La visión fotográfica. Eduardo Momeñe.
APELLIDOS: Jiménez Bobis NOMBRE: Andrea
CURSO: 1ºB Fotografía
BREVE INTRODUCCIÓN BIOGRÁFICA Y LITERARIA DEL AUTOR.
Edición: Autor-editor (editorial), Madrid (ciudad), 2009 (año), 168 (páginas).
Eduardo Momeñe es un fotógrafo nacido en 1952 en Bilbao. Comenzó en los años 80 a fotografiar a todos los personajes españoles o extranjeros que se movían por Madrid. Ha realizado proyectos como la serie de televisión sobre fotografía "La Puerta Abierta" o la revista "Fotografías". Ha impartido numerosos cursos, talleres y seminarios y entre sus alumnos se encuentran fotógrafos de reconocido prestigio. Es recordada su labor en su estudio-escuela de la Calle San Pedro de Madrid, durante los años 90.
Fuentes de información: http://www.cadadiaunfotografo.com/2011/06/eduardo-momene.html https://www.circulobellasartes.com/biografia/eduardo-momene/
RESUMEN.
En este segundo y tercer capítulo nos hace volver al pasado, para saber un poco mas de la historia de la fotografía. Explica como antes de existir la fotografía la representación visual de las cosas se hacía median dibujos, esculturas… Cuando comienza el Renacimiento es cuando se empieza a mostrar el mundo como es, con el descubrimiento de la perspectiva, un mundo en un espacio claro y ordenado, tal y como lo ve la cámara fotográfica. Explica las dos grandes cosas que nos ha traído el renacimiento para el mundo de la fotografía, que son enseñarnos a mirar nuestro mundo y mostrarlo con orden y de una manera racional y lo segundo es el arte, que ya era intelectual, materia y forma de conocimiento. El renacimiento crea al artista. Nos recuerda frases de grandes personajes como “Lo que estás vendo en esta fotografía es lo que yo ví cuando disparé la cámara.” Recordando que al fotografiar llevamos la apariencia de el
mundo a nuestro terreno, a lo que queremos ver, o como “Lo que estás viendo en esta fotografía es lo que definitivamente yo quise ver cuando disparé la cámara.”. También nos explica como nuestra educación visual empezó mucho antes de que nos interesase la fotografía, es un aprendizaje visual. Es el orden que necesitábamos para poder ver y comprender en ese espacio caótico por el que vamos. En este mundo entendemos Renacimiento como la primera gran revolución de la mirada. Para nosotros los fotógrafos hay una segunda gran revolución que es la instantánea. También nos hace un breve resumen del principio de esto, hablando de George Eastman el creador de Kodak. La instantaneidad es la gran revolución de la fotografía, un hallazgo visual sin precedentes… y pertenece a la fotografía. Es la posibilidad de obtener una fotografía con tiempos que parten el segundo en décimas incluso centésimas. En resumen el renacimiento inaugura una nueva mirada, la fotografía asume esa mirada, la fotografía rompe esa mirada y las normas que la hicieron posibles, se impone una nueva mirada, es una nueva moral artística. Luego nos habla sobre la actividad de realizar proyectos fotográficos, y con ella una serie de cuestiones que nos surge al realizarlos, como por ejemplo: ¿lo haremos en color?, ¿digital?, ¿gran formato?, ¿luz de flash?... Nos explica también la importancia que es tener un referente para llevar a cabo un proyecto, mientas se hacen fotografías que nos ayudara como borradores o bocetos que podremos ir perfilando. Y por último en el segundo capítulo habla del tema, que tiene que tener cierta afinidad a nosotros y que aunque sea costoso de encontrar siempre acabamos encontrando. Empezando el tercer capítulo habla de los comienzos de la fotografía y quería ser reconocido como arte la fotografía. Comenzó la corriente del Pictorialismo y se crearon fotografías que parecían pinturas y que no eras ni fotografías ni pinturas y nombra a autores de esto, esta corriente entorpeció durante mucho tiempo el desarrollo de la fotografía como medio de expresión. Hablamos también como la fotografía merece ser arte igual que la pintura, tener el mérito de no hacer fotografías vulgares, no es como la pintura porque no esta trazado a mano pero es otra manera de hacer arte, son dos mundos paralelos. Podemos hacer fotografías y no ser artistas, sino hacer fotografías sin la responsabilidad de hacer arte, dedicarnos a intentar obtener excelentes fotografías. Hace una aclaración importante de que no solo los hombres tenían un papel importante en la fotografía, sino que hay también muchísimas mujeres importantes y con mucha fuerza en este mundo. Los comienzos de Bresson empezaron fotografiando sin más, hasta que llegó un momento que
se planteo tomárselo enserio, y como él muchísimos otros. Nos destaca una frase de Bresson muy importante para tener en cuenta como se hacen las buenas fotografías “La cámara fotográfica es para mí un cuaderno de bocetos, el instrumento de la intuición y de la espontaneidad, la controladora del instante…”. También nos deja una serie de ideas que nos puede ayudar como la concentración, el fin de las buenas fotografías mostrando un mundo con significado, una cierta sensibilidad, una manera de vivir y el sentido de la geometría (instante, significación, orden…). Seguimos hablando de Bresson que pone orden en una manera caótica de obtener imágenes, de presentar la imagen del mundo, queriendo facilitarnos la imagen del mundo, poniendo orden en el caos. Nos propone la idea de crearnos una fototeca con imágenes que nos ha llamado la atención y también con textos, para algún día en el futuro volver a ellos, que lo veremos con diferentes ojos, ya que nuestra mirada cambia. Finalmente nos habla un poco más de Kertész, que no es tan efímero como el mundo de Bresson, es un mundo encontrado, a veces quieto o dormido, esperando a que le hagamos la fotografía. Estas referencias de las que hemos hablado tendríamos que tratarlas como tal, para construir a partir de ellos, tomar algo prestado de ellos.
TEMA DEL TEXTO. Estos capítulos tratan y hablan de el Renacimiento, de la nueva visión que dicha etapa de la Historia crea se pasa a otro momento de inflexión, la instantánea, para concluir hablando sobre el tema a retratar. Habla también de los comienzos de la fotografía y la fotografía en general, del conflicto entre fotografía como arte, fotografía como afición, el aprendizaje de esto. Nos remarca dos referentes importantes como son Cartier Bresson y André Kertesz, acciones o frases que nos pueden ayudar a nuestro comienzo por este mundo.
BIOGRAFÍAS AUTORES. Daguerre. Nació en Francia, 18 de noviembre de 1787 y falleció en Francia el 10 de julio de 1851.
Daguerre perfeccionó el procedimiento de fijación de imágenes de su compatriota Niépce, logrando reducir los tiempos de exposición y obteniendo instantáneas de gran nitidez. El inventor bautizó con su apellido su método y las imágenes obtenidas: daguerrotipia y daguerrotipo. Se inició como pintor de decorados para la ópera y tras colaborar en la ejecución de varios panoramas, desarrolló finalmente en 1822 lo que se conoce por diorama, que consiste en un decorado de varios planos recortados que gracias a determinados juegos de luces produce un efecto de perspectiva. Daguerre había inventado hacia 1827 el diorama, un espectáculo a base de pinturas y efectos luminosos. Buscando un método para reproducir la realidad en imágenes sin necesidad de pintarlas, coincidió con Nicéphore Niépce, que desde 1820 venía experimentando con placas de betún de Judea dentro de una cámara oscura. En 1837 perfeccionó el daguerrotipo. Su innovación fue sumergir la plancha en una solución, que hacía que la imagen quedara fijada. Éste fue el primer procedimiento fotográfico.
Fuentes de información: https://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/daguerre.htm https://es.wikipedia.org/wiki/Louis_Daguerre
Lewis Carroll. Lewis Carroll fue un escritor inglés nacido el 27 de enero de 1832 en Daresbury y fallecido el 14 de enero de 1898 en Guildford. Su verdadero nombre era Charles Lutwidge Dodgson, es principalmente conocido por sus obras literarias pero también por ser uno de los principales fotógrafos de la época victoriana. La devoción de Lewis Carroll hacia la fotografía comenzó en 1856, bajo la influencia de su tío Skeffington Lutwidge. En muy poco tiempo logró dominar perfectamente la técnica y la utilizó como medio para expresar su visión personal, lo que él llamaba “la creencia en la divinidad de la belleza”: ideal que tenía entre la belleza y libertad combinadas con la inocencia, que para él representaba un estado de perfección moral, estética y física apreciada en los primeros años de juventud.
Era un gran experimentador y uno de los primeros fotógrafos amateurs. Se diferencia de los fotógrafos de su época porque a él no le gustaba recargar a los modelos con decorados artificiales, sino que prefería hacer un retrato más puro, más naturalista.
Fuentes de información: https://es.wikipedia.org/wiki/Lewis_Carroll http://ojoscaleidoscopio.blogspot.com.es/2011/06/fotografias-de-lewis-carroll.html
Nadar. Es un fotógrafo de finales del siglo XIX. Nació en Lyon en 1820 donde estudió medicina, para posteriormente trasladarse a la capital francesa donde comenzó a ganarse la vida como periodista y caricaturista, hasta que se interesó por la fotografía como complemento para utilizar los retratos como bocetos de sus posteriores caricaturas. Sus retratados aparecían delante de un fondo neutro, centrando la atención del espectador en los gestos del sujeto representado. Lo importante era jugar con la luz y adentrarse en la psicología del personaje. Dejando a un lado los retratos, otras fotografías importantes para la historia fueron las que hizo desde un globo aerostático en lo que vinieron a ser las primeras imágenes aéreas. En 1900 publicó su libro "Cuando yo era fotógrafo" una obra muy interesante y rica en enseñanza, dotada con muchas anotaciones sobre la fotografía, más tarde es homenajeada en la Exposición Universal de París.
Fuentes de información: https://es.wikipedia.org/wiki/Nadar http://www.fotonostra.com/biografias/nadar.htm
Edward Curtis.
