usuarios. Por: Fiorella Bermúdez Dentro de lo anterior se habilitan diferentes espacios como los blogs. El primer blog se creó en 1999, a partir de ahí se ha expandido de una manera exponencial. Esta revolución le abrió las puertas a cualquier persona para ser un potencial periodista, ya sea este el jefe de una gran empresa así como un desempleado en su casa. Inicialmente se utilizaron en el ámbito de la política, de los cuales los candidatos obtuvieron grandes beneficios. Hoy en día existen gran usuarios de blogs, estan los que encuentran respuestas a su preguntas así como los que profundizan sobre temas en específico, ya sea de alimentación, moda, fotografía, estilos de vida, viajes, dietas, ejercicio, entre otros.

Entonces se define que uno de los criterios más importantes para un blogger es generar interés en sus usuarios. Lo anterior propone también que entonces el blogger deberá mantenerse actualizado en temas de tendencia para su público objetivo. Mantener un blog requiere de gran constancia y actualización, ya que en internet todo se mueve velozmente. Una de las tendencias más recientes ha sido la preocupación de las personas por su comida. Los consumidores tienen más preocupación por el cuidado de su salud y buscan consumir de manera más orgánica, natural y local. Según un estudio realizado por Technomic, las razonas por las cuales se busca consumir comida más saludable son:

• Sentirse mejor físicamente • Mejorar la calidad de vida • Tener una dieta balanceada • Tener una dieta nutritiva

Cuando una persona decide arriesgarse a escribir un blog, siempre es necesario tener en cuenta que el blogger creará su propio personaje y a partir de este punto se definirá su modo de tratar la información. Erik Ringman en A Blogger´s Manifesto, nos cuenta la historia detrás de su primer post en el que utilizó un tratamiento divertido de la información y hasta infantil. De esta forma, el definió su estilo, pero por otro lado, muchos otros bloggers utilizan lo divertido e infantil, razón por la cual es necesario recalcar el hecho de la creación de personajes. Un blogger debe de resaltar y buscar

ser diferente de lo demás que se ofrece, lo que les permite crear su propio mundo. Sin embargo, este personaje algunas veces estará ligado a la realidad, otras se verá influenciado por la ficción y otras veces será totalmente fantasioso. Al final, es una forma de expresión del usuario, que busca llamar la atención de sus seguidores. También están los usuarios que utilizan esta herramienta solo para expresarse sin tener como objetivo generar seguidores, sin embargo la gran mayoría se utiliza de manera comercial.

¨consiste en preparar no solo el plato para que sea digno de una buena fotografía,¨

Otro estudio de Global Food Forums, nos menciona las tendencias en estas comidas saludables que van desde un mayor consumo de sopas, de probióticos, menos consumo de productos con azúcar, hasta buscar una forma de manejar las sobras de comidas. Para lograr lo anterior, es necesario tener criterios no solo de recetas que cumplan con estos parámetros sino que se busca también una guía para consumir saludablemente fuera de casa. Muchos son los bloggers que han optado por estos temas ya que cada vez hay más seguidores de esta tendencia, sin embargo, presentar este tipo de información, no es nada fácil. Como se ha mencionado en varias ocasiones, una de los grandes demandas en un blog es que este sea atractivo. Para lograr lo anterior en temas de interés por el consumo de alimentos, se utiliza muchas veces el llamado:

Food Styling. Este es un arte que consiste en preparar no solo el plato para que sea digno de una buena fotografía, sino que también se controla todo el escenario. Una persona encargada del food styling debe de encargarse de arreglar todos los detalles esenciales, ya sea maquillar la comida, buscar los ángulos en los que estos se vean más atractivos, crear un ambiente, mantener la composición de la misma debido a que pueden requerirse varias tomas, entre otras cosas. Es importante igualmente recalcar que el food styling no solo se da en un estudio con un gran personal y equipo, una persona que no cuenta con esos apoyos para su blog, también puede lograrlo por medio hasta de su cámara celular. En Costa Rica, existen varios blogs que exploran este tipo de tendencias aplicando el food styling. En cuanto a temas de recetas saludables, podemos encontrar el Blog: Healthy Happiness, el cual recientemente debido a su crecimiento, pasó de ser un blog a una revista digital. Natalia Salazar es la encargada como directora editorial del sitio, que cuenta de igual manera con un grupo de profesionales que aportan a la revista. En esta nueva versión de la revista se pueden encontrar temas de estilo de vida así como de recetas que se enfocan en comida saludable. Mucho de sus enfoques se encuentra en: bienestar, nutrición, novedades, deporte, así como también se implementó la sección de lugares, que nos muestran consejos de cómo comer saludablemente en diferentes restaurantes urbanos. Esta es una muestra de las posibilidades y gran alcance que tienen los blogs de comida en nuestra cultura que ha logrado que un pequeño proyecto, se haya desarrollado de gran manera en muy poco tiempo.

Por último, otro blog que se ha desarrollado de gran manera por su metodología en redes sociales es el de: Comiéndonos Chepe. Este se creó por medio de dos amigas que exploraron el arte y el gusto por la buena comida. Según se define no son más que unas aficionadas que brindan respuestas a sus seguidores. Su dinámica consiste en mostrar imágenes de los platos que prueban en diferentes restaurantes y califican su experiencia del 1 al 5 en temas de servicio, lugar, calidad de la comida y precio. Esta dinámica es de gran interés ya que a las personas les interesa conocer referencias cada vez más específicas de las experiencias de cotidianas. Diseño: Alexa Cruz

Bibliografía: Custer, D., (2010), “Food Styling: The Art of Preparing Food for the Camera”, Editorial: John Wiley & Sons. Ringmar, E., (2007), “A Blogger’s Manifesto: Free Speech and Censorship in a Digital World”, Editorial: Anthem Press. Hewitt, H., (2006), “Blog: Understanding the Information Reformation That’s Changing Your World”, Editorial: Thomas Nelson Inc. The Healthy Eating Consumer Trend Report | Technomic Inc. (s. f.). Recuperado de https:// www.technomic.com/Reports_and_Newsletters/ C o n s u m e r_Tr e n d _ R e p o r t s /d y n _ P u b L o a d . php?pID=75 2016 emerging food trends | Global Food Forums ® (2016). Recuperado de http://www. globalfoodforums.com/food-news-bites/2016food-trends/

El diseño Universal (también conocido ¨Diseño para todos¨ es el sueño que muchos usuarios y empresas esperan acerca de un producto y que este pueda ser idealmente utilizado por todos, independientemente su capacidad, edad o cultura.

EL DISEÑO

UNIVERSAL

TODOS Y PARA CADA UNO

PARA

Por: Elís Baltodano y Stephy Oviedo.

Si se tratara de una utopía, no encontraríamos productos que se dirijan y satisfagan a una gran parte de su público. Por ejemplo, una sombrilla, un lapicero o incluso una cinta adhesiva son productos que satisfacen una gran parte de sus usuarios. Son productos que por lo usual no traen etiquetas que indiquen clasificación por edad, clase social o grupo cultural y se convierte en productos de consumo cotidiano ubicados comúnmente en los supermercados y lugares de fácil acceso. El diseño universal fue formulado originalmente por Center for Universal Design de la Universidad de Carolina en el Norte en Estados Unidos. Este centro fue establecido en 1989, por Ronald L. Mace, con el apoyo del Instituto Nacional de Discapacidad y Rehabilitación (NIDDR). Y este se define como una forma de diseño tanto como de productos como entornos, con el fin de que sean accesibles al mayor número posible de personas sin importar los diferentes tipos de condiciones físicas que tengan. ¿Cuál es la correcta orientación que debemos tomar hacia un diseño universal? Mediante la observación de diferentes grupos en la sociedad (niños pequeños, adultos, jóvenes etc) nos damos cuenta que existe una gran gama de productos universales que se perpetúa a pesar del tiempo y para esto existen 7 principios de diseño que deben tomarse en cuenta :

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Igualdad de uso:

Se trata de un diseño fácil de utilizar para todas la personas sin importar sus capacidad y habilidades. Evitando las diferencias entre usuarios y creando las formas de uso lo más idéntico posible.

Flexibilidad de uso

Ampliar el rango de preferencias y habilidades individuales ofreciendo posibilidades en la forma de uso, facilitando exactitud, precisión y ritmo del usuario.

Simple e intuitivo

Fácil uso , eliminando la complejidad innecesaria. Ofreciendo respuestas válidas sin importar la alfabetización o preparación del usuario.

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Tolerancia al error

Minimizar consecuencias adversas de acciones involuntarias o accidentales. Advirtiendo sobre riesgos y peligro para minimizar acciones inconscientes.

Que exija poco esfuerzo físico

Diseño eficaz y confortable que no implique fatiga.

Tamaño y espacio para el acceso y uso

Tamaño y espacios apropiados para un mejor alcance y manipulación y uso. Considerando también las variaciones de tamaño de la mano o del agarre.

Los Límites

Información comprensible

Diseño que comunique la información necesaria al usuario y distinga claramente la información básica.

UN DISEÑO

FÁCILDE UTILIZAR PARA

TODAS LAS PERSONAS

Todo tiene sus límites, incluído el diseño universal. Al ser productos cuyo objetivo es funcionar para todos, o para la mayoría en el mejor de los casos, pueden existir personas con necesidades específicas que contradicen lo que otras personas pueden necesitar. Este diseño Universal se opone a la lógica de un objeto diseñado específicamente para una parte específica de la población. Dicho esto, no significa que esté prohibido hacer cosas estéticamente bellas sea cual sea nuestro público objetivo.

Cada persona es un mundo. Ya que el diseño para todos significa el usuario, tener garantía de que un producto o servicio fue diseñado tomando en cuenta sus características personales el diseñador debe considerar todas las variables de uso que puede tener un diseño. Puede una persona puede llegar a utilizarlo si tiene un brazo ocupado o que falte de él, puede una persona zurda, alta, baja, que no tenga suficiente fuerza, etc. Todo esto se debe tomar en consideración, más no solo en la funcionalidad sino también en el disfrute que tendrá el usuario al utilizar el producto, de sentir que puede disfrutar de su entorno sin ningún tipo de discriminación por causa de sus características individuales. Sin embargo, para lograr esto los usuarios deben de tomar una actitud inconformista cuando se ofrecen productos que no se ajustan correctamente a sus necesidades o que pueden llegar a mejorar todavía más.

Al hablar de diseño universal estamos contemplando todas diferentes necesidades y su forma de adecuarlas al entorno, por esto comentaremos un poco sobre cada una de estas diferentes capacidades:

El ENVEJECIMIENTO:

EL OLFATO

El envejecimiento se conoce como el estado en donde los órganos del cuerpo ya están completamente desarrollados y empiezan a deteriorarse con el paso de los años. En nuestra sociedad cada vez se toma menos en cuenta esta parte de la población y no se valora la experiencia y habilidades para la resolución de problemas que tiene este colectivo.

