Musikzeit by alin vergara

Los 60’s y 70’s

Director: Melanie Hernandez y Alin Vergara. Director creativo: Alin Vergara. Director en jefe: Melanie Hernandez.

Maquetaci贸n

Alin Vergara.

Edici贸n Gr谩fica

Melanie Hernandez. Alin Vergara.

Los 60’s

La década donde MÁS

EVOLUCIONO LA MÚSICA.

a década de los 60 son, sin duda, la revolución de las flores . Quien puede olvidar a Bob Dylan, Los Beatles, The Who, Los Rolling Stones, The Byrds, en fin, muchas personas que se interesaron en la música y tal acontecimiento tenía que contar con su propia banda sonora: el “rock & roll”. Elvis Presley fue el primer ídolo de masas de una música que evolucionó espectacularmente a lo largo de las siguientes décadas y que siempre estuvo comandada por artistas anglosajones. Los años 50 vieron nacer la cultura juvenil. Los adolescentes se desmarcaron de los gustos de sus padres y crearon su propia forma de vida. Por supuesto, tal acontecimiento tenía que contar con su propia banda sonora: el “rock & roll”. Elvis Presley fue el primer ídolo de masas de una música que evolucionó espectacularmente a lo largo de las siguientes décadas y que siempre estuvo comandada por artistas anglosajones. En los 60 arrasaron The Beatles y The Rolling Stones, el folk de Bob Dylan o el rock urbano de The Velvet Underground. Elvis Presley no inventó el rock & roll, pero lo popularizó por todo el mundo con su salvaje forma de cantar meneando las caderas. En realidad, el rock es hijo de muchos estilos: country, jazz, folk, blues,etc. La década de los 60 fue la de la gran explosión del rock: primero triunfaron los grupos femeninos -como The Ronettes-, la música surf -liderada por The Beach Boyso el llamado sonido Tamla Motown -una de sus estrellas era Stevie Wonder-. Después, Liverpool se convirtió en el centro de atención gracias a un grupo llamado The Beatles, al que pronto le salió un competidor salvaje y loco por el blues: The Rolling Stones.

Portada del album Sgt. Pepper´s lonely hearts club band, octavo album de estudio de la banda británica The Beatles.

Durante los últimos años de la década brotó el movimiento hippie con sus proclamas de flower power y amor libre, íntimamente ligado a la música. Bob Dylan, Janis Joplin o Joan Baez se convirtieron ídolos del folk-rock, mientras triunfaban Jimi Hendrix y The Doors. Al mismo tiempo se consolidaban el country rock -cuyos máximos exponentes fueron los Eagles-, el rock latino -Carlos Santana- o el rock de vanguardia. Esta última corriente fue liderada por The Velvet Underground, la banda de Lou Reed, y otros poetas urbanos neoyorquinos, como Patti Smith o Lou Reed.

Datos curiosos... La portada del album Sgt. Pepper´s lonely hearts club band de The Beatles fue inspirada por un dibujo de Paul McCartney en el que esteban The Beatles en un collage junto a sus figuras y celebridades historicas favoritas.

The Beatles Un recorrido por la historia de una LEYENDA MUSICAL.

ntes del principio: 1956- 1963

En Liverpool, Inglaterra, vivía un chico llamado John Lennon, rebelde, desordenado, irrespetuoso frente a la autoridad y criado por su tía luego de la separación de sus padres. Lo que le marcaría las pautas para su futuro inmediato como teen rocker fue el sonido llamado Skiffle, personalizado en Lonnie Donegan (música básica que se podía recrear con palos, alambres y latas de conserva). Cuando por fin consiguió una guitarra formo con su amigo Pete Shotton una banda bautizada Quarry Men. En el verano de 1957, conocieron a Paul Mc Catrney quien más tarde le presentaría a John un compañero de su mismo Instituto, George Harrison. Loa Quarry Men quedaron entonces consolidados con John, Paul y George. Llevaban un sonido excitante y aprendieron a llegar a un genuino Rock and Roll. Luego el nombre de Quarry Men quedo reemplazado por Johnny and The Moondogs. Los 3 fueron alejándose de su entorno estudiantil para

dedicarse de lleno a ensayar un repertorio que incluís temas de sus héroes inspiradores: Elvis, Buddy Holly, Chuck Berry y Everly Brothers. Entre todos estos cambios, uno de los más importantes fue la inclusión de Pete Best y fueron a Hamburgo para tocar en un club muy prestigioso, el Top Ten. El grupo ha cambiado entonces su nombre, primero a Silver Beatles y finalmente a Beatles. Esta experiencia hizo que Liverpool se fijara más aún en ellos y su regreso estuvo marcado por la primera manifestación de fanatismo por parte de un público joven y con ganas de admirar, gritar y endiosar. Instantáneamente sus actuaciones se van haciendo cada vez más histéricas y los Beatles, saboreándolo, se entregan por completo. Brian Epstein se propone se manager del grupo. Los Beatles ofrecían toda una serie de elementos nuevos: desde el nombre, aparentemente una broma, Beatles, o sea sin ritmo, hasta una imagen de ropas oscuras y botas puntiagudas y su cabello largo y de geométrico flequillo. Durante 1962 consiguen una audición con

Portada del album Abbey Road es el duodécimo álbum de The Beatles.

una subsidiaria de la EMI, Parlophone, con la que finalmente lograrían un primer disco pero sin Pete Best, quien fue reemplazado por Richard Starkey, un baterista que conocieron en Hamburgo que se hacía llamar Ringo Starr. En octubre de 1962 sale a la venta el disco con dos canciones de Lennon y Mc Cartney: “Love me do” y “P.S. I love you”, la primera llegando a un honroso puesto 17 de las listas nacionales. John, Paul, George y Ringo se encaminaban ignorantes de su futuro a convertirse en la revolución cultural más importante de la última mitad del sigo XX. Estrellas de la histeria: Beatleamanía. (1963-1966)

Al observar el progreso de `Love Me Do’, se sintieron con el entusiasmo suficiente para grabar el siguiente single. Así fue como el 26-11-62 grabaron ``Please, Please Me’’ la cual se publica el 11-0263. El 19 del mismo mes, Los Beatles consiguen su primera aparición en Tv., en el programa de música pop `’Thank You Lucky Stars’’, donde salieron enmarcados cada uno en un corazón. La imagen del grupo fue armada por Brian Epstein: usaban su cabello limpio, largo y peinado hacia delante, trajes con cuellos pequeños enmarcando el rostro y unas enormes e inalcanzables sonrisas. En febrero, se embarcaron para su primer gira como teloneros de la estrella adolescente Helen Shapiro. Luego hicieron su

The Beatles el grupo más trascendente de la historia del rock.

