Revista Difusión versión propia (AHR) by Andrea Hidalgo

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Cuento: Orgullosamente feo ¿Entiende? ¿O se lo dibujo? Restauración del arte Plagio vrs referencia Moda en cr Diseño de ropa deportiva Tips para palmarla en la u La comida es amor, diseño, nos une Diseño para la mente El buen diseño de los empaques Grafitica Campo laboral y Quiz Historietas como arma de marionetas Los 7 pecados capitales Convergencia Anuncio

Esta portada hace referencia a ese monstruo creativo que llevamos por dentro, al que día a día nos vemos enfrentados a la tarea de alimentarlo para mantenernos creativos

Difusión es una revista cuatrimestral de criterio independiente con un propósito académico desde el prisma del diseño, el arte y las industrias culturales. Las opiniones de los elaboradores no necesariamente expresan los puntos de vista del Concejo Editorial o de la Universidad Veritas. Queda prohibida la reproducción total o parcial de los contenidos sin la debida autorización.

“Aprender a recibir la crítica constructiva y sobre ella trabajar por la mejora de los diseños, fue de las experiencias más significativas alrededor de este curso y de la realización de la revista; además, el lograr entender que la propuesta de uno no es mejor que la de los otros, en tanto la otra propuesta realmente logró un mejor diseño que la de uno, eso también hace crecer”, expresó Mariam Briceño, al presentar la propuesta de esta edición el último día de clases. Porque aparte del reto de resolver el diseño de un artículo, el estudiante se enfrenta con el proyecto de la revista a trabajar cada uno de los contenidos con el objetivo de que sea el suyo el que sea elegido para estar dentro de la edición; sobre esto está la sana competencia y la humildad de reconocer que siempre hay quien da un paso más allá y es el que logra la diferencia. Pero al final queda el aprendizaje que es lo que nos permite crecer y retarnos para hacer de nuestro trabajo algo que cada vez sea mejor. En esta edición encontrarán más que artículos, experiencias vividas alrededor de la quinta edición del Festival Internacional del Diseño FID, y de la visita a la exposición de uno de los artistas más importantes del Renacimiento, el alemán Alberto Durero, realizada en el Museo del Banco Central. Encontrarán entrevistas a estudiantes y egresados de las carreras con experiencias como la participación que ellos tuvieron en el Nueva York Fashion Week y el éxito de un Blog alrededor del proyecto Peppermint de la egresada de nuestra Escuela Lisa Barquero, entre otros artículos de gran interés que espero puedan disfrutar. Juan Carlos Porras Martínez Director de la Escuela de Comunicación Visual

Presidente Ejecutivo Ronald Sasso Vicepresidenta Luis Diego Bolaños Concejo Editorial Juan Carlos Porras Eric Rodríguez Ana Lucía Ferrero Dirección de Arte Vicky Ramos Diagramación y Diseño Diseño Publicitario IV Arte Final Mónica Bastos Portada Andrea Hidalgo Redacción Ana Lucía Ferrero

Orgullosamente feo Andrea Hidalgo Ramírez Yo soy el patito feo. Cuando nací mis hermanos eran los bellos y yo era aquel bastardo que no encajaba en ningún lado. Cuando ellos hacían “quack” yo casi ladraba, si ellos nadaban, yo volaba...Yo era la última tajada de pan que nadie quería. Pasaba horas viéndome al espejo, tratando de entender por qué de todos había sido yo el feo. Alguien tenía que serlo, me decía a mí mismo. Con eso me consolaba. Pero con el tiempo llegué a darme cuenta de que lo feo es a lo que le tienen miedo por ser diferente.Es por eso que, ahora, al verme al espejo me veo bello. Ya no quiero ser un cisne. Porque en medio de las multitudes de patitos bellos, yo resalto, yo me distingo. Y todos ellos pueden tener plumas bellas y blancas, réplicas exactas. Yo, por mi parte, estoy orgulloso de ser el patito feo porque la vida me formó para ser original. ¡Quién sabe!… tal vez, algún día los patitos feos seamos los patitos bellos.

Por: Angie Pinzón

¿Qué se considera polémico hoy en día? Lo que llama la atención, algo que da de qué hablar; hoy les hablamos de uno de los talentos ticos que debido a su forma de expresarse mediante el diseño genera temáticas en la audiencia; es imposible pasarla por alto. Se sabe que hoy el Mercado del diseño se encuentra saturado por mucho talento, parte de este talento se pierde entre tanta competencia y otros incluso no llegan a darse a conocer. Es por eso que tener visión y un estilo diferente es muy importante para que el diseño sea visto. Destacar y ser memorable son de los principios básicos que enseñan los profesores en la Universidad. El tener un estilo propio y no tener miedo a desafiar lo tradicional se aprende también, a lo largo de la Carrera. Stephanie Chaves, por su parte, ha desarrollado un mensaje audaz y claro por el cual es actualmente reconocida. Stephanie es una Diseñadora tica que comunica un mensaje para las personas de mente abierta; comparte su visión del mundo a través de las ilustraciones, así como su punto de vista respecto a los derechos de la mujer en nuestra sociedad. 6

En su discurso defiende los ideales de una comunicación abierta entre el hombre y la mujer dejando de lado el machismo, la opresión, los prejuicios sexuales y la discriminación. Su deseo es cambiar una sociedad tica, que ella considera de mente cerrada, mediante sus diseños, que a menudo son percibidos como grotescos y políticamente incorrectos por no encajar dentro de la visión de la sociedad. Stephanie considera que “no tiene filtro social” en sus ilustraciones ni en su forma de expresarse, y que ella es abierta en su manera de pensar, por lo que lo ha incorporado poco a poco en su diseño, que le habla a una sociedad joven. Posiciona la sexualidad tanto masculina como femenina en lo cotidiano para no catalogarlo como tabú. Sus diseños son llamativos tanto en su paleta de color como en su técnica. Utiliza colores vibrantes y llamativos, muchas veces fusiona características animales en sus ilustraciones y le gusta jugar con las texturas y con la repetición de imágenes para crear un concepto muy personal que logra prevalecer en la mente de su público objetivo.

Conforme a la aplicación del color, a Stephanie le gusta siempre tener sus trabajos en tres paletas de color diferentes y utiliza el que mas le llame la atención y contraste más con el tema que está tratando en la ilustración. Ella pone a prueba qué tanto le impacta su trabajo y es así como escoge el diseño final con su paleta de color respectiva. Los colores deben ser vibrantes porque ella se describe a sí misma como dispersa y con poco rango de atención y memoria. Según su perspectiva, si el trabajo le queda plasmado a ella le puede impactar a cualquier otra persona. Stephanie es consiente de que su trabajo transgrede normas y es por eso que le gusta que sus colores no sean tan “agresivos” como el contexto de su arte.

Stephanie se inspira en la vida cotidiana de una mujer tica, en cómo es sentirse acosada por los hombres en toda red social y en las calles, en sus deseos de dejar atrás este tipo de opresión, tratando de presentar la figura femenina como algo bello a su manera. Se siente indignada por vivir aún hoy en día en una sociedad donde la mujer es reprimida, en una sociedad donde la mujer sigue permitiendo este trato, en una sociedad con doble moral. Por eso, en sus objetivos contempla el lograr con su arte que lleguemos a hablar de nuestros gustos sexuales como cualquier otro gusto y que no se discrimine por nuestro género a la hora de hablar, que todo sea por igual y que no provoque molestia.

“Su discurso es agresivo: ella necesita que sus diseños sean escuchados y que éstos hagan ruido por sí solos.”

Se considera a sí misma como una artista erótica, que promueve el sexo y nos invita a hablar de ello, a disfrutarlo sin “tapujos”. Sus exposiciones, muchas veces internacionales, han logrado llamar la atención de la prensa e incluso ha sido censurada. Comenta que no se siente mal al respecto porque ha visto un cambio creciente en la mentalidad de las personas, en su forma de reaccionar ante su diseño. Y aunque le es triste ver que muchas personas aún no están listas para aceptarlo cree que en un futuro lo van a estar. De cierta manera le gusta que su diseño sea censurado ya que sabe que esta creando polémica y que así como hay personas que se quejan, hay personas que lo alaban y se sienten identificados con su forma de pensar.

Su ideal es llegar a ser una artista que no sea considerada fuera de lo común pero que logre destacar. Nos invita a expresar nuestras ideas y formas de pensar sin importar el qué dirán. Al principio de su carrera se vio enfrentada a muchos obstáculos que le iban poniendo, al rechazo de los demás por mostrar una idea fuera de lo común. Pero con mucho esfuerzo y firmeza a la hora de comunicar su concepto logró hacerse un nombre en una sociedad llena de talento tico, que si bien es muy bueno, no trata temas como los que ella expone. No solo se siente con poder como ilustradora sino como mujer, ya que se considera a sí misma defensora de la igualdad de géneros, y debido a que su arte proviene de una mujer joven costarricense ha logrado tener éxito.

“Stephanie ve un futuro prometedor para todos los diseñadores que quieran expresarse de manera libre y sin autocensurarse por miedo al rechazo.”

Actualmente se encuentra promoviendo un proyecto llamado “Expo Erótica” el cual, al ver la reacción del público, realizó nuevamente. En esta expo no sólo se muestran sus obras sino también filmes eróticos (no pornográficos) y fotografías representando el tema. Es importante saber diferenciar lo erótico de lo vulgar y es por esto que ella habla de lo fundamental que es informarse acerca del tema para poder iniciar un cambio de pensamiento. Defiende todo tipo de pensamiento y gusto sexual de las personas siempre y cuando este gusto no lastime o afecte de manera negativa a otro ser vivo. El propósito de la exposición es intentar informar a los que llegan a ver y apreciar su arte.

En esencia, Stephanie nos enseña a no tener miedo de expresar ideales de la forma que queramos, la importancia de que nuestros diseños hagan ruido y se noten. Aunque debemos tener en mente que así como Stephanie defiende este punto de vista, existe un código de regulación publicitaria dicta que:

“La publicidad no podrá contener ninguna imagen, texto o sonido que ofenda o pueda ofender en forma seria o generalizada a un sector relevante de la población. Se deberá tener especial precaución para evitar ofensas con base en la raza, religión, género, nacionalidad, edad, orientación sexual o discapacidad física. Se respetará la intimidad de las personas. No se presentará la figura humana en situaciones indecorosas, deshonestas o agraviantes.” Por lo tanto, aquellos que se sientan ofendidos por sus prácticas artísticas o no concuerden con su visión son amparados por la ley, y al igual que hay muchos que comparten la perspectiva de Stephanie, los hay quienes no estén de acuerdo. Queda en sus manos. ¿Qué opinan ustedes acerca del tema?

Si gustan ver más de su trabajo, pueden visitar su blog: http://stephaniechavess.tumblr.com Diseño: Andrea Hidalgo

Sin perder la esencia Por Gabriela Ugalde

“Muchas de las bellezas de estas casas están en mal estado y necesitan de artistas o diseñadores especializados en recuperar lo que se pueda y arreglar el resto.”

