Moda by Anderson Villamizar

MODA 1

Laura laine

CONTENIDO INTRODUCCIÓN

Moda

Historia de la Moda 7 1900 8 1910 9 1920 10 1930 11 1940 12 1960 14 1970 15 1980 16 2000 17 Creación de la Moda 18 Actitud frente a la Moda 19 Aspectos sociales de la Moda 20 Sensualidad a travez del vestuario 22 La Moda y la expresión estetica 24 La globalización de la Moda 26

DISEÑADORES de moda en la historia 27 Coco Chanel La mujer, la diseñadora, la leyenda 28 Christian Dior 30 Armani Giorgio 32 Óscar de la Renta 34 Valentino 36 Domenico Estefano 38 Dolce Gabbana 39 Calvin Klein 40 Stella McCartney 42 Cristóbal Balenciaga 44

Donatella 46 Ralph Lauren 48 Jean Paul Gaultier 50 Karl Lagerfeld 54 Christian Lacroix 56 Carolina Herrera 58 Alexander McQueen 60 Tom Ford 62 Jimmy Choo 64 John Galliano 66 Marc Jacobs 68 Hugo Boss 70 Vera Wang 72 Miuccia Prada 74

DISEÑADORES de moda Colombianos 76 Pepa Pombo 78 Silvia Tchersassi 80 Hernan Zajar 82 Isabel Henao 84 Esteban Cortázar 86 Silvia Alfonso 88 Jorge Duque 90 JUAN 92

Anna Wintour La emperatriz de la Moda 94 Conclusión

Bibliografía

Lesley Lawson más conocida con el nombre “Twiggy” fue una super modelo Inglesa de la década del 60’. Con sólo 1,68 m de altura logró convertirse en un ícono de la época.

INTRODUCCIÓN La moda ha sido un factor sumamente importante en la sociedad que apasiona y seduce a todos con su especial encanto, y aunque sea por curiosidad provoca el interés de una u otra forma, es algo que se ha visto desde siempre por eso este libro trata de dar rienda suelta a este tema. Aborda de manera sencilla diversos aspectos de la moda, desde el estilo y la creación, hasta la actitud frente a ella, que nos lleva mencionar sus aspectos sociales y el como es su globalización, analiza la moda como una parte integral de las culturas y como un reflejo de las sociedades en determinadas épocas, resaltando los estilos de cada una de ellas; Dando espacio también a los pioneros de ella a nivel nacional e internacional..

Moda a las constumbres, el modo de proceder y la forma de vestir y peinarse propias de cada etapa de la humanidad.

Moda en sentido general, es un concepto aplicable a diferentes fénomenos de la actividad humana, que reflejan cambios constantes en cuanto a criterios . El termino “moda” procede de modus, que en latin, significa elección y se refiere

En el caso de vestuario moda significa la forma particular de vestise en cada temporada, la moda mantiene al mundo siempre versatil. sorprendente y encantador. Ella nunca se cansa de descubrir los nuevos matices en su prodigiosa naturaleza, por lo cual siempre actualiza su imagen. El ciclo de la moda es corto y cambia practicamente dos veces por año. La persistencia de las mismas características específicas durante varias temporadas responde al nombre de tendencia. La tendencia que evoluciona durante una década aproximadamente, o más, y llega a desarollarse por completo se llama estilo. Revista Vogue

Historia de la Moda En el mundo antiguo, la moda no existía porque los cambios en la vestimenta se producian muy lentamente debido a las form a s d e

producción y a la lentitud de los procesos socales. se trataba unicamente d de ciertsa constumbres de vestir muy estables. Sin embargo, el desarrollo de la sociedad en ls épocas posteriores permitió llegar, para la segunda mitad del sglo XV, a cierto bienestar económico, los investigadores consideran que en ese período se dio inicio a la moda como tal. Algunos lo atribuyen al Gotico Francés, mientras que otros otorgan este mérito al Renacimiento italiano.

sociedad. La vestimenta se vuelve mas elegante; el corte y la confección, más sostificados y los cambios en el aspecto de la prenda empiezan a efectuarse sistemáticamente y mucho mas amenudo. A pesar de la moda ya existia con anterioridad, el término aprece por primera vez en el siglo XVII, en la corte francesa. En esa época, vestido á la mode suponía “al estilo francés”, dierente del españos que ya cedía su primacía.

De cualquiero modo, ambos movimiento casi coinciden en términos de tiempo y evidencian c i e r t a madurez de l a

Burberry

La moda era dictaba por la alta sociedad con vestidos pomposos decorados con encajes y volante. Las siluetas vaporosas se desenvolvían en una sociedad aprisionada por el corsé. La Belle Époque, un período de ilimitado lujo y vistosidad, duró de 1890 a 1914. Su característica primordial era el estilo eduardiano, muy influido por el monarca inglés Eduardo VII, quien ocupó el trono entre 1900 y 1910. Teniendo como telón de fondo a una alta sociedad benévola. La moda se erigió en un símbolo de estatus, no exento de cierto erotismo derivado de la severa figura femenina. Sin embargo, las nuevas ideas y el arte vanguardista desterraron los asfixiantes valores victorianos y en 1909 se puso de moda la silueta nueva y estilizada.

1900 8

1910

En esta segunda década del siglo XX la moda se podía diferenciar en dos partes muy distintas: la moda en los años que precedieron a La Primera Guerra Mundial, en la que la ropa era muy ajusta, poco practica y buscaba solo la belleza, y la moda durante la guerra y los años que las sucedieron, en las que la ropa era mas suelta, mas practica y no solo buscaba la belleza, también la comodidad. En esta época la moda fue muy importante e influyente ya que marco la división de clases, ya que solo las clases sociales muy altas, eran las únicas capaces de poder importar sus vestidos o

las telas de Francia, con tal de estar a la moda. Las clases medias pretendían seguir este modelo, pero sus recursos no eran suficientes para mandar hacer su costo modelo de vestido tan caro en las grandes casas de costura en París. Y la clase baja esa era la que menos se preocupa por vestir bien. En 1910 se produjo un cambio rotundo en la moda, influenciado por el “Ballet Ruso” que recorría los escenarios europeos. Los colores llamativos y la onda oriental, reemplazó la hegemonía en tonos pastel y las faldas largas. Bailarinas como la sensual y enigmática Mata Hari, se transformaron en iconos de belleza seguidos mundialmen-

te. Gracias a esta nueva moda las mujeres se atrevieron a desafiar los sólidos principios morales que las ataban y comenzaron a mostrar el cuerpo, lo que por supuesto no fue posible sin escándalo eclesiástico y machista de por medio. Los cuellos “hasta las orejas” dieron paso al escote en “V” y las faldas se acortaron levemente, dejando al descubierto los tobillos, cosa que también causó estupor en la época porque durante siglos las piernas femeninas habían sido el símbolo erótico que “provocaba la lujuria en los hombres” y que por lo tanto, debían ser escondidas.

Historiamoda.es

1920 art deco

La fusión de las artes y la moda dieron la bienvenida a un estilo extravagante, que sustituyó la simplicidad del corte y la forma en boga por adornos muy elaborados. Durante el día las mujeres optaron por estilos angulosos y materiales prácticos como el punto, la sarga de seda, el mohair, la kasha y el rayón. Se consideraban elegantes los vestidos de seda tejida burdamente, los

tweeds ligeros y brocados hechos a mano. Los ondulantes vestidos de noche confeccionados en materiales finos como el crepé satén y el crepé georgette se adornaban con detalles brillantes. Entre los diseñadores destacados de la época se encontraban Jean Lanvin, Callot Soeurs y María Monaci Gallenga.

1930

En 1930, ya las faldas y cinturas naturales fueron anunciadas en todas partes. Las curvas femeninas se destacaron en la década de 1930 a través del uso de la parcialidad de corte en los vestidos. Se presentó el cierre de cremallera , de fibra sintética, trajes sencillos con toques de color, vestidos de noche diseñados con chaquetas a juego, hombros anchos, y el color rosa fucsia entró al mundo de la moda. En 1933, la tendencia hacia los hombros anchos y cinturas estrechas había eclipsado el énfasis en las caderas de la década de 1920. Los hombros anchos seguirían siendo un elemento básico de la moda hasta después de la guerra. Los colores predominantes fueron los tonos piel como el marrón claro y el castaño . El terciopelo y la pana eran empleadas para la ropa de invierno y se diseñó un nuevo modelo para los trajes de viaje: estos eran mucho más simples y

cómodos, con un botón úni- cluyen la introducción del co y enorme en la cintura, lo conjunto (vestidos se ponque lo hacía más entallado. gan en venta o faldas y abrigos) y la falda pañuelo, enEn los años 30 a finales, se cartes, pliegues o fruncidos. hizo pasar a la espalda, con escotes halter y cuello, pero Los sombreros eran usados sin respaldo, vestidos de no- para la mayoría de ocasioche largos con mangas. De nes, casi siempre apuntaban hacia un lado y decorado con trocitos de velar red, plumas, cintas o broches. Los guantes eran “enormemente importantes” en este período. Los vestidos de noche fueron acompañados por los guantes hasta el codo, y los trajes de día fueron usados con una longitud de guantes de ópera o corto de tela o cuero. Los fabricantes y los minoristas introducieron la coordinación de los conjuntos de gorro, guantes y zapatos o los guantes y la bufanda, sombrero y bolsa, a menudo en colores llamativos. art deco elegance

noche vestidos con chaquetas a juego fueron usados para discotecas o teatro, y elegantes restaurantes. Otras tendencias de la moda notable en este período in-

1940 12

Quéconqué

La Segunda Guerra Mundial causó un importante perjuicio a la moda parisina. Alemania pretendía trasladar a Berlín o Viena, la Alta Costura parisina, sin conseguirlo. Al terminar la contienda, comienza un periodo de escasez y racionamiento en todo y por tanto en el textil. Se dan órdenes en distintos países que regulan la cantidad de tejido a utilizar en las prendas. Esto lleva a fomentar la falda recta y lisa. Trajes con estilo militar, zapatos con plataforma de corcho más baratos que el cuero, etc. Esto significaba que las mujeres se vieron obligadas a usar ropa que tenían en sus armarios antes del anuncio, Añadiendo elementos sólo si es esencial. La escena de guerra en general fue de monotonía y uniformidad. Había una atmósfera austera y la gente se animaba a hacer la ropa y repararla ellos mismos. Los uniformes fueron vistos en todas las ocasiones desfiles civiles, eventos sociales de cine, bodas, restaurantes para eventos de gala. Era imposible ir a ninguna parte sin ser conscientes de la guerra porque los hombres uniformados y mujeres en los servicios auxiliares eran un hecho cotidiano. Los cupones se redujeron también a medida en que la guerra avanzaba.A mediados de la guerra se redujo a 48 al año y en 1945 los cupones de prendas de vestir fueron tan bajas como de 36 al año. El esquema seguido de cupones se continuó hasta el

año 1949 con todas las formas de racionamiento que terminaron en 1952. Los cupones de algunas mujeres y las familias eran demasiado pobres para comprar ropa nueva.Hasta cierto punto en que los cupones no importaban el dinero seguía siendo necesario para pagar por las mercancías. Inevitablemente, un mercado negro surgió con cupones. Una década en donde a las mujeres se les exigía que no se abandonaran, que fueran competentes en el trabajo y muy enérgicas pero sin dejar la parte femenina de lado y en la vida privada sumamente comprensivas. Eran tiempos difíciles, por este motivo la imagen adecuada era la de una mujer adulta y sensual pero por ningún motivo provocativa y frívola.

ya que la industria textil no está a la demanda todavía. Los zapatos son todavía anchos y con suela gruesa. En 1948 volvió el esplendor, triunfó el nuevo ‘look’ de Cristian Dior. Otra vez se vuelve a forzar la silueta con una cintura estrecha y tomaron volúmenes sus hombros y pechos. Se aumentó el vuelo de sus faldas pero se mantenían por debajo de sus rodillas. Comenzó el culto por la belleza porque las mujeres estaban hartas del estilo sobrio y cómodo; las curvas eran el nuevo símbolo de la belleza femenina.

Sobre el traje de sirena algunos se han puesto un abrigo de capa canguro llamado así por sus grandes bolsillos. Los bolsillos de gran tamaño eran ideales para apilar artículos de primera necesidad mientras corrían por la casa a un refugio antiaéreo. La grave escasez de cuero significaba que otros materiales gruesos como el corcho se utilizaron. Las medias de todo tipo eran escasas, solo se podían encontrar en el mercado negro Ni siquiera las medias de rayón estaban disponibles. Y las mujeres fueron alentadas a usar calcetines de tobillo. En 1949 Evoluciondetendencias Después de dos años de las faldas amplias, cintura vida escasos entre los es- estrecha, las costuras horicombros y de considerar- zontales por encima o por se afortunado si había su- debajo de la cintura. Dos ficiente ropa, el interés por siluetas coexisten en este la moda vuelve a crecer.La año: La falda estrecha por economía de la tela y el re- un lado y ancha por otro. ciclaje son aún importantes,

La moda de 1960 se caracteriza por ser una de las más revolucionarias en la historia de la vestimenta. Durante esta época surgieron distintas tendencias que fueron consecuencia de diferentes movimientos que tuvieron lugar durante la década. A principios de los 60 surge una gran necesidad de cambio. Este cambio se ve impulsado principalmente por la disconformidad de la mujer con respecto a su rol en la sociedad. Es en esta década que la mujer se libera activamente y surge el movimiento feminista. La década del 50 había hartado a las mujeres, ya que la vida de la mujer se basaba en el cuidado del hogar y de su imagen, y no había un incentivo para que participara en el mundo académico, laboral y político. Cansadas de sólo ser caras bonitas, las mujeres logran cambiar todo el concepto de moda femenina. El corsé, los labios rojos, el pelo largo y voluminoso, los tacos altos y la acentuación de la cintura eran características de la década anterior que en los 60 desaparecen por ser tendencias de una moda machista, concentrada en hacer lucir a la mujer para la satisfacción del hombre.

1960 Disonancias

1970 En los setenta comienza a democratizarse la moda y se abandona el look único, comienza a llevarse varios estilos a la vez, por un lado el hippy, con los jóvenes que rechazan la burguesía y se inspiran en otras culturas surge el look étnico, las melenas el flowerpower y por otro lado la cultura de la música y las drogas crean el look psicodélico, la moda disco, las plataformas, los pantalones de campana, las melenas y el look trabolta y también el punk que aunque minoritario marcara estilo en los mas arriesgados, comienza el look militarizado.

moschino

La silueta vuelve a marcar las formas del cuerpo y se ciñe como nunca, los pantalones y las camisetas son como una segunda piel. Pero estas corrientes comienzan a ser seguidas solo por los jóvenes y se va creando un estilo más tradicional para el resto que comienza a refugiarse en los indemodables y surge la ropa clásica, el estilo ingles.

moschino

Son muchos los detalles que nos permiten caracterizar o recordar la moda de 1980, que recordaba un estilo de vida individual y colectiva, un mundo que a veces nos llena de nostalgia y otras veces de cierta vergüenza pero con muchos toques de risa.

Las mujeres se ponían zapatos de tacón alto y usaban cantidades de pulseras. Los peinados abundaban en rulos y flequillos, el maquillaje era recargado. Los pantalones vaqueros o jeans, también fueron protagonistas debido a que los tratamientos de pre-lavado los hacían lucir decolorados y chic.

El estilo de los años 80 impactaba por los colores que eran muy variados, accesorios y sobre todo los peinados. Los trajes más emblemáticos de la década fueron las remeras holgadas y coloridas, frecuentemente estampadas y con grandes hombreras, también los pantalones ajustados, los chalecos, las faldas rectas y minifaldas.

