Z are y diseño by Ana Paula Medina

ARTE Y DISEÃ&#x2018;O

Anthony Neil Dart

¿Quienes somos? Desde que elegimos nuestra carrera nos proyectamos a crear y comunicar nuetras ideas a travez de nuestro propio estilo. La “tarea” de crear una revista es la excusa perfecta para decir algo. Esta vez elegimos muchas cosas que nos inspiran día a día a porbar una técnica nueva, a investigar algo o que simplemente llaman nuestra

atención como diseñadores por el proceso, la estética o el concepto. Por ahora somos estudiantes de diseño, pero pronto cada uno seguirá su camino para convertirse en el diseñador que siempre quiso ser, tal vez muy lejos de la idea que tuvo al comienzo, porque uno nunca sabe todo lo que puede pasar.

Carta Editorial

l arte es siempre la propuesta de realidades posibles o una forma muy viva de contar historias y, por ello, se populariza sobre el principio de que siempre es bueno escuchar o ver una historia bien contada. Comando nace gracias a este principio, a nuestro gusto hacia el cine y hacia una videocámara bien enfocada. Creada con el fin de informar y entretener a aquellos que se definen como amantes del arte. Ideada detrás de una pantalla junto con millones de otros planes, decidimos crear una revista que identifique y exponga todo lo bello que tiene el arte en general, dandoles a nuestros suscriptores las mejores noticias y novedades de lo que mas les encanta. La fotografía de Olivier nos impresionó, y sabemos que a ustedes tambien les sorprenderá de igual manera. Fotos que inspiran y transmiten la sensualidad y erotismo. Una técnica que nos sorprende e intriga y esperamos que les transmita lo que a nosotros.

Título original: Sexo, sudor y glamour © TLS Ediciones, Lima, 2016 Diseño y composición: Jose Linares Fotografía de cubierta: Ana Paula Medina Coordinación de la colección: Maria Claudia Molina Corrección: TLS Soluciones Editoriales Diseño e Ilustraciones: Ana Paula Medina Jose Linares Maria Claudia Molina Impreso por Impresiones Gráficas RGB Calle de las Imágenes, 342 – 08001 Lima info@igrgb.es – www.igrgb.es Impreso en Perú – Printed in Perú

Reservados todos los derechos. No se permite la reproducción total o parcial de esta obra, ni su incorporación a un sistema informático, ni su transmisión en cualquier forma o por cualquier medio (electrónico, mecánico, fotocopia, grabación u otros) sin autorización previa y por escrito de los titulares del copyright. La infracción de dichos derechos puede constituir un delito contra la propiedad intelectual.

CONTENIDO FOTOGRAFIA

DISEÑO

10 ANA CECILIA GONZALES VIGIL El día que fotografió a Abimael Guzman tras las rejas.

18 VESTUARIO: GAME OF THRONES 26 Estos chocolates con packaging de medicamentos te Entrevista con Michelle curan con placer. Clapton.

FOTOGRAFÍA NARRATIVA

MODA

PACKAGING

La guía completa para contar historias mediante una fotografía

DIY 20 Portada calada para libro.

DANI OLIVER

MÚSICA NUEVAS BANDAS PERUANAS

NUEVO DISCO: PEARL JAM 59

Desnudo abstracto. SADHUS DE INDIA 22 Ilustraciones de Raganath Krishnamani

ARTE

CINE LOVING VINCENT

COMIDA 38

La primera película pintada de la historia.

REBECCA SUGAR

44 Creadora de Steven Universe.

Posters de coleccion.

Como las comen alrededor del mundo.

TATTOO

Entrevista con el director del Festival de Cannes.

CENTRAL ANTHONY NEIL D.

THIERRY FRÉMAUX

PAPAS FRITAS

INFOGRAFIA The Beatles

GRACE NEUTRAL 50 Dentro de la industria de la belleza en korea ESCARIFICACIONES 54

Fotografia

Ana Cecilia gonzáles Vigil

El día que fotografío a Abimael Guzman tras las rejas.

Fotografia

Ana Cecilia Gonzales -Vigil es una reconocida fotógrafa peruana que estuvo presente aquel día. Ella cuenta algunos detalles de la presentación. Recordemos que ella ganó un World Press Photo con esa imagen.

¿El día de la presentación de Abimael Guzman, existió alguna exigencia o restricción a los miembros de prensa? El día de la presentación fue un caos. Veníamos haciendo colas por semanas. Anunciaban la presentación y luego la cancelaban, una y otra vez… Corría el rumor de que iban a presentarlo en la Dincote y toda la prensa empezaba hacer guardia en la puerta. No habían restricciones, salvo la presentación del carnet de prensa e identificación. Llegó mucha prensa extranjera. ¿Sabías qué a Abimael Guzman iba a ser presentado con traje a rayas y enjaulado? Antes habían presentado a otros terroristas capturados en traje a rayas, pero no teníamos idea de cómo iban a presentar a Abimael. Podíamos sospechar... Pero la jaula,

eso sí fue una sorpresa. Parecía un circo. Un sentimiento de humillación y ridiculización de la situación.

“Parecía un circo. Un entimiento de humillación y ridiculización de la situación.”

¿Qué significó en tu carrera ganar un World Press Photo, con esa imagen? Lo de World Press fue una sorpresa. Yo había estado viajando por el Perú y no alcancé a mandar la foto al concurso. Fue mi agencia en Londres quien la envió. Cuando recibí la llamada anunciando el premio y luego el fax ¡no lo podía creer! Ganar un premio de WPP siempre es bueno. De hecho, fue un reconocimiento importante a mi trabajo. Y a raíz de que fui a Amsterdam a recoger el premio conocí a la gente de World Press y me pidieron hacer las coordinaciones para traer la exposición a Lima. El primer año se expuso en el Museo de la Nación y luego el ICPNA tomó la posta.

10 Fotografia

Guía Completa Para Contar Historias Mediante Una Fotografía Elementos imprescindibles en una fotografía narrativa Un contexto físico:

Un contexto temporal:

Una localización, el lugar donde sucede la foto, donde ocurre la pequeña historia que estamos contando. Puede ser una ciudad, una calle, el salón de una casa, o el interior del pétalo de una flor si lo que cuentas es la historia de una mariquita. Tiene que ser relativamente fácil deducir de tu foto la naturaleza del lugar en el que ha sido tomada. No que se sepa la ciudad en concreto, ni el nombre de la calle ni nada de eso.

¿Puedes, de manera visual, transmitir una referencia del momento en el que se tomó la fotografía? Las fotografías que expresan un momento del día como el amanecer, atardecer, o que llevan algún tipo de referencia horaria, año, etc., suelen transmitir mayor carga narrativa que una foto en la que, por mucho que mires, no encuentras ninguna indicación temporal. Asegúrate de incluir siempre una referencia temporal en tu foto.

Simplemente que se entienda que es una foto tomada en una calle, en la playa, al lado de un arbol o en eVl interior de una cafetería. Esto es una referencia física que indudablemente ayudará al espectador a recrear la historia.

Cuidado: si bien tienes que indicar el momento en que se desarrolla la foto, tú eliges si lo quieres indicar de manera explícita o implícita. Que no sea demasiado implícita porque no todo el mundo lo va a “sentir”, pero por ejemplo un chico repartiendo periódicos en bici es una clara indicación temporal de la mañana.