En la ciudad se percibe un aire distinto en diferentes lugares que han comenzado a ponerse de moda por su singular ambiente antiguo o restaurado. Este tipo de diseño llama fácilmente la atención del usuario porque hace una combinación exquisita entre lo moderno y la esencia antigua de la historia de su edificación. En este artículo hablaremos un poco de cómo se comporta esta restauración, sus atractivos y de los muchos sitios en nuestro país que han implementado esta técnica para convertirse en un lugar concurrido. Puede que sea esta magnifica combinación de lo añejo con lo contemporáneo lo que atrae al público joven a sentirse un alma vieja en el siglo XXI. El proceso de restauración es lento, se necesita encontrar el lugar especial. Usualmente la localidad solía ser una casa burguesa que con

los años adquiere esa sensación de que está fuera de lugar, ya sea por su arquitectura o simplemente por sus materiales de construcción. Estas construcciones deben ser grandes, un lugar idóneo para botar paredes y que se sienta sus pasadas divisiones. Esto lo marca muchas veces su cambio de paredes o incluso su cerámica o tipo de piso. Muchas de las bellezas de estas casas están en mal estado y necesitan de artistas o diseñadores especializados en recuperar lo que se pueda y arreglar el resto. Además en ocasiones se necesita remodelar de cero para que el sitio siga estando acorde con el tiempo y que no se vaya a sentir una gran diferencia entre su estilo y el entorno, pero es en esa mezcla donde se esconde lo interesante de esta técnica y su gran atractivo. La ex alumna de la Universidad Véritas Verónica Alvarado, después de haberse graduado de Diseño de

Interiores, decidió especializarse en Conservación y Restauración de obras de arte y bienes culturales en el instituto español E.C.R.A (Servicios Integrales de Arte) situado en Madrid, España. En esta Escuela se imparten diferentes cursos de restauración tanto de cuadros, esculturas, cerámica, vidrio, edificios históricos, grabados y arte contemporáneo, entre otros. Así como este Instituto, existen otros importantes en la industria que especializan a las personas en este trabajo como lo son el Istituto Superiore per la Conservazione ed Il Restauro en Roma, Italia y The Hispanic Society of America Museum and Library en Nueva York, Estados Unidos. Es importante saber la gama de escuelas que existen a nivel mundial que enseñan diversas técnicas del arte y que son realmente desconocidas para las personas y de gran auge en el mercado nacional. El provecho que se le puede sacar a un curso así trasciende al hecho

de crear un lugar popular; implica la utilización del material a un cien porciento y nuevas ideas para diseñar lo inimaginable. Es importante saber que si uno es contratado para hacer una remodelación de esta magnitud se debe tener el conocimiento previo, ya que muchas veces se manipulan piezas delicadas que necesitan de cierta seguridad durante y después de realizada la restauración. Los resultados son asombrosos, gracias a la mezcla de tiempos, sabor, visualización y ritmo del espacio. Cuando hablamos de sabor, nos referimos a los alimentos. Existen tantos restaurantes con esta tendencia que aunque sean muchos se siguen distinguiendo de los demás. Algunos que vale la pena mencionar son por ejemplo el nuevo restaurante Saúl Bistro en Escazú, que tiene una serie de ambientes combinados con la fachada antigua de la casa de adobe y la naturaleza que lo acoge.

Es una especie de santuario con mínimo 4 ambientes que vuelven al lugar tan acogedor que no queda más que escuchar música y disfrutar de la comida.

“Una atmósfera perfecta para crear un interior de estética vintage” -DiseñoyArquitectura (Blog de diseño)

Otro ejemplo es el restaurante Costa Rica Beer Factory Inc. que de igual manera era una casa grande y espaciosa, con pisos de madera, muebles añejados con una cantidad grande de artículos upcycled (la creación de piezas funcionales con materiales de reciclaje) que nunca pueden faltar en este tipo de ambientes, ya sea en sus mesas, techos o decoración de paredes, bares y baños. Todo se ha resaltado mediante la aplicación de barnices especiales como con luz tenue que fortifica el poder de lo antiguo. Además de estos dos restaurantes exitosos también podemos ver este concepto aplicado a bares en la GAM como lo son el Steinvorth y el Hoxton. Ambos eran edificios grandes que fueron recuperados de sus escombros para crear un ambiente único con estampados, lámparas, escaleras, techos y ventanas que transportan al usuario a otra época fina mezclada con la callejera y lo trendy del momento. Lugares acompañados de cervezas artesanales, comidas vegetarianas y exóticas, música alternativa e Indie le dan vida a cada espacio renovado. La clave es reciclar, transformar

y convertir cada pieza en una obra de arte. Son lugares llenos de historia que mágicamente funcionan como lugares para disfrutar en compañía. Este tipo de diseño está siendo incorporado a muchos apartamentos y edificios en Nueva York y otras ciudades que necesitaban que sus espacios siguieran siendo modernos y costosos, pero el tiempo los había empezado a consumir. Muchas personas se inclinan en la actualidad ante esta mezcla de estilos por encima de lo minimalista y moderno que hace las casas frías y vacías; por lo contrario, estas remodelaciones producen calidez y comodidad en los consumidores y ahorran muchos costos a la hora de construir. Se trabaja con lo que se tiene y se implementan muy pocas cosas nuevas que muchas veces también son de segunda mano. En conclusión, ésta es una tendencia que ha venido con fuerza y está para quedarse. No solo abarca diseño de interiores sino un gran grupo de profesionales que unidos pueden transformar una casa en escombros en un hotel de lujo, o una tienda, una marca de ropa, un restaurante, etc. Lo más importante es prepararse para usar lo que se tenga a mano y conservar la esencia perfecta de lo añejo y lo actual.

Referencias Bibliográficas Página consultada el 25 de mayo del 2015. E.C.R.A Servicios Integrales de Arte. http:// www.ecra-arte.com Página consultada el 25 de mayo del 2015. Istituto Superiori per la Conservazione ed Il Ristauro. http://www.icr.beniculturali.it/ pagina.cfm?usz=1 Página consultada el 26 de mayo del 2015. The Hispanic Society. http://www.hispanicsociety.org/hispanic/main.htm Página consultada el 26 de mayo del 2015. Saúl Bistro Costa Rica. https://www.facebook. com/SaulBistroCostaRica?fref=ts Página consultada el 26 de mayo del 2015. Costa Rica Beer Factory Inc. https://www. facebook.com/CostaRicaBeerFactory?fref=ts

Diseño: Andrea Hidalgo

Buscar referencias

Voy a tener suerte

Por: Ignacio Campos Solano.

Normalmente cuando se nos asigna un trabajo se realiza una investigación acerca del tema.

Es común investigar qué se ha hecho al respecto, estar al tanto de las nuevas tendencias e inclusive observar la tipografía más utilizada entre colegas.

En esta investigación la mayoría busca referencias para no caer en lo mismo, mientras otros buscan el camino rápido. Cuando muchos trabajos son similares los percibimos como poco originales y nos aburren. Por lo tanto hay que definir unos términos antes de juzgar si estamos frente a un plagio o coincidencia creativa. La referencia, como la palabra lo dice, es nuestro punto de referencia. Se podría decir que es analizar el

terreno, nos ponemos al tanto de lo que hace la competencia, las nuevas corrientes en el diseño y esta información se analiza para ver qué puede ser beneficioso para nuestra campaña. Podemos encontrar casos de éxito o ver cómo las personas van a responder mejor a nuestra campaña. Aquí cabe cualquier tipo de inspiración, ya sea una experiencia cotidiana, una palabra o una imagen. Todas son válidas, lo importante es buscar cómo diferenciarse y destacar.

De acuerdo con la Real Academia Española, cuando hablamos de plagio Por último, la manera forma parte de las piezas y componentes de nos referimos a copiar el trabajo ajeno y presentarlo con créditos propios. No hay nada peor para la reputación de un diseñador que ser acusado de plagio o que perciban nuestro trabajo como tal. No se puede usar siempre la excusa de “ya todo está inventado”. Tampoco hay que caer en la publicidad adaptativa, pues ¿para qué vamos a reutilizar ideas de campaña realizadas hace cuatro años en el extranjero? Así que agradezcamos por un momento a los derechos de autor. De acuerdo con Sergio Bravo, hay tres puntos importantes que tomar en cuenta para realizar una campaña: el recurso, el tono y la manera. Se podrían considerar estos tres puntos también como los identificadores de un plagio. Cuando

hablamos de recurso nos referimos a todo lo que vamos a utilizar para realizar nuestra campaña, por ejemplo: fotografías, ilustración, tipografías, etc. Mientras que el tono se refiere a cómo queremos transmitir ese mensaje.

Dependiendo de qué es lo que queremos que las personas perciban de ésta, vamos a utilizar un tono divertido, misterioso o formal.

la campaña, sería la manera en que se elaboró la campaña. Después de estas recomendaciones que te hemos dado, esperamos que las personas comiencen a retar su creatividad y salirse de lo convencional. No queremos que nuestra profesión se vuelva algo aburrido para las personas; está en nuestras manos como diseñadores esta labor. Como menciona Cooper (2014) en su artículo para Fast Company “El conocimiento por sí solo nos es útil, de no ser que podamos hacer las conexiones entre lo que ya sabemos.” Así que una buena manera de nutrir nuestra creatividad es llenándonos de nuevas experiencias que nos inspiren a explorar nuevos horizontes.

Buscar referencias

“¿Para qué vamos a reutilizar ideas de campaña realizadas hace cuatro años en el extranjero?” Diseño: Andrea Hidalgo

Referencias Bibliográficas : Cooper, B. (2014, June 18). The Secret To Creativity, Intelligence, And Scientific Thinking., Recuperado de http://www.fastcompany.com/3031994/the-future-of-work/the-secret-tocreativity-intelligence-and-scientific-thinking

Mo Cost

oda en ta Rica Por: Alberto González Sancho

“Abre un espacio en nuestras mentes para aclarar que en Costa Rica hay moda, que “aburrido” es una palabra que se aleja de nuestro vocabulario.”