La lencería iva adquiriendo también un lugar importante en la moda. El estilo Punk influía en los varones con el uso de aros y el género musical New Wave glorificaba los brazaletes de cuero y las tachuelas. Algunos de los famosos como Madonna impuso su estilo con medias de red, leggings, tops, crucifijos, guantes sin dedos y cadenas de strass. Michael Jackson popularizó las chaquetas y los pantalones de cuero.

Se utilizaron mucho las chapitas con logotipos o imágenes alusivas de grupos como Pink Floyd, The Police, B`52, Depeche Mode, entre otros, las cuales se llevaban puestas en bolsos, franelas o en unas gorras Vans.

1980 16

2000 En este nuevo milenio la ropa es de contrastes, que más o menos indican: “Lleva lo que más te guste”. La moda tiene mil tendencias, pero ninguna nos hace esclavos de ella. Es muy personal: la mujer es la que decide y elige. Hay un gran deseo de tener calidad y estilo. Es la década de las pashminas de mil colores y de los leggings a toda hora y lugar. Los estampados de animales (que YSL lanzó en los 60) regresan de nuevo y el mundo de los accesorios toma el primer puesto, con impactante joyería de

fantasía y también auténtica, aretes estilo “candelabro”, poderosas pulseras, gafas de sol carísimas y bolsos enormes, de marca y a precios altísimos, como los de Gucci, Prada, D&G, YSL, Fendi y Tod’s. También hemos visto el regreso de los carísimos bolsos Kelly y Birkin, de Hermès, donde hay listas de espera para poder comprarlos, y los cómodos bolsos de nailon de Longchamp son adorados, lo mismo que los zapatos fabulosos de Manolo Blahnik, Jimmy Choo y Christian Louboutin

con

sus

suelas

rojas.

Albert Elbaz y sus diseños para Lanvin son la locura en el 2009. Diane von Fürstenberg, quien fue estrella en los 70, renace con más fuerza. Louis Vuitton nunca ha estado más de moda. Nuevos diseñadores como el dúo Proenza Schouler saltan a la fama. Roberto Cavalli es el delirio de los roqueros. Stella McCartney triunfa. Angel Sánchez comienza a vestir a celebridades como Eva Longoria Parker. Marchesa se pone de moda en las alfombras rojas.

Creación de la

Moda

la moda es una manifestación y tal como pasa por ciertas etapas. Primero surge un concepto sobre la moda de la siguiente temporada entres los estilistas. las ideas se plasman en las colecciones de prendas de vestir, modeladas en las prestigiosas pasarelas internacionales. De inmediato, los artistas, personajes de la farándulay otras figuras publicas empiezan usarlas, Las revistas de alta costura y la prensa sensacionalista divulgan estas imágenes, la nueva moda está lanzada. Luego viene la madurez de esta moda recién inaugurada, las empresas confeccionan la versión simplificada de la nueva linea, Las personas pendientes de la ultima moda se visten con esas prendas. La prensa semanal promueve la nueva colección. La demanda crece.

En principio, la masa popular sigue la moda, pero luego empieza a perder . Las ventas bajan: las tiendas recurren a las rebajas para evitar la acumulación de mercancía. El ciclo esta terminado. Entonces viene una nueva oferta de alguna moda mas actualizada y original. Un nuevo ciclo empieza. La creación de la moda en nuestra época cuenta con la intuición de los grandes modistas, pero al mismo tiempo. reposa sobre los estudios en la materia. Se toman en consideración los factores sociales, económicos y hasta políticos. Los diseñadores procuran refrescar sistemáticamente la gama de colores para no repetir los mismo matices, al igual que las lineas y los detalles de las prendas. Los creadores de moda vive in-

vestigando sobre nuevos materiales y técnicas de confección. Sin embargo, unicamente las ideas mas impactantes logran convertirse de hecho en la moda, otras no pasan de ser extravagancias pasajeras. Los expertos en el genero opinan que en realidad, es la clase media la que aprueba la nueva moda, por su importante papel en todos los aspectos de la vida social. Los confeccionistas de la ropa para esta clase y la popular necesitan estar informados con anticipación sobre el rumbo de la moda, ya que deben hacer con tiempo los encargos de tejidos y materiales de insumo, Ademas,

los fabricantes necesitan acertar bien su producción para no correr el riesgo de sufrir cuantiosas perdidas.

Actitud frente a la

Moda

Desde el punto de vista psicologico, con respecto a la actitud frente a la moda, las personas se clasifican en varios grupos: Los Lanzadores, que son los fanáticos de la moda, les gusta llamar la atención y sus condiciones económicas les permiten llevar el “ultimo grito de la moda”. Los Seguidores, que son muy pendiente de la moda, cambian su vestuario tan pronto esta se renueva. Los Clásicos que constituyen la mayoría de la gente, obedecen a la moda para parecerse a los demás y no llamar la atención. Los Anticuados, indiferentes a los cambios, visten prendas según un criterio practico o muy personal, siempre de la moda pasada. Esta clasificación a menudo está relacionada con la posición social de la persona, pero no siempre coincide esta. Los Lanzadores de la moda obviamente pertenecen a la clase privilegiada del jet

set de la sociedad, debido al alto costo de este tipo de vestimenta, pero cuando la moda surge desde abajo, los verdaderos impulsores proceden de la clase popular. Sin embargo, para ser aceptada dentro de la corriente principal. debe ser refinada y presentada por los diseñadores de primera linea. Sin embargo, no todas las personas de la alta sociedad consideran la moda como algo importante. Su actitud al respeto corresponde al grupo de los clásicos y, en ocasiones, hasta a los anticuados, cuando están apegados al vestir del pasado por alguna razón particular. El grupo de los anticuados se compone mayormente de gente que sufrió un deterioro en su situación económica o bien de las personas muy introvertidas, algo desconectadas del mundo exterior.

Aspectos sociales de la Moda

El vestuario como tal nos protege contra las inclemencias de la naturaleza y defiende la privacidad de nuestro cuerpo. La moda es mucho mas que esto cumple importante funciones en nuestras vidas, entre las cuales se destacan la social, la sexual y la estética. Nuestra forma de vestir está cargada de información sobre nuestra persona. el vestuario es una especie de lenguaje que transmite, por ejemplo, nuestro estatus social. Una posición economica elevada casi siempre refleja en la ropa elegante y a la

moda. Las personas de privilegiado nivel social visten prendas de mejor calidad, a la moda, complacen todos los sentidos y muestran visiblemente s éxito en la competencia de la vida. Al mismo tiempo, el vestuario de esta clase sirve como motivación para el progreso social. La gente se identifica a través de la ropa con su grupo social, profesional o cultural, ya que intuitivamente se sienten protegida por la solidaridad que le une. Por ejemplo, las personas de alto nivel social, por su propio temperamento, no siempre están pendientes de la

moda, pero la siguen para parecerse a los otros de su clase. Los abogados se visten muy formales, mientras que los empleados de las publicitarias, en muchas ocasiones, prefieren el estilo casual o alternativo. Los conceptos políticos también pueden ser transmitidos pro medio del vestuario. En los años de la Revolución Francesa, los partidarios de la monarquía, los republicanos y los militantes de la guardia del pueblo, todos eran identificados con cierta ropa. Dolce Gabbana

Sensualidad a travez del vestuario

El arte de vestirse contiene, entre sus principales componentes, el propósito de resaltar el atractivo sensual de la persona, este terrena está estrechamente relacionado con la moral, que proviene e la religión, las costumbres y las tradiciones, estos criterios son relativamente chocantes. Por ejemplo, la mujer occidental moderna, por mas liberada que sea, todavía no acepta la transparencia ene el busto, a pesar d la autoridad de famosos modistos que la imponen desde la pasarela. Sin embargo, tres mil años antes de Cristo, las mujeres egipcias, incluso las esposas de los faraones, llevaban vestidos que dejaban los senos descubiertos. Las damas nobles los cubrían parcialmente generosos collares. Durante siglos, la mujer utilizó una falda larga que apenas dejaba ver los zapatos. El acortamiento de la falda, que culminó en los años sesenta en la mini, fue lento y duro aproximadamente la mitad del siglo a partir de la I Guerra Mundial. En definitiva, la mujer deja ver cada vez mas las partes de su cuerpo, un proceso que va al compás de su emancipación.

y artísticos y las condiciones económicas, entre otros. La moda, sirviendose de los recuerdo de la costura, posee una sorprendente capacidad de modificar el cuerpo de acuerdo con los cambios de los criterios estéticos, En la Grecia antigua, la figura femenina perfecta fue equilibrada, de las curvas suaves y carnes firmes, Las lineas de las vestimentas se componían de verticales repetidas y algunas horizontales que dividían el cuerpo en dos bloques. Las mujeres griegas crearon el primer sujetador, en forma de una tira de tele que daba firmeza al busto.

Muchos siglos después, en la época del rococó, la figura femenina ideal se manejo a una exuberante flor de tale frágil. Las mujeres se apretaron la cintura con el corsé, aumentando a la vez enormemente la cadera con la crinolina. El busto, especialmente apreciado, fue levantado por el mismo corsé y exhibido en un bajísimo escote. Durante el transcurso de l siglo XX, el concepto de belleza femenino cambió varias veces, transformando drásticamente la silueta y los detalles del vestuario. La tenEl criterio de belleza es bas- dencia a favor del cuerpo de tante voluble y está suje- pocas curvas de principios to a factores como el papel del siglo culmina en la figura de la mujer en la sociedad, de aspecto andrógino de los los movimientos culturales años veinte. El busto pasó

de moda y fue aniquilado por el recto y corto Chemise. Los brazos y las piernas fueron las partes del cuerpo expuestas a la vista y este fue el “destape” del momento. Mas adelante empieza un lento proceso de vuelta ala feminidad que llevó, en los años cincuenta, a una voluptuosa figura con cintura de avispa contenida por un ancho y reforzado cinturón y amplia cadera aumentada por una falda muy acampanada, apoyada abajo en otra falta de cretona. El busto volvió a relucir. En los sesenta llegó la época de la minifalda. Las piernas obligatoriamente largas y buen formadas, exhibidas como nunca antes, se convirtieron en las protagonistas de la moda. El busto y la cadera. poco desarrolla al estilo de un adolescente, se disimularon y perdieron importancia. En ls décadas posteriores se estableció un tipo de figura deportiva, esbelta, con las curvas muy moderadas. Sin embargo,la mujer mostró sensualidad más francamente, valiéndose de nuevos tejidos muy reveladores y sedosos, escotes mucho más profundos y aperturas provocativas y voluntarias.

La Moda y la

expresión estetica El sentimiento estetico es una de las facultades más importante del ser humano, responsable, incluso, del progreso universal. Los seres humanos necesitamos del arte, cada cual según su niel cultural. Buscamos en una canción, una sinfonía, encuadro o una película, la expresión de nuestros sentimientos y las respuestas a las pregunta que nos atormentan, cuando los artistas logran plasmar inquietudes, quedamos satisfechos y liberados.

Esta propiedad tiene su expreso en diferentes áreas, tanto como artistas como en la vida cotidiana. Nuestra maneras de vestir también es la manifestación de esta imperativa necesidad de estética y nos impulsa a embellecer nuestra apariencia. Al momento de elegir una prenda, la persona ya esta involucrada en una acto estético y se guía por las reglas de lo bello.

septagonstudios

La globalización de la Moda Desde los inicios de la civilización, las relaciones entre los países enriquecieron recíprocamente la vestimenta de los pueblos. En nuestra época, este proceso es mucho mas intenso y dinámico. Hoy en día se hace prácticamente imposible acertar la nacionalidad de una persona en un aeropuerto internacional basandose en su ropa. La tecnologia moderna y las formas de producción impulsadas por la competencia optimizan el estilo

de vida de las personas hacia ciertas formas generalizadas. Surge toda una cultura cosmopolita que incluye también la moda. El estilo dominante proviene naturalmente de las potencias industriales. Luego, los medios de comunicación facilitan la llegada de la información visual a cualquier parte del mundo. Este proceso está afectando la identidad nacional de las culturas tradicionales. Muchos países, incluso los europeos, intentan hacer fren-

te a esta situación, pero el origen del problema, la globalización, esta avanzando. Paradójicamente, el vestuario típico sirve de fuente de inspiración para crear la moda internacional. Desde hacer varias décadas, los modistos modernizan los trajes de los países exóticos, tanto en su diseño como en los materiales, y lanzan impresionantes colecciones, adaptadas luego por industrias de confección a nivel mundial

DISEĂ&#x2018;ADORES de moda en la historia

Coco Chanel La mujer, la diseñadora, la leyenda

Un 19 de agosto nació Gabrielle Chanel, quien se convertiría en un ícono inolvidable. Le rendimos honor con su biografía Coco Chanel nació en la pobreza el 19 de agosto de 1883, en la Casa de Caridad en Saumur, Francia. Su acta de nacimiento revelaba que era hija ilegítima de la pareja que formaban Albert Chanel y Jeanne Devolle. Una monja le puso el nombre de Gabrielle. -En hebreo significa fuerza y poder, y asegura a las mujeres que lo lleven un brillo duradero Icono de la moda Botella del perfume Chanel nº 5, uno de los más míticos y vendidos de la historia de la perfumería. Conoció a grandes artistas, escritores y artistas contemporáneos como Ígor Stravinski, el coreógrafo ruso Sergéi Diaghilev, George Bernard Shaw y Jean Cocteau. Muchos la vieron como a una pionera del feminismo que dispuesta a romper fórmulas y esquemas para ella anticuados. Stravinski se enamoró perdidamente de ella, pero tuvo que conformarse con ser su amigo[cita requerida]. Fue él quien le presentó al conde Dimitri de Rusia (Demetrio Románov), con quien tuvo un apasionado romance. Criticaba la estricta moda que seguían las mujeres (grandes sombreros, cargadas de pieles de animales y flores,

corsés y recargados diseños) y decidió hacer su propio estilo hasta convertirse en una de las grandes diseñadoras del siglo XX, tan trascendental como Christian Dior y otros grandes que la siguieron. Coco eliminó la moda recargada que imperaba, diseñando prendas muy sencillas, cómodas, de líneas rectas, pero con un toque de alta distinción; su moda fue rápidamente adoptada por el encumbrado público parisino. Su frase más célebre fue: «Todo lo que es moda pasa de moda» o «La moda pasa, el estilo permanece». Pese a los años de recesión, en 1931 el magnate hollywoodense Samuel Goldwyn, a quien conoció por intermedio del gran duque Demetrio Románov, la contrató por un millón de dólares para que vistiera a sus grandes musas del celuloide como Katharine Hepburn, Grace Kelly, Elizabeth Taylor y Gloria Swanson. Coco marcó la pauta de la moda durante los «locos años 20», pero ni siquiera su pasado como enfermera durante la Primera Guerra Mundial pudo impedir que su reputación cayera por los suelos durante la Segunda, conflicto que la golpeó en todos sus frentes. En 1939, Chanel cerró sus tiendas y durante la ocupación alemana de Francia y residió en el Hotel Ritz, lugar

de residencia que fue elegido en 1940 por los altos comandos militares nazis, se rumoreó un romance con el jefe de inteligencia nazi, el barón Hans Günther von Dincklage (1896-1974), fue quien permitió su estancia en el hotel.10 El director de los Perfumes Chanel era Pierre Wertheimer, de origen judío, y su hermano Paul, y Coco - sin saber que en 1940, Wertheimer había cedido sus derechos al industrial cristiano Félix Amiot11 - escribió a las autoridades alemanas en calidad de aria para legalizar los permisos a su nombre el 5 de mayo de 1941 con la excusa que los derechos habían sido “abandonados por sus propietarios” En 1943, Chanel se volvió a encontrar en Roma a su amiga Vera Bate Lombardi (a la sazón miembro de la Casa de Windsor), para reanudar trabajos aunque en realidad ella era un encubrimiento de la “Operation Modellhut,” un intento de su amante nazi Walter Schellenberg - alto oficial de las SS y jefe de la Oficina Central de Seguridad del Reich - para establecer contacto con su pariente, el primer ministro Winston Churchill. M u e r t e Dominada por la artrosis y la morfina, el 10 de enero de 1971, Chanel había salido a pasear desde su departamento ubicado en el Ritz con vista a la Place Vendome, y

cuando volvió al hotel se sentó a ver la televisión mientras le preparaban la cena. Con ella estaba su sirvienta personal en el momento de su deceso. Tenía 87 años.