segunda aparición en aquel programa de Tv. seguida por su segunda gira nacional luego de haber alcanzado el puesto uno en los rankings. El 8 de Abril, la esposa de Jhon Lennon, en medio de un secreto celosamente guardado hacia las fans, da a luz a su hija Julian Lennon. El 12 de Abril se publicó su tercer single `’From Me To You’’, apoyado por un adecuado despliegue publicitario. Durante el verano de 1963 ya era imposible conseguir una entrada para ver a Los Beatles sin pasarse horas haciendo larguísimas colas. La `’Beatlemanía’’ tomó enseguida cuerpo el 15 de Octubre cuando `’She Loves You’’ había rebasado el millón de copias vendidas, dándoles su primer Disco de Oro. `’With The Beatles’’ fue su segundo Lp grabado en Julio y consiguió más de 250.000 copias vendidas de antemano el 22-11-1963. En Navidad `’I Want To Hold Your Hand’’ llegó al número 1 el mismo día de su publicación, al vender más de un millón de copias y se convirtió en el disco más vendido de la historia. En 1965, mitad exacta de la década, los Beatles son dioses, millonarios. El mundo de la moda, el arte, el cine, estaban arti-

culados y respaldados por un importante trasfondo pop, convertido ya no en música solamente, sino en toda una nueva manera de sentir y vivir el mundo; la revolución juvenil había tomado las calles de las capitales del mundo vía Londres. En mayo del 70, graban el último álbum: Let It. El grupo inicio su irrevocable separación, la cual se hizo efectiva en enero del 75 en Londres. Los Beatles llegaban a su fin, pero sus carreras individuales, apenas se iniciaban. John Lennon, el más carismático, continúo creando composiciones de gran belleza, como “Imagine”, su canción más conocida y un himno generacional de los setenta, “Woman” o “Give the Peace a Chance”. Sin embargo, una nueva desgracia sucede el 8 de diciembre de 1980, en Nueva York, cuando cae asesinado por los disparos de Mark David Chapman, un fanático admirador. Por su parte, Paul McCartney también continuó su carrera posterior a los Beatles, primero con el grupo The Wings y después en solitario, que llega hasta la actualidad. En su haber hay composiciones como Uncle Albert/Admiral Halsey” o “Live and Let Die”. George Harrison y Ringo Starr,

éste en mayor medida, han tenido posteriormente una menor repercusión, dedicándose a colaborar con otras bandas e intérpretes. Harrison falleció en la tarde del jueves 29 de noviembre de 2001, tras una larga lucha contra el cáncer.

Jimi Hendrix El más grande guitarrista de la historia del rock.

imi Hendrix de formación autodidacta empezó a tocar la guitarra a los 12 años. Tras una pausa para servir en el ejército norteamericano, hizo sus primeros pasos en el blues a principios de los 60, y trabajó como músico para artistas del soul y el rhythm and blues como B.B. King, Sam Cooke, Jackie Wilson y el dúo Ike & Tina Turner. En 1964 formó en Nueva York su primer grupo y compuso algunas canciones; por aquel entonces fue descubierto por Chas Chandler, el bajista del grupo The Animals, quien lo invitó a actuar en Inglaterra. Hendrix encontró el éxito en el Reino Unido, durante la gira que entre 1966 y 1967 realizó con su grupo The Jimi Hendrix Experience, un trío que completaban Noel Redding y Mitch Mitchell. Temas como Purple Haze, The Wind Cries Mary y Hey, Joecoparon de inmediato las listas inglesas de superéxitos. A su regreso a Estados Unidos se convirtió en un mito gracias a sus memorables actuaciones en los festivales de Monterrey (1967) y Woodstock (1970). Su adición a las drogas y el alcohol acabó por ocasionarle la muerte prematura: falleció en septiembre de 1970, a los veintisiete años de edad, como consecuencia de una sobredosis de barbitúricos. Sin necesidad de la mitificación que conllevó su desaparición en el apogeo de su carrera, hay unanimidad entre los críticos musicales a la hora de juzgarlo como el más grande guitarrista de la historia del rock.

Jimi era una especie de fuerza de la naturaleza.

The Doors grabó este esencial álbum debut de pop-rock psicodélico con textos poéticos en oscura expresión barítona.

The Doors PIEZAS QUE MANIFIESTAN LA DESTREZA, COMPENETRACIÓN, IMAGINACIÓN Y GRAN TÉCNICA DE UNOS MÚSICOS EXCEPCIONALES.

uando en 1965, cuatro amigos se unieron interpretando canciones acompañadas por los versos compuestos por un tal Jim Morrison, no pensaban que llegarían a convertirse en uno de los grupos de rock más importantes de los años sesenta. Junto a Morrison, que ponía la voz, se encontraban Ray Manzarek en los teclados, Robby Kriegger a la guitarra y John Densmore en la batería. Los cuatro formaban el grupo ‘The Doors’. Su primera actuación, en un pequeño local, fue un tremendo desastre. Comenzaron a tocar en locales de poca reputación, intentando sacar algo de dinero para continuar con su carrera, mientras Morrison se debatía entre sus dos pasiones: las mujeres y las drogas. Les cuesta mucho encontrar casa discográfica, pero finalmente fichan por una pequeña compañía, donde comienzan a trabajar. En 1967 publican su primer disco, ‘The Doors’. El single ‘Light My Fire’ se convirtió rápidamente en número uno. El disco contenía, además, temas como

‘The End’ (11 minutos tratando el complejo de Edipo), Break On Trought’ y ‘Light My Fire’. Todo el disco tiene un aire teatral, influido por las actuaciones de Jim Morrison. En general, los temas tratan de forma explícita el tema del sexo y las drogas. El gran aliciente de los conciertos del grupo era ver a Jim Morrison entrar en trance en mitad de una interpretación y recitar poesías o bailar como un loco. Proclamaba el ‘amor, sexo, drogas y rock’n Roll’. Despreciaba la autoridad, hasta que en el transcurso de un concierto mostró los genitales al público y fue detenido por escándalo público. En 1968 The Doors sacan ‘Waiting For The Sun’. En general, los temas de las canciones bajaron el contenido sexual por temas con mensaje social. En 1969 editan ‘Morrison Hotel’, cuyo título se debe al hotel elegido para la portada del disco. Todos los temas del disco están compuestos por Jim Morrison, aunque para alguno de ellos contó con la colaboración de sus compañeros. En 1971 The Doors publican ‘L.A. Wo-

man’. Cuando salió el disco, Jim Morrison estaba asqueado de la industria musical y volcó todos sus esfuerzos artísticos en lo que más le gustaba, la literatura. Para continuar su bisoña carrera literaria se trasladó con su mujer Pam a una de las cunas culturales mundiales, París. Tristemente, el 3 de julio de 1971 fue encontrado muerto en la bañera. Había fallecido de un ataque cardiaco derivado de su fuerte adicción a la heroína. Tenía 27 años, curiosamente los mismos que Brian Jones, Janis Joplin y Jimi Hendrix en el momento de sus muertes. El cuerpo de Jim Morrison está enterrado en el cementerio parisino Pere Lachaise. Por otro lado, su mujer Pam, murió también en 1974 de una sobredosis de heroína. Sin Morrison, los miembros restantes intentaron mantener la formación con la grabación de discos como “Other Voices” (1971) o “Full Circle” (1972) pero con poco éxito. The Doors dejaron de existir en 1973 dejando un legado musical impresionante e imprescindible.