Cuando pensamos en moda, se nos viene a la mente pensar en lugares como París, New York, Japón, España e incluso Los Ángeles, CA. Pero no pensamos en países como Costa Rica; en realidad es el último que hubiéramos elegido para hablar de la moda actual. Como ticos, a veces no apostamos por nuestro país para referirnos a cosas que se dan en países cosmopolitas, lo cual nos lleva a una triste y equivocada realidad, pero ya en el año 2015 este tema ha cambiado radicalmente en nuestro país. Costa Rica cuenta con grandes diseñadores, personas como usted o yo, que decidieron arriesgar su nombre y poner en alto el concepto que se tiene de que en este país no hay material para hacer diseños ni eventos para mostrar la moda. Tenemos una amplia lista de diseñadores costarricenses, hombres y mujeres, que diseñan desde joyería hasta las prendas de vestir más excéntricas, con las últimas tendencias de acuerdo a la

temporada en que éstas se diseñen. Un tema importante que aclarar es que las prendas que vemos en pasarelas internacionales, hechas por los diseñadores más importantes y de renombre en el mundo de la moda, muchas de las veces no son prendas que podamos encontrar en nuestro armario, ya que nos parecen muy locas, muy atrevidas, o muy extravagante, y decimos, ¿cómo alguien puede usar eso? ¿en qué evento tendría que estar para usar estas piezas? Lo que no sabemos es que todo diseñador en su carrera artística, lanza al menos una línea o una colección extremadamente

salida

los

estándares dictados por la sociedad, y es ahí cuando las vemos y pensamos que eso no es “usable.” Esto es completamente cierto, al menos que seas un artista pop y esas prendas sean parte de un show. 19

Pero aclarando esto, nos llena sumamente importante en nuestro Este diseño provocó desde comentarios de alivio saber que cuando estos país, ya que impulsan lo que es el constructivos hasta destructivos hechos conceptos salen, no quiere decir que diseño nacional e internacional, el diseñador se volvió loco y nunca imponen tendencias, facilitan tips de por los “haters” con más influencia tendrá éxito en su carrera, ya que sus belleza, y nos hacen sentir más cerca en el país, como la actriz Coco Vargas productos no son de nuestro agrado, de los diseñadores. Hay de ellos en sino al contrario, nos deja saber de todo el mundo, pero En Costa Rica que cuenta con un blog, donde no qué podría ser capaz, del uso de se han convertido en grandes fichas tiene miedo de decir hasta la palabra la creatividad al usar distintas telas, para los diseñadores más importantes estampados, y cómo logra mezclar , ya que hasta regalos reciben de más cruel. accesorios para que el diseño sea un las marcas más reconocidas, para Daniel Moreira hizo un grandioso éxito total. De la misma manera, pasa así hacer con los diseños un nuevo trabajo en este show del MBFWSJ, en Costa Rica. y distinto tipo de publicidad; los mostrando su más reciente colección blogueros cuentan con gran cantidad El evento de moda más importante de seguidores y han creado un público “Fénix en el palacio”, la cual contaba con vestidos de noche y vestidos de de Costa Rica, tiene un nombre y es el más extenso, futuros compradores de boda para aquellas que quieren lucir sus productos. espectaculares en su gran día, con Mercedez Fashion Week San José. precios realmente accesibles para En este evento se muestran grandes el público meta al que Moreira va Cuenta con una organización diseñadores nacionales como lo dirigido (rondando desde los $800 impecable, donde en tres días, se es el reconocido Daniel Moreira; hasta los $6000). muestran los trabajos de diseñadores en sus diseños no hay miseria: las nacionales e internacionales de más más finas telas, encajes, colores y alta calidad. texturas dicen presente en todos sus conceptos. Moreira fue el diseñador La respetada modelo y empresaria, estrella de este reinado de Miss Costa Leonora Jiménez es la encargada Rica, creando impactantes diseños de ponerle pies y cabeza a dicho para nuestra reina de belleza Karina evento, el cual cuenta con un equipo Ramos, quien nos representó de muy excelente de producción entre los buena forma en el certamen de Miss que están: maquillistas, estilistas, Universo. Moreira fue el encargado editores, blogueros, diseñadores de diseñar desde el traje de noche gráficos y publicitarios. que usó nuestra representante, hasta el dos veces confeccionado traje de Este año se llevó a cabo el MBFWSJ fantasía blanco de las críticas, ya que (Mercedez Benz Fashion Week San fue pintado a mano y no cumplió con José) reuniendo a todas aquellas las expectativas de muchos. personas que están empapadas de moda en Costa Rica, entre ellas, top models, farándula, fotógrafos, editores, medios, y blogueros, los cuales ahora tienen un papel

“Reuniendo a todas aquellas personas que están empapadas de moda en Costa Rica, entre ellas, top models, farándula, fotógrafos, editores, medios, y blogueros, los cuales ahora tienen un papel sumamente importante en nuestro país, ya que impulsan lo que es el diseño nacional e internacional”

Otro diseñador que dijo presente en el MBFW fue Oscar Hernández con su línea de accesorios para hombre bajo el nombre “Toribio” donde muestra su capacidad para romper esquemas y dejar de lado el pensamiento de que los hombres no usan moda. Su extensa línea de accesorios, entre ellos “clutch” (bolsos de mano) fabricados con los materiales más finos, “Toribio” utiliza pieles tratadas, pieles crudas y estampadas, lo que da gran versatilidad a sus diseños y es lo que hace a este gran diseñador destacarse. Lleva un sello en que se siente el relieve de la marca, impone fuerza en sus conceptos y muestra que llegó para quedarse. Mostrándonos su gran profesionalismo, llega el diseñador que nos hace suspirar cuando nos referimos a diseño: el inigualable AMO Y SEÑOR. Bajo el concepto de indumentaria muestra su estilo vanguardista, el cual abre un espacio en nuestras mentes para aclarar que en Costa Rica hay moda, que “aburrido” es una palabra que se aleja de nuestro vocabulario. Hablamos de el diseñador Eric Mora Cole, quien proyecta una línea infinita al futuro mostrando frescura y equilibrio. Dejando a un lado lo que son las prendas de vestir, abrimos espacio para una joven que ha impuesto moda, versatilidad y estilo propio en todos sus diseños; hablamos de la diseñadora de joyas Jimena Esquivel. Ella, al igual que los demás, empezó a diseñar por pasión, llevando sus originales diseños a triunfar y hacer de su nombre, una marca. No hay nada mejor a la hora de crear un outfit, que los accesorios correctos y la joyería

acertada para hacer armonía en el estilo. Las joyas dicen mucho de una persona, casi para citar: “dime que joya andas y te diré quién eres”. Así que el uso de joyas se volvió crucial a la hora de elegir qué ponernos. Jimena Esquivel utiliza piedras minuciosamente escogidas que hacen de cada estilo algo único; esta última característica es crucial al referirnos a una pieza de Jimena Esquivel. Ella ha puesto muy en alto lo que es el diseño costarricense, que se ha hecho parte de todo guardarropa de aquellas mujeres que quieran sobresalir en su diario vivir. Por último pero no por esto menos importante, hay que mencionar el arduo trabajo que han hecho los diseñadores al crear revistas que traten los temas de moda, estilo y diseño. Con un formato sumamente llamativo se crea la revista Traffic, que muestra las más fuertes tendencias de la moda, al estilo de las revistas internacionales de alto calibre como lo son Vogue y Glamour, mostrándonos que no hay nada que envidiarle a éstas. La producción de Traffic, está bajo los más altos estándares de moda, llevando a editores reconocidos a participar en dicha revista; también hay blogueros sacando provecho de su gran e imponente estilo, sacando las prendas que están en boga, junto a los accesorios ideales para estar en tendencia como los países de las “ grandes ligas” en cuanto a moda.

Maquillistas, estilistas y fotógrafos, hacen un gran trabajo al explotar la gran belleza de las y los modelos en Costa Rica, sacando provecho de compañías de modelaje como lo son IMM y HSM al usar a sus integrantes para las producciones de la revista. Leonora Jiménez tiene un papel muy importante en Traffic, llevando a cabo su trabajo de dirección editorial, imponiendo su fuerte estilo, así como realizando su trabajo de impulsora de la revista. De paso, también impresiona con su belleza y profesionalismo a la hora de modelar; Leonora nos regala cada cierto tiempo una mirada a su trabajo como modelo, dejando en alto el nombre del país. Hay que hacer referencia también a

modelos que están fuera de Costa Rica trabajando para marcas muy reconocidas como lo es la inigualable Juliana Herz(Lisa Blue Swimwear Campaña 2015 Santorini,Grecia), imponiendo el sabor latino “made in CR” en los distintos continentes por los que deja su rastro. Así que al hablar de moda no menospreciemos a nuestro país, sabiendo que hay personas luchando por dejar a Costa Rica en un lugar muy alto. Diseñadores sobran, lo que nos falta es el debido reconocimiento y apoyo de parte de los nuestros.

“Diseñadores sobran, lo que nos falta es el debido reconocimiento y apoyo de parte de los nuestros.”

Diseño: Andrea Hidalgo

Por: Carolina Gómez Hacer ejercicios ha pasado por una serie de pasos a lo largo del tiempo. Desde ser un pasatiempo, a una disciplina, hasta una moda; pero hoy en día lo presenciamos como un estilo de vida. La rama de deportes y maneras de ejercitarse ha venido variando y expandiéndose también con el pasar de los años, lo cual permite jugar con los distintos diseños de ropa y accesorios que se disponen para utilizar en cada uno de ellos. De los primeros deportes que se practicaron y que poco a poco fueron definiendo un estilo en la manera de vestir fueron el golf, tenis, polo, entre otros. Dichos deportes se veían caracterizados primeramente por su elegancia, pero gracias a la búsqueda por la comodidad y practicidad en el deporte, fueron variando. 26

La manera más común de vestir para practicarlos era utilizando colores claros, como por ejemplo, pantalones livianos de tela blanca o crema, camisetas con cuello y acompañadas por un sweater con cuello ‘V’ con una distintiva costura trenzada. Con el pasar del tiempo, se reconoció que era una manera poco cómoda para entrenar, entonces los pantalones fueron cambiando por shorts y ya no se utilizaban sweaters. En lo que fue la moda masculina, la marca que primero tuvo impacto en la industria fue Lacoste.

Dicha marca nace del gran jugador de tenis Jean René Lacoste y sus diseños se mantienen hasta la fecha. En cuanto a moda femenina, se comenzó a notar una moda inclinada a un ‘look’ más o menos masculino, y lo único prácticamente distinto era la parte de abajo, que en vez de pantalón utilizaban faldas largas de paletones; pero toda la parte superior era muy similar al uniforme de los hombres. Después de crear tendencias de modas no prácticas en épocas antiguas, ahora nos desplazamos a cuando el deporte se consideró una disciplina. El ejercicio y los deportes se volvieron selectivos; la ropa comenzó a ser diseñada solo para cierto tipo de personas, pero a la vez comenzaron a aparecer más accesorios deportivos.