Edward Sheriff Curtis nació en Whitewater, 16 de febrero de 1868 y falleció en Whittier, 19 de octubre de 1952, fue un fotógrafo y etnólogo autodidacta estadounidense. Es conocido popularmente como ‘el fotógrafo de los indios’, puesto que pasó la mayor parte de su vida inmortalizando los paisajes del oeste americano y los rostros y maneras de vivir de los pueblos nativos y las tribus indígenas del continente. Sus fotografías son conocidas en todo el mundo, y algunas han alcanzado el estatus de iconos culturales, sobrepasando la fama de su autor. Su padre, el reverendo Johnson Curtis, volvió enfermo y empobrecido de la Guerra de Secesión. Su falta de visión comercial hizo que todos sus negocios fracasaran. Para poder alimentar a su familia, acabó aceptando un trabajo como predicador ambulante en una zona semisalvaje de Minnesota, habitada por míseros colonos. El pequeño Edward acompañó a su padre en algunos de sus viajes, a pie o en canoa. Aquellas aventuras por ríos, bosques y montañas cimentaron su amor por la naturaleza y su curiosidad por otros pueblos. Con solo 12 años, el habilidoso Edward se las arregló para fabricar su primera cámara. El chico instaló en una caja de madera una lente estereoscópica que su padre había traído de la guerra. Con aquel rudimentario aparato, Edward sólo conseguía hacer unas fotos muy mediocres. Sin embargo, la experiencia le sirvió para aprender los principios básicos de la fotografía, y decidió convertirla en su medio de vida.
Fuentes de información: https://es.wikipedia.org/wiki/Edward_Sheriff_Curtis http://anthropotopia.blogspot.com.es/2013/09/edward-s-curtis-fotografia-yetnografia.html
Robert Mapplethorpe. Robert Mapplethorpe nació en Nueva York, 4 de noviembre de 1946 y murió en Boston, 9 de marzo de 1989. Es una de las figuras más célebres de la fotografía en blanco y negro de gran formato. Sus series de flores y desnudos son especialmente reconocibles, la elevada carga sexual de algunas de estas últimas le llevaron a ser calificadas pornográficas.
A pesar de venir de una familia católica, con una crianza convencional y un tanto rígida y de que su padre quisiera que se integrara a la milicia, Mapplethorpe no se acostumbró a ello. En su lugar, dio a conocer su homosexualidad y comenzó con el consumo de drogas. En sus comienzos, Robert Mapplethorpe no se consideraba fotógrafo. «Nunca me gustó la fotografía», llegó a citar. A lo que puntualizó: «no la fotografía en sí. Me gusta el objeto. Me gustan las fotos cuando las tienes en la mano». Sus primeros trabajos con una cámara fueron autorretratos realizados en Polaroid. Con su cámara Hasselblad en la década de los 70, regalo de un amigo, se dedicó por completo a la fotografía y por su lente posaron muchos amigos suyos. Entre ellos, compositores, artistas y un gran elenco de actores pornográficos y miembros de la comunidad gay y sadomasoquista. Muchas de las fotografías de Robert Mapplethorpe impactaron a la sociedad de ese momento, por su alto contenido sexual, totalmente explícito y sin tapujos. Sin embargo, mientras muchos se escandalizaban, otros le admiraban por su gran dominio técnico.
Fuentes de información: https://graffica.info/robert-mapplethorpe/ https://culturafotografica.es/robert-mapplethorpe-sexualidad/
Jackson Pollock. Jackson Pollock nació en Cody, una pequeña localidad del estado norteamericano de Wyoming, el 28 de Enero de 1912. Realizó su juventud principalmente entre las praderas de Wyoming y Arizona, donde esto le proporcionó la experiencia de vinculación con los indios navajos, donde de ellos pudo observar la relación que tenían con el medio ambiente, la naturaleza. A través de esto pudo aseverar en la técnica que él utiliza que se basa en el goteo de pintura en lienzo tendidos en el suelo. Durante su vida, Pollock tuvo fama y mucha notoriedad siendo uno de los artistas principales de su generación. Pollock era una persona aislada y con una personalidad volátil. Tenía problemas de alcoholismo a los cuales se enfrentó durante toda su vida.
En 1945, se casó con la artista estadounidense Lee Krasner, quien se convirtió en una influencia importante en su carrera y en su legado. Cuando asistió al Manual Arts High School en Los Ángeles, tuvo sus primeros indicios a seguir con el arte. Luego en el año 1929 se mudó a New York, donde sus primeras obras fueron trabajadas con el pintor Thomas Benton[2] en la Liga de Estudiantes del Arte y representaban escenas de la vida cotidiana con un estilo naturalista. Luego en el año 1930 Pollock opta finalmente por matricularse en la academia de Benton y seguir con sus estudios, y en este mismo año redujo su nombre a Jackson Pollock. [ Pollock murió a la edad de 44 años en un accidente automovilístico al conducir en estado de ebriedad. En diciembre de 1956, cuatro meses después de su muerte, Pollock fue conmemorado con una retrospectiva en el Museo de Arte Moderno de Nueva York.
Fuentes de información: https://jacksonpollocksigloxx.wordpress.com/biografias/ https://es.wikipedia.org/wiki/Jackson_Pollock
Julia Margaret Cameron. Julia Margaret nació en el año 1815 y murió a la edad de 64 años, era de nacionalidad británica, exactamente de Calcuta, tras su muerte La figura de Julia Margaret Cameron ha permanecido vigente durante más de un siglo. Fue una mujer de excepción por numerosos motivos: educada y culta Ella era una amante de la fotografía que dedicó su vida al retrato fotográfico de corte artístico. Transformó y adaptó una carbonera de la casa en un improvisado laboratorio y un cuarto de niños en su estudio. Se dedicó a realizar fotografías, retratos en su inmensa mayoría, de sus familiares, amigos, criados,... obligándoles en muchas ocasiones a posar largos períodos de tiempo, debido a las investigaciones que solía llevar a cabo con la luz y las placas. Tuvo una gran inspiración en pintores románticos de la época para realizar sus alegorías, muchas de ellas de ámbito religioso, que causaron gran admiración en sus convecinos, recibiendo grandes felicitaciones por sus interpretaciones.
Llegó a exponer en la Exposición Universal de 1870, y su obra fue bastante reconocida, junto a la de Lewis Carroll, gracias a su reivindicación por parte de los fotógrafos del pictorialismo. Esta artista aprendió de Oscar Gustav Rejlander y Lewis Carroll que fueron los que instruyeron en su carrera fotográfica.
Fuente de información: https://es.m.wikipedia.org/wiki/Julia_Margaret_Cameron https://oscarenfotos.com/2013/09/21/julia-margaret-cameron-fotografa-visionaria/
Irving Penn. Irving Penn fue un fotógrafo de modas y retratos estadounidense y nació en 1917, muriendo a la edad de 92 años. Él era estadounidense, fue conocido y galardonado por el Premio internacional de la Fundación y por el Premio de Cultura de la Asociación Alemana de fotografía. Donde mayormente destacaba era en la fotografía en blanco y negro siendo uno de los fotógrafos más influyentes de la historia. Irving Penn es junto a Richard Avedon y Helmut Newton uno de los grandes retratistas y fotógrafos de moda estadounidense. La carrera de Penn abarcó casi seis décadas y un amplio espectro de trabajos, especialmente para la revista Vogue, pero también retratos, fotografías publicitaria y de tribus. El clásico ‘menos es más’ se convirtió en su lema. Estudió diseño en la Escuela de Artes Industriales del Museo de Filadelfia y era un auténtico precursor de la fotografía entendida como arte y documento mezclando vanguardia y moda. La sencillez era su marca y en base a ella Irving Penn sacaba a la luz lo mejor de aquello que retrataba, ya fuera una modelo, un personaje famoso o un objeto. En sus fotografías, el sujeto solía posar ante un sencillo fondo blanco o gris, usando la simplicidad más efectivamente que otros fotógrafos del momento. Permaneció fiel durante toda su vida a las tomas en estudio y bajo determinadas condiciones de iluminación. Penn era un compositor de imágenes, en su estudio trabajaba casi como un pintor con su lienzo. Imprimió sus propias fotografías y revivió la técnica de platinopaladio. Fuente de información: https://es.m.wikipedia.org/wiki/Irving_Penn
https://www.google.es/amp/www.vogue.es/moda/modapedia/fotografos/irving-penn/88/amp
Garry Winogrand. Garry Winogrand nació en Nueva York, 1928 - 1984, fue un fotógrafo estadounidense. Genial, natural e irónico a través de sus fotos. Son algunos de los rasgos con los que podría definirle. Ganó una beca Guggenheim, participó en la famosa exposición La Familia del Hombre, e intervino de forma destacada en grandes exposiciones en el Moma. Éxitos que son imposibles de entender sin valorar la trayectoria de Winogrand a lo largo de 36 intensos años. Una carrera que comenzó a través de la pintura en el City College de Nueva York, aunque muy pronto se decantó por la fotografía desde que su amigo George Zimbel le mostró el oscuro sótano de la Facultad de Arquitectura donde observó por primera vez el proceso de revelado. Poco a poco, Winogrand fue desarrollando una capacidad especial para captar todo aquello que le rodeaba. Sus fotografías irradiaban naturalidad, eran un fiel reflejo de la sociedad de la época. El genial Garry Winogrand ostenta, con toda probabilidad, el honor de ser el fotógrafo callejero más prolífico de la historia. Muestra de ello es que a su muerte dejó 2.500 rollos de película de 35mm sin revelar, 6.500 rollos revelados sin contactos y unos 3.000 rollos intactos. Unas cifras con las que se estima que dejó más de 300.000 fotografías sin publicar, es decir, el trabajo durante dos vidas de un fotógrafo al uso. Fuentes de información: https://es.wikipedia.org/wiki/Garry_Winogrand http://www.cadadiaunfotografo.com/2009/10/garry-winogrand.html