FESTIVALES

WOODSTOCK “TRES DÍAS DE PAZ Y MUSICA”

“

1960-1969”

Esta corriente cofue marcada por los “Hippies”, donde el alcohol, las drogas, lo esotérico, y el amor a la naturaleza fueron parte de esta corriente. En esta década la de los 60’ y 70’ es lo que se conoce con el nombre de “Rock Clásico” (Rock Clásico, se le nomina también a todo el Rock que está vigente, o sea que no muere y que está latente en el tiempo), aqui es donde nacen bandas y artistas famosos como: Jimi Hendrix, The Beatles, The Who, Santana, Tuve Yerras Alter, Janis Joplin, The Animals, Cream (Eric Clapton, Ginger Baker, Jack Bruce), Joe Cocker, The Doors y otros... La psicodelia, mezclada de Blues y Rock, dan una originalidad a este tipo de Rock dan un sonido especial, aquí es donde por primera vez se ocupa un sonido estridente un rock más pesado, no clásico como el de los años 50’, uno de los primeros distorsionadores que se ocupo fue el “FUZZ”, y efectos como el “WHA - WHA”, también existían las “reverberancias”, la inserción del órgano “HAMMON”, con la particularidad de que tenía un parlante giratorio, era el órgano de pared de Iglesia, pero modificado para ser ocupado en el Rock. Paralelamente nacen una nueva generación de guitarras eléctricas, las “Fender” con su modelo “Stratocaster”, también estaba la “Telecaster”, la Fender “Jaguar”. Existía otra guitarra “Gibson” que estaba en el mercado desde fines del siglo XIX (1880 aprox.)fundada por Orvuell Gibson un Lutier de Violines y mandolinas, donde paso a ser una industría ya por los años 1890 y 1905 en plena revolución industrial, fue la primera en crear una guitarra eléctrica en la década de los 40’. En las décadas anteriores fue uno de los simbolos del Rock & Roll. En la década de los 60’ un nuevo modelo de guitarra fue símbolo del rock en esa época

Más de un millón de personas en torno a figuras legendarias del rock.

el modelo “LES PAUL” (Una de las guitarras más cotizadas actualmente junto con la Fender stratocaster), creada por Les Paul (músico de especialidad en Jazz), además en esa década él fue el creador del efecto “ECHO” que es muy usado actualmente, La otra guitarra fue la “FLYING V”, la cual fue ocupada por primera vez por Jimmy Hendrix, el modelo “SG” ocupado por el guitarrista de The Who y la “SG doble” (consistía en dos guitarras en una, una de doce cuerdas y la otra de seis), quien lo uso por primera vez fue Jimmy Page el guitarrista de Led Zepellin En esta década ocurrieron eventos claves en dentro de la historia del Rock, uno de ellos fue la guerra de Vietnam, la que provocó otro gran suceso a nivel mundial, el recital más grande de la historia mundial “WOODSTOCK, TRES DÍA DE PAZ Y AMOR” llevado a cabo en forma de protestar y exigir el término de la guerra de Vietnam, nació de la idea de dos jóvenes que vivían en una localidad cerca de San Francisco California, que vibraban con la música de esa época y soñaban con escuchar a sus grupos favoritos en un recital, llevada y tomada a cabo por empresarios de esa época que lo llevaron a cabo en una dicha localidad. Se llevó a cabo el 25 de agosto de 1969 y actuaron bandas como: Jimi Hendrix, The Who, Santana, Then

Years After, Janis Joplin, Joe Cocker, Jefferson Airplane, Countrie Joe & the Fish, Crosby - Still - Nash and Young, Arlo Gutrie y muchos más... Bandas y gente de todas partes de USA y extranjeros se reunieron en tres días de Paz y amor, finalizando el recital con Jimi Hendrix y su inolvidable improvisación de el himno de Norteamérica, donde se podían escuchar las bombas de guerra de Vietnam, tocando Purple Haze y finalizando el recital con una improvisación instrumental extraordinaria. Después de Woodstock se organizaron recitales intentando emular la magnitud que había tenido Woodstock como los recitales Pop de Monterrey, y el de la Isla Wight en Inglaterra. Fueron recitales excelentes, pero estos últimos dos no tuvieron la magnitud y la magia que tuvo Woodstock. Mientras tanto aquí en Chile se organizaba un recital al estilo de Woodstock, llamado el Woodstock Chileno me refiero a Piedra Roja, que no tuvo el éxito esperado como recital. Así se concluye a nivel mundial los recitales masivos donde tocaban varios grupos por algunos días, todavía quedan, pero casi nada de recitales de ese estilo, por nombrar, el que se realiza todos los años en USA es “Lolapalloza”.

The Rolling Stones Los expertos de marketing querían darles a conocer como

LOS CHICOS MALOS DEL POP/ROCK.

a historia musical de los Rolling Stones comienza en 1960, cuando Mick Jagger y Keith Richards, dos viejos compañeros de estudios, comienzan a compartir su pasión por la música y el rythm & blues. Al año siguiente crearon un grupo, ‘Little Boy Blue & Blue Boys, junto a Jack Taylor. En 1962 conocen a Brian Jones. Este se une al grupo de Richards, Jagger y compañía y deciden renombrar el grupo. El nuevo nombre elegido: ‘The Rolling Stones’, estaba inspirado en un viejo tema de Muddy Waters, ‘Rolling Stones Blues’. Pronto se incorporó Charlie Watts, junto al pianista Ian Stewart. Ese mismo año Bill Wyman sustituye a Taylor y en 1963 lanzan su primer sencillo, ‘Come On’, una versión de una canción de Chuck Berry. Por aquél entonces sólo se dedicaban a realizar versiones de temas conocidos. Ese año realizan su primera gira por Gran Bretaña. En 1964 publican el primer álbum, ‘The Rolling Stones’, el cual sólo disponía de una canción creada íntegramente por los

Rolling Stones. El resto eran versiones de otros artistas. Pero no se limitaban a versionear. El fuerte ritmo que imprimen a los temas y la agresividad que adoptan en sus intrumentos les confiere un aire propiamente suyo. Realizan dos giras por Estados Unidos y aparecen en el show de Ed Sullivan. Fuera del escenario los expertos de marketing querían darles a conocer como los chicos malos del pop/rock, en contraposición con los Beatles, que podrían ser considerados los chicos buenos. Así, eran constantes los escándalos en que se veían salpicados. Unas veces eran detenidos por orinar en público, otras por posesión de drogas y así uno tras otro. En enero de 1965 salió su segundo disco, ‘Rolling Stones 2’, para el que tomaron influencias de la música negra americana, principalmente de soul. Por aquel entonces comenzaron a plantearse que, si querían mantenerse en la cima en el mundo de la música tendrían que aportar su granito de arena y demostrar su capacidad creativa. Por ello, su manager