Su cuerpo yace en Lausana, Suiza, resguardado por cinco leones de piedra. Actualmente la casa de moda Chanel sigue funcionando dirigida por Karl Lagerfeld.

Dior Christian

(Granville, Francia, 1905 Montecatini, Italia, 1957) Modisto francés. Tras la quiebra de la empresa familiar, se convirtió en dibujante de modas para Agnès y Schiaparelli, de donde pasó a trabajar como diseñador de modelos en la casa Piguet. En 1946 fundó su propia firma de alta costura, que llevaba su nombre y que tenía su sede en París. Fue así como lanzó la moda que sería bautizada como New Look, vestidos de hombros estrechos y faldas hasta media pierna. Un año más tarde abrió una sucursal en Nueva York, lo que da prueba de su fulgurante éxito en el mundo de la moda, que le permitió consolidar su casa como una de las más prestigiosas de los últimos tiempos. A su muerte, con salones en veinticuatro países, continuaron con su firma primero Yves Saint-Laurent y luego Marc Bohan, que supieron mantener la reputación del apellido. La llamada alta costura había nacido en los tiempos en que las señoras

se cambiaban de vestido varias veces al día, dependiendo de la hora. Era una moda de alta calidad en cuanto al diseño y a la producción. La Cámara Sindical de la Alta Costura había sido fundada en 1868 como un sindicato de modistas para impedir que sus diseños fueran plagiados. El diseñador creaba los modelos a partir de una tela hecha de lino o muselina que llevaba su firma. A finales de la década de 1950, muchas de las casas de alta costura habían cerrado ante el avance del más barato prêt-à-porter. El modisto francés Christian Dior fue el más prestigioso diseñador de esta última etapa de la alta costura. Sus líneas elegantes y escultóricas influirían en las mujeres y en los diseñadores durante décadas. Dior dejó sus estudios de ciencias políticas por los de música, aunque en realidad se dedicó a viajar y a dirigir una galería de arte. En 1931, su madre murió de cáncer y la empre-

sa familiar que heredó fue declarada en bancarrota. Dior tuvo además que abandonar la galería de arte al contraer tuberculosis. Tras vivir de la hospitalidad de los amigos durante un tiempo, comenzó a vender bocetos con sus propios diseños a periódicos y revistas. A partir de estos principios trabajó con varios diseñadores hasta que en 1946, gracias a la ayuda de Marcel Boussac, magnate del algodón, pudo abrir su propia casa de alta costura en París. En 1947 lanzó su primera colección, la línea Corolle. Tras la depresión que había traído consigo la Segunda Guerra Mundial, Christian Dior supo interpretar hábilmente en su ropa las necesidades de recuperación y optimismo de la sociedad, dando a la moda un nuevo impulso y definiendo la estética de los 50. El contraste que Dior introdujo con sus lujosos diseños causó sensación. Sus trajes se amoldaban a la figura femenina, exagerándola: faldas a media pierna acampanadas y voluminosas, de muchísimo vuelo, con forros de tul que llegaban a necesitar más de veinte metros de tela, surgían de ceñidos y rígidos cuerpos que resaltaban el busto y minimizaban la cintura. Estos modelos se complementaban con sombreros ladeados, gargantillas y zapatos de tacón de aguja. Su propuesta era un estilo absolutamente glamoroso y femenino.

Giorgio Armani Giorgio Armani es presidente y gerente ejecutivo del Grupo Armani y accionista exclusivo de Giorgio Armani S.p.A, una de las casas de moda y diseño más destacadas del mundo, con ganancias superiores a 4 billones de euros por ventas en todo el mundo, 4700 empleados, 13 fabricas y más de 250 tiendas exclusivas en 36 países. Bajo su dirección, el Grupo Armani se ha mantenido como una de las pocas compañías privadas independientes en este sector, aplicando una estrategia de mercadeo que ha consolidado el nombre Armani alrededor del mundo. Giorgio Armani nació el 11 de julio de 1934, creció en la ciudad de Piacenza, al norte de Italia. Ahí asistió a la escuela y posteriormente realizó 2 años de estudios de medicina. No se interesó en el mundo de la moda hasta 1957, cuando dejó la Universidad de Piacenza para aceptar un trabajo de co-

merciante en la tienda Rinascente. Después trabajó como diseñador de moda con Nino Cerruti y luego como diseñador independiente en prestigiosas compañías. Gracias a esta experiencia consolidó exitosamente su estilo personal. Después de algunos años como diseñador independiente, Armani decidió dedicarse a su propia línea y por sugerencia de Sergio Galeotti crearon una compañía juntos. El 24 de julio de 1975 fundaron Giorgio Armani S.p.A. y lanzaron la línea “prêt-à-porter” para hombres y mujeres. El éxito de Giorgio Armani S.p.A se debe al concepto de la moda y el estilo de Armani, junto a su habilidad empresarial. Él esta involucrado con la dirección estratégica del Grupo y supervisa todos los procesos de diseño y creatividad. Quizá es más reconocido por revolucionar la moda con la propuesta de chaquetas holgadas. Después de 30 años dedicado

al diseño, Armani ha desarrollado colecciones sólidas, incluyendo su firma “Giorgio Armani line”, “Armani Collezioni”, “Emporio Armani” “Armani Jeans”, “A/X Armani Exchange” e “Interiores de casa Armani”, ofreciendo diferentes opciones de estilos de vida al mercado. Actualmente los productos del Grupo incluyen ropa de mujer y de hombre, zapatos, bolsos, relojes, lentes, joyería, perfumería, cosméticos y mobiliario para la casa. En los últimos 5 años, a través de un programa de inversiones estratégicas, el Grupo Armani ha sumado más de 650 millones de euros representados en fondos internos y con una reinversión del 70% del flujo de caja. El grupo Armani ha logrado integrarse al mercado aplicando un control directo sobre el diseño, la producción, la distribución y la venta al detalle y simultáneamente ha registrado un crecimiento anual del 14%.

Durante su carrera, Armani ha recibido premios nacionales e internacionales, incluyendo el Gran Cavalaliere della Repubblica, Commendatore dell´Ordine al Merito della Repubblica (el más alto reconocimiento del gobierno italiano), premio al mejor diseñador Internacional y el premio a una vida dedicada al diseño de ropa masculina, ambos del Consejo de diseñadores de moda de Estados Unidos. Ha sido reconocido con el título de “Doctor

Honorario del Colegio Real de las Artes de Londres”, igualmente recibió el premio como diseñador del año de la revista GQ y el premio Inaugural Rodeo Drive “Walk of Style” por su papel pionero en el mundo del diseño de modas, entregado en septiembre de 2003. Armani es también Embajador de buena voluntad del Alto Comisionado de las Naciones Unidas para los Refugiados.

Óscar de la Renta (Santo Domingo, 1932) Diseñador de ropa dominicano. Óscar de la Renta es uno de los grandes nombres de la alta costura internacional que se mantiene aún hoy en activo. La calidad de su ropa y la extrema feminidad de sus diseños han convertido sus piezas en objeto de deseo por parte de mujeres de todo el mundo. Pero Óscar de la Renta no es sólo un gran modisto. Con el paso de los años ha sabido diversificar sus creaciones y ha trabajado duro en muchas áreas del diseño, además de seguir vinculado a su país natal a través de diferentes actividades benéficas.

rra con normalidad, a los 18 años su vida cambia al dejar su país para trasladarse a Madrid con el objetivo de estudiar pintura. En España descubre su interés por el mundo de la moda, algo que ni se había planteado hasta entonces. A partir de ese momento colabora en Europa con algunos de los mejores diseñadores internacionales, como los prestigiosos Antonio Castillo o Cristóbal Balenciaga.

Durante su estancia en Madrid empieza su carrera en esta industria trabajando para el mítico Balenciaga, de quien se considera uno de sus mejores discípulos. De la Renta nace el 22 de Más tarde, en el año 1961, julio del 1932 en Santo Do- el acreditado Antonio Castimingo, la capital de la Repú- llo le contrata para trabajar blica Dominicana. Después en su empresa y deja Esde que su infancia transcu- paña para vivir en París. Su

estancia en esta ciudad se prolonga por unos dos años y después viaja hasta Nueva York para colaborar con Elizabeth Arden. Las cosas le van muy bien en su profesión y en el 1965 él y Jane Derby crean la compañía Óscar de la Renta, el principio de su imperio. Ese mismo año presenta al público su primera línea de ropa propia, el sueño de cualquier diseñador. Óscar de la Renta ha sabido usar el glamour de sus creaciones para hacerse con un nombre internacional entre las grandes marcas de la moda de todo el mundo. Sus modelos elegantes realzan como pocos la belleza femenina con clase. Gracias a esto ha triunfado y ha conseguido que sus boutiques estén presentes en la mayoría de países del mundo.

recibido en el 2002 el popular premio Aguja de Oro.

Además, puede presumir de haber hecho historia en el año 1993, al ser el primer latinoamericano en diseñar para una empresa francesa, en este caso la prestigiosa firma Pierre Balmain. Por supuesto, su exitosa carrera se ha visto respaldada por numerosos premios y cargos importantes.

A sus grandes e importantes logros en el ámbito del diseño de moda femenina cabe añadir que Óscar de la Renta ha abierto con igual éxito su empresa a otros campos, como la ropa de hombre, los accesorios o los perfumes. Ya en 1977 inicia esta línea de negocio al lanzar al mercado Oscar, su primera fragancia destinada a las mujeres. No se detiene aquí y en años sucesivos se dedica a crear perfumes también para los hombres. Siguiendo esta tendencia, en 1980 aparece Lui y el famoso Oscar for men ve la luz a finales de la década de los 90. Otros aromas que también llevan el sello De la Renta son los exclusivos Volupt y So.

De la Renta ha sido escogido dos veces Presidente del Consejo de Diseñadores de América en las décadas de los 70 y 80. De la misma manera se han sumado a su extenso currículum reconocimientos como el CFDA al Diseñador del Año 2000, el Premio Leyenda Viviente, dos premios Críticos Americanos de Moda Coty e incluso un Salón de la Fama Coty. En España ha

Valentino

Valentino Garavani es sin duda uno de los mejores diseñadores que la moda ha tenido. Nació en Lombardía (Italia) en el año 1932, y según él nos cuenta se comenzó a interesar por la moda cuando a los 13 años fue a ver una película protagonizada por bellas modelos. Posteriormente su aficción por la ropa se intensificó cuando se fijaba en el taller que tenia su tía Rosa. Valentino estudió bellas artes en París y después trabajó para diseñadores tan famosos como Balenciaga y Jacqueline de Ribes. Cuando vuelve a Roma funda su propia línea de ropa y nace la empresa que lleva su nombre, Valentino, que es actualmente una de las más famosas de todo el mundo. En 2008, el gran diseñador italiano decidió retirarse tras fuertes rumores de que lo haría en cualquier momento, un increíble desfile puso punto final a su carrera profesional, y anunció su retirada diciendo que “prefería irse con la fiesta llena, que con la fiesta vacía” refiriendose a la gran espectación que había tenido su celebración por los 45 años de carrera que recientemente había cumplido. Unos 45 años que le convirtieron en el diseñador que mas años estuvo dedicandose a la moda, y

en los que sin duda, nos dejó a todos fascinados. Los vestidos de Valentino se caracterizan por un corte rectilíneo, en general con tejidos finos que descatan la feminidad de las mujeres, de quién Valentino facilmente se enamora. El rasgo mas característico de su ropa es el color rojo, los “rosso Valentino” son conocidos en el mundo entero.

Domenico Estefano 38

No es fácil circunscribir en una definición el universo Dolce&Gabbana. Un mundo hecho de sensaciones, tradiciones, cultura, mediterraneidad. Domenico Dolce & Stefano Gabbana han hecho con sus apellidos un marca conocida en todo el mundo, fácilmente reconocible por su glamour y su gran versatilidad. Dos diseñadores que han sabido hacer de su italianidad un estandarte. Dos diseñadores que han sabido interpretar e imponer al mundo su estilo sensual y único. Dos diseñadores adorados por las estrellas de Hollywood, que han hecho de ellos sus benjamines; dos diseñadores que visten a todas las estrellas de rock del momento, que los han elegido como líderes indiscutibles. Los diseñadores de Madonna, Mónica Bellucci, Isabella Rossellini,

Kylie Minogue, Victoria Beckham, Angelina Jolie. La mujer Dolce&Gabbana es una mujer fuerte, que se gusta y sabe que gusta. Una mujer cosmopolita, que ha recorrido mundo pero no olvida sus raíces. Una mujer que viste indiferentemente guêpière extremadamente sexys o sujetadores a la vista bajo prendas transparentes, contraponiéndolos a masculinos tejidos de raya diplomática con corbata y camisa blanca o a la camiseta de hombre, pero siempre llevando tacones que le dan en todo caso un caminar extremadamente femenino y sexy. Adora la masculinísima gorra originaria de Sicilia y el rosario de la primera comunión, que lleva como collar: puede ser indiferentemente manager, mujer, mamá, amante, pero siempre y en todo caso mujer hasta el fondo.

Y lo mismo vale para el hombre. Relajado, se viste para sí mismo, un poco hedonista, muy atento a los particulares. Ama todo lo que no lo encierre en esquemas, está libre, y goza de éxito. Puede ir al despacho con un impecable traje de raya diplomática o, indiferentemente, con los vaqueros desgarrados y una blazer. Es uno que dicta las reglas, no las padece: de gran carisma, impone sus tradiciones poniéndose la gorra, el chaleco y la imperecedera camiseta blanca. He aquí porque Domenico Dolce & Stefano Gabbana son siempre noticia: sus prendas hablan por ellos, su estilo inconfundible manda mensajes bien precisos en un lenguaje siempre igual, pero paradójicamente siempre diferente, en continua evolución y en todas las lenguas del mundo.

Dolce Gabbana 39

Calvin Klein 40

Calvin Klein comenzó haciendo abrigos en los años sesenta. El minimalismo de sus prendas, como el de otros colegas de generación, imprimió carácter a la moda estadounidense y dotó a la Semana de la Moda de Nueva York de una identidad propia. Sin embargo, la sencillez y elegancia de sus prendas no impidió que Calvin Klein se convirtiera en una de las marcas más provocadoras, sugerentes y polémicas de la industria gracias a su ropa interior, uno de los grandes bastiones -en lo económico- de la casa de moda. Para su publicidad, Klein ha puesto en paños menores a Brooke Shields, Kate Moss o Mark Wahlberg, logrando campañas que ya son historia reciente de la cultura visual norteamericana. Asiduo al mítico Studio 54 de Nueva York cuando el club vivía su mejor momento, Klein nació y creció en el Bronx. Probablemente aquello fue un revulsivo para un joven judío que un día decidió poner su nombre a unos vaqueros -nacían así los jeans “de marca”-

y convertir su empresa en una mina de oro. Firme defensor de la moda como un estilo de vida, extendió su imperio al mundo de los perfumes –suyo es el primer perfume unisex de la historia- a la ropa interior –de marca- y a los jóvenes, a través de su línea más asequible, CK. Casado en dos ocasiones y padre de Marci, fue sonada su entrada en un centro de desintoxicación por problemas con las adicciones a finales de los años 80. En el año 2003 vendió su marca y cedió el control creativo de Calvin Klein Collection mujer a Francisco Costa, el de las colecciones masculinas a Italo Zucchelli y el de Calvin Klein a Kevin Carrigan. En la actualidad disfruta una intensa vida en Nueva York no exenta de polémicas. La última: unas memorias del que fuera su pareja, el actor porno, Nick Gruber.