No existía mucha variedad de diseños, más que solo lo funcional, diseños básicos, genéricos y prácticos. Los accesorios que acompañaban ahora al deportista eran para hacer que cualquier cosa que se hiciera durante el entrenamiento físico fuera más sencilla y no quitara tiempo de la rutina. Es así como salieron a la venta las botellas de agua de fácil uso, ropa más cómoda, zapatos adecuados para todos los distintos tipos de usos que se le vayan a dar, bandas de pelo que retienen el sudor, entre otras muchas más. 27

De nuevo cabe recordar que en esta fase había variedad de artículos, más no variedad de diseños. Es así como pasamos a la tercera etapa del ejercicio: la moda. Las rutinas de ejercicio y los diferentes estilos de deportes comienzan a tomar una nota atractiva para todos aquellos no deportistas. Sus cuerpos llaman la atención por lo que más personas se involucran en este mundo, pero no por las razones correctas; por el momento todo se sigue tratando de la manera de proyectarse como persona a la sociedad. Comienzan a nacer ‘trends’ como los colores fosforescentes; las camisetas que en un momento fueron prácticas nada más, ahora toman formas diferentes y llamativas. Ahora tanto los hombres como las mujeres exponen su cuerpo de diferentes maneras para atraer o resaltar más dentro de este mundo tan competitivo. Ya no solo se trata de practicidad, sino de lucir bien. Todas las compañías ven este momento como una ventana de oportunidades infinitas, amplían sus inventarios, varían diseños, tallas, colores, e inventan hasta nuevos aparatos para no solo facilitar la ma-

nera de practicar el ejercicio, sino que también para imponer una moda. Es común que todo lo bonito llame la atención, pero las personas siempre se encuentran en constante cambio; es por eso que las modas van y vienen. Es así como llegamos al presente, el famoso estilo de vida. Ya muchos probaron la moda del ejercicio, muchos se fueron al igual que van pasando las tendencias, pero muchos otros permanecieron ya que vieron una oportunidad de salud y mejora de estilo de vida en la práctica de un deporte. ¿El lado positivo? Ya están las cosas bonitas, ya está definida la funcionalidad de las piezas. Hoy en día tenemos no solo variedad de diseños, sino que también fácil acceso y comodidad en las piezas que se vayan a usar. Es interesante ver cómo el diseño se refleja en tantas cosas y cómo ha estado y seguirá estando en constante cambio. Es por eso que siempre es importante informarse de todos los cambios que han ocurrido, para así mantenerse a la vez actualizados de los que están por venir.

Diseño: Andrea Hidalgo Referencias Bibliográficas Fashion Encyclopedia. (n.d). Retrieved from http://www.fashionencyclopedia.com/fashion_costume_culture/Modern-World-1919-1929/ Sportswear.html History of Athletic Wear in Photos. (2013, January 17). Retrieved May 26, 2015, from http:// joyfitnessandstyle.com/2013/01/17/history-of-athletic-wear-in-photos/

para palmarla en la U

Tips

1. Preparar los materiales y dividirlos Un día antes de el día de la palmada, es importante organizarse bien. Planear con anticipación quién lleva qué y dividirlo justamente.

CRONOGRAMA

CRONOGRAMA CRONOGRAMA

Cuando se acerca el final del cuatrimestre y se acumulan los trabajos finales, a veces es necesario quedarse largas horas en la U trabajando. Para lograr una mejor experiencia te damos los siguientes tips. Por: Sofía Mora F.

2. Pedir una clase

3. Llevar ropa cómoda

Este tip es fundamental. Se puede pedir una clase en registro hasta la hora que uno necesite. Se crea un espacio de trabajo más íntimo y personalizado. Se puede utilizar la clase como un pequeño taller de diseño, en el que fluyen las ideas libremente y no hay que preocuparse por estar molestando a otros CRONOGRAMA estudiantes de la Universidad. Es importante pedir la clase a primera hora en la mañana, ya que en las últimas semanas del cuatrimestre se van como pan caliente.

Entre más cómoda sea la ropa, mejor. En una palmada se pasan horas y horas en la U, por lo que sentirse cómodo realmente puede ayudar a mejorar la experiencia. No olvidar un buen sweater, ya que ya sea en una clase o en los laboratorios, la noche se hace larga y fría.

AULA #221

CRONOGRAMACRONOGRAMA

AULA #221

4. Llevar comida

5. Hacer un cronograma

6. Tener una buena actitud

La comida hace todo mejor. Tener una reserva de comida para picar y dulces es una muy buena idea para sobrevivir la noche. También existe la posibilidad de pedir comida exprés. Es importante planear esto porque los lugares cerca de la U los cierran a cierta hora de la noche, así que es mejor traer provisiones.

La organización es fundamental. Después de horas y horas de estar en la U, uno se empieza a bloquear mentalmente. Llevar un cronograma ayuda a ver qué tan rápido se está avanzando y a tener claro todo lo que se tiene que realizar.

Todos saben que no hay nada más cansado que palmarla. Y palmarla en la U es tres veces más cansado. Sin embargo, es importante mantener una buena actitud toda la noche. Trabajar en un ambiente tenso y hostil es muy desgastante. Los miembros del grupo se deben apoyar y respetar todo el tiempo. Con una buena actitud se logra tener una mejor disposición y el trabajo sale más rápido y mejor.

CRONOGRAMA CRONOGRAMA

7. Poner música

8. Hacer descansos AULA #221 AULA #221

Muchos estudios aseguran que la música relaja y aumenta la concentración. Así que la música puede ayudar a mejorar la dinámica del trabajo. Si con anterioridad se pidió una clase, se puede poner música para todo el grupo y de esta forma lograr un ambiente relajado.

Hacer descansos es importantísimo. Si se trabaja demasiado sin descansar, el cerebro se bloquea. Si es posible trabajarCRONOGRAMA en diferentes cosas del CRONOGRAMA trabajo después de cada CRONOGRAMA descanso, se logra que el cerebro se despeje aún más. En el cronograma, se pueden programar los descansos. Por ejemplo, después de cada dos horas, hacer 20 minutos de descanso AULA #221 AULA #221 y así sucesivamente como el grupo crea necesario. AULA #221

9. Escoger un buen grupo de trabajo Por último, para lograr que la palmada sea lo más agradable posible, es importante escoger un buen grupo de trabajo. Un grupo en el que las CRONOGRAMA personas se lleven bien y trabajen todos equitativamente. Pero en fin, si no se pudo escoger un buen grupo, siempre están los 8 tips anteriores para hacer de la palmada la mejor experiencia posible.

AULA #221

Revisá que estés listo para palmarla: Diseño: Andrea Hidalgo

Referencias bibliográficas Correa, E. (2010). Los beneficios de la música. Recuperado de http://www.csi-csif.es/andalucia/ modules/mod_ense/revista/pdf/Numero_26/ERNESTO_CORREA_2.pdf González, M. (2009). Enseñar a estudiar. Estrategias y técnicas de estudio. Recuperado de http:// www.csi-csif.es/andalucia/modules/mod_ense/ revista/pdf/Numero_24/M_ANGELES_GONZALEZ_LUQUE1.pdf

La comida es... Por: Karina Ramos

Comer es uno de las pocas actividades que logra involucrar los 5 sentidos del cuerpo humano. La presentaci贸n entra por la vista, el aroma del platillo por el olfato, la textura por las manos y el paladar, el sonido de texturas y ambientaci贸n por el o铆do y el sabor por el gusto. Pocas actividades hacen que los sentidos se involucren y funcionen como un todo. Por esto mismo la comida no es solamente para comerla sino para embarcarse en toda una experiencia.

La comida es definida como el conjunto de sustancias alimenticias que se consumen en diferentes momentos del día; no obstante es una actividad que se realiza con fines fruitivos o gratificantes. Comer por comer es fácil, tendemos a comer y salir del paso por la rutina tan ajetreada que se vive actualmente. Fisiológicamente está bien: se desayuna, se hacen dos meriendas al día, almuerzo , cena y pare de contar. Pero para las personas como yo, y no puedo ser la única persona, comer no significa sentarse en una mesa y consumir los alimentos solo porque sí.

La comida es amor Comer es toda una experiencia, es algo que logra involucrar cultura, familia y hasta amor. ¿A qué me refiero con esto? La comida es una de las actividades que logra reunir a las personas, que las hace compartir y sentarse en una mesa para unirse y disfrutar. Tanto en reuniones o fiestas familiares como en restaurantes o actividades, el centro de unión siempre será la hora de la comida. Es el momento en el que todos paran sus actividades personales, se reúnen en un mismo lugar y comparten algo en común. La comida es amor, y el amor es comida.

“No hay amor más sincero que el amor por la comida. “ - Georges Bernard Shaw Este pensamiento tiene toda la razón, ya que esta actividad demuestra que al cocinar uno desprende amor y cariño en lo que se está haciendo. Este pensamiento puede sonar un poco irreverente para las personas que no ven el grado de cariño y dedicación que tiene la comida y al significado de unión y la actividad de compartir que esto conlleva.

“Cuando cocinas para alguien, estas entregando una parte de ti, entonces sí, la comida es amor.” -Michael Martichelli. Todos estuvimos presentes mientras se cocinaba algo alguna vez en nuestras vidas; no todos cocinamos y somos astros de la cocina pero por lo menos hemos visto a algún familiar preparando algún platillo en alguna ocasión importante. Siempre que hay alguna actividad, fecha, ocasión especial la importancia se ve reflejada en lo que se cocina. Jamás la comida de un almuerzo familiar o un domingo casual será la misma que una comida de Nochebuena en Navidad. Horas y horas de preparación y detalle, demuestran el cariño que se le pone a un manjar como los que se sirven para estas ocasiones.. El paladar se vuelve cada vez más caprichoso y busca que lo asombren con comidas nuevas y exóticas, pero la comida hecha con amor siempre tendrá un encanto que dejará feliz y contento al consumidor. Por esto mismo la comida no es solo para comer sino para compartir, disfrutar, sonreír y gozar; y lo más importante: la comida es amor.

La comida es diseño El diseño siempre se ha relacionado con las gráficas visuales, productos, edificaciones y demás. No obstante el diseño está en todo lo que hacemos, vemos y vivimos diariamente. Uno de los diseños que más ignoramos y al que no se le da el mérito correspondiente es la comida.

Piénselo bien la comida es como cualquier otra disciplina del diseño. Se inicia con un concepto inicial, se hace un plan de trabajo, se buscan los componentes necesarios para su diseño, se trabaja con el balance de sabores, el equilibrio entre sustancias, se tiene un conocimiento previo acerca de las técnicas que hay que utilizar, se plantea un diseño visual en el plato, luego se da a degustar y se espera su retroalimentación.

Lastimosamente el comer en sí no se lleva el crédito que merece, dejando de lado el mérito que sí se le da a la gastronomía profesional. Hablo de la gastronomía y cocina que nace por amor puro a la comida. De esos restaurantes que tienen el núcleo en la familia, en las personas cercanas. Estos que nacen para poder compartir su amor con otras personas. En los últimos años la comida ha ido revolucionando la manera en que pensamos, vivimos y comemos hoy en día.

Las personas se han vuelto más conscientes y demandantes a la hora de comer.