Fotografia

Un contexto emocional: En tu foto, asegúrate de tener bien definida una emoción predominante. Puede haber varias emociones en una misma foto, pero una tiene que dominar y quedarse plasmada en la retina del espectador. La dirección visual que hayas escogido para tu foto tiene que acompañar esta emoción dominante. Sería difícil reflejar sentimientos como el miedo o la soledad con una foto de colores cálidos y vívidos, de la misma manera que una foto de color predominante gris, con una composición llena de espacios negativos, es difícil que cuente historias de alegría (imposible en fotografía no hay nada, digo difícil). Un elemento protagonisa: Y digo “elemento” porque puede ser persona, puede ser objeto, paisaje, animal, cualquier cosa es susceptible de convertirse en un buen protagonista de una foto, pero define contigo mismo un protagonista. Di “la persona o cosa protagonista de mi foto es ésta, o aquella”. No lo dejes al azar, no dispares por disparar, a ver qué sale.

“Pero a los humanos, las historias que nos cautivan y nos embargan emocionalmente son aquellas en las que vemos, sentimos o notamos a otras personas.”

No quiere decir esto que no se pueda contar una historia mediante una foto sin que aparezcan personas. Para nada. Pero a los humanos, las historias que nos cautivan y nos embargan emocionalmente son aquellas en las que vemos, sentimos o notamos a otras personas. Me da igual que

Lo mismo vale para cualquier otro tipo de seres vivos animados. Las mascotas son un excelente personaje para construir una historia. Cuando observas la foto de esta bici solitaria, te es difícil evitar pensar automáticamente en su dueño. No quiere decir esto que no se pueda contar una historia mediante una foto sin que aparezcan personas. Para nada. Pero a los humanos, las historias que nos cautivan y nos embargan emocionalmente son aquellas en las que vemos, sentimos o notamos a otras personas. Me da igual que no salgan personas en la foto, el elemento protagonista puede ser un simple zapato, pero un zapato que contará la historia de una persona. La presencia de personas, directa o indirectamente, es clave en una historia. La persona no tiene que aparecer necesariamente en la foto, pero sí deducirse en el contexto de la historia. Lo mismo vale para cualquier otro tipo de seres vivos animados. Las mascotas son un excelente personaje para construir una historia. Cuando observas la foto de esta bici solitaria, te es difícil evitar pensar automáticamente en su dueño.

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Cómo unirlo todo: el guión En una foto pones todos los elementos de la historia a disposición del espectador, pero mantienes todo el control sobre por dónde se tiene que empezar la lectura de la fotografía y dónde tiene que terminar. La luz: Las zonas más iluminadas dentro del encuadre serán donde aterrice la mirada del espectador primero, para después ir a explorar las zonas de menos luz.

Curvas, líneas y puntos de fuga: Dentro de una composición, los puntos de fuga y los elementos lineales son una perfecta manera de conducir al espectador en la “lectura” de la fotografía.

Profundidad de campo: Los enfoques y desenfoques son otro recurso que facilita el conducir la mirada y la atención de quien contempla la foto. Por sabiduría de la naturaleza nuestro cerebro dirige nuestra mirada primero hacia la zona más enfocada.

La mirada: Si quieres dirigir la atención en una dirección determinada, haz que el sujeto mire para allá. Por naturaleza, somos curiosos. Al mirar una fotografía lo normal es que dirijamos nuestra mirada hacia aquello que el sujeto parezca mirar.

Dirección natural: A menos que el fotógrafo aporte elementos que modifiquen la trayectoria de la mirada del espectador (como los puntos anteriores), lo natural es que recorramos una fotografía de abajo hacia arriba, y de izquierda a derecha.

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Los desnudos abstractos y psicodĂŠlicos de Dani Olivier son sus creaciones exclusivas

Fotografia

Dani Olivier Bello proyecto del fotógrafo y artista visual francés Dani Olivier que proyecta diferentes patrones de luz sobre exuberantes cuerpos de mujeres Dani Olivier es un fotógrafo francés . Vive y trabaja en París. Este sitio cuenta con su trabajo fotográfico experimental 2014-2015 .

tractos y psicodélicos de Dani Olivier son sus creaciones exclusivas . Confieren una nueva dimensión y enfoque innovador para el arte de la fotografía de desnudo.

Dani Olivier crea sus efectos en el momento de los brotes, mediante la proyección de imágenes complejas y patrones intrincados de luz en sus modelos . Él nunca toca a los originales .

Dani Olivier confiere una nueva dimensión y un enfoque innovador al arte de la fotografía del desnudo. Las imágenes son realizadas sobre un fondo negro sin ningún tipo de artefacto que interfiera en el cuadro, solo la modelo y la proyección de luz, ya sea abstracta o figurativa. El resultado es siempre surrealista y psicodélico. Utilizando el mapeo, pone al día la técnica que ya se practicó por primera vez por grandes maestros como Lucien Clergue y Man Ray. Olivier sublima el cuerpo de la mujer a través de las proyecciones de luz consiguiendo que los desnudos adquieran otra dimensión, jugando con claroscuros, luces y sombras.

Los modelos están desnudos . No llevan la mejora de los accesorios . Su maquillaje es mínimo .Las imágenes se tomaron con un fondo negro . No hay artefactos : sólo los modelos y la proyección de la luz . Las proyecciones son ya sea abstracto o figurativo. La composición final es siempre irreal . Los desnudos abs-

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Desnudos abstractos, composiciones que logra mediante la proyección de patrones en sus modelos, junto con el movimiento y deformaciones ópticas.

Dani Olivier ha publicado hasta cuatro libros y realizado diferentes exposiciones en Kiev, Moscú, París, Arles y Los Ángeles. En su web podemos encontrar su trabajo dividido en distintas series en las cuales nos deja un pequeño fragmento de sus intenciones con los diferentes tipos de proyecciones realizadas sobre los cuerpos desnudos. También le podemos seguir en su página de Facebook donde encontraremos unos singulares gif animados.Entre 2000 y 2006, Olivier trabajó en autorretratos digitales. Pedía a sus modelos utilizar una cámara digital para captar su primer autorretrato desnudo, para capturar un momento único que no pueda ser reproducido.

“Para mí lo que hago es la definición de la plástica artística. Mi método consiste en mejorar mi trabajo paso a paso, con un enfoque empírico. Puedo probar nuevas ideas y técnicas, y si dan lugar a un resultado interesante, lo añado a mi conocimiento gráfico y lo reutilizo de nuevo en otros experimentos. Cuando tenía 15 años comencé a desarrollar químicamente mis propias fotos en el cuarto oscuro. He estudiado toda la técnica clásica. No uso Photoshop o cualquier otro software para modificar las imágenes. Son exactamente como yo los veo cuando tomo las fotos directamente. Sólo ajusto el contraste o el brillo y en algún caso, convertir el original a negativo. Pero nada más. Mis fotos se hacen con una cámara analógica y con proyecciones de diapositivas.”