El olfato es uno de los sentidos más conectados con nuestros mecanismos emocionales, es por esto que últimamente se ha ido explotando a nivel de marketing.Capacidad reducida para percibir olores: Se produce la incapacidad de detectar los olores, la disminución de la sensibilidad, o la percepción errónea de otros. Estos trastornos pueden producir trastornos en el gusto.

LA VISIÓN: El ojo humano es el encargado de captar la luz y permitirnos interpretar el entorno en donde nos encontramos, a través de los años o tal vez desde el nacimiento se van desarrollando algunas alteraciones, algunas irreversibles, que hacen que el ojo no funcione como debería tales como: ceguera, visión túnel, pérdida de la visión periférica o central, dificultad para ver objetos cercanos o distantes, daltonismo, visión en blanco y negro, astigmatismo, entre otros. Algunas de estas alteran la percepción de la persona con respecto al espacio dificultando su relación con el entorno.

LA AUDICIÓN: Gracias al oído podemos interpretar las ondas sonoras y ayudar a interpretar nuestro entorno. Además el oído interno nos ayuda con el equilibrio del cuerpo. Estas son algunas de sus alteraciones: sordera, incapacidad para oír sonidos a un volumen o frecuencia habitual, zumbidos, dificultad en la discriminación y comprensión del habla o inclusive vértigo.

EL TACTO Nuestra piel al tener una enorme cantidad de terminaciones nerviosas es capaz de percibir estímulos como presión, rozamiento o temperatura. Esto, junto con el órgano del equilibrio, nos ayudan a saber sobre nuestra posición relativa en el espacio. Incapacidad para percibir estímulos táctiles: esta incapacidad se produce por un daño en el sistema nervioso, lo que genera una insensibilización en las zonas que han quedado desconectadas del cerebro.

EL GUSTO Por medio de las papilas gustativas ubicadas en la lengua y el paladar las personas, mediante la detección y combinación de 4 sabores básicos, somos capaces de disfrutar de una amplia gama de sabores distintos. Capacidad reducida para percibir sabores: debido a accidentes o enfermedades la persona se puede volver incapaz de detectar los sabores de las cosas o provocarles un cambio en su percepción.

LA MANIPULACIÓN La actividad manual forma parte de la actividad del aparato locomotor, sin embargo, muchas enfermedades, accidentes o el envejecimiento hacen que esto se convierta en un problema, ya que afecta la coordinación y conexión de la mano con el cerebro. Como por ejemplo:

Dificultad para el agarre en pinza: es la dificultad de oponer el dedo pulgar al índice, dificultando la precisión de la persona.

Dificultad para el agarre: la dificultad de tomar objetos, debido a varias razones como por ejemplo enfermedad, vejez o parálisis.

Dificultad en el control de pequeños movimientos: pueden ser generados

por temblores rítmicos de poca magnitud que afectan los extremos del cuerpo y dificultan movimientos precisos y pequeños.

LA MOTRICIDAD Y COORDINACIÓN CORPORAL La mayoría son consecuencia de accidentes o enfermedades que generan dificultades o incapacidades para controlar el cuerpo libremente, puede ser por alguna reducción de la fuerza, resistencia o flexibilidad de algunas partes o la incapacidad de coordinar o conectar con el cerebro, al igual que vimos anteriormente. Algunos ejemplos de esto son parálisis cerebrales, lesiones medulares, epilepsia o la extracción de algún miembro del cuerpo que en muchos casos hacen necesario el uso de bastones, sillas de ruedas o algún otro sistema de apoyo.

LA COGNICIÓN La cognición es el proceso de representación mental por el cual el ser humano percibe e interpreta el entorno en el que se encuentra. Los problemas cognitivos se encuentran más en personas de la tercera edad, personas con deficiencia psíquica o con algún trastorno cerebrovascular. Algunas alteraciones que provocan son: pérdida de memoria, dificultad de orientación, incapacidad o dificultad para hablar, dificultad para comprender o recordar procesos complejos, entre otros.

FACILITANDO EXACTITUD, PRECISIÓN Y RITMO DEL USUARIO Diseño: Alexa Cruz

BIBLIOGRAFIA Aragall, F. (s.f) Diseño para todos: un conjunto de instrumentos. Recuperado Setiembre 26, 2016 de http://www.fundaciononce.es/ sites/default/files/docs/DISEOPARATODOSUnconjuntodeinstrumentos_2.pdf Fadiño J. (2011). Diseño Universal en 7 principios. Recuperado Setiembre 26, 2016, de http://fabrica-di.blogspot.com/2011/12/ diseno-universal-en-7-principios.html GUIA PARA EL DISEÑO UNIVERSAL DEL ARPENDIZAJE (DUA). (s.f). Recuperado Setiembre 26, 2016, de http://web.uam.es/ personal_pdi/stmaria/sarrio/DOCENCIA/ASIGNATURA BASES/LECTURAS ACCESIBLES Y GUIONES DE TRABAJO/Diseno Universal de Aprendizaje.pdf Hernández-Galán, J.; de la Fuente Robles, Y.; Campo Blanco, M.(2014).“La accesibilidad universal y el diseño para todas las personas factor clave para la inclusión social desde el design thinking curricular”. Educació Social. Revista d’ntervenció Socioeducativa, 58, p. 119-134 Pastor, C. A. (s.f.) Diseño Universal para el Aprendizaje (DUA). Recuperado Setiembre 26, 2016, de http://www.educadua.es/doc/ dua/dua_pautas_intro_cv.pdf

Francis es uno de los mapaches más extraños que he conocido, a él no le gusta comer cualquier cosa, no, no, él solo come macarrones. Su familia vive en el bosque y él aquí en la ciudad: llena de carros, edificios, olores feos cuales y muchas muchas personas; perooo… adivinen por que se quedo a vivir acá? SÍ, por supuesto, por los macarrones. Su obsesión empezó el día en el que acompañó a su papá a visitar a la tía Julieta y de camino para San José pasaron al basurero del Mercado Central, para Francis ese lugar era muuuy extraño, pero, tenía tanta hambre que intentó buscar algo de comer. Lo primero que sacó del basurero fueron unos zapatos que olían a queso, intento comérselos, pero no le gustaron. También se encontró un cepillo de dientes usado, unas medias rotas, tres cáscaras de banano, que no le gustaron.

Cuando por fin encontró algo, le preguntó a su padre, que qué eran esa tiras largas que parecían lombrices delgadas, pero él estaba tan concentrado en busca de su comida, que no lo escuchó. Francis creía que eran cordones para los zapatos, que se había encontrado antes, sin embargo, eran muy suaves. Luego pensó que eran collares, y quería regalarle uno a su madre, - SE PREGUNTÓ ¿y si se comía? Mordió la mitad del macarrón y desde ese momento le encantó, terminó de comérselos y quería más, no porque quedara con hambre, sino porque le encantaba la sensación que sentía cada vez que se comía uno. Unas horas después, cuando llegaron donde la tía Julieta, Francis se puso inquieto, solo porque quería comer macarrones, entonces fue en busca de más. Se detenía en cada basurero que

se encontraba, hasta que llegó a un lugar maravilloso.¿será un sueño? –SE PREGUNTÓ, pero no, no era un sueño, Francis encontró el restaurante de Don Bernardo, él era especialista en las pastas, pizzas y toda esa clase de comida. Francis trató de robarle un poco de los macarrones que cocinaba en ese momento, pero una vez que Don Bernardo se dio cuenta, el mapachito salió corriendo. Intentó asomar su nariz y sus ojos por la ventana para ver cómo se preparaban, pues así le podría enseñar a su madre y a su padre para que le hicieran por las noches. Fue en ese momento que escuchó un grito de su tía, ya se tenía que ir. Francis no olvida ese día, el día en que probó los macarrones. Desdé ese momento supo que quería vivir en la ciudad.

Guía para diseñar un portafolio

impresionante Por: Natalia Mairena Mora

Llega ese momento en la vida en el que se desea mostrar los conocimientos como diseñadores, presentar los mejores proyectos y conseguir ese trabajo o cliente que tanto se desea. Pero ¿Cómo hacerlo? ¿Por dónde se debe comenzar?, aquí se presentarán algunos tips necesarios para que éste sea el mejor portafolio.

La buena noticia es que los conocimientos y herramientas ya están, lo complicado está en la organización de ideas y proyectos, por lo que esta guía puede ser muy útil para estos momentos.

Un resumen de su carrera, tanto profesional como universitaria (Una hoja dónde está toda su información personal, conocimientos y habilidades, es a la que se le conoce como CV, preferiblemente debe ser en una página)

En esta era, predomina la tecnología, en la que si se promociona en la web es más probable que le vean y más accesible es su trabajo, sin embargo, aún es necesario en algunas ocasiones tener un portafolio en físico, por lo que aquí, se le van a dar las dos alternativas.

Seguidamente los mejores trabajos elaborados. Para el resumen de su carrera, es importante colocar los datos que se van a mencionar a continuación, siempre tomando en cuenta que como diseñador, hasta eso debe de ser bien pensado, incluso puede hacerlo como un infográfico sobre lo más importante que se debe saber sobre sus habilidades, herramientas y experiencia:

¿Qué debe contener un portafolio?

Su portafolio, su proyecto: su carta Público objetivo: plantee las de presentación, se debe tomar como siguientes preguntas para definirlo: un proyecto especial, incluso a el que ¿Quién quiero que vea mi portafolio? le debe dedicar más tiempo, ya que ¿Qué quiere conseguir con él? ¿Busca nadie lo conoce mejor que usted mis- trabajo fijo o se promociona como mo, piensa en usted como un cliente, freelance? ¿Cuál es el perfil de cliente cree un brief y ponga un plazo que busca?, defina su cliente ideal y hable para él.

Un poco de quien es usted es importante, es por esto que se debe escribir una breve descripción sobre lo que hace, lo que le apasiona y porque es que se le debe contratar, si ésta parte le cuesta un poco, pida opiniones a otros colegas, o a sus familiares, máximo un párrafo de tres líneas.

10.

Idiomas: Debe decir los idiomas en los que habla.

Es importante que contenga la información de contacto, como número de teléfono, correo electrónico, Facebook, behance, o alguna plataforma de este tipo.

Coloque un poco sobre su vida, no hace falta una cronología de todo, por lo menos desde el colegio, en todos los aspectos debe poner desde el año en que inicio hasta el que culminó y así lo que ha hecho hasta el día de hoy.

Experiencia: este apartado es uno de los más difíciles si se es estudiante, no se preocupe, puede incluir trabajos que ha hecho de freelance y el año en que los hizo.

Herramientas: Aquí se agregan las herramientas que se conocen de trabajo, como por ejemplo ilustrador, photoshop, etc. Incluso puede poner las herramientas físicas que tiene, como la computadora o una tableta Wacom.

Link o código QR de su portafolio online.

Habilidades: Escriba en las que más se destaca, como por ejemplo fotografía, diseño gráfico, foodstyling, branding, etc… Es colocar en lo que se considere mejor o en lo que sabe hacer.