The Rolling Stones tenian un logotipo que los representaba (imagen a mano derecha).

les encerró varios días en un hotel para que trabajaran en la elaboración de temas nuevos e inéditos. De allí salieron algunos de sus mayores éxitos. A pesar de ello, su nuevo álbum ‘Out Of Our Heads’, seguía manteniendo un buen número de versiones, reservándose los nuevos temas para discos posteriores. En 1966 lanzan al mercado ‘Aftermath’, compuesto completamente por temas suyos, abandonando las versiones de la música soul americana y los sonidos negros, y siendo considerado como uno de sus mejores discos. En 1967 sacaron ‘Between The Buttoms’, que se vio salpicado por el escándalo en torno a la detención de Jagger y Richards por posesión de droga. Los temas del disco coincidían con el de la detención, al tratar en asunto de las drogas en varias de las canciones. Con el Lp ‘Their Satanic Magesties Request’ se llevaron uno de sus grandes fracasos. Intentaron imitar el ‘Sgt. Peppers’ de los Beatles, pero la crítica les acusó de seguir la estela del otro grupo británico. En 1968 aparece un nuevo disco de los Rolling Stones, titulado ‘Beggars Banquet’, que supuso la vuelta a la esencia

de los Rolling. Una portada provocativa que fue censurada por su propia compañía y que al final apareció totalmente en blanco fue el principio. La continuación, unos temas provocativos que hablaban de luchas, de sensualidad y un recordatorio de la música negra. En 1969 Brian Jones fue encontrado muerto en su casa, víctima de las drogas. Al grupo se unió Mick Taylor. Este hecho fue seguido por la publicación de un nuevo disco, ‘Let It Bleed’, una réplica irónica al ‘Let it Be’ de los Beatles, en un momento en que el grupo de Liverpool rumiaba su disolución. Este disco les encarama definitivamente en la cima del rock mundial. En 1971 editan ‘Brown Sugar’, el primero con su propio sello discográfico y ‘Sticky Fingers’, el primero en que utilizan un diseño de Andy Warhol de unos labios como sello del grupo. Este último disco está considerado como uno de los grandes de los Rolling por su calidad instrumental. Con el fin de ahorrarse impuestos los Stones deciden trasladar sus cuentas a Francia. La década de los setenta avanzaba y los Rolling Stones continuaban sacando discos, alternando calidades. Así, en 1973 publicaban ‘Goats Head Soup’ y en 1974 ‘It’s Only Rock’n Roll’, para cuya promoción llenaron las calles de Londres de pintadas que decían ‘Es sólo rock and roll’. Fue el último disco de Mick Taylor en la banda, que fue sustituído por Ron

Wood. Tambien editaron un álbum en directo, ‘Love You Live’. La década de los ochenta comenzó con la firma de un supermillonario contrato de los Rolling Stones con la CBS, el mayor hasta ese momento. Por él, los Stones recibirían varios millones de dólares por cada disco publicado. Fruto del acuerdo fueron discos como ‘Emotional Rescue’, seguido de ‘Tattoo You’ en 1981, ‘Stiff Life’ en 1982, ‘Undercover’ en 1983 y ‘Dirty Work’ en 1986. En 1990 realizan una gira por Japón y Europa, en la que fueron seguidos por más de dos millones de espectadores y generando unos ingresos cercanos a los doscientos millones de dólares En 1994 publican un nuevo disco, ‘Voodoo Lounge’ y un año después sacan a la luz ‘Rock And Roll Circus’, grabado en 1968 y que nunca había sido publicado. En 1995 editan ‘Stripped’ y en 1997 ‘Bridges To Babylon’. Por fin, en 2005, aparece un nuevo álbum de los Rolling Stones, titulado ‘A bigger bang’. Se trata de una ambiciosa y muy diversa colección de canciones de rock y blues con mucha fuerza y contundencia. Con una relación de 16 temas, es el álbum con temas nuevos más largo de la banda desde el ‘Exile on Main Street’ de 1972. El título refleja su fascinación por la teoría científica sobre el origen del Universo.

Portada de uno de álbumes más reconocidos de la famosa banda y aparte se puede visualizar muy facilmente el logotipo de la banda.

THE PLAYLIST 3

1 A day in the life (1967)

Strawberry fields forever (1967)

La última colaboración Lennon-McCartney no fue reconocida como una obra maestra hasta los años 80, después de que Lennon muriera. Está inspirada por las historias de los periódicos y las de su propia vida y colaboró una orquesta. George Martin la describió como “un orgasmo orquestal”.

Lennon nos conquistó con esta canción a todos. Lennon dijo una vez que “crecer da miedo porque no puedes relacionarte con nadie”. Strawberry field era un hogar infantil que estaba cerca de la casa donde Lennon creció, y representa las inquietantes visiones de su infancia.

2 I want hold your hand (1963)

Fue la primera exposición ante el público americano de la magia que tenían Lennon y McCartney al escribir canciones. Abrió el camino de la beatlemania y representó lo que su productor George Martin llama “el vértice de la primera fase del desarrollo de los Beatles”.

In my life (1965)

Yesterday (1965)

Es una de las letras más personales de Lennon, y también una de las culpables, entre otras muchas, de las discusiones dentro del grupo sobre “quién ha escrito qué”.

La canción más versionada de los Beatles llegó a la cabeza de McCartney a través de un sueño. “Me tiró de la cama”, explicó el cantante.

Las mejores canciones de la banda más grande. The Beatles: 100 greatest songs. Así se llamaba el especial que recogía las mejores canciones de la banda más grande. La lista fue confeccionada por el equipo editorial de la edición americana de ROLLING STONE. Además, incluye cuáles fueron los mejores títulos para Paul McCartney y John Lennon, textos de los cuatro miembros y la historia de cada una de las canciones. El número está salpicado por fotografías inéditas de la banda y por una emocionante introducción escrita por Elvis Costello. Estas son las las diez primeras canciones elegidas por el equipo ‘RS’:

6 Something (1969) Antes de que se convirtiera en el segundo tema más versionado por detrás de Yesterday,Lennon dijo que era la mejor canción de Harrison. McCartney le secundó.

7 Hey Jude (1968) McCartney se inspiró en el hijo de John Lennon y Cynthia (su primera mujer), Julian, para componer esta letra. Aunque Lennon, cuando la escuchó por primera vez, pensó que hablaba de la relación entre él y Yoko Ono.

8 Let it be (1970)

Paul McCartney le dio un toque muy soul a lo Aretha Franklin a este tema que compuso mientras el grupo vivía su etapa más problemática. Un mes después de editarse este tema, McCartney anunciaba el final de los Beatles.

9 Come together (1969)

John Lennon concibió esta canción para apoyar la campaña del gurú Timothy Leary a favor del consumo de LSD cuando se presentaba para gobernador en California. Al final se convirtió en la última canción que grabaron los cuatro Beatles juntos en el estudio.