Fotografia

“Mi método consiste en mejorar mi trabajo paso a paso, con un enfoque empírico. Puedo probar nuevas ideas y técnicas, y si dan lugar a un resultado interesante”

“Los diseños atrevidos se destacan de una manera humorístCa en un espacio donde todos los productos por lo general tienen el mismo aspecto”

Diseño

CHOCOLATES CON PACKAGING DE MEDICAMENTOS QUE TE CURAN CON PLACER

Diseño

El chocolate, ese dulce placer que a muchos nos derrite con solo imaginarlo… Pues bien, además de engordar si se abusa en su consumo, el chocolate tiene también muchos efectos positivos. Aporta energía, es un afrodisiaco y mejora el deseo sexual, cura el dolor de cabeza, es un antidepresivo… Vamos, que con “medicamentos” así da gusto doparse a pastillas de chocolate. Así, teniendo en cuenta sus propiedades curativas, Cheil Hong Kong ha tenido una idea genial para promocionar esta marca y fomentar su consumo entre los ciudadanos. Ha transformado el

packaging de las tabletas de chocolate en aparentes cajas de medicamento. De esta forma, los nuevos envases muestran sus beneficios médicos para que las personas caigan en el cebo. Una idea visualmente atractiva y muy original en su concepto. Una forma de presentar un producto y sus beneficios en una era en la que la sociedad cada vez se preocupa más por su salud, por lo que come y sus beneficios. Desde luego, muy inteligente el intento de reposicionar el chocolate como algo saludable y necesario y dejar atrás la visión del capricho insano, dirigiendose a un publico adulto.

Esta original idea, ha sido obra de la agencia Cheil Hong Kong y te lanzamos la pregunta de si tú comprarías un chocolate cuyo envase puede recordar al de los medicamentos que solemos tener en nuestro botiquín.

Diseño

DIY

PORTADA DE LIBRO PAPER CUT

DiseĂąo

Boceto

1 Recorte

2 Armado

3 Enmarcado

4 Fotografia y aplicacion

Diseño

Sadhus de India Serie ilustrada de los “hombres santos” de la India

Por: Ranganath Krishnamani

Diseño

Los sadhus de India y Nepal están en todos los álbumes de fotos de los viajeros que visitan estos países. A primera vista vemos que son hombres prácticamente desnudos, con el pelo larguísimo y con la cara y el cuerpo pintado de vivos colores. No obstante eso sólo son las apariencias, ya que los sadhus son místicos relacionados con la religión del Hinduismo. Se trata de personas que han renunciado a los placeres mundanos y se dedican a la meditación y a la vida contemplativa. Si viajáis a India o Nepal, tarde o temprano os toparéis con alguno de estos santones, muchos de los cuales practican yoga o simplemente llevan una vida de monjes errantes tras abandonar las enseñanzas de su gurú o maestro. Como llevan una vida mística, lo poco que comen o tienen lo obtienen de la caridad, así que lo más probable es que si os acercáis o les tomáis una foto, os acaben pidiendo un donativo. Aunque no tiene porque ser siempre así. Se estima que sólo en la India existen unos cinco millones de sadhus, por lo que sería muy raro que no os encontrarais con alguno, sobre todo en ciudades sagradas como Varanasi o Kathmandú. También en lugares cercanos a los templos y a los crematorios ya que muchos sadhus se dedican

a observar a los brahmanes, que es la casta superior y la que oficia las ceremonias y ritos en el Hinduismo. No tengáis miedo a acercaros a ellos, aunque siempre con buenos modales, ya que son bastante respetados. De hecho, a ellos sí que se les permite el uso de hachís y cannabis pese a que su consumo es ilegal tanto en India como en Nepal. El estilo de vida sadhu corresponde con la última, y cuarta, de las etapas en la vida de un hinduista, pues todas las personas que practiquen esta religión deben pasar primero por los estudios, luego por ser padres, más tarde peregrinos y por último sadhus. Esta última etapa es un paso previo para alcanzar el Nirvana antes de la muerte y posterior reencarnación. Por ese motivo se ven tantos sadhus ancianos cerca de las orillas de los ríos, especialmente del Ganges. Se están preparando para morir. Los sadhus de India y Nepal forman parte de la vida diaria y del paisaje con el que os toparéis en el camino. Sin duda, un atractivo más para viajar a estos países tan distintos culturalmente al nuestro.

Diseño

“Para los hindúes la iluminación espiritual siempre ha representado la más alta meta en la vida, lo único que le da sentido y propósito.”

Diseño

Hoy, como norma general, los sadhus dedican su vida a los rituales, la meditación y al yoga. Suelen ser nómadas y peregrinos que van recorriendo el país en busca de lugares sagrados y festivales, y rara vez se establecen mucho tiempo en un mismo sitio. Son vegetarianos estrictos, no beben alcohol, practican la castidad y la renuncia a cualquier tipo de placer material. Son ascetas en el pleno sentido de la palabra y se han despojado de todo lo que tenían, incluyendo su familia, condiciones de casta, etc. Los principios rectores para un sadhu son la renuncia y la disciplina. Han sacrificado toda su vida material, su familia, los placeres de la vida, para dedicarse por completo a la práctica de lo sagrado: el yoga y el control de su propio cuerpo, la meditación, rituales de distinto tipo, penitencias (en algunos casos de lo más excéntrico)… Por eso el verdadero sadhu es considerado un hombre santo y despierta todo el respeto y la admiración en India, lo que permite que puedan vivir de la limosna.

El concepto indio de la santidad es muy diferente e impensable para la mayoría de las culturas de occidente. Para los hindúes la iluminación espiritual siempre ha representado la más alta meta en la vida, lo único que le da sentido y propósito. Es un estado de ser que es, en principio, alcanzable por todo el mundo . No obstante, hay excepciones. A veces no son más que vagabundos o personas que malviven en la calle… y en algún caso es posible encontrar a quien encubre otro tipo de propósitos o prácticas bajo la apariencia de “sadhu”, como disfrazarse de atracción turística para conseguir unas rupias. Podría decirse que a veces encontramos sadhus más expertos en el control del cuerpo y la voluntad ajenas que de las propias. Así que ante la duda, como norma general, no te fíes de un sadhu que lleve celular o unas deportivas de marca, solo esta jugando con la cultura del lugar.

Ranganath Krishnamani es un diseñador originario de India, lugar al que también pertenecen los protagonistas de esta serie gráfica: Los Sadhus. Estos individuos pertenecen a la religión hindú y se dice que renuncian todo tipo de vínculos que los unen con lo terrenal para acercarse aún más a la santidad.

Moda

Game of Thrones

Diseño de vestuario

Michele Clapton se encarga de crear el vestuario que mezcla ideas originales con el estilo único de la Edad Media. La inglesa, ganadora de dos premios Emmy, habla de sus inicios, su trabajo en la serie Game of Thrones y lo que se esconde detrás del hilo y la aguja.