Tips: No coloque porcentajes, debido a que lo que para usted pueda ser un 100% de ilustrador, para la persona que lo contrate puede ser un 50%, es mejor solo decir que conoce del programa, en la entrevista puede aclarar más lo que sabe de cada uno. Esto también aplica en el idioma. Si quisiera poner su nivel, mejor colocar básico, medio , alto. Se recomienda pedir a otra persona que lo revise, si necesita hasta una cuarta opinión es mejor que se pida. Revise y lee una y otra vez, ya que esta es la primera impresión.

Portafolio Físico:

Hoy día ya no se es tan necesario tenerlo físico, este sirve como respaldo para llevar a una entrevista, o en caso de que se sea ilustrador, es mejor mostrar las piezas.

Su portafolio, su proyecto: su carta de presentación, se debe tomar como un proyecto especial, incluso a el que le debe dedicar más tiempo, ya que nadie lo conoce mejor que usted mismo, piensa en usted como un cliente, cree un brief y ponga un plazo.

Público objetivo: plantee las siguientes preguntas para definirlo: ¿ Quién quiero que vea mi portafolio? ¿Qué quiere conseguir con él? ¿Busca trabajo fijo o se promociona como freelance? ¿Cuál es el perfil de cliente que busca?, defina su cliente ideal y hable para él.

Selección, vale más calidad que cantidad: tanto en el portafolio físico cómo en línea, se debe incluir o hacer una curaduría de sus trabajos, en los que se incluyan de 5 a 8 de sus mejores proyectos, idealmente cinco, dónde se eligen los mejores, los que lo hagan sentir orgulloso y describan bien lo que ha hecho. ¿Porqué así? Debido a que las personas que lo van a contratar tienen muchas aplicaciones para el mismo puesto y probablemente no tienen mucho tiempo para ver sus trabajos y si va a colocar unos que sean los mejores y los que más impacto van dejar. Es muy útil seleccionar en carpetas separadas los mismos para mantener el orden.

Incluir ejemplos apropiados: esto quiere decir que si usted está solicitando un trabajo de diseño gráfico, busque sus mejores trabajos de diseño gráfico y se debe enfocar en ese rumbo, si busca de diseño Publicitario, ponga sus mejores piezas de publicidad. Esto no quiere decir que no pueda poner una pieza que solo sea gráfica, pero si debe tomar en cuenta que sea una que le sirva para mostrar habilidades que le van a favorecer en ese puesto.

Contexto: A cada una de sus piezas, se debe proporcionar contexto, porque así es más fácil para el espectador juzgar su obra. Escríbale anotaciones sobre cuando lo hizo, sobre el cliente y sus peticiones, el proyecto o producto que realizó, también sobre como se resolvió y porque utilizó técnicas específicas, si se tiene una anécdota que es valiosa o relevante también puede incluirla, las herramientas utilizadas, no lo haga muy extenso, debe ser breve.

El trabajo extracurricular es válido: Si se tiene un proyecto, como una ilustración o un afiche que se hizo por hobby, para algún familiar y considera que quedó como para exponerlo en su portafolio, no se debe dudar en incluirlo.

No más de tres años: Los proyectos elegidos, preferiblemente no deben tener más de tres años, debido a que las tendencias están en constante cambio y con la tecnología va aun más rápido, si coloca un trabajo un poco antiguo rápidamente queda obsoleto, claro existen excepciones, si un trabajo de hace tres años aún cumple con lo que se hace y lo define como diseñador ,es válido incluirlo, pero solo bajo ésta condición, es normal que se le tome cariño a algún trabajo en específico, pero se debe tener criterio para saber si le favorece o no en determinados momentos.

¡No tenga

miedo

a la crítica!

¿Cómo presentar los proyectos?: Todo entra por la vista, se debe buscar las mejores fotos, o los mejores PDFs con una calidad muy alta, porque no se sabe si se va a requerir de impresión y siempre es mejor tenerlos en alta resolución, si se tiene un proyecto como una página web, podría utilizar los mock up como recurso para mostrarlo mejor, si por ejemplo se tiene una ilustración, el proyecto puede mostrarse con el proceso de cómo se inició y hasta mostrar el resultado final. Recuerde siempre no extenderse tanto. Es recomendable de 4 a 6 páginas como máximo.

Diagramación: Se deben utilizar todos los recursos posibles, trate de ser lo más creativo posible, ya que debe tomar en cuenta, quien posiblemente este contratando sea una persona que busca algo diferente, utilice In design como herramienta y explote todas sus habilidades para crear un portafolio agradable a la vista, fácil y entretenido de leer.

Mantenga su portafolio fresco: es decir, debe siempre estar actualizando por si requiere un nuevo trabajo, no siempre va a incluir los mismos trabajos, ya esto se explicó en el punto 4, sobre los ejemplos apropiados.

Índice: Una vez que se tienen todos estos pasos, se procede a la organización del trabajo, la primera Busque una segunda opinión: y última imagen son las que más imde personas que se desarrollen presionan o las que más quedan en la en el ámbito de diseño y también permemoria, es por esto que si tienes una sonas que no sepan nada de diseño, selección de cinco de los mejores tra- todos le van a dar puntos de vista a bajos organizados de mayor a menor, considerar que le ayudarán a ver su donde 5 sea el mejor y 1 sea el que portafolio desde otra perspectiva. menos guste, deberán organizarse así ¡No tenga miedo a la crítica! 4,1,3,2,5, para que se vea uno de los mejores, se baje a uno no tan bueno, Lea, relea, agregue y borre: luego se sube a tres para mantener el Sea crítico con usted mismo, interés, baje un poco y luego queda véalo muchas veces, y hágase las el último que es el mejor. Se organiza siguientes preguntas: ¿Es profesional? la información: con el resumen en la ¿ Es muy infantil? ¿ Yo me contrataría primera página y luego los proyectos, para un puesto de Diseñador Gráfico enumerándolos en el índice. (Publicista, Ilustrador, Mercadeo, Arte finalista, Fotógrafo)? ¿ Porqué no me contratarían? Y todas las preguntas que usted desee hacerse. Tome en cuenta su opinión y la de los demás y ahora si borre o agregue y vuelva a repetir si es necesario.

“El cielo es el límite.”

Portafolio Online: Este es el más utilizado, aplican los mismos principios que en el anterior, solo que con una pequeñas modificaciones. El resumen personal se debe tener en un PDF por si es necesario enviar su información.

Lo más importante de su portafolio Online es elegir la plataforma en la que se quiere mostrar sus proyectos. Alguna de las más utilizadas son Behance ( Es una plataforma donde se encuentran muchos diseñadores), PortfolioBox, Tumblr, Dribbble, Wordpress, ProSite, Flickr, Issuu . Elegir la plataforma está en como se sienta el usuario más cómodo trabajando para lograr su objetivo que es mostrar su proyecto. El más recomendable es Behance, por ser una plataforma conocida en el medio de Diseñadores y por el roce que ahí se puede tener con personas del mismo medio. Puede tener varias, pero es preferible tener una en especifico que sea la que sirva como portafolio par aplicar por un puesto de trabajo.

Se repiten los pasos anteriores: su portafolio, su proyecto, público objetivo, selección y curaduría (muy importante, incluso depende de la plataforma podría incluir más proyectos), Incluir ejemplos apropiados, Contexto ( descripción breve de su proyecto), considerar trabajo extracurricular, No más de tres años (Eliminar trabajos obsoletos), Alta Calidad en las imágenes a presentar, índice y Diagramación (aquí cambia un poco, es la forma en que organizas su trabajo y la cara que le pone a cada carpeta, pero el orden de los proyectos debe ser el mismo), Fácil de actualizar (la plataforma debe ser amigable para el usuario, para que éste la actualice cada vez que sea necesario) , mantenga su portafolio fresco, se vive en un constante cambio y si este portafolio va a estar expuesto en una página al lado de muchos diseñadores que viven en constante cambio, con mucha más razón se debe de hacer), siempre se deben buscar otras opiniones y la más importante es ser crítico con uno mismo.

Diseño: Alexa Cruz Ceciliano

Bibliografía: Stewart, C. (2014, 01 de Abril). Create the perfect design portfolio: 30 pro tips | Creative Bloq Recuperado de http://www.creativebloq.com/create-perfect-design-portfolio-111153 How to create a portfolio (s. f.). Recuperado de https://www.kent.ac.uk/careers/ cv/portfolios.htm Portfoliobox - Su portafolio en linea (s. f.). Recuperado de http://www.portfoliobox.net/es

Usted debe utilizar la plataforma y hacer pruebas para ver si esta es fácil de navegar y a su vez ver si su cliente puede ver sus proyectos.

En web siempre manténgase activo Esta guía es una pequeña ayuda, para orientarse sobre como hacer un Portafolio, existen más tips, porque siempre hay muchas formas de hacer lo mismo, se espera que sea útil para cualquiera que desee empezar hoy su portafolio.

Ravenel, M. (s. f.). 6 Steps To Creating A Knockout Online Portfolio - 99U 99u, 1. Recuperado de http://99u.com/articles/7127/6-steps-to-creating-a-knockout-online-portfolio D.Villamiel, J. (s. f.). Consejos y herramientas para crear un portfolio perfecto Recuperado de https://www.40defiebre.com/consejos-y-herramientas-para-crear-un-portfolio-perfecto/ Defelice, K. (2016, 21 de Abril). Create An Awesome Design Portfolio With These 20 Pro Tips ? Design School Recuperado de https://designschool.canva.com/ blog/portfolio/ Log in | Tumblr (s. f.). Recuperado de https://www.tumblr.com/dashboard Dribbble - Show and tell for designers (s. f.). Recuperado de https://dribbble. com Build a WordPress Website (s. f.). Recuperado de http://1hourwp.org/?utm_ source= google&utm _ medium= genericsearch&gclid= Cj0KEQjw1K 2_ BRC0s6jtgJzB-aMBEiQA-WzDMREw3kVw t-r vRN8mCeg2IR6LaPbi2rhe Su5YN3QvUeYaAkSO8P8HA.

La historia

sin fin

La década actual no es indiferente a este fenómeno. Cabe mencionar que aunque las tendencias son cíclicas, cada vez que vuelven a surgir, por lo general se han reinventado de alguna forma. A continuación les presento algunas tendencias, que están formando parte de la escena social actual:

Por: Silvia Solano

Para un diseñador la referencia es una vieja y conocida amiga, indispensable parte del proceso creativo y fuente de inspiración.

Partiendo de esto, está implícito que ya ninguna pieza es 100% original, más bien sería el resultado de la reinterpretación del autor de piezas creadas previamente, las cuales a su vez son el resultado del mismo proceso. Esto es una regla básica a la hora de entender el comportamiento de las tendencias. Se puede decir que una tendencia a nacido cuando en un determinado lugar y tiempo se da un patrón de comportamiento específico entre los elementos que en este existen. A través de las décadas, los sucesos sociales y su contexto, han sido el motor de la creatividad en distintos campos del arte y el diseño.