10 While my guitar gently weeps (1968)

La primera gran canción escrita por George Harrison comenzó cuando eligió esta frase, “gently weeps” (llora dulcemente), que encontró en un libro al azar mientras visitaba a sus padres. El tema no se grabó hasta que Harrison convenció a Eric Clapton para que tocara la guitarra en ella.

Janis Japlin LA REINA DEL ROCK&ROLL LARGA VIDA A JOPLIN

anis el icono. La niña nacida en la América profunda. La naturaleza desbordante. La feminista. La mujer inteligente, lectora empedernida y cantante de talento indiscutible. La persona que, como sucedió a tantas en los años sesenta, cayó en la heroína y el alcohol. Una vida intensa zanjada a los 27 años. Un enorme pedazo de historia de la cultura estadounidense. Todo eso fue la eterna Janis Joplin, a la que el realizador canadiense Jean-Marc Vallée va a llevar al cine, en un biopic protagonizado por Amy Adams. ¿El título de la película? Get It While You Can, en referencia al corte final de Pearl, el último disco grabado por Janis, que se publicó a título póstumo. El proyecto, que se lleva gestando desde 2010 y tiene fecha de presentación en 2016, se perfila como un reto, no solo por la amplia gama de matices que presenta el personaje, sino por la ingente cantidad de material que los guionistas, Ron y Teresa Terry, deberán manejar para llegar a buen puerto. Y es que hoy se pueden rescatar cerca de 22 biografías escritas en inglés y 16 en otros idiomas. La abundancia nos da una idea de la cantidad de personas cercanas a la artista –críticos musicales, colegas de banda y de carretera, amantes, amigos, su hermana y hasta un forense– que han seguido exprimiendo el mito para hacer negocio.

América profunda

ara entender el fenómeno Janis es necesario situarse en los años cincuenta y en la América profunda; en el Estado de Texas, concretamente en Port Arthur –uno de los vértices del triángulo del oro–, en la frontera con Luisiana, donde el petróleo sustentaba el american way of life, el estilo de vida americano, y donde la segregación era incontrovertible. “En el escenario hago el amor con 25.000 personas, y después me voy a la cama sola”, decía frecuentemente la rockera” Ahí nació y creció Janis, que habría sido una adorable maestra de escuela de no ser porque, al llegar la adolescencia y experimentar los cambios inherentes a ella, empezó a ser víctima de lo que hoy conocemos como acoso escolar: eso que nos cuentan en los telefilmes estadounidenses, donde una chica no es nadie si no forma parte del club de animadoras. En estos casos, una tiene dos opciones: pasar desapercibida o plantarle cara al asunto. El problema es que hay personas, como Janis, que no pueden ocultarse. Es su naturaleza. Son esa clase de gente que de manera accidental se encuentran en el ojo del huracán de cualquier incidente sin haberlo provocado, pero que, una vez ahí, son capaces de asumir los riesgos y llegar hasta el límite de sus consecuencias, que ella misma definía como “los límites extremos de la probabilidad”.

Feminismo vital

sí que Janis se acostumbró a circular por su ciudad siendo señalada por todo el mundo, en lo que supuso un entrenamiento para lo que vendría después. Su negativa a mostrar la imagen que de ella reclamaba su entorno y su desaliño no exento de cierta elegancia venían refrendados por la convicción de que la vestimenta, al fin y al cabo, solo es útil para cubrirse, y basta. Con ello, prefiguraba la demolición de la feminidad asociada a las chicas de peluquería y maquillaje, algo de lo que haría bandera después el movimiento feminista. Janis, que exhibía un feminismo más vital que ideológico, ya iba sin sujetador antes que otras lo quemaran en público, pero tanto ella y sus cofrades como sus predecesores ideológicos, los beatniks, sentían una profunda aversión por los movimientos. De hecho, no fueron conscientes de su propia influencia hasta que, en el verano de 1967, las calles de San Francisco se llenaron de jóvenes que querían vivir como ellos. Y no es que el ambiente de Haight-Ashbury fuera proclive al feminismo; de hecho, era bastante sexista. Incluso entre los miembros más progresistas de la comunidad, las tareas como coser, fregar o cuidar de la casa y de los niños eran cosa de mujeres. La propia Janis, que siempre se sintió incapaz de manejar su propia vida doméstica, pedía ayuda a las amigas para ello en los periodos en que vivía sola. Desde la aparición de la píldora anticonceptiva y hasta el despegue del feminismo, las mujeres estaban sexualmente disponibles, pero aún no habían adquirido peso político como feministas. Así, en lugar de erradicar la desigualdad sexual, el amor libre sirvió solo para darle una falsa pátina contracultural. untos se pusieron a buscar los mejores músicos del país para crear el nuevo grupo. A principios de 1969 ya estaba creado, aunque los músicos variarían a lo largo del año. Se llevó con ella al guitarrista Sam Andrew de Big Brother and the Holding Company.

La actriz Amy Adams interpretará a Janis Joplin en la película ‘Get It While You Can’, que se estrena en 2016. Es cierto que algunas mujeres han alimentado con fervor el mito de la fragilidad de Janis; a la mayoría de los hombres, las chicas como ella sencillamente les dan miedo. Y una sensación semejante –peligrosa, arriesgada, aterradora– es la que recuerdan de ella otras mujeres del rock cuando la veían actuar. Y puestos a llegar a lugares comunes, viene siendo ya hora de desmontar la idea de que Janis era lesbiana. Simplemente disfrutaba de una sexualidad intensa que no necesitaba definir, sino ejercer con unos y otras. En cuanto a sus relaciones con los hombres, ella expresaba en público y sin pudor que son “la zanahoria que le ponen al burro para que ande”. Su vida sentimental era tan desastrosa como cabía esperar de una mujer de su tiempo y con sus convicciones. Si las vidas familiar y profesional son difícilmente conciliables para las mujeres aún hoy, la posibilidad de que un hombre compartiera vida y carretera con una estrella del rock era entonces bastante remota. Por eso probablemente no es de extrañar que Janis se planteara en alguna ocasión volver al redil de Port Arthur y dejar de ser ella misma. En su ansiedad, Janis estaba tan enganchada al escenario como a cualquier otra de las drogas comunes; necesitaba la conexión con el público constantemente, como si tuviera en su alma un pozo, un enorme agujero, difícil de colmar: “En el escenario hago el amor con 25.000 personas, y después me voy a la cama sola”, decía. Parecer ser esta la raíz de muchas adicciones. Janis empezó a abusar de la heroína para compensar la bajada después del concierto. Cuando quiso dejarlo, tuvo que equilibrar esa desintoxicación con la bebida: solo entonces se dio cuenta de que era alcohólica. ue en este periodo cuando comenzó a consumir drogas y se sumió, lentamente, en un estado de abandono, llegando a pesar 35 kilos.

