ALLISON
MALINSKY
PROPER PART OF THE WHOLE Allison Malinsky
Front Cover: Dividing 7 (Nude Sea) (detail), oil on linen, rubber and linen twine, approx. dimensions 50cm x 25cm x 11cm (19.68in. x 9.84in. x 4.33in.), 2016. Back Cover: Dividing 11 (back detail) Above: Installation View, GalerĂa Victor Saavedra, 2016 including Dividing 2 (Small Anchor), second from right.
TABLE OF CONTENTS / INDICE 4-8
Bending Light: Allison Malinsky’s Sculptural Paintings by Chris Murtha
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Installation View, Galería Victor Saavedra, 2016
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Dividing 9 (Bather)
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Dividing 10 (Her ease)
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Installation View, Galería Victor Saavedra, 2016
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Dividing 7 (Nude Sea)
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Dividing 3
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In Tension (Divided Intentions) by Karen J. Leader, Ph.D.
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Dividing 4 (Tension)
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Dividing 6 (Seeing Blue)
20-21
Dividing 14 (Nude sea) (detail)
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Dividing 14 (Nude sea)
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Dividing 5 (Bather)
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Dividing 8
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Installation View, Galería Victor Saavedra, 2016
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Flexionando la Luz: Pinturas Esculturales de Allison Malinsky (castellano), por Chris Murtha
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Dividing 12 (Force of Gravity)
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Dividing 13
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Fetishes 1-4
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Dividing 11
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En Tensión (Divided Intensions) (castellano) por Karen J. Leader, Ph.D.
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Installation View, Galería Victor Saavedra, 2016
38 Acknowledgements 39 Biography 40
Notes on this Edition
BENDING LIGHT: ALLISON MALINSKY’S SCULPTURAL PAINTINGS
Throughout her career, Allison Malinsky has cultivated an airy physicality and an abstract approach to the body and landscape in her paintings. A New Hampshire-native and transplanted New Yorker, Malinsky has continued that exploration in her adopted home of Spain. A thematic focus on water, fabric, and the body remains prominent, but the light, landscape, and architecture of her new environs have increasingly informed her paintings. Proper Part of the Whole presents two bodies of work that embody Malinsky’s new sculptural approach to painting, which allowed her to merge her interests and techniques into her most fully realized body of work yet. The two bodies of work on view in this exhibition— Dividing and Fetishes—are best understood by taking a look at the work Malinsky has done in the past two years and how her process has developed from painting abstract interpretations of her surroundings to realizing those forms in space. When working on wood panel or stretched canvas, Malinsky painted with Flashe and oil—two contrasting mediums that enabled her to achieve a variety of surface textures. In a series of abstract landscapes from 2014 and 2015, she combined translucent and dripping washes, sketchy scribbles, and velvety gradations to create a collage of flowing and gestural forms. These paintings share affinities with the work of Lesley Vance, whose abstractions are grounded in the traditions of the still life genre. Similarly, Malinsky’s work references the practice of drapery painting—a fundamental exercise in the study of painting that focuses on the process of capturing the dimensionality of form and light.
1. The sun was shining, Flashe acrylic and oil on wood panel, 190cm x 122cm, 2015. 4
Malinsky’s landscapes are not restricted to the environment but are inclusive of the body and the domestic interior. The sun was shining (2015)(1) is a dense arrangement of cascading folds and soft bodies that brings to mind the ruffled and tangled sheets of an unmade bed, while also evoking the colors and quality of light particular to the Spanish landscape. In Leaning In (2015)(2), a tiny flash of skin appears amid flowing cloth, and in the right side of the painting, a wash of pink bends like a knee. The fleshy section in the lower left corner of Picking Arándanos (2015)(3) is a direct antecedent of the limb-like fold in her new works. Malinsky’s abstracted references to the body bring to mind the nude self-portraits of Joan Semmel, another American painter who worked in Spain. In Secret Spaces (1976), one of Semmel’s signature works painted from her own perspective looking down, her body parts become an abstracted landscape, and in Double Torso (1987), two sunbathers merge with the beachside landscape to form a human horizon line.