En los últimos 100 años el reciclaje de tendencias, ha sido una constante, eso es un hecho. Sin embargo ¿Alguna vez se ha preguntado porque sucede esto? Los expertos en marketing han establecido que las tendencias tienen un ciclo de vida que se divide en cuatro etapas:

Introducción: Solo son utilizadas por las personas vanguardistas. Crecimiento: La gente imita a los dictadores de tendencias.

Madurez: Cuando el mercado esta

saturado.

Declive (o la recurrente frase “pasado de moda”).

Durante este ciclo, una moda o tendencia se lleva al máximo, hasta que la única forma de innovar sea volviendo al punto de partida, del cual inicialmente era el propósito alejarse. No es usted, suena bastante complejo, pero un buen ejemplo son las faldas de la década de los 60. Cada año que transcurría significaba un diseño aún más corto. Cuando ya no se pudieron acortar más, la única forma de presentar una nueva tendencia, era volver a las enaguas largas, y entonces llegaron los setentas, y sus enaguas kilométricas. Cada tendencia en el mercado es el completo opuesto de la tendencia que le sucede. Razón por la cual los minimalistas 90 sucedieron a los abarrotados 80.

El Grunge y el minimalismo viven los 90 Primordialmente hablando de moda. Franelas de cuadros, gargantillas, labial oscuro, joyería simple, líneas anchas, blanco, negro, denim, botas, plataformas, cabello largo y sin peinar en tonos fantasía. El minimalismo y la osadía de los 90 se hacen presentes. Incluso en diseño gráfico, también se siente una corriente minimalista. El uso de módulos y texto modular está cada vez más presente. Se busca dejar más espacios libres, y entre menos texto, mejor. El diseño modular es una técnica en la cual el diseño parte de una matriz (herramienta utilizada para ubicar al cliente en la dirección que este desea ir). En su mayoría viene en cuadrícula, pero no debe ser así necesariamente. Esto se realiza con el objetivo de que la lectura sea más llevadera para el ojo. El flat design también salta a la escena, como representante dentro de esta corriente de simplificación. Entre las ventajas funcionales de este tipo de diseño, se destaca que precisamente al ser más simple, las piezas de flat desing son menos pesadas, por lo cual las páginas que funcionen con este tipo de diseños serán más veloces, en comparación con las que utilicen diseños más complejos, y ya que estamos en una era de culto a la velocidad, el flat design es un buen aliado de las paginas web y blogs de pequeñas, y medianas empresas. Sin embargo el flat design se reinventa agregando algo de tridimensionalidad, para volverse más usable.

Vintage, te vemos Lo vintage es todo aquello que aunque tiene cierta edad, no es lo suficientemente viejo para catalogarse como antiguo. Las cámaras polaroid, que tomaban fotos instantáneas, tienen ahora un pariente homólogo, la cámara instax mini de fuji film. Es una cámara que aunque no en apariencia, es igual a la polaroid en función. En la parte gráfica, el uso de elementos tropicales, frutas y estampados ha sido retomado, mientras que el

estilo bohemio reina en el diseño de espacios. Después de una década en la que se glorificó la producción en masa, regresa el gusto por las cosas hechas a mano, de producción local o artesanal, en pocas cantidades, lo cual resulta en valor agregado.

Pero el uso de colores y contrastes es muy similar, y la suma de patrones y geometrías a esta corriente, nos trae una psicodelia apropiada por los diseñadores y la juventud del nuevo siglo. Es fresca, es bizarra y se derrite. Cabe mencionar que esta tendencia es alimentada por una ya establecida neo cultura hippie, que ha surgido en los últimos años. El vegetarianismo, veganismo, la comida orgánica, la conciencia colectiva con respecto a temas ecológicos, formas alternativas de espiritualidad, entre otras cosas son parte de la corriente que fluye con la nueva psicodelia. La geometría sagrada por ejemplo, es un tema bastante complejo, pero en términos generales, se refiere a un conjunto de formas geométricas, extraídas del diseño de ciertos lugares considerados sagrados alrededor del mundo. La flor de la vida fue y sigue

siendo uno de los patrones más utilizados, desde tiempos antiguos alrededor del mundo. Junto con el mándala son elementos que han sido adoptadas en el diseño gráfico actual. Los patrones son otro elemento, que resucita de la década de los 50 y 60, en ese entonces se utilizaron para decorar, casas , restaurantes y muebles. Actualmente resurgen en nuevos tonos y formatos, algo más sutiles, y se aplican en formas distintas. Muros, pisos (las cerámicas o azulejos de patrones están dominando), estampados en cobijas, almohadones, alfombras, muebles y accesorios se dejan ver cubiertos de diseños lineales, ordenados, simétricos y rítmicos. Es rústico, creativo y limpio, llenan de alegría y dinamismo un espacio común.

Psicodelia, patrones y geometrías, guía básica neo sesentera. La psicodelia apareció por primera vez en los años 60. Estos años estuvieron cargados de un fuerte contexto político, donde la guerra de Vietnam, y la lucha de los derechos civiles y de la mujer, eran los temas rimbombantes. Entonces apareció el cartel psicodélico, como la suma del rock, las drogas y los mensajes de las nuevas generaciones, clamando por

un cambio en el estilo de vida, un replanteamiento de la sociedad de la época. Movimientos estéticos de inicio de siglo como el Art Noveau con sus líneas sinuosas, y el Arte óptico que utilizaba los bloques de color y la repetición, agregando tipografías adaptadas para formar parte de la gráfica, dieron a luz un nuevo tipo de arte. Actualmente la psicodelia en el diseño a tomado un nuevo aire. Ya no se utiliza la forma de cartel psicodélico como tal.

Mármol, oro en blanco y negro. Este tipo de tendencias son las que más me despiertan curiosidad, ya que no se tratan de corrientes estéticas específicamente, sino es más bien del uso de un elemento cómo tal, para saturar el mercado en todas sus formas posibles. El mármol es una roca metamórfica, o sea que está compuesto por varias rocas distintas. Trabajado a elevadas temperaturas adquiere un brillo natural sin ceras ni componentes químicos. Se utiliza sobretodo para construcción, decoración y escultura. Siempre ha estado presente en la arquitectura, considerado como un material fino, de lujo y larga duración, y desde aún más atrás en el arte, con las primeras esculturas en mármol que datan de la Edad Antigua, alrededor de los 600 a.c. Sin embargo para esta década, el mármol surge entre la cultura popular, como los videos de gatos en redes sociales. En cuanto a diseño del producto, los

estuches de celulares, computadoras, despertadores, portavasos, macetas, vajillas, escritorios, y toda clase de productos y accesorios se encuentran revestidos en mármol ¡Incluso hay una nueva tendencia en manicure, con un acabado de mármol! También el área gastronómica nos presente su aporte, con queques y helados, que adoptan esta textura. El diseño gráfico tampoco se queda atrás en cuanto al uso de esta roca para crear piezas con acabado costoso, que evoca clase y lujo. Esas fueron las tendencias que han resucitado del pasado con más fuerza, para unirse al mundo del diseño este 2016. Por eso la próxima vez que la abuela diga que tiene una bolsa con cosas que ya no utiliza para regalar, o alguien le recomiende ir al museo por algo de inspiración, talvez usted quiera echar un vistazo.

forma y función tendencias del diseño

El diseño ha evolucionado gigantes- Primero la función después la forma: Un objeto es bello porque satisface camente y rápidamente siguiendo el funcionalismo. una necesidad y, también, porque criterios, teorías y tendencias muy difpresenta una forma que comunica erentes, entre ellas la manera en que En 1896 el arquitecto estadounidense su función y es visualmente atractiva consideramos la forma y la función, Louis Sullivan en un libro titulado para complacer al consumidor. tres caminos por tomar a la hora de “The Tall Office Building Artistically diseñar para justificar nuestra elec- Considered” escribió: “Que la vida es Flat Design: Un ejemplo de “la ción, unas veces la forma, y otras, a la reconocible en su expresión, que la forma sigue a la función” función, o las dos por igual. forma siempre sigue a la función. Esa es la ley”. El “diseño plano” o “flat design” se En esta tendencia, un diseño es bel- fundamenta en los principios funLa relevancia de la forma sobre la lo cuando los aspectos formales cionalistas y minimalistas de que “la función están sujetados a la función; A prin- forma sigue a la función” y de que Un objeto puede ser bello porque cipios del siglo XX se consolidó el “menos es más”. Pero no es oro todo satisface una necesidad y también movimiento funcionalista, que som- lo que reluce. Muchos diseñadores y porque presenta una forma que co- ete la forma del objeto a su función. expertos en usabilidad no están del munica su función, sin embargo ¿qué La idea de belleza deja de ser el motor todo convencidos de las ventajas de pasa si no es visualmente atractiva del diseño y se convierte en una con- esta nueva estética de interfaces para complacer al consumidor? se secuencia: la belleza viene por aña- móviles y web. busca la belleza a través de las for- didura, como lo anunció P. Soriau en mas, colores y texturas. Entre dos 1904: “No puede haber contradicción Steve Jobs sin ir más lejos, fue un productos de iguales prestaciones entre lo bello y lo útil; el objeto posee firme defensor del skeumorfismo, es técnicas y precios, cualquier usuario belleza desde el momento en que su decir, del diseño de interfaces que imelegirá seguramente al que encuen- forma es expresión manifiesta de su ita objetos físicos. Porque en el fondo las sombras, relieves o degradados tre más atractivo. En varias ocasiones función”. en un botón no son simples decorala belleza puede primar sobre las conLa consideración de la forma y la ciones estéticas, los diseñadores los sideraciones funcionales. función con la misma importancia. usan como indicadores visuales para entender que lo que estamos viendo Un ejemplo de ello es el Styling, tendencia que se encarga de priorizar la Actualmente los profesionales del es un botón y podemos “pulsarlo”. forma, busca la modificación exter- diseño tienden a considerar que la na de un objeto sin tener en cuenta la forma y la función tienen la misma funcionalidad. Así se da a los objetos importancia de acuerdo a cual sea su nuevos valores simbólicos de mod- objetivo y, por lo tanto, se tienen que ernidad, con la finalidad de sorpren- plantear y estudiar conjuntamente. der y fomentar el consumo.

Geoff Stearns, ex-desarrollador de Youtube se plantea: “¿Por qué promover una cierta estética de diseño sobre todo lo demás sin ninguna prueba de que supone una mejora? ¿Hacer algo estéticamente más agradable compensa una potencial pérdida de usabilidad?

Tendencias actuales en diseño web Material design: es implementado por Google hace ya dos años. Se inspiraron en tinta y papel. Inspiraron en efectos de profundidad, formas, transiciones y animaciones. Animaciones: estas enriquecen la experiencia del usuario dentro un sitio web, sea cual sea el propósito de esta. Si se utilizan pueden llegar a generar una experiencia rica, memorable. Entre las técnicas más populares esta Parallax que requiere y promueve la interacción del usuario, genera ritmo y ayuda a contar historias y de esta manera potencian el contenido.