SU POTENTE VOZ

KOSMIC BLUS

anis era una mujer inteligente, lectora voraz, y con un talento indiscutible. Tal vez el talento se hace patente cuando el que lo posee se da cuenta de que no sabe o no puede hacer otra cosa; y ella lo supo al instante. Si bien en sus inicios se sentía cómoda en el folk, enseguida empezó a imitar la voz de algunas vocalistas de blues, como Odetta, incorporando sus registros vocales. En cualquier caso, siempre siguió siendo fiel a las raíces de la música popular de su tierra: sus mayores éxitos fueron versiones de clásicos americanos (Summertime, de G ershwin; Ball & Chain, de Big Mama Thornton; Piece Of My Heart, de Erma Franklin) cocinados con la misma receta, desmenuzando los temas para recomponerlos haciéndolos propios. Su voz camaleónica era paradigma de su propia personalidad. No solo utilizaba dos registros perfectamente identificables, sino que, en vivo, los acompañaba con la interpretación de la chica buena / chica mala que ambos sugerían. En los directos puede observarse cómo se sirve a veces de un monólogo que lanza al público para cambiar de uno a otro. Esto, además de una estrategia muy astuta, era fruto de sus propias contradicciones vitales. En directo, no se encuentran dos interpretaciones iguales; en el estudio, la más reciente entrega discográfica, del año 2012 y que recoge las sesiones de grabación de Pearl, nos revela en cada toma una versión distinta del mismo tema. La carrera musical de Janis estuvo sometida a altibajos, siendo su primer periodo, con la Big Brother & The Holding Co., el más auténtico, y el último, con la Full Tilt Boggie, el más comercial. En plena cresta de la ola, Janis quiso darse una fiesta privada, pero la heroína que le pasaron era demasiado pura. No fue una sobredosis: ese mismo fin de semana hubo al menos seis víctimas del mismo producto que ella se inyectó. Y con este accidente, Janis pasó a engrosar la lista de cadáveres exquisitos con solo 27 años. Janis tendría hoy más de 70. En clave de ficción, de haber seguido respirando el aire contaminado de Port Arthur, quizá ya habría muerto de cáncer. Pero de seguir viva, quizá la encontraríamos en la lista Falciani. ¡Cosas más raras se han visto! Por eso, a pesar de lo que nos hemos perdido de su voz y su talento, me quedo con el cadáver exquisito..

1967

Big Brother and the Holding Company Big Brother and the Holding Company Mainstream, Columbia En la versión lanzada por Columbia en 1999 contiene dos pistas extra.

1968

Cheap Thrills Big Brother and the Holding Company Columbia 2 disco de platino RIAA.

1969

I Got Dem Ol’ Kozmic Blues Again Mama! K o z m i c Blues Band Columbia, Legacy Disco de platino RIAA. La reedición de Legacy contiene tres pistas extra.

1970

Perteneció al club de los 27 por misteriosas muerte por sobredosis de drogas junto con otros grandes respresentantes de la epoca.

Pearl Full Tilt Boogi e Band Columbia 1971 La edición de Legacy de 1999 contiene cuatro pistas.

Póstumo. 4

dis

LED ZEPPELIN

Led Zeppelin se formó a finales de 1968 cuando Jimmy Page, que ya tenía cierta reputación en el Reino Unido por su labor como músico de estudio y por ser el último guitarrista de la banda The Yardbirds, buscaba nuevos músicos para su nuevo proyecto, The New Yardbirds (nombre que provocaba ciertos problemas legales), constituido a partir de la disolución de The Yardbirds. El nombre de la banda surgió a raíz de un chiste de Keith Moon, batería de The Who (en una sesión de grabación de un tema de Jeff Beck en el que participaban Jimmy Page, John Paul Jones, John Entwistle y el propio Keith Moon), cuando dijo que la banda fracasaría y caería «como un Zeppelin Led Zeppelin presentó elementos de un amplio espec- de plomo». tro de influencias, como el blues, el rock and roll, el soul, la música celta, la música india, el folk, e incluso el country. Más de treinta años después de la disgregación de la banda en 1980, la música de Led Zeppelin continúa vendiéndose, disfruta de una amplia difusión radiofónica, y ha demostrado ser una de las bandas más influyentes en la música rock. Hasta la fecha, ha vendido más de 300 millones de álbumes en el mundo, incluidos 111 millones sólo en los Estados Unidos,2 y es la segunda banda con más discos de diamante (otorgados cada diez millones de ventas en EE. UU.) de la historia de la música, sólo por detrás de The Beatles. Los discos con esta certificación son: Led Zeppelin IV (23 millones), Physical Graffiti (15 millones), Led Zeppelin II (12 millones), Houses of the Holy (11 millones). ed Zeppelin fue un grupo británico de hard rock fundado en 1968 por el guitarrista Jimmy Page, quien había pertenecido a The Yardbirds, al incluir en su formación a John Paul Jones como bajista y teclista (al que Page conocía de trabajos anteriores con The Yardbirds), al vocalista Robert Plant y a John Bonham a la batería (que había coincidido con Plant en The Band of Joy).

EL MISTERIO DE LOS SIGNOS El nombre surgió en un principio como Lead Zeppelin, pero a recomendación de Peter Grant, el mánager de la banda, se suprimió la a de lead (plomo, en inglés) para evitar problemas de pronunciación por parte de los hablantes norteamericanos,4 ya que las vocales ea se pronuncian como una i en el inglés de Norteamérica.5 Sin embargo, el bajista de The Who, John Entwistle, posee su propia versión de los hechos: «Hace unos cuatro años empecé a estar harto de los Who, así que hablé con un tío que ahora es jefe de producción de Led Zeppelin. Estuve hablando con él en un club, en Nueva York, y le dije “Sí, estoy pensando en dejar el grupo y formar el mío. Lo voy a llamar Led Zeppelin. Y como portada del disco voy a poner el Hindenburg en llamas, ya sabes, todo este asunto...” Y unos dos meses después, empezó a trabajar con Jimmy Page, y como estaban buscando un nombre, él sugirió Led Zeppelin, a Page le gustó y salieron con la misma portada de disco que yo había planeado”» El jefe de producción al que se refiere Entwistle podría ser Richard Cole, futuro road manager de la banda. The Yardbirds se separó en 1968, y Page y el bajista de la banda, Chris Dreja, comenzaron a buscar miembros para una nueva formación, mientras innovaban su música junto al guitarrista actual de The Bulens, J. Jencquel. El primer candidato para el puesto de vocalista fue Terry Reid, quien se negó a ser parte de la banda, pero recomendó a un amigo suyo llamado Robert Plant.7 En agosto de 1968, Page, Dreja y Peter Grant viajaron a Birmingham para ver la banda de Plant, Hobbstweedle. Plant aceptó la oferta de Page para entrar en la banda en una reunión en la casa de Page.4 Plant tenía un amigo que tocaba la batería, John Bonham, que también se uniría al grupo.8 Poco después de la llegada de Bonham, Dreja abandonó la música para convertirse en fotógrafo, por lo que los tres componentes de la banda se ven obligados a buscar un nuevo bajista. John Paul Jones, un amigo de Page y conocido músico de sesión, se enteró de la noticia y le propuso a su amigo su entrada en la formación, quedando cerrada la banda. Lo primero que hicieron fue ensayar un blues normal de 12 compases. En ese momento se vio la “química” que había entre los cuatro miembros. Su primer cometido fue acabar una gira pendiente en Escandinavia bajo el nombre de The New Yardbirds, en la que tocaron muchos de los temas que forman parte de su álbum debut. Después de la gira, y ya bajo el nombre de Led Zeppelin, Peter Grant, mánager de la banda, otorgó a la banda 200.000 dólares a cambio de producirse su primer álbum. Tal suma de dinero provenía del sello Atlantic Records, que estaba interesada en fichar el mayor número posible de grupos que surgían durante aquella época amparados bajo el estilo blues y hard rock, algo que Led Zeppelin cumplía a la perfección, por lo que Atlantic contrató a la banda sin siquiera haberlos visto, sólo bajo la recomendación de Dusty Springfield.