Stella McCartney Stella McCartney es la segunda hija del ex Beatle Sir Paul McCartney y de su primera esposa Linda Eastman. Nació el 13 de setiembre de 1971 en la ciudad de Londres. Cuando era una niña acompañó a sus padres en todos sus viajes y con su nuevo grupo Wings, llamado así, luego de que su padre realizará una oración en las alas de un ángel, para que su nacimiento resultara exitoso. Tanto ella como sus hermanos trataron de llevar una vida muy normal y realizó sus estudios en la escuela pública local en East Sussex, años después Stella señalaría que fue víctima de acoso escolar. Con solo 13 años demostró tener mucho gusto y pasión por el diseño de modas y ella misma se hizo una chaqueta. Sus padres no dudaron en apoyar su talento y la internaron en Christian Lacroix, en donde puso realizar su primera colección de moda. Después seguiría perfeccionándose en Savile Row.

modelaron su colección de graduación ad honorem. Para el desfile su padre le escribió una canción llamada “Stella May Day”, este evento fue algo tremendo y estuvo en todos los diarios. Luego su colección completa fue vendida a Tokio y a una tienda de Londres. Al igual que sus padres alguna vez lo fueron Stella es una estricta vegetariana y jamás ha utilizado pieles en sus diseños. Es una de las principales figuras que brindan mucho apoyo a la organización PETA. Stella McCartney supo cómo ganarse un lugar dentro del universo de la moda, derribando el prejuicio de haber conseguido su éxito por ser la hija de Paul McCartney. Hoy en día, y con varios premios en su haber, McCartney pisa fuerte en las pasarelas más prestigiosas. Respetada por los más exigentes eruditos de la moda, así como también por su fiel clientela, compuesta por mujeres con un alto nivel de elegancia alrededor de todo el mundo.

Estudió diseño de modas y se graduó en 1995, algunas de sus mejores amigas como Naomi Campbell y Kate Moss,

Cristóbal

Balenciaga La fama y el prestigio de Cristóbal Balenciaga como modisto han traspasado todas las fronteras y han calado hondo entre sus colegas de profesión. Según sus propias palabras, “un modisto debe ser arquitecto para los planos, escultor para formas, pintor para el color, músico para la armonía y filósofo en el sentido de la medida”. Su precisión, manejo de la técnica y perfeccionismo le reportaron grandes halagos por parte de contemporáneos suyos como Christian Dior que lo denominaba “el maestro de todos nosotros”, Hubert de Givenchy que se refería a él como “el arquitecto de la Alta Costura” o Coco Chanel, a la que le unía una profunda admiración mutua, que lo calificaba de auténtico couturier. Enmanuel Ungaro, junto a otros como André Courrèges, fue discípulo suyo y dijo de él: “Es una persona extraor-

dinaria. Tiene dimensiones poderosas. Es generoso, y muy inteligente y humano”. Balenciaga nació en Guetaria, un pueblo pesquero de la costa vasca. Su padre, pescador, murió cuando Cristóbal tenía 11 años. Su madre se hizo cargo de la economía doméstica y se dedicaba a coser para sacar adelante a la familia. Este hecho permitió a Cristóbal, el pequeño de cinco hermanos, familiarizarse con el patronaje y la costura desde una edad muy temprana. Siendo un adolescente, conoció a la marquesa de Casa Torres, abuela de la Reina Fabiola de Bélgica, la cual se convertiría en su mecenas. Se formó en algunos de los establecimientos más prestigiosos de San Sebastián, a pocos kilómetros de Guetaria. La capital guipuzcoana se

convirtió por aquel entonces en un lugar de vacaciones bastante popular entre la monarquía y las clases altas españolas y europeas. Gracias a ello, Balenciaga entró en contacto con determinadas formas y modos de vida a los que, probablemente, no hubiera tenido acceso por su origen humilde. En 1917 se decidió a abrir su taller, con la ayuda de su hermana y, en relativo poco tiempo fue ganando un prestigio que le reportó clientela procedente de la alta aristocracia y la realeza y le permitió expandir el negocio creando un segundo taller, Eisa, en honor a su madre, destinado a una incipiente clase media. En 1924, ante las buenas perspectivas del negocio, abre su primera tienda en Madrid y, justo un año después, se instala en Barcelona. Balenciaga, simpatizante del gobierno de la II República, se exilió a París tras el estallido de la Guerra Civil. En 1937, presentó su primera colección y el éxito fue fulminante. Sus creaciones, basadas en la comodidad, la pureza de líneas, la reinterpretación de la tradición española y en el desarrollo de los volúmenes, marcarán la moda entre los años 40 y hasta mayo del 68, cuando la Alta Costura empieza a perder peso en favor del prêt-à-porter. Precisamente ese año decide echar el cierre y volver a España donde muere en 1972.

Según Pedro Mansilla, Balenciaga era tan perfecto “que todavía hoy todo el mundo se pregunta dónde aprendió a coser este hombre”. Parece que casi todo lo aprendió de su madre. Reacio a aparecer en prensa y a conceder entrevistas, decidió vivir su vida desde el otro lado del objetivo, cediendo todo el protagonismo a sus creaciones y convirtiendo su figura en auténtico enigma. Para él, “es más importante el prestigio que la fama. El prestigio queda, la fama es efímera”. Puntual, metódico y alérgico a la frivolidad que rodea al mundo de la moda, en sus talleres reinaba el silencio. “La mujer debe andar de manera natural y no sentirse insegura en su paso”, sentenciaba Balenciaga, que siempre se mantuvo fiel en sus propuestas al tacón bajo, la falda por debajo de la rodilla y la manga tres cuartos. Éstas, sus obras, como las de cualquier otro reconocido artista, forman parte de las colecciones más prestigiosas y se han expuesto en los principales museos del mundo, desde el Metropolitan Museum de Nueva York, a la Fundación de Moda de Tokio o el Museo del Tejido de Lyon. No en vano, en 2011 se inauguró el Museo Cristóbal Balenciaga en Guetaria, su ciudad natal, un espacio de más de 9.000 metros cuadrados en homenaje a uno de los grandes de la moda y el lugar en el que se exhiben la mayor parte de sus fondos, 1.200 piezas concretamente.

Donatella El éxito de Gianni permitió a la menor de la saga Versace coquetear con todo tipo de sustancias, sobre todo con la cocaína. “A Gianni no le gustaban las fiestas. Yo salía toda la noche. Una vez, en un bar de Nueva York, había una mesa llena de cocaína y todo el mundo esnifaba abiertamente en la pista de baile”. Así fueron los ochenta y los noventa de Donatella, una época de hedonismo y diversión. Todo cambió con la muerte de su hermano Gianni en 1997,

Parecía tenerlo todo, pero la vida de Donatella Versace no ha sido lo que se dice un cuento de hadas. Donatella es la pequeña de tres hermanos, Santos y Gianni, este último, el fundador de la casa Versace. Tras terminar la Universidad en Florencia, Donatella se trasladó a Milán para trabajar en la casa de moda junto a su hermano, primero como relaciones públicas y después como directora creativa de las líneas Versus y de accesorios.

cuando tuvo que hacerse cargo de la marca. “Cuando ocurrió la tragedia, nada volvió a ser divertido, sólo había dolor, inseguridad y pérdida. Empezaron los problemas con mi familia, el final de mi matrimonio con Paul Beck, el tener que dirigir una compañía a pesar de no estar preparada. Todo el mundo tenía los ojos en mí”, asegura ella. Tras varios años de subidas y bajadas e inestabilidad, la directora de Versace asegura estar totalmente recuperada: “Estoy total-

mente decidida a no pasar nunca más por esto”. Sempiternamente rubia platino –“nací rubia, con los años el pelo se me oscureció. Empecé a teñirme y me acabé volviendo adicta al rubio”– y eternamente bronceada, así es físicamente Donatella. Elton John, gran amigo de ella y de su hermano Gianni, dice que “es una mujer fuerte que puede ser muy testaruda a veces” . De eso no cabe duda, Donatella no va a rendirse.

Ralph Lauren Ralph Lifshitz, más conocido como Ralph Lauren, nació el 14 de octubre de 1939 en New York. De ascendencia judío estadounidense e hijo de padres emigrantes de Rusia, Ralph estudió economía en el City College de Manhattan, aunque poco antes de su graduación, decidió retirarse. Durante ese tiempo, trabajó como vendedor de guantes y luego, para un fabricante de corbatas; trabajo que marcaría un hito en su vida, ya que fue aquello que lo inspiró para diseñar, más tarde, su propia línea de corbatas. Así, con esta idea en la mente y la fuerza para llevarla a cabo, instaló en 1967 su primera tienda de corbatas, la cual tuvo un éxito instantáneo. En http://www.ralphlauren.cl/, plantean que: “En directa oposición con las corbatas de corte estrecho de la época, Lauren diseña corbatas hechas a manos y de corte ancho, usando materiales innovadores, llamativos y opulentos. Las corbatas se convierten rá-

pidamente en un artículo de prestigio entre la ropa para hombres”. Es entonces cómo Ralph Lauren fue capaz de ir a la vanguardia y revolucionar la moda para hombre en Estados Unidos gracias a su ingenio en combinar el estilo clásico de los norteamericanos con el refinamiento, el corta y la sensibilidad de la moda europea. De tal modo, Lauren establece a Polo como una compañía líder en ropa para caballeros, dedicada a proporcionar un estilo propio, elegante, vanguardista y total. Luego, en 1968 introdujo una línea completa para hombres y al año siguiente, instaura la primera boutique de diseñador “tienda dentro de una tienda”, para hombres en Bloomingdale’s, New York. Estos logros, lo llevaron a obtener en 1970 su primer Coty Award por Ropa para Hombres; premios que, en la actualidad, son los ya comentados CFDA Awards del Consejo de Diseñadores de Moda de Estados Unidos.

Fue en pleno apogeo cuando decidió introducir su línea para mujeres: “Mi esposa tiene un estilo espectacular, ella iba a las tiendas para hombres a comprar camisas y chaquetas de montar y todo el mundo siempre quería saber dónde conseguíamos esa ropa. Su forma de vestir me recuerda a Katharine Hepburn cuando era joven, deportista y no a la moda, el tipo de chica rebelde a caballo con el pelo ondeando al viento que atraía las miradas de las personas. Yo diseñé para ellas”, contó Lauren. Con el lanzamiento de esta línea para mujeres, nace también el emblema del jugador de polo. “Originalmente ubicado en los puños de las camisas para mujeres, el logotipo ahora ubicuo a inicio al prestigio de la marca Polo combinado con el atractivo del diseñador” Con el paso del tiempo, la marca Polo ha logrado extenderse a cada rincón del mundo, pero siempre manteniendo su exclusividad y elegancia; caracterizándose

hasta la actualidad, por diseñar para todo tipo de edades y género. Por ejemplo, dentro de las marcas de hombre tenemos “Black Label”, “Polo Ralph Lauren”, “RLX” y “Purple Label”; para mujeres, existen “Black Label”, “Blue Label”, “Lauren”, “Pink Pony”, “RLX” y la colección de Alta Costura que se presenta cada nueva temporada. Tanta es la versatilidad de Ralph Lauren, que incluso tiene una Línea de Hogar, una de accesorios, fragancias y lentes, entre otras. Hoy en día, está considerada como una de las casas más prestigiosas, reconocidas y exclusivas del mundo, con una fuerte e indudable presencia internacional.

Jean Paul

Gaultier

Jean Paul Gaultier (Arcuel, 1952) y su marca, Jean Paul Gaultier, es probablemente uno de los últimos grandes iconos salidos de Francia y una de las figuras más relevantes de la moda de este siglo y del anterior. Este diseñador, eternamente joven y eternamente rubio oxigenado, nació y se crió en el barrio de Arcueil, en las afueras de París. Entró a trabajar en Pierre Cardin con tan sólo 18 años y, desde entonces, su trayectoria ha sido imparable.

consabido buen gusto francés. “La verdad es que mi primer desfile no era muy bueno, pero me sirvió para dar el salto”, asegura él. No habría que esperar mucho para verle triunfar. Su quinto desfile ya fue un auténtico éxito.

Sus creaciones entre kitsch y marginales -una mezcla infinita de referencias- le valieron el calificativo de enfant terrible. En 1997 abrió su casa de Alta Costura y con ella llegarían la legitimidad y el reconocimiento. Un reconocimiento que provocó que pocos años después fueTras una estancia en Fili- ra elegido para el cargo de pinas, de vuelta a París, en director creativo en Hermès. 1976, Gaultier presentó su Provocador e iconoclasta, primera colección, una es- debutó en el diseño de moda pecie de atentado contra el masculina con una colección

en la que se saltaba a la torera las convenciones de género introduciendo faldas y corsés en el armario masculino. Con un taller en la Rue Saint Marton de la Ciudad de la Luz en el que emplea a más de 100 personas, algunos de sus diseños resultan indisociables de la cultura española, sobre todo sus trabajos con Almodóvar. “Almodóvar es la vida, el entusiasmo, el drama, la tragedia. Recuerdo el fitting de Kika como uno de los más duros de mi vida. Es un genio y en Francia se le admira muchísimo”.

La moda es efímera, más en el mundo consumista en el que vivimos. Y Gaultier ha sabido utilizar esto y plasmarlo en su trabajo para satisfacer a su público. Un público que constantemente busca algo nuevo, algo distinto. Los diseños de Jean Paul Gaultier se caracterizan por la utilización de materiales poco convencionales, como el plástico y el metal; muchos de estos mezclados con tejidos nobles. En una de sus últimas colecciones los vestidos estaban conformados solo con carretes de películas. Es un diseñador que apunta a destacarse dentro de una sociedad basada en el consumo. La moda es efímera en más de un sentido y debe valerse de otros materiales, aunque éstos no se relacionen con el mundo de la alta costura. Otra característica típica de la confección en los diseños de Gaultier es la importancia que le da a la estructura. Ésta, más que como un soporte, actúa como el diseño en sí. Es muy común que la estructura de la prenda se vea por afuera; así como la ropa interior. De esta forma juega constantemente con el espectador para que éste interprete sus diseños como quiera. No solo por su estructura sino también por sus materiales. A su vez mezcla lo femenino y lo masculino, lo pesado y lo liviano; jugando con los

opuestos: texturas delicadas junto con materiales pesados, como cuero. Este juego de los opuestos es un ejemplo muy importante a destacar en su trabajo en pasarela. No existen fronteras entre lo masculino y lo femenino. Sus modelos son ambiguos, se muestran mujeres en prendas de hombres y viceversa. Mujeres poderosas, fuertes, extrovertidas y decididas, junto a hombres delicados y femeninos. Gaultier impuso la falda para hombre y el traje masculino para la mujer. Sus conocimientos en sastrería le han permitido crear fantásticas y elegantes transformaciones, consiguiendo el elemento más importante en sus pasarelas: la ambigüedad. Una forma de satisfacer una sociedad posmoderna “ que avanza hacia un mundo dentro del cual la diferencia y la diversidad se toleran y se celebran”. (Cocimano, 2004) El hombre que es femenino y la mujer masculina, mostrando lo que es y lo que no es, lo diferido y la intertextualidad en sus presentaciones ha sido aspecto más relevante de su trabajo a través de los años.