El debate está abierto. Mientras el diseño plano no hace más que extenderse, algunos se plantean si se trata de una verdadera mejora o de una simple moda que pone por encima la estética frente a la usabilidad. Yo prefiero verlo desde la perspectiva de la escritora Caroline Keem: “Mi experiencia es que “plano” o “realista” no importa. Lo que importa es que la jerarquía sea evidente a primera vista y que los usuarios puedan encontrar su camino al próximo elemento interactivo con facilidad”.

Diseño: Alexa Cruz

El diseño es ante todo encontrar la solución adecuada a cada problema, a veces el diseño plano puede ser esa solución y a veces simplemente no. Dejemos el dogmatismo a un lado y seamos versátiles. Entre las tendencias actuales de diseño web, el flat design o diseño plano se puede representar de manera más sencilla en siete características generales:

Surgió en la etapa de rediseño de Microsoft Windows, lo que significa que es un estilo muy reciente. Es una de las tendencias más fuertes en diseño web.

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De vuelta a lo plano, no hay relieves, ni sombras, degradados ni texturas tanto en los gráficos como en el fondo que se utiliza.

Imagen de aspecto totalmente limpio, un regreso al minimalismo. Menos es más. Colores planos más una imagen limpia da como resultado rendimiento garantizado.

Uso de tipografías grandes, se emplean diversas y múltiples resoluciones, espacios web, y la letra en un tamaño grande.

Empleo de formas cuadradas, esto es un ciclo de etapas y así como antes estaba de moda el uso de las formas redondas y orgánicas hoy en día hay una mayor inclinación por las formas cuadradas y estética y visualmente limpias.

Uso de tipografías San Serif y sus familias adyacentes es lo más recomendado, más no es una obligación o especificación necesaria, aunque es lo que más ha ganado fuerza y ha gustado afuera.

Uso de colores intensos, impacto visual aunque se hace también mucho uso de tonos pasteles para aportar un aire un poco más juvenil a los diseños ya que es también una tendencia de los jóvenes.

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Diseño de producto: Principalmente se desarrollan diferentes tipos de juegos, que estimulan la psicomotricidad de los niños, en estos diseños siempre están presentes elementos como, el color, formas, texturas, entre otros.

Por: Alexa Cruz y Diego Lee La RAE define diseño como, “Concepción original de un objeto u obra destinados a la producción en serie.”, sin embargo, el diseño abarca mucho más que una producción, colores, líneas o dibujos, como muchos creen.

El diseño es una herramienta que se puede utilizar, como alternativa a diferentes soluciones de problemas, ya sean sociales o incluso personales. Uno de los términos más escuchados en los últimos años, que más adelante se van a desarrollar, es la “estimulación temprana” y a raíz de eso se han venido dando diferentes productos y proyectos, tanto para niños, jóvenes o adultos mayores; algunos de ellos son, diseños multisensoriales, arte terapia, talleres alternativos, entre otras que pronto se explicarán. Cabe mencionar e incluso se puede decir

que, estos términos se han convertido en una moda actual, lo cual permite que el diseñador se convierta en un agente de cambio “inmediato”. La estimulación temprana infantil es un conjunto de acciones, que posteriormente, favorecen al niño en sus primeras etapas de crecimiento (0-6 años). Y ¿dónde entra el papel del diseño en esto?, el diseño como antes se mencionó es un área que trabaja, en conjunto con otras , es decir que es interdisciplinaria. En este caso se pueden encontrar, distintas áreas del diseño, por no decir todas.

Diseño Arquitectónico: Un ejemplo de la importancia de esta área es el diseño

multisensorial que se desarrolla a partir de la arquitectura y el diseño deespacio interno; de esta forma se crean espacios de estimulación multisensorial con el objetivo de mejorar las condiciones de vida de las personas con discapacidad, trabajar las sensaciones, la percepción y lo sensorial. En el caso de los niños, ellos pueden tener un espacio donde tiene libertad de desarrollarse creando varias experiencias con todos sus sentidos.

Diseño de Modas: Anita Hechtlinger es una diseñadora de indumentaria,

emprendedora, artista y docente. Entre los muchos proyectos de Hechtlinger, desarrolló “Pequeñas Manos”. Este es un taller donde los niños (de 6 a 12 años) podrán estimular su creatividad y sus propios realizar sus propios proyectos de moda dentro de un ambiente sano y supervisado por ella misma. Una de las frases que destacó en una entrevista dice así; “Me hace muy bien vincularse con las nenas, lo que hago con ellas no es diferente de lo que haría con una hija y acá se multiplica por mil.” No solo trabajó en talleres sino también fue al Hospital Gutiérrez, sin embargo, las tijeras y agujas eran prohibidas. Hechtlinger decidió hacer un taller de origami con los niños. Otro proyecto importante fue “Amigo Pata.” En este proyecto se hacían dos muñecos, uno para los participantes y otro para los niños del hospital. Estos proyectos empezaron con una base en el diseño de modas y se transformó en un lugar de estimulación para niños, donde no solo se desarrolla la creatividad, sino, también los valores de los niños. Como diseñadores, cada uno tiene el poder para hacer la diferencia y poder marcar de una u otra forma acciones positivas que favorezcan a los demás.

Arteterapia como herramienta de desarrollo: Según la Asociación Profesional Española de Arteterapeutas, la arteterapia se puede definir “como una herramienta para facilitar la expresión y resolución de emociones y conflictos emocionales”. Por otro lado, Noemí Martínez (Doctora en Bellas Artes y Directora del Máster en Arteterapia de la Universidad Complutense de Madrid) prefiere definir este término según sus mismo pacientes lo describen. Ella dice recordar perfectamente como un niño lo definió: “tomar cosas buenas como sopa”. La arteterapia está ligada a los principios básicos del diseño con los cuales los niños pueden comunicarse de una forma más libre. La arteterapia no está sólo ligada a pintar o dibujar sino también otras ramas del diseño como collage, fotografía, escultura, entre otras.

La arteterapia es un proceso importante en la formación de los niños, ya que como Naomi Martinez menciona, es fundamental tener un abordaje interdisciplinar para tratar con trastornos de conducta, hiperactividad, déficit de atención, violencia entre otros síntomas que acechan a los niños. Mediante esta, los niños pueden materializar su mundo interno por medio de recursos de diseño como lo son los símbolos, el color y las jerarquías. El objetivo es favorecer el autoconocimiento para que cada niño pueda descubrir cómo son y cuales son sus valores. Lo más importante de todo es profundizar en sentimientos y emociones, ya sean positivos o negativos para poder facilitar la comunicación a través de un desarrollo creativo.

Por estas razones, Noemí Martínez refuerza que la arteterapia debe ser parte del proceso educativo en niños, ya que, mediante la creatividad y un ambiente agradable se puede volver, el aprendizaje, un labor de disfrute donde se emplean más los sentidos y la expresión sea más fluida, en vez de una educación donde se sienta que es una obligación.

Significado del color en los niños Los colores son estímulos visuales que pueden inferir según el estado de ánimo, en casos donde el niño está deprimido, se recomienda que su habitación esté rodeada de artículos o paredes de color rojo, ya que ayuda a la estimulación de la alegría, mientras que el color amarillo en tonos pasteles ayuda a estimular la concentración y el desarrollo intelectual.

No se puede negar la importancia de la psicología del color, la cual se basa en la percepción según el estado de ánimo que tiene el ser humano ante ello. Se debería de tomar en cuenta en la publicidad y en diseños arquitectónicos tanto como en los centros escolares y en la decoración del cuarto de los niños. Algunos ejemplos de la simbología del color

Rojo: El color rojo transmite energía,

también atrae mucho la atención visual, se recomienda que se utilice en elementos como, ambientes, juguetes o indumentaria.

El diseño, como se pudo ver a la largo de los puntos anteriores, es una herramienta poderosa que aporta al desarrollo de terapias o en la estimulación en niños, jóvenes, adultos e incluso animales. Cada diseñador tiene la capacidad de utilizar sus habilidades, no solo para aportar a la estimulación y crecimiento de los niños, sino, que también puede fomentar valores y ser un ejemplo a seguir. Cada rama del diseño tiene un potencial infinito para ayudar a diversas personas, ya sea desde sus principios y fundamentos en áreas más grandes como el diseño de modas y la arquitectura. Diseño: Alexa Cruz.

Naranja: transmite alegría, las tonal-

idades suaves expresan calidez, estimulan el apetito y la comunicación, es recomendado implementarlo en salas de juegos o relajación.

Azul: es un tono que estimula la relajación.

Amarillo: estimula actividades mentales, se puede utilizar en libros, cuartos de estudio o cualquier elemento que tenga como finalidad, aprender o estimular esa área.

Violeta: simboliza meditación, inspiración, estimula la creatividad, habilidades artísticas y sistema nervioso.

Bibliografía Amazon.com. N.p., 2016. Web. 26 Sept. 2016. “¿Qué Es Arteterapia? | Ate”. Arteterapia.org.es. N.p., 2013. Web. 29 Sept. 2016. Bandera, María Paula. “Diseño De Indumentaria Para Niñas - Revista Ohlalá!”. Revistaohlala.com. N.p., 2016. Web. 26 Sept. 2016. Cabello Cordero, Andrea. “El Diseño De Mobiliario Educativo Como Herramienta Para La Estimulación Infantil”. Universidad de Chile (2009): n. pag. Web. 26 Sept. 2016. “El Arteterapia En La Infancia | Centro De Servicios Infantiles Y De Familia”. Cisf.es. N.p., 2016. Web. 26 Sept. 2016. “Estimulación Multisensorial”. Es.wikipedia.org. N.p., 2016. Web. 26 Sept. 2016. “HMES. Herramienta Multimedia De Estimulación Sensorial.”. Diversidad.murciaeduca.es. N.p., 2016. Web. 26 Sept. 2016. Molina Velásquez, Tatiana and Lina Fernanda Banguero Millán. “DISEÑO DE UN ESPACIO SENSORIAL PARA LA ESTIMULACIÓN TEMPRANA DE NIÑOS CON MULTIDÉFICIT”.Revista Ingeniería Biomédica 2.3 (2008): 40-47. Web. 26 Sept. 2016. “Mundo Didáctico”. Mundodidacticoet.com. N.p., 2016. Web. 26 Sept. 2016. Quezada Gutierrez, Marcelo. Tesis.uchile.cl. N.p., 2016. Web. 26 Sept. 2016. Robisco, Vicente. “Arteterapia Y Creatividad - Noemí Martínez”. Neuronilla.com. N.p., 2016. Web. 26 Sept. 2016. “Un Proyecto Para La Estimulación Sensoriomotriz De Niños”. Studylib.es. N.p., 2016. Web. 26 Sept. 2016. Venegas Montalvo, Karen Eliana. “Diseño De Indumentaria Infantil Como Herramienta De Estimulación Lúdica Y Multisensorial”. Repositorio.uta.edu.ec. N.p., 2016. Web. 26 Sept. 2016.