2. Leaning In, oil and Flashe acrylic on linen, 140cm x 142cm, 2015.
While still working on these paintings, Malinsky started experimenting with a more volumetric approach by taking the canvas off its support and transitioning from painting images of fabric to sculpting with fabric. Her first three-dimensional fabric pieces were minimally painted or dyed, if at all, in contrast to her layered, multifaceted paintings. They are simple but elegant pieces that are titled for the time of day they represent.
3. Picking Arándanos, oil and Flashe acrylic on linen, 70cm x 60cm, 2015. 5
4. 23:00, sewn crepe hung bending over nail, 40cm x 27cm x 5cm, 2013.
The nocturnal 23:00 (2013)(4) is a piece of black crepe fabric sewn into a fanning accordion shape that catches the light and creates tonal variations in the dark cloth. A dyed piece of silk tacked to the wall, 06:45 (2013)(5), suggests a building silhouetted against the first pink blush of morning light. These works have a precedent in Sam Gilliam’s gestural painted and draped canvases, an inspiration that carries over into Malinsky’s next major series, titled Hydra and completed in 2015. Hydra(6) comprises circular fabric assemblages that converge to create central slits or folded and bunched ruffles of fabric. These corporeal forms also recall Robert Morris’ House of Vetti series, arrangements of folded and draped felt that were architectural but also strikingly suggestive of female anatomy. Composed primarily of black and grey felt with the occasional pink accent, Morris’ Vetti sculptures are heavy and foreboding, whereas Malinsky’s are vibrant and buoyant, even humorous. Malinsky’s animated color schemes are not only a departure from the minimalism of her initial fabric works, but they also provide a playful counterbalance to their own sculpted sensuality. With Hydra, Malinsky fully embraced the unprimed canvas, which was often left exposed, as a material to be sculpted. As such, this series lays the groundwork for her most recent work—and the focus of this exhibition—which continues to develop the sculptural approach while returning to the painterly formalism employed in her two-dimensional works.
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With only subtle variation, each work in Malinsky’s Dividing series uses the same structural template— two curved and folded pieces of linen canvas with one tucked into the other—to create an elliptical shape with a central crease. This ovoid form is the result of rigorous experimentation with fabric patterns and various methods of construction. Additionally, the painted elements of each piece are meticulously mapped out and developed as maquettes before being transposed to the larger scale. Her process is strongly informed by clothing design and how cloth is transformed from a flat object to one that wraps the body. The linen templates Malinsky used for this series are comparable to the pattern for a dress or the last of a shoe.
5. 06:45, stained silk tacked to wall at top, 1m x 1m, 2014.
The folds and overlapping layers of fabric in Malinsky’s two-dimensional paintings may have provided the sculptural inspiration for her three-dimensional works, but they also share a visual language. In the Dividing series, each piece is painted with variations on elemental tones that evoke both human flesh and the color and quality of light associated with the Spanish land and seascape. But Malinsky takes it a step further and paints representational folds and shadows into the canvases that have their own contours, creating a tension between the sculpted element and the imagistic content. Dividing 9 (Bather) (2016) (page 10) is an abstraction of sand and sea, a cubist confusion of painted folds and shadows that counter the actual curves and creases in the linen. More minimal works, such as Dividing 3 and 4 (Tension) (page 15 & 17), serve as studies of tonality and light, whereas Dividing 7 (Nude Sea) (page 14) continues her usage of aqueous imagery.