Moda

Desde el romanticismo, en los atuendos de películas como Ana Karenina (2012) hasta la gloria de las armaduras en Gladiator (2000), los vestuarios han jugado un papel primordial para los actores y directores al momento de dar vida a los personajes. Detrás de toda la suntuosidad que muestran muchos de estos trabajos, hay una labor ardua, como explica la diseñadora de vestuario Michele Clapton, en una entrevista vía correo electrónico que le concedió a este diario. ¿Cómo empezó en el mundo del diseño de vestuario? Me formé como diseñadora de modas, y durante algunos años tuve mi propia marca. Luego tomé un receso cuando tuve a mi hija. Estaba desilusionada con la industria de la moda. En el lado de los negocios, empecé a asesorar estilos de bandas y comerciales, los cuales me llevaron al cine. Mi estilo siempre ha tenido un sentido teatral, y es algo que he continuado desarrollando. ¿Cómo es el proceso para crear el vestuario de un personaje? Es importante investigar al personaje para meterse debajo de su piel, y así saber lo que quieres que el vestuario diga u oculte y ayude a definirlo. ¿Aproximadamente cuánto tiempo le toma hacer un vestuario, desde esbozar la idea hasta el producto terminado? Oh, esto realmente varía. Algunos bosquejos se logran dibujar en muy corto tiempo o bien llegan a tomar meses en ser creados. Pueden ir evolucionando o ser bastante complejos. Con otros puedo pasar años pensando en una idea y confeccionarlos en un par de horas. ¿Cuánto se involucran los actores en los detalles de los trajes? Es importante trabajar en los trajes con los actores. Discuti-

mos sobre el trayecto del personaje y les muestro dibujos, telas y formas. A algunos les gusta estar más involucrados en este tema que a otros. Pero nunca le insistiría a un actor vestir alguna prenda que no le agrade. Hay quienes se quejan del peso de las armaduras, así que para ellos fabricamos unas de plástico. A otros les encanta el peso, porque les ayuda a encarnar mejor su personaje. ¿Comienza a fabricar los trajes para los personajes sin conocer al actor que los va a interpretar? Esto sucede en raras ocasiones, sobre todo cuando el casting se escoge tarde, y siempre es aterrador. En Game of Thrones sucedió con Pedro Pascal (Oberyn Martell), pero cuando entró en la sala de montaje el vestuario no le pudo haber quedado más perfecto. Él adoraba su traje, ¡y yo lo adoraba a él! No puedo recordar una sola ocasión en Game of Thrones en que el trabajo no haya funcionado. En el caso específico de Game of Thrones, ¿cuál ha sido su mayor reto? Supongo que en realidad los primeros trajes. Para el episodio piloto era como estar de pie en el borde de este mundo que tuvo que ser diseñado totalmente desde cero. Era un trabajo muy abrumador. Traté de ir un paso a la vez, pero cuando miraba hacia arriba sentía náuseas. Estaba horrorizada por la tarea. Y el hecho de estar lejos de casa no me agradaba. No podía pensar en otra cosa que no fuera Game of Thrones. La labor me estaba consumiendo, pero una vez que se establecieron los estilos, como un molde, logré crear una imagen. Gemma Jackson (directora de arte) y yo traba-

Moda

“Los productores David Benioff y D. B. Weiss siempre son muy abiertos sobre dónde quiero llevar los personajes, y me dan muchas libertades, lo cual aprecio muchísimo”

jamos muy de cerca para crear un mundo visualmente coherente. Esta es la razón por la cual funciona todo tan bien. Tenemos buenos cimientos. ¿En Game of Thrones buscó referencia en los libros o trabajó con lo que le daban los directores? He leído los libros, pero la serie es diferente a ellos. Tenemos muchos directores, así que trabaja estrechamente con los escritores. ¿Cuántas libertades o limitaciones tuvo? Los productores David Benioff y D. B. Weiss siempre son muy abiertos sobre dónde quiero llevar los personajes, y me dan muchas libertades, lo cual aprecio muchísimo. De vez en cuando tenemos diferencias, pero no es recurrente. ¿Hay alguna película en particular o serie en que hubiese deseado trabajar? Me encanta The Man Who Fell to Earth (1976), de Nicolas Roeg, y Nosferatu (1979), de Werner Herzog, ambas películas causaron una gran impresión en mí en un momento importante de mi vida. ¿Hay alguna época en particular que le interese diseñar? Me gustaría diseñar las décadas de 1920, 1970 y algo que sea de súper ciencia ficción. Como diseñadora de vestuario, ¿a veces diseña algo para su uso personal? Solía hacerlo todo el tiempo. Fui una de las primeras new romantics durante los años de 1970 y confeccionaba mi propia ropa. Pero ahora en realidad no lo hago. En raras ocasiones, tengo tiempo libre. Todavía me gusta la moda, incluyendo algunos clásicos victorianos. Especialmente las botas de la marca Margiela.

Moda

Michele Clapton, diseñadora inglesa ha diseñado el vestuario de juego de tronos durante los últimos cinco años (desde 2011) y de acuerdo con un nuevo perfil en fashionista, esta temporada fue la última, sin embargo ha dejado un alto estandar para proximos diseñadores. La diseñadora de vestuario ha jugado un papel muy importante en la determinación de la estética que se mantuvo firme a travez de las ultimas temporadas de Juego de Tronos, y ganó dos premios Emmy por su trabajo en la popular serie.

Anthony Neil Dart Looking back now it seems absurd but now itâ&#x20AC;&#x2122;s very different; for students today the computer is a given.

Central

Influencias e inspiraciones De vez en cuando a encontrar un brillante diseñador que hace mucho más que diseño. Tal es el caso de Anthony Neil Dart, un diseñador de África del Sur, que también tiene créditos en la producción de música y el cine. Descripciones como “Renaisance hombre” vienen a la mente cuando leer esos artículos como Anthony que parecen dominar sin esfuerzo diversas áreas que tienen el resto de nosotros toda la vida de entender. Se tardó Anthony un montón de trabajo duro y la educación para llegar a donde está hoy. Anthony Neil dardo es oriundo de Johannesburgo, Sudáfrica, donde dirige su propio estudio de diseño. Él tiene un reclamo interesante y legítima para ser a la vez autodidacta y educado en las artes. entrenamiento formal de Anthony estaba en las artes tradicionales que implican diseños hechos a mano.

Anthony floreció una vez que fue capaz de comenzar a producir en programas como Adobe Illustrator y desde entonces se ha labrado una carrera de crear obras de encargo únicos. Sus diseños son simples, pero muy clara y accesible. elementos y símbolos tipográficos están siempre presentes en sus diseños. Anthony amablemente se tomó el tiempo de su apretada agenda para darnos un profundo conocimiento de sus antecedentes, enfoque , y la inspiración . Esperamos que disfrute de sus respuestas tanto como nosotros aquí en HV -Designs. Además quiero destacar la formación autodidacta de Anthony, lo cual hace que admire más sus trabajos. Podeis ver el buen uso de las tipografías, utilizando diferentes técnicas como dibujos a mano alzada, fotografías, e ilustraciones vectoriales.

Central

Me encanta el arte y el diseĂąo y darse cuenta de que ambos tienen su propio lugar, a menudo me encuentro explorando este empuje y tiro entre los dos.

Central

Anthony tiene ciertamente una cartera que puede inspirar a alguien a nuevas alturas dentro de sus propios proyectos de diseño. Ya sea que usted se encuentra entrometerse en varios campos del diseño de una sola vez o se centran en un nicho en particular , la cartera de Anthony es uno seguro que le dará el impulso que necesita para seguir alcanzando para sus objetivos . determinación de Anthony, la educación tanto formal como autodidacta , y su amor por lo que hace pueden ser algunas de las razones principales por las que es tan exitoso hoy en día . Con suerte , esta visión de sus enfoques

para el diseño , los clientes , y la educación le dará algunas herramientas que puede utilizar para seguir adelante. Me gusta para que participen lo más posible en el proceso si se trata de un complejo comercial que implica la animación CG y la integración acción o la tipografía trabajo basado en vivo para una campaña por debajo de la línea de anuncio. La clave está comunicando con claridad y entender realmente sus necesidades y requerimientos particulares , y totalmente invitándoles a contribuir con el proceso. Los clientes que adoptan esta forma de trabajar en beneficio enorme incluido yo mismo.