Verde: transmite armonía y la calma.

Slothy Summer Wear

Diseño Innovador Por: Ilanid García.

El diseño está en todas partes, vivimos de él, y a través de él, pero ahora el mundo está tan lleno de movimiento que las cosas se pueden volver repetitivas, ahora el “coolhunting”, según IED Barcelona, “coolhunting”: es aquella persona capaz de detectar las corrientes de cambio a un nivel emergente, seleccionando y filtrando. Desde un punto de vista objetivo, es capaz de entender el sentido de los movimientos y las nuevas tendencias. y este es el caso de los diseñadores ticos más reconocidos. Por lo que me di a la tarea de brindarles estas dos sugerencias de diseño innovador, no solo diferentes, si no también comprometidas con el ambiente.

Dana Umaña es la creadora de esta gran marca, por lo tanto quisimos preguntarle todo acerca del proceso. “SLOTHY viene de la palabra sloth, de nuestro animalito el perezoso, pero la palabra SLOTHY no tiene significado, si se busca en el diccionario urbano sale algo como: una chica guapa y cool.”

Slothy Summer Wear Dana Umaña es la creadora de esta gran marca, por lo tanto quisimos preguntarle todo acerca del proceso. “SLOTHY viene de la palabra sloth, de nuestro animalito el perezoso, pero la palabra SLOTHY no tiene significado, si se busca en el diccionario urbano sale algo como: una chica guapa y cool.”

¿Como inicia SLOTHY, fue una idea entre hermanas? Quería hacer de SLOTHY algo distinto y darle mi sello personal, que fuera más un estilo de vida que solo una marca de trajes de baño. Fue algo muy mío, pero siempre quise meterla a ella. Mi hermana es “rajada” con el arte y vi algo muy distinto personalizar cada bolsa y así ella también tenía una ganancia conmigo.

¿Qué despertó ser emprendedora? Soñaba y sigo soñando con tener mi marca de ropa de playa, estudié publicidad y en toda mi carrera a uno le enseñan bien cómo crear una empresa, lo que pasa es que nadie lo hacía, nadie se arriesgaba. Yo siempre fui muy liberal, mi vida está en el mar y eso me inspiró a empezar con bikinis, ya que hace dos años no habían tantas marcas nacionales, por ejemplo en mi caso; yo soy la directora creativa en cada sesión de fotos, entonces desde pensar las próximas fotos, ser community manager, fotógrafa, diseñadora gráfica y de modas, además de eso, en las finanzas.

¿Cómo es el día a día de Dana? Creo que todo el día es pensar cómo se puede mejorar y que otro estilo nuevo sacar. Todos los días voy a revisar cada uno de los vestidos de baño, contestar correos, hacer envíos, ir a tiendas en las playas, en donde tenemos 8 puntos de venta.

¿En dónde comenzó todo? Empecé con una costurera (risas), no sabía absolutamente nada de diseño de trajes, de telas, de nada, fui aprendiendo a prueba y error hasta llegar al día de hoy, en donde los trajes son hechos en una fábrica y la calidad es excelente.

¿Cómo funciona Slothy, en el caso del compromiso con el medio ambiente? Nosotros ahorita estamos donando a la reserva de osos perezosos en Limón, les damos el 1% de las ventas, más lo que la gente colabore en cada tienda. En las tiendas se deja una alcancía en forma de perezoso hecha con materiales reciclados. Además vendemos stickers con las bolsas pintadas a mano que se venden a 300 colones en ferias o actividades en las que participemos, las bolsas tienen como objetivo que las vuelvan a usar para decorar algo y darle doble vida.

¿De dónde nace la inspiración? La inspiración nace con la necesidad, yo surfeo y todo comenzó por eso, quería bikinis cómodos, distintos, sexys y quiero que todos sean así, me encanta ver a una mujer tranquila con su bikini, caminando, corriendo, haciendo deporte, me encanta lograr eso con cada diseño, comodidad y sexy al mismo tiempo, por eso tengo dos líneas, sporty, y resort, además nuestro slogan es “SMILE, you got one”. SLOTHY SUMMER WEAR vende de forma online y en ocho puntos de venta adicionales, si quiere adquirir un traje de baño, puede buscarlas en Facebook como: Slothy Summer Wear.

Siémbrame, papel con semillas. Amira es una experta en botánica, una mujer innovadora que crea invitaciones y tarjetas con semillas de cualquier tipo, de todos colores, formas y tamaños, y por supuesto, para toda ocasión.

¿Cómo inicia el proyecto? Inicia hace dos o tres años, a partir de la búsqueda de tarjetas diferentes para darle a mi familia en navidad. Siempre me gusta dar algo original, y fue ahí cuando sentí la inspiración, quería algo que pudiera durar para siempre, y se me ocurre hacer este papel con semilla, después de experimentar y planificar, en mi primer intento salieron semillas del papel.

¿Qué despertó ser emprendedora? Quise emprender por necesidad económica, para sacar un dinero extra en algo que pudiera hacer los fines de semana.

¿Donde comenzó el proyecto? Comencé en un cuartito en donde tengo todo para elaborar las tarjetas, es un desorden (risas), este cuarto se convirtió en mi pequeña fábrica hasta la fecha.

¿Cómo es el día a día de Amira?

Siempre trabajo con plantas en el vivero, pienso en nuevas ideas con el papel, en cómo hacer que las personas solo piensen en utilizar este papel, cómo darlo a conocer para que no se dé tanto desperdicio.

¿Qué tipos de semillas utiliza?

Al trabajar en viveros puedo desarrollar mis propias semillas, combinarlas, incluso utilizar rosas para darle la textura a mi papel.

¿Trabaja sola o con empleados? Trabajo sola, porque el proceso es muy delicado, la semilla se puede romper, además es un trabajo bastante laborioso y casi nadie lo quiere hacer (risas).

¿De dónde nace la inspiración? Siempre hay inspiración, en cualquier parte, cuando tengo una idea, la pongo en marcha inmediatamente. Mi inspiración nace del deseo de trabajar con empresas grandes.

¿Cual es el proceso de las tarjetas?: Es bastante tedioso, de mucha experiencia: Primero se utiliza papel reciclado, las fotocopiadoras donan el papel, este se corta en pedacitos, y se dejan en agua 24h para que salga la tinta y el ácido. Luego esos papeles remojados se meten a la licuadora, se saca la masa y se moldea el papel con la forma (puede ser cuadrados, estrellas, etc.) y se meten las semillas dentro del papel por un procedimiento secreto. Después de todo esto, son secadas 100% al sol, porque la semilla se puede quemar, se ponen las tarjetas a las 5 de la mañana al sol, y duran 3 horas para secarse. Amira trabaja únicamente por pedido y se recogen en el Vivero la Bonita, en Tibás. Para contactarse con ella pueden buscarla en Facebook como: Papel con Semillas CR.

La innovación, según la Real Academia Española es mudar o alterar algo, introduciendo novedades; se puede encontrar en cualquier lugar, pero principalmente en una necesidad propia, como lo dijeron Dana y Amira, el verdadero secreto para emprender está en cada uno de nosotros y surge de manera espontánea, por lo que no importa si se tiene mucho conocimiento en el tema, el diseño y la innovación, siempre estará presente, convirtiéndose en algo natural y liberal para cualquiera. Diseño: Alexa Cruz Bibliografía 1. ¿Ser un coolhunter? (s. f.). Recuperado de http://iedbarcelona.es/noticias-info/ser-uncoolhunter-yo-quiero/ 2. Real Academia Española (s. f.). Recuperado de http://dle.rae.es/?id=LgzBfa6

Estamos en un momento en dónde se debe ser innovador y emprendedor

La Moda Eco Diseño Por: José Pablo Jiménez

Hoy en día, empresas y personas han empezado a entender mejor la importancia de cuidar bien al medio ambiente. Ahora todo el mundo está tratando de vivir “verde”.

La idea detrás del concepto del pero, eco-diseño es crear o producir Mucha gente ya sabe desconectar productos o servicios que satisfacen cosas electrónicas y electrodomésticos las necesidades y requisitos de cuando no las está usando y estar sus clientes y que no tienen consciente de la cantidad de agua mucho impacto negativo en el que se usa diariamente. Todo eso medio ambiente. Normalmente, ayuda mucho al medio ambiente, eso involucra diseñar productos, ¿pero qué más podemos hacer como procesos y servicios que evitan o seres humanos para tratar mejor a la arreglan daños al medio ambiente. Tierra? Una respuesta es intentar de El objetivo del eco-diseño siempre implementar el eco-diseño en todo es la sostenibilidad. lo que hacemos. El concepto del eco- Para lograr crear algo sostenible y diseño es especialmente importante amigable para el medio-ambiente, para empresas porque tienen el una empresa tiene que considerar los poder de mejorar la situación del efectos al medio-ambiente de toda la medio ambiente al implementarlo en “vida” de sus productos. La vida o ciclo todos sus procesos. de vida de un producto generalmente se divide en la adquisición, fabricación, uso y eliminación.

¿ qué es vivir verde?

Se considera el inicio del ecodiseño la década de 1920 cuando el arquitecto y diseñador Richard Buckminster Fuller elaboró planes de estructuras, vehículos y otros objetos que promovieron un uso racional de los recursos. Su creación más famosa, una cúpula geodésica, sigue siendo un excelente ejemplo de construcción ligera e eficiente. Hoy en día, los innovadores y diseñadores tienen un concepto de eco-diseño completamente nuevo y modernizado. El concepto nuevo de eco-diseño incluye la creación de la iluminación, electrodomésticos, muebles y hasta la ropa que no agota los recursos de la Tierra. Un ejemplo perfecto de la incorporación del ecodiseño en el mundo de la moda es la diseñadora detrás de la línea de ropa Kilomet 109, Vu Thao. El pueblito de Cao Bang, Vietnam no recibe muchos visitantes. Aunque es un pueblo muy pequeño en las montañas del norte de Hanoi, la diseñadora Vu Thao piensa en Cao Bang como segundo hogar. Trabajando con mujeres indígenas que viven allí para crecer y producir tintes naturales y tejidos para Kilomet 109, su línea de ropa con conciencia ecológica. Visitantes al región pueden pasar 5 días con Thao en Cao Bang para aprender los secretos de cultivar

los tintes naturales de la tierra gracias a un programa que se llama “Vacation With An Artist” en inglés. En la cultura vietnamita, la artesanía es muy importante. En Vietnam, hay 54 grupos étnicos y cada uno tiene su propio especialización en tradiciones artesanales. En Cao Bang, por ejemplo, las mujeres siempre han cultivado arroz y han criado búfalo. También, han cultivado plantas de índigo y magenta que producen pigmentos que son muy ricos y tradicionales. Después de graduarse de la carrera de diseño, Thao se puso en contacto con mujeres indígenas por todo el país de Vietnam para aprender la técnica de teñido natural, la producción de seda, y el tejido de la tela. La primera vez que Thao colaboró con las mujeres de Cao Bong fue en 2012. Para llegar al pueblito, ella tuvo que viajar ocho horas en bus de Hanoi en un viaje muy largo. Thao visita a Cao Bong cada dos meses. Siempre participa en la siembra y cosecha de los cultivos y la experimentación con nuevos matices.