6. Hydra (Pink), Flashe acrylic on unprimed canvas with sewn fabric, Round: 46cm diameter with 10cm depth, approximate, 2015. 7
The folds and implied cavities of Malinsky’s Dividing paintings recall a series of ceramics done by Hannah Wilke. Though Wilke was not working with fabric, she rolled clay into thin sheets to create supple, leatherlike skins that were folded over into vessels that also evoked flower petals. Malinsky’s interest in ceramics, specifically the funky and amorphous work of California artists Ken Price and Ron Nagle, led to her most recent series, Fetishes (pages 32-33). For these small works, she uses pink enamel ceramics as supporting structures for three-dimensional paintings on linen, like a fashion designer would use a dressform mannequin. In contrast to her other volumetric paintings where the framework is hidden, in Fetishes the ceramics are visible, providing a lustrous base for the abstract paintings. The conical ceramics resemble breasts when uncovered, but when paired with their respective paintings and installed together in a group, they read like a miniature mountain range or an archipelago of volcanic islands. Though Price and Nagle inspired Malinsky to work in clay, their influence may be more strongly felt in the tactile sensuality of her fabric works. Both ceramists were masters of molding clay, but also of glazing to achieve a dazzling array of surface textures and tonal qualities. Malinsky, too, places equal emphasis on sculpture and painting by taking the canvas off the stretchers and into space, but she blurs the line between disciplines, challenging the eye to decipher real dimension from conjured. In her Dividing and Fetishes series, she merges visions of the landscape with bodily figures and translates them into luminescent abstractions and corporeal impressions that demand and deserved to be looked at twice—as paintings and as sculptures. Chris Murtha Independent Curator New York City / May, 2016
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Installation View, Galería Victor Saavedra, 2016
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Dividing 9 (Bather), oil on linen, rubber and linen twine, approx. dimensions 100cm x 55cm x 25cm (39.37in. x 21.65in. x 9.84in.), 2016. 10
Dividing 10 (Her ease), oil on linen, rubber and linen twine, approx. dimensions 100cm x 55cm x 25cm (39.37in. x 21.65in. x 9.84in.), 2016. 11
Installation View, GalerĂa Victor Saavedra, 2016 including Dividing 1, second from left. 12
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Dividing 7 (Nude Sea), oil on linen, rubber and linen twine, approx. dimensions 50cm x 25cm x 11cm (19.68in. x 9.84in. x 4.33in.), 2016. 14
Dividing 3, oil on linen, rubber and linen twine, approx. dimensions 50cm x 25cm x 11cm (19.68in. x 9.84in. x 4.33in.), 2015. 15
IN TENSION (DIVIDED INTENTIONS)
Great cities are invigorating theaters; stage sets for life’s comedies and tragedies. Navigating them requires strategic maneuvers and studied indifference to keep the action moving without disrupting the flow. Gestures communicate intention; glances convey acknowledgement. Encounters can be fraught when the choreography falters, where one is caught staring or bodies in uncomfortable proximity suddenly collide. Space is always at a premium, and invasions of it are often met with icy disdain. A few things we are told concretely about Allison Malinsky’s recent paintings: they are metropolitan creations sparked by Barcelona energy. Warm tones evoke flesh, cool ones, shadow. Bodily associations are deliberate, sensual responses desired. There is no single viewpoint. Movement is implicit, in the works themselves, and our engagement with them. In microcosm they reproduce an urban experience of encounters, of bodies in tension.
Dividing 4 (Tension), oil on linen, rubber and linen twine, approx. dimensions 50cm x 25cm x 11cm (19.68in. x 9.84in. x 4.33in.), 2015.
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These are hints at artistic intention, within the formal experiment of reimagining the relation between illusionistically depicting and literally constructing mass and volume. The painter demands three dimensions to conjure the erotics of depth beneath the refined surface. So she builds. In their flat form on the shaped pattern the artist designed, there are indications of mounds and crevices, places of entry or invitations to squeeze or to caress. These are illusions created with color modulation, shading, and contour, and you will never see them. Or touch them. But you can imagine their pliability, their give, their slip and stick, the somatic sensation of folding and fixing them into their current form. So envy the artist the exclusive right to manipulate them into the objects you see. The suave surfaces seduce. A cursory glance will identify clean lines and subtle shading. Beguiling shapes cling to the walls, thwarting our ability to distinguish painting from sculpture, or abstraction from figuration.