Cine

LA PRIMERA PELÍCULA PINTADA CUADRO A CUADRO

AMANDO A VINCENT (VAN GOGH)

Cine

“Loving Vincent”, una película de animación sobre el pintor Vincent van Gogh 'Loving Vincent' nació como un proyecto de financiación colectiva en Kickstarter, el cual logró superó su meta al obtener más de 53.000 libras, lo que llevó a los creadores a poner manos a la obra en uno de los proyectos más bellos y ambiciosos que tengan que ver con el arte.

Y ahora, a casi dos años de haber arrancado el proyecto, sus creadores nos muestran el primer trailer de 'Loving Vincent', donde el resultado es una cosa realmente fascinante, que nos deja con unas ganas tremendas de conocer la película completa, la cual se espera sea estrenada durante

Loving Vincent Vangogh Esta película está dirigida por Dorota Kobiela y Hugh Welchman, ganadores del Oscar por el cortometraje animado 'Pedro y el Lobo', y consiste en la primera película del mundo totalmente pintada a mano, el cual narra la historia del pintor a través de sus personajes y sus más de 800 cartas, las cuales sirvieron para crear el guión.

Si creías que una película animada era muchísimo trabajo, entonces el nuevo proyecto del estudio BreakThru Films es lo doble de lo que pensabas. “Loving Vincent” (amando a Vincent) es la primera película completamente pintada, en la que cada toma es un nuevo lienzo de pintura en óleo, animado por un pincel que nos traslada de una toma a la próxima; suma el trabajo de aproximadamente 100 artistas con más de 56000 pinturas que se necesitan para hacer posible la película.

Parte del mérito de esta película, es que cada fotograma es una pintura al óleo dibujada con la técnica del Van Gogh, por lo que requirieron más de 100 pintores formados específicamente para crear secuencias de las famosas pinturas, quienes por seis meses trabajaron por casi 10 horas diarias para dar vida a este magnífico proyecto. Loving Vincent Vangogh La película requirió 12 pinturas por segundo, lo que representa más de 56.000 pinturas en total capturas con la técnica stop-motion, todas basadas en las 120 pinturas más famosas de Van Gogh que se encuentran en distintos museos del mundo.

Ahora en post-producción y con fecha de lanzamiento a finales del 2016 “Loving Vincent” no es solo una cronología de la vida y del trabajo del pintor, si no que también incluye cartas, entrevistas con los personajes y sujetos que salen en sus pinturas, quienes hasta ahora no tenían voz. Loving Vincent es dirigido por Dorota Kobiela cuyo largometraje lo trabajó con Hugh Welchman el productor del corto de”Peter and the Wolf” que ganó el Oscar en 2008. BreakThru Films tiene su base en Londres, Varsovia y Dublin, también ha hecho efectos visuales para “La Vie en Rose”.

Cine

DIRECTOR DEL FESTIVAL DE CANNES

THIERRY FRÉMAUX

La 69 edición del Festival de Cannes acaba de terminar. Con nombres que van desde veteranos como Ken Loach u Olivier Assayas, hasta rostros jóvenes como Andrea Arnold y el consentido Xavier Dolan, el palmarés de este año no falló en provocar el mismo número de reacciones positivas que negativas. Y es que, siendo un festival de tanto prestigio internacional, que además siempre ha representado una ventana importante a las tendencias más contemporáneas del cine menos comercial, las

expectativas cada año son tan altas como el peso histórico que, tanto el evento como lo que ahí se premia, representan en la historia del cine. Para entender qué es lo que ha hecho durante todos estos años que la Riviera francesa siga siendo el escaparate más importante del cine cada Mayo, platicamos con Thierry Frémaux (en un excelente español) en medio de la concurrida y ruidosa cafetería de un cine, durante el pasado Festival Internacional de Cine en Morelia, tuvimos la fortuna de conversar con el.

Cine

Hola, Thierry. Qué gusto conocerte. Thierry Fremaux: Para mí también es un gusto conocerte… Jajajaja… ¿Sí? Pero si ni siquiera sabes quién soy. No, pero a mí siempre me da gusto conocer a gente nueva que se interese en el cine. Porque gente como tú y quien sea que vaya a leer esto son una parte tan primordial del cine, o más importante incluso, que gente como yo. Precisamente, me interesa que me hables de ti. Para muchos de nosotros el Festival de Cannes es una referencia y, estando tú al frente de uno de los eventos cinematográficos más relevantes del mundo, quisiera empezar sabiendo en qué momento de tu vida te enganchaste con el cine al grado de decidir hacer de él una parte tan importante de tu vida. A mí siempre me ha parecido que hablar del cine es una cosa natural. Es como leer, como comer o como amar la música. Todos lo hacemos, ¿no? Desde la infancia empecé a amar el cine y desde entonces lo quería tanto como a mis propios hermanos o amigos. Fue alrededor de los 16, cuando se separaron las rutas de esas relaciones, que empecé a sentir una fuerte conexión con el cine como una pasión. En la adolescencia empecé a ver más películas, a devorar el cine extranjero y con subtítulos, ese que muchos de mis amigos ya no conocían. Entonces mi obsesión llegó al nivel de aprenderme el nombre de los directores o actores hasta que, poco a poco, además del placer de ver películas como espectador, comenzaba a usar esa pasión como una ventana al mundo que me ayudó a construir una identidad propia. Pero también la suerte fue un factor importante. Siempre viví en Lyon, que es una ciudad de cine. Ya como a los 22 años, que seguía en la misma ciudad estudiando historia, dedicar tanto tiempo a ver películas no era suficiente y éste permeó mi vida académica, haciendo que todos mis trabajos de la universidad los dedicara a él. Un día mis trabajos académicos me llevaron a una conferencia de prensa en el Instituto Lumière, en el ´82, y de inmediato me animé a preguntarle a Betrand Tavernier si no necesitaban a alguien, aunque se tratara de un trabajo no pagado. Resultó que sí y estuve 8 años como voluntario ahí. Para pagar mis gastos, recuerdo, solía dar clases de judo mien-

“Yo amo tanto al cine que no puedo diferenciar entre los muchos mundos que lo conforman. Para mí, tanto el cine de autor como el cine comercial no dejan de ser cine y ya.”

tras armaba mi tesis de historiador. Y aunque no la pasaba nada bien económicamente, recuerdo esos años con cariño, porque para mí el simple hecho de cargar las cajas con las películas en 35mm ya significaba trabajar en el cine de manera profesional. Era algo que simplemente disfrutaba como nunca antes había disfrutado. Pero a veces el cine como industria también quebranta ese romanticismo que reflejas contándome tu gusto por el simple hecho de cargar latas ¿Crees que es necesario ser un romántico del cine para dedicarse a él con verdadera pasión y no dejarse decepcionar por este feroz aspecto? Mira, yo amo tanto al cine que no puedo diferenciar entre los muchos mundos que lo conforman. Para mí, tanto el cine de autor como el cine comercial no dejan de ser cine y ya. Por supuesto que tengo una predilección y un gusto personales pero mi romanticismo no sabe distinguir. Yo me asumo como parte de la escuela de la generosidad, aunque eso tampoco quiere decir que me guste todo. Es una actitud. Yo procuro no decir cosas negativas sobre el cine porque su historia es grande, son 120 años y hay tanto que ver que, como director de Cannes no debo tomar una postura que segregue. Mi obligación es ver todo el cine posible, contemporáneo o clásico, independiente o comercial, sin hacer distinciones o dejarme llevar por estigmas previos. Porque si no lo haces así, y tú lo debes de saber, no tienes referentes históricos o de calidad para evaluarlo. Justo ahora que mencionas el Festival de Cannes, ¿puedes contarme cómo llegaste ahí? ¿Cuál fue la sucesión de hechos que te llevaron de ser un voluntario que carga latas a