Según Thao, la gente del pueblo siempre ha trabajado con colores muy tradicionales, tal como el índigo negro que se ha producido por generaciones. Desde el principio, Thao querría trabajar con la gente en experimentar con nuevos colores, pero la gente del pueblo no fueron convencidos. Thao comentó que la primera vez que hizo un nuevo tinte en un tono muy ligero de azul celeste, la gente la vio y casi se rió, porque fue muy feo. En los años siguientes, Thao y las mujeres perfeccionaron 10 tonos únicos de índigo que actualmente Thao utiliza en los diseños de Kilomet 109. Thao le enseñó los tintes tradicionales de su propio grupo étnico a la gente de Cao Bang, y está constantemente buscando nuevos ingredientes naturales, de abastecerse localmente.

Como coleccionista de trajes tradicionales vietnamitas, Thao crea diseños favorecedores y minimalistas con aspecto de ropa tradicional. Ella notó que mucha gente cree que la moda ética y sostenible es aburrida; que solo es trabajar con tonos neutrales. Thao aseguró que eso no es la verdad y que hay mucho que probar. Agregó que por ser parte de cada segmento del proceso de la creación de una prenda tiene un gran impacto en el proceso del diseño. Thao comentó que así tiene una relación mucho más íntima con las telas y puede utilizarla mejor. Esta relación es completamente diferente que la que tendría si comprara la tela de un mercado o una tienda. A pesar de su rico patrimonio cultural, a Vietnam le faltan modos modernos de pasar el conocimiento creativo a otras generaciones y a otra gente. La diseñadora explica que por trabajar con las mujeres de Cao Bang, una-

a-una, se siente más responsable de encontrar una manera de preservar sus técnicas. Los niños de los pueblos étnicos van a las grandes ciudades como Hanoi o Ho Chi Minh a estudiar, y comienzan a usar la misma ropa que el resto del mundo. Thao dice que muchos vietnamitas ven parecerse étnicamente diferente como ya no está de moda, no de la última. La asociación con VAWAA (Vacacionar Con Una Artista en inglés) es un pequeño intento de preservar la tradición oral de transmitir las técnicas de un creador a otro, la adaptación de la artesanía dentro de un mundo constantemente evolucionando.

El objetivo

eco-diseño

será la siempre

sostenibilidad

Ahora más que nunca es crucial que los seres humanos piensan en nuestro tratamiento del medio ambiente y cómo nuestras acciones afectan a la Tierra. Una manera muy innovador de hacer eso es promover el ecodiseño. El eco-diseño involucra la creación de productos, servicios, y/o procesos que arreglan o minimizan los efectos negativos al medio ambiente. Las empresas tienen que considerar todo el ciclo de vida de un producto cuando intentan a crear o arreglar algo que va a ser amigable al medio ambiente y sostenible. Eso incluye pensar en la adquisición, fabricación, uso y eliminación del producto y cómo va a afectar al medio ambiente cada parte del ciclo de vida del producto. El concepto del eco-diseño empezó en los años 1920 con el arquitecto y diseñador Richard Buckminster Fuller y hoy en día existe en una nueva forma. Actualmente, hay muchos proyectos en el mundo de eco-diseño que incluyen proyectos en la iluminación, electrodomésticos, muebles, la ropa, y mucho más. Si todas las empresas podrían practicar el eco-diseño como Vu Thao, el medio ambiente estaría en una condición mucho mejor de lo que es hoy en día. Diseño: Alexa Cruz Sabrina Stren Valeria Arce Referencias: http://home.howstuffworks.com/green-living/ what-is-ecodesign.htm h t t p : // t h e c r e a t o r s p r o j e c t .v i c e . c o m / b l o g / vietnamese-designer-updated-eco-design-withancient-knowledge https://www.nibusinessinfo.co.uk/content/whatecodesign

h t t p : // t h e c r e a t o r s p r o j e c t .v i c e . c o m / b l o g / vietnamese-designer-updated-eco-design-withancient-knowledge

SeÑalética en tiquicia

Por: Sabrina Stern El diseño publicitario artesanal además de ser tan ingenioso y creativo, convirtiéndolo en obras de arte culturales, son elementos que están en peligro debido al capitalismo y la “modernización”.

Costa Rica es un país libre, conocido mundialmente por ser rico en cultura, turismo y bellezas naturales en todos sus rincones; desde los bailes, las comidas, las carretas, las bombas, y un sin número de elementos representan la autenticidad de nuestra tiquicia. Sin embargo, la gráfica popular es uno de los más destacados entre todos, debido a que al haber tantos métodos tecnológicos para crear rótulos o publicidad, aún así los que son artesanales logran destacarse entre todos y ser recordados. La gráfica popular tica presenta mucha ingeniosidad en sus diseños, desde paisajes detallados hasta caricaturas sencillas, por esto mismo logran captar la atención del público con mucha facilidad. Este tipo de arte se suele observar mucho en murales y en la comercialización de bienes o servicios, estos usualmente presentan dibujos coloridos y tipografías hechas a mano. Se pueden encontrar principalmente en: »» »» »»

Sodas o restaurantes Carnicerías o pescaderías Verdulerías

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Tiendas de zapatos y ropa Talleres mecánicos Negocios de turismo

La gran mayoría de estos abastecimientos se ubican en pueblos rurales, donde incluso algunos son casas que brindan los mismos servicios. El humor es un recurso muy utilizado en la señalética costarricense, al usar el habla popular por medio de dichos, sentencias, proverbios y otros resultados de la creatividad en nuestras frases cotidianas; los cuales son un método exitoso de crear un diálogo con el público y así mismo generar una experiencia que recordarán. Aunque parezcan rotulaciones sencillas, llevan consigo su nivel de dificultad en la realización y la manera de comunicar lo que se desea con éxito. El diseño publicitario artesanal además de ser tan ingenioso y creativo, convirtiéndolo en obras de arte culturales, son elementos que están en peligro debido al capitalismo y la “modernización”. Poco a poco se han ido perdiendo, principalmente en las zonas urbanas ya no se logran

observar este tipo de rotulaciones, los negocios optar por señaléticas impresas o tecnológicas. Incluso en lugares de patrimonio cultural no se observan rótulos manuales, por lo que es una lástima debido a que se va perdiendo la verdadera esencia de Costa Rica. La gráfica popular se suele percibir como un recurso que únicamente es utilitario, por ello al quitarlo muy pocas personas se dan cuenta, Norberto Chávez lo cita claramente: “La gráfica, para el común de la gente, forma parte del mundo de los objetos consumibles: son signos utilitarios que perecen con sus usos sin pena ni gloria. Y, dentro de ese universo, la gráfica urbana no constituye una excepción: el rótulo de una vieja carnicería va a parar al contenedor con los escombros de la demolición y pocos tendrán, con ello, alguna sensación de pérdida.” (Chávez, Norberto, 2001.p.1).

Debido a la misma invisibilidad que tienen muchas personas hacia estas piezas, es importante verlas con otros ojos, apreciarlas como patrimonio y así mismo aprender sobre nuestro historia. La población está acostumbrada a ver como patrimonio la música, piezas literarias, arte plásticas y la arquitectura, pero no la gráfica, ya que en el pasado no era un oficio muy relevante en el país. Sin embargo, la profesión del diseño gráfico y la publicidad ha ido subiendo de “puesto” los últimos años, con ello se ha logrado apreciar más las piezas de la rotulación tica, y así valorarlas como nuestra historia visual enfocadas en la necesidad de comunicar y comercializar. Los artistas de estas piezas se apropian de elementos de nuestro país y los transforman en un mensaje artístico desde su propia visión original, ya que no hay ninguno igual que otro. Las principales características de la señalética en nuestra tiquicia son: Suelen ser trabajados por comisión, con la utilización de recursos como la improvisación, el humor, la espontaneidad, el color, la frescura y el ingenio de cada uno de sus creadores. Usualmente rompen con las reglas del diseño, se interesan más que nada en reproducir las cosas como son sin preocuparse por la proporción, perspectiva o la anatomía de los cuerpos, ya que les importa más el mensaje

que quieren enviar. Utilizan con libertad íconos y marcas comerciales, casi siempre con una estética muy básica. Los materiales que utilizan son muy básicos, entre ellos están; las pinturas de aceite o esmaltes (ya que son las que persisten más a los cambios del clima), brochas de todos tamaños dependiendo del nivel de detalle que lleve la obra, madera (normalmente utilizan tablas encontradas en el pueblo o sino las cortan) y la pared (la mayoría de dibujos están pintados en paredes de las calles o los negocios). Son obras con mucha simplicidad, ya que desean representar el mundo de la manera más directa. El texto acostumbra acompañar a la imagen, sin embargo, en la mayoría de los casos está únicamente la imagen o el texto aparte. En las zonas urbanas es donde hay más piezas con dibujos, y en las rurales se acostumbra ver pequeños rótulos con texto señalando lo que se brinda o el lugar del pueblo.

Cada pequeño detalle crea la esencia de nuestro país, incluyendo la señalética que se piensa que “no es arte”, la cual es incorrecto ya que nos representa de manera abierta lo auténtico que es ser tico y de donde venimos. Las obras también enseñan la evolución que ha tenido la publicidad a través de los años, y lo fuerte que ha sido este tipo de rotulación ya que a pesar de la explotación comercial siempre se ha mantenido presente demostrando nuestra cultura. Es importante ver con detalle las piezas y apreciar la técnica, los materiales y el tiempo que tardaban en hacerlas en relación a la publicidad que se hace actualmente. Diseño por Alexa Cruz BIBLIOGRAFÍA Sussy Vargas y Carolina Goodfellow. (2014). Grafitica. San José, Costa Rica: Roger Union Printing. Norberto Chaves. (2001). La imagen corporativa. Barcelona: Gustavo Gili.

Tienen paletas de color muy reducidas, ya que los artistas rotuladores compran pinturas de los colores primarios, y si necesitan más colores, ellos mismos los mezclan.

Cada pequeño detalle crea la esencia de nuestro país 54

El día en el que el peatón VIVE la ciudad Por Francine Gómez. Como parte de una iniciativa para cuidar el planeta e incentivar a todos los conductores de automóvil a ser parte del cambio, se celebró el pasado 22 de septiembre el día mundial sin carro en nuestro.ís.

En Costa Rica la cantidad de vehículos se duplicó en los últimos 15 años, siendo este medio de transporte la principal fuente de contaminación en el país, lo que conlleva a un aumento de emisiones de GEI(Gases de efecto Invernadero) y a un aumento en la producción de NOx y CO2; sin embargo, más allá de ser una causa enfocada en pro del medio ambiente, es una causa ligada a la reducción de congestionamientos viales en nuestras carreteras, hacerle ver a la gente los efectos nocivos sobre la salud de las personas, y promover en nuestros conductores el uso del transporte público o un transporte alternativo y dinámico como pueden ser las bicicletas, el scooter, patinetas, patines o hasta ir caminando a los diferentes lugares a donde se deseen movilizar.