Dividing 6 (Seeing Blue), oil on linen, rubber and linen twine, approx. dimensions 50cm x 25cm x 11cm (19.68in. x 9.84in. x 4.33in.), 2016.
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Tensile counterbalance in the invisible architecture (the artist’s own engineering ingenuity) creates the bending, torqueing forms, wrinkle-free but not free of fissures. They are distinctly object-like, coolly closed off. Then, they are overlapping limbs. The perfect pike of a springboard diver. A dancer’s elegant limbs. Your heart’s desire. There can be no right way to see, but to fully engage with this corpus of work requires haptic commitment. The body, our body, must be brought to the task of sliding past the hard-edges to slip into the cracks. Be absorbed. Go inside. Take the plunge. The next time you engage in an intimate tangle or rub up against a stranger, you may find yourself divided, between the aestheticized surface and the unplumbed depths. Take yourself back to Malinsky’s work, to its assured wholeness peppered with peculiarities, the oh-too-human tension between how we look, and how we feel. Karen J. Leader, Ph.D. Florida Atlantic University April, 2016
Dividing 14 (Nude sea), oil on linen, rubber and linen twine, approx. dimensions 100cm x 55cm x 25cm (39.37in. x 21.65in. x 9.84in.), 2016.
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Dividing 5 (Bather), oil on linen, rubber and linen twine, approx. dimensions 50cm x 25cm x 11cm (19.68in. x 9.84in. x 4.33in.), 2015. 24
Dividing 8, oil on linen, rubber and linen twine, approx. dimensions 50cm x 25cm x 11cm (19.68in. x 9.84in. x 4.33in.), 2016. 25
Installation View, GalerĂa Victor Saavedra, 2016
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FLEXIONANDO LA LUZ: PINTURAS ESCULTURALES DE ALLISON MALINSKY A lo largo de su carrera, Allison Malinsky ha cultivado una ligera corporalidad y un acercamiento abstracto con respecto al cuerpo y el paisaje en sus pinturas. Originaria de New Hampshire y neoyorquina trasplantada, Malinsky ha continuado con esa exploración en su país de adopción, España. Sigue destacando un enfoque temático sobre el agua, la tela y el cuerpo, pero la luz, el paisaje y la arquitectura de su nuevo entorno tienen cada vez más presencia en sus pinturas. Proper Part of the Whole (La Parte adecuada del Todo) presenta dos tipos de obra que encarnan su nuevo enfoque escultural en la pintura y que le permiten fusionar sus intereses y técnicas en la realización más plena de su trabajo hasta ahora. Los dos tipos de obras que se muestran en esta exposición —Dividing y Fetishes— son mejor comprendidos si echamos un vistazo a la obra que Malinsky ha realizado en los últimos dos años y cómo su proceso se ha desarrollado a partir de una pintura de interpretación abstracta de su entorno, a la realización de estas formas en el espacio. Al trabajar sobre paneles madera o lino sobre bastidor, Malinsky pintó con Flashe y óleo, dos medios que contrastan entre sí y la capacitan para lograr una variedad de superficies texturadas. En una serie de paisajes abstractos de 2014 y 2015, combinó capas translúcidas, lavadas goteadas, bocetos garabateados, y gradaciones aterciopeladas para crear un collage de formas fluidas y gestuales. Estas pinturas comparten afinidades con el trabajo de Lesley Vance, cuyas abstracciones se basan en las tradiciones del género de naturaleza muerta. Del mismo modo, el trabajo de Malinsky hace referencia al procedimiento utilizado en la pintura de tapices, un ejercicio fundamental en el estudio de la pintura que se centra en el proceso de capturar la dimensionalidad de la forma y la luz. Los paisajes de Malinsky no se limitan al entorno e incluyen el cuerpo y los interiores domésticos. The sun was shining (El sol brillaba) (2015)(1) (pág. 4) es una densa disposición de pliegues en cascada y suaves cuerpos que recuerda a las arrugadas y enmarañadas sábanas de una cama sin hacer, a la vez que evoca los colores y la particular calidad de la luz del paisaje español. En Leaning In (Inclinado hacia adelante) (2015)(2) (pág. 5) un pequeño destello de la piel aparece en medio de la tela que fluye, y en el lado derecho de la pintura, una aguada de rosa se flexiona como una rodilla. La parte carnosa en la esquina inferior izquierda de Picking Arándanos (Cogiendo Arándanos) (2015)(3) (pág. 5) es un antecedente directo de la manera en que dobla los extremos de sus obras nuevas. Las referencias abstractas de Malinsky al cuerpo hacen pensar en los autoretratos desnudos de Joan Semmel, otra pintora norteamericana que trabajó en España. En Secret Spaces (Espacios secretos) (1976), una de las obras características de Simmel pintada desde su propia perspectiva mirando hacia abajo, las partes de su cuerpo se convierten en un paisaje abstracto, y en Double Torso (Torso doble) (1987), dos bañistas se funden con el paisaje de la playa para formar una línea de horizonte humana.