La revolución gastronómica en San José está en auge; en el pasado año se ha visto un incremento sustancial en los cafés, pastelerías artesanales, restaurantes que buscan representar la cultura costarricense y compartir el amor que la comida puede darle a otra persona. Uno de los lugares que ha tenido mayor relevancia en esta revolución gastronómica es “El Paseo Gastronómico La Luz”. Así como suena: es un paseo, una calle en medio de Barrio Escalante llena de distintos restaurantes y lugares que le dan vida a San José mediante la gastronomía de alta calidad. Entre algunos restaurantes que podemos nombrar están: Beer Factory, Lounge, Keidas Bar Restaurante, Luna Roja, Olio y el Ristorante Italiano L’Ancora.

A continuación se explicarán los atributos más fuertes que resaltan en cada lugar y que logran darle vida al Barrio Escalante en el Paseo Gastronómico de La Luz.

Beer Factory

Keidas Lounge, bar restaurante

Un lugar distinto en medio de San José donde se pueden disfrutar de deliciosos almuerzos, aprender sobre la cultura de la cerveza y saborear variedad de platillos. El bar cuenta con más de 100 tipos de cerveza y la cocina prepara platillos creativos estilo gourmet para ofrecer múltiples opciones de maridaje.

Se centra en un menú ejecutivo con 40 opciones diferentes diarias. Perfecto para los que disfrutan de tardes de café o vino, cenas o tapas con deliciosas bebidas con música en vivo o de conciertos.

Ristorante Italiano L’Ancora, Da Ciro

Un restaurante que logra brinda un gran variedad de almuerzos, cenas, bebidas y cafés a todos sus clientes.

Una excelente opción para quien desea vivir una auténtica experiencia culinaria 100% italiana de la mano del chef y propietario Ciro Genova, quien entrega su pasión por la comida y la atención personalizada, creando la perfecta atmósfera para disfrutar el encanto de las verdaderas costumbres gastronómicas y hospitalidad italiana.

Restaurante Olio

Restaurante Luna Roja Consiste en un acogedor espacio donde se puede disfrutar de un menú de comida tradicional, regional y de innovación.

¿Por qué se considera la comida diseño? El diseño de comida es ese diseño que se derrite, que explota, que empuja, que es espumoso y que mezcla y rearma lo que conocemos como gastronomía; es lo que logra transformar y crear algo nuevo que nunca antes había existido en términos de sabor, consistencia, temperatura, color, textura y experiencia. Como cualquier diseño al innovar estamos creando, pero al compartir y al experimentar cosas nuevas estamos diseñando. Estos restaurantes han ido diseñando experiencias que han logrado que las personas de Costa Rica disfruten de una experiencia de comida y diseño excelente. 35

La comida nos une En Costa Rica la gastronomía ha tenido un auge espectacular en los últimos años . El poder que tiene la comida para unir a las personas es increíble, logra reunir a miles de personas y crear experiencias mediante festivales, fiestas, reuniones, almuerzos. El Paseo Gastronómico La Luz ha logrado darle vida a Barrio Escalante y por esto mismo este 2015 se dio el primer Festival Gastronómico Nacional, donde participaron todos estos restaurantes anteriormente mencionados; fue un punto de encuentro donde se compartió música en vivo, degustación de comidas y bebidas, venta de comidas, conferencias y exposiciones de arte. Se logró reunir a miles de personas que disfrutaron de buena compañía, excelente comida y fomentaron la cultura de nuestro país. Y todo empezó con una simple comida. Siempre se andan buscando maneras de cómo lograr comunicarse con las personas; en diseño se buscan maneras de cómo interactuar con el público meta sin darnos cuenta de que una de las mejores maneras de llamar la atención y reunir a varios grupos de extraños está frente a nuestros ojos: porque la comida es amor, la comida es diseño y la comida nos une.

Diseño: Andrea Hidalgo Referencias Bibliográficas iFoodDesign (2014). iFood Design International Food Design Society. Consultado en http://ifooddesign.org Ray, K (2015). Food, Culture and Society. Consultado en http://www.food-culture.org/ fcs-journal/ ScoulaDesign (2014). Food Design. Consultado en http://www.scuoladesign. com/master/food-design/ Steel, C (2009). How Food Shapes Our Cities. Consultado en https://www.ted.com/talks/ carolyn_steel_how_food_shapes_our_cities

Fotografías ibereco.com planetarunning.es wikimedia.org

Cada vez que vamos al super mercado nos topamos con una infinidad de marcas y productos que muchas veces ni siquiera conocemos o habíamos visto anteriormente, al haber tantas opciones se dificulta la toma de decisiones a la hora de comprar un producto por más simple que sea. Con tantos productos en el mercado, el diseño de los empaques ha convertido en un factor muy importante a la hora de comprar. Como diseñadores, creativos y 38

publicitarios debemos tener presente que el packaging tiene como objetivo primario atraer la atención de los clientes y ser la principal y más directa comunicación con el consumidor. La presentación de un producto es fundamental, tanto es así que puede ser un factor determinante del éxito o el fracaso de un producto. Aunque se realice mucha publicidad, y aunque sea superior a las demás macas, el consumidor decide qué comprar cuando está delante del

Por: Monserrat Solís Valerio

producto, y en ese momento lo único que ve es la etiqueta, la caja, el envase o el empaque que lo contiene. El packaging contiene, protege, conserva, transporta, informa, y se vende. Un buen packaging es uno de los elementos que hace más perdurable la imagen de un determinado producto. Así que la creación de un diseño de packaging llamativo, que sea reutilizable y funcional convierte al envase en un

valioso atractivo. Pero además debe de poderse reproducir por varios años y esto lo hace un verdadero reto, aún más teniendo en cuenta que hoy en día las tendencias en diseño industrial exigien envases y empaques biodegradables o renovables debido al gran impacto ambiental que están teniendo éstos por sus materiales tóxicos contaminantes de los recursos naturales.

Cinco ventajas de tener un buen empaque

Fácil identificación Resalta rápidamente por encima de la competencia en los anaqueles

2 4

Identidad original Un empaque diferente a los demás que sea coherente promueva y venda, le da mucha identidad a una marca

Información Si contiene la información necesaria sobre el producto y la marca se convierte en une referencia de confianza

3 5

Comunica valores positivos de la marca Denota planeación y creatividad

Enganchar Es la vía más rápida de enganchar al consumidor, tener un look atractivo y funcional genera una excelente carta de presentación

Diseñando Packaging Para diseñar un empaque o envase hay que contemplar el producto para el que se diseña el packaging. Además las recomendaciones de la empresa deben ser seguidas con atención y valorar ciertos aspectos a la hora de diseñarlo. Aspectos comerciales de la empresa:

Aspectos relacionados con la distribución:

Público al que va dirigido, canales de distribución, antecedentes en la comercialización de productos similares, etc.

Tipo de almacenamiento, gestión de almacenes, puntos de destino, transporte utilizado, etc.

Imagen de la compañía

Aspectos legales

La investigación científica, los nuevos materiales revolucionarios y los avances tecnológicos innovarán y evolucionarán el concepto de packaging que se maneja hoy en día. Como por ejemplo: bolsas que alargan la vida de las frutas y verduras, films que cambian de color cuando la carne se pone mala, entre muchas otras novedades. Son envases activos, inteligentes y amigables con el ambiente que encontraremos muy pronto a nuestro alcance.

Diseño: Andrea Hidalgo Bibliografía Señor Creativo. (2013). Qué es el Packaging. 27/05/2015, de Código visual Sitio web: https:// codigovisual.wordpress.com/2009/07/06/ que-es-el-packaging/ Fotografías Robotfood.com Ambalaj.se Comunikndo.com Trendingpackaging.com

Por: José Daniel Rodríguez

El cambio Desde hace varios años, el ámbito del diseño ha tenido grandes cambios en su modo de operar, tales como la inserción de la computadora al proceso de diseño, la digitalización de la fotografía y la incorporación constante de medios más efectivos, interactivos y personalizados. El siglo veintiuno no ha sido la excepción; esta vez el avance tecnológico queda fuera del campo del diseño y es llevado a cargo por neurocientíficos y especialistas de otras disciplinas que estudian al cerebro y el comportamiento humano ¿De qué trata esta nueva tendencia? ¿Qué tiene esto que ver con el diseño? ¿Cómo lo puedo aplicar? A continuación nos sumergiremos en los aires nuevos de la comunicación científica, la cual nos lleva a diseñar con propósitos fundamentados, no meramente intuitivos.

Prediciendo el futuro Los mundos de la publicidad, el mercadeo y el diseño tienen mucho tiempo de trabajar en conjunto; sin embargo, hoy se unen a este ámbito la neurociencia, la sociología, la antropología, la psicología, la semiología y la biología, con el fin de responder a las preguntas de ¿Por qué las personas actúan como actúan? La búsqueda de control es intrínseca a la humanidad desde sus inicios. Desde hace miles de años hemos ideado desde simples lanzas hasta sistemas informáticos con un propósito en común: tener el control.

¿Por qué buscamos tener el control? Sencillo, el control nos da poder. La publicidad y el marketing en su corta trayectoria en la historia, han sido disciplinas muy inexactas debido a la base intuitiva de muchas de sus acciones. Se han ideado métodos con el fin de aumentar la efectividad, tales como encuestas, focus groups, estudios de datos estadísticos, entre otros; pero siempre persistía un amplio rango de fallo, que materias

como la medicina o la aviación no podrían aceptar. La razón: La variable con la que trata la comunicación es más compleja y más difícil de entender. Por ejemplo, la medicina parte de principios biológicos generalizados para todos los seres humanos, con sus obvias variaciones de persona a persona, y la aviación, lo hace de manera similar pero con principios físicos. ¡Y dan muy buenos resultados! ¿Qué pasa con el comportamiento humano? Hoy se ha demostrado científicamente que son muchos los factores que lo determinan. Aspectos biológicos, sociales, culturales y psicológicos son solo parte de los propulsores que llevan a un ser humano a actuar de una manera determinada. Hoy en día se están creando metodologías interdisciplinarias de estudio cada vez más efectivas, que lanzan datos focalizados aplicables a la creación de estrategias de marketing y publicitarias más poderosas. Estos estudios se realizan midiendo las reacciones fisiológicas neuronales,

oculares, psicológicas; a esto se suman investigaciones antropológicas como la etnografía para entender el punto de vista cultural del segmento estudiado. Recopilando, analizando y extrapolando los datos se obtienen resultados muy precisos del significado que va a tener un mensaje, producto o idea para aquel al que se dirige. Esto ayuda a fabricar estrategias más robustas para alcanzar objetivos cada vez más específicos.

Recomendación: Leer “Estamos Ciegos” del autor Jurgen Klaric La clave yace en un principio básico de la comunicación: si el emisor conoce al receptor, puede codificar un mensaje que el receptor va a decodificar de manera sencilla y efectiva. Si se conoce al público meta, se pueden formular estrategias de marketing, publicitarias y creativas que satisfagan la mente del consumidor de manera placentera y hasta posicionar un mensaje que tenga efectos a mediano y largo plazo, rompiendo el paradigma de que la publicidad solo produce efectos a corto plazo, como es el caso de la aseguradora GEICO con su amistosa lagartija que nos activa el cerebro con su atractivo emocional.