Cine

dirigir el evento cinematográfico más emblemático dentro de estos 120 años de cine a los que recién hiciste alusión? ¡Uf! Es una historia muy larga pero, para hacer un resumen, todo empezó un día que me llamaron y me ofrecieron dirigir la Cinematheque en París. Ya llevaba varios años haciéndome de un lugar y conociendo a varias piezas clave en la industria pero dije que no, porque quería quedarme en Lyon. Nunca me interesó conocer el éxito en París, a pesar de que en Francia esa es una de las grandes ambiciones profesionales. Pero entonces me llamó Gilles Jacob, el presidente de Cannes quien, sabiendo que rechacé el trabajo en París, me ofreció dirigir el festival. A él también le dije que no porque no quería mudarme pero su insistencia lo llevó a considerar una petición que le hice. Yo estaba dispuesto a dirigir Cannes, siempre y cuando pudiera hacerlo desde Lyon durante el tiempo que está en pre producción. Él aceptó y desde entonces lo he hecho de esa misma forma.

Si tú pudieras decirme tres elementos que han sido clave para diferenciar a Cannes de cualquier otro festival de cine, más allá de la obvia tradición y alcance que éste tiene, ¿cuáles serían? Hay un secreto y una alquimia muy particular… Y no te los voy a decir porque es un secreto. Pero la verdad es que no me atrevo a reflexionar acerca de por qué Cannes es Cannes, ya que ni siquiera yo estoy seguro de saberlo. Yo creo que es mejor no saber, o al menos yo no quiero saber pero, respecto a mi trabajo en particular, siempre he creído que mi labor es mantener Cannes como el festival más prestigioso en el mundo. Si soy sincero, desde aquella llamada de Gilles Jacob he avanzado y crecido con el festival sin siquiera detenerme a pensar cómo o hacia dónde vamos. Lo que tengo claro es que, a donde sea que vayamos, vamos juntos con el público, los autores y hasta los periodistas como tú, porque el festival es en realidad una obra colectiva de todos los que, como yo, amamos el cine. Eso es Cannes.

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REBECCA SUGAR Artista, compositora y directora , creadora de Steven Universe convirtiéndose en la primera mujer creadora de dibujos animados en la historia de Cartoon Network Rebecca Sugar es la creadora de Steven Universe. Nació el 9 de julio de 1987 (Edad actual de 28 años). Es una artista, compositora y directora, quien es más conocida por su premiado cortometraje de animación "Singles" y su novela gráfica "Pug Davis". Ella era la escritora Annie-nominado y nominada al Emmy y artista del guión gráfico asociado con Adam Muto en las temporadas dos y tres, y con Cole Sanchez en la cuarta temporada de Hora de aventura. Se retiró del equipo durante la quinta temporada. Cartoon Network tiene luz verde para la producción de la

serie Steven Universe, convirtiéndose en la primera mujer creadora de dibujos animados en la historia de Cartoon Network. Rebecca dejó Hora de Aventura después de 'Ser Más', un episodio de la quinta temporada, para trabajar en Steven Universe, un proyecto personal. Carrera Sugar es originaria de la zona de Sligo Park Hills de Silver Spring, Maryland. Se formó simultáneamente en Montgomery Blair High y en el Centro de Artes Visuales de Einstein, en Maryland, también fue contribuyente de storyboard para la película Hotel Transilvania.

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Vision Una de mis metas para Steven Universe es esa, porque es una historia sobre alcanzar la madurez, pasar de ser un niño a ser una especie de adulto en miniatura. ¡Muchas cosas han pasado antes de que la serie empezara que Steven no sabe del todo! Lo que intento hacer realmente con la serie es... digamos que revelar la complejidad del mundo de toda esta gente que es más mayor que él. También está basada en mí y Steven --el hermano real de Rebecca Sugar, Steven Sugar-durante esa época. Todo lo que yo quería hacer era ayudarle a no cometer los mismos errores que cometí yo cuando pasaba por esa transición. La serie se centra mucho en eso. Mientras Steven aprende cosas, la audiencia las aprende con él. Y así podemos seguir expandiendo este mundo, pero nunca es pequeño, siempre es grande, él simplemente está aprendiendo sobre el mismo, contigo. Esta es mi manera de, digamos, mantenerlo todo independiente y consistente. El mundo es como es por una razón, y Steven está aprendiendo eso. Desplazarnos de esta especie de universo egocéntrico en el que vivimos, en el que todo el mundo y todas las cosas se están haciendo por ti... a ver que no es exactamente así. De este modo, queremos explorar a cada personaje y cómo interactúan con Steven. Creo que, cuando eres un niño... todo el mundo dibuja, todo el mundo quiere dibujar, ¡dibujar es divertido! Todo el mundo que trabaja actualmente en la animación dibujaba muchísimo cuando era pequeño. Pero, en algún momento, cuando creces, alguien te dice “esto no es una cosa que realmente puedes hacer para ganarte la vida” o “este no es un buen dibujo” y simplemente paras, o continúas, porque quieres seguir adelante, o porque deliras y crees que realmente puedes hacerlo. Todo el mundo puede hacerlo, simplemente tienes que seguir dibujando - como adolescente, como adulto - y entonces intentas encontrar un balance, y que te siga importando.

Y cuando una cosa como esta es tan personal, cuando te expones a ti mismo - ¡porque es tu arte! - es difícil situarte ahí afuera, hay este sentimiento de “no puedo hacer esto”. Creo que cualquiera que sigue dibujando a pesar de todo, que no será disuadido de elaborar ideas - y no importa cuáles sean - y sabe que no son erróneas... si puedes superar todo eso, entonces vas a estar bien. Nadie te ha de decir que hagas cosas, puedes simplemente hacerlas. Cuando estás haciendo cómics, nadie puede pararte, simplemente lo haces. ¡Y los imprimes y los grapas y ya está, aquello existe! Y la gente lo juzgará, pero ¿a quién le importa? Mientras no pares, puedes hacer tanto arte como quieras. Es importante simplemente seguir haciéndolo, sin ese miedo a que no sea legítimo. Soy de Maryland, y la animación no es realmente nada allí, no hay ninguna comunidad de animación en Maryland... Hay tantas razones para dimitir y si tú simplemente no escoges ninguna de estas razones y no dimites, entonces definitivamente lo conseguirás, porque ya lo haces tú mismo a día de hoy. Me he alejado muchísimo de la pregunta, pero creo que hay un montón de gente con cosas que decir que cree que nadie les escucharía por alguna razón.

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Todo el mundo que trabaja actualmente en la animación dibujaba muchísimo cuando era pequeño. Pero, en algún momento, cuando creces, alguien te dice “esto no es una cosa que realmente puedes hacer para ganarte la vida”

Aquí en Annecy un montón de personas hablan de trabajar en el mundo de la animación en Europa comparada con América... hay tantísimas cosas que decir acerca de vivir en esos otros países, ¡pero ves gente aproximándose a la forma en la que la animación es y actúa en América! Y no hay razón alguna para hacer esto, tiene que haber mucho por decir acerca de qué es la animación europea. Y todo el mundo puede decirlo y puede hacerlo, pero como

hay precedentes, la gente apunta hacia esos precedentes. Al final del día, la cosa realmente difícil que todo el mundo debería hacer es luchar a través de todos sus miedos y simplemente hacer aquello que realmente significa algo para ti, aunque a nadie le importe. Eso es infinitamente más valioso que alguna cosa realmente aburrida que ha sido contratada porque se parece mucho a todas las demás.

Comida

KENYA - Cebolla - Ají - Limón - Salsa de Tomate - Sal - Mantequilla - Verduras

PERÚ - Salchicha - Verduras - Sal - Pimienta - Ketchup - Mayonesa - Mostaza

Comida

INGLATERRA - Pimienta - Tomate - Ketchup - Crema - Verduras - Mantequilla

ESPAÃ&#x2018;A - Cebolla - Verduras - Tomate - Ajo - Ketchup - Salsa de pimiento - Aji

RUSIA - Ajo

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Grace Neutral

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Belleza de otro mundo Grace Neutral, de 24 años, es una de las tantas jóvenes que saltó a la fama en las redes sociales. Con 279 mil seguidores en Instagram y una veintena de perfiles públicos en Facebook (armados por sus seguidores), se destaca por un original motivo de éxito. ¿Cuál es esta razón? Simplemente creérse una extraterrestre. Comenzó a trabajar como modelo -desfiló en la última edición de la Semana de la Moda en Londres-, y también sobresalió por su debilidad por los tatuajes. Pero su salto a la fama fue cuando empezó a mostrar las modificaciones que hizo en su cuerpo para estar acorde con la imagen imaginada de un extraterrestre. Algunas de ellas, realmente osadas y extravagantes. ¿Cuáles fueron estos cambios? Grace tiene el 90% de su cuerpo tatuado, incluso las axilas, con diseños de mandalas, figuras geométricas y personajes de Disney. Una combinación extraña y, a la vez, muy llamativa. En los ojos (entre la esclerótida y la conjuntiva), se inyectó una tinta morada, como la de los tatuajes, para verse diferente al resto de personas. Para simular ser un clon o una muñeca, se quitó el ombligo mediante una cirugía estética.

En otra visita al quirófano, los médicos dividieron su lengua en dos. Los días siguientes tuvo que soportar un dolor infernal. Pero, igualmente, dijo que esta operación le dio más libertad. Otra de las intervenciones fue para dejar sus orejas como las de un elfo. Su rostro también tiene un sello personal. En las mejillas y la frente, presenta varias escarificaciones en forma de luna. Algunos aseguran que su obsesión está relacionada con un propósito de sabotear el modelo de mujer impuesto por la sociedad o denunciar los ideales inalcanzables de miles de mujeres en el mundo de la moda. Más allá de esta opinión, Grace Neutral remarca que no se sentía cómoda con su fisonomía natural y dice que solo quiere que su apariencia externa muestre su imagen interior. Sobre esto, en una entrevista publicada en medios internacionales, remarcó que antes de implementar estos cambios “es necesario investigar el trabajo previo de los artistas en los que confías”. Y agregó: “la seguridad es lo más importante. Pero tu cuerpo te pertenece, así que deberías ser capaz de hacer lo que quieras con él.”

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Estilo Algunas maniquíes saltan a la fama por su belleza, otras por su estatura y en ciertos casos por las curvas. Sin embargo, la modelo británica, Grace Neutral lo hizo por su inusual confesión: asegura que es una extraterrestre. Y si usted lo duda (como yo), no se preocupe, al menos parece una alienígena llegada más allá de los confines de la tierra, claro que su look no es para nada natural. La mujer se ha obsesionado con asimilarse a una apuesta “marciana” por lo que se ha visitado casi una decena de veces el quirófano en busca de esa apariencia que ella considera “ideal”. Entre las intervenciones destaca que se operó para no tener ombligo, simulando ser un clon o una muñeca. En otra visita al quirófano, le pidió a los doctores que dividieran en dos su lengua, y si bien confesó haber tenido dolores traumáticos, aseguró que esta operación le dio más libertad. También pasó por la sala de cirugías para que dejaran sus orejas como las de un elfo, mientras que en el rostro pidió le implantarán escarificaciones en forma de luna.

Como si fuera poco, la modelo tiene el 90% de su cuerpo tatuado, incluso las axilas, con diseños de mandalas, figuras geométricas y personajes de Disney (una duda: ¿Los niños extraterrestres ven Disney?) Además, en los ojos se inyectó una tinta morada (entre la esclerótida y la conjuntiva), como la de los tatuajes, para diferenciarse del común de los humanos que habitamos este planeta. Con todos su cambios la modelo cuenta con 279 mil seguidores en Instagram y una veintena de perfiles públicos en Facebook (armados por sus seguidores), la pregunta es ¿ellos creerán que es extraterrestre? No aspiro a parecerme a nadie en particular. Me gustaría cambiar mi apariencia externa para expresar la interna, para así estar más contenta conmigo misma. Al final estoy haciendo algo que es muy personal. ¿Por qué no explorar lo que la vida nos ofrece? Tengo algunos tatuajes pequeños por todos los lados. Y otros más cuestionables que me hice en las piernas.

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Escarificación Históricamente, la escarificación ha sido practicada por pueblos y grupos indígenas de América, África y Oceanía para recordar a los antepasados, como una tradición o por cuestiones simbólicas.11 Aunque se cree que se desarrolló en gran manera en la África Occidental, donde fue evolucionando con el transcurrir de los años. La escarificación proviene de la palabra inglesa scar que significa cicatriz y es un proceso doloroso y riesgoso, como la mayoría de las modificaciones corporales. No se sabe con exactitud el origen de la escarificación, pero existen registros, manuscritos ilustrados y esculturas del siglo XV y XVI donde se muestran personas ejerciendo esta actividad e imágenes en piedra, madera y metales como el cobre con notables diseños.

Los maoríes fueron uno de los principales grupos étnicos que emplearon esta técnica en sus rostros.

Investigadores y arqueólogos afirman que ya en la era del paleolítico era común la escarificación, aplicada en distintas partes del cuerpo como glúteos, abdomen, pecho, vientres, hombros y muslos. La base de estas afirmaciones se centra en varios hallazgos realizados en yacimientos arqueológicos como el caso de ‘Ain Ghazal en Jordania y en la zona montañosa de Tassili n’Ajjer, sitio inhóspito donde se encuentran las pinturas rupestres del Sahara. Los maoríes fueron uno de los principales grupos étnicos que emplearon esta técnica en sus rostros. Como resultado, la piel quedaba literalmente esculpida con grandes diseños y protuberancias, sinónimo de belleza y valentía.