Karl Lagerfeld Nacido en 1933 en el seno de una familia noble alemana, la vida de Lagerfeld como diseñador ha sido prolífica a la par que precoz: con sólo 12 años se trasladó a Francia para continuar con sus estudios y ya a los 16, tras abandonar la escuela, comenzó a trabajar para Pierre Balmain. Su carrera después ha sido larga, ha pasado por Fendi, casa en la que sigue trabajando, se consolidó como el gran referente de estilo que es como director creativo de Chanel –casa para la que además realiza las campañas publicitarias como fótografo– y consolidó su forma de entender el mundo creando su propia marca, Karl Lagerfeld. “Cuando entré en la Maison nadie quería ponerse su ropa ni llevar sus accesorios. Nadie vestía de Chanel. Así que me lo tomé como un reto. Los dueños me dieron carta blanca para crear, para hacer algo que funcionase, pero sin presión. Si no lo consiguía, venderían la marca: pero sí insitieron en que con mi llegada vendría el éxito, como así fue. A mí me atrajo la idea de resucitar algo que estaba muerto” comenta el alemán al respecto.

El Kaiser, como se le conoce popularmente, prefiere mirar a ser mirado, por eso siempre lleva gafas de sol y el pelo recogido en una coleta muy tirante. Una imagen tan intrínseca e indisociable de Chanel -comenzó a diseñar a comienzos de los años ochenta- como casi la de la propia Coco. Polofacético como pocos –diseña, fotografía, edita e ilustra, entre otras cosas–, asegura: “Me interesan casi todos los aspectos de la cultura y siento que todos me influyen de alguna manera. No existe una regla sobre lo que es inspirador y cómo puede afectarme. Para mí lo que funciona es observarlo todo, y luego olvidarte de ello y rehacerlo a tu modo”. Lagerfeld se reconoce un gran admirador de la cultura española: “Me encanta España. Me gusta visitar el Museo del Prado para ver Las Meninas, uno de los cuadros más bonitos del mundo”.

Christian Lacroix Nace en Arlés, Midi francés, en 1951. Su infancia está marcada por las playas de Camargue, las ruinas galo-romanas, la tauromaquia, los festivales de ópera, las tradiciones provenzales y la presencia de los gitanos. Estudia Historia del Arte en la Facultad de Letras de Montpellier, después en La Sorbona y en la Escuela del Louvre en París. El 1973 conoce a Françoise, que será su esposa, que le da a conocer París y lo empuja a diseñar. En 1978 entra a trabajar en Hermès, por mediación de Jean-Jacques Picart. En 1981 ingresa en la Casa Jean Patou, donde asume definitivamente el reto de la Alta Costura. En 1986 su trabajo es consagrado por un primer Dedal de Oro. En 1987 obtiene el

Award del creador extranjero más influyente, otorgado por el CFDA en Nueva York. El año 1987, en el número 73 de la calle FaubourgSaint-Honoré, en París, cuando la casa Dior festeja su cuarenta cumpleaños, Christian Lacroix, realizando su sueño de niño y asociado con Bernard Arnault, funda su casa de modas que vino a ser una réplica exacta de aquella de Dior de la Avenida Montaigne cuando murió en 1957. En 1988 obtiene de nuevo un Dedal de Oro por su segunda colección. Realiza, además de sus actividades de moda, numerosos trajes para el teatro y recibe el Molière como Mejor Creativo de trajes para Phèdre en la Comédie Française. En el 2002 recibe la insignia de Caballero de la Legión de Honor con motivo

de los 15 años de su casa de modas. Es nombrado Director Artístico de la casa florentina Emilio Pucci (de octubre 2002 a octubre de 2005). En 2003 firma una asociación para la creación de uniformes de Air France. Es elegido por la SNCF para la realización del nuevo diseño de los interiores de los TAV que circulan en Francia. 2005, lanzamiento del perfume Tumulto para mujer y para hombre. En 2006 es nombrado Presidente del Centro Nacional del Traje de Escena, Moulins. En 2007 es seleccionado para el diseño de la línea 3 del tranvía de Montpellier, que se pondrá en servicio en 2010. Recibe el Molière al Mejor Creador de vestuario para Cyrano de Bergerac en la Comédie Française.

Carolina Herrera María Carolina Josefina Pacanins y Niño –que más tarde se convertiría en Carolina Herrera por su matrimonio con Reinaldo Herrera– nació en 1939 en Caracas (Venezuela), en una familia bien posicionada. Esto le dio acceso a un mundo que le permitió asistir con 13 años a un desfile de Balenciaga o compartir días con la realeza y noches con el entorno de Andy Warhol, entre otras muchas cosas. Realizó su primera colección de moda en 1981 –animada por la que fuera editora de moda de Harper’s Bazaar y directora de Vogue, Diana Vreeland– y fue acogida con gran entusiasmo por la prensa y el público femenino. Decidió entonces mudarse con su familia a Nueva York y fundó Carolina Herrera, Ltd. La firma se convirtió enseguida en un referente de lujo y exclusividad, y Carolina Herrera ha liderado desde entonces un imperio que ha crecido rápidamente logrando infinidad de éxitos. En sus colecciones –que presenta dos veces al año en Nueva York– siempre ha sido fiel a su espíritu: sus creaciones tienen especial cuidado en los detalles, están dirigidas a mujeres sofisticadas del mundo entero y se presta especial protagonismo a vestidos y trajes de chaqueta en los que impregna su bagaje y su estilo de vida. Un estilo que es reflejo de su propia vida e imagen, la de un personaje con un estilo personal muy marcado. El éxito de Carolina Herrera es un fenómeno especial. En los años 80 presentó su primera

colección; en 1986, diseñó sus primeros vestidos de novia –el salto definitivo en su carrera lo obtuvo con la creación del vestido de novia de Carolina Kennedy–, y en 1987, un acuerdo con el grupo Puig para el desarrollo de fragancias permite a Carolina Herrera abrirse a nuevos mercados ya en 1988, lanzando su primer perfume. El éxito de los primeras fragancias marca el principio de los reconocimientos internacionales de Carolina Herrera. Estos logros incitarán a Puig a incorporar la totalidad de la actividad de la firma Carolina Herrera en su grupo en 1995. En poco más de 20 años se ha construido una marca excepcional con los valores de lujo, de intemporalidad, de emoción y de elegancia. Una marca, también símbolo de Nueva York y de la mujer neoyorquina, que no ha dejado de desarrollarse y de crear nuevas líneas de productos. Carolina Herrera ha ampliado su público, manteniéndose en una coherencia perfecta con sus valores de calidad, originalidad y elegancia. Carolina Herrera es hoy en día una marca polifacética que comprende el prêt-à-porter de lujo y los vestidos de novia bajo la marca Carolina Herrera New York, la colección lifestyle CH Carolina Herrera –que incluye prêt-à-porter tanto femenino como masculino y complementos–, una gama de fragancias de éxito y una línea de gafas.

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Alexander McQueen 60

Alexander McQueen sufrió la incomprensión propia de los que se adelantan a su tiempo. Aunque puede que, precisamente, nacer en los setenta y crecer bajo los designios del thatcherismo fuera lo que le impulsó, al igual que otros colegas de generación como la dramaturga Sarah Kane (1971-1999) o el artista Damien Hirst (1965), a mostrar una actitud provocadora, contestataria, irreverente y, sobre todo, única frente al sistema. Lee Alexander fue el más pequeño de sus seis hermanos, tres chicas y tres chicos. Su padre, taxista y su madre, Joyce, que se dedicó al cuidado de su hogar y de sus hijos hasta que Lee tuvo dieciséis años, era profesora de genealogía. Precisamente esto, el asunto de los ancestros fue algo que “obsesionó” al diseñador durante toda su vida. Otro asunto recurrente en su obra y, por ende, en su vida fueron las aves. Alexander fue, desde niño, miembro del Club de Jóvenes Ornitólogos de Gran Bretaña. Cada tarde, después de clase, se subía al tejado de un apartamento cercano a su casa para ver sobrevolar y admirar la libertad de movimiento de estos animales. Pero si había algo que ocupaba de manera recurrente la mente del pequeño Lee Alexander era la idea de ser, en sus propias palabras, “algo en el mundo de la moda”. Siempre lo tuvo claro y por eso se recordaba a sí mismo dibujando desde siempre y leyendo, con tan sólo doce años, todos los libros de moda que caían en sus manos. Puesto que sus intereses estaban en otra parte, dejó los

estudios en 1985, a los dieciséis años, y entró a trabajar como aprendiz en una de las sastrerías más importantes de Savile Row, Anderson & Sheppard. Después de más de dos años trabajando allí y tras pasar por varios talleres, Lee Alexander viajó a Milán para ponerse a las órdenes, durante un breve periodo de tiempo, del diseñador Romeo Gili, una temporada que el propio McQueen calificó de “brillante”. De vuelta en Londres, se matriculó en un postgrado de moda en la prestigiosa Central Saint Martins del que se graduaría en 1992 con una colección basada en la figura de Jack El Destripador. Aquella colección se presentó en un pequeño teatro por Kensington Olympia y, por fortuna para Alexander y para todos nosotros, entre el público asistente se encontraba Isabella Blow, en aquel momento editora de Vogue UK. Isabella será, junto a su madre, una de las mujeres más importantes en la vida del diseñador. Fue ella la que, tras ver el desfile y quedar arrebatada, se decidió a comprar la colección íntegra, lo que supuso el espaldarazo definitivo para la carrera del modisto británico que se decidió, poco tiempo después, a lanzar su propia marca. Su primera colección postgraduación llevaba por nombre de Taxi Driver y correspondía al otoño-invierno 1993-1994. Sin embargo, no fue hasta su quinta colección, Highland Rape, cuando comenzó a perseguirle la polémica –y con ella la atención de la prensa–, una polémica que le ha acompañado hasta sus últimos desfiles. A mediados de los años noventa, con el britpop y el arte britá-

nico -gracias a los Young British Artists-, en pleno apogeo, McQueen ofrecía una revolución parecida desde el mundo de la moda. Durante un tiempo el diseñador se mostró reacio a aparecer en prensa, su identidad era enigmática y su vida social muy reducida. Sin embargo, su nombre seguía sonando con fuerza y en 1996 es nombrado director creativo de Givenchy. Sucedía entonces a John Galliano -que pasaba a Dior- al frente de la marca propiedad de la todo poderosa LVMH. Durante los cuatro años y medio siguientes, McQueen diseñará dos colecciones anuales de Alta Costura y dos de prêtà-porter para la maison, sin embargo, y pese a la brillantez de sus diseños, su corazón estaba depositado en su propia marca. En diciembre del año 2000, McQueen vende el 51 por ciento de su negocio al grupo Gucci y decide dejar Givenchy para centrarse en el desarrollo de su propia etiqueta. En el verano de ese mismo año, Lee Alexander se casa con su pareja, George Forsyth, en Ibiza. Al enlace, celebrado en la más estricta intimidad, acudió la top model Kate Moss, otra de sus grandes musas/amigas. El show de primavera/verano 2008 lleva por título La Dame Bleue y está dedicado a Isabella Blow, su gran amiga y mentora, se quita la vida en su apartamento londinense.. Será otra muerte la que desencadenará, con toda probabilidad, la suya propia. El 2 de febrero del 2010, muere Joyce McQueen, la madre de Alexander. Una semana después, el 11 de febrero, a los 40 años, el británico decide quitarse la vida.

Tom Ford

Tom Ford nació en Austin (Texas) el 27 de agosto de 1961. Estudió para ser arquitecto y decorador de interiores, su temprana vocación fue ser actor, probó suerte como director de cine -sólo un largometraje hasta el momento, A Single Man-, pero alcanzó la fama mundial como diseñador de moda. Al frente de Gucci y de Yves Saint Laurent, Tom Ford revolucionó el modo de entender la moda. La sexualidad más elegantemente explícita fue añadida a un nuevo concepto de mercado y su ecuación se tradujo en un éxito -de venta, y de públicoplanetario. En Gucci consiguió que la marca -tocada y deficitariade pasara del 0 al 100 como si se tratara del mejor de los Ferraris. Domenico De Sole -su socio, y la otra

mitad del tándem de éxito en la división de negocioscomentaba que cuando Tom llegó a Gucci todo era marrón, redondo y blando; cuando él salió todo era negro, cuadrado y duro. Por no mentar las ganacias, que pasaron de una empresa valorada en 230 millones de dólares a la escandalosa cifra de 3 billones (anglosajones).

firma creció en oferta, hasta convertirse en el paladín del gentleman contemporáneo. Diseños de impecable factura con acabados y materiales exquisitos. Ford no tardó en darle la réplica a las colecciones para mujer. Diseños que beben de una estética en clara influencia sobre la década de los setenta pero que bajo su batuta rezuman En YSL trazó un plan de una sexualidad magnética. marketing que funcionaba -el banco de pruebas había sido La piel bronceada en el Gucci- y lo adaptó a la maison punto adecuado -de aspecto parisiense más sofisticada. saludable, evitando la Bajo su influjo, Saint Laurent tanorexia-, la camisa blanca destilaba una refinada e impecable desabrochada sexualidad que reportó -estudiadamentetres cuantiosos dividendos. botones, y una chaqueta negra que parece esculpida En la actualidad, Ford ha sobre sus hombros y su torso. vuelto sobre el camino Unas señas de identidad y de del diseño con su propia estilo que lo identifican con firma. Tom Ford -la marca- sólo hacer acto de presencia. empezó siendo un oasis Él, con su posado, su temple de belleza suprema, con y sus maneras pausadas, un amplio catálogo de es el mejor embajador de perfumes y maquillaje. La lo que Tom Ford encarna.

Jimmy Choo 64

Jimmy Choo tiene sus orígenes en el zapatero malayo del mismo nombre, un artesano con un taller en el East End de Londres que había creado algunas piezas para Lady Di. En 1996, Tamara Mellon, editora de Vogue UK, vio el potencial de las creaciones de Choo y junto al zapatero creó la marca Jimmy Choo. Poco tiempo después, la sobrina de Choo, Sandra Choi, se unió a la empresa como directora creativa. Sandra Choi nació en el Reino Unido, pero fue educada en Hong Kong. Siendo una adolescente comenzó a trabajar en el taller de su tío y su pasión por la moda le llevó a matricularse en la prestigiosa Central Saint Martins de la capital británica para estudiar diseño de moda, escuela que abanonó tras el primer año. Comenzó a trabajar junto a su tío “haciendo tés, recibiendo a clientas y cogiendo el teléfono” hasta que Tamara Mellon tomó las riendas y le asignó las labores de diseño. La firma se caracteriza por un marcado carácter sexy, una calidad made in Italy y por ser una de las favoritas de las celebrities sobre las alfombras rojas. Con la partida del Sr. Choo en 2001 y el abandono de Mellon, Sandra Choi, junto a Simon Holloway, se convirtió en la responsable creativa de una de las marcas más deseadas y con mayor y más rápida proyección de la historia reciente de la moda -más de 150 tiendas en todo el mundo en poco más de una década de existencia-. Con ella al frente, la casa de moda ha ampliado su espectro de negocio hacia todo tipo de complementos incluyendo calzado masculino y una gama de perfumes y gafas. “Con mi tío aprendí cómo se hacen zapatos y con Tamara cómo se venden. Ahora espero aportar mi propia personalidad. Ya hemos probado que somos buenos alimentando un ideal de belleza sexy y glamuroso, ahora quiero satisfacer también a la mujer de hoy en día” declaraba Choi.