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Dividing 12 (Force of Gravity), oil on linen, rubber and linen twine, approx. dimensions 100cm x 55cm x 25cm (39.37in. x 21.65in. x 9.84in.), 2016. 28
Dividing 13, oil on linen, rubber and linen twine, approx. dimensions 100cm x 55cm x 25cm (39.37in. x 21.65in. x 9.84in.), 2016. 29
Mientras seguía trabajando en estas obras, Malinsky comenzó a experimentar con un enfoque más volumétrico, sacando el lienzo de su soporte y convirtiendo las imágenes de telas pintadas en esculturas con tela. Sus primeras piezas de tela en tres dimensiones fueron mínimamente pintadas o teñidas, como mucho, en contraste con las múltiples capas y facetas de sus pinturas. Son sencillas pero elegantes piezas tituladas con la hora del día que representan. La nocturna 23:00 (2013)(4) (pág. 6) es una pieza negra en tela de crep cosida que se abre como un abanico en forma de acordeón y que capta la luz y crea variaciones tonales en la tela oscura. Una pieza de seda teñida clavada en la pared, 06:45 (2013)(5) (pág. 7), sugiere la silueta de un edificio reflejada con los primeros rayos rosas de la luz matinal. Estos trabajos tienen un precedente en la pintura gestual y en las telas drapeadas de Sam Gilliam, inspiración que se traslada a las siguientes grandes series de Malinsky, tituladas Hydra y finalizadas en 2015. Hydra(6) (pág. 7) comprende conjuntos de telas circulares que convergen para crear hendiduras céntricas o pliegues de tela doblados y agrupados. Estas formas corporales recuerdan también a la serie House of Vetti (Casa de Vetti) de Robert Morris, estructuras de fieltro doblado y drapeado que son también arquitectónicas y sorprendentemente sugerentes de la anatomía femenina. Compuestas principalmente por fieltro negro y gris con algún énfasis ocasional en el rosa, las esculturas Vetti de Morris son pesadas y aprensivas mientras que las de Malinsky son vibrantes y ligeras, incluso divertidas. Las animadas combinaciones de colores de Malinsky no son solo un punto de partida desde el minimalismo de sus obras iniciales sobre tela, sino que también proporcionan un lúdico contrapeso a la sensualidad propiamente esculpida. Con Hydra, Malinsky adopta plenamente el lienzo sin imprimir, que a menudo se queda sin ser expuesto, como material para ser esculpido. Como tal, esta serie sienta las bases para su más reciente trabajo —y centro de esta exposición— que continúa desarrollando el enfoque escultórico a la vez que retorna al formalismo pictórico utilizado en sus trabajos bidimensionales. Con solamente alguna sutil variación, cada obra de la serie Dividing (Dividiendo) de Malinsky utiliza el mismo patrón estructural —dos piezas curvas y dobladas de tela de lino que se introducen una en la otra— para crear una forma elíptica con un pliegue central. Esta forma ovoide es el resultado de una rigurosa experimentación con modelos de tela y distintos métodos de construcción. Además, los elementos pintados de cada pieza han sido meticulosamente planeados y desarrollados como maquetas antes de ser trasladados a una escala mayor. Su proceso está ampliamente estudiado a través del diseño de ropa y cómo la tela se transforma de un objeto plano a otro que envuelve el cuerpo. Las plantillas de lino utilizadas por Malinsky para crear estas series son comparables al patrón de un vestido o la horma de un zapato.