Runas que aparecen en la portada de Led Zeppelin IV y que se corresponden con los cuatro miembros de la banda. Los símbolos correspondientes a cada uno de los miembros de la banda.

Jimmy Page

en un esfuerzo por dar la mayor importancia a la música sobre otros temas que él consideraba secundarios, había optado por dar títulos poco significativos a los 3 anteriores trabajos, y había dejado de lado el tema de las portadas igualmente. Hay que decir que los anteriores discos fueron hechos en la mayor de las urgencias, entre concierto y concierto, y con la compañía discográfica metiendo toda clase de prisas. Esta vez, quiso llevar hasta el límite su particular filosofía, y decidió que el nuevo álbum que se estaba grabando no llevaría título, ni siquiera el nombre de la banda, ni el número de serie, ni el logotipo de Atlantic. “ «En cada una de las portadas anteriores, lo que habíamos pedido no fue lo que conseguimos. Queríamos una portada sin ningún tipo de inscripción y nada de logotipos de Atlantic por ninguna parte.» “ - Robert Plant Evidentemente, Atlantic se negó en redondo y les dijo que sería un «suicidio comercial», pero la banda también se plantó, lo cual originó un retraso de meses a la salida del LP.

Led Zeppelin simplemente se negó a enviar los masters a Atlantic si no cedían posiciones, y finalmente sería Peter Grant el que tras meses de negociación se cansó, fue a Nueva York, se reunió con los jefes de Atlantic dijo que si no hacían lo que quería Led Zeppelin les demandarían.

in duda, éste símbolo es el que más interpretaciones ha merecido a lo largo de los años y si hay que dar una razón no es por nada especial en sí mismo, sino simplemente porque es el símbolo de Jimmy Page. Jimmy Page el satanista que hablaba todas las noches con Belzebú, que vendió su alma al Diablo, que celebraba místicos aquelarres, y que por supuesto no podía tener un símbolo normal, sino que debería representar al mismísimo Maligno saliendo de la boca del Infierno para comernos a todos. Eso sería lo que pensarían muchos, que aún hoy siguen dándole vueltas al símbolo de marras. ¿El símbolo es misterioso? Pues claro, Page es un declarado ocultista (que no satanista) y el ocultismo y esoterismo se caracterizan por el uso de símbolos misteriosos. ¿Tiene significado? Seguramente, y el que mejor lo sabe será Page y sólo Page (y Plant si se acordara). Preguntarle a Jimmy Page no sirve, puesto que su enfado es instantáneo, y siempre que algún periodista ha tentado la suerte, en el mejor de los casos durante el resto de la entrevista solo obtendrá monosílabos del guitarrista, y en el peor se acaba la entrevista de forma precipitada. Sólo una vez y excepcionalmente se dignó a dar una pista, y lo que dijo fue «Thursday». Lo cual es realmente una pista escasa e insatisfactoria y que solo deja espacio para las teorías, unas más afortunadas que otras.

Jimmy Page

John Paul Jones

a interpretación del símbolo de Jones en el libro es la siguiente: «Este signo se usa para exorcizar los espíritus malignos. En el caso de este signo así como en el del pentagrama y octograma, es interesante notar que requieren una cierta destreza, y que una persona torpe sería incapaz de dibujarlos.» Como siempre, muchos de los que dicen que Page, Plant y Bonham firmaron un pacto con Satanás, argumentan que Jones se salvó gracias a la utilización de este símbolo, que le protegió de todo mal. Siempre se ha dicho que este símbolo, como apunta vagamente Koch, representa a una persona diestra y competente.

John Bonham

omo ya decía, si Bonzo escogió directamente del libro de Koch su símbolo, no tenemos porqué dudar de su interpretación. En la segunda imagen se puede ver el logotipo de la cerveza en los 70. Si se rebusca más, se puede encontrar el símbolo en algunos juegos de cartas del tarot, siempre representando alguna trinidad esotérica de difícil interpretación. En cuanto a la carta del tarot que se ve en la tercera imagen, el símbolo de Bonham representa la trinidad Osiris, Isis y Horus (muerte, mujer y luz).

Robert Plant

l siempre contradictorio Plant ofrece dos versiones de su diseño. Una de sus explicaciones de la pluma es que significa valentía. «La pluma es un símbolo en el que se han basado todo tipo de filosofías, y tiene una herencia interesante. Por ejemplo, significa valentía en muchas tribus. Quiero contar la verdad. Sin tonterías. Eso es es lo que significa la pluma en el círculo.» — Robert Plant La otra explicación es que es el símbolo de una antigua (y supuesta) civilización desaparecida. «La civilización Mu vivió hace unos 15.000 años en un continente perdido que existió en alguna parte del océano Pacífico entre China y México. Toda clase de cosas están ligadas a Mu, includas las efigies de la isla de Pascua. La gente de Mu dejó tablillas de piedra con sus símbolos en México, Egipto, India, China y muchos otros sitios, y todas datan de la misma época. Los chinos decían que esa gente venía del este, y los mexicanos decían que venían del oeste, así que obviamente eran de algún lugar en el medio.» — Robert Plant Las muchas teorías sobre continentes y civilizaciones perdidas existen desde siempre, y forman parte de la mitología de muchas religiones. Mu no es mas que otra reencarnación de la Atlántida, Lemuria, o de Ultima Thule, mitos inalcanzables y remotos sobre sueños de humanidad utópica. Robert Plant posiblemente se basara en un libro de un tal James Churchward, que en los años 30 afirmaba conocer a fondo la civilización Mu, incluidos sus 63 millones de habitantes. Su libro está considerado como una fantasía mayormente, aunque siempre hubo quien creyó ciegamente en lo que contaba. En el segundo dibujo vemos uno de los mapas que hizo Churchward situando el continente Mu. Existe también la creencia de que el símbolo de la pluma es el de la diosa egipcia Ma’at, protectora de la justicia y la verdad, que como se ve en la tercera imagen se representa con una pluma sobre la cabeza, o simplemente con una pluma, al igual que el símbolo de Plant. Y como no, hay gente que dice que la pluma le representa como escritor, dado que por aquella época se hacía cargo de la mayoría de las letras de Led Zeppelin.

QUE

EEN

ueen es una banda británica de rock formada en 1970 en Londres por el cantante Freddie Mercury, el guitarrista Brian May, el baterista Roger Taylor y el bajista John Deacon. Si bien el grupo ha presentado bajas de dos de sus miembros (Freddie Mercury, que murió en 1991 y John Deacon, que se retiró en 1997), los integrantes restantes, Brian May y Roger Taylor, continúan trabajando bajo el nombre Queen, por lo que la banda aún es considerada activa Es difícil pensar en bandas tan peculiares y tan básicas como Queen. Díficil imaginar personas que no hayan oído una de sus bases de piano, no hayan tarareado una línea de voz de Mercury, o simplemente hayan estallado en el ritmo de We Will Rock You, ese ritmo suficientemente monotemático como para enseñarlo a un simio, pero de alma multitudinaria y sabor clásico. Queen socavó el rock en varios niveles, siendo su legado un surtido donde la única característica común es la excelencia instrumental y la maravilla vocal, ese Dios terrenal que ocupa incuestionablemente un lugar importante entre los vocalistas más poderosos, superdotados y emotivos de la Historia. Si bien la banda cosechó uno de sus mayores éxitos y prácticamente se consagró en el mainstream con el trascendental tercer disco, Sheer Heart Attack, su mística flotaba ya en el aire con los dos previos lanzamientos, Queen II y el debut que hoy me ocupa. Dos discos con personalidad muy propia pero no exentos del afamado carácter del grupo: aquí no faltan las dulces melodías de Freddie, los incansables coros, los acompañamientos de piano, la maquinaria rítmica de Deacon y Taylor ni los guitarreos tan logrados de May (algo desplazados en protagonismo, desgraciadamente debo decir). Pues eso es lo de siempre: ¿Pero qué es lo diferente? El disco está teñido de color progresivo, con varios momentos de instrumentación fuertemente influenciada por los ‘rockeros pretenciosos’ (sin contar a los omnipresentes Zeppelin). No sería llamativo haciendo esta consideración, que el single Keep Yourself Alive haya resultado un fracaso comercial (no así debido a su calidad, ya que hablamos de una canción increíble). Tanto en esas canciones de paz donde Mercury tenía campo para desplegar su voz angelical, como el momento de acelerar y dar pie a la magia solista de Brian, el sonido no es tan accesible como uno esperaría. Para más pruebas, pegar oreja a Son And Daughter, que a los dos minutos y pico arremete con una imagen auditiva totalmente desconcertante, pero que a un servidor lo deja con una sonrisa de oreja a oreja. Realmente este tema está impregnado de genialidad, con un gran interludio, ese falso corte a los 5 minutos

Freddie Mercury usaba su piano como cabecera de la cama. Cuando se despertaba inspirado, se estiraba y tocaba lo que había escuchado en sus sueños. y medio y Freddie regresando para dejar las cosas claras. Como una seguidilla impecable tenemos Jesus, con un ritmo entrecortado en su estrofa, un coro normal, y otra puerta de entrada a los fabulosos momentos donde la instrumentación cobra protagonismo, y demuestra ser digno competidor de la Voz por la atención y la admiración. Asimismo me parece importante rescatar la densa Liar, la lenta y hermosa The Night Comes Down, el rápido y más pesadito Modern Times Rock ‘n Roll (a pesar de que aún me pregunto el por qué de Roger cantando teniendo a esa voz ultraprodigiosa junto a él). Aparte de los mencionados tenemos un sector de temas más “normalillos”, tracks que siendo buenos no llegan al sobresaliente: My Fairy King (siendo lo más interesante de ella la temática de fantasía sobre un mundo llamado Rhye, también referenciado en el título del cierre instrumental Seven Seas of Rhye), Doing All Right (algo inconsistente)... en fin, no dejan heridas de gravedad en la evaluación cuantitativa del álbum. A diferencia de los primeros pasos de otras bandas, este joven Queen y su sucesor no son piezas inmaduras, sin identidad, y cuyo fruto sería pulido en trabajos posteriores. Me atrevería a afirmar que a lo largo de su discografía, el grupo incluso optó por el camino inverso, revirtiendo su mágica complejidad y oscuridad hacia horizontes pop y pecando de ‘falta de gracia’ en los peores casos. Aún así, invito al oyente de buen rock a sumergirse en las legendarias creaciones de este grupo y definir estas cuestiones elementales por sí mismo.

QUEEN Y BOHEMIAN RHAPSODY

Es la única canción en llegar a la cima de las listas de preferencia que habla de un juicio por asesinato y combina ópera con headbanging.

LARGA Y APRECIADA

reddie Mercury usaba su piano como cabecera de la cama. Cuando se despertaba inspirado, se estiraba y tocaba lo que había escuchado en sus sueños. Fue así como nació la “Bohemian Rhapsody” (“Rapsodia Bohemia”). Durante las primeras tres semanas tras su lanzamiento, unas 20.000 personas compraron la canción cada día. Y todavía hoy, 35 años después, no pasa una hora sin que suene en la radio en algún lugar del mundo.A los críticos no les gusta, pero a la gente sí. La historia esencial no es el mayor enigma de la música pop: un hombre le confiesa a su madre que mató a alguien; en el juicio, usa su pobreza como excusa, en vano, y termina resignado a su destino. Pero quedan asuntos sin responder: ¿a quién mató y por qué? y ¿por qué el juez habla tan raro? Ciertamente, es el lenguaje utilizado en la escena que se desarrolla en la corte lo que despierta más curiosidad. Los abogados defensores tratan de competir con los adornados argumentos de la fiscalía -”Perdónenle la vida de esta monstruosidad”-, pero no lo logran. Para muchos, sin embargo, la “Rapsodia Bohemia” es sencillamente una bomba sonora cuya fuerza fue ilustrada en la película “Wayne’s World”. Pero su ambición -y su duración- casi la llevan al fracaso.

era capaz de apreciarla. Queen consideraba a la obra como una minivitrina de sus habilidades técnicas. “Nos parecía que la ‘Rapsodia Bohemia’ captaba casi todos los estilos que estábamos haciendo”, le dijo Mercury a la revista Phonograph Record en 1976. “Pensamos ‘ok, esto es lo que le queremos presentar al público y ver qué hacen con ello”.

“No tiene misterio, se explica por sí sola: lo único es que incluye algunos disparates en el medio” -Roger Taylor, Queen La compañía disquera EMI no quería lanzar la canción como un sencillo hasta que la banda le dio una copia al DJ Kenny Everett, quien la tocó en la radio 14 veces durante el fin de semana, lo que persuadió a EMI, a la BBC y otros escépticos de que el público