John Galliano

La familia de John Galliano abandonó Gibraltar rumbo a Londres cuando el modisto tenía seis años. Según cuentan las crónicas, su interés por la moda surgió de manera precoz gracias a la insistencia de su madre, la andaluza Anita, para que su hijo vistiera de modo impecable los domingos. Galliano finalmente se decidió a desarrollar esta inclinación inscribiéndose en la prestigiosa escuela de diseño St. Martin, en Londres, en la que obtuvo sobresalientes notas en 1983

con su desfile de fin de curso. Había nacido una estrella. Al año siguiente creó su propia marca, que pronto se convirtió en un nombre clave de las pasarelas. En 1987 obtuvo el premio al mejor diseñador británico del momento, pero tres años después decidió instalarse en París, la capital de la moda. Allí se fijaron en él los grandes hombres del negocio del lujo, uno de los cuales, Bernard Arnault, lo contrató para que devolviera el esplendor a la casa Givenchy, propiedad de

LVMH. Justo un año después, y ante el éxito obtenido, fue propuesto como director creativo de Christian Dior, casa que incrementó sus beneficios desde que Galliano se hizo cargo de ella. No obstante, y tras un polémico incidente, fue polémico incidente, fue despedido de la firma francesa en marzo de 2011. Días después, también era cesado de su puesto como diseñador de su propia marca, la cual pertenecía a Dior en un 91 por ciento.

Marc Jacobs

Antes de ser un icono mundial, Marc Jacobs fue uno de esos jóvenes inadaptados que pueblan el imaginario cinematográfico norteamericano. Nacido en Nueva York en 1963, Jacobs se dio a conocer por entronizar y popularizar el movimiento grunge, una estética y una sensibilidad propia de la adolescencia americana de la época –aunque inmortalizada en el rostro de Kate Moss para la portada de la revista The Face– y que pronto se convirtió, gracias a los diseños de Jacobs primero para Perry Ellis y después para su propia marca, en Patrimonio de la Humanidad. Graduado con matrícula en la escuela Parson de Nueva York, pronto se decidió a fundar, junto a su socio y descubridor Robert Duffy, su propia firma. Así y gracias al acuerdo alcanzado con LVMH –según el cual también se convertiría

en director creativo de todas las líneas de Louis Vuitton– la etiqueta Marc Jacobs pudo crecer, desarrollarse y convertirse en lo que es hoy en día. Por el camino, aquel chico que se dio a conocer con melena alborotada, enormes gafas de vista y ropa holgada cambió el uniforme de looser por la tinta y el cincel de las máquinas tatuadoras y los aparatos de gimnasio, intimó con descendientes de la jet set americana, como Sofia Coppola con la que comparte “una sensibilidad sutil, un gusto por la belleza alternativa y unos referentes culturales comunes” , cambió la banda sonora de Nirvana que ambientaba sus primeros desfiles por una más recatada y se convirtió en el diseñador más célebre –y celebrado– de la moda americana actual. Movido por su afán de diversificar y asegurar su propio negocio, por las ganas

de conquistar estéticamente el planeta –eso sí, contando con el beneplácito de todo sujeto vestimentalmente inquieto–, o por su aprecio al universo adolescente del que se iba alejado inevitablemente en pro de su crecimiento como diseñador, Marc Jacobs lanzó comienzos de la década de los dosmiles una segunda línea, Marc by Marc Jacobs, más asequible y con un espíritu más relajado y juvenil que la primera y cuyo éxito le llevó a plantearse, incluso, crear una tercera línea. Con más de ocho colecciones anuales a su cargo, el norteamericano es considerado uno de los diseñadores más influyentes de la actualidad y uno de los pocos, junto a Miuccia Prada, capaces de predecir –o de imponer, según se mire– con tino cuáles serán las tendencias y los fenómenos culturales que sobresaldrán en el futuro próximo.

Hugo Boss Hugo Boss comenzó su compañía de ropa en 1924, en Metzingen, un pequeño pueblo al sur de Stuttgart, donde aún se basa. Sin embargo, debido a la depresión económica en Alemania, Boss se vio obligado a declararse en bancarrota. En 1931 llegó a un acuerdo con sus acreedores, y quedó con seis máquinas de coser para empezar de nuevo. El mismo año, se convirtió en miembro del partido nazi y miembro patrocinador (Förderndes Mitglied) de las SS (Schutzstaffel). Más tarde se dijo que se había unido al partido debido a su promesa de terminar con el desempleo. Se unió al Frente Alemán del Trabajo (Deutsche Arbeitsfront) en 1936, a la Asociación de Protección del Aire del Reich (Reichsluftschutzbund) en 1939, a la organización del Bienestar Popular Nacional Socialista (Nationalsozialistische

Volkswohlfahrt) en 1941. Sus ventas aumentaron de 38 260 RM en 1932 a más de 3 300 000 RM en 1941, mientras que sus ganancias aumentaron en el mismo período de 5 000 a 241 000 RM. A pesar de que afirmó en una publicidad de 1934/1935 que había sido un «proveedor de uniformes nazis desde 1924», los suministros son probables desde 1928/1929 y ciertos desde 1934, cuando se convirtió en un Reichszeugmeisterei con licencia (oficial) de proveedores de uniformes a la Sturmabteilung, las SS, la Juventud Hitleriana, el Cuerpo de Motoristas Nacional-socialistas y a otras organizaciones del partido. Para satisfacer la demanda en los últimos años de la la guerra, Boss utiliza de 30 a 40 prisioneros de guerra y unos 150 trabajadores forzados, de los Países Bálticos, Bélgica, Francia, Italia, Austria, Polonia, Checoslovaquia y

la antigua Unión Soviética. Según el historiador alemán Henning Kober, los directivos de la empresa eran «nazis confesos» y «grandes admiradores de Adolf Hitler», y Hugo Boss tenía en 1945 en su apartamento una fotografía de sí mismo con Hitler tomada en el último retiro de este en Obersalzberg. En un juicio de desnazificación de 1946, sobre la base de su temprana afiliación al partido, su apoyo financiero a la SS y los uniformes entregados al partido nazi, incluso antes de 1933, Boss se considera un «activista» y un «defensor y beneficiario del nacional-socialismo». Fue despojado de su derecho de voto, su capacidad para manejar un negocio y le fue impuesta «una sanción muy fuerte» de 100 000 marcos. Murió en 1948, pero su negocio sobrevivió. En 1993 Hugo Boss creó Baldessarini como su marca

de manera abierta y franca». En diciembre de 1999, se alcanzó un acuerdo entre el gobierno alemán y un grupo abogados estadounidenses, grupos judíos y el gobierno de Estados Unidos, para establecer un fondo de US$ 5,1 mil millones, financiado a partes iguales por la industria alemana y el gobierno alemán, para compensar a los trabajadores esclavos utilizados por los alemanes en la Segunda Guerra Mundial. Hugo Boss acordó en participar de este fondo, por un monto que fue estimado por algunas fuentes como de alrededor de 752 000 €, mientras que otros consideraron que la empresa «finalmente pagó el mínimo absoluto en el fondo de compensación». de lujo de alto nivel para caballero, en la actualidad también dispone de dos fragancias bajo esta marca. En 1997, la compañía apareció en una lista de cuentas inactivas de Suiza, que provocó la publicación de artículos que destacan la participación de Hugo Boss con los nazis. En 1999, los abogados estadounidenses presentaron demandas en Nueva Jersey, en nombre de los sobrevivientes o sus familias, por el uso de trabajadores forzados durante la guerra. La empresa no hizo ningún comentario sobre estas demandas, pero reiteró una declaración anterior de que no quería «cerrar los ojos al pasado, sino más bien tratar los temas

La empresa también decidió experimentar con la ropa femenina, y en 2000, presentó la primera colección de Boss Woman en el Palazzo del Senato de Milán. A principios de 2002, Boss trasladó su división para mujeres de Milán de vuelta a Metzingen. Los mayores mercados de la marca son Estados Unidos, Alemania, Reino Unido y Francia y actualmente (2004) es controlada por el grupo italiano Marzotto SpA.

Vera Wang Conocida como la diseñadora de trajes de novia más influyente de Estados Unidos, Vera Wang comenzó como redactora jefe de la sección de moda de la revista Vogue, una actividad que le llevó a convertirse en directora de diseño de la marca Ralph Lauren. En 1990 decidió montar su propio negocio como diseñadora de novias, una actividad por la que pronto se hizo conocida en la alta sociedad neoyoquina. Pese a que su buen hacer ya era un secreto a voces en todo Estados Unidos, su nombre captó la atención de todo el público de su país cuando la patinadora Nancy Kerrigan le encargó sus vestidos para la competición de los Juegos Olímpicos de invierno de 1994. La diseñadora neoyorquina vio en este proyecto una forma de hacer una contribución artística

a este deporte, que ella había practicado en su juventud, participando en algunos campeonatos de Estados Unidos.

en que todos los asistentes luchan por resultar triunfadores de lo que Vera llama con buen humor “olimpiadas de la moda”.

Tras los trajes de novia vendrían los vestidos de gala, los trajes de fiesta, y una sólida colección de complementos. Hoy en día, Vera Wang es una prestigiosa diseñadora que cuenta entre sus clientes con estrellas de excepción como Jennifer López, Charlize Theron, Jane Fonda, Angelica Houston, Alicia Silverstone, Mare Winningham, Penelope Ann Miller, las cantantes Mariah Carey y Chynna Philips, y las modelos Donna Peele y Vendela, sin olvidar a la bella Sharon Stone. Es una de las modistas más solicitadas por los artistas de Hollywood cuando se celebra algún evento excepcional, como los Oscar o Globos de Oro,

Casada y madre de dos hijos, Cecilia y Josephine, Vera Wang reconoce como maestros a los creadores Geoffrey Beene y Giorgio Armani. No asistió a ninguna escuela de diseño, así que aprendió la profesión a base de práctica. En su curriculum, sin embargo se destacan sus años en la Sorbona parisina y en algunas de las mejores universidades estadonidense. Vera Wang se define como artista innata, y asegura que si no diseñara dirigiría películas o escribiría novelas: cualquier cosa con tal de dar rienda suelta a su enorme caudal de creatividad.

Miuccia

Prada

No es casual que una de las últimas revoluciones vividas en el mundo de la moda, la de Prada, proceda de una mujer -¿la más poderosas de la industria?preparada, formada e inquieta. Militante en su juventud del Partido Comunista y una auténtica rebelde para el entorno familiar, Miuccia -conocida entre su familia como Miu Miu- se doctoró en Ciencias Políticas antes de decidirse a hacerse cargo de la empresa familiar, una marroquinería fundada en 1913. Y es eso, la importancia política de un acto tan denostado como el de vestirse cada día, el motor que guía las colecciones e iniciativas de la creadora de la firma. En un mundo en el que apenas hay tiempo para nada, la ropa “puede ser un poderoso instrumento”, asegura ella. A lo que añade: “Es toda esta implicación social de la moda y el vestir lo que encuentro verdaderamente interesante hoy en día, y en realidad nadie se molesta en analizarlo porque se supone que nuestro trabajo es algo estúpido y esnob”.

Con ella al frente se introdujo a mediados de los años 80 el prêt-à-porter. Desde entonces, y sobre todo durante los últimos años del siglo XX y hasta la actualidad, temporada tras otra, Miuccia ha conseguido marcar el ritmo de la moda revitalizando y reinterpretando elementos presentes en el imaginario colectivo tales como el encaje (otoñoinvierno 08/09), las rayas (primaveraverano 2011), la piel de serpiente, el color, las hadas y hasta el universo tunning (primavera-verano 2012) tanto en Prada como en su otra marca, Miu Miu. Según Mrs. Prada: “La curiosidad acerca del mundo, la sociedad y la cultura están en el corazón de la creatividad y la modernidad de nuestra firma”. Para Suzy Menkes, Miuccia es “la maestra de todos nosotros” y según un artículo de Vogue España, ella ha sido la encargada de reinventar la feminidad del nuevo milenio y dar “alternativa a las tendencias imperantes” de los últimos años

DISEĂ&#x2018;ADORES de moda Colombianos

El boom de la moda colombiana que hemos tenido en los últimos tiempos ha sido muy alentador. Vemos los nombres de nuestros diseñadores colombianos en cualquier revista internacional, como por ejemplo: People, Newsweek, cosa que nos llena de orgullo, ya que esto representa la entrada de divisas al país; la confección de ropa está catalogada como una de las fuentes de ingresos más fuertes después del café. Según la ministra de comercio exterior Marta Lucia Ramírez, es probable que el país rompa la barrera de los 1000 millones de dólares en exportación de textiles y confecciones en el cierre del presente año si se logra la incorporación del

país al ATPA, y por lo tanto, el ingreso a los Estados Unidos con preferencias arancelarias. Para finales de la década la actividad podría convertirse en la primera fuente de divisas por encima del café, además de generar más del doble de los puestos de trabajo actuales. A nuestros diseñadores colombianos no solo los encontramos en Medellín como antes solo se veía, sino aquí en la costa también, con nuestras diseñadoras costeñas, como por ejemplo, Silvia Tcherassi, Tina Newman, Judy Hazbún, y un sin fin de diseñadores muy reconocidos, dando así una muestra fehaciente de lo que es capaz de hacer una persona con dedicación, disciplina y perseverancia, siempre teniendo en cuenta la excelencia para poder

llegar a competir con diseñadores de alta costura. La ropa colombiana la encontramos en muchos sitios de Estados Unidos, tranquilamente puede uno elegir un pantalón y si no se mira de donde proviene, puede llegar a pensar que fue hacho donde solo hacen alta costura. Y que decir de las telas colombianas también se producen excelentes, lastima que con el incremento de la violencia, las producciones de algodón en el país sean cada vez más difíciles, por no decir imposibles, ya que el gremio algodonero no tiene ninguna clase de incentivos para seguir sembrando, ni mucho menos crédito, sabiendo que el algodón es la materia prima más importante.

Pepa Pombo 78

Pepa Pombo es por definición una creativa con objetivos. Nació en Bogotá pero vivió su infancia y adolescencia en Perú. Al regresar a Colombia estudió Bellas Artes en la Universidad de los Andes; habría podido ser una gran pintora, -algunos cuadros lo certifican- pero su vocación eran las texturas. Desde muy niña tuvo predilección por los tejidos, las sedas, los juegos de color, las formas tridimensionales. Es fácil imaginarla vistiendo sus muñecas porque también las inventó y las

comercializó con éxito. Cada objetivo cumplido le abría otra meta hasta que llegó a lo suyo: el diseño y confección de alta costura, la moda femenina como expresión de un estilo de vida. Cuando lo descubrió, enfiló baterías y empacó maletas; quería conquistar el mundo para mostrarle sus creaciones. Un arranque muy propio de los creativos. Así llegó a México donde nadie la conocía y con la fuerza de sus hilos derrumbó muros culturales, tendió puentes, abrió nuevos caminos a países lejanos y consolidó una marca de características únicas.

Las texturas tienen la propiedad de convertirse en arte sólo cuando trasmiten sensacionesalgo que Pepa Pombo logró con sus maravillosos calados y la finura de las mezclas. Tal vez por eso muchos reconocen que “cada vestido de Pepa Pombo es una obra de arte”. Su hija Mónica Holguín heredó ese talento y es la promesa que lo hará perdurable. Hoy por hoy es reconocida internacionalmente por sus sofisticados diseños, pero no es la única: gran parte de su familia hizo de la moda su elemento.