El evento contó con fuerte publicidad en redes sociales en las que hashtags como “#DíaSinCarroCR” invitaron a las personas a compartir sus vivencias durante el día, además los noticieros, emisoras de radio en las que se daban a conocer diferentes detalles del evento, de los diferentes medios de transporte que iban a estar disponibles y de las facilidades que iban a tener las personas al usar un medio alternativo como las bicicletas. En algunos de los centros educativos y universitarios, por ejemplo, en la UCR que ha sido pionera en este tipo de actividades en el país, se instalaron una serie de toldos con unos parqueos para las “bicis” instando a profesores y alumnos a asistir a clases en este medio de transporte.

Posterior a la realización del evento, Carlos Villalta, ministro de Obras Pú- Es una experiencia en la que el pasar se rescatan con diferentes análisis blicas y Transportes; Roberto Thomp- al costado de un parque a 40km por estadísticos por medio de la apli- son, alcalde de Alajuela; y Jean-Bap- hora sobre 4 llantas en un día normal, cación para celulares “WAZE”, que tiste, embajador de Francia. no es lo mismo que atravesarlo camiel congestionamiento vial se redunando o en bicicleta y tener una vivenjo en un 13%(1503 notificaciones) “Podríamos decir que las presas se cia diferente y más enriquecedora. comparado a los otros jueves que disminuyeron en un 10% y estamos normalmente se reciben un total muy contentos con los resultados, Apreciar el entorno, los murales, las de 1735 alertas, por lo que definiti- porque el impacto que queríamos personas, la misma arquitectura que vamente fueron muchos los que se generar no era numérico, sino algo está en cada uno de los rincones de sumaron a ser parte del cambio intangible que se vio en los medios nuestro país, el arte, ver la ciudad de comunicación y el seguimiento como un todo en la que nos inteAdemás, se encuentran registros que que se le dio al tema por parte de gramos nosotros mismos, en la que indican que en un carril por hora se todo el mundo” pasamos a ser parte de ella de una Teo Mezger, promotor de la iniciativa pueden transportar hasta 16 mil manera más directa y no como un personas en autobús, cuando en au- en el país “flash”, no como algo pasajero. tomóvil solamente 2400, por lo tanto, esto quiere decir que el bus en cuan- Por otra parte, la experiencia que gen- Una experiencia que invita a dejar por to a medio de transporte, es un 6.7% era ser parte de una actividad como un día de lado las limitaciones que más eficiente que el automóvil. De esta es diferente a muchas otras, se hay en un automóvil y que ojalá pase igual manera, la apreciación de la ci- contribuye a la mejora de varias sit- de ser un día a ser varios al año, en udad desde un transporte público, en uaciones negativas que provoca el el que no solamente una restricción donde las personas no van conduci- transportarse en auto y se genera un de placa haga que dejemos nuestro endo es muchísimo más enriquece- cambio en la mentalidad de las perso- carro en la casa, sino que por iniciativa dora e incentiva a los ciudadanos a nas. Lo que normalmente se aprecia propia queramos desligarnos más días ver el entorno desde otra perspec- en la ciudad desde un vehículo, no es del auto y así ser parte del cambio, que tiva más integradora y no tanto de lo mismo que se puede apreciar sien- los porcentajes estadísticos suban, que carácter excluyente en la ciudad; se do parte directamente de la misma, no sea una disminución de un 10% en viven las realidades de lo que pasa en ya sea caminando o en un medio de las presas, sino del 50%. Que las alertas nuestras carreteras de manera más transporte como lo puede ser la bici- en las aplicaciones no se reduzcan en directa y la gente pasa a ser “parte cleta o la patineta, es vivir algo que un 13%, sino que vaya en aumento. de”, en vez de ser “ajena a”. Se crea diariamente no sucede ya que está Diseño: Alexa Cruz una conexión directa que se podría limitado por el estrés que se pasa al ser parte de los congestionamientos llamar: “CIUDAD-PEATÓN” que se viven todos los días en nuestras carreteras. La organización invitó a figuras públicas para que se sumaran a la causa y entre las que aceptaron estuvieron

Lo que normalmente se aprecia en la ciudad desde un vehículo, no es lo mismo

h t t p : // w w w . n a c i o n . c o m / n a c i o n a l / transportes/Dia-mundial-humo-colaborariniciativa_0_1586441447.html h t t p : // w w w . n a c i o n . c o m / n a c i o n a l / t r a n s p o r t e s /Co s t a - R i c a - D i a - M u n d i a l Carro_0_1586241392.html http://www.crhoy.com/nacionales/reportesde-presas-bajaron-un-13-en-dia-mundialsin-carro/# https://www.ucr.ac.cr/noticias/2016/09/22/ dia-mundial-sin-carro-refleja-reto-social. html Vigésimo primer Informe Estado de la Nación en Desarrollo Humano Sostenible 2014

PINTURA, PINCELES, ALMA PINTURA,

corazón

Por: Valeria Arce Ramírez

Imaginen una canasta de madera de un metro de alto por un metro de ancho, con dos enormes ruedas del mismo material una a cada lado , jalada con un yugo por dos bueyes si bueyes… estos animales grandes y robustos nada adorables, y ahí imaginado esto, tendrán el medio de transporte mas espléndido del país, la carreta típica. La carreta costarricense es un claro ejemplo de como un objeto puede tener un fin completamente diferente que el de embellecer y aún así ser hermoso. Una carreta tica es el choque y la fusión insuperable entre la dureza del trabajo y la delicadeza del arte. Es la representación perfecta de la idiosincracia costarricense.

TODA PERSONA LLEVA SU PATRIA

EN EL CORAZÓN ENTONCES PORQUE NO TAMBIÉN EN LAS COSAS QUE USA

¿Y la carreta… qué es?

¿Su diseño … cómo es?

Empezando desde sus raíces, la carreta nació hace más de 176 años como la mejor opción de transportar el café superando los viejos caminos del país llenos de lodazales, huecos, piedras, charcos y cuestas. Era utilizada en toda zona rural para mejorar el trabajo de los campesinos y fue así como dio comienzo a toda una cultura. Y aunque los tiempos han cambiado y ya no es utilizada para transportar, su alcance cultural e importancia van en aumento. Lo especial de la carreta es que su significado va más allá que el de ser solo un medio de transporte. En Costa Rica es sinónimo de paz, esfuerzo, trabajo, paciencia, sacrificio y estabilidad, gracias a esto fue declarada símbolo nacional el 22 de marzo de 1988, mediante un decreto presidencial. Y Ahora en el presente, no solo se le atribuyen todas estas cosas, sino que la exquisitez con la que se realizan su diseños está llamando muchísimo la atención.

Como toda artesanía, las carretas son pintadas completamente a mano ,toda una labor especializada para un artesano, el tener esta característica hace que sea imposible encontrar dos carretas idénticas , podrán haber diseños similares pero jamás iguales. Esto hace que su valor aumente, tanto monetario como emocional. Entre sus diseños sobresalen las figuras geométricas y motivos florales, con colores brillantes y alegres como el naranja, el amarillo, celeste, verde, blanco, rosa, entre otros. Colorear con pinturas y pinceles, alma y corazón, parte por parte y poniendo especial atención a los detalles es la ecuación perfecta para la creación de sus espléndidos diseños. Representan artesanía, cultura, y arte.

¿Todavía hay quién pinte las carretas? Por supuesto, ahora más que nunca el arte de las carretas en el país está vivito y coleando, son toda una marca con logo y demás. Todos conocemos ese lugar en la provincia de Alajuela llamado Sarchí, esta ciudad es la cuna de la artesanía del país. Donde hay muchas empresas familiares, entre ellas las del arte de la construcción y ornamentación de las carretas típicas. Para fortalecer esta labor, la Universidad VERITAS en conjunto con el Ministerio de Economía y Comercio en Costa Rica (MEIC) y la Cámara de Industria y Turismo de Sarchí (CACITUS) han implementado un proyecto con el objetivo de reforzar y contribuir al desarrollo local de esta Comunidad. El proyecto es llamado Sarchí Color- Cultura y uno de sus propósitos es preservar las diferentes tradiciones que tiene la región como lo son el boyero y la carreta, las cuales fueron nombradas Patrimonio Cultural Intangible de la Humanidad (UNESCO: 2008) Proteger y enriquecer la cultura del país, eso es exactamente lo que se busca con este nuevo proyecto.

NACIÓ HACE

176 AÑOS

EL ARTE ESTÁ

VIVO

SON

COMPLETAMENTE

A MANO

TODO ES

POSIBLE

¿Se puede implementar este arte en los diseños actuales? ¿ Y qué arte no se pueda modificar e implementar en el diseño actual? El diseño tiene reglas y características, sin embargo con una buena imaginación y criterio todo es posible. No solo se puede utilizar este arte de las carretas, si no que ahora es todo una moda. Hay desde bolsos, camisetas, manteles, aretes, pijamas y cuadernos, hasta cosas más permanentes e imborrables como tatuajes, inspirados en los diseños, formas y colores de las carretas típicas. Sus formas geométricas y sus colores brillantes son más que atractivos para un diseñador, y si se le suma a esto que su nacionalidad sea tica, se crea un vínculo sentimental aún mas fuerte con la carreta. Toda persona lleva a su patria en el corazón ,entonces porque no también en las cosas que usa, es por eso que poco a poco la ornamentación de las carretas se ha abierto campo en el mundo del diseño. No hay mejor forma de honrar a un pueblo que preservando su cultura, es por eso que como diseñadores si existe la la posibilidad de exaltar a Costa Rica siempre que se pueda, ¿Por qué no hacerlo? Diseño: Alexa Cruzez BIBLIOGRAFÍA s.d . (junio 23, 2014). La Carreta Típica de Costa Rica. setiembre 26,2016, de Acceso latino-Fudación Carlos Slim Sitio web: http:// accesolatino.org/carreta-tipica-costa-rica/ s.d. (marzo 5, 2015). La carreta típica, símbolo costarricense. setiembre 26,2016, de Coopro Naranjo Sitio web: http://espiritusantocoffeetour. com/la-carreta-tipica-simbolo-costarricense/ Alvarado, M.. (2007). Símbolos Nacionales: La Carreta Típica. setiembre 26, 2016, de Guías Costa Rica Información General e Historica Sitio web: http://guiascostarica.info/simbolos/carreta/ s.d. (julio 03,2015). Conozca cómo se pinta una carreta típica. setiembre 26,2016, de Teletica.com Sitio web: http://www.teletica.com/ Estilo-de-Vida/95463-Conozca-como-se-pinta-una-carreta-tipica.note.aspx

#SOYDE PUBLI