Rembrandt. Rembrandt nació en Leiden, Países Bajos en 1606 y murió en Amsterdam, 1669. Recibió una esmerada educación y llegó a ingresar en la Universidad de Leiden, donde estudió un curso, ya que por entonces decidió dedicarse a la pintura. Sus dibujos y pinturas fueron siempre muy populares, gozando también de gran predicamento entre los artistas y durante veinte años se convirtió en el maestro de prácticamente todos los pintores neerlandeses. Entre los mayores logros creativos de Rembrandt están los magistrales retratos que realizó para sus contemporáneos, sus autorretratos y sus ilustraciones de escenas bíblicas. Los autorretratos es un género que el artista cultivó a lo largo de toda su carrera, mientras que los primeros son
alegres, brillantes y un tanto superficiales, los de los últimos años tienen un carácter sombrío, sereno, y reflejan una profundidad muy superior. De los numerosos géneros que cultivó, el religioso y el retrato fueron los dos en que más brilló su talento de maestro del Barroco. Fuentes de información:
https://www.biografiasyvidas.com/biografia/r/rembrandt.htm https://es.wikipedia.org/wiki/Rembrandt
Jacob van Ruysdael. Jacob van Ruysdael nació en 1628 y murió en 1682, fue un pintor barroco neerlandés, especializado en la pintura de paisaje. Ruysdael fue muy prolífico, y a partir del siglo XVIII sus obras ganaron estimación y se dispersaron por museos y colecciones de media Europa; algunas se encuentran en el Louvre y en la National Gallery, Londres, así como en colecciones de La Haya, Ámsterdam, Berlín, y Dresde. En España destaca el repertorio conservado en el Museo Thyssen-Bornemisza, y también hay un bello paisaje suyo en el Museo de Bellas Artes de Bilbao. Sus primeras obras se caracterizan por un profundo realismo aprendiendo de la obra de Salomón y de la de Van Goyen, pero se libera de él gracias a la influencia de la obra de Rembrandt. Toda su producción está dedicada al tema del paisaje en toda su variedad, playas, vistas de ciudades, montañas, tempestades, bosques, ect. La influencia de Ruisdael en la pintura paisajista fue muy amplia durante todo el siglo XVIII y su obra se convirtió en un punto de referencia fundamental para los paisajistas románticos. Fuentes de información: https://es.wikipedia.org/wiki/Jacob_van_Ruisdael http://www.mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=ruisdael-jacob-van
Robert Frank. Robert Frank, nacido el 9 de noviembre de 1924 en Zúrich, Suiza, es una importante figura estadounidense dentro del ámbito de la fotografía y el cine. Se inclinó por la fotografía en parte como una forma de escapar a la tradición de los negocios familiares, siendo entrenado por algunos fotógrafos y diseñadores gráficos antes de crear su primer libro de fotografías en 1946, 40 Fotos. Sus fotografías se publican en Francia en el año 1958, con el título Les Americains, y en 1959 en Estados Unidos como The Americans donde mostraba escenas de la vida cotidiana en Estados Unidos desde la perspectiva de un extranjero. La irónica visión personal de sus fotos cuestionaba el ideal americano. Para los fotógrafos estadounidenses este libro cambió el modo de observar su entorno. Casi siempre se trataba de imágenes tristes que retrataban el aburrimiento, la depresión y la desesperación como parte de la vida diaria. Se convirtió en un polémico retrato de Estados Unidos, que muchos críticos desaprobaron por su honestidad y oscura visión. En los años sesenta trabaja en el cine y como profesor de este arte.
Fuentes de información: http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/03/robert-frank.html https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/42/Robert%20Frank
Edward Weston. Edward Weston nació el 24 de marzo de 1886 y murió el 1 de enero de 1958, fue un fotógrafo estadounidense que se caracterizó por utilizar una cámara fotográfica de placas con un formato de 18 X 24 cm y emplear el primer plano en temas naturales para obtener formas poco corrientes. Fue uno de los fotógrafos más importantes de la fotografía directa y cofundador del Grupo f/64. Edward Weston hizo sus primeras fotos con 16 años. Con 20 se trasladaría a California donde pasó la mayor parte de su vida, viajando a Nueva York en 1922 para conocer a Stieglitz y a Méjico en 1923 con Tina Modotti. Tras su vuelta a California el paisaje del desierto de Mojave le impresiona y le abre nuevos caminos creativos. Luego fotografiaría durante décadas el desierto de California y Point Lobos y posteriormente las dunas de los alrededores de Santa Mónica. Ya desde temprana edad, destacó por su trabajo artístico en fotografía en blanco y negro. En 1947 tuvo su primer contacto con la fotografía en color.
Fuentes de información:
https://es.wikipedia.org/wiki/Edward_Weston http://www.cadadiaunfotografo.com/2009/11/edward-weston.html
Bill Owen. William John Owen Rowbotham nació el 14 de marzo de 1914 y falleció el 12 de julio de 1999, más conocido como Bill Owen, fue un actor y compositor británico. Bill Owens se Introdujo en la fotografía, mientras que trabajaba como voluntario del Peace Corps en Jamaica (de 1964 a 1966) como maestro de escuela en un pueblo rural. Estudió en el San Francisco State College hasta que fue contratado como fotógrafo para el periódico local de Livermore, un suburbio del este de la bahía de San Francisco. Owens obtuvo una beca Guggenheim en 1976 y dos becas de NEA, y es conocido por sus fotografías de escenas domésticas suburbanas tomadas en el Este de la Bahía y publicados en el libro Suburbiaen 1973, considerado por Andrew Roth como uno de los 101 libros de fotografía más influyentes del siglo XX. Bill Owen siguió trabajando hasta el momento de su fallecimiento, ocurrido a causa de un cáncer de páncreas en Ciudad de Westminster, Londres,3 el 12 de julio de 1999.4 Su hijo, el actor Tom Owen, formó parte del reparto de Last of the Summer Winetras la muerte de su padre.
Fuentes de información: https://es.wikipedia.org/wiki/Bill_Owen http://www.cadadiaunfotografo.com/2014/03/bill-owens.html
Lewis Carroll. Charles Lutwidge Dodgson nació en Reino Unido el 27 de enero de 1832 y falleció en Guildford, Reino Unido el 14 de enero de 1898.
Es más conocido por su seudónimo Lewis Carroll, fue un diácono anglicano, lógico, matemático, fotógrafo y escritor británico. Cursó estudios en la Universidad de Oxford donde obtuvo el grado de bachiller y se recibió de preceptor. En 1865 publicó una de sus obras más conocidas: Alicia en el país de las maravillas. A los 20 años, se le otorgó una beca (llamada beca en otras universidades) a Christ College. Además de ser profesor de matemáticas, escribia ensayos, panfletos políticos y poesía. "The Hunting of the Snark" muestra su maravillosa habilidad en el género de las tonterías literarias. Le encantaban los niños, para los que escribió miles de cartas, que a su muerte fueron recopiladas con el título de Cartas de Lewis Carroll (1979). Además de dedicarse a la escritura, tuvo una gran afición por la fotografía. Realizó retratos como los de la actriz Ellen Terry y los poetas lord Alfred Tennyson y Dante Gabriel Rossetti. En 1880 dejó esta afición por numerosas críticas que recibió ya que fotografió a niñas desnudas.
Fuentes de información: https://es.wikipedia.org/wiki/Lewis_Carroll https://www.biography.com/people/lewis-carroll-9239598 https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/960/Lewis%20Carroll
Samuel Bourne. Fotógrafo inglés nació en 1834 y falleció en 1912 en Gran Bretaña. conocido por sus 7 prolíficos años fotografiando la India con cámara de placas y la técnica del colodión húmedo. Su capacidad de crear excelentes fotografías mientras viajaba por las áreas más remotas del Himalaya lo coloca firmemente entre los fotógrafos de viajes más importantes del siglo XIX. Antes de volver a Inglaterra en 1872, trabajó como corresponsal para el periódico British Journal of Photography, para el que escribió varios artículos sobre sus viajes.
Cuando Bourne regresó a Inglaterra en enero de 1871, había hecho aproximadamente 2.200 bellas imágenes del paisaje y la arquitectura de la India y el Himalaya. Trabajando principalmente con una cámara de placa de 10x12”, y con el proceso de colodión húmedo, complicado y laborioso, su impresionante cuerpo de trabajo fue siempre de excelente calidad técnica y, a menudo de brillantez artística. Las copias eran realizadas a la albúmina. Cuando Bourne regresó a Inglaterra en enero de 1871, había hecho aproximadamente 2.200 bellas imágenes del paisaje y la arquitectura de la India y el Himalaya. Trabajando principalmente con una cámara de placa de 10x12”, y con el proceso de colodión húmedo, complicado y laborioso, su impresionante cuerpo de trabajo fue siempre de excelente calidad técnica y, a menudo de brillantez artística. Las copias eran realizadas a la albúmina.
Fuentes de información: http://www.mcnbiografias.com/app-bio/do/show?key=bourne-samuel http://www.cadadiaunfotografo.com/2015/05/samuel-bourne.html
Joel Meyerowitz. Joel Meyerowitz es un fotógrafo estadounidense nació el 6 de marzo de 1938 en Bronx, Nueva York, que realiza fotografía de calle, paisaje y retrato y fue uno de los precursores en el uso del color en 1962, cuando no se consideraba serio el uso del color en la fotografía artística. Joel Meyerowitz es uno de los grandes fotógrafos documentalistas de la vida norteamericana. El único capaz de fotografiar las huellas del mayor atentado en la historia de Estados Unidos. Más allá del contenido de sus fotografías, uno de los principales logros de Meyerowitz es haber transformado el color en un auténtico idioma visual. Un día vio a Robert Frank trabajando con su Leica 35mm y abandonó su trabajo como director artístico en una agencia de publicidad para salir a la calle con su cámara de 35mmm y un carrete en diapositivas a hacer fotografías y allí se encontró con Tony Ray Jones, Garry Winogrand. En 1979 publicó su primer libro, Cape Light, considerado un clásico de la fotografía en color y del que vendió más de 100.000 copias durante 25 años. Fue uno de los catorce obras que ha publicado hasta el momento y que le han situado como uno de los fotógrafos mas prolíficos en materia documental.