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Los pliegues y las capas de tejido superpuestos en las pinturas bidimensionales de Malinsky podrían haber proporcionado la inspiración escultural para sus trabajos tridimensionales, aunque también comparten un mismo lenguaje visual. En la serie Dividing, cada pieza está pintada con variaciones en los tonos elementales que evocan tanto la piel humana como el color y la cualidad de la luz asociados con el paisaje de la tierra y del mar español. Pero Malinsky va un paso más allá y pinta pliegues y sombras en los lienzos que poseen su propio perímetro, creando una tensión entre el elemento esculpido y el contenido imaginario. Dividing 9 (Bather) (Bañista) (2016) (pág. 10) es una abstracción de arena y mar, un desorden cubista de pliegues pintados y sombras que contrarestan las curvas existentes y las arrugas de la tela. Obras más minimalistas, como Dividing 3 y 4 (pág. 15 y 17), ejercen como estudios de tonalidad y luz, mientras que Dividing 7 (Nude Sea) (Mar desnuda) (pág. 14) sigue el tratamiento de las imágenes acuosas. Los pliegues y las cavidades implícitas en las pinturas Dividing de Malinsky recuerdan a la serie de cerámicas realizadas por Hannah Wilke. Aunque Wilkie no trabajaba con tela, doblaba la arcilla en finas hojas para crear delicadas láminas flexibles similares a la piel, que se plegaban en forma de recipientes que también evocaban los pétalos de las flores. El interés de Malinsky por la cerámica, especialmente los trabajos excéntricos y amorfos de los artistas californianos Ken Price y Ron Nagle, la condujo hacia sus series más recientes, Fetishes (Fetiches) (págs. 32 y 33). Para estas pequeñas obras, la artista utiliza cerámica esmaltada de color rosa como soporte estructural de las pinturas tridimensionales sobre lienzo, como haría un diseñador de moda al utilizar un maniquí de costura. En contraste con sus otras pinturas volumétricas donde el marco está oculto, en Fetishes la cerámica es visible proporcionando una base lustrosa para el cuadro abstracto. Las cerámicas cónicas parecen pechos descubiertos, pero combinadas con sus respectivas pinturas e instaladas juntas en grupo, pueden ser interpretadas como una cordillera en miniatura o un archipiélago de islas volcánicas. Aunque Price y Nagle inspiraron a Malinsky para trabajar la cerámica, su influencia puede apreciarse fuertemente en la sensualidad táctil de sus trabajos en tela. Ambos ceramistas fueron maestros moldeando la arcilla, pero también brillantes a la hora de conseguir una deslumbrante variedad de firmes texturas y calidades tonales. Malinsky, también, pone igual énfasis en la escultura y pintura sacando la tela del bastidor e integrándola en el espacio, pero la artista desdibuja la línea entre las dos disciplinas, desafiando al ojo a descifrar la dimensión real de la conjurada. En sus series Dividing y Fetishes, fusiona visiones del paisaje con figuras humanas y las traduce en abstracciones luminiscentes e impresiones corpóreas que demandan y merecen ser miradas dos veces, como pinturas y como esculturas.
Chris Murtha Comisario Independiente New York City, Mayo, 2016 31
Fetish 1, two anchors (Fetiche 1, dos anclas), oil on linen with rubber on glazed ceramic support, approx. dimensions: diameter 20cm x height 12cm (7,87in. x 4.72in.), 2016.