Tchersassi Silvia Silvia Tcherassi nació en Barranquilla el 21 de agosto de 1965. En 1990 creó su propia compañía llamada Altamoda.2 En 2003 fue invitada para la semana de la moda en Milán.3 En el 2004 Tcherassi fue condecorada por el entonces embajador de Francia en Colombia, Daniel Parfait, con la Orden de las Artes y las Letras,4 que ese gobierno entrega a extranjeros y franceses. En ese mismo año fue invitada para participar en la semana de la moda en París.5 La diseñadora tiene almacenes en Colombia y Estados Unidos con una marca que lleva su mismo nombre. Silvia Tcherassi cuenta además con un hotel

de de hace 25 años Guido Borrero. Ese día Silvia lució una fantasía titulada ‘Girasol real’ hecha por Amalín de Hazbún, quien fue la encargada de elaborar en su taller todo el vestuario de la soberana de la fiesta barranquillera. Acorde al tema del disfraz, el decorador Carlos Geraldino, que en ese entonces era el más solicitado, elaboró la carroza de 8 metros de largo sobre la cual desfiló Silvia durante la Batalla de Flores que partió de la calle 74 con carrera 43 (20 de Julio) y finalizó en el Paseo Bolívar.

en Cartagena, el cual hace parte del Tcherassi Hotel Collection, el Tcherassi hotel + Spa; el cual fue incluido en el 2010 por la revista Condé Nast Traveler, como uno de los mejores nuevos hoteles del mundo. En ese mismo año lanzó su libro: Elegancia sin esfuerzo. En marzo del 2011 anunció que va a lanzar una colección de zapatos para Payless ShoeSource.6 Silvia Tcherassi está casada con Mauricio Espinosa; con el cual tiene dos hijos: Mauricio y Sofía Espinosa. Tche‘Escoltada’ durante su rassi es portavoz de la camrecorrido por la cumbiamba paña de la UNICEF en contra ‘Cipote Vaina’, la carroza de del uso de minas antipersola Reina estuvo amenizada nas, Más arte, menos minas. por Los Vecinos de Santo Domingo, con Milly y Jocelyn Fue reina del carnaval de como vocalistas, orquesta barranquilla en 1986, Silvia que por primera vez venía Tcherassi fue coronada en al Carnaval con uno de sus el Paseo Bolívar como Reiéxitos musicales que años na del Carnaval por el alcal-

más tarde se convertiría en uno de los temas inmortales del Carnaval: La Guacherna, de la autoría de Esthercita Forero. Fueron 29 carrozas las que engalanaron la Batalla de Flores de 1986 y hubo un reinado internacional. Como invitadas especiales desfilaron María Mónica Urbina, como Señorita Colombia, y Karen Wightman, como Señorita Atlántico. Ellas y las reinas extranjeras acompañaron a Silvia a las grandes fiestas de los centros sociales Country Club, Barranquilla, Alemán, Angloamericano, Unión Española y Caujaral. Las orquestas en mención y muchas otras más participaron en el Festival de Orquestas que se realizó en el Coliseo Cubierto Humberto Perea el lunes de Carnaval, y al día siguiente, en ese mismo escenario, el turno fue para la música de acordeón que también compitió por el Congo de Oro. Todo lo anterior ha quedado en el recuerdo de Silvia Tcherassi, quien asegura que “para una joven que apenas pisaba los 20 años de edad enfrentarse a una multitud me quitó la pena para toda la vida. Me sirvió muchísimo haber sido Reina”. “Además – prosigue entre risas– ¡le cogí más amor al baile!”. “Haber sido la figura central del Carnaval de Barranquilla fue una experiencia inolvidable”,

agrega. Para ella, los carnavales más memorables han sido los de Laura Char, Mireya Caballero y los que presidieron las hermanas Margarita y Lilian Gerlein.

no había vuelto a disfrutar un carnaval. Esta vez y con justa razón ha dicho: “En Barranquilla me quedo”, como dice la canción de Joe Arroyo, quien fue el artista que se llevó Por sus múltiples compro- todos los trofeos del Fesmisos como diseñadora, tival de Orquestas hace desde que fue Reina, Silvia precisamente 25 años.

Hernan Zajar Pese a que desde muy joven HERNAN ZAJAR reveló una clara sensibilidad por la moda, se inició como diseñador sólo después de otras experiencias profesionales. Al principio estudió Administración de Turismo en Saint Paul del Mar, cerca de Barcelona, y trabajó durante algún tiempo en hoteles del Caribe. Al regresar a Colombia inauguró un restaurante, pero allí empezó a manifestarse su verdadera vocación, pues el mayor atractivo del local eran los desfiles de modas que allí mismo organizaba él. Desde entonces, la dedicación de Zajar al diseño no ha hecho más que afirmarse. Apenas dos lustros después, ZAJAR ya ocupa un lugar muy destacado en el mundo del diseño de la moda en Colombia.

Ramírez, Caballo Viejo, La Vorágine y Azúcar. Sus trabajos con las principales programadoras de Colombia ( RCN, RTI, y CARACOL), son ya innumerables. Ha colaborado además como asistente de vestuario en el largometraje Crónica de una muerte anunciada, de Francesco Rossi, y en producciones teatrales como Amigo del Alma y Entre nosotras. Asimismo, los diseños de Hernán Zajar son los preferidos de destacadas personalidades políticas colombianas y sus creaciones acompañan a numerosas reinas de belleza, entre ellas Julia Kuorotchkina (Miss Mundo 1992) y Alicia Machado ( Miss Universo 1995) y Mpule Kwelagobe (Miss. Universo 1999) Eso no es todo: la famoso modelo Claudia Schiffer, la playmate Samantha Torres, la actriz Joan Collins e En efecto, Zajar ha ideado Ivana Trump también han el vestuario de series tan lucido modelos de Zajar. importantes para la T.V En 1999 Hernán Zajar se Colombiana como Gallito proyecta al mundo con sus

dos nuevas líneas para el nuevo milenio. El pret a porter y la línea corporativa. Actualmente esta conquistando los mercados internacionales con su línea de Crochet que ha sido inspiración para las editoriales de Revistas Como Vanidades Estados Unidos , Elle Internacional, Channel Maggazine, Cosmopolitan International, Complot Venezuela y Top Model de México entre otras. Hernán ve las primeras luces del Nuevo Milenio con el respaldo y la consolidación de una gran alianza con el Grupo Accor, grupo empresarial al cual pertenecen entre otros Hoteles Sofitel, Hoteles Mercure, Grand Mercure, Carlston Wagonlit Travel. Así mismo el Banco Interamericano de Desarrollo en convenio con la Pontificia Universidad Javeriana a través de su progama BID/ATN-ME 5126RG establece una alianza con Hernán Zajar E.U, con el fin de capacitar a pequeños y medianos empresa

Hernanzajar CaliExposhow

Isabel Henao

Retrato Isabel Henao por Manuel Olarte.

Fanática del arte y de la naturaleza, Isabel Henao busca siempre impregnar de una sensibilidad artística su trabajo. Y es precisamente esa sensibilidad, su amor por el detalle y la delicadeza con la que aborda sus creaciones, lo que la ha llevado a destacarse dentro del ámbito de la moda nacional e internacional. Desde la primera colección presentada en el 2002, su fuerte personalidad de diseño y su constante exploración en materiales y siluetas la han ubicado entre los diseñadores más influyentes de la nueva moda latinoamericana. La investigación textil y los detalles manuales son su sello; y su cliente, una mujer que huye del exceso pero adora lo especial. Sus creaciones han estado presentes en eventos como la Semana de la Moda de Milán, de Madrid y Colombiamoda, y ha compartido escenarios con grandes figuras de talla internacional como Carolina Herrera y Agatha Ruiz de la Prada. Su visión de la moda también se ha expandido a otras áreas, creando en el 2008 los uniformes de TACA Airlines y acompañando a compañías como la Sociedad Portuaria de Cartagena y Postobón en sus proyectos corporativos. Actualmente entre sus clientes se destacan personalidades de la vida nacional como la Primera Dama de Colombia, María Clemencia de Santos, quien viste continuamente sus diseños. Isabel Henao 2014

De niño, Esteban Cortázar soñaba con las modelos, no porque estuviera enamorado de ellas, sino porque deseaba confeccionarles hermosos vestidos. El colombiano se ha convertido en uno de los diseñadores preferidos de Cindy Crawford y Paris Hilton, entre otras celebridades. Aunque en últimas fechas las noticias del modisto han sido sobre su posible rompimiento con la casa Emanuel Ungaro, este hecho no le resta a su trabajo originalidad, frescura ni creatividad, pues es claro que él nació para diseñar.

Mounir Moufarrige, presidente de Ungaro, lo sabe. Fue por eso que hace dos años, en 2007, solicitó sus servicios para el cargo de director creativo. Fue al término de un desfile en París que el empresario francés lo definió como “un joven extrovertido que me ha asombrado por su sensibilidad, un diseñador que comprende no sólo el cuerpo de la mujer, sino a la mujer en movimiento”. El brillante Cortázar nació en Bogotá el 17 de mayo de 1984. Heredó de su

Esteban Cortázar 86

madre, la cantante de jazz Dominique Vaughan, la sensibilidad y de su padre, el pintor Valentino Cortázar, el amor por el color. Cuando tenía 11 años, tras el divorcio de sus padres, se mudó a Miami con Valentino, lo que fue decisivo para su orientación profesional. Durante su adolescencia recorría las calles de South Beach, donde descubría un sinfín de lujosas tiendas, llenas de belleza y de moda, un mundo del que no volvería a separarse nunca. A los 12 años pidió de regalo de Navidad una máquina de coser. El colombiano de actitud cálida y gentil ha relatado que uno de los acontecimientos que marcaron su vida fue ver todos los días al desaparecido Gianni Versace, porque el modisto italiano comía en un restaurante justo al lado donde él esperaba el autobús que lo llevaba a la escuela. Además, en las playas también observaba el trabajo de famosos fotógrafos quienes retrataban a las súper modelos de aquella época. Con estos antecedentes, para el inquieto joven de castaños rizos fue “natural” decidir que quería ser diseñador. A los 13 años, en el colegio, presentó su primera colección.

Luego ingresó en DASH, Design and Architecture Senior High School, en Miami, una escuela de diseño, arquitectura, moda y decoración de interiores. Antes de concluir sus estudios, sus diseños se vendían en Bloomingdale’s y Henri Bendel. A los 18 años, se convirtió en el diseñador más joven en presentar su propia colección en la Semana de la Moda de Nueva York. En septiembre de 2002 fue invitado por Anna Wintour, editora de la versión estadounidense de la revista Vogue, a una cena con los más grandes de la industria de la moda, como los fotógrafos Mario Testino y Patrick Demarchelier; los diseñadores Calvin Klein y Donna Karan y las editoras de moda Nina García (Elle), Susy Menkes (Herold tribune) y Carine Roitfeld (Vogue París). Curiosamente, durante la reunión sólo pudo brindar con refresco porque tenía apenas 18 años y a esa edad está prohibido tomar bebidas alcohólicas en Estados Unidos. Rápidamente se multiplicaron sus viajes entre Miami y Nueva York, ciudad a la que finalmente decidió mudarse. Con los años ha conseguido

una entrañable amistad con uno de los diseñadores más reconocidos de estos tiempos, Marc Jacobs, quien se ha convertido “en su nuevo mentor”. Esteban se inspira en la vida misma, en el arte, en el color de la naturaleza y en sus amigas, como Cindy Crawford, Kate Moss y Ashley Shelton (modelo de Victoria’s Secret y Sports Illustrated). Gusta de los textos de historia, de ver buenas películas y de prácticamente toda la literatura. En 2007, tras el brusco despido de Peter Dundas, por no cumplir con las expectativas, Emanuel Ungaro anunció el nombramiento de Cortázar como el nuevo director creativo de la maison, pues quería reinventar su ropa femenina. El colombiano de apenas 23 años se convirtió así en el diseñador más joven en tener este cargo. Todo parecía un sueño cumplido. Sin embargo, hace poco trascendió a través de la página foxnews.com que la actriz Lindsay Lohan se encontraba en París en pláticas para convertirse en “asesora creativa” de Emanuel Ungaro, lo que incomodó profundamente al colombiano, quien amenazó con renunciar si esto ocurría.

Silvia Alfonso

Silvia Alfonzo, quien se define a sí misma como una mujer apasionada por la moda, el diseño y el arte, estudió Diseño Industrial en la Universidad Javeriana de Bogotá. Viajó a Milán e ingresó al Instituto Marangoni donde cursó una especialización en Fashion Design y trabajó en varios fashion weeks de Milano. Posteriormente realizó un máster en diseño de calzado y accesorios en el Instituto Europeo de Diseño IED.

que conforman su equipo de trabajo y la apoyan en el desarrollo comercial de la marca, posicionándola en más de siete tiendas en el país y generando importantes contactos en boutiques internacionales. Las colecciones de Silvia Alfonzo están dirigidas a una mujer contemporánea y ciudadana del mundo, a quien le gusta viajar, aprecia el arte y busca una propuesta funcional y sofisticada. “Colombia es un país muy joven en moda cuando se compara con otras ciudades como París, Milán, Nueva York, Londres y Tokio, pero es líder cuando se compara con otros países de Latinoamérica, a excepción de Brasil y Argentina. Es por esto que hay que apostarle al desarrollo de esta industria”, asegura la diseñadora.

Desde su regreso a Colombia se ha fortalecido como empresaria. En noviembre de 2007, Silvialfonzo abrió su primera tienda en el Centro Comercial La Quinta, el más exclusivo de Bucaramanga, capital de Santander. Actualmente cuenta con otro punto de venta en su taller. Sus diseños están soportados por 20 personas

Jorge Duque 90

JORGE DUQUE VÉLEZ y su marca DUQUEVELEZ, nace en el año 2002 con un taller ubicado en Bogotá y desde sus inicios han pasado por sus vestidos grandes personalidades de la escena social, política y cultural del país, no es hasta el año 2010 siendo el indiscutible ganador del mundialmente conocido Project Runway en su primera edición Latinoamérica que su nombre se expande por todo el continente, su paso por allí fue duro y competido, teniendo que sobreponerse creativamente a miles de diseñadores inicialmente y luego a los demás 14 finalistas de diferentes nacionalidades. A partir de ese momento su popularidad y prestigio ha ido en ascenso, ganándose el respeto de la crítica especializada y editorial en moda, presentándose en importantes pasarelas como Colombiamoda, Mercedes Benz México, Santiago de Chile, Puerto Rico High Fashion Week, Mercedes Benz Winter Beach, sabana artesanal, entre otras con fines académicos siendo ayudante en la red latinoamericana de facultades de Moda. DUQUEVELEZ tiene la misión de ser la próxima marca de lujo latinoamericano haciendo del Eco

Luxe su fundamento, y se vé en el futuro con un prestigio ganado por sus calidades de diseño y construcción, dedicándose enteramente a la investigación de nuevas tecnologías, el uso de materiales sostenibles, la educación como acción responsable socialmente y la capacitación en comunidades con la intención de que la producción de alta calidad y con un manejo sostenible es lo que hará realmente solidificar la industria en Latinoamérica en el futuro próximo. Para la temporada PrimaveraVerano 2014, DUQUEVELEZ trae el universo surreal a la pasarela. Imágenes que habitan el inconsciente plástico del pintor español Salvador Dalí dan vida a siluetas que se enmarcan en las fusiones caóticas de las formas propuestas por la diseñadora Elsa Schiaparelli en la década de los setentas. Materiales de alta tecnología como el poliéster recuperado en alta torsión, sedas tinturadas y procesadas con estándares sostenibles, rayón y cuero tratados con tecnologías amigables y de bajo impacto ambiental, mezclados a su vez con impresión digital y cortes láser, hacen parte de la propuesta del diseñador bogotano.