Fuentes de información: https://hipertextual.com/2015/08/joel-meyerowitz http://www.cadadiaunfotografo.com/2012/01/joel-meyerowitz.html
Stephen Shore. Stephen Shore es un fotógrafo estadounidense que nació el 1947 en Nueva York. Su tío le regaló un cuarto oscuro de revelado cuando tenía seis años, empezó a usar una cámara de 35mm tres años más tarde para hacer sus primeras fotografías en color. Si William Eggleston nos enseñó una América capturada gracias a su instinto fotográfico, con un cierto desorden respecto a los cánones establecidos con anterioridad, Stephen Shore nos mostró lo mismo pero de una manera ordenada. Su carrera profesional comenzó con catorce años cuando presentó sus fotografías a Edward Steichen, por entonces encargado de fotografía del Museum of Modern Art (MoMa) de Nueva York. En 1971, con 24 años, Shore fue el segundo fotógrafo en vida que expuso su obra en el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York. Suele etiquetarse su fotografía como inexpresiva, no en tono despectivo, presentarnos imágenes de lugares en completa calma, tiene su mérito. Cuando el espectador observa sus fotografías siente como si todo se parase, presentan una quietud aplastante. En 1972 abandonó la escena artística de Nueva York , embarcándose en una serie de viajes a la América rural tomando fotografías de paisajes, en un viaje desde Manhattan a Amarillo, Texas, que despertó su interés por la fotografía en color. Sin duda, su obra más conocida es "The Nature of Photographs", un paseo por fotografías de los grandes autores para ilustrar el proceso de mirar y entender fotografía. Fuentes de información: https://www.xatakafoto.com/fotografos/stephen-shore-fotografiando-con-calma http://www.cadadiaunfotografo.com/2012/01/stephen-shore.html
Luis Baylón. Es un fotógrafo español que nació en abril de 1958 en Madrid, que realiza fotografía de calle, principalmente de Madrid. Luis Baylón compró su primera cámara de 35 mm con 18 años en un mercadillo. Pronto se hizo con una ampliadora y empezó a realizar todo el proceso de revelado. En 1977 instala su primer laboratorio fotográfico para blanco y negro, lo montó con Quico Rivas y García-Alix en Vallecas y en el 94 se produce su encuentro decisivo con Bernard Plossu, Cualladó y Javier Campano. En 1984 su padre le regaló una Rolleiflex 2,8F de doble objetivo que será su cámara preferida. y desde ese momento todo viene rodado: Ajoblanco, El País Semanal, El Europeo, El Mundo Magazine, Tentaciones y la legendaria El Canto de la Tripulación. Su trabajo es principalmente con película y en blanco y negro, aunque también dispara en color, en especial cuando trabaja para marcas como Swatch o discográficas como Polygram. Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas y ha realizado numerosas exposiciones individuales y en grupo.
Fuentes de información: http://www.luisbaylon.com/main/bio.html https://lamaletadefotos.blogspot.com.es/2016/10/luis-baylon-por-un-diatributo.html
Max Pam. Max Pam es un fotógrafo australiano que nació en Melbourne en 1949, considerado uno de los fotógrafos contemporáneos más importantes de su país. A través de textos y fotografías plasma su compromiso con las culturas que ha conocido en sus viajes. Pam salió de Australia a los 20 años, luego de aceptar un trabajo como fotógrafa ayudando a un astrofísico. Este viaje resultó ser inspirador, y Pam siguió viajando, y viajar es un tema en su trabajo. Pam ha trabajado en países asiáticos, Europa, Australia, y las culturas del Océano Índico como la India, Pakistán, Myanmar, Yemen, Tanzania, Islas Mauricio, Madagascar, las islas Cocos y las Christmas.
Ha publicado trabajos en revistas y está representado en importantes colecciones públicas y privadas en Australia, Gran Bretaña, Francia y Japón. Su primera exposición fue en la Art Gallery of Western Australia en 1986, y fue seguida por una retrospectiva de mitad de su carrera en la Art Gallery of New South Wales en 1991. En 2010 su Atlas Monographs ganó el premio al Mejor libro del año en PHotoEspaña. Pam actualmente enseña photomedia en Edith Cowan University, Australia. Fuentes de información: https://en.wikipedia.org/wiki/Max_Pam http://www.cadadiaunfotografo.com/2014/07/max-pam.html
Man Ray. Su verdadero nombre era Emmanuel Radnitzky. nació el 27 de agosto en 1890 en Filadelfia, de familia judía. Cursó estudios en la Academia Nacional de Diseño de Nueva York. En la primavera de 1913, se traslada a una pequeña colonia de artistas afincados en Ridgefield. En 1913 pinta su primer cuadro cubista, un retrato de Alfred Stieglitz. En 1915 hizo el primer one-man-show, con el que se hizo famoso su nombre por América, como uno de los primeros pintores abstractos. Con el pintor francés Marcel Duchamp, participó en la creación del grupo dadá de Nueva York, en 1917. Man Ray se mudó a París en 1921, con la única excepción de 10 años (entre 1940 y 1951) que vivió en Hollywood durante la Segunda Guerra Mundial, pasó el resto de su vida allí, desarrolló los rayogramas, imágenes abstractas realizadas mediante la colocación de objetos sobre superficies sensibles a la luz. Realizó algunas películas como L'etoile de mer (1928). Desde 1940 hasta 1946 trabajó como profesor de fotografía en California . Poseedor de una gran imaginación, y siempre al frente de las vanguardias, trabajó con todos los medios posibles: pintura, escultura, fotografía y películas. Fuentes de información:
http://www.fotonostra.com/biografias/manray.htm https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/4453/Man%20Ray
Helmut Newton. Helmut Newton fue uno de los fotógrafos más importantes del siglo XX, nació en Berlín en 1920 y falleció en Los Ángeles el 23 de enero de 2004. Helmut Newton comenzó en la fotografía siendo un niño. A sus 12 años compró su primera cámara gracia a sus ahorros. Cuatro años más tarde su cámara AGFA Tengor Box y él se convertirían en los aprendices de la fotógrafa Yva, de quien aprendería el dominio del retrato y de los desnudos en blanco y negro. Creó un nuevo estilo en sus fotografías, que están repletas de glamour, de seducción y de elegancia, predominando los desnudos femeninos y los tacones de aguja. Después de dos años de aprendizaje con Yva, Helmut Newton abandonó Berlín el 5 de diciembre de 1938, y se dirigió a Singapur, donde encontró trabajo como reportero gráfico en el Singapore Straits Times. Dos meses más tarde, el redactor jefe del periódico le despidió por inútil. En 1940, Newton arribó a Australia y sirvió cinco años en el ejército australiano como soldado raso, casi siempre al volante de un camión o como peón de vía de ferrocarril. Tras la guerra creó su propio estudio de fotografía, se casó, viajó a Londres (2 años), después a París para trabajar en revistas especializadas de moda como Vogue o Elle. Se queso en París y allí su carrera como fotógrafo de moda empieza a tener reconocimiento mundial, convirtiéndose en uno de los fotógrafos de más éxito. El 23 de enero de 2004 Helmut Newton murió en un accidente de tráfico en Los Ángeles. Fuentes de información: https://www.trendencias.com/fotografos-de-moda/los-mejores-fotografos-de-modahelmut-newton-la-naturalidad-del-sexo http://www.cadadiaunfotografo.com/2009/10/helmut-newton.html
Shelby Lee Adams. Shelby Lee Adams es un fotógrafo estadounidense que nació en 1950 en Hazard, Kentucky, conocido principalmente por sus fotografías de la gente de los Apalaches profundos.
Shelby Lee Adams es el representante de la fotografía pura en el siglo XXI. Hoy en día sigue trabajando con cámaras de gran formato 4×5 . Con 18 años salió para estudiar bellas artes y fotografía a Cleveland, aunque pasaba los largos veranos en el campo. Decidió dedicarse a la fotografía cuando el presidente Lyndon B. Johnson llamó la atención sobre la degradada zona y los fotógrafos llegaron en masa para retratar la América profunda e irse rápido a sus oficinas. Empezó a trabajar en la vertiente humana de la fotografía e hizo suyo un lugar que quedó vedado al resto de los mortales equipados con una cámara y un teleobjetivo. Él se acerca en los dos sentidos de los que hablaba Robert Capa. En sus últimos trabajos, Adams nos muestra a familias que han salido de sus remotas montañas y viven en caravanas, con los discos de las antenas parabólicas dominando el paisaje. Lo curioso es que utiliza todavía material Polaroid, para que los retratados se puedan ver inmediatamente, y sientan como suyo el trabajo del fotógrafo. Fuentes de información: http://www.ferfoto.es/ferfotoblog/naturaleza/entender-a-los-maestros-shelby-leeadams/ http://www.cadadiaunfotografo.com/2011/10/shelby-lee-adams.html
Sebastião Salgado. Nació el 8 de febrero de 1944 en Aymorés. Trabajó en el Ministerio de Finanzas de Brasil y en la sede londinense de la Organización Nacional del Café, y fue en Europa donde descubrió su interés por la fotografía. Sebastiao Salgado es probablemente uno de los fotógrafos vivos más famosos, siendo conocido por el público general que no suele consumir fotografías de forma diaria. Las razones son múltiples y es que Sebastián Salgado ha desarrollado un trabajo fotográfico que se ha centrado alrededor de cuestiones como la inmigración, el trabajo y básicamente, qué es el hombre y su relación con la tierra.
Miembro de la agencia Magnum desde 1979, desarrolló un ensayo fotográfico mostrando las condiciones de esclavitud en las que son explotados los trabajadores de las minas de oro de Sierra Pelada. Sus fotografías (siempre en blanco y negro) se definen por gozar de gran espectacularidad y una excelente composición. Sus fotos más importantes se encuentran en los libros Tierra y Trabajadores.
Fuentes de información: https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/6480/Sebastiao%20Salgado https://culturafotografica.es/sebastiao-salgado-fotografo-documental/
Lewis Hine. Lewis Wickes Hine fue un fotógrafo estadounidense nació en Oshkosh en 1874 y falleció en Nueva York en 1940. Cursó estudios de pedagogía, sociología y en 1904 se inició en el mundo de la fotografía, con fotos de los inmigrantes que llegaban a la isla de Ellis en Nueva York, que llegaban a la Isla de Ellis, Nueva York y por documentos fotográficos que reflejaban las condiciones laborales en los Estados Unidos de la época. En 1908, Hine mantuvo sus opiniones sobre la fotografía, pero añadió que la principal misión de la fotografía es el arte, los factores estéticos de la fotografía y que los demás objetivos son secundarios. A la hora de realizar fotografías se veía antes como figura artística que como científico. A finales de la Primera Guerra Mundial, la Cruz Roja americana contrató a Hine para documentar las consecuencias de la guerra en Europa. Sus fotografías fueron de las primeras en ser publicadas regularmente en revistas, y el fuerte impacto que produjeron contribuyó a la aprobación de la primera legislación laboral infantil. En sus años finales, Lewis Hine, olvidado y sin patronazgo para sus obras, vivió en la misma pobreza que había fotografiado.
Fuentes de información: https://www.buscabiografias.com/biografia/verDetalle/7827/Lewis%20Hine http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/01/lewis-hine.html
Jószef Koudelka. Nació en Checoslovaquia en 1938, es considerado uno de los grandes en la fotografía en blanco y negro, socio de la agencia Magnum y conocido por sus fotografías documentando la vida de los gitanos. Sus fascinaciones infantiles eran la música folklórica, los aviones y las fotografías vernáculas hechas por el panadero. Logró comprar su primera cámara recogiendo fresas y vendiéndolas al hombre de la heladería. Sus primeras fotografías son de su entorno familiar y para realizarlas se vale de una cámara de baquelita 6 x 6. En 1961 realizó su primera exposición en cuya inauguración conoce a Anna Fárová, amiga y colaboradora a lo largo de toda su vida. En 1967 decide abandonar su trabajo como ingeniero para dedicarse exclusivamente a la fotografía. En ese momento se inscribe en la Unión de Artistas Checoslovacos y recibe el premio anual de la asociación por “la originalidad y calidad de sus fotografías de teatro”. En 1970 abandona Checoslovaquia con un visado de tres meses para continuar fotografiando gitanos, en esta ocasión, en el oeste de Europa.
Fuentes de información: https://es.wikipedia.org/wiki/Josef_Koudelka https://oscarenfotos.com/2012/06/17/josef-koudelka-el-nomada/
Edward Steichen. Fue un fotógrafo luxemburgués que nació en 1879 en Bivange, Luxemburgo y falleció en 1973 en West Redding. Dos años más tarde, su familia se traslada a EEUU y se establece en Hancock, Michigan. Allí, de joven, comenzó a estudiar pintura y se inició como aprendiz en el taller litográfico. Tomó su primera foto en 1895 y posteriormente fue miembro del PhotoSecession (club de fotografía artística) y uno de los mayores representantes del Pictorialism.
En 1923 trabajó para las revistas de moda Vanity Fair y Vogue. Entre los famosos que retrató para la primera, se encuentran Greta Garbo y Charles Chaplin. Se le considera el creador de la fotografía del glamour. Durante la segunda guerra mundial dirigió la sección de fotografía de los marines. En 1955, expone su obra maestra, la exposición de fotografía The Family of Man que realizó para el MoMA. El 14 de febrero de 2006 se subastó en Sotheby's, Nueva York, una de sus ampliaciones, titulada "The Pond-Moonlight" de 1904, cuyo valor ascendió a 2,928 millones de dólares (2,46 millones de euros). Siendo hasta entonces el valor más alto ofrecido en subasta por una fotografía.
Fuentes de información: http://biografiadefotografos.blogspot.com.es/2014/11/edward-steichen.html https://es.wikipedia.org/wiki/Edward_Steichen
Francesca Woodman. Nació en 1958 en Denver (Colorado) y murió en 1981 en Nueva York. Su interés por la fotografía surgió a una edad muy temprana. Con solo 13 años empezó con sus primeros trabajos, adoptando ya su estilo característico. Vivió una buena parte de su vida artística en Italia, hija de un matrimonio de artistas (ella ceramista y escultora, él pintor y fotógrafo) empezó a hacer fotografías a los 13 años, en blanco y negro, en formato cuadrado. Su obra consiste, mayoritariamente, en retratos de mujeres en blanco y negro, siendo ella misma la modelo en muchas ocasiones. El cuerpo es uno de los temas centrales de su fotografía; las figuras humanas aparecen borrosas, perdidas en escenarios ruinosos. Se trasladó a Nueva York en 1979, donde quiso hacer carrera fotográfica. Envió portafolios a algunos fotógrafos de moda, pero sus esfuerzos no se vieron recompensados. Debido a su fracaso y a una rotura sentimental, Woodman entró en una depresión y se suicidó saltando por una ventana del Lower East Side de Manhattan.
Fuentes de información:
http://www.lomography.es/magazine/65291-francesca-woodman-la-breve-historiade-una-gran-fotografa https://elpais.com/cultura/2011/01/26/actualidad/1295996405_850215.html
Jacob Riis. Nació en Ribe, Dinamarca, en 1849 y falleció en Barre, Massachusetts, en 1914. Fue uno de los primeros fotógrafos en utilizar el flash y por ello considerado uno de los pioneros de la fotografía. A los 11 años de edad su hermano menor se ahogó; la imagen de la tragedia y, después, la de su madre contemplando el puesto vacío del hijo ausente en el comedor, lo perseguiría el resto de su vida. Usó la fotografía para ilustrar sus artículos y conferencias. Casi siempre fotografiaba escenas de interiores y de gentes relacionadas con la inmigración: italianos, judíos, chinos, irlandeses, etc. Todos aparecen miserables, sucios y desdichados. Vivió denunciando la calidad de vida que tenía la gente más pobre. Trabajó en Ellis Island fotografiando a los inmigrantes que llegaban de Europa. De aquí surge la idea de ilustrar los DNI, visados y pasaportes con una fotografía. Su artículo llamado Cómo vive la otra mitad, alcanzó tal éxito que se le propuso convertir el tema a libro. Jacob Riis alcanzó tanta fama que el candidato a la presidencia de EEUU Theodore Roosevelt se fijó en él. Cuando llegó a la presidencia lo contrató como asesor, dejando así la fotografía. Fuentes de información: http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/02/jacob-riis.html http://biografiadefotografos.blogspot.com.es/2014/10/jacob-riis-biografia.html
Lee friedlander. Es un fotógrafo americano nació en Aberdeen en 1934, publicó una amplia obra de investigación sobre el paisaje urbano y natural estadounidense. Friedlander estudió fotografía en el Art Center College of Design de Pasadena, California. En 1956, se trasladó a Nueva York donde fotografió a músicos del jazz para las portadas de discos. Influyó sobre toda una generación de fotógrafos. Lee Friedlander compuso las fotos y las impregnó con la visión que le ha caracterizado durante sesenta años de oficio.
Su primer trabajo profesional llegó cuando una dama residente en Aberdeen le pagó para que hiciera las fotos de un perro que aparecería en una tarjeta navideña. Algunas de sus fotografías más famosas aparecieron en Playboy de septiembre de 1985, fotografías en blanco y negro de desnudos de Madonna de los años 70. Trabajó inicialmente con cámaras Leica de 35mm y película en blanco y negro, con un estilo que podríamos definir como "paisaje social". Friedlander trabaja actualmente con cámaras fotográficas de mediano formato (Hasselblad Superwide). Mientras que sufría de artritis se centró en fotografiar sus alrededores. Fuentes de información: https://oscarenfotos.com/2015/01/03/lee-friedlander-y-su-paisaje-social/ https://www.xatakafoto.com/fotografos/lee-friedlander-el-mas-influyente-fotografo-delpaisaje-social
Henry Peach Robinson. Henry Peach Robinson fue un fotógrafo inglés, nació en Ludlow el 9 de julio de 1830 y falleció en Royal Tunbridge Well el 21 de febrero de 1901. Es conocido principalmente por la utilización de múltiples negativos o impresiones para formar una sola imagen. Comenzó su carrera artística como pintor de la escuela prerrafealista, profesión que abandonó para dedicarse a la fotografía, abriendo un estudio fotográfico en 1857. En 1852 expuso una pintura al óleo en la Royal Academy y ese mismo año se inició en la fotografía, y cinco años más tarde, tras una reunión con el fotógrafo Hugh Welch Diamond. Inicialmente aplicó a sus imágenes las ideas de la fotografía academicista aportando un poco más de lirismo. Su obra más célebre, Los Últimos Instantes, 1858, nos muestra a una joven moribunda en representación teatral, donde nada queda de los aspectos documentales o testimoniales propios de la fotografía. Perteneció a la Real Sociedad Fotográfica de Gran Bretaña y, posteriormente, al Linked Ring de la que fue cofundador. Las ideas que habrían de provocar el nacimiento de esta última, se encontraban en su obra teórica Efecto Pictorial en Fotografía, 1869, la cual supone un referente básico del pictorialismo fotográfico.
Fuentes de información:
http://www.cadadiaunfotografo.com/2014/01/henry-peach-robinson.html https://es.wikipedia.org/wiki/Henry_Peach_Robinson
Oscar Rejlander. Es originario de Suecia. Su fecha exacta de nacimiento es incierta, pero se estima en el año 1813. Fallece a sus 62 años, el 18 de enero de 1875 en Inglaterra. Su obra fotográfica, realizada en estudio con el empleo de mucho atrezzo, se centra en temas como la alegoría, el mito y la historia. Para la obtención de la obra final realizaba bocetos previos y luego retocaba los negativos, imprimiéndolos en una sola hoja de papel, que volvía a fotografiar para crear una imagen completa y perfecta, con tal maestría que no se notaba el retoque. Se dedicó también al retrato fotográfico y luego a la fotografía de desnudo creando alta controversia en el público de la época. Fue amigo y maestro de Lewis Carroll, quien recopiló la obra inicial de Rejlander y colaboró en resolver los problemas técnicos de éste. En 1863 Rejlander visitó la Isla de Wight y colaboró con Julia Margaret Cameron. Los dos caminos de la vida en 1857, utilizó hasta 23 modelos para representar los 29 personajes, colocados en una compleja y rica escenografía, realizando 32 negativos en el plazo de seis semanas, que luego compuso en el laboratorio, uniendo las partes con pasta. Se cuenta que Rejlander calculaba la exposición a dar en sus tomas mandando a su gato un rato a la calle y luego le llamaba y fijándose en el tamaño de la pupila del animal decidía los valores a usar. Gran número de sus fotografías fueron compradas por el príncipe Alberto, lo que no evitó que permaneciera escaso de fondos, por lo que alternó la fotografía con trabajos de pintura. Fuentes de información: http://biografiadefotografos.blogspot.com.es/2014/10/biografia-oscar-gustavrejlander.html http://www.cadadiaunfotografo.com/2014/01/oscar-gustav-rejlander.html
Robert Lèon Demachy.
Aunque no se sabe con certeza los motivos a mitad de la década de 1870 descubre la fotografía, continuamente realiza tomas fotográficas y se dedica a escribir sobre fotografía. Aunque nunca trabajó como un profesional de la fotografía. Realizó varias exposiciones en la Royal Photographic Society de Londres, marcando en cada una un nuevo hito en su carrera, y en cada una dio un discurso de apertura a los miembros de la esta sociedad, dando a conocer los aspectos técnicos y estéticos de su obra. En 1904 publicó varios de sus trabajos en Camera Work, lo que significó dar a conocer su trabajo en Estados Unidos. En 1905 fue elegido miembro de la Royal Photographic Society. En 1882 fue elegido miembro de la Sociedad Francesa de Fotografía lo que le permitió conocer a los principales fotógrafos europeos de la época y durante un tiempo se sintió frustrado ante las ideas conservadoras que mantenían. Sobre 1906 abandonó la técnica de la goma bicromatada a favor de la impresión al óleo y escribió un libro con Constant Puyo titulado Procédés d’art en photographie. En 1893 se casó con Adelia y se convirtió en uno de los primeros parisinos poseedor de un automóvil. A principios de 1914, sin explicación, Demachy dejó de hacer fotografías y nunca más tocó una cámara.
Fuentes de información: http://biografiadefotografos.blogspot.com.es/2014/11/robert-demachy.html http://www.cadadiaunfotografo.com/2012/04/robert-demachy.html
José Ortiz Echagüe. Fotógrafo español, nació en Guadalajara en 1886 y falleció en Madrid en 1980. La faceta más conocida de su trabajo son los retratos y los paisajes que, en Marruecos, realizó en el tiempo libre que le dejaba su actividad militar. Las imágenes muestran las condiciones de vida y las tradiciones de los lugares en los que vivió Ortiz Echagüe. Consiguió retratar a Alfonso XIII y realizar la famosa fotografía Sermón en la aldea (1903) con medio minuto de exposición, en la que aparecía todo un pueblo. Obtuvo los títulos de piloto de globos y de piloto de aviación en 1911.
Desde el punto de vista artístico y por su formación y temática se le podría considerar el representante de la generación del 98 en la fotografía. Se le suele encuadrar dentro de la corriente fotográfica del pictorialismo. Su obra fotográfica se enfoca hacia la plasmación de los caracteres más definitorios de un pueblo: sus costumbres y atuendos tradicionales y sus lugares. Consigue expresar con sus fotografías una expresión personal más cercana a la pintura, casi siempre mediante efectos durante el positivado. Fuentes de información:
http://www.elmundo.es/la-aventura-de-lahistoria/2014/06/05/53900c8022601d68348b456b.html http://www.cadadiaunfotografo.com/2011/12/jose-ortiz-echague.html
George Rodger. Nació en Hale, Cheshire, en 1908 y falleció el 24 de julio de 1995 en Ashford. Aunque comenzó a tomar fotografías a los 15 años, su sueño era convertirse en escritor. Rodger decidió buscar suerte en los Estados Unidos, pero 1929 no era precisamente un buen año para encontrar empleo, aun así, sobrevivió a la Gran Depresión trabajando en diversas fábricas y granjas. Su proximidad a la fotografía no era más que documental: no le interesaba la fotografía por sí misma, sino como un medio mecánico para expresar lo que sentía y veía. Pronto procuró hacerse de una cámara Leica y una Rolleiflex para entrar de lleno en su profesión. Comenzó a publicar en numerosas revistas y desde un principio escribió los textos que acompañaban sus imágenes. Rodger fue un fotógrafo que contaba historias. Fue uno de los fundadores de la agencia Magnum y después de sus fotografías de la II Guerra Mundial documentó diversas culturas africanas. Para Rodger, las guerras se convirtieron en una experiencia traumática no pudiendo volver a trabajar como corresponsal de guerra. Dejó Life y viajó por África y Oriente Medio, evadiéndose de la sociedad occidental. En 1947, fundó junto a Robert Capa, David Seymour y Henri Cartier-Bresson la agencia Magnum, trabajando durante más de 30 años como freelance, haciendo expediciones y fotografiando gente y paisajes de África. Fuentes de información:
https://es.wikipedia.org/wiki/George_Rodger http://www.cadadiaunfotografo.com/2012/02/george-rodger.html
Ralph Gibson. Ralph Gibson es un fotógrafo estadounidense, nació en Los Ángeles en 1939. Ingresó en la Escuela Naval de Fotografía con sede en Pensacola (Florida), donde adquirió una formación técnica muy completa. Su trabajo en la marina consistía en realizar retratos, fotografía aérea y fotografía documental. Terminado su servicio militar empezó a estudiar fotografía en el instituto de arte de San Francisco, pero enseguida paso a ser asistente de Dorothea Lange. En 1961 se compró una cámara Leica de 35 mm y descubrió nuevas posibilidades y otra forma de hacer fotografías. A su regreso a Los Ángeles tuvo intenciones de matricularse en la escuela de arte, pero tras una breve estancia en San Francisco decidió trasladarse para estudiar fotografía en el instituto de arte de esa ciudad. Publicó sus primeras fotos en 1963 en la revista Nexos de San Francisco. En 1965 uno de sus trabajos para la agencia Kennedy Graphics se convirtió en su primer libro titulado The Strip. En 1971 realizó un viaje por Europa, lo que le permite realizar gran cantidad de fotos en Francia e Inglaterra, que incluyó en su libro Déjà Vu que publicó en 1973 En 1975 aparece el último libro de su trilogía Days at Sea.
Fuentes de información. https://es.wikipedia.org/wiki/Ralph_Gibson https://www.xatakafoto.com/fotografos/ralph-gibson-un-sonambulo-en-nueva-york
Eugène Atget. Nació el 12 de febrero de 1857, Francia y falleció el 4 de agosto de 1927, París, fue un fotógrafo francés. Se establece en París donde se convierte en fotógrafo ambulante, tras fracasar como pintor. Él considera sus fotografías como documentos para artistas. Atget se dedica a sacar retratos de personas en plena calle y empieza a crear lo que
sería su obra más conocida: una colección de fotografías para sí mismo de la vida diaria de la ciudad a principios del siglo XX, luego de las reformas que sufriera la ciudad desde mediados del siglo XIX, por iniciativa del barón Haussmann. Para sus fotografías de monumentos de París utilizó una cámara de fuelle con placas de vidrio de 18 x 24 cm. con el objetivo desplazado, para evitar que las verticales se distorsionaran, lo que provocaba la aparición de bordes negros en la parte superior de sus fotografías. Sus fotografías tienen gran fuerza de sugestión, reflejan la cotidianidad parisina, de una forma espontánea, libre de las ataduras de otros movimientos más artísticos. El museo de monumentos históricos de París consiguió 2000 trabajos de Atget en 1927.
Fuentes de información: http://biografiadefotografos.blogspot.com.es/2014/10/biografia-de-eugene-atget.html http://www.fotonostra.com/biografias/eugeneatget.htm
Clementina Hawarden. Fue una fotógrafa escocesa, nació el 1 de junio de 1822 en Cumbernauld y falleció en Londres, el 19 de enero de 1865. Es probable que comenzara a experimentar con la fotografía a partir de 1857, realizando inicialmente fotos estereoscópicas de paisajes en los alrededores de la finca, mientras vivía en la propiedad de la familia de su marido en Dundrum, Condado de Tipperary, Irlanda. Se trasladó a Londres en 1859 donde instaló su estudio en una elegante casa en el sur de Kensington. Allí tomó muchos de los retratos característi cos por los que es principalmente recordada, muchos de los cuales incluyen sus hijas adolescentes Isabella Grace, Clementi na, y Florence Elizabeth. Lewis Carroll, también fotógrafo, fue un admirador del trabajo de Lady Hawarden.Su trabajo es también comparado con Julia Margaret Cameron, otra fotógrafa victoriana. Al crear estas imágenes enigmáticas, replanteó nuevos retos al arte de la fotografía. Es por ello que está considerada por algunos especialistas como la primera artista de la imagen fotográfica. Le gustaba utilizar la luz natural para hacer sus fotografías. En su momento esto fue visto como algo “atrevido” y novedoso; colocaba espejos para reflejar la luz y los utilizaba para explorar la idea de “el doble”. Sus retratos fueron donados al Victoria and Albert Museum de Londres en 1939 por su nieta, Clementina Tottenham. Las fotografías fueron arrancadas de los álbumes
familiares por razones aún poco claras, lo que explica las características esquinas rotas de la obra de Hawarden. Fuentes de información: htt ps://es.wikipedia.org /wiki/Lady_Clementi na_Hawarden htt p://www.cadadiaunfotografo.com/2014/12/clementi na-hawarden.html
Leni Riefenstahl. Nació en Berlín el 22 de agosto de 1902 y falleció en Pöcking el 8 de septiembre de 2003. Leni, amante de la pintura y la poesía desde muy temprana edad, creció y se educó en Berlín hasta la edad de 21 años. Estudió en la Escuela de Artes de Berlín, llegando a ser destacada bailarina de ballet, actuando como tal en Berlín y Munich, esta decisión de Leni tuvo la aprobación de su madre que siempre pensó que el destino de su hija estaba en el arte. La carrera de Leni como bailarina se frustró cuando se lesionó la rodilla y al darse cuenta que quería ser actriz, que llegó a lo alto. En el año 1931 fundó su propia compañía cinematográfica. En ese mismo año escuchó a Adolf Hitler en un mitin y le ofreció todo su talento y colaboración. Leni obtuvo del régimen nazi toda clase recursos económicos y técnicos y un fuerte apoyo como cineasta, a diferencia de otros cineastas alemanes de la época, Tras el final de la Segunda Guerra Mundial, fue enjuiciada muchas veces por nazi y aunque finalmente quedó libre, fracasó su matrimonio y quedó en la miseria económica.
Pero a partir de la década de 1950, Riefenstahl inició una nueva y estimulante etapa profesional, esta vez como fotógrafa. A finales de la década siguiente produjo una detallada y bella documentación fotográfica sobre un pueblo africano.
Fuentes de información: http://www.cadadiaunfotografo.com/2012/10/leni-riefenstahl.html http://www.exordio.com/1939-1945/civilis/cine/leni.html
Claude Cahun. Nació en Francia, en Nantes, en 1894. Estudió en Inglaterra, en los años 20, y Filosofía y Letras en La Sorbona. Cahun era una artista polivalente: además de escritora, escultora y fotógrafa también fue actriz. Hacia 1925 desde sus fotografías se transfigura en Safo, Penélope, Salomé, Eva, Dalila, Judith, Helena… Se trata de la serie Héroïnes, sobre los prototipos femeninos y hacia 1929 el magazine Bifour publica en sus páginas el Autorretrato Anamórfico. Se relacionaba con Georges Bataille y André Breton. En 1936 participa en la exposición Surrealista de Objetos y en la International Surrealist Exhibiton de Londres, así como la muestra surrealista de la galería Charles Ratton. El año siguiente ilustra con 22 fotografías el libro Le Coeur de Pic de Lise Deharme. Está afiliada al surrealismo, pero nunca se convierte en miembro oficial del movimiento. Cahun crea ficciones con sus fotomontajes, o con sus acciones performáticas, como la de Combat de Pierres (1931) donde dos monolitos de piedra se enfrascan en una lucha gracias a extraños brazos. Cuando no se fotografía a sí misma, vuelve sus objetivos hacia sus compañeros masculinos o femeninos para hacerles retratos cargados de ternura. Fuentes de información: http://mujeresenelarte.blogspot.com.es/2008/04/claude-cahun-breve-biografia.html https://es.wikipedia.org/wiki/Claude_Cahun
Lee Miller. Fue una modelo y fotógrafa americana, nació en Poughkeepsie en 1907 y falleció en 1977 en Chiddingly. Con 19 años conoció a Condé Nast, fundador de la revista Vogue, con quién inició su carrera como modelo. En Paris conoce a Man Ray. Al poco tiempo de conocerlo se convierte en su ayudante y amante con quien vivió durante tres años. Abrió su propio estudio fotográfico encargándose a veces de hacer fotografías de moda encargadas a Man Ray para que él pudiese concentrarse en su pintura.
Es conocida principalmente por sus fotografías surrealistas, aunque también trabajó el retrato y la fotografía de moda, además de la documental sobre la Segunda Guerra Mundial y su postguerra. Tras terminar su relación con Man Ray regresó a Nueva York en 1932 estableciendo un estudio fotográfico con la colaboración de su hermano. En 1934 se casó con Aziz Eloui Bey y se trasladó a vivir a Egipto donde no trabajó de modo profesional aunque si realizó fotografías surrealistas como Portrait of Space. En 1937 regresó a París donde conoció a su futuro marido, el crítico y coleccionista Roland Penrose. Finalmente en 1939 vuelve a Inglaterra y cuando estalla la segunda guerra mundial consigue trabajar para la oficina de Vogue en Londres y comenzó a documentar los horrores de la guerra. En 1947 se funda la agencia Magnun y Lee Miller se convirtió en uno de sus primeros miembros. Tras su muerte, deja más de 40.000 fotografías en su archivo, que gestiona su hijo Anthony Penrose, que divulga su obra. Fuentes de información: http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/04/lee-miller.html https://es.wikipedia.org/wiki/Lee_Miller
Aenne Biermann. Fue una fotógrafa alemana, nació el 8 marzo de 1898 en Goch y falleció el 14 enero de 1933 en Gera. Sus primeros temas fueron sus dos hijos, Helga y Gershon. Mineralogista aficionada, gracias a su colección de rocas conoció al geólogo Rudolf Hundt en 1926, quien le encargó fotografiar su colección al año siguiente para su trabajo científico. La mayoría de las fotografías de Biermann fueron filmadas entre 1925 y 1933. Sus fotografías de minerales transformaron su práctica fotográfica hasta de ella una figura central en la Nueva Objetividad fotografía, un importante movimiento del arte en la República de Weimar. Su trabajo se dio a conocer internacionalmente a finales de los 20. Su trabajo se hizo internacionalmente conocido a finales de la década de 1920, cuando formaba parte de todas las principales exposiciones de fotografía alemana. Fuentes de información: http://www.cadadiaunfotografo.com/2015/05/aenne-biermann.html
https://en.wikipedia.org/wiki/Aenne_Biermann
Florence Henri. Fue una pintora fotógrafa suiza, nació el 28 de junio 1893 en Nueva York y falleció el 24 de julio 1982 en Francia. Experimentó la técnica del fotomontaje, la impresión negativa asociada a la positiva, la superposición de imágenes, el uso de espejos para distorsionar las perspectivas y muchas otras técnicas innovadoras. Tras la muerte de su padre, 3 años más tarde, se fue a vivir a Italia con sus tíos, estudiando piano en Roma, después se pasó a la pintura. Finalmente estudió fotografía con László Moholy-Nagy. En París, conoció entre otros a Man Ray, Germaine Krull y al húngaro André Kertész, que fueron importantes para su trabajo fotográfico. Desarrolló un trabajo muy personal, basado en experimentos con espejos y prismas, con un estilo que tocaba desde la Bauhaus, el dadaísmo y el surrealismo. Sus fotografías de los años 30 se celebraban como iconos de la vanguardia. Su obra fotográfica fue reconocida durante su vida en exposiciones en solitario y en publicaciones en diversas revistas. También produjo fotografías durante este período, como una serie de fotos de la bailarina Rosella Hightower. El último periodo de su vida lo dedicó a la publicación personal de su antiguas fotografías y volvió de nuevo a trabajar el collage. Sus obras se han exhibido en el Centro Pompidou, y en el Hotel de Sully en 2009, como parte de la Paris capitale photographique 1920-1940. Fuentes de información: https://en.wikipedia.org/wiki/Florence_Henri http://www.cadadiaunfotografo.com/2014/12/florence-henri.html
Margaret Bourke-White. Fue una fotógrafa americana, nació en el Bronx de Nueva York en 1904 y falleció en Stamford, en 1971. Se interesó por la fotografía cuando estudiaba en la Universidad de Cornell, abrió su estudio en Cleveland donde se especializó en la fotografía arquitectónica. En 1930 fue el primer fotógrafo occidental admitido. A consecuencia de ello, en 1931 publicó "Eyes on Russia". Fue la primera mujer corresponsal de guerra y la primera mujer fotógrafa que trabajó para la revista Life en 1935, dirigida por Henry Luce.
En la primavera de 1945, viajó a través de una Alemania destruida con el Gral. George S. Patton y fue la primera en ser permitida trabajar en zonas de combate y uno de los primeros fotógrafos en documentar un campo de concentración. Tras la Segunda Guerra Mundial se interesó por la campaña de la no violencia impulsada por Gandhi, fotografiando a éste con su rueca. Enferma de Parkinson, abandonó a la fuerza la fotografía y se dedicó a escribir su autobiografía "Portrait of Myself", que fue un bestseller. Fuentes de información: https://es.wikipedia.org/wiki/Margaret_Bourke-White http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/05/margaret-bourke-white.html
Gordon Parks. Nació el 30 de noviembre de 1912 en Kansas y falleció el 7 de marzo de 2006 en Manhattan. El primer carrete fotográfico que hizo le animó a dedicarse a la misma. Se había comprado una cámara Voigtländer Brillant y con ella hizo después una serie de fotografías de modas para una tienda local en Saint Paul. Fue el primer afro-americano en trabajar tiempo completo para la revista Life y el primer artista afro-americano en dirigir y producir una película para Hollywood “The Learning Tree”. Quizá su fotografía más conocida sea la que tituló American Gothic que tomó durante su breve estancia en la FSA. La foto muestra a una empleada de limpieza de nombre Ella Watson de pie delante de una bandera norteamericana, con un trapo en una mano y una escoba en la otra. Sin importar el medio que escogiera para expresarse, buscaba acabar con los estereotipos, pero sin dejar de comunicarse con el gran público. Al tener éxito tempranamente en su carrera como fotógrafo, y a pesar de no tener una formación profesional, se convenció de que podía lograr lo que se propusiera. Una muestra del poder de su fotografía es su famoso artículo para Life, que trataba sobre el niño Flavio Da Silva desesperadamente enfermo que vivía en una favela de Río de Janeiro. Las fotos de Parks causaron tanto revuelo al ser publicadas en 1961 que los lectores recaudaron 30 mil dólares en donativos y la revista llevó al niño a Denver para su tratamiento contra el asma y pagó una nueva casa para su familia en Río. En su tiempo libre fotografiaba desnudos femeninos, experimentaba con la doble exposición de película de color y fotografiaba escenas pastorales al estilo pictorialista de principios del siglo XX. Fuentes de información:
http://v1.zonezero.com/magazine/obituaries/parks/indexsp.html http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/12/gordon-parks.html
Willy Ronis. Nació en París el 14 de agosto de 1910 y falleció en París el 12 de septiembre de 2009. La primera afición de Ronis fue la música. Al volver del servicio militar en 1932, sus clases de violín hubieron de suspenderse porque su padre tenía un cáncer, tras lo cual Ronis tuvo que hacerse cargo del negocio de su familia. Los trabajos de los fotógrafos, Alfred Stieglitz y Ansel Adams le inspiraron para empezar a explorar el mundo de la fotografía. En 1953, Edward Steichen incluyó a Ronis, Henri Cartier-Bresson, Doisneau, Izis, y Brassaï en una exposición en el Museo de Arte Moderno, (MoMA), titulada “Five French Photographers”. Su esposa Marie-Anne Lansiaux fue la modelo de su famosa foto de 1949, Desnudo Provenzal. Ronis comenzó a enseñar en los 50, y llegó a dar lecciones en la Escuela de Bellas Artes de Avignon y en Saint Charles en Marsella. Ronis fue el primer fotógrafo francés en trabajar para la revista Life. Por su edad, abandonó el reportaje, pero continuó sacando desnudos. Era conocido por persuadir a las periodistas que le entrevistaban para posar desnudas durante la entrevista. Tomó la última fotografía, un desnudo, en 2001. Fuentes de información: https://trianarts.com/grandes-fotografos-recordando-a-willyronis/#sthash.MrtNj4bb.dpbs http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/05/willy-ronis.html
David Seymour. Nació el 20 de noviembre de 1911 en Varsovia y falleció el 10 de noviembre de 1956 en Qantara. Como antifascista viaja en 1936 a España y fotografía el horror de la guerra civil. Figura entre los pioneros del fotoperiodismo refugiados en París: los de Hungría, Polonia o Rusia, con él y Capa, el “París de Montparnasse”, según la denominación de Cartier-Bresson. Precisamente estos tres, Capa, Chim y Cartier-Bresson, se reúnen con frecuencia, compartiendo la cámara oscura y sus ideas sobre diversos reportajes para la prensa. Chim fotografía las manifestaciones del Frente Popular, coalición de los
partidos de izquierdas, y realiza retratos de improtantes intelectuales antinazis. Para la agencia Alliance concibe una serie de reportajes en Europa y el norte de África. En 1947, junto con Capa, Cartier-Bresson y George Rodger, funda la agencia de fotografía Magnum. Las fotos que publica en Life en 1938 lo consagran como fotoperiodista de carácter. Sus reportajes se distinguen por su toque delicado y preciosista, inteligente y sincero, que capta rápidamente los matices psicológicos y sociales más allá de las evidencias. En 1949 publica el libro Children of Europe. El 10 de noviembre de 1956, durante la crisis de Suez, mientras conducía, fue ametrallado junto al fotógrafo francés Jean Roy por soldados egipcios en el cruce fronterizo, donde quiso hacer un reportaje sobre un intercambio de presos en el Canal de Suez. Fuentes de información: http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/05/david-seymour.html http://www.revelartfotografia.org/cultura-fotografica/david-seymour/#
Robert Doisneau. Fue un fotógrafo francés, nació en Gentilly, cerca de París el 14 de abril de 1912 y falleció en París el 1 de abril de 1994. Sintió la picadura de la fotografía trabajando como ayudante en el Atelier Ullmann, y con el paso de los años se convirtió en una figura de la fotografía humanista con icónicas imágenes cargadas de humor y optimismo que leídas entre líneas descubren la crudeza del mundo. A pesar de que las imágenes de Doisneau muestren una deliciosa complicidad entre el fotógrafo y los protagonistas, lo cierto es que comenzó tomando fotografías distantes debido a su timidez. Apenas cinco años después de iniciarse en la fotografía, encontró trabajo como fotógrafo para Renault que le permitió descubrir el mundo de los explotados obreros industriales, un mundo de dignidad y solidaridad que le quedaría grabado a fuego. Fue despedido en 1939 por llegar tarde sistemáticamente a su puesto de trabajo. En 1950 llegaría de la mano de LIFE el encargo que más popularidad le otorgó, la serie 'Besos' en la que se encuentra una de las fotografías más románticas de la historia: 'Le baiser de l'Hôtel de Ville'. Si bien las fotografías estaban preparadas, la complicidad entre el fotógrafo y los protagonistas dieron un aire tan natural, que no es de extrañar que todo el mundo las tomara por improvisadas. A partir de aquí empezaría a trabajar en multitud de proyectos publicitarios y publicaciones de moda.
Doisneau pasó sus últimos días en su apartamento de Montrouge, donde vivió desde 1937 paseando por sus zonas predilectas entre París, Montrouge y Gentilly con fotografías tristes, inmerso en el desasosiego que inundó sus últimos años. Fuentes de información: http://www.xlsemanal.com/actualidad/arte/20160929/doisneau-fotografo-parisbeso.html https://es.wikipedia.org/wiki/Robert_Doisneau
Bernard Plossu. Es un fotógrafo francés, nació el 26 de febrero de 1945 en Dalat, Vietnam, empezó a los 13 años su afición a la fotografía. Su espíritu nómada le ha llevado desde hace décadas a deambular por el planeta con el espíritu abierto y el ojo presto. Fotógrafo de los de antaño, con amor por lo analógico y sin retoque digital, Plossu regresa a La Fábrica con una selección de 25 fotografías inéditas del oeste americano de los años 70, cinco de ellas en color y positivadas al carbónfresson, acompañadas por un conjunto de sus obras más reconocidas. En 1965, se marchó a México en compañía de una expedición inglesa para fotografiar la jungla de Chiapas. En 1970 realiza un trabajo sobre la India, ideando las secuencias "subanalistas". En 1987, gracias al Instituto francés de Nápoles, efectúa una estancia fotográfica en la isla de Stromboli. En 2006 expone su proyecto Los jardines de polvo. Hoy en día, la curiosidad de Plossu sigue intacta. Por la actividad de sus hijos en redes sociales, por su nuevo teléfono con cámara, por las tendencias fotográficas de artistas a los que saca 30 años y por otras muchas curiosidades que mueven su mundo.
Fuentes de información: http://www.cadadiaunfotografo.com/2010/05/bernard-plossu.html https://graffica.info/bernard-plossu-fotografo-y-viajero-incansable/
LUGAR Y TIEMPO DE DESARROLLO. Nos lleva a atrás en el tiempo hasta el periodo Renacentista, hasta los comienzos de la fotografía.
IDEAS PRINCIPALES. He aprendido de estos capítulos algo más de la historia de la fotografía, de sus comienzos, también he aprendido otros autores que no conocía que he ido investigando. Con lo que mas me he quedado de esta lectura con la explicación de los comienzos de los grandes fotógrafos, como al principio solo fotografiaban sin más hasta que llega un día y deciden tomarlo enserio. Esto me replantea que el camino de la fotografía es muy largo, que no hay que ir con prisas ni con agobios, que todo el mundo empieza fotografiando sin más, hasta los más grandes fotógrafos conocidos hasta ahora. Puedo destacar de estos dos capítulos: Lo primero que dice un fotógrafo con sus fotos es “yo estuvo aquí”, lo que estas viendo en esta fotografía es lo que yo que yo quise ver cuando disparé. La fotografía es el medio para plasmar las vistas que la naturaleza nos brinda sin necesidad de un dibujante. El Renacimiento como la primera revolución de la mirada. Nuestra mirada es intransferible , no es solo como lo vemos sino como lo comprendemos. Las mujeres comienzan a tener peso en la fotografía y en la historia. Me ha gustado leer que la fotografía es un arte diferente a la pintura, son mundos paralelos, uno se traza a mano y otro utilizando una máquina, pero no quitando importancia por ello a la fotografía, dándonos a entender que son dos artes diferentes.
IDEAS SECUNDARIAS. Las instantáneas hicieron boom con las cámaras Brownie de Kodak y con ello nació la instantánea, el snapshot. La instantaniedad en la toma.
CONCLUSIONES. Mientras he estado leyendo La Visión Fotográfica he estado pensando que ojala este libro se hubiese cruzado en mi camino mucho antes, la cantidad de información y de reflexiones en torno a la fotografía que tiene en sus páginas me habría advertido de unas cuantas frustraciones y las habría llevado mejor. Igualmente al final he tenido la suerte de disfrutarlo, así que ya puedo cambiar mi reflexión original por la que tarde o temprano los libros imprescindibles acaban encontrando la manera de llegar hasta ti. Los fotógrafos que mas me han gustado pueden ser tanto Irving Penn con sus retratos tan naturales, Henri Cartier-Bresson con su instante perfecto, Alfred Stieglitz, Bill Brandt me ha encantado también y muchos retratos de Annie Leibovitz. Hay frases de este libro que me han gustado y que voy a tener en cuenta en mi día a día siendo fotógrafa. Te enseña muchas cosas, pero lo que más me ha enseñado y lo que más me ha gustado ha sido la cantidad de autores que existen y que he podido averiguar e investigar sobre ellos gracias a este libro. Los textos que más me guardo para mí son los que me han llegado a hacer comprender que tengo que tener paciencia y que un fotógrafo no se crea de un día para otro, es un camino largo y hay que ir tranquila. Me va a ayudar a mi día a día mucho ya que soy una persona que se agobia con facilidad ante situaciones frustrantes. Creo que este libro se podría recomendar a cualquier persona que le guste la fotografía, te hace aprender muchas cosas sobre este mundo, y de alguien muy cercano a él. Te hace reflexionar mientras aprendes e investigas con este libro.