Fetish 3 (Fetiche 3), oil on linen with rubber on glazed ceramic support, approx. dimensions: diameter 20cm x height 12cm (7,87in. x 4.72in.), 2016. 32
Fetish 2, violet gradation (Fetiche 2, gradaciรณn violeta), oil on linen with rubber on glazed ceramic support, approx. dimensions: diameter 20cm x height 12cm (7,87in. x 4.72in.), 2016.
Fetish 4, blue shade (Fetiche 4, sombra azul), oil on linen with rubber on glazed ceramic support, approx. dimensions: diameter 20cm x height 12cm (7,87in. x 4.72in.), 2016. 33
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EN TENSIÓN (DIVIDED INTENTIONS) Las grandes ciudades son teatros estimulantes; escenografías para las comedias y las tragedias de la vida. Navegar a través de ellas requiere de maniobras estratégicas y una estudiada indiferencia para mantener la acción en movimiento sin interrumpir su flujo. Los gestos comunican intenciones; las miradas rápidas permiten reconocerse. Los encuentros pueden estar cargados de tensión cuando la coreografía se tambalea, cuando uno es descubierto mirando fijamente, o los cuerpos de repente colisionan debido a una incómoda proximidad. El espacio es siempre un bien escaso cuya invasión a menudo se enfrenta con un desdén helado. Sabemos algunas cosas concretas sobre las pinturas recientes de Allison Malinsky: son creaciones metropolitanas provocadas por la energía de Barcelona. Los tonos cálidos evocan la piel, los fríos, la sombra. Las asociaciones con el cuerpo son deliberadas, reacciones sensuales deseadas. No hay un único punto de vista. El movimiento es implícito, en las obras mismas y en nuestra implicación con ellas. El microcosmos que reproducen es una experiencia urbana de encuentros, de cuerpos en tensión. Ellos son indicios de la intención artística, dentro de un experimento formal de reinterpretar la relación entre la representación ilusoria y la construcción literal de la masa y el volumen. La artista requiere de tres dimensiones para evocar la erótica profundidad que existe bajo la refinada superficie. Entonces las construye.
Dividing 11, oil on linen, rubber and linen twine, approx. dimensions 100cm x 55cm x 25cm (39.37in. x 21.65in. x 9.84in.), 2016.
En la forma plana del conformado patrón, que la artista diseñó, existen indicios de montículos y hendiduras, lugares de entrada o invitaciones donde presionar o acariciar. Son ilusiones creadas a través de la modulación del color, la sombra y el contorno, y nunca las verás. Ni tocarás. Pero es posible imaginar su flexibilidad, su elasticidad, la manera de plegarse y deslizarse, la sensación somática de doblarlas y fijarlas en su forma actual. Así que envidia a la artista el derecho exclusivo de manipularlas en los objetos que ves.
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Las suaves superficies seducen. Una mirada somera identificará líneas limpias y unas sutiles sombras matizadas. Las seductoras formas se adhieren a las paredes, impidiendo nuestra capacidad para distinguir pintura de escultura, o abstracción de figuración. La tension de contrapeso en la arquitectura invisible (ingeniería inventiva de la propia artista) crea la flexión, la torsión de las formas, libre de arrugas pero no de fisuras. Son claramente formas objetuales, serenamente cerradas. Son extremidades que se superponen. Como la perfecta forma de un clavadista al saltar del trampolín. Como las elegantes extremidades de un bailarín. Lo que tú quieras. No hay una única manera de ver, pero comprometerse plenamente con el conjunto de este trabajo requiere un compromiso con el sentido del tacto. El cuerpo, nuestro cuerpo, debe exponerse al cometido de deslizarse más allá de los límites demarcados para caer en la hendidura. Ser absorbido. Ir hacia adentro. Dar el paso decisivo. La próxima vez que te involucres en un enredo íntimo o te frotes contra un extraño, seguramente te encontrarás dividido entre la superficie estetizada y las profundidades insondables. Entonces piensa en el trabajo de Malinsky, en su asegurada integridad salpicada de peculiaridades, la tensión propiamente humana de entre cómo nos vemos y cómo nos sentimos. Karen J. Leader, Ph.D. Florida Atlantic University Abril, 2016