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Técnica El cutting, también conocida como escarificación por cortes, es una de las técnicas más conocidas y empleadas junto al branding, en ella, es común el uso de cuchillas quirúrgicas aunque también se manejan navajas y otros objetos tales como espinas, vidrios, piedras y cáscaras de coco para realizar los cortes y trazados sobre la piel. Sin embargo, los tatuadores profesionales y artistas del arte corporal sugieren el uso del escalpelo como una de las herramientas más fáciles de usar y que permite una mejor definición. Por el contrario, las navajas no son recomendables, debido a que la mayoría presentan hojas ligeramente dentadas que dificultan el trazado y, por consiguiente, dejan cortes irregulares. En ciertas ocasiones las heridas suelen ser tratadas con tintas, zumos de plantas, lodo, carbón molido, tierra colorada, cenizas y vinagre, esto permite una mejor cicatrización;49 el uso de otros elementos como la sal o los condimentos hace que adquieran un mayor volumen. Entre las técnicas utilizadas se encuentra el skin removal, skinning o peeling (eliminación o descamación), que consiste en realizar cortes lineales en la piel por medio de un bisturí. Además, los contornos de la superficie de la piel son removidos cuidadosamente con la ayuda de otras herramientas. A menudo, las cicatrices formadas presentan una textura inconsistente, aunque esto depende en gran medida de la experiencia del artista y del cuidado de la herida. Otro método es el ink rubbing, que se realiza por medio de una cuchilla quirúrgica. A medida que se raspa la piel se añaden pequeñas cantidades de tinta, muy similar a un tatuaje. La mayoría de las personas que se someten a este procedimiento consideran que el diseño final —dibujo— es poco estético y llamativo. El packing es un método poco común en occidente, pero se ha utilizado tradicionalmente en África. En ella, la piel se corta cuidadosamente y posteriormente se rellena con arcilla, ceniza, tinta u otro tipo de sustancia para dar coloración a la herida.

En ciertas ocasiones las heridas suelen ser tratadas con tintas, zumos de plantas, lodo, carbón molido, tierra colorada, cenizas y vinagre

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Música

Nuevas bandas

RAVELERS Ravelers es una novedosa banda con integrantes de Lima y Apurímac que fusionan los ritmos peruanos (andinos, selváticos, cumbieros y más) con sonidos muy contemporáneos como el indie, el chillwave y la neo psicodelia. A principios de año los conocimos con un video presentación que lo pueden ver AQUÍ, y este es el primer tema que sueltan en la red gracias al gran compilatorio Sonido Nuevos Mundos de Neos Perú. Desde ya, esperamos más de ellos.

TAKEOFFS & LANDINGS

NEON DOMINIK

Una banda de indie rock con vocalista femenina (guapa ella) siempre causa curiosidad, mas aún si han tocado en un festival local tan importante como el Festival L.I.M.A, y más aún si han tocado en un festival importante en USA como es el Festival Collide (sin tener ningún disco o Ep). Takeoffs & Landings nos soltó hace un par de meses un adelanto de lo que vendría a ser su primera producción (¿para el 2015?), la enérgica “Whisper”.

Neon Dominik ha traído a la escena ese synth pop revival que está marcando la pauta a nivel mundial con bandas como Cut Copy o Neon Indian. Y lo hacen con un disco exquisito y redondo. “My Fault” y “Fobus” encenderían cualquier tono o rave en la ciudad. Además cuentan con invitados de lujo como el rapero canadiense Trace Motiva en el tema “Temptation” o al nacional Lu Falen (Theremyn_4, Blind Dancers) en su hit “Reptile Kid”.

Música

Nuevo álbum

Pearl Jam Grabado durante el transcurso de dos sesiones, separadas por más de un año, el Brendan O’Brien produjo “Lightning Bolt” beneficiado de la ruptura, el guitarrista Stone Gossard a Billboard. “Hemos reaccionado a la primera sesión, y creo que tienen de dos a elegir elevada del material”, dice. Tener “siete canciones grabadas,” durante la sesión anterior, el guitarrista Mike McCready a Billboard, “que estaban tomando ese favor a nosotros mismos a tomar el tiempo.” Se observa que 15 nuevas ideas de la última sesión de 2013

traducidos a varias nuevas canciones para “Lightning Bolt”, incluyendo la canción principal.Veintitrés años después de su carrera, la banda de Seattle que nunca dejó de hacer a mano sincera, rock ‘n’ roll inteligente y soplar las mentes con él en el escenario, pasos hacia adelante con un nuevo álbum tachonada con reflejos.He aquí un vistazo pista por pista del 10º álbum de estudio de Pearl Jam “Lightning Bolt”, con comentarios de los guitarristas Gossard y Mike McCready de piedra de muchas de las canciones.

Pearl Jam

Música

a continuación la recopilación de algunas canciones de este espectacular álbum

“Getaway”

“Sirens”

“Tiempo tormentoso oscuro” en forma inmediata con el abrelatas musculoso “escapada” como Vedder canta por tener que “poner toda su fe en fe” y “aleluyas sentado de espaldas a la mitad”, como el bajo de Ament lo sigue a través la melodía en forma de onda y las guitarras slash alrededor de ellos. En última instancia, Vedder en su propio camino, cantando “Tengo mi propia manera de pensar, está bien.” y “El mío es mío y lo tuyo no puede tomar su lugar!”

Un montón haber llamado “Sirenas” una balada, pero eso es demasiado reductora. La canción juego letras de Vedder a la música de McCready, dolores musicalmente y vocalmente como Vedder contempla el amor y la mortalidad mientras escucha las ambulancias en la noche.

“Mind Your Manners” Esta feroz Thrasher sub-tres minutos ha sido pisando fuerte tímpanos desde su lanzamiento en julio como el primer sencillo de “Lightning Bolt”. “Yo estaba escuchando a algunos Kennedys muerto en el momento y me sentí muy conmovido por la forma en East Bay Ray tocaba la guitarra o lo que es un héroe contra la guitarra que era. “My Father’s Son” Una de las canciones más sarcásticos / cáusticos de Vedder en un tiempo, con música de Ament, se encuentra el protagonista gruñendo “padre está muerto y ha ido y estoy finalmente agradecido por toda su f * cked encima de los regalos para los cuales tengo ninguna simpatía “.

“Lightning Bolt” Debutó en vivo en el “Wrigley Field” de Chicago, después de una tormenta arrojó relámpagos literales en el cielo alrededor del estadio con entradas agotadas, la pista del título pone la voz de Vedder derecha en la delantera como el verso de una mujer misteriosa “como un meteoro en llamas” que empieza tranquila pero crece y se expande con la historia. “Infallible” “Hay mucho que hacer en esa pista. Es tridimensional, que realmente se puede escuchar cada instrumento de juego,” dice Gossard, quien co-escribió la música de la canción con Ament (las letras son de Vedder). “Creo que las melodías son tan fuertes, los acordes descendentes en el coro y donde Ed detiene vocalmente, tiene esta melodía clásica que es bastante instantánea.

Música

Squier anuncia su nueva guitarra: Ryan Jarman Signature Guitar Squier ha presentado su nueva guitarra Ryan Jarman Signature Guitar (guitarrista del grupo The Cribs), un modelo inspirado en las formas de la Jaguar y la Mustang que cuenta con una pastilla simple y una humbucker, ambas Duncan Designed. La escala es de 24”, y en la sección de controles cuenta con: volumen, tono e interruptores de On/Off y fase para cada pastilla, y un Killswitch. El mástil es de arce y el diapasón de palo rosa, combinados con los herrajes y el trémolo estilo Jaguar/Mustang cromados. The Cribs es una banda de West Yorkshire (Reino Unido) formada por tres hermanos, Ryan, Ross y Gary Jarman (Guitarra, batería y bajo respectivamente). En sus filas militó temporalmente Johny Marr, guitarrista de los Smiths, que fue miembro fijo del grupo desde 2008 hasta 2011. Squier es una marca derivada de la Fender Musical Instruments Company. Produce principalmente instrumentos musicales derivados de la línea de productos de Fender, solo que a precios más económicos.

MÃºsica