Llegamos al diseño ¿Cómo es que llega a ser importante la información anterior al diseño? Los equipos modernos de comunicación a partir de los estudios explicados anteriormente, sabiendo qué espera y qué no espera el público meta, diseña las diferentes piezas con fundamentos; por ejemplo, se determinó que redondear los vértices en los sitios web aumenta un 14% la conexión emocional del usuario, pequeño detalle de diseño que genera grandes resultados. Para el diseñador esta metodología va a significar un menú de recursos persuasivos que aplicar en las piezas de diseño, no como muchos piensan, un imitador de creatividad. Hablemos de datos que ejemplifiquen lo anterior:

¿Estoy diseñando para mujeres u hombres? Se ha descubierto que la mujer es capaz de manejar más información en una pieza que un hombre ya que posee una visión más amplia. El hombre, por su pasado de cazador, tiene una visión focalizada donde presta mucha atención a un elemento. Más para las mujeres, menos para los hombres. 44

La idea planteada

El subconsciente

El ser humano es sumamente básico: una idea con la que se sienta profundamente identificado puede cambiar su forma de pensar inmediatamente. Por esto es importante conocer el público para el que se diseña; una imagen puede cambiar totalmente la percepción de la pieza. Para bien o para mal.

El 85% de las decisiones son llevadas a cabo de manera subconsciente. En tan solo segundos el cerebro se aburre, hay que darle motivos para que se interese positivamente. Esto significa la necesidad de nuevas ideas, nuevos diseños y mucha creatividad.

El diseñador del futuro Los diseñadores modernos deben tener una mente amplia y estar preparados para afrontar el cambio. ¡No hay que preocuparse! La cada vez más científica comunicación, nunca podrá dejar por fuera a las mentes creativas. El diseñador seguirá siendo una herramienta clave para la creación de mensajes. Si bien es cierto, hay que reconocer que todavía muchas agencias no

aplican estos sistemas, por el poco tiempo que se acostumbró a darle a la investigación, generación de estrategias y diseño de las campañas. Las nuevas metodologías dan cada vez más resultados, por lo que no sería ninguna sorpresa ver cómo estos nuevos métodos toman el mercado publicitario.

“No tengo miedo de empezar de cero” -Steve Jobs

¡Recuerda! Tú siempre le prestas atención a la palabra “Tú”. El cerebro del hombre y la mujer son polos separados ¿Para quién diseñas? El cerebro ama el número 3, ¡Aun no se sabe por qué! Las mujeres se llevan bien con composiciones más complejas. Con el hombre, sé simple. En el diseño web, los bordes redondeados aumentan un 14% la conexión emocional. Usa los signos de pregunta y admiración, nos encantan. Transmite emociones, son efectivas que las palabras.

más

No diseñes para la gente, diseña para la mente. Diseño: Andrea Hidalgo Referencias Bibliográficas Jurgen Klaric. (2012). Estamos ciegos. Lima, Perú: Editorial Planeta Perú S. A.

Por: Natalia Orozco Este libro de Grafitica nos hace reflexionar sobre los valores históricamente desplazados en los territorios de la marginalidad, la cual ahora parecieran ser la actitud cultural mas reiterada de nuestro tiempo. Las calles de nuestro país esconden trazos difusos entre lo “culto” y lo “popular” un valor y un recurso de la comunicación que lidera una buena parte de la visualidad en nuestras ciudades latinoamericanas: la gráfica popular. Denominada como tal a partir de la procedencia social de sus ejecutores e ingeniosidad de las soluciones sígnicas que la distinguen .

“Caminando por las calles de San José, con los renovados ojos de quien busca algo escondido en lo burdo y lo diario, nos dimos cuanta de los maravillosos tesoros gráficos que ostenta la ciudad, una especie de galería urbana llena de frescura e ingenuidad dentro de un espacio caótico y temperamental. “ (Sussy Vargas- Carolina Goodfellow)

“A diferencia de la gráfica profesionalizada, en la gráfica popular se expresan inevitablemente, todos los planos del fenómeno comunicacional” (Norberto Chaves,2009)

Se ha convertido en protagonista y una alternativa de discurso que desde la perspectiva actual de diseño publicitario , favorece la identificación de la imagen local como un recurso diferenciador en un entorno cada vez más global. Gracias a esto se han abierto desde las universidades y otros centros de relación vinculados a la institucionalidad del arte y el diseño, un importante espacio de reflexión sobre una de las formas de expresión en las que más se preserva el sentido de autenticidad de la comunicación como una forma primaria de socialización y como un

recurso inequívoco de supervivencia de valores identitarios. Nos hace ver el reflejo de su visión comercial diferente, plasmada en paredes de una soda, de una peluquería o de una verdulería, teniendo vida propia que realmente es algo muy original y creativo, por personas anónimas que desde años crear un movimiento mas libre para llamar la atención, que identifican o marcan diferencia o simplemente que descubren ilusiones, confiesan errores y en ocasiones, establecen un dialogo con el espectador al provocarlo o alburearlo. La gráfica popular es transitoria en su gran

mayoría, no pretende ser permanente ni alcanzar el nivel de una obra de arte, que en su proceso de comunicación reproduce imaginarios colectivos a partir de un lenguaje simple y fácil de comprender . Diseño: Andrea HIdalgo Bibliografía Goodfello Sánchez, Carolina y vargas,Sussy.(2014).Grafitica.Grafica popular costarricense. Editorial roger Union Prints.

Es común encontrarse con una interrogante a lo largo del desarrollo de la carrera de Diseño Publicitario: ¿En qué áreas del diseño se puede desarrollar un profesional de la publicidad actualmente? Pues es una duda que pasa en algún momento por la cabeza de todos. Hemos contactado a diferentes profesionales en esta área que podrán contestar todas tus dudas.

“Desde el punto de vista de trabajo el diseño publicitario es el diseño más interdisciplinario que hay. ¿Por qué? Porque usualmente se trabaja en grupos, en grupos que desarrollan proyectos grandes, proyectos en donde no solamente se trabajan identidades, sino que se trabajan campañas publicitarias completas en donde se hacen actividades de publicidad, relaciones públicas, de promoción, de mercadeo directo, de mercadeo interactivo…Y en todos ellos, ¿qué es lo que vamos a usar? Medios. Entonces todos ellos se convierten en una fuente de trabajo para el diseñador publicitario. Es más, hay campos en donde usualmente un diseñador publicitario no tenía mucha injerencia, pero que en la actualidad está adquiriendo gran importancia. Esto se puede ver en la construcción de una página web; ya no trabaja solamente el animador o el técnico puramente, sino el diseñador para ver todo el aspecto de diseño, cómo voy a navegar, qué voy a ver cuándo abro. Entonces también ese es un campo enorme que se ha abierto. Y en producción, el diseñador publicitario hace los guiones; entonces él tiene que ver con gran cantidad de trabajo. En la televisión, es el que dibuja el guión, el que dice de dónde a dónde va una escena, e incluso, el que indica específicamente qué va a pasar en esa escena, y esa es la base sobre la que todos los demás trabajan. Entonces, para mí las áreas de trabajo de un diseñador publicitario son tan grandes como su propia iniciativa”.

“Pienso que el campo laboral ha ido cambiando a como ha cambiado la tecnología. Entonces yo apunto a que los diseñadores jóvenes como ustedes vayan a trabajar en campos que tienen que ver con la tecnología, con productos tecnológicos, todo lo que es diseño de apps, diseño web, libros digitales, catálogos digitales, publicidad específicamente para la web. Y todo esto debe especializarse, ya no se puede pensar con el mismo lenguaje que hemos hecho hasta ahora; es un lenguaje nuevo, un lenguaje digital, en donde se debe fomentar incluso la interacción del usuario, que el usuario pueda agregar algo, pueda modificar algo, que dé una respuesta, que se sienta parte del medio, que se inserte en el medio. Estamos en un universo donde necesitamos compartir. La única manera de subsistir en la sociedad actual es al compartir, entonces en la medida en que tomemos en cuenta al usuario y éste pueda aportar algo al producto vamos a tener éxito. Claro, eso necesita estrategias. Por eso, más que todo, yo pienso en el diseñador como un estratega de comunicación.”

“Pienso que dentro del campo laboral del diseño hay muchas posibilidades de trabajo; para empezar, hay muchas empresas con necesidad de mejorar su marca personal, ocupan mejoramiento de la imagen corporativa y constante control acerca de su imagen y estar llamando la atención del público. Es algo que la gran mayoría de las empresas grandes ocupan, y en caso de pequeñas empresas requieren una identidad lo suficientemente fuerte para que quede en la recordación, por lo que ocupan un identificador fuerte, y para todo esto es necesario el diseñador. Por otro lado otras empresas que requieren bastante diseñadores y con constancia son las editoriales, ya que ocupan velar no solo por la parte gráfica, sino por todo el proceso de diagramación arte final y el éxito final del libro (ventas). Un diseñador en general tiene un campo amplio de trabajo, el problema es que los recién egresados de la Universidad solo ven como posible trabajo una agencia publicitaria, pero el campo laboral es muy amplio y muy necesitado de un diseñador.”

“Creo que la mejor opción hoy por hoy es el emprendedurismo. Empezar un negocio propio. Virtualmente todo compañía grande o mediana necesita una proyección de imagen. La idea sería identificar cuales necesitan renovar la imagen y trabajar directamente con ellas. Hay un curso muy bueno, de una gente que se llama Pejibaye Consulting”.

Bueno, ahí lo tenés, hay un sinfín de posibilidades en las que un diseñador publicitario puede desarrollarse, es ahora tu decisión. ¿En qué querés laborar vos?

¿Te considerás una persona c

Si ¿Te llama más el lapiz y el papel? Si

¿Tus dibujos por lo general son en 3D?

¿Andás siempre preparado capturar un momento espe

¿Te imaginás a tus personajes cobrando vida?

Animador

Fotógrafo

¿Te interesa el proceso de la creación de cada marca? No

Corporativo

Ilustrador

¿Siempre has sitios web con

Diseño Web

¿Te gus para un

No 52

creativa?

No El área del diseño no es para vos.

¿Alguna vez te has preguntado por cuál rama del diseño te inclinás dependiendo de tu personalidad? Aquí te sacamos de dudas. A continuación encontrarás un quiz que te ayudará a responder tus dudas.

para ecial?

¿La computadora se ha empezado a convertir en tu nuevo mejor amigo?

¿Tenés habilidad para hablar en público?

querido programar y crear n un diseño mega cool?

No Enseñanza

¿Te interesa relatar tus propias historias a un público cibernético?

¿Tenés habilidad para escribir?

Blogger

Editorial

sta estructurar textos e imágenes na revista tan cool como esta?

Si 53

¡Sos un buen candidato para especializarte en diseño editorial! Tenés una personalidad que te permite ser organizado y esquemático. La prudencia caracteriza tu trabajo, sin embargo, también se deja ver tu sensibilidad en tus escogencias del diseño, en esos pequeños detalles que todos los demás no ven. Podés llegar a ser un poco solitario, pero no te molesta porque te sentís acompañado cada vez que se inicia el programa InDesign. Tal vez podés estresarte fácilmente porque te importan los detalles y te frustrás por no poder dibujar como un profesional, pero no te preocupés, que lo que no traés de dibujo, lo traés en perfección para la diagramación.

¡Sos un buen candidato para especializarte en diseño web! Te caracterizás por estar siempre a la vanguardia y por tu increíble habilidad con la tecnología. Te apasionás tanto con generar buenas páginas web que has generado una seria adicción al café para mantenerte despierto a altas horas de la noche. Sabes que pertenecés a esta categoría cuando los programas que más utilizás son Photoshop, Ilustrador, Flash y programas de desarrollo web como Dreamweaver. Sos fácilmente sugestivo pero te encargás al mismo tiempo de generar nuevos trends en el diseño que serán apreciados en todos los celulares de los de tu generación.

¡Sos un buen candidato para especializarte en fotografía! Te calificás por ser una persona sociable, hasta incluso un poco filosófica, sin dejar lo técnico y lo bohemio de lado, por supuesto. Sos persuasivo, pues tenés que manejar bien a los modelos con los que trabajás. Claramente te atrae el entorno y la belleza la encontrás en esos rayos de luz que iluminan el objeto de tu fotografía a la perfección. Sin duda alguna, el mejor día para vos es cuando tenés una cámara en mano.

¡Sos un buen candidato para especializarte en ilustración! Cuando de ilustración se trata, sos crítico a tal punto que te podés considerar un perfeccionista al extremo, pero con una increíble justificación: cada vez que tomás tus materiales de dibujo creás una obra de arte digna de estar en un museo o una galería. Tenés tendencia a ser disperso pero esto se debe a que te fijás en detalles que luego pasarás a tus dibujos. Tus programas favoritos son ilustrador y photoshop, aunque bien sabés que nada supera al lápiz y al papel.

¡Sos un buen candidato para especializarte en diseño corporativo! A esta rama también se le llama branding y te fascina. Te obsesionás por los detalles sobre las compañías, su historia, la competencia entre ellas, etc. Sos competitivo por naturaleza pero es eso mismo lo que te mantiene actualizado en tu área. Te vuelven loco los impresos, la identidad de marca, el packaging y la creación de productos digitales. Tu fortaleza son tus habilidades comunicativas y eso es lo que te distingue dentro de todo ese amplio mercado.

¡Sos un buen candidato para especializarte en animación digital! Te caracterizás por ser paciente y tranquilo, incluso, a ratos serio, pero esto se debe a que necesitás toda tu energía para darle vida a esos entretenidos personajes y ambientes que creás en tu mente para la pantalla. Evidentemente tu amor es la tecnología y lo demostrás en la cantidad de trabajo que le invertís a tus proyectos.

¡Sos un buen candidato para especializarte en enseñanza! Tenés un amor profundo por la enseñanza a tal punto que lográs transmitir tus conocimientos y emoción por tu profesión en cada una de tus lecciones. Lográs introducir a muchos al ámbito y enamorarlos perdidamente de la rama; después de todo, el hablar en público en un aula o en un salón de conferencias te hace la persona más feliz del planeta. Tenés el talento de predicar la palabra de los grandes diseñadores y de generar en tu aula a la siguiente generación de grandes diseñadores.

Diseño: Andrea Hidago ¡Sos un buen candidato para especializarte en blogs! Te encanta generar una crítica constructiva, dar tu opinión, hacer posibles predicciones en el área del diseño y hasta incluso enseñar a través de la web en tutoriales o a través de recomendaciones. Te enamora la teoría detrás de esas geniales campañas y te interesan las figuras importantes en el diseño. Tenés un talento para la escritura y eso llevará tu blog muy largo.

Referencias: Flores, J. (2015). Áreas y Disciplinas del Diseño Gráfico – Debate. 16 julio 2015, de origenarts Recuperado de: http:// origenarts.com/areas-y-disciplinasdel-diseno-grafico-debate/ Marín, F. (2015). 8 versiones del diseñador gráfico: ¿Te identificas? (parte II). 16 julio 2015, de creativosonline. Recuperado de: http://w w w.creativosonline.org/ blog/8-versiones-del-disenadorgrafico-te-identificas-parte-ii.html 55

Por: Andrea Barrantes

A través de la historia el hombre ha utilizado los medios de comunicación colectiva para delatar y hacer denuncia social de los males que acosan a la sociedad. Se han utilizado recursos como radio, periódico, o televisión, dentro de lo cuales se plantea la denuncia social en el periodismo. Diferentes ilustradores han tomado la decisión de crear controversia en los folletines, creando historietas denunciando temas tales como corrupción, diversidad de ideologías, corrupción, indiferencias sexuales, religiosas , políticas, entre otros. Los personajes creados en dichas historietas creadas por autores llenos de palabras que ilustrar se manifiestan como marionetas verbales y gráficas que llevan a través de escenas , algunas veces serias y otras cómicas, que llegan a conmover al lector sobre los derechos del ser humano y su libertad. Las historietas dentro de los periódicos o internet se convirtieron para muchas personas un modo de escapatoria para poder hablar de aquello que ellos quieren expresar pero que la sociedad les prohíbe escribir dentro de una noticia . Sus mensajes son códigos secretos dentro de ilustraciones para que los lectores o las víctimas no se sientan solas dentro del caos de la sociedad. Dentro de las influencias más importantes de las historietas se encuentra Supertiñosa un cómic hispanoamericano creado en Cuba en los años 1950, como burla de Superman y dándole importancia al espíritu revolucionario contra el imperialismo de la cultura capitalista. 56

En resumen la historieta Supertiñosa aparte de ser un cómic de América reivindicó el poder de crítica mediante parodias en los comics norteamericanos, que ya se estaban convirtiendo en un negocio puramente corrupto.

Para ellos la mejor forma de expresar sus pensamientos críticos era haciendo burlas de lo que pasaba en sus alrededores, creando una conexión importante en el público de habla hispana. Los ilustradores que elaboran las tiras cómicas generan en sí una crítica social de los problemas que ellos creen, o se encuentra más enfatizados como corruptos; son en sí criminales bajo una hoja de papel, el hecho de plasmar su opinión generando controversia en aquellos que leen todo lo que este dibuja se ve como un delito ante los ojos del gobierno, esto mismo le pasó a José Palomo , creador de la historieta el Cuarto de Reich; tira cómica que denuncia todo mal de una forma graciosa y coherente. Su creador chileno tuvo que escapar de su país e instalarse en México por los grandes problemas que sus tiras cómicas creaban, sus palabras e ilustraciones crearon revueltas en Chile, de tal modo que José Palomo fue exiliado. A partir de los años 90 los grandes empresarios empezaron a ver las historietas como un arma hacia sus pequeños, pero grandes fraudes comerciales.

Aparte de criticar o defender un punto de vista mediante los comics, también un punto fuerte de las historietas es el entretener a los lectores.

Un ilustrador que hace dicho objetivo es Joan Cornellà, de origen español y cuyos comics se basan en divertir y hacer reír a las personas por medio de sus historietas, estos empiezan con un mensaje confuso pero terminan con una gran sonrisa en las personas, el hecho de que Joan Cornellà dedique su tiempo en hacer comics de este tipo, le ha generado a él un gran reconocimiento a nivel mundial, sus obras se entienden sin escribir ningún mensaje dentro de ellos, a diferencia de los demás, su comunicación averbal genera un sentimiento de intriga en las personas en indagar lo que el autor quiso decir desde el principio, sus historietas generan entretenimiento general para cualquier persona bajo un mundo caótico. Para terminar con las diferentes referencias se encuentra Mafalda, su trayectoria dentro de la historia del periodismo y de los comics ha generado un gran impacto en las personas , su autor Quino genera controversia a partir de un persona ingenuo ante todo mal del universo, comunicando así un mensaje poderoso hacia los lectores que son fan de este tipo de historietas.

Luego de estar inspirados tras grandes influencias, si se quiere hacer un cómic propio, estos son los pasos para crear una historieta desde cero.

EscribIR lo que quierAS expresar

No todo tiene que ser real, puedes encontrar una historia o un objetivo que criticar pero dentro de un mundo que no existe, eso le genera al lector una diferencia entre lo real y lo imaginario pero igual le interesa lo que este esta denunciando.

DecidIR EL estilo de dibujo

Dentro del mundo de las historietas hay un sin fin de estilos, tales como manga, superhéroes, clip art, no ir, muñecas de palitos, tira cómica de diario. Hay que tener en cuenta que lo más importante es que el mensaje se entienda, así que se recomienda escoger el estilo que se le tiene mas confianza.

EscogeR el formato

Los comics tiene tres tipos de formatos, están los de una sola viñeta, que suele ser humorísticos, estos comics no requieren mucho detalle en la parte gráfica ( depende del autor) pero sí mucho énfasis en su mensaje, también los comics políticos o críticos se generan dentro de este formato. Luego se encuentra la tira cómica de una secuencia de cuadros donde se generan una o dos hileras de 3 o 4 cuadros donde los personajes o el mensaje van a tomar acción, por último se encuentra las historietas de una página entera donde los cuadros no se encuentran en forma horizontal sino que el autor tiene la libertad de generar los cuadros de acción de diferentes formas.

Crear un boceto

Es importante antes de crear la historieta, crear un boceto para aclarar donde se van a encontrar los personas, cual va a ser la idea centrar del cómic, y si estos dos encajan entre sí. También dentro del boceto se le debe dar mucha atención a que su composición tenga sentido para los lectores.

Dibujar el comic

Luego de pasar por los demás estilos, se comienza en la elaboración de la historieta, para luego poder publicarla en el medio de comunicación deseado por el autor. Lo más importante en una historieta es el mensaje, este debe de entenderse cuando el lector termine de leer el contenido, este tipo de “escritura” es un simple medio para que los ilustradores se puedan expresar de forma libre sobre los problemas de la sociedad que hoy en día atacan al país, por ello las historietas han creado un gran cambio en el mundo y lo seguirán haciendo, es un medio que nunca pasará de moda, pasará de papel al internet pero igual será un arma de todo autor para aquellos que se esconden de la realidad.

Diseño: Andrea Hidalgo Bibliografía http://es.wikihow.com/hacer-uncomic 59

Por: Natalia Chaves Romero

Se puede decir con certeza que todas las personas que estudian diseño tienen algo en común, esto los une pero al mismo tiempo los hace diferentes de cada diseñador; la tendencia a equivocarse. El hecho de equivocarse no es malo, dado que es un proceso de aprendizaje y que poco a poco los hace más críticos ante los trabajos que desarrollan. Pero, ¿qué pasa cuando estos errores se cometen una y otra vez y terminan siendo horrores “garrafales”?

“Malo es ver el error y no hacer nada por mejorar” Los errores nos ayudan a mejorar como diseñadores, es por esto que es necesario tener en cuenta los siete pecados capitales de los diseñadores publicitarios, errores que NO se deberían de ejecutar y siempre tener en mente a la hora de trabajar en un proyecto. 60

.No entender el brief Si no se tiene una idea clara de lo que el cliente quiere, la ausencia de un brief puede dificultar y alargar el proceso creativo, teniendo como consecuencia la perdida de tiempo y trabajar en ideas innecesarias.

Soluci贸n: Es de suma importancia entender lo que el cliente busca, por eso es importar tomar notas, intercambiar ideas (no encasillarse en el criterio propio si no preguntarle a otras personas qu茅 opinan sobre el trabajo) y mantener contacto con el cliente para que pueda ver los avances y los cambios en el trabajo.

Es de mucha importancia conocer el formato correcto de cada trabajo, por lo tanto hay que tener en cuenta que los formatos varían. Si hablamos de un trabajo que posiblemente se pueda imprimir, este se guarda en formato CMYK y a 300 ppp (puntos por pulgada). Si estamos trabajando con un documento digital, como el que se usa para el diseño presente en páginas web, este debe ser guardado en RGB y a 72 ppp. Además de los formatos, es necesario incluir las fuentes, los perfiles de color y las fotos que fueron utilizadas para realizar el documento.

.No guardar los documentos en el formato correcto

.Tipografía El escoger la tipografía ideal para un trabajo puede ser difícil y se tiene que escoger de manera sabia, conociendo la psicología de esta. Debido a esto, es importante tener una idea clara de lo que se tiene que buscar. No se deben de usar muchas tipografías en un solo documento, dado que esto genera confusión y no ayuda al diseño.

Regla de oro: En un documento es recomendable utilizar o mezclar dos fuentes diferentes y los tamaños deben de ser los correctos para generar énfasis en puntos específicos del documento, esto brinda dinamismo a la composición.

No olvidar: Utilizar una fuente que posea derechos de autor y que sea legible.

.Horrores ortográficos Antes de entregar un documento es de suma importancia revisar la ortografía de este, ya que este paso puede ser la diferencia entre un buen trabajo o un trabajo hecho sin esmero.

Solución: Sacar tiempo para leer el documento antes de cualquier impresión o presentación a realizar. 64

.Imágenes Muchas veces para diversos productos es necesario el uso de imágenes. Hay que tener cuidado de cuales imágenes escoger, ya que el uso de fotografías “tradicionales” que se encuentran con facilidad en la web, pueden restarle originalidad al diseño.

Recomendación: Utilizar bancos de fotografías como Shutterstock o utilizar fotografías tomadas en una sesión fotográfica para lograr sobresalir del montón de fotografías que pueden haber de forma libre en la internet.

.Plagio Una palabra que asusta, que no tiene que confundirse con las referencias y que todos los diseñadores no deben de tomar a la ligera. El plagio no pasa desapercibido y es por eso que la originalidad es una pieza clave en el mundo del diseño.

Tome nota: Con el crecimiento de la internet y las redes sociales, es más fácil conocer quien ha hecho plagio, por esta misma razón, es muy importante ejercitar la creatividad.

.Tendencias

La tendencia se puede definir como un elemento, acción o suceso que esté de moda y es temporal. Al crear un diseño en base a una tendencia, este al poco tiempo de haber sido creado puede caducar.

Recomendación: Utilizar recursos que se adecuen a la marca o trabajo y que reflejen parte de los objetivos que el producto o marca quiere transmitir al público.

“Diseñadores conscientes son diseñadores felices”

Es necesario conocer que se comenten estos errores para poco a poco ir eliminándolos. También nos ayuda a ser conscientes de que cada trabajo que se crea no posee ningún pecado capital y que si tiene algunos de estos errores, saber que hay solución. Diseño: Andrea Hidalgo Referencias h t t p : // w w w. p a r e d r o . c o m /13 - e r r o r e s comunes-que-comenten-los-disenadores/

Este año, la semana de Convergencia, que tuvo lugar del 20 al 23 de julio, trajo a estudiantes y profesores la posibilidad de experimentar y acercarse a conocer mejor sobre diferentes técnicas expresivas y a desarrollar aptitudes en torno a la estrategia y la creatividad. El nombre “De talleres y otros oficios” sugiere aspectos esenciales para el diseñador actual, inmerso en tecnología y en competencia por la creatividad. Fue así como durante esos días, hubo talleres planificados para todos los niveles de los estudiantes de la Escuela.

Específicamente se contó con el aporte de David Carvajal (JW Thompson) a cargo del Taller de Creatividad; Ronny Villalobos (JBQ Grey) quien impartió el Taller de Estrategia; Walter Behrens (UCR) con el Taller de Tipografía y Daniel Zúñiga (Contraforma) quien organizó el Taller de Serigrafía. Ellos también ofrecieron en el último día de Convergencia, unas charlas que resumieran lo esencial de los temas que desarrollaron en los talleres.

En la charla de Serigrafía, Daniel Zúñiga quien mostró con claridad que la serigrafía como técnica no muere: evoluciona. En efecto, la serigrafía tiene cada vez más fuerza, al ser un método de impresión rápido, económico y de calidad. Su constante reinventarse permite hacer uso de distintas tintas y pigmentos, por lo que es una forma ideal de expresión creativa. Por su parte, el tipógrafo Walter Behrens mostró cómo la tipografía es fundamentalmente necesaria en las distintas áreas de la comunicación visual y por tanto su conocimiento debe ser medular en el diseño curricular. Mediante la explicación de las distintas leyes ópticas, dejó claro que la tipografía es parte del lenguaje visual y debe ser considerada como un medio, no como un fin en sí misma. Para finalizar, David Carvajal habló sobre los publicistas del futuro, que, paradójicamente, son los actuales. Enfatizó en que un publicista no debe creer que por hacer cosas buenas, él en sí mismo es buen. Tres consejos para ser un buen publicista son: decir la verdad, considerar que se habla a personas, no a consumidores y ser “buena onda”, es decir, los publicistas del futuro son quienes ayudan a las marcas a hacer el bien.

Como parte de Convergencia, se convocó a un concurso abierto para profesores y estudiantes, aprovechando los 150 años de la creación de “Alicia en el País de las Maravillas”. La convocatoria daba libertad de técnica y se buscaba representar a Alicia en la actualidad, 150 años después, suponiendo cómo se vería hoy. Las propuestas recibidas se expusieron en la Galería Roberto Sasso, y los ganadores se eligieron por los votos recibidos para cada propuesta.

En este caso, es importante hacer referencia a cuál fue el origen de “Alicia”, por lo que se ofrece un recorrido breve a sus antecedentes: I LUGAR: Javier Yep con

Charles Lutwidge Dodgson mejor conocido como Lewis Carroll era hijo de un reverendo de una iglesia cristiana en Oxford, Inglaterra y un aburrido profesor de matemática y lógica; pero cuando estaba con niños se transformaba pues sentía una atracción casi mística que traducía en sus fotografías de niñas semi desnudas, cosa que en esta época hubiese sido muy cuestionada. En una tarde de verano del año 1862, como era una costumbre, salió de picnic con las hermanas Liddell, cuya familia lo tenía prácticamente adoptado, sintiendo una especial fascinación por Alice de 10 años. Más 70

II LUGAR: Javier Yep con

tarde decidieron navegar por el Río Támesis donde les contaba historias, les cantaba canciones e inventaba juegos divertidos. Alice le pidió que le escribiera un cuento, y él recopiló varias de las narraciones en un libro que llamó Alice Adventures under ground, le hizo algunas ilustraciones y en noviembre de 1864 lo terminó y se lo mostró a Alice como regalo de Navidad. Varios de sus amigos lo motivaron a publicarlo, por lo que comenzó a trabajar en una nueva edición y le agregó otros personajes como el gato de Cheshire y los miembros de la reunión del té; de esta forma lo

fue transformando y lo llamó Alice’s Adventures in Wonderland. Satisfecho de su obra, fue a buscar a un ilustrador, su amigo John Tenniel, quien era un reconocido caricaturista político, por lo que le solicitó se lo ilustrara. Carroll, como buen perfeccionista, nunca aceptó la versión de Alice que hizo Tenniel, pues no se le parecía a la verdadera Alicia. En 1965, Alice Liddell llevó el libro a la Editorial Macmillan, lo publicaron y 150 años después es el libro más publicado después de las obras de Shakespeare y de la Biblia; no se ha dejado de imprimir en más de 300 versiones, más de 140 lenguas

Alice in Wonderland es un libro que ningún ilustrador debe privarse de leer e intentar ilustrar, al menos un detalle. En el concurso participaron varias propuestas. Al final se otorgó una Mención a la profesora e ilustradora Virginia Ramos, quien participó del concurso representando a la parte docente de la Escuela. Los ganadores de los primeros tres lugares por votación del público fueron:

III LUGAR: Francine Gómez Méndez “ALGUIEN”... MAS AHOR S A S SO O

Mención de honor a Vicky Ramos

“A L

” GO

entre idiomas y dialectos al extremo que según Mark Burstein (presidente de la Sociedad Norte Americana Lewis Carroll), la literatura para niños moderna se puede dividir en BC (before Carroll) AD (after Dodgson). También se considera el libro que más estrategias de marketing ha generado con películas, obras de teatro, musicales, óperas, ballet, fotografía, exposiciones, moda, juegos, blogs, aplicaciones, libros de cocina, películas, comic, álbumes, muñecos, etc. Asimismo la versión de Tenniel ha quedado grabada en el imaginario a tal punto que a pesar de que la obra ha sido ilustrada por grandes

maestros de la gráfica, el público sigue prefiriendo las ilustraciones de Tenniel y le han dicho en tono de broma en las actividades del 150 aniversario “el sesquicentenniel”. Tenniel es el responsable del atuendo victoriano de Alicia, su pelo rubio y largo con vestido de colores celeste con amarillo y delantal blanco; más adelante en 1951 Disney marcaría el estilo de la Alicia que más reconocemos en la actualidad, ambos lejanos de la Alice Liddell de pelo corto, negro y aspecto un poco desgarbado y desafiante no muy acorde con las niñas de su época.

Con todas las actividades quedó evidenciado una vez más que “Convergencia” se ha convertido para la Escuela de Diseño y Comunicación Visual en un espacio donde convergen y divergen diversos pensamientos sobre el diseño, que es justo lo que lo hace un espacio rico para la germinación de nuevos contenidos y creatividad. Diseño: Andrea Hidalgo Referencias Nichols, C. (2014). Alice’s Wonderland a visual journey through Lewis Carroll’s mad, mad world. New York: Race point Publishing.

La creatividad llega hasta donde vos querรกs