JUAN

“El hecho de ser una marca independiente ha sido todo un reto. Muchas veces te sorprende saber todo lo que puedes lograr y otras veces te muestra todo lo que te hace falta por aprender. Para ser independientes hemos tenido que ser multitaskers, al principio mucho más claro

está. Al comienzo empezamos haciendo experimentos con ropa, muchos bocetos. Un día después de varios dibujos, ideas, confusiones y pasadas varias noches en vela, surgió la idea de unirnos, nosotros como hermanos, y hacer de todas nuestras ideas un proyecto. Al principio experimentamos un poco, y nos fuimos dando cuenta lo que disfrutábamos más hacer y eso era hacer ropa para hombre. Así nació una marca como JUAN. Es nuestro alter ego, es el avatar para manejar la marca desde una tercera persona, ese personaje de misterio que muta y cambia en cada colección en un ser reinventado. Creamos esta marca como un medio de anonimato de nosotros como diseñadores; queremos que finalmente sea JUAN el que tenga el protagonismo en este proyecto.Somos una marca alejada de estereotipos que gestionamos nuestro trabajo con cierto nivel de experimentación. También, gran parte de lo que en la marca es gracias a la determinación no solo de nosotros dos, sino de un gran equipo de trabajo, amigos y familia que ha creído desde el principio en este sueño. Muchas veces hemos tenido que tomar riesgos y creer en nuestro instinto. Siempre buscamos información y la opinión de la gente en la confiamos como nuestra familia y amigos pero al final tomamos las decisiones importantes basados en nuestro

instinto. En Colombia cada día la moda es un tema más importante. Cada vez se ve en las calles gente más interesada en vestir bien, y no estamos muy lejos de lo que pasa en Paris o Nueva York. Esto es una gran oportunidad para las marcas colombianas independientes de dar lo mejor y hacerse notar. Aunque la entrada de varias marcas extranjeras al país no se puede ignorar, el producto colombiano tiene un valor agregado muy grande y creo que esta es de las mejores herramientas que las marcas colombianas deben contar para lograr sacar el mejor provecho de eso. JUAN

Anna Wintour La emperatriz de la Moda

Alguna vez un diseñador confesó: “Siempre hay un momento en el que uno se cuestiona si lo que está haciendo le gustará a Anna Wintour o no. El que en este trabajo diga lo contrario está mintiendo”. En realidad no exageraba: la revista Vogue es considerada la biblia en cuestiones de moda con ganancias en publicidad de más de 345 millones de dólares al año. Y si la publicación es palabra sagrada en la industria, su editora en Estados Unidos desde 1988 es dios. Anna Wintour es considerada la fuerza más influyente en el mundo de la moda. Cuando le preguntan qué es lo que no tolera, es enfática al afirmar que la mediocridad: “Si veo una colección y siento que el diseñador ha sido perezoso o ha tomado inspiración de otros, eso no solo me aburre

sino que me enfurece”, explicó hace algún tiempo en una entrevista con el programa 60 Minutes. Cuando eso sucede, su respuesta no es criticar abiertamente el trabajo del creador. En lugar de eso, su estrategia es el silencio. Ese diseñador no aparecerá en las codiciadas páginas de Vogue, con el claro mensaje de que lo que no sale en la revista simplemente no existe. Por eso los diseñadores se desvelan por su aprobación. Tanto es así que enloqueció a los organizadores de una reciente Semana de la Moda de Milán cuando dijo que solo iría un par de días: todos los diseñadores hicieron llamadas de emergencia para volver a agendar sus presentaciones de manera que ella no se las perdiera. Quienes trabajan con ella o han tenido la oportunidad de conocerla, aseguran que “la

jefe” no acepta un “no”. Su voluntad siempre se impone y no hay dos posibles respuestas a sus solicitudes: “Si recibo una petición para hacer algo que no quiero, primero recibo un mail, luego una llamada de alguien de Vogue, y entonces sé que es imposible molestarme en decir que no, pues la próxima llamada será de Anna”, aseguró al Wall Street Journal el creador Marc Jacobs. Y es que Wintour fue para él una especie de hada madrina, pues tiempo atrás, cuando el diseñador y su socio no tenían dinero, la editora convenció al magnate Donald Trump de que les prestara el salón de fiestas del Hotel Plaza para un desfile. Tampoco pudo negarse a su petición Bernard Arnault, dueño del conglomerado de artículos de lujo LVMH (Louis Vuitton Moët Hennessy), de que contratara al diseñador John Galliano para trabajar en la marca

Dior.Gracias a sus amigos influyentes se las ingenia para conseguir lo que quiere: ella no amenaza ni ruega, pero deja claro que si uno de sus deseos es cumplido, la revista apoyará a quien la beneficie. La publicación funciona como una dictadura, ella es quien tiene la última palabra, algo que ha funcionado teniendo en cuenta el prestigio del millonario imperio que ha construido. “Me gusta estar encima de todo. Leer hasta el último pie de foto. He comprobado que la gente hace las cosas mejor cuando estás pendiente de los detalles todo el tiempo”. A Anna Wintour la han llamado “genio”, “una estrella”, como la calificó Oscar de la Renta. Pero mientras sus más cercanos amigos y leales

colaboradores que llevan a su lado veinte años la definen como una máquina de trabajo, de energía inagotable, con una visión única, capaz de hacer las mejores predicciones, sus detractores, entre ellos algunos de sus exempleados, se han encargado de mostrar su lado más cruel y temible. Su característico impecable estilo, con su corte perfectamente milimétrico, sin un pelo fuera de lugar, es el reflejo de su férrea disciplina. Sus gafas oscuras de Chanel, que ha usado tanto en exteriores como en recintos cerrados, aumentan la impresión de que es impenetrable. Ella misma ha explicado que funcionan como una armadura: “Cuando estoy en un desfile, si estoy aburrida, nadie lo notará. Y si estoy disfrutando… nadie lo notará”. No le gusta que la gente lea sus emociones. Cuentan que

su oficina muestra claramente su personalidad inalcanzable, pues luego de un largo pasillo, que podría parecer una pasarela, al fondo, alejado, está su gran escritorio. Hasta ese lugar llegó una joven en busca de trabajo que contó su amarga experiencia al periodista Jerry Oppenheimer, autor de una biografía no autorizada de Wintour: “Anna fue muy, muy fría y contradijo todo lo que yo decía. Es muy atemorizante. Mis conocidos me dijeron que era mejor no trabajar con ella, que todos en Vogue eran miserables y vivían aterrados por esa mujer. Muchos de los que trabajan a su alrededor son homosexuales, los únicos a los que ella no asusta. La verdad es que a Anna no le agradan las mujeres, lo que es bastante curioso tratándose de la editora de la revista

destinada a público femenino más influyente del mundo”. Según Oppenheimer relata en su libro, la periodista espera que en su revista los empleados tengan cierto estilo y los elige por su apariencia: “La gente que trabaja aquí tiene que lucir de cierta manera. Si alguien no ha cambiado su estilo en seis meses… algo no está funcionando bien”. Su leyenda negra cuenta que la editora odia el contacto visual, que si un subalterno tiene la mala suerte de toparse con ella en el ascensor, es mejor no mirarla, ni tratar de ser simpático con una charla irrelevante. En realidad a Wintour no le interesa ser amable, asegura que cuida de sus amigos, pero que “trabajo es trabajo” y prefiere no perder el tiempo en conversaciones triviales. Ella misma ha explicado que sufre de déficit de atención y que por eso exige a sus asistentes que resuman en una línea lo que quieren decirle en lugar de explayarse en explicaciones que no va a oír. Es tanta su obsesión por no desperdiciar un minuto que es amante de la puntualidad. Critica a los diseñadores que hacen esperar a su audiencia en los shows y ha dicho que por eso extraña al fallecido Gianni Versace, “el único que siempre empezaba puntual”. Por eso es la primera en aparecer en la escena con sus típicos tacones de Manolo Blahnik, su celular y su libreta de apuntes. Y si no es la primera en llegar es porque, para no perder tiempo, llamó previamente al diseñador para

preguntarle la hora exacta de inicio del desfile. En su rutina diaria aplica la misma máxima: se levanta a las 5 de la mañana, por lo general juega tenis, aunque ciertas dolencias, a sus casi 63 años, la han alejado de las canchas ocasionalmente. Luego viene la sesión diaria con un estilista profesional, un capricho costeado por la revista, que según dicen le paga al año doscientos mil dólares para su ajuar personal, además de su salario estimado en cinco millones de dólares anuales. Luego, a las 8 de la mañana ya está lista en su oficina, ubicada en Times Square. Es tan disciplinada que no se permite subir de peso, es talla cuatro y por eso alguna vez fue descrita como “un insecto glamuroso”. Al parecer es poco lo que come, y habría dicho que no le gusta masticar, y su dieta, la mayoría de las veces, se limita a sándwich de huevo con mayonesa y puré. Además, por lo general, no se permite estar por fuera de casa después de las 11 de la noche, aunque se trate de una fiesta organizada por ella. De hecho, durante mucho tiempo, para Wintour, una mujer divorciada, era importante estar con sus hijos, Charles y Katherine Schaffer (quien siguió sus pasos y es periodista), a las 6 de la tarde, pues “la revista va a estar ahí siempre, al día siguiente”. Su carácter demandante y gélido le ha valido ganarse apodos como Nuclear Wintour o Winter (un juego de palabras con su apellido e “invierno”), algo de lo que a veces se burla con un humor seco, pues rara vez responde a las críticas. Es famosa la novela El diablo viste de Prada, escrita por

una de sus exasistentes, Lauren Weisberger, donde la protagonista, una joven recién graduada con ansias de ser periodista, debe trabajar para una editora implacable que hace peticiones imposibles y trata de ineptos a quienes no le cumplen. El libro fue exitosamente llevado a la gran pantalla con Meryl Streep en el papel de la intransigente Miranda Priestly, al parecer una caricatura de Wintour, quien asistió a la premier vestida de Prada. Entre sus más feroces críticos se encuentran los defensores de los derechos animales y la organización Peta, pues Wintour no oculta su afición por las pieles. En una oportunidad fue atacada con un pastel de tofu, y en otra le lanzaron un animal congelado. Ella se limitó a recogerlo con una servilleta mientras seguía tomándose su infaltable café. Sin embargo, un día decidió vengarse y respondió a las protestas enviándoles a sus detractores un jugoso filete de res. Verdad o leyenda, lo que nadie discute es que ella funciona como una Midas de la moda: lo que ella señala tiene éxito. “Todos los diseñadores revisan lo que Anna piensa sobre cuáles son las últimas tendencias. Ella les da una idea de lo que el público quiere y para lo que está listo, aseveró alguna vez el editor de Condé Nast, el grupo editorial al que pertenece Vogue. De esta manera su palabra tiene un eco no solo en los creadores, sino también en los compradores y en las tiendas,

que deben prepararse. Al parecer Anna siempre tuvo un afinado sentido de la estética y la moda. De niña, aconsejaba a su padre, Charles Wintour, editor del periódico británico Evening Standard, con ideas para que la publicación fuera más atractiva para los jóvenes. Asimismo, también recibió la influencia de su madrastra, Audrey Slaughter, editora de revistas. Anna habría heredado la vena periodística, así como uno de sus hermanos, que es editor político del diario británico The Guardian. Su padre tenía fama de ser estricto no solo con sus hijos, sino también con sus empleados. “Es cierto, pero miren lo que pudo crear, un gran periódico. Y ciertamente yo aprendí de él: la gente responde bien a alguien que se muestra seguro de lo que quiere”, explicó Anna en una entrevista. Pero de joven siempre se sintió extraña en una familia llena de intelectuales y de hermanos que tenían éxito académico. Ella ni siquiera pudo terminar el colegio en Londres y decidió que no iría a la universidad. Aun así, sus padres la obligaron a tomar clases de moda, pensando en sus intereses, pero ella se retiró con la excusa de que “o sabes de moda, o no”. En los 70 empezó a trabajar en el mundo editorial en la revista Harpers & Queen. “Recuerdo al editor decirme que Anna no era escritora, pero que tenía algo más, una visión especial, y que algún día ella nos daría empleo a nosotros”, confesó al diario británico The Independent, una colega.

Luego se trasladó a Nueva York para seguir en Harper’s Bazaar hasta llegar a Vogue en 1982. Las malas lenguas dicen que cuando su editora Grace Mirabella la entrevistó, le hizo la pregunta de rigor acerca de qué trabajo deseaba. Wintour habría respondido: “El suyo”. A los seis años lo consiguió.

un simple regalo”, que puede ser disfrutada más allá de los 40 y los 50 años, y que, a diferencia de otras publicaciones, no está plagada de consejos sobre cómo aplanar el abdomen o cómo conquistar a un hombre. Lo que enseña a las mujeres es cómo darse gusto.

En la edición norteamericana, la nueva editora inició una revolución similar a la que una de sus antecesoras y su inspiración, Diana Vreeland, había logrado años atrás, buscando fotos llamativas en exteriores y con temas novedosos, no solo referentes a estilo de vida. Se encargó de volver la moda un show completo y por eso empezó a incluir celebridades en sus portadas, como Kim Basinger, Nicole Kidman, Renée Zellweger, Hillary Clinton y Oprah Winfrey. Cuentan que a esta última le advirtió que no la dejaría aparecer en Vogue si no bajaba de peso. Quizá por esto la han acusado de elitista. Sus biografías revelan que en una oportunidad sus reporteros trabajaban en un artículo sobre cáncer de seno, basado en el testimonio de una mujer del común. Wintour exigió que en lugar de esa fuente consiguieran a una empresaria famosa aquejada por el mal. También la tildan de beneficiar a algunos diseñadores, no por su talento, sino por sus conexiones con figuras poderosas. Quienes la defienden dicen que el elitismo es propio de la moda y que Vogue se encarga de “educar nuestros ojos y afinar nuestro gusto”. Alguien más sostuvo que la revista se ha enfocado en mostrar la belleza como una construcción, “no

Sea lo que sea, Anna Wintour ha hecho suya la cruzada de apoyar nuevos talentos por medio de la Fundación CFDA/Vogue. Gracias a actos benéficos ha recaudado más de diez millones de dólares para asociaciones que luchan contra el sida y cerca de cincuenta millones para el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. En los últimos años, además, no ha dejado de aparecer en la escena política, por su vínculo con las campañas de Obama, tanto que se ha especulado que está buscando una embajada. Sin embargo, frente a rumores sobre su retiro, las directivas del grupo mediático han dejado saber que habrá Anna Wintour para rato, pues su poder no pasa de moda. No pudo haberlo expresado mejor R. J. Cutler, director del documental The September Issue, sobre la edición más ambiciosa de Vogue: “Uno puede hacer una película en Hollywood sin el respaldo de Steven Spielberg y sacar un software en Silicon Valley sin Bill Gates. Pero es muy claro que uno no puede triunfar en la industria de la moda sin la bendición de Anna Wintour”.

Conclusión Se puede resaltar la importancia de la moda en el desarrollo de las diferentes personalidades y ello refuerza el continuo fortalecimiento de las existentes y la reinvención de los demás. La moda es una disciplina de gran importancia en el mundo de hoy. Aunque muchos crean que es algo superficial, lo cierto es que es todo un arte, es un mundo extravagante, glamoroso y extremadamente variado, cada temporada, los diseñadores de moda nos presentan sus colecciones, con estampados y colores originales, y estilos exquisitos, generando nuevas tendencias. El significado es tan grande que la ropa que vestimos marca pautas en el tiempo, es una manera de entender la vida, es un método de comunicación para una sociedad, nos expresamos, nos reivindicamos, nos comunicamos a través de la moda

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