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Installation View, Galería Victor Saavedra, 2016
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ACKNOWLEDGEMENTS
Generosity is little when it comes to the work that went into making this book. To my supportive collectors and friends, no matter your proximity or distance, you are here continuously supporting my career and deserve a thank you that is difficult to express adequately. Admiringly, thank you Victor Saavedra for your distinguished eye and dedication. Indebtedness is bestowed to writers Karen Leader and Chris Murtha. Your texts have given insight to my work and career, your knowledge of art and language is endlessly engaging, and I thank you wholly as your words are an art that continues to give. Delightfully, our conversations continue. Equipo de traducción—Maribel Navarro Cortés for your valiant launch of this translation, Anna Rosenberg, Gabriela Comba, and Norman Vilalta, mil gracias for your native tongues. With artistic insight and an exceptional sense of design Javiera Pintocanales created this beautiful book from a mere storyboard sketch—thank you enormously. Additional thanks to Elies Plana, Rosa Rodriguez, and offset printer, Nova Era. With daylight the magic of photography can present itself, but it can’t do it alone Pablo Rothschild and Joãos Antunes Alves, my gratitude for your prowess. Adrian Paczka your ceramics expertise is truly appreciated. Some suggest we choose our parents, I chose well— thanks for always being there. Goya, my constant studio companion, arüo0ooürrr. Artist you are Norman Vilalta, my husband, best friend, champion, and mostly everything from here to the moon. Thank you for not only having an opinion, but for sharing it. With your advice and support the trunk gives way to branches, leaves and eventually flowers—to that idea, I dedicate this book to you.
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Allison Malinsky, born in Canterbury, New Hampshire, US, 1980, lives and works in Barcelona, Spain. By means of painting, drawing and sculpture, she continues to develop her investigation of human movement and form at play within their surrounding landscapes. She studied at New York University to earn both her undergraduate degree in Studio Art (2002), and later her Masters in Art (2008). Malinsky exhibits with Galería Victor Saavedra, in Barcelona, Spain, and shows internationally with galleries in the US, Spain, China, and Japan. She was recently awarded Artist Residence at the Slade School of Fine Art / Camden Arts Center in London and the Cooper Union School Artist Residency in New York City, she will attend the later in summer, 2016.
Allison Malinsky, nació en Canterbury, New Hampshire, EEUU, 1980, vive y trabaja en Barcelona, España. Por medio de la pintura, el dibujo y la escultura ella desarrolla su investigación del movimiento humano y formas en relación con el paisaje que las rodea. Formada en la Universidad de Nueva York (NYU) obtuvo el titulo de Bachelor en Studio Art (2002), y posteriormente su Máster en Arte (2008). Malinsky expone con la Galería Victor Saavedra en Barcelona y expone internacionalmente con galerías en EEUU, España, China y Japón. En 2016 fue seleccionada para realizar una residencia de arte en el Slade School of Fine Art / Camden Arts Center en Londres y para la residencia de arte de Cooper Union School en New York City, a la que asistirá en el verano de 2016.
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NOTES ON THIS EDITION
© 2016 Allison Malinsky www.allisonmalinsky.com allison@allisonmalinsky.com Texts Karen J. Leader, Ph.D. Chris Murtha Translations Maribel Navarro Cortés Anna Rosenberg Gabriela Comba Norman Vilalta Allison Malinsky Vilalta Graphic Design Javiera Pintocanales Photography Pablo Rothschild João Antunes Alves Victor Saavedra Printer Nova Era Publicaciones Ctra. Hospitalet, 147-149 City Park (Edif. Atenas, 2n 1a) 08940 Cornellà de Llobregat (Barcelona) www.novaerapublications.com Cover Paper: Munken Linx 300 gr. Interior Paper: Tatami White 135 gr. Indigo Offset Printing Printed in Spain June, 2016 Print Edition: 300 copies