El arte contemporáneo y cultura infantil

El arte contemporรกneo y cultura infantil

Índice 1 ¿Qué es el arte contemporáneo?

2 El arte contemporáneo en la educación infantil ―Experiencias‖ 3 Metodología 4 Lenguajes dentro del arte contemporáneo: Vídeos, arquitectura, cine, fotografía, escultura, pintura, poesía, ensayo y teatro.

5 Hombres del arte contemporáneo españoles.

6 Hombres del arte contemporáneo extranjeros.

7 Mujeres del arte contemporáneo españolas.

8 Mujeres del arte contemporáneo extranjeras 9 Instituciones del arte contemporáneo.

10 Conclusión 11 Bibliografía

¿Qué es el arte contemporáneo?

Para definir este concepto debemos aclarar con antelación el significado de los términos que lo forman: arte y contemporáneo.

Arte es un término que proviene de un vocablo latino que hace referencia a las creaciones del hombre para expresar su visión sensible del mundo real o imaginario a través del uso de recursos plásticos, sonoros o lingüísticos.

Contemporáneo es una palabra que se refiere a aquello perteneciente o relativo a la época en que se vive. Quienes vivieron en la segunda mitad del siglo XVIII, por ejemplo, fueron contemporáneos a Wolfgang Amadeus Mozart, no así quienes nacieron en el siglo XX. Luego de este paréntesis pasamos a definir el concepto unificado. Se define como arte contemporáneo a todas las obras artísticas producidas en nuestra época. Por supuesto, esta definición dependerá de quien la pronuncia. El arte producido en el siglo XIV era el arte contemporáneo de la gente que vivía en el año 1300.

Lo contemporáneo, de todas formas, puede entenderse de diversas formas. Para algunos especialistas, el arte contemporáneo es aquel surgido en la historia inmediata (en las últimas décadas). Para otros expertos, se entiende como arte contemporáneo al desarrollado a partir de la Segunda Guerra Mundial (1945). Una versión más amplia de la noción extiende el arte contemporáneo a lo largo de todo el siglo XX e, incluso, hay quienes creen que el arte contemporáneo es el que surgió en la Edad Contemporánea (que se inicia a fines del siglo XVIII). Esto significa que, dependiendo de quién utilice el concepto, hay ciertas variantes que pueden aparecer en torno a la fecha de la que se está hablando.

Pero seguramente la definición más generalizada se refiere al arte contemporáneo como el producido en el último siglo. Encontraremos así corrientes y estilos muy diversos que

conviven; tales como el expresionismo, el cubismo, el dadaísmo, el surrealismo, el popart y el arte conceptual, con referentes como Henri Matisse, Pablo Picasso, Piet Mondrian, Marcel Duchamp, Salvador Dalí y Joan Miró.

Arte Contemporáneo: Antes y Después: Debemos aclarar, sin embargo, que estas corrientes surgidas en el siglo XX fueron el resultado de las tendencias arrastradas desde el siglo XIX. De hecho, se consideran como puntos de partida a estos nuevos tipos de expresión, el Impresionismo y el Postimpresionismo. Desde los cuales surgieron las vanguardias más destacadas del siglo siguiente: el fauvismo, el futurismo, el expresionismo, el dadaísmo, el cubismo, el constructivismo, el surrealismo y el neoplasticismo.

En este punto hay que decir que entre todas estas corrientes existen elementos comunes en cuanto a la ideología; en ese deseo de innovar y de darle al arte un espacio diferente al que había tenido hasta entonces. No obstante, se diferencia en los fines estéticos que cada tendencia perseguía.

El arte contemporáneo se caracterizó por negar el pasado y buscar una forma de expresión que rompiera con todo lo planteado hasta el momento, ya no se dedican a imitar a los grandes referentes del arte, sino a crear nuevas formas, a interpretar partiendo desde un espacio virgen donde el color y la forma adquirieron cualidades potentes.

Lo que podemos decir es que aunque es importante señalar que las cosas no fueron tan así porque no se puede crear algo absolutamente desligado de lo conocido: construimos en base a lo que ya conocemos, corregimos, rehacemos, siempre desde lo conocido.

Estas corrientes estéticas surgieron antes de la Segunda Guerra Mundial y, después de ella, hubo un nuevo resurgimiento del arte contemporáneo, encabezado por nuevas corrientes entre las que cabe destacar el coleccionismo, gracias al cual el arte se convierte en una obra para la especulación. También se ubica en esta época el Expresionismo Abstracto que cerraría con las corrientes ligadas al Modernismo. A

mediados de siglo hay un nuevo cambio en la sociedad que se verá reflejado en una nueva forma de crear, la Posmodernidad.

También se puede definir el arte contemporáneo en sentido literal: El arte contemporáneo, en sentido literal, es el que se ha producido en nuestra época: el arte actual. No obstante, el hecho de que la fijación del concepto se hizo históricamente en un determinado momento, el paso del tiempo le hace alejarse cada vez más en el pasado del espectador contemporáneo.

El concepto de la contemporaneidad aplicado al arte puede ubicarse cronológicamente con distintos criterios:

Con un criterio extenso, incluye el arte de toda la Edad Contemporánea (que comienza a finales del siglo XVIII) Con criterios sucesivamente cada vez más limitados, incluye únicamente:

el arte del siglo XX (caracterizado por las vanguardias artísticas); el arte del mundo actual, que en el momento que se definió como término historiográfico se entendía era el posterior a la Segunda Guerra Mundial -1945- (la mayor parte de los museos de arte suelen denominar "arte contemporáneo a las colecciones de ese período); el arte surgido en la historia inmediata del más cercano presente, tomando como hito histórico, por ejemplo, la caída del muro de Berlín (1989) o el atentado de las Torres Gemelas de Nueva York (2001).

Para mayor confusión, el concepto de Arte moderno no se aplica al Arte de la Edad Moderna (siglos XV al XVIII), sino a nuestro arte contemporáneo, porque se aplica no con un criterio cronológico (periodización), sino estético, definido por su ruptura con el academicismo y por su adecuación a renovadas y provocativas teorías del arte (arte deshumanizado, arte puro, muerte del arte, crisis del objeto artístico, arte independiente, etc. Véase también estudio de la historia del arte).

Lo mismo ocurre con los conceptos de moderno y contemporáneo aplicados a cada una de las bellas artes (especialmente de las artes visuales: arquitectura moderna, arquitectura contemporánea, pintura moderna y pintura contemporánea, escultura moderna o escultura contemporánea); o con el menos usado concepto de arte postmoderno(desde los años 1970).

Para las demás bellas artes, esta adjetivación no se usa de forma similar: literatura moderna y literatura contemporánea denotan significados bien diferentes. De forma mucho más clara, el concepto de música moderna suele reservarse para la música popular moderna de la industria musical de consumo masivo; mientras que el de música contemporánea se hace para el de música culta o música clásica del siglo XX. La expresión danza moderna se suele utilizar de modo intercambiable con danza contemporánea, y se opone cronológica y estilísticamente a otros géneros de danza, como la danza clásica (ballet) y la danza española, con los que comparte la condición de baile culto o admisible en las instituciones culturales (junto a la ópera o los conciertos de música culta); pero la expresión "baile moderno" (especialmente en plural: "bailes modernos") se utiliza habitualmente para los tipos de baile con menor identificación con tales instituciones (los bailes de salón y el baile juvenil de las discotecas). El surgimiento del cine (séptimo arte) a finales del siglo XIX, previamente de la fotografía, y posteriormente del cómic, hace poco

útil la calificación de modernas o contemporáneas a ninguna parte de sus producciones.

Es muy común que publicaciones e instituciones asimilen ambas denominaciones, englobándolas en el concepto conjunto de Arte moderno y contemporáneo.

Otra definición del arte contemporáneo: El Arte Contemporáneo es la red institucionalizada a través de la cual el arte de hoy se presenta ante sí y ante los distintos públicos del mundo. Se trata de una subcultura internacional activa, expansionista y proliferante, con sus propios valores y discursos, sus propias redes de comunicación, sus héroes, heroínas y herejes, sus organizaciones profesionales, sus eventos clave, sus encuentros y monumentos, sus mercados y museos en síntesis, sus propias estructuras de permanencia y cambio. Los museos, las galerías, las bienales, las subastas, las ferias, las revistas, los programas de televisión y los sitios web dedicados al Arte Contemporáneo, junto con toda una variedad de productos convergentes, parecen crecer y ramificarse tanto en las economías tradicionales como en las nuevas. Han tallado para sí un nicho constantemente cambiante, pero tal vez

permanente, en la evolución histórica de las artes visuales y en el marco más amplio de las industrias culturales de la mayor parte de los países del mundo.

2.-Arte contemporáneo y educación infantil. “Experiencias”

El arte se considera como un reflejo de la sociedad en la que vivimos, por ello es importante conocerlo, comprenderlo y valorarlo. La Educación Artística puede proporcionar la oportunidad para incrementar la capacidad de acción, la experiencia, la redefinición y la estabilidad que son imprescindibles en una sociedad llena de cambios, tensiones e incertidumbres.

Los autores Viktor Lowenfeld y W. Lambert Brittain (1947) ―Desarrollo de la Capacidad Creadora‖ dijeron que: ―El arte es una actividad dinámica y unificadora, con un rol potencialmente vital en la educación de los niños y niñas. El dibujo, la pintura o la construcción constituyen un proceso complejo en el que el niño/a reúne diversos elementos de sus experiencias para formar un todo con un nuevo significado. En el proceso de seleccionar, interpretar y reformar esos elementos, los alumnos/as

nos dan algo más que un dibujo o una escultura; nos proporciona una parte de sí mismo; cómo piensa, cómo siente y cómo ve. (P 15)‖

Una de las habilidades básicas en que se deberían de basar nuestras enseñanzas en la escuela es la capacidad de descubrir y de buscar respuestas, que son las experiencias fundamentales en una actividad artística. El ser humano aprende a partir de los sentidos, y de ahí establece una interacción con el medio, por eso mismo, el desarrollo de la sensibilidad perceptiva debería ser una de las partes más importantes del proceso educativo, y el campo de las artes es el que mayores posibilidades en este sentido tiene.

La persona adulta entiende el arte de manera muy distinta a la de un niño o una niña. Mientras que para el primero, el arte es algo estético o ligado a la belleza externa, para los niños y niñas es un medio de expresión. El arte es para ellos/as un lenguaje del pensamiento. El niño o la niña ve el mundo de forma diferente y a medida que crece su expresión cambia. En la educación artística, el producto final está subordinado al proceso creador. Lo importante es el proceso del alumnado, su pensamiento, sus sentimientos, sus percepciones, en resumen, sus reacciones frente al medio.

En lo que se refiere a la elección del arte contemporáneo para trabajar en el aula la justificación puede apoyarse en las palabras de Alberto Muñoz (1993), cuando dice que la ―necesidad de incluir el arte contemporáneo en los programas educativos se deriva de la concepción del arte como una fuente fundamental para el conocimiento y la comprensión del mundo y de la actividad y el pensamiento humanos en una determinada época‖.

El arte contemporáneo supone una ruptura radical con la tradición artística y aporta nuevas y variadas visiones del mundo, que reflejan la fragmentación, la inestabilidad, la velocidad de cambio y muchas de las características sociales, políticas y morales del siglo XX. Es por ello, que los niños y niñas de este momento deben conocerla, comprenderla y valorarla para poder entender y ser críticos, ya que es la realidad más cercana en la que están viviendo, en definitiva, es el mejor medio para conocer nuestro tiempo.

-Experiencias fuera del aula El campo del Arte ligado al de la Educación es aún objeto de investigación en muchas de sus contextos y son muchas las posibilidades de sacar rendimiento del arte contemporáneo para llevar a cabo una educación integral. Es en ello, en lo que trabajan muchas de las revistas pedagógicas del profesorado, con diferentes temáticas, y que también se lleva a cabo en los museos de nuestros entornos, relativo a las visitas educativas. A destacar unos ejemplos en museos: Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía: Tiene talleres infantiles estructurados en tres partes: en primer lugar, una visita a obras de su colección permanente, después los niños asisten a una obra de teatro de títeres en la que elementos de las obras contempladas cobran vida y,

finalmente, los pequeños construyen un objeto en relación con las ideas que se desarrollan en el taller.

Museo de Arte Abstracto Español (Cuenca): Ofrece un programa educativo para toda la familia.

Se realizan juegos donde los expertos enseñan una nueva forma de entender las obras de arte, imaginándose los olores, el sonido, el movimiento y el tacto de los cuadros.

Centre d'Art la Panera: Actividades creativas para niños a partir de un año: charlas, entrevistas al artista de la exposición, talleres, etc.

Museo del Prado: Además de talleres infantiles y actividades con los colegios, los sábados organizan visitas didácticas e itinerarios temáticos.

Museo Guggenheim Bilbao: Tienen visitas guiadas en las que los niños pueden explorar las obras a través de lecturas de cuentos, juegos y actividades artísticas.

Museo Picasso de Málaga: Propone visitas con un diálogo entre niños y padres sobre la obra de Picasso. También hacen talleres de creación de vestuarios y máscaras inspiradas en la obra del autor.

Museo Thyssen-Bornemisza: Su programa didáctico Educathyssen ofrece propuestas como visitas-taller, recorridos especiales, etc.

El mercado de los colores. Segundo Ciclo de Educación Infantil (4-5 años) Pretende acercar el mundo del arte a los niños desde una perspectiva lúdica y creativa a través del color y sus componentes de tipo afectivo.

Sopa de letras. Segundo Ciclo de Educación Infantil (5-6 años) Un recorrido por el Museo en el que exploran las posibilidades comunicativas de la expresión plástica y las primeras letras a través del juego.

MUVIM (Museo Valenciano de la Ilustración y la Modernidad): Ofrecen talleres de juegos tradicionales de distintas generaciones y talleres de reciclado creativo para niños de entre 3 y 12 años.

MUSAC (Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León): Los pequeños de la casa pueden descubrir sus capacidades creativas a través de los "diverviajes" por la exposición.

GAC (Centro Galego de Arte Contemporáneo): Desarrolla programas de acercamiento al arte contemporáneo con visitas y talleres a las exposiciones temporales.

Fundación Joan Miró Barcelona: Entre sus actividades más destacadas, se encuentran los talleres de artes plásticas y los de animaciones sonoras y arquitectura.

MUPAI (Museo Pedagógico de Arte Infantil): Es el primer museo de España dedicado al arte infantil. Dispone, entre otros, de talleres de sombras, de grabado y de cuentos.

Caixaforum: Sus centros de Barcelona, Madrid y Palma de Mallorca exhiben atractivas exposiciones.

Algunas actividades en clase: Desde edades muy tempranas, a las niñas y niños les gusta explorar y transformar con distintos materiales. Claro que, la creación artística está supeditada a las cualidades del material y a la capacidad para tratarlo, y pasar así la idea a forma. Por ello, es importante atender al momento de desarrollo del alumnado y a los objetivos propios de la etapa en la que nos encontremos para que nos sirvan de guía como punto de partida. La práctica de técnicas con los diversos materiales debe ir más allá que su mero uso, y ser una buena excusa para atraer al alumno.

- El collage.

El collage es una técnica artística que consiste en ensamblar elementos diversos en un todo unificado (dibujos, fotos, piel, periódicos, revistas, objetos de uso cotidiano, etc).

Otras técnicas artísticas relacionadas con el collage son el fotomontaje, el decoupage y el ensamblaje.

El collage es una de técnica muy versátil y atractiva en el aula porque permite experimentar con materiales muy variados y poner en práctica un amplio abanico de contenidos: los elementos de la imagen, la composición, el diseño bidimensional o la animación, exclusivos más del área de plástica, pero que a su vez permite trabajar con temáticas muy diversas favoreciendo la interacción con otras áreas así como la inclusión de contenidos transversales.

Una página que nos muestra una amplia gama de posibilidades de hacer collages es http://www.educacontic.es/blog/tecnicas-artisticas-en-la-red-el-collage, consultada el 25/07/2012, que van desde los realizados en papel hasta los interactivos.

Trabajo con fibras vegetales en tres dimensiones.

Se enseña a los niños que los hilos, la lana…en definitiva la fibra, puede ser también otro material idóneo para expresar arte, pero no como se conoce habitualmente, tejido, sino usando otro tipo de técnica. Para el Proyecto de trabajo sobre la discapacidad, en el área de Plástica centramos la atención en la artista Judith Scott, que trabaja con fibra de colores haciendo esculturas.

Mujer americana (1943-2005), que nació siendo gemela y padeciendo una sordera profunda y Síndrome Down. Es conocida por la artista de la fibra o la mujer araña porque teje esculturas como si fuese un insecto.

Utilizaremos una actividad plástica basada en envolver un globo con rafia, hilos de colores y cordones de lana, que posteriormente serán untados en cola blanca con ayuda de un pincel. Al día siguiente las bolas estarán duras, se pincharán los globos y quedarán las bolas vacías en el interior. Podrán uni rse y decorar el techo de las habitaciones

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3. METODOLOGÍA PARA ENSEÑAR LA EDUACIÓN ARTÍSTICA Y EL ARTE CONTEMPORÁNEO EN EDUCACIÓN INFANTIL

Planificar actividades plásticas en el aula de infantil implica encontrar el motivo perfecto, una instrucción o una propuesta adecuada, que nos permita aproximar a los niños y niña a la expresión artística.

Ellos tienen las ideas, la sensibilidad, la imaginación, la creatividad, la ilusión… Nosotros solo somos quienes les vamos a acercar hasta las puertas del arte, que posibilite la expresión, que abra su capacidad creativa. Nuestra tarea es facilitar la salida de todo lo que hay dentro de ellos, planearles experiencias plásticas y vivencias artísticas que pongan en juego el mayor número de capacidades, de experiencias sensoriales, lúdicas, afectivas, etc.

Estos son los elementos claves para acercar a los niños y niñas de infantil al arte: Los materiales: La diversidad de materiales abre un gran abanico de posibilidades, debemos elegir aquellos que cumplan las medidas de seguridad e higiene adecuadas para el manejo infantil. La variedad dará mayor riqueza al proceso. También es bueno que los niños y niñas aporten su propio material; eso hará que la motivación sea mayor. No hace falta un material de ―diseño‖ para poder expresarse: témperas, ceras blandas, harina, plastilina, arcilla, etc. Son elementos fáciles de conseguir y dan muchas posibilidades expresivas.

El espacio: El espacio debe provocarles sensación de comodidad, de fácil acceso y que posibilite el orden: Los niños y niñas deben saber siempre dónde localizar cada cosa. Además debe ser un espacio que permita la visibilidad desde diferentes puntos del aula, por si necesita nuestra intervención.

El tiempo. El tiempo en la creación no debe ser rígido, aunque si previsible. Deben disponer de tiempo para la investigación, el disfrute del proceso y la organización propia de la actividad: momentos para la observación del resultado, en caso de que lo hubiese. Nosotros debemos planificar unos tiempos de organización de la actividad, de desarrollo y, también, de recogida y limpieza del espacio.

En la planificación del desarrollo de una sesión plástica se siguen generalmente estos pasos:

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Motivación y explicación inicial Exposición y explicación de los materiales Realización de la actividad Valoración del trabajo Tareas de recogida

En las edades más tempranas, las propuestas y las experiencias que hay que plantear a los niños en el aula no deben ser concretas, en el sentido de representar algo. Debemos centrarnos en sus propias sensaciones y sentimientos, en sus movimientos, en sus percepciones en sus maneras de percibir los estímulos externos.

¿Cómo podemos acercar el arte contemporáneo?

Podemos organizar nuestro trabajo en torno a una o varias obras de un artista. Si es un pintor, por ejemplo, analizar las posibilidades que abren ante nosotros: -

Hablar en la asamblea de clase sobre nuestras idea previas sobre el tea, qué nos sugiere, qué sentimos viendo un cuadro si es ése el caso, o qué se nos ocurre a partir de ahí.

Analizar algunas de sus obras y aprender y disfrutar de los recursos plásticos: colores, formas, composición, etc.

Observar y descubrir con qué materiales trabajaba.

Ver catálogos de sus obras y opinar sobre ellas Experimentar y expresarse con diferentes materiales tratando de seguir y disfrutar del proceso.

L a propuesta no es repetir éste o aquél cuadro, sino asimilarlo como estímulo para la propia creación. Puede ser que, viendo alguno de los cuadros, lo que realicemos sea un collage, una escultura, un retrato, un autorretrato, o simplemente sólo juguemos con el color, la textura y las formas.

Si decidimos visitar un muso, galería o espacios donde se expongan obras de arte, en el rincón de la biblioteca debe facilitarles antes toda la información visual posible: carteles, cuentos, catálogos… Incluso es bueno realizar alguna actividad previa relacionada con la visita: -

Pintar, ya que no se mira un cuadro de la misma manera si previamente se ha estado pintando.

Avanzar ideas sobre el lugar que visitar, los artistas y las obras que veremos.

Investigar ideas sobre qué son los museos, para qué sirven, cómo se organizan.

Comentar que normas debemos seguir.

Podemos también tomar la visita como motivación para posteriores actividades en el aula y realizar propuestas en torno a un pintor y, luego, si es posible, volver a ver su trabajo expuesto.

Otra propuesta es a partir de los elementos plásticos, creando y disfrutando a partir de ellos.

Si elegimos el color, por ejemplo, se pueden experimentar, disfrutar y observar resultados. Una posible idea es organizar el aula como si se tratara de un laboratorio para obtener mezclas de

color, gamas, invención de colores nuevos con colorantes alimenticios o materiales de la naturaleza (plantas y pigmentos) Todo lo que hay en nuestro entorno visual puede convertirse en propuesta plástica y artística.

Un personaje, un elemento o un espacio de la vida cotidiana puede servirnos de motivación y ser elevado a la categoría de obra de arte.

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Observar por ejemplo, espacios de vida habituales, de la casa, del cole, de los exteriores, y compararlos con lo visto en obras de pintores, fotografía, grabados, tapices, esculturas, etc. ¿Por qué no observar y disfrutar del bosque de olmos pintados por Agustín Ibarrola y recrearlo dentro del aula? Árboles de material de desecho y qué cada uno decidirá como pintar.

Y los alimentos ¿Cómo aparecen en el arte? Quizá podamos experimentar con harina o con chocolate o con puré de patatas… Y además de las manos, podemos utilizar los pies u otras partes del cuerpo ¿Por qué no?

Todo lo que rodea a los niños puede servirles como motivo de observación, experimentación y disfrute. Cuando se les ayuda a percibirlo y expresarlo, son capaces de convertirlo en contenido de aprendizajes a través de su creación plástica.

En la etapa de Educación Infantil, cada niño es un mundo con unas necesidades, capacidades, sentimientos, emociones concretas y personales. Todavía se expresa con plena libertad, puesto que no siente ni debe sentir ninguna presión exterior que le bloquee.

Debemos fomentar la expresión en el aula, organizar un ambiente adecuado aceptando sus propuestas, e intentando compartir sus emociones.

Agustín Ibarrola. El bosque de los Tótems (1996)

Agustín Ibarrola. Bosque de los Olmos. (2001)

Paul Klee. Casa giratoria (1921)

Paul Klee. El gato y el pájaro (1928)

Arte con comida para que los niños disfruten y podemos hacer en clase. Realizado por el artista Víctor Nunes:

Un libro muy ilustrativo que encontré y me pareció muy interesante. Aquí dejo una reseña y varias ilustraciones: “Invitación a descubrir el arte contemporáneo a partir de las obras de 70 artistas: John Chamberlain, Eduardo Chillida, Pere Formiguera, Yves Klein, Andy Warhol...; expuestas en el MOMA (Museo de Arte Moderno de Nueva York). Las piezas escogidas van más allá de las acostumbradas pinturas y esculturas, desde la fotografía, al audiovisual, la performance, la instalación y artefactos artísticos realizados con sorprendentes materiales. Incluye breves biografías, un glosario de términos artísticos y direcciones web de otros.”

Autor: Jacky Klein,Suzy Klein

4. LENGUAJES DENTRO DEL ARTE CONTEMPORÁNEO: VIDEO, ARQUITECTURA, CINE, FOTOGRAFÍA, ESCULTURA, PINTURA, POESÍA, ENSAYO Y TEATRO. Arquitectura: Del siglo XX y del siglo XXI. La Arquitectura del siglo XX está llena de volúmenes y espacios con criterios distintos de los nuevos materiales y de las nuevas necesidades. Dentro de este siglo encontramos el movimiento del Racionalismo, el cual usa materiales como el hormigón armado, el muro no es un soporte y en las obras hay muchas ventanas que proporcionan una cantidad de luz y aire. Los elementos decorativos desaparecen En la Arquitectura de los años 50 aparecen arquitectos como Le Corbusier, Félix Candela y su obra L´Oceanográfic (entre muchas otras),

Edificio de Le Corbusier, en Stuttgart.

Félix Candela (L´Oceanográfic) Dentro del siglo XX encontramos también autores como Gaudí quien fue el máximo representante del modernismo en España y trabajaba con la geometría y el volumen e introduce una nueva técnica llamada ―trencadis‖ que se hace con piezas de cerámica de desecho algunas de sus obras son: El Drac del parque Guell y la Sagrada Familia, los cuales se encuentran situados en la ciudad de Barcelona;

El Drac del Parque Guell (Gaudi)

Francisco Javier Sáenz de Oiza con su obra Edificio Torres Blancas de Madrid (1961-1969) Oiza decía que era ―un árbol que partía desde el suelo‖…

Escultura: La escultura en el siglo XX tiene como característica principial el cambio y nuevos materiales como la incorporación del metal a las obras. Algunos de los

autores son: Jorge de Oteiza y su obra ―Construcción vacía‖, San Sebastián; Fernando Botero y su obra el rapto de Europa.

‖Construcción vacía‖, San Sebastián.

―El rapto de Europa‖

Pintura: En la pintura contemporánea podemos ver obras que dejan ver los cambios producidos en la época y los artistas dejan de transmitir lo que ven como pinturas de retratos de reyes, curas, o situaciones políticas y religiosas y ahora hacen las obras según lo que sienten de forma abstracta y con mucho más colorido y sin la seriedad de antes. En el siglo XX las figuras se estilizan más y se convierten en siluetas planas. Autores como: Julián Schnabel Grünewald.

Estos últimos autores se especializan en la técnica del grabado en madera.

Hoy en día en el siglo XXI tenemos autores como: José Manuel Merello usa la técnica mixta sobre lienzo y sus obras son surreaslitas y Soledad Sevilla la cuál pinta con pinceladas pequeñas que se repiten hasta que esa unidad desaparece centrándose en la creación de un espacio pictórico en el que se van sustituyendo filas, columnas y diagonales por otras construidas.

‖Woman in Green‖ (José Manuel Merello)

‖Pintura para fresco caparol sobre papel Michel‖ (Soledad Sevilla)

Cine: El cine contemporáneo a nivel internacional viene de la mano de uno de los artistas reconocidos a nivel mundial galardonado con un premio en el festival de cine de Cannes, el artista Julián Schnabel el cuál también fue pintor, con sus tres películas más famosas: ―Antes que anochezca‖ y ―La escafandra y la mariposa Fotografía: En fotografía en el arte contemporáneo cambian los materiales que utilizan y los recursos y en cuanto al siglo XXI hay varios autores como la artista Mar Garrido que muestra un relato visual rico en diversidades estéticas como por ejemplo en esta obra de la exposición ―Rosas del Sur. Artistas contemporáneas en Andalucía‖

―Los ojos del agua‖ Se trata de una fotografía digital sobre dibond y Papel RC laminado en alto brillo. Otra artista es María Ángeles Díaz Barbado la cual expone algunas de sus obras también en esta exposición con su fotografía tridimensional de una libélula donde la artista recrea un espacio de luz desde la oscuridad del fondo.

Video-arte: Eija-Liisa Ahtila (Finlandia, 1959) En un principio, utilizó la fotografía, el texto y la performance en sus obras y, más adelante, a lo largo de los años noventa, la película y el vídeo como medios casi únicos. Sus películas tratan sobre las relaciones humanas, la sexualidad, la muerte y la construcción y desintegración de la identidad individual. Al utilizar diferentes personajes y al basarse a menudo en hechos reales, los trabajos de esta artista ofrecen al espectador una narración fragmentada. Las tramas argumentales abiertas de sus películas son narradas por protagonistas que recitan monólogos para el espectador. Los personajes de Ahtila dan pocas muestras de comunicación recíproca y los acontecimientos no siguen una lógica causal. Otro artista: Chris Cunningham (Reading, Berkshire, Inglaterra, 1970) Empezó a trabajar con sólo dieciséis años como experto en efectos especiales. Tras realizar modelos y esculturas para películas como "Razas de Noche" y "Alien 3" abandonó el campo de los efectos especiales y pasó a dedicarse por completo a la realización de videoclips. Tras dirigir numerosos videos de bajo presupuesto, plasma de manera muy personal toda una serie de obsesiones temáticas y plásticas en sus trabajos: atmósferas gélidas, paisajes urbanos, colores fríos y formas industriales de la ciencia ficción y el cine fantástico.

Video-arte de la autora Eija-Liisa Ahtila.

Poesía: La poesía contemporánea parte de la segunda mitad del siglo XX después de la literatura de posguerra. Como Antonio Buero Vallejo con su obra ―Tentativas poéticas‖ (1991). La característica más relevante de esta época es que hay una gran atención en cuanto a la forma. Autores como Antonio Carvajal con su obra ―Tigres en el jardín‖ el cual busca el esteticismo y se vale de metáforas y formas clásicas como el soneto. En cuanto al siglo XXI encontramos a varios poetas pero cabe destacar Raquel Lanseros que se encuentra dentro de un grupo de jóvenes poetas los cuales buscan superar los referentes nacionales y la escritura neovanguardista. Algunos de sus poemas son: Antologías de su obra poética: ―A las órdenes del viento‖ (Valparaíso, Granada, 2012).

Raquel Lanseros, (1973)

Ensayo: En el siglo XX el ensayo alcanza su máximo esplendor, algunas de las características del ensayo son : - Variedad y amplitud en los temas tratados: filosóficos, religiosos, literários…etc - Libertad de tono y estilo: lírico, retórico..

- Suelen ser breves.

- Son de estructura abierta.

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Estilo ameno.

Después de la Guerra Civil cultivaron el ensayo en el exilio de la mano de autores como: Américo Castro y su obra ―La realidad histórica de España‖ Con la llegada de la democracia se vuelve al ensayo político, con artículos de la mano de Manuel Fraga, entre otros. La tendencia actual es el cultivo del ensayo largo en forma de libros como el libro ―Ética para Amador‖ del filósofo Fernando Savater.

Teatro: Durante el siglo XX se pone énfasis en la dirección artística y en la escenografía, en el carácter visual del teatro y no sólo el literario, se modifica el gesto, la acción y el movimiento. Se inicia el teatro experimental y se da paso a varias ramas dentro del teatro como: el teatro épico, el teatro de la crueldad, el teatro absurdo, el realismo poético… Con autores como: Federico García Lorca, Antonio Buero Vallejo..etc El teatro de Federico García Lorca es del más importante escrito en Castellano en el siglo XX, es un teatro poético que gira entorno a elementos como: el cuchillo, la rosa o la sangre que se desarrolla en espacios míticos y que encara problemas sustanciales del existir. La producción dramática de Lorca se agrupa en cuatro conjuntos: - Farsas - Comedias - Tragedias - Dramas Con obras como la tragedia: ―Bodas de Sangre‖ (1933), ―La casa de Bernarda Alba‖ (1936).

El teatro de Antonio Buero Vallejo con obras como ―Lázaro en el laberinto‖ (1988), ―Obra completa‖ (1994). El tema principal que tienen todas sus obras es la tragedia del individuo, desde un punto de vista social, ético y moral. Los principales problemas que angustian al hombre están presentes en sus obras.

Antonio Buero Vallejo.

Federico García Lorca

Casa museo Federico García Lorca (Granada)

5. Hombres Españoles en el arte contemporáneo Autores

Obra

Antoni Tàpies (Barcelona, 13 de diciembre de 1923 ibídem, 6 de febrero de 2012)

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=382 Los inicios de Tàpies fueron en el terreno del dibujo, dedicándose principalmente al retrato de familiares y amigos, todos ellos de gran realismo. Más tarde comenzó su obra ya auténticamente personal, con materiales espesos y pinceladas cortas y separadas, con un aire primitivo y expresionista de temática mágica y panteísta (Tríptico, 1948). Por último, en 1951 comenzó una fase de abstracción geométrica, pasando en 1953 al informalismo de tendencia matérica que sería característico de su obra. Sus realizaciones fueron adquiriendo una densidad más gruesa, con empastes muy densos, incorporando el grattage, que solía efectuar con el pincel invertido, creando relieve.

“Calcetín” Eduardo Chillida (San Sebastián, 1924 – 2002)

http://www.museochillidaleku.com/Obras-Publicas.43.0.html Fue un escultor vasco conocido por sus trabajos en hierro y en hormigón. Sus primeras esculturas son obras figurativas, torsos humanos tallados en yeso como Forma, Pensadora, Maternidad, Torso o Concreción. En todas ellas, el punto de partida es la escultura griega arcaica pero poco a poco tendió hacia formas más abstractas (Metamorfosis). En un primer momento, el hierro fue el material preferido para la búsqueda espacial, pero posteriormente introdujo otros materiales como la madera, el hormigón, la piedra, el alabastro o el acero como puede observarse en la serie ―Alrededor del vacío‖, donde emplea dicho material. Por último, ya en la década de los 80, se especializa en la instalación de piezas de grandes dimensiones en espacios urbanos o en la naturaleza, como se refleja en su obra ―Elogio del agua‖.

“Peine del viento” Chema Madoz (Madrid, 1958)

http://www.chemamadoz.com/# Reconocido fotógrafo español del que destacan sus trabajos surrealistas en blanco y negro. Utiliza la fotografía como un medio de crear lenguaje, a partir de imágenes familiares y sorprendentes que alteran nuestra percepción y se abren a los múltiples significados que encuentra el que las mira.

Nazario Luque Vera

http://www.nazarioluque.com/

(Castilleja del Campo (Sevilla), 3 de enero de 1944-)

“Alí Babá y los 40 maricones” Jaume Plensa (Barcelona, 1 de enero de 1955)

Historietista considerado el padre del cómic underground en España y uno de los más destacados del cómic gay. Usa una temática referente al erotismo sexual y a la exploración de los tabúes por lo que adjetivos como transgresor, provocador, polémico etc. son muy comunes para referirse a su obra.

Algunas de sus obras son: Anarcoma, una historieta para adultos que le lanzó al estrellato universal al ser traducida a varios idiomas, sorprendiendo al público por su sexo homosexual explícito o Alí Babá y los 40 maricones, un cómic con las diferentes peripecias de la vida cotidiana que les suceden a los inquilinos de una casa, en su mayoría gays, en la Barcelona del momento.

http://jaumeplensa.com/ Es un artista plástico español, escultor y grabador muy polifacético que ha experimentado también con el dibujo, escenarios para ópera, videoproyecciones o instalaciones acústicas. Es conocido por sus grandes esculturas formadas por letras y números.

En una primera etapa, su obra refleja el interés por cuestiones relacionadas con el volumen, el espacio y la tensión. En 1983-1984 empieza a moldear el hierro con la técnica de la fundición y desarrolla un concepto escultórico de formas zoomórficas utilizando cortes y dobleces. Más tarde empezaría a trabajar con hierro fundido, cristal, resina, luces y sonidos.

“Alma del Ebro” Miquel Barceló (Felanich, Mallorca, 8 de enero de 1957)

“Escultura en la catedral de La Seu” Juan Vidal (Elda, Alicante)

http://www.miquelbarcelo.org/ Entre las características de su obra hay que destacar la inspiración en la naturaleza, consiguiendo relieve a través del uso de unos empastes densos y generalmente oscuros. El Mediterráneo y África han sido dos de sus más importantes referentes y un viaje a esta última ha hecho que sus gentes y la vida del desierto sea uno de los temas más desarrollados en su obra en los últimos años, siempre reflejando una gran preocupación por la naturaleza, el paso del tiempo y los orígenes. En la última época ha evolucionado hacia referentes más intelectuales y abstractos y en marzo de 2007 la catedral de Mallorca inauguró la capilla elaborada por él en arcilla.

http://www.juanvidal.net/ Diseñador de moda, es considerado uno de los diseñadores de moda español con mayor proyección de la actualidad.

Su uso del color y su concepto del volumen, marcadamente

arquitectónico, reflejan la huella de su formación artística. Unos conocimientos que se trasladan también al tratamiento de sus tejidos, personalizados mediante exquisitos bordados y apliques, entre otras virtuosas técnicas. Y es que las creaciones de Juan Vidal van dirigidas a una mujer muy chic que, orientada hacia el futuro, maneja referencias culturales clásicas y que, dotada de una aguda sensibilidad, sabe apreciar los detalles.

Diseño Juan vidal Luis Quintero (Cádiz 1963)

http://www.luisquintero.net/itinerario.php?itinerario=escultura Artista autodidacta y multidisciplinar, es en la escultura donde desarrolla mayormente su obra, aunque también desarrolla su actividad en collage, fotografía y pintura. Conjuga en sus creaciones dos aspectos que el arte contemporáneo tiende a separar: concepto y artesanía. En cuanto a materiales, los usa de todo tipo como marfil, cuero, ébano, madera, acero, granito…

Algunas de sus obras mas características son el Monumento a la Constitución de 1978 o la obra "Cadena".

“Monumento a la libertad de Expresión” Modesto Llamas Gil (León, 27 de junio de 1929)

“Retrato de Gamoneda” Cristino de Vera (Santa Cruz de Tenerife, 1931)

Es un artista plástico español y destaca por su talento como retratista. Su estilo personal fue derivando hacia un naturalismo levemente surrealista. Finalmente, desde episodios cada vez menos aislados y hasta la actualidad, sin haber abandonado nunca la figuración, su obra entra de lleno en la abstracción expresionista, siendo el color el tema básico de experimentación y eje fundamental de sus composiciones. Ha utilizado todas las técnicas tradicionales, plumilla, óleo, témpera y, con más frecuencia, acrílico; sobre papel, lienzo o tabla; y dando, con el tiempo, un significativo peso a la textura y el volumen en sus obras a través de técnicas mixtas y collages.

http://www.fundacioncristinodevera.org/ Pintor español, su obra está atravesada por una obsesión: la muerte y en torno a ella se mueve todo un universo creativo. Toda su obra refleja una presencia importante del dibujo como andamio básico. ―Místico‖ es un adjetivo que se le ha adjudicado con frecuencia. Su trabajo nace de la austeridad y la poesía, y se sostiene en una iconografía muy personal que siempre conduce a una reflexión espiritual, y que pasa por la muerte como único trámite cierto e inevitable. Aunque bien es cierto que De Vera tuvo una primera

etapa donde cultivó el paisaje y el dibujo, sus inquietudes parecían caminar por otros senderos.

“Mujer de la rosa roja” Daniel García Andújar (Almoradí, 1966)

http://www.danielandujar.org/ Artista visual cuyo trabajo gira en torno a las cuestiones de la democracia y desigualdad en la sociedad de información utilizando las nuevas tecnologías de comunicación y también en sus obras siempre reflexiona los problemas causados por el uso de estos ordenadores y tecnologías.

Darío Urzay (Bilbao, 13 de diciembre de 1958)

http://www.dariourzay.com Es un pintor, fotógrafo y artista plástico español. Centra su atención en los límites entre fotografía y pintura, la imagen digital y la representación de ésta a través de los nuevos medios tecnológicos. En ocasiones manipula la imagen tanto por los medios informáticos como manuales, pasando dicha imagen a constituirse como una pintura.

Su obra se puede encontrar, entre otras, en las siguientes colecciones: - Museo de Bellas Artes de Bilbao - Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid - MACBA de Barcelona - Museo Guggenheim de Bilbao

“Construint en les ruïnes” Carlos Saura Riaza (Villanueva de los Infantes, Ciudad Real, 1960)

http://www.carlos-saura.net/Carlos_Saura/Home.html Pintor cuyo estilo, enmarcado dentro del ámbito de la pintura figurativa, incide en aspectos como el simbolismo apoyándose en temas alegóricos.

El esquema figurativo sobre el que basa su obra abarca temas muy variados (retratos, paisajes urbanos, escenas, etc.), aunque el resultado final va más allá del planteamiento figurativo, lo que

permite dar a su obra un carácter social y personal netamente positivo.

Pese al uso figuras geométricas y otros efectos que apoyan la composición y el mensaje final, su obra es claramente figurativa, con lo que se sitúa por encima de las modas y tendencias dominantes en gran parte del arte contemporáneo.

“Renacer” Wom! A2

https://myspace.com/woma2 Grupo de rock español de la escena musical de los 80. El grupo estaba compuesto por Josepe Gil (cantante, compositor y guitarra) y Roy Bonet (bajo y coros), aunque durante su trayectoria contaron con la colaboración de otros artistas del momento. Construyeron un rock potente con influencias del punk rock del 77; garaje; rockabilly; pero también blues y soul, con cuidadas melodías y trabajadas letras. Lucharon contra el conformismo y fueron activistas del cambio que en aquella época empezaba en Barcelona.

Custo Dalmau (Tremp, Lérida, 1959)

http://www.custo.com/ Diseñador español que junto a su hermano David, creó la marca Custo of Barcelona, que con el paso del tiempo se convertiría en Custo Barcelona. Fueron los primeros diseñadores que hacían camisetas estampadas, al principio sólo para hombre, con un estilo rompedor y colorido, lo que hizo que conquistaran el mercado americano cuando los estilistas de series de televisión como Friends o Sexo en Nueva York empezaron a vestir a sus famosos con camisetas Custo. Aunque las camisetas siguen siendo su producto estrella, en la actualidad, Custo Barcelona ofrece una línea completa de moda tanto para hombre como para mujer.

“Diseños masculinos Custo Barcelona” Manolo Valdés (Valencia, 8 de marzo de 1942)

“La Dama de

http://www.reportajes.org/biografias/biografia-de-manolo-valdes/ Es un pintor y escultor español residente en Nueva York (EE. UU.). Fue el introductor en España de una forma de expresión artística que combina el compromiso político y social con el humor y la ironía.

Realiza una obra de gran formato en la que las luces y colores expresan un sentimiento de tactilidad por el tratamiento dado a los materiales. Su obra fuerza a quien la observa a indagar en la memoria y buscar imágenes significativas de la historia del arte.

Como escultor, es autor de ―La Dama del Manzanares‖, obra de 13 metros de altura situada en el Parque Lineal del Manzanares (Madrid) y de Lillie (2006).

Manzanares” Luis Gordillo (Sevilla, 1934)

“Gran bombo dúplex” Lucio Muñoz (Madrid, 27 de diciembre de 1929 - Madrid, 24 de mayo de 1998)

“Collage 1-95” Domingo Millán (Alcoy; 2 de agosto de 1947)

“Mujer con indulgencia” Paco Llorens (Cabañal, Valencia, España; 5 de

http://www.luisgordillo.es/ Pintor español, es una de las principales figuras del arte abstracto en España. De gran prestigio internacional, sus obras se pueden contemplar en los principales museos de arte contemporáneo de Norteamérica y Europa.

Su trabajo gira en torno a diferentes líneas de investigación.

Participó del informalismo, siguiendo los pasos de Tàpies, Wols, Dubuffet y Jean Fautrier. También ha sido considerado como uno de los artistas españoles que mejor interpretó el arte pop en los años sesenta, pero una de las aportaciones más singulares de Gordillo al arte contemporáneo ha sido la definición de estrategias cromáticas apropiadas de fenomenologías urbanas actuales. En este sentido su trabajo se relaciona con la tradición de la fotografía documental y de culturas populares vinculadas con el diseño gráfico. http://www.galeriamarlborough.com/artistasgaleria.php?url=legado-de-lucio-munoz&tipo=normal Fue un pintor abstracto español que en 1956 fue becado por el estado francés para continuar sus estudios en París, donde entró en contacto con el informalismo de pintores como Dubuffet, Fautrier, Wols o Tàpies. A partir de ese momento se adentra en los terrenos de la abstracción, que no abandonará ya en toda su trayectoria. En 1958 empieza a trabajar con la madera. Este material —arañado, quemado, tallado o enmohecido— se convierte a partir de ese momento en una de las señas de identidad más reconocibles de su pintura. Destacó por la potencia expresiva de su pintura, llena de misterio y con una gran presencia de la naturaleza. A ella hay que sumar su obra gráfica (con decisivas aportaciones técnicas al grabado de gran formato) y las obras murales, entre las que destacan el ábside de la Basílica de Aránzazu, en Oñate (Guipúzcoa), y el mural que preside el Pleno de la Asamblea de Madrid. http://www.barravuitart.com/galeria/es/pintura-2000-2004.html Es un artista multidisciplinar que domina diferentes técnicas: diseño, grabación, cerámica, escultura, pero es en el ámbito pictórico dónde ha tenido mayor repercusión. En general su obra consta de una nueva figuración de tintes primitivos basada en lo metafísico donde sus temáticas engloban la mitología, ciencias ocultas, religiones y símbolos.

Entre el '70 y el '80 la crítica considera que sus creaciones están fundamentadas sobre una nueva figuración primitiva y salvaje con rasgos "underground". En contraposición de los años '80 a mediados de los '90, la crítica opina que se trata de una obra simbólica con influencias de la escuela catalana y de los pintores Miró y Clavé con la incorporación de símbolos mágicos a modo de código propio.

Su actual obra sigue siendo atrevida, con rasgos de mística en torno a los misterios de la naturaleza y sus cosmogonias.

Es un pintor español en cuya obra refleja su interés por la naturaleza, su preocupación por el medio ambiente y su relación

enero de 1947)

“Bosque quemado 1” Antoni Muntadas ( Barcelona 1942 )

“ El aplauso” Javier de Villota (Madrid, 1944)

con la humanidad. Desde finales de los 80 hasta mediados de los 90 su trabajo interpreta la relación del hombre con el bosque. En sus lienzos agonizan las naturalezas maltratadas, exhiben sus heridas a través del fuego, la ceniza, los residuos dejados por la falta de comunión con ella. Sus pinturas no solo hablan de la opacidad y la muerte, sino que en sus colores se advierte sin embargo la esperanza y el renacimiento de la vida. Lo matérico, los alquitranes, el papel y los acrílicos son los recursos que dan expresión a su creatividad.

http://www.mcu.es/premios/nacionales/NacionalArtesPlasticasPre miados.html Artista plástico, su obra se basa en el uso de tecnologías audiovisuales: video, internet, ordenadores con relación a los fenómenos sociales y como respuesta crítica a los mass media.

Trabaja en soportes muy variados, incluyendo formatos atípicos como el programa de televisión "TVE: Primer Intento" que realizó para la serie Metrópolis TVE. Se interesa especialmente por la interrelación entre arquitectura y vida social, y por la tensión que se crea entre espacios públicos y ámbito privado. Buen ejemplo de ello es su proyecto para el Pabellón de España en la Bienal de Venecia de 2005, que transformó en la sala de espera de un aeropuerto. http://www.javierdevillota.com/es/inicio.html Es un pintor, escultor y arquitecto español cuya obra se encuentra representada en numerosas colecciones permanentes a nivel internacional entre las que cabe destacar el Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (España), Real Academia de Bellas Artes de San Fernando (España), Biblioteca Nacional de España, Station Museum of Contemporary Art (USA), Museo Vaticano (Ciudad de Vaticano), Museo de Alejandría (Alejandría), Museo Nacional de Arte (Bolivia), Museo de Arte Contemporáneo (Chile), Museo Nacional de Bellas Artes (Chile), Museo de la Solidaridad Salvador Allende de Arte Contemporáneo (Chile), Pinacoteca Universidad de Concepción (Chile)

“Mercado de la muerte” Santiago Calatrava (Benimámet, 28 de julio de 1951)

“Auditorio de Tenerife”

http://www.calatrava.com/ Es un arquitecto, ingeniero y escultor español especializado en grandes estructuras. Las obras de dicho arquitecto han sido muy criticadas, fundamentalmente por cuatro motivos: - Los elevados presupuestos (que además suelen incrementarse durante su construcción, lo que redunda en beneficio del arquitecto).

- Los altos costes de mantenimiento.

- El parecido entre las obras.

- Las graves carencias estructurales y funcionales que han tenido.

Alfredo Álvarez Plágaro (Vitoria, 1960)

“Cuadros iguales” Eleazar (Siles, Jaén)

“La familia” José Manuel Ciria (Manchester, 1960)

http://plagaro.net Su trabajo se centra en la repetición del acto pictórico. A finales de los años 80 crea sus "Cuadros Iguales", los cuales ha ido desarrollando de manera lineal hasta la actualidad siguiendo el postulado: "Lo más importante no es lo que es, sino que lo que es, lo es varias veces". Los Cuadros Iguales son series de cuadros repetidos, gestados conjuntamente y de instalación variable. Son, y a la vez no son, obras únicas. Se trata de cuadros iguales colocados unos junto a otros, a distancias uniformes, que en su conjunto forman una sola obra, si bien cada uno de sus elementos también puede ser reconocido individualmente. http://www.eleazar.es/ Es un pintor y escultor español.

En pintura, le gusta trabajar por series. El artista escoge un tema por el que se siente especialmente atraído, y lo desarrolla en un número importante de piezas, hasta prácticamente "agotarlo".

La escultura es una disciplina a la que se enfrenta en contadas ocasiones en series muy cortas y limitadas. Le sirve para llevar al campo tridimensional aquellas figuras que previamente ya han tomado cuerpo en la tela. Generalmente emplea el bronce y la madera, sin renunciar a otros materiales que puedan enriquecer el resultado final de la obra. http://www.josemanuelciria.com/ Figura destacada del arte abstracto en España desde los años 90, sus obras están presentes en las colecciones de los principales museos de arte contemporáneo de Europa y Estados Unidos.

José Manuel Ciria es una figura central del panorama de la pintura abstracta española de las tres últimas décadas. Desde que en 1984 realizara su primera muestra individual en la galería parisina La Ferrière, Ciria ha trabajado con la geometría y con el gesto en un estilo característico que da lugar a numerosas series.

“Berlín 1” Rubén García Felices (1 de noviembre de 1975, Almería)

“A lo lejos la civilización” Javier Egea (Granada; 1952 - 1999)

http://www.rugarcia.com/ Fotógrafo español, desarrolla su trabajo en el ámbito del retrato documental desde 2011. Al principio también hizo paisaje y, sobre todo, desnudo artístico. Su formación fotográfica es autodidacta.

La desnudez humana se presenta como una constante en su obra.

García entiende el cuerpo desnudo como una herramienta de expresión puramente artística, pero también como parte de una historia que debe ser contada y que habla de la gente. Sus retratos se caracterizan por una fuerte carga psicológica.

http://atlasdepoesia.blogcindario.com/2006/08/00147-poemas-dejavier-egea.html

Considerado uno de los poetas españoles más importantes de los años ochenta, fue uno de los padres del movimiento poético ―La otra sentimentalidad‖ junto con Luis García Montero y Álvaro Salvador Jofre. Consiguió, entre otros premios literarios, el «Antonio González de Lama» por su libro Troppo Mare y el «Premio Hispanoamericano de poesía Juan Ramón Jiménez» por Paseo de los Tristes.

José Ramón da Cruz (Tánger, 17 de marzo de 1961)

http://www.joseramondacruz.com

Carlos Franco (Madrid, 1951)

Es un cineasta, documentalista y videoartista español. Como cineasta ha trabajado como director, guionista y productor tanto en cine como en televisión, además de como realizador en el mundo de la publicidad.

Su filmografía es bastante amplia, con obras como: - Largometrajes: Tangernación (2012) o Xtrámboli (2009-2013).

- Cortometrajes: Hermétika Leodora (6') (1983), Faff (10') (1983) o Agfa-Seltzer (5') (1983).

- Videoarte: Los ejercicios Visconti (2012), Documentos para Tangernación (2011), El Hijoputa (15') (1985) o Luisa Fernanda (15') (1985). http://www.galeriamarlborough.com/artistasexposiciones.php?artista=carlos-franco

“Después de la tormenta”

Pintor español, adscrito a la nueva figuración madrileña, supintura se caracteriza por la atracción que en él producen los motivos simbólicos de la mitología clásica o del inconsciente. Desde sus primeras obras, en las que se advierten referencias directas a los grandes artistas del pasado, entre ellos los decimonónicos Delacroix e Ingres, Franco ha experimentado con la yuxtaposición de imágenes y la voluptuosidad del color, experimentación que le ha llevado en su obra reciente a investigar en los soportes y técnicas pictóricas, incluyendo los medios digitales combinados con los manuales.

6. AUTORES EXTRANJEROS DEL ARTE CONTEMPORANEO JASPER JOHNS

Jasper Johns es un pintor, escultor y artista gráfico estadounidense.

Su obra mundialmente más conocida son las banderas de los Estados Unidos realizadas con la técnica de encáustica en la década de 1950. Otros símbolos, como letras, números y dianas, aparecen recurrentemente en sus pinturas y grabados. Hacia 1960 comenzó a integrar en sus pinturas objetos reales como perchas, tenedores y cucharas. En la década de 1980, reinventó su estilo pictórico.

·Bandera Estados Unidos, 1950

http://www.epdlp.com/pintor.php?id=278

ANDY WARHOL fue un artista plástico y cineasta estadounidense que desempeñó un papel crucial en el nacimiento y desarrollo del pop art. Tras una exitosa carrera como ilustrador profesional, Warhol adquirió notoriedad mundial por su trabajo en pintura, cine de vanguardia y literatura.

Estos dibujos a tinta, de línea bastante desenvuelta, se alternaban con impresiones monoprint que aplicó extensivamente en su primera etapa como artista.

Pero Warhol también amaba a las celebridades, y por ello decidió pintarlas. Estos primeros pasos en el mundo artístico fueron definiendo poco a poco su impronta personal, que consistía precisamente en evitar la huella persona del artista en beneficio de unos temas que aunque eran considerados «anti-artísticos» constituían la esencia de la cultura de la sociedad del bienestar estadounidense. ·Marilyn Monroe, 1964

Warhol utilizó frecuentemente la serigrafia , y cuando se veía obligado lo hacía calcando de una diapositiva. https://www.google.es/search?q=andy+warhol+obras&es_sm=122&source=lnms &tbm=isch&sa=X&ei=wvxxU6H0NMbM0AX6_YGwAg&ved=0CAYQ_AUoA Q&biw=1366&bih=643

GERHARD RICHTER

Después de realizar murales, Richter inició una nueva fase en su carrera, descubrió el expresionismo abstracto y una serie de tendencias de vanguardia.

La producción artística de Gerhard Richter puede clasificarse en tres categorías: figurativa, todas las pinturas se basan en la iconografía periodística y retratos de familia con realismo austero basado en la fotografía o la naturaleza; constructivista, trabajo más teórico como tablas de color, paneles de vidrio y espejos, y por ultimo, bodegones y paisajes. ·Betty, 1977 http://www.artishock.cl/2011/12/gerhard-richter-panorama/

BRUCE NAUMAN Artista estadounidense, su obra abarca una gran variedad de medios, como la escultura, fotografía,neón, videoarte, dibujo y performance.

Tras unos inicios cercanos al body art, empieza a hacer intervenciones con su cuerpo y la influencia de éste con el espacio. El sadomasoquismo y el sufrimiento son elementos constantes en esta etapa de su trabajo.

Entre 1968 y 1971 comenzó a experimentar con esculturas fabricadas en fibra de vidrio.

En 1996 introdujo otro elemento clave en sus obras de arte: el neón. Un medio que le sirvió para introducir en sus piezas, inteligentes guiños lingüísticos.

También hace una crítica social y política a su época con mensajes simples, irónicos o ambiguos. http://www.epdlp.com/pintor.php?id=2689

ROY LICHTENSTEIN Fue un pintor estadounidense de arte pop, artista gráfico y escultor, conocido sobre todo por sus interpretaciones a gran escala del arte del cómic.

Sus historietas de cómics, como, son ampliaciones de los personajes de los dibujos animados, reproducidas a mano, con la misma técnica de puntos y los mismos colores primarios y brillantes que se utilizan para imprimirlos.

Sus últimas obras, entre las que están las reproducciones de personajes muy populares de la novela rosa, paisajes estilizados y copias de postales de templos clásicos, muestran la influencia de los artistas Henri Marisse y Pablo Picasso. ·Drowning girl, 1963

http://retratos.hol.es/popart4.htm

ROBERT RAUSCHENBERG Rauschenberg fue tal vez más famoso por su "Combines" de 1950, en la que materiales no tradicionales y objetos estaban empleados en combinaciones innovadoras que recogían el testigo del dadaísmo.

Tras los objetos y collages (sus dibujos y pinturas incorporaban recortes de periódicos y revistas), le llegó el turno a las técnicas. Rauschenberg experimentó entre los 50 y los 60 con litografías, serigrafías, técnicas de transferencia por disolvente...

La década de los 70 comenzó con su traslado a Captiva (Florida), que dio pie a una breve etapa en la que experimentó con el papel y los tejidos. Después,

·Retroactive, 1964

Rauschenberg retomó sus temas clásicos, incluso su interés inicial por la fotografía. http://www.epdlp.com/pintor.php?id=344

JOSEPH BEUYS Fue un artista alemán que trabajó con varios medios y técnicas como escultura,performance, happening, vídeo e instalación y perteneció al grupo fluxus.

Considerado uno de los artista imprescindibles para comprender el desarrollo del arte contemporáneo, su pensamiento se caracteriza por la confianza en el ser humano y una mirada multifacética del mundo.

En 1955-1985 reúne dibujos, objetos, esculturas, instalaciones, videos y performances. El panorama comienza en 1955 cuando se relaciona con el grupo Fluxus y produce piezas en colaboración, entre las que se destacan las de construcción musical. Después, a lo largo de toda su carrera, reflexiona y cuestiona diversas problemáticas. Su pregunta sobre si es posible la educación del ·Coyote, 1974

arte está documentada en una legendaria acción en la cual le explica a una liebre muerta el arte contemporáneo.

EDWARD RUSCHA Es un artista estadounidense asociado con el movimiento pop. Su trabajo abarca desde la pintura a la fotografía,, pasando por el grabado y utilizando técnicas como el aerógrafo.

Obtuvo reconocimiento por sus pinturas que incorporaban palabras y frases y por sus libros de artista de fotografías, en los se ponía de manifiesto la influencia del inexpresivo Arte Pop .

Desde 1964, ha estado experimentando con pinturas y dibujos con palabras y frases, a menudo frases extrañamente cómicas o irónicas. ·1962

FRANCIS BACON Estilo figurativo idiosincrásico, caracterizado por el empleo de la deformación pictórica y gran ambigüedad en el plano intencional.

Sus cuadros tienen influencia de Munch en los trazos y de las tonalidades de Van Gogh; también se percibe la influencia de Goya ya que plasmó la angustia en sus cuadros. En sus cuadros trabajó la representación de la figura masculina o femenina, que por lo general aparece de forma desfigurada e incluso de forma aterradora, en espacios cerrados y oscuros.

En otros cuadros como Cabeza rodeada de carne de vaca refleja el belicismo, la capacidad del ser humano por ser violento y la inclinación de la naturaleza humana por la violencia. ·Autorretrato, 1971

A lo largo de toda su carrera recurrió al informalismo, expresionismo y al surrealismo, pero sus cuadros pertenecen al racionalismo.

LUCIAN FREUD Fue un pintor y grabador británico.

Se inicio en su juventud en el surrealismo, y luego se convirtió tras la Segunda Guerra Mundial en uno de los principales representantes de la pintura figurativa inglesa. Especializado en retratos, estos suelen excluir la expresión de sentimientos y los personajes representados aparecen bajo una fuerte luz, con colores a menudo neutros y con una carnalidad muy perceptible en el caso de los desnudos. http://www.epdlp.com/pintor.php?id=250

·Autorretrato, 1965

CY TWOMBLY Fue un pintor estadounidense del expresionismo abstracto, también amplió sus horizontes artísticos como escultor, dibujante y fotógrafo.

Es bien conocido por sus pinturas graffiti de estilo caligráfico de gran tamaño sobre fondos de colores gris, beige o color hueso.

Su obra bebe de los grandes temas del arte del siglo XX: el dilema entre la abstracción y la figuración, la intervención del psicoanálisis, el primitivismo, el papel de la escritura en la pintura, el homenaje a los ancestros (a menudo eligiendo sus temas en la mitología de la antigüedad clásica o en la literatura europea).

·Leda and the swan, 1962

Sus trabajos difuminaron la frontera entre el dibujo y la pintura. http://www.elcultural.es/galerias/galeria_de_imagenes/324/ARTE/Cy_Twombly_la _elegancia_conceptual

DAMIEN HIRST Artista británico. La muerte es el tema central de su trabajo. Es conocido sobre todo por sus series de Historia natural, en las cuales, animales muertos (como tiburones, ovejas o vacas) son preservados, a veces diseccionados, en formol.

También es conocido por sus pinturas girantes, hechas en una superficie circular girante, y pintura de puntos, los cuales consisten en filas de círculos coloreados al azar. http://www.taringa.net/posts/arte/828605/Damien-Hirst-artista-plastico.html ·La imposibilidad física de la muerte en la mente de algo vivo, 1991

JEFF KOONS

Clasificada a veces como minimalista y Neo-pop, su obra consistía inicialmente en escultura conceptual que fue adquiriendo monumentalidad. Koons ha incursionado en la escultura de instalación, la pintura, y la fotografía.

Utiliza objetos cotidianos y de valor mínimo para conseguir su objetivo, al igual que hizo Duchamp, colocándolos en galerías iluminados y carentes de su antigua función. También son frecuentes en algunas de sus obras chicas pin up, juguetes hinchables y demás objetos de la clase media. La idea es la principal característica que debe coronar a la obra. Sus objetos provocan una especie de burla la cual va encaminada directamente hacia la influencia de la mayoría de la población por la ·Puppy, 1992

publicidad. http://www.artishock.cl/2012/07/el-arte-kitsch-de-jeff-koons-en-la-fondation-beyeler/

MARTIN KIPPENBERGER Su trabajo experimentó con ideas polémicas; y en un impulso para ejecutar todo tipo de imágenes que ocuparon sus pensamientos marcó el mundo del arte de los noventa. La marea de cuadros que produjo estuvo en ocasiones marcada por lo conceptual y lo controvertido. Su obsesiva búsqueda de polémica a menudo dejaba un rastro de ofensa.

Su arte se relaciona con el movimiento artístico alemán Neue Wilde. http://www.artdiscover.com/es/artistas/martin-kippenberger-id15

DONALD JUDD Su obra se basa en el espacio y la realidad. Judd comenzó a trabajar como pintor, pero su trabajo evolucionó a objetos independientes en tres dimensiones, sobre suelo o pared que usan formas sencillas, a menudo repetidas, que a su vez exploran el espacio y el uso del espacio en que se encuentran.

A partir de 1963, comenzó a usar colores más llamativos y diferentes materiales por sí mismos. Entre otros materiales que utilizó durante su carrera abundan el metal, el contrachapado y el plexiglas.. En algunas otras obras, utilizó cemento y bloques de adobe. http://artshopper.es/donald-judd-y-la-escultura-mas-elegante/

KEITH HARING Fue un artista y activista social cuyo trabajo refleja el espíritu de la generación pop y la cultura callejera de la Nueva York.

El soporte pictórico que utilizaba era variado y accesible (papel, fibra de vidrio,

lienzo, piezas de acero esmaltado, camisetas, vasos y vaciados en escayola de obras de arte conocidas); sus fuentes son el arte esquimal, africano, maya y de los aborígenes, así como la caligrafía china y gruesas líneas negras bordean figuras esquemáticas.

Empezó a dibujar inspirándose en los dibujos animados que veía en la televisión.

Intentó plantear las cosas de la manera más simple posible. Como Warhol, Haring abrazó la cultura demótica, es decir, una combinación de moda, arte y música, este factor es básico para entender su éxito comercial en todo el mundo, en varios géneros, incluyendo murales, escultura, póster y pintura corporal.

WILLEM DE KOONING

Pintor estadounidense considerado como uno de los máximos representantes Expresionismo Abstracto.

En sus primeras obras personales trata de solucionar el problema de conservar la figuración sin que la bidimensionalidad del lienzo quede enmascarada. La figura y su entorno forman una unidad de grandes planos articulados cromáticamente mientras que, a las manchas de color, Kooning yuxtapone enérgicos trazos negros que preludian lo que finalmente será lo más característico de su producción: un entramado de líneas de poderosa vitalidad dominando la totalidad de la superficie plástica.

Kooning no abandona nunca las referencias cubistas presentes en formas que se entretejen en una arquitectura que articula figura y fondo sobre un lienzo que, en ocasiones, muestra su blancura original, enfatizando el carácter brutal de las

·Excavation, 1950

líneas y tachaduras gestuales. http://www.epdlp.com/pintor.php?id=287

TAKASHI MURAKAMI

Se introduce en el arte contemporáneo en 1990. Comienza entonces a ser reconocido dentro y fuera de Japón por su particular síntesis entre el arte tradicional y contemporáneo japonés y el arte pop norteamericano. A finales de la década de los noventa, se intuye una fuerte intromisión de la temática sexual en su obra.

Su obra abarca múltiples formas artísticas: la pintura, escultura, el diseño industrial y la moda. http://homines.com/arte_xx/takashi_murakami/index.htm

DAVID HOCKNEY Se vincula con el pop art, pero sus primeros trabajos también muestran elementos expresionistas, no muy distintos de ciertos trabajos de Francis Bacon.

Más tarde, una visita a California, en donde se establece, inspiró a Hockney a hacer una serie de pinturas al óleo de piscinas en Los Ángeles y California. Estos trabajos están ejecutados con un estilo más realista y usan colores vibrantes.

También se destacó en grabados y retratos de amigos. http://sindromecoleccionista.blogspot.com.es/2013/01/david-hockney-el-pintorde-piscinas-y.html

MAURIZIO CATTELAN Es uno de los artistas contemporáneos de mayor resonancia internacional, con un estilo distintivo donde lo pop, la ironía, el humor y la sátira sirven como vehículos para comunicar un soterrado mensaje político y una ácida crítica institucional.

Poder, muerte y autoridad son algunos de los temas que plantea este artista italiano.

Provocador, travieso, poeta trágico de nuestra época, hace uso de la cultura popular, la historia y la religión para comentar sobre el comportamiento humano de manera divertida pero profunda. Con un estilo que podría considerarse hiperrealista, el artista crea esculturas inquietantemente verídicas que revelan las contradicciones surgidas en el seno de la sociedad actual. Audaz e irreverente, su trabajo es una mordaz crítica a la cultura contemporánea. http://www.artishock.cl/2011/10/primera-retrospectiva-de-maurizio-cattelan-enel-guggenheim/

ANDREAS GURSKY

Es un fotógrafo alemán conocido fundamentalmente por sus trabajos en gran formato y que trabaja con imágenes en color procesadas digitalmente.

Es uno de los fotógrafos más exitosos de la fotografía contemporánea.

Muchos conoceréis a Andreas Gursky por sus fotografías de arquitectura y paisajes, en las que el orden y las líneas forman una parte más que importante.

http://www.mundoclasico.com/ed/documentos/doc-ver.aspx?id=da2fca58-233f48bb-9cdc-9093ba6a47a0 ·99 Cent

RICHARD SERRA Es un escultor minimalista estadounidense conocido por trabajar con grandes piezas de acero corten.

El trabajo más temprano de Serra era completamente abstracto; hecho de plomo fundido lanzado contra la pared de un estudio o de un espacio de la exposición, era un claro ejemplo del process art. Sin embargo, es mejor conocido por sus construcciones minimalistas de grandes rodillos y de hojas del acero corten.

Muchos de estos pedazos son autosuficientes y acentúan el peso y la naturaleza de los materiales. Rollos del plomo se diseñan para ceder en un cierto plazo. Sus esculturas de acero en exteriores, llevan un proceso inicial de oxidación, pero

·La materia del tiempo, 2005

después de 8 a 10 años, este color se mantiene relativamente estable. http://culturacolectiva.com/richard-serra-el-material-es-una-excusa-para-lacreacion-artistica/

RICHARD DIEBENKORN Pintor singular, cuya obra es difícilmente clasificable dentro de una escuela concreta, definió su pintura como "La tensión bajo la calma". En sus cuadros se cruzan el neoimpresionismo, el fauvismo, el realismo americano, la creación abstracta y la figurativa, pero sobre todo el entorno natural donde vivió la mayor parte de su vida: California.

Diebenkorn evoluciona hacia el arte figurativo, evolución no tan sorprendente, según el crítico de arte Michael Kimmelman, para el que sus trabajos figurativos eran realmente una extensión de sus abstracciones. En esta época introduce la figura humana en sus cuadros. http://trianarts.com/richard-diebenkorn-expresionismo-abstracto-yfigurativismo-norteamericano/

JEAN-MICHEL BASQUIAT Estilísticamente, la obra artística de Basquiat es mucho más complicada de explicar que lo que un análisis superficial puede hacer pensar, y está inspirada en múltiples referencias, tales como artistas contemporáneos como Picasso o Pollock, la música jazz , la cultura del África primitiva.

Basquiat es, sin duda, el más importante y conocido del graffiti movement que se extendió en la escena neoyorkina a principios de la década de los 80. http://www.wikipaintings.org/es/jean-michel-basquiat#close

FRANZ KLINE Los mejores y más conocidos trabajos expresionistas de Kline fueron hechos con los colores blanco y negro puros, aunque a veces introdujo diversas tonalidades de ambos colores. Sólo volvió a utilizar color en sus pinturas a partir de1955, aunque sus pinturas más importantes en color fueron hechas recién a partir de1959. Las pinturas de Kline son muy complejas y subjetivas. Cuando las pinturas de éste artista siempre tuvieron un impacto dinámico, dramático y espontáneo.

Parece haber referencias a la caligrafía china en dichas composiciones en blanco y negro, a pesar que él siempre negó dicha relación. Puentes, túneles, edificios y otras estructuras arquitectónicas e industriales fueron usualmente mencionados como fuentes de la inspiración de Kline.

BANKSY

Artista anónimo, su trabajo, en su gran mayoría piezas satíricas sobre política, cultura pop, moralidad y etnias, combina escritura con graffiti con el uso de estarcidos con plantilla.

Banksy utiliza su arte urbano callejero para promover visiones distintas a las de los grandes medios de comunicación. http://www.taringa.net/posts/imagenes/1202456/Bansky-83-Obras-de-Arte.html

AI WEIWEI Es el artista contemporáneo chino más famoso del mundo, pero es más conocido por su activismo social y problemas con la autoridad china. Y es que Weiwei compagina su actividad como artista conceptual con la crítica pública al gobierno de la República Popular China por corrupción, censura y violación de los derechos humanos.

Por orden del gobierno chino su estudio en Shangái fue demolido y ha sido arrestado en varias ocasiones por acusaciones variopintas. la familia de Ai Weiwei denuncia su desaparición y distintos medios.

81 días más tarde será liberado bajo fianza por el gobierno, pero tiene prohibido salir del país. Pese a estas limitaciones, Ai Weiwei permanece muy activo y visible gracias a campañas en las redes sociales y su participación en multitud de exposiciones internacionales.

http://www.juntadeandalucia.es/cultura/caac/programa/aiweiwei13/fra me.htm PETER FISCHLI/DAVID WEISS Por su arte, el dúo hizo uso de un gran ancho de banda de las formas de expresión artística: el cine y la fotografía, libros de arte , esculturas hechas de diferentes materiales, e instalaciones multimedia.

Se adaptaron los objetos y las situaciones de la vida cotidiana y los colocaron en una artística humor e ironía contexto-a menudo usando. salchichas ordinarios y rodajas de salchichas se convirtieron en los protagonistas de los escenarios, en alusión a situaciones como los coches en un accidente de tráfico en un entorno urbano, capas de alfombras y otras situaciones. A finales de la década de 1980, el dúo había ampliado su repertorio a abrazar una iconografía de lo incidental, creando fotografías sin expresión de las atracciones turísticas kitsch y los aeropuertos de todo el mundo. http://lavidanoimitaalarte.blogspot.com.es/2010/12/peter-fischli-y-david-weiss-

zurich-1952.html

HENRY MOORE Fue un escultor ingles conocido por sus esculturas abstractas de bronce y mármol que pueden ser contempladas en numerosos lugares del mundo como obras de arte publico.

Las primeras obras de Moore fueron realizadas usando la técnica de tallado directo,pero, a finales de los años 1940, Moore comenzó a producir esculturas moldeando la figura en arcilla o yeso antes de terminar el trabajo en bronce usando la técnica de moldeo a la cera perdida o la de moldeo en arena.

Sus obras generalmente representan abstracciones de la figura humana,

·Reclining figure, 1951

como una madre con su hijo o figuras reclinadas. La mayoría de sus esculturas representan el cuerpo femenino a excepción de las realizadas durante los años 1950 esculpió grupos familiares. Sus esculturas generalmente tienen espacios vacíos y formas onduladas. http://www.epdlp.com/pintor.php?id=316

ALBERTO GIACOMETTI Fue un escultor y pintor suizo. En la capital francesa entró en contacto con el ambiente cubista, y más tarde con el grupo surrealista, del que formó parte de 1930 a 1935. En las obras de este período, muy personales, se reconoce la idea surrealista del simbolismo de los objetos.

El abandono del surrealismo y la vuelta al arte figurativo constituyen el preludio de la llegada de Giacometti a su estilo más singular y característico, el que desarrolló a partir de comienzos de la década de 1940.

Aparecen entonces sus figuras humanas alargadas y de apariencia nerviosa, muy delgadas y de superficie áspera, a menudo de tamaño natural, que pueden estar representadas solas o en grupo.

Son estas obras las que han hecho de Giacometti uno de los artistas más originales del siglo XX, también en pintura, donde sus obras se caracterizan por figuras rígidas y frontales, simbólicamente aisladas en el espacio. ·El hombre que camina, 1961

7. ARTISTAS ESPAÑOLAS DEL ARTE CONTEMPORANEO. AUTORAS

María Acuyó.

BIOGRAFÍA Un nuevo género de examen pictórico trasciende al observar las pinturas enigmáticas de María Acuyó. La artista recrea el mundo microscópico de la materia orgánica en abstracción de formas potentes de color que flotan en un aparente plasma despojado de elementos concretos. Las figuras envolventes circundan un espacio de nuevas sensaciones. El título de la obra es “Contra la inercia”.

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Carmen Laffón Nacida en Sevilla en 1934, se inicia en el campo de la pintura, En 1955 obtiene una beca del Ministerio de Educación y Ciencia para estudiar en Italia.

En la primavera de 1956 obtiene el Premio ―Vía Frattina‖ de Roma. Durante su estancia en Madrid entre 1960 y 1962, expone en la Galería Biosca. Por entonces pinta objetos que se contraponen con el paisaje. Otro tema frecuente en estos años es la introducción de fotografías con figuras en interiores muy poblados. En 1962 regresa a Sevilla, aunque seguirá vinculada con Madrid a través de la Galería Juana Mordó, de la que forma parte como pintora desde 1961.

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La escultora y ceramista Carmen Vila se inspira en la naturaleza del fondo del mar para recrear sus criaturas marinas en cerámicas y porcelanas de sinuosas formas orgánicas, en una gama de blancos de matices diversos del que emergen las amebas y el coral. La muestra es un conjunto de esculturas de cerámica que representan distintos motivos florales. "La idea surgió cuando la escultora ceramista, quiso plantar un jardín en su casa de la Vega. Nunca tenía tiempo de cuidarlo, así que se le ocurrió la idea de hacer un jardín eterno".

Carmen Laffón

Mesilla de noche. Es un oleo sobre lienzo pintado en 1973.

Carmen Vila

La Rosa Centifolia: -

Julie Rivera presenta conocida por representar maquetas en metacrilato y plata, y en la vídeo-creación performántica, una amplificación del proyecto Arquitectura de la Felicidad. en el recorrido de la protagonista por una secuencia de localizaciones dentro de un parque temático que promete una imagen idealizada del bienestar. El desarrollo de este interés se ve reflejado en un trabajo que ha ido evolucionando linealmente desde el año 2003 y que se ha ido concretando en nueve proyectos. Trabajar en el espacio público, más que una elección ha sido una evolución tanto del proceso de investigación de su trabajo como también de su desarrollo personal. Hacia finales del año 2002 estaba recuperándose de un trastorno agorafóbico y la fobia a éstos espacios abiertos y transitados generaron en ella la necesidad de tener un mayor conocimiento sobre ellos.

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Asunción Lozano Salmerón nacida en Gorafe en el 1967. La temática de los estereotipos despunta en las obras de Asunción, como renuncia a la idea del objeto-cuerpo, de manera figurada, unos jarrones clásicos delineados con calificativos impresos exaltan las cualidades de la mujer por encima del símbolo ornamental atribuido.

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María Ángeles Díaz Barbado es Licenciada

Julie Rivera

Asunción

en Bellas Artes. Universidad de Granada, 1992.

Doctora en Bellas Artes. Universidad de Castilla-La Mancha. Cuenca, 2000.

Cursos y Talleres: Juan Muñoz, Pepe Espaliú, Concha Jerez.

En la actualidad imparte clases en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad de Málaga. Nacida en Granada en 1969.

Una página donde encontrar información de esta artista: http://www.malagahoy.es/article/ocio/11834 1/los/instantes/fragilidad/diaz/barbado/llegan /malaga.html

María Ángeles Díaz Barbado

El trabajo limpio y delicado de María Ángeles Díaz Barbado muestra en la fotografía y en el objeto tridimensional una delicada y conmovedora libélula cuya belleza nos avisa de los límites de la fragilidad del ser y de la vida. La artista recrea un espacio de luz desde la oscuridad total del fondo.

Lola Guerrera

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El blanco es el color elegido por la fotógrafa Lola Guerrera en esta escena de Cotidianidades, que nos retrotrae al mundo de la ensoñación en los espacios neutros, de blancos nebulosos, como el alma de los objetos que empapela para protegerlos de cualquier deterioro, incluida la luz.

Cotidianidades de Lola Guerrera radiante de blanco y sin concesiones al negro, sólo gama de grises, es una manera de contar, un lenguaje expresivo, donde no solo cuenta el acto de disparar.

Lola Guerrera neutraliza los interiores domésticos transformándolos en espacios inmaculados, neutros, evanescentes, ingrávidos, que no parecen ser de este mundo, sino haber sido fotografiados mientras soñábamos. Nos devuelven imágenes creadas mientras dormíamos, y que al despertar reverberan en nuestro cerebro, porque fueron sueños felices, que proyectamos en cada esquina, en cada rincón de la casa.

Y la luz que entra por las ventanas es pura, aún más blanca, que los blancos objetos, y eso nos da calma y nos protege serenamente.

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Entre las creadoras emergentes multidisciplinares la granadina Belén Mazuecos diseña con nuevos materiales la obra de título "La habitación de la entomóloga", una instalación configurada por vitrinas de exvotos de mariposas y crisálidas realizadas en estaño repujado, que clavadas en un fondo adamascado, perpetúan el culto a la transformación.

La granadina Belén Mazuecos, tan solvente en su faceta docente como en la creativa, presenta "la habitación de la entomóloga", una instalación pulcra y acertadamente llevada a cabo en la que la metamorfosis de bómbix mori sirve de adecuada metáfora, como si se tratara de una especialísima iconografía de las vanitas, para plantear una realidad tan aplastante como la fugacidad de la vida.

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Soledad Sevilla nace en Valencia en 1944 y

Belén Mazuecos

Soledad Sevilla

reside, actualmente, en Barcelona. Estudió en la Real Academia Catalana de Bellas Artes de San Jorge en Barcelona, siendo sus estudios luego ampliados en Madrid.

Su carrera artística comenzó a finales de los sesenta con posiciones próximas al minimalismo pictórico, etapa que abandonó en los años setenta tras su participación en el Seminario de Generación Automática de Formas Plásticas desarrollado en el Centro de Cálculo de la Universidad Complutense de Madrid. En él, la artista se decantó a crear pintura de raigambre geométrica donde el módulo y sus infinitas variaciones sobre el plano pictórico emergen como temática; no obstante, se debe tener siempre presente que sus construcciones geométricas poseen una lectura poética, rasgo que caracteriza la obra de Sevilla incluso en la actualidad. Es a través de la abstracción geométrica, también llamada, optical art, como Sevilla resuelve huir de la

neofiguración y del Pop Art, movimientos que triunfaban en España.1 Con el tiempo, sus preocupaciones artísticas tomaron otra dirección y la artista valenciana se inició en el ámbito de la investigación conceptual y espacial, siendo los resultados utilizados a principios de los años ochenta en sus diversas instalaciones.

En la actualidad, debido a una enfermedad, la artista cambio los grandes formatos por el lienzo. Aquí puedes obtener más información de toda la vida hasta hoy de la vida de esta gran artista: http://es.wikipedia.org/wiki/Soledad_Sevill a En la línea del "sensorial ismo" de Soledad Sevilla, virtuosa creadora de espacios de luz y cuadros pictóricos de líneas geometrizantes, vemos como un gran mural de pintura para fresco Caparol en papel Michel.

Rosa brun

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Rosa brun contiene las claves preposicionales de la pintura y la forma en una original y preciosista composición de tres cálidos colores. Constituyen un ejemplo magistral en virtud de la percepción sensorial que nos produce el after image del color en el espacio envolvente de observación.

Carmen Sicre

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Siguiendo la abstracción, una pieza rotunda de óleo sobre tabla de la escultura y pintora Carmen Sicre, exalta la idea de la pasión, en una tonalidad de granates con transparencia de veladuras.

Ángela Galindo

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Ángela Galindo un enlace importante de la artista es : http://angelagalindo.com/texts/thelanguages-of-art Esta artista es Licenciada en Bellas Artes por la Facultad de San Carlos, Universidad Politécnica de Valencia.

Aquí aparecen todas sus obras tantos dibujos, fotografías, sus textos… Algunas de las obras de Ángela Garrido son:

Mar Garrido

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Mar Garrido nacida en Madrid en 1963 es Profesora titular de universidad.

Licenciada en Bellas Artes por la Universidad Complutense de Madrid, Doctora en Bellas Artes por la Universidad de Granada y Profesora en Bellas Artes desde 1992. Una de las obras de Mar

Garrido es Oro azul, es un espejismo de una nueva era, los ojos del agua, es la propuesta de Mar Garrido, un políptico de fotografías de abstracción pura. La superficie del agua que logra capturar en la exploración visual, reproduce un efecto molecular de las cualidades supra físicas del agua, a pesar de permanecer contenida en un fondo de azules destellantes. En la vídeo-creación Fluere I y II, pondera las sensaciones del elemento como metáfora del fluir de la vida. Este video fue creado por la artista en 2011.

Marisa Mancilla

Angeles Agrela

Marisa Mancilla actualmente vive y trabaja entre Granada y Lisboa. Desarrolla sus proyectos aunando docencia y creación artística entre las facultades de Bellas Artes de estas dos ciudades y el taller de Granada.

Sus proyectos más recientes se plantean como ―estudios‖ (en el sentido de trabajo en proceso) que reflejan la dificultad para entender -desde el estrecho margen de las relaciones humanas y el entorno más íntimo- la tempestad de lo interno.

Reflexionan sobre la dificultad para enfrentar la nostalgia, la melancolía del deseo, el secreto.

Plantea sus intervenciones e instalaciones como sistemas de ―objetos densos‖ cuya función natural se pervierte para suscitar sospecha, para despertar en el espectador el reconocimiento de la violencia y la tragedia que éste hecho encierra. Un enlace donde se puede encontrar muchas obras e información de la artista: http://www.marisamancilla.com/

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Angeles Agrela nacida en Jaén en 1966. Es Licenciada en Bellas Artes en la Universidad Alonso Cano de Granada (España), ha realizado estancias en Nápoles (Italia) 1991 Beca Erasmus / Naples (Italy) 1991 Erasmus Scholarship La Habana (Cuba) 1998 Beca Manuel Rivera / La Habana (Cuba) 1998 Manuel

Rivera Sponsors, Berlin (Alemania) 2007 Centro Glogauer / Berlin (Germany) 2007 Glogauer Center.

La identidad es incuestionable en este retrato audaz de Ángeles Agrela, un dibujo magistral que no deja nada oculto, en la actitud y el juego irónico de "La elegida" acción.

María Clauss

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En contrapunto al descaro de la anterior, el rostro tatuado del que se sirve la fotógrafa María Clauss en este retrato sensual subraya el tema social de la inmigración y la cultura del mestizaje, "La riqueza cultural y humana la da, sin lugar a dudas, las mezclas. En la diversidad encontramos cosmovisiones y cosmorealidades que nos hacen a todos más libres" asegura la fotógrafa onubense.

Clauss, premio de fotografía Andalucía de Migraciones 2013.

Inmaculada Salinas

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Inmaculada Salinas (Guadalcanal, Sevilla, 1967). Núcleos vacíos representa Hueros Tanatecos, en un políptico de dibujos de finas líneas que giran en un trazo orbital, causando familias de círculos misteriosos donde un retrato, o la postal de un ente o un territorio llenan el hueco de lo que fue o existió en otro tiempo.

Cristina Martín Lara

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Cristina Martín Lara nació en Málaga en 1972, vive y trabaja en Berlín. En la contemplación de la obra de arte existen

espacios donde la implicación del espectador es vital, con este argumento las imágenes de Cristina Martín Lara plantean un reto interesante en la observación de la sucesión de momentos causales que vive la persona; también, en el vídeo-arte Landpartie II, concibe una sucesión continúa de la idea de territorio e identidad.

Salomé del Campo nace en Sevilla en 1961 Estudia en la Facultad de Bellas Artes "Sta. Isabel de Hungría‖, de la Universidad de Sevilla.

2011 Actualmente realiza el doctorado en el programa: Artes Visuales y Educación, un enfoque construccionista.

En Jóvenes en la cancha, un retrato colectivo de adolescentes que conversan en un lugar de esparcimiento de ambientación turbadora. Por este trabajo Salomé ha recibido premios. La artista utiliza la fotografía como punto de partida de su trabajo.

Salomé del Campo

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María Ortega

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Nació en Cordoba en 1983, es artística plástica y arteterapeuta. Vive y trabaja en Sevilla. Su trabajo se desarrolla en diferentes medios pintura, dibujo, escultura e intervención.

La naturaleza es la fuente de inspiración inagotable de artistas desde tiempos inmemoriales. La propuesta de la joven María Ortega en "paisaje de mil vidas", muestra una intervención inteligente en la tajadura de un tronco de árbol con serpentinas de papel de colores que sugieren la idea de sanación del medio y el cuidado de la belleza natural del paisaje.

Toña Gómez

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Toña Gómez (Málaga, 1954), artista afincada en Almería cuya obra se mantendrá en un perfecto equilibrio entre la abstracción y la figuración, con el claro objetivo de mantener una constante relación entre Arte y Naturaleza. En una simbiosis perfecta con la naturaleza, también se encuentra la obra de la almeriense Toña Gómez. La influencia del mar en la artista es muy notable en la pieza Mediterráneo, mar.es, un mural oceánico ejecutado con técnica mixta sobre un políptico de lienzos que profundizan en la grandeza del fondo de tonalidades azules y agua marina. Una parte del lienzo en rojo advierte de la fatalidad ecológica que sufre nuestro litoral.

Dolores Montijano

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Dolores Montijano. Un video muy interesante sobre las obras de ésta artista, llamado Memoria de una Década. El enlace del video es el siguiente: https://www.youtube.com/watch?v=Y1Iyev xhJ_k El acto central del Día Internacional de la Mujer estuvo protagonizado por los homenajes. Se tributó un reconocimiento a la veterana pintora Dolores Montijano.

La homenajeada en el espacio ―Mujeres alcalaínas a la luz‖, Dolores Montijano, una artista afincada desde hace décadas en Granada.

María Teresa MartínVivaldi GarcíaTrevijano

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María Teresa Martín-Vivaldi GarcíaTrevijano (Granada 1955), es licenciada en Ciencias Políticas y Sociología, sección de Antropología social, por la Universidad Complutense de Madrid. Miembro de una familia caracterizada por el ambiente de estudio, el interés literario y artístico y la apertura a las diferentes ramas del saber (es sobrina de la poeta Elena Martín Vivaldi y

no escasean entre sus familiares los catedráticos universitarios de Medicina, Ciencias, Letras y Derecho), Tiene contacto desde su infancia con las vanguardias artísticas del momento y una vez finalizados sus estudios universitarios se dedica a la pintura. Su interés por la obra gráfica la lleva a estudiar grabado con Julio Espadafor. Asimismo realiza carpetas de serigrafías y litografías . Colabora habitualmente con diferentes editoriales y casas discográficas como ilustradora y diseñadora de cubiertas.

Otra perspectiva del paisaje, María Teresa Martín-Vivaldi, consigue con pinceladas fovistas en el empleo provocativo del color, en Torre, una abstracción de su pulsión por el paisaje natural.

Concha Ibarra

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Concha Ibarra nace en Sevilla en 1957 donde reside y trabaja. Su obra se desarrolla en el terreno de la pintura, interesada en los procesos cerámicos y la fotografía. Busca la sensualidad, el misterio y el mundo intimista. Le interesa el dialogo entre abstracción y figuración.

Licenciada en psicología por la Universidad de Sevilla Taller del Aire. Alberto Donaire Taller Corral del Arte. Ricardo Castillo Curso Internacional de Pintura. Antonio López. Jerez de la Frontera, Cádiz Taller de creación artística. Signos Mediodía. Centro Andaluz de Arte

Contemporáneo.

Inmortales. Variaciones plásticas de una poética de lo esencial. Juan Fernández Lacomba Taller de cerámica. Sevilla Taller de Escultura. Escuela de Arte y oficios de Sevilla En la siguiente obra narra un recuerdo de la infancia en la obra Caja de sorpresas, un óleo sobre lino a caballo entre la figuración y la abstracción que ostenta la belleza de una gama de intensos colores provenientes de lejanas culturas.

Marina Vargas

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Marina Vargas (Granada, 1980) las enérgicas obras de Marina Vargas, que continúa indagando en nuevas disciplinas del arte sin abandonar la consagración que ofrecen sus creaciones en pintura de carácter puramente simbólico. En esta pieza, Marina Vargas interviene en la piel de una alfombra árabe bereber con una sublimación de dibujo esmerado en detalles de tonos elevados de rojo y oro. La culminación del exotismo y la pasión late en este tapiz de la serie Me sobra el corazón.

María José Gallardo

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María José Gallardo nacida en Badajoz en 1978. Licenciada en Bellas Artes con la especialidad de Diseño y Grabado. Sta. Isabel de Hungría, Sevilla.

Un planteamiento de aspecto análogo luce en el simbolismo que habita el universo pictórico y los dibujos de María José Gallardo. Con un estilo entre lo antiguo y lo neo-gótico la artista recrea con meditada liturgia una nueva imaginería en su versión

original de los Evangelistas en femenino.

Cristina Lama

María Cañas.

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Cristina Lama (Sevilla, 1977) Que los sueños, sueños son, es una cita literal más que plausible acerca de la obra de la joven Cristina Lama. Los domingos por San Juan, II, habitados por extraños personajes desvelan el rastro de un escenario del terror en esta pintura abocetada que conserva la impronta de una evolución segura.

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María Cañas. (Sevilla, 1972) La vídeocreación es la disciplina por excelencia de la artista María Cañas, "la archivera de Sevilla", que se apropia de imágenes producidas, y hace uso de un nuevo lenguaje visual para ponerlas su personalísimo sello de ironía, humor y crítica social. Aceite en Llamas no deja cenizas, es una narración visual sobre el fluir de la vida a camino entre un film de "alucine" y un ideario zen purificante de las angustias del alma.

Este es el enlace del tráiler de Aceite en llamas no deja cenizas. https://www.youtube.com/watch?v=lW3WHaAePyw

8. Mujeres Extranjeras del Arte Contemporáneo AUTORAS

Ángela Gurria

BIOGRAFÍA

Escultora con premios del Instituto de Arte de México. Trabaja con materiales que van desde la piedra hasta mármol, metal y cantera. Es representativa del arte geométrico, abstracto y figurativo. http://culturacolectiva.com/angela-gurria-lamujer-que-esculpio-su-nombre-en-la-historia/

Celia Calderón

Lilia Carrillo

Estudió en la Slade Art School de Londres por una beca del Consejo Británico. Expuso su obra en Oriente, fue pintora y acuarelista también, reconocida por críticos como Justino Fernández quien comentó que sin ella no se puede entender el arte mexicano. http://www.conaculta.gob.mx/multimedia/salavirtual/m ujeresartistas/swf/b_07.swf

Estudió en la Academia de la Grande Chaumiere de

París, teniendo influencia del cubismo, surrealismo y expresionismo abstracto. Iniciadora del Informalismo abstracto, expresión plástica que prescinde de las formas naturales y tradicionales; rechaza la forma figurativa y no figurativa y asume el color como su materia. http://www.lahistoriaconmapas.com/historia/histori a2/biografia-de-carrillo-lilia-1930-1974

Helen Escobedo

Escultora, dibujante y artista conceptual. Es autora de 30 obras basadas en problemas urbanos y ecológicos y de varios ambientes efímeros como el Bosque de Chapultepec, Ciudad de México. En sus obras, utiliza materiales de desechos, como troncos y ramas. http://www.mexartdb.com/#/personas/helenescobedo

Irma Palacios

Sus obras han sido identificadas dentro del abstraccionismo lírico que incluye al expresionismo abstracto, designa un arte más vigoroso, gestual y dramático. El sosiego, la quietud, el equilibrio la armonía, se convierten en la temática de estas composiciones. http://www.galeriajuanmartin.com/obra-de/irmapalacios/

Mónica Mayer

Ana Thiel

Pionera del performance en México, lleva a cabo un collage de arte, texto, humor y vista consiguiendo un arte feminista y político, artístico conceptual.

Sus obras destacan por ser una mezcla de conferencia y acción, casi siempre política. Ha exhibido su arte internacionalmente. http://es.wikipedia.org/wiki/M%C3%B3nica_Maye r

Escultora en vidrio principalmente. Ana Thiel, mexicana de nacimiento internacional de conocimiento, Ana muestra su obra y difunde sus conocimientos por todo el mundo haciendo una gran labor docente, tanto en Europa como en USA. http://www.jornada.unam.mx/2011/10/02/semingrid.html

Blanca Ruth Casanova

Angèle Etoundi Essamba

Expresionista abstracta. Siendo una artista visual abstracta y expresionista, experimenta con técnicas mixtas y texturas diversas, collage, ensamblaje, arte objeto y arte digital. http://www.picassomio.es/blanca-ruthcasanova.html

Creció y vivió entre Yaundé y París hasta que se traslado a los Países Bajos, donde se matriculó en la Fotovakschool Nederlandse (escuela holandesa profesional de fotografía). http://www.galeria-out-of-africa.com/es/noticias/70comunicado-de-prensa-la-mujer-en-el-arte-africano

Sarah Lucas

Enfoca su creación a la crítica del género y la sexualidad, utilizando su cuerpo como una referencia directa y una especie de provocación. Su obra es parte de las colecciones más importantes del mundo, como la del MoMA de Nueva York y la Tate de Londres.

http://www.revistacodigo.com/el-arte-es-llegar-allimite-entrevista-a-sarah-lucas/

Ana Mendieta

Laure Prouvost

Fue una artista, escultora, pintora y video-artista cubana.

Es reconocida por sus obras de arte "earth-body art". Las obras fueron enfocadas en temas como el feminismo, la violencia, la vida, la muerte, el lugar y la pertenencia. http://es.wikipedia.org/wiki/Ana_Mendieta

Es una artista francesa, que vive y trabaja en Londres. Es la quinta mujer y la tercera persona no británica en ganar el premio ―Turner‖, el galardón más importante del Reino Unido de arte contemporáneo. http://www.abc.es/cultura/arte/20131203/abcilaure-prouvost-premio-turner-201312022235.html

Ingrid Wildi

Es una presentaciรณn monogrรกfica de trabajos de video ensayos, que evidencian las problemรกticas de la migraciรณn, la memoria, la identidad, la dislocaciรณn y la diรกspora, los desplazamientos sociales y culturales http://www.mac.uchile.cl/actividades/temporal/novi embre2007/mujeres.html

Bettina Brizuela

Naciรณ en Asunciรณn, en 1969. Estudiรณ en el Centro de Estudios Brasileรฑos, con Livio Abramo. En 1998 ingresa al Instituto Superior de Arte, de la Universidad Nacional de Asunciรณn, donde actualmente desarrolla su tesis de Licenciatura. http://artesvisualespy.blogspot.com.es/2010/02/bettinabrizuela-privadisimo.html

Claudia Casarino

Estudiรณ Artes Visuales en el ISA de la Universidad Nacional de Asunciรณn e hizo cursos en la School of Visual Arts de Nueva York, en el Printmaking Workshop of Bob Blackburn y el London Printworks

Trust, entre otros. http://www.portalguarani.com/65_claudia_casarino.html

Ysanne Gayet

Nació en Sri-Lanka, en 1.948. Reside en Paraguay desde el año 1.971 donde ha trabajado en diversas actividades: muebles antiguos, flores, jardines, diseño de ropa incorporando elementos de artesanía, promoción del arte, la artesanía y el medio ambiente. http://www.portalguarani.com/126_ysanne_gayet.html

Adriana González Brun

Asunción – Paraguay. Arquitecta, Profesora Universitaria y Artista Visual, trabaja en áreas de Arte Instalación, Intervenciones y acciones urbanas y video arte. http://www.portalguarani.com/135_adriana_gonzalez_br un.html

Julia Isídrez y Juana Marta Rodas

Aprende con su madre Juana Marta Rodas (Itá, 1925, Py) el oficio de la cerámica, al que se dedica profesionalmente. Ambas, madre e hija conservan las técnicas de las abuelas guaraníes pero saben expresar a través de ellas su propia sensibilidad y las condiciones nuevas de su tiempo. Sus obras, objetos caprichosos empujados por la pura imaginación y el incontenible impulso creador de estas artistas campesinas, se convierten en uno de los testimonios más originales del arte popular del Paraguay actual. http://www.portalguarani.com/241_juana_marta_y_julia _isidrez_rodas.html

Karina Yaluk

Nació en Misiones en 1958. Es arquitecta, grabadora y pintora. Participó también en muestras colectivas en la Galería ArteSanos, Galería Miró, Centro de Artes Visuales de Asunción, el Museo Nacional de Bellas Artes, el Instituto Paraguayo-Alemán, El Aleph, entre otros, dando vida a los despreciables desechos con esfuerzo artesanal y con su toque poético de artista auténtico. http://www.portalguarani.com/286_karina_yaluk.html

Lucy Yegros

Nació en Asunción, Paraguay en 1940. Estudió en varios talleres de arte en Sudamérica, Europa y Estados Unidos Actualmente se dedica a la investigación y elaboración de papeles hechos a mano con fibras vegetales y otros. http://www.edupratt.com/289_lucy_yegros_arete_.html

Gabriela Zuccolillo

Diane Arbus

Nació y creció en Asunción, Paraguay, en 1967. Estudio Bellas Artes, Fotografía, Antropología en Buenos Aires, Argentina. (1988-1997). Actualmente vive y trabaja en Asunción, Paraguay. Desde 1992 expone regularmente fotografías, videos y trabajos personales relacionados con la imagen fotográfica en individuales y colectivas en el país y en el exterior. También realiza de manera conjunta proyectos de investigación, concepción y montaje de muestras, y publicaciones. http://www.portalguarani.com/293_gabriela_zuccolillo.h tml

Fue una fotógrafa estadounidense. La década del sesenta fue la más productiva. Recorre los peligrosos barrios de Nueva York para seleccionar a los personajes que retrata, entre los que se encuentran enanos, nudistas y prostitutas. http://es.wikipedia.org/wiki/Diane_Arbus

Ida Barbarigo

Ella renunció a la arquitectura estudiando con el fin de estudiar pintura en la Academia de Bellas Artes de Venecia. Su trabajo ha sido influenciado por los pintores del Renacimiento, incluyendo Giotto y Cimabue, y por el arte de las primeras civilizaciones. Su dibujo adquirió gran

importancia para ella durante los primeros años de su actividad, y poco a poco formaron una manera personal de ver, su propia manera de crear, desarrollada especialmente en los campos de la pintura y el grabado.

http://www.axel-vervoordt.com/en/news/opening--booklaunch-ida-barbarigo-at-axel-vervoordt-galle

Katharina Fritsch

Es una escultura contemporánea alemana. Vive y trabaja habitualmente en Düsseldorf. Es conocida por sus esculturas e instalaciones que revitalizan objetos familiares con una sensibilidad extraordinaria y discordante. La iconografía de sus obras deriva de muchas fuentes diferentes, incluyendo el cristianismo, la historia del arte y el folclore. http://es.wikipedia.org/wiki/Katharina_Fritsch

Ana Peters

Grete Stern

Conocida como la pintora de los estados de ánimo. La técnica utilizada por la artista huye del pincel convencional y se sirve de utensilios diversos. De esta forma, trapos manchados y otros enseres se convierten en instrumentos artísticos para elaborar, en una ceremonia que recuerda a los modos de trabajo surrealistas, una serie de lienzos que recorren todo el espectro de color. http://ccaa.elpais.com/ccaa/2012/02/27/valencia/133036 5731_496988.html

Fue una diseñadora y fotógrafa alemana radicada en Argentina, alumna de la Escuela de la Bauhaus. Sus obras de carácter onírico y ejecución surrealista sobre los sueños de las mujeres, muestran con nitidez su

impronta vanguardista. También son de gran sensibilidad, al igual que sus retratos, sus imágenes documentales, sus reportajes urbanos sobre Buenos Aires o sobre los últimos indígenas argentinos. http://es.wikipedia.org/wiki/Grete_Stern

Sue Williams

La pintora norteamericana Sue Williams (Chicago, 1954) ha pasado por etapas muy diferentes antes de llegar a una abstracción gestual como la que practica ahora. En sus telas recientes, Sue Williams abandona las referencias a la realidad para refugiarse en una pintura gestual, llenando de arabescos amarillos, rojos, azules, beiges o negros, la tela cubierta de pintura blanca. http://www.elcultural.es/version_papel/ARTE/17640/Su e_Williams

Elena del Rivero

Convierte el género epistolar en el recurso principal de su narración plástica, a la vez que transforma la costura, en escritura y medio gráfico. Al insistir en las connotaciones que tradicionalmente han recibido la acción de tejer y su representación, la artista abunda una vez más en el binomio hacer y deshacer lo tejido, en tanto que metáfora de la espera y la posibilidad de retorno, que remite a la figura clásica de Penélope. http://www.museoreinasofia.es/exposiciones/elenarivero-cinco-cartas-retenidas-sexta-inacabada-septimaenviada-mas-octava-recibida

Laurie Simmons

Es una americana artista y fotógrafo que trabaja actualmente en Nueva York. Ha trabajado como fotógrafa, como directora de cine (The music of regret), como colaboradora de modas y en la cultura popular (Gossip Girl). http://en.wikipedia.org/wiki/Laurie_Simmons

ç

Rosella Vasta

Nacida en Palermo el 30 de agosto de 1962, en 1987 Vasta tomó su Maestría en Filosofía en la Universidad de Perugia. Su tesis era Educación Visual para el Desarrollo de la Personalidad Creativa. Recibió el primer premio de pintura en la Bienal Internacional de Florencia en 2003, Vasta ha expuesto ampliamente en Italia y en el extranjero.

http://rossellavasta.blogspot.com.es/p/artistsresume.html

9. INSTITUCIONES DE ARTE CONTEMPORÁNEO. Dentro de las instituciones dedicas al arte contemporáneo podemos encontrarnos con: . Académicas: Universidades que ofertan estudios académicos en Bellas artes en cuyos planes de estudios el Arte Contemporáneo ocupa un papel importante. Departamentos de Historia del Arte que se dedican al estudio del Arte Contemporáneo. . Museos . Fundaciones . Centros de Arte Contemporáneo: Realizan sus exposiciones o proyectos artísticos en función de su perfil editorial. . Exposiciones internacionales . Ferias.

Instituciones Argentina. Museo de Arte Contemporaneo de Rosario (MACRo) (Rosario)

Descripción http://www.macromuseo.org.ar/ El edificio fue proyectado por Ermete de Lorenzi uno de los arquitectos rosarinos más importante del Siglo XX. La institución pone énfasis en la conservación, documentación y catalogación de su patrimonio, en la promoción del arte rosarino y en la incorporación de obras contemporáneas de las más diversas regiones del país, mediante un plan de adquisiciones destinado a tal fin. Su patrimonio es, al día de hoy, la colección de arte contemporáneo argentino más importante del país, con obras de artistas como Nicola Constantino, Marcos López, Marta Minujín, Marcelo Pombo, León Ferrari y de

Brasil. Museo de Arte Contemporáneo en Niterói.

grupos como Tucumán Arde, entre otros. http://www.macniteroi.com.br/ Inaugurado el 2 de septiembre de 1996 el llamado MAC de Niteroi alberga la colección João Sattamani, la segunda más grande de arte contemporáneo de Brasil. Con más de mil piezas, destacan entre otras, las de los artistas João Carlos Goldberg, Frans Krajcberg, Tomie Ohtake, Abraham Palatnik, Mira Schendel, Carlos Vergara.

Brasil. Museo de Arte Moderno en São Paulo.

Chile. Museo de Arte Contemporáneo en Santiago de Chile.

http://mam.org.br/ El Museo de Arte Moderno de São Paulo es uno de los más importantes museos de arte moderno de Brasil.

Creado en 1948 fue una de las primeras instituciones de producción artística moderna en el país.

El modelo de museo que siguió fue el del MoMA de Nueva York.

Los estatutos generales del nuevo MAM preveían la constitución de una entidad dedicada al incentivo del gusto artístico del público, de todas las formas que fueran consideradas convenientes, en el campo de las artes plásticas, de la música, de la literatura y del arte en general. http://www.mac.uchile.cl/ Su colección de aproximadamente dos mil piezas, entre las que hay esculturas, pinturas e instalaciones, es una referencia historiográfica frente a las muestras contemporáneas. El museo exhibe bajo curatorías que apuntan a los más actuales conceptos de la historia del arte. El MAC actúa desde el compromiso social de comunicar las manifestaciones artísticas, conocimientos y problemáticas que se generan y producen en el medio cultural.

El MAC se ha propuesto el desafío de contribuir a la alfabetización visual, a la comprensión de los diversos lenguajes del arte contemporáneo y a apoyar la labor docente de profesores y establecimientos educacionales.

Para ello, cuenta con Educamac cuya misión es aportar experiencias significativas al público general y a estudiantes de distintos niveles de enseñanza con el propósito de complementar sus conocimientos a partir de las muestras y actividades del museo. A cargo de profesionales del área de las artes y la educación, Educamac desarrolla metodologías interactivas, reflexivas y prácticas, como Lecturas de Obra con artistas, Visitas Guiadas y Talleres, entre otras.

Colombia.

Museo de Arte Contemporáneo El Minuto de Dios en Bogotá.

Costa Rica. Museo de Arte Contemporáneo en San José.

Dinamarca. Museo Louisiana de arte moderno en Humlebæk.

España. Museo de Arte Contemporáneo Unión Fenosa, en La Coruña.

http://www.mac.org.co/ Hoy en día el MAC se ha consolidado como un espacio donde convergen diferentes manifestaciones culturales que contribuyen a la difusión y apropiación del arte contemporáneo local, nacional e internacional. Su valiosa colección supera las 1000 obras, la cual se incrementan constantemente con nuevas donaciones, que proponen una mirada al arte contemporáneo en Colombia desde la década de los 60 hasta nuestros días. Además de continuas convocatorias, se organizan permanentemente muestras temáticas que revisan los géneros y tendencias de las prácticas artísticas contemporáneas a fin de promover lecturas diversas de los fondos del mus http://www.madc.cr/ El 'Museo de Arte y Diseño Contemporáneo', fundado en 1994, es una institución museística de Costa Rica, dedicada a difundir y promover las tendencias más recientes y dinámicas de la región centroamericana dentro del arte y el diseño contemporáneos, así como sus vínculos con tendencias relativamente afines en el ámbito latinoamericano e internacional.

La Colección Permanente del MADC cuenta con más de 900 obras de reconocidos o jóvenes artistas nacionales, regionales e internacionales, con técnicas que van desde la pintura, el grabado, el dibujo o la escultura, hasta lenguajes como la fotografía, la instalación, el objeto intervenido o el video.

El museo Louisiana de arte moderno está situado en la costa norte de la isla de Zelanda, cerca de Copenhague, Dinamarca, en lo que antes era un parque. Fue fundado en 1958 por Knud W. Jensen como una institución pública independiente.

Uno de sus puntos clave es que combina las muestras de arte moderno con la arquitectura del museo y el paisaje alrededor, encontrándose muchas de las esculturas al aire libre, así como su situación estratégica junto a la costa, desde donde puede verse Suecia a la otra orilla. http://www.mac.gasnaturalfenosa.com/es/1285084843577 /inicio.html El MACUF cuenta con una colección permanente, distribuida entre el Museo Patio Herreriano de Valladolid y el Museo de Arte Contemporáneo de A Coruña, que pretende transmitir el espíritu y los valores de nuestro nuevo Grupo, a partir de la creatividad y la expresión artística.

Fondos propios compuestos por artistas plásticos contemporáneos de España y Portugal, principalmente de las últimas tres décadas, con una importante presencia de nuevas generaciones de artistas en pintura, escultura, fotografía, vídeo e instalación. Además de colaborar en la organización de Bienales de arte contemporáneo desde el año 1989, con cuyas aportaciones se ha nutrido también el fondo del museo.

España. Espacio Andaluz de Creación Contemporánea. Córdoba.

España. (Feria Internacional de Arte Contemporáneo | ARCOmadrid)

España. Museo de Arte Contemporáneo en Barcelona.

España. Museo de Arte Moderno en Barcelona.

El Espacio Andaluz de Creación Contemporánea, antes denominado Centro de Creación Contemporánea de Córdoba o C4, es un museo y centro de creación artística, dedicado al arte contemporáneo Acogerá actividades artísticas relacionadas con las vertientes digital y audiovisual. Entre otras instalaciones, el C4 dispondrá de mediateca-centro de documentación, auditorio, aulas, laboratorios de sistemas audiovisuales y hardware, talleres, patios y espacios expositivos susceptibles de unirse entre sí con variedad de configuraciones. http://www.ifema.es/arcomadrid_01/ Es una de las principales ferias de arte contemporáneo del circuito internacional que, organizada por IFEMA, se celebra anualmente en la Feria de Madrid, España. Su primera edición se celebró en 1982.

ARCOmadrid reúne una oferta artística que va desde las vanguardias históricas, hasta el arte emergente y actual, pasando por el arte moderno y arte contemporáneo.

ARCO se ha caracterizado por apoyar el desarrollo de un mercado del arte en España e impulsar el coleccionismo tanto privado como institucional y corporativo. http://www.macba.cat/es/inicio Es una institución abierta en la que los ciudadanos encuentren un espacio de representación pública. Si a ello se añade la vocación educativa, su voluntad de innovación y el compromiso de preservar el patrimonio y de trabajar en red con otras instituciones, la suma de tales objetivos sitúa al MACBA a la cabeza del sistema del arte contemporáneo en Cataluña, al tiempo que consolida Barcelona como capital y referente internacional.

Para los estudiantes de 3 a 12 años, se ofrecen dos tipos de actividades. Por un lado, la visita a la Colección MACBA, en la que un educador propone un diálogo con los niños ayudándose de materiales de apoyo que refuerzan y permiten experimentar algunas de las ideas que se sugieren en las salas. Y por otro, para aquellos grupos que deseen realizar un trabajo más profundo, se presenta el proyecto Expressart. Museo portátil, que plantea un trabajo previo en el colegio con el fin de que la visita posterior al Museo sea mucho más motivadora y enriquecedora para los alumnos. De esta forma, la visita se convierte en el momento culminante de un proyecto iniciado en el aula. http://www.meam.es/principal.html El Museu Europeu d'Art Modern, MEAM, expone el mejor arte figurativo contemporáneo. Pertenece a la Fundació de les Arts i els Artistes, cuya finalidad es la promoción y la difusión del arte figurativo del siglo XX y XXI. La pretensión del MEAM es encontrar un NUEVO lenguaje contemporáneo que no reniegue de la tradición sino que surja de ella para dar un salto hacia adelante en el nuevo siglo. Además, la Fundación organiza cada año el Premio de Pintura y Escultura Figurativa, y con la web Figurativas en Red abre una ventana al mundo de las

España. Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León en León.

España. Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía en Madrid.

España. Museo de Arte Contemporáneo en Pego (Alicante).

España. Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo.

Badajoz.

España. Museo de Arte Contemporáneo en Vigo (Pontevedra).

obras de los artistas figurativos contemporáneos. http://www.musac.es/ MUSAC alberga en la actualidad más de 1.650 obras de casi 400 artistas castellano y leoneses, nacionales e internacionales. En torno a ella se desarrolla una labor de estudio, investigación y conservación, con la misión de preservar para el futuro y difundir en el presente un patrimonio artístico articulado en torno a diversos recorridos conceptuales representativos de la relación del arte con los momentos y situaciones sociales, políticos, culturales y estéticos desde los que surge.

MUSAC aspira a situarse como un espacio que todos los ciudadanos puedan habitar como lugar de encuentro y representación pública en torno a la investigación, debate, análisis y disfrute del arte y la cultura contemporáneos. http://www.museoreinasofia.es/ El Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía (MNCARS) es un museo español de arte del siglo XX y contemporáneo, con sede en Madrid. Su nombre se abrevia frecuentemente como Museo Reina Sofía.

En la colección permanente del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía se pueden contemplar obras realizadas desde finales del S.XIX hasta la actualidad y que dan cabida a todo tipo de técnicas artísticas.

También pertenecen a la institución el Palacio de Velázquez y el Palacio de Cristal del Parque de El Retiro de Madrid, y la Abadía del Monasterio de Santo Domingo de Silos (Burgos). http://www.maca-alicante.es/ El Museo de " Art Contemporàni" de Pego (Provincia de Alicante, España), se inauguró en 1991 con los fondos que constituyen las obras premiadas en el Certamen de Pintura "Villa de Pego", cuya primera edición es del año 1976. El Ayuntamiento disponía en aquel tiempo de una importante pinacoteca y sentía la obligación de exponerla al público y constituir de esta forma un centro de primer orden, dinamizador de la oferta cultural y turística de la ciudad , así como de las inquietudes artísticas que siempre ha tenido la Villa de Pego. http://www.meiac.es/ El Museo Extremeño e Iberoamericano de Arte Contemporáneo (MEIAC) es un museo ubicado en la ciudad española de Badajoz, y reúne colecciones de artistas contemporáneos españoles, lusos e iberoamericanos.

La colección está formada por 1475 obras de artistas de la talla de Luis Buñuel, el Equipo 57, Daniel Canogar, Miquel Navarro, Eduardo Naranjo, Ouka Leele, Juan Barjola o Pablo Palazuelo, además de por otros nombres conocidos del panorama artístico extremeño, español, europeo, americano y asiático. http://www.marcovigo.com/ El principal objetivo de este centro de arte es la difusión de movimientos y propuestas culturales contemporáneas.

España. Centro Andaluz de Arte Contemporáneo en Sevilla.

España. Centro de Arte Contemporáneo en Málaga.

Las colecciones de este museo, ofrecen al visitante una selección de la producción artística reciente en una variada gama de actividades creativas: artes plásticas, arquitectura, vídeo, arte en la red, diseño y moda. El centro tiene tres líneas de programación expositiva: una basada en muestras nacionales e internacionales sobre arte y cultura actual; otra que incentiva la investigación y la recuperación de autores o movimientos gallegos vanguardistas; y una tercera dedicada a producciones de artistas emergentes. En el salón de actos del museo se programan con regularidad seminarios, conferencias y ciclos audiovisuales de interés. http://www.caac.es/ Es un museo dedicado al arte contemporáneo, desde 1997 tiene su sede en el Monasterio de Santa María de las Cuevas, también conocido como La Cartuja.

Se inauguró el 1 de enero de 1998, si bien se había creado ya en 1990, y constituye uno de los principales espacios de Andalucía que albergan arte contemporáneo, tanto de modo continúo como a través de diversas exposiciones temporales.

El inicio teórico de la colección del Centro Andaluz de Arte Contemporáneo se sitúa a mediados de la década de los cincuenta del siglo pasado y se extiende hasta nuestros días. http://cacmalaga.eu/ El CAC Málaga tiene como objetivo la difusión de las artes plásticas y visuales desde el último tercio del siglo XX hasta la actualidad.

El CAC Málaga se inauguró el 17 de febrero de 2003 y desde entonces se caracteriza por su dinamismo y por la importancia que concede a la reflexión, la pedagogía y la divulgación del arte contemporáneo.

La apertura del CAC Málaga ha creado nuevas posibilidades en el ámbito cultural del sur de España, consiguiendo constituirse en un referente artístico internacional. Además supone una novedad en España al conjugar los modos de gestión de la empresa privada con los ideales y objetivos del ámbito público.

España. Centro Gallego de Arte Contemporáneo en Santiago de Compostela.

España. Museo Guggenheim Bilbao

España. Granada. Centro José Guerrero.

http://www.cgac.org/ El Centro Gallego de Arte Contemporáneo tiene como fin fomentar la cultura en Galicia mediante la exhibición, disfrute y conocimiento de las tendencias y corrientes de la creación artística contemporánea.

Su colección de arte contemporáneo está compuesta por los fondos de la Junta de Galicia, los fondos que adquirió el propio centro, y los procedentes de depósitos o donaciones.

El Servicio de Actividades y Proyectos Educativos CGAC desarrolla su programa con un objetivo fundamental: ofrecer obras de arte a la sociedad a través de un análisis riguroso de los problemas críticos inherentes a la actividad artística contemporánea.

El CGAC desarrolla programas específicos para las escuelas, así como un servicio de visitas guiadas, con el fin de proporcionar a los diferentes grupos que vienen al museo de las herramientas necesarias para entender el arte contemporáneo y, por extensión, el mundo en el que vivir. http://www.guggenheim-bilbao.es/ Su pertenencia a una red internacional de museos le permite acceder a una extensa Colección Permanente que comprende la totalidad de los fondos artísticos de los Museos Guggenheim, incluidas las obras de la Colección Propia de Bilbao. Estos fondos se complementan entre sí y en conjunto pueden ofrecer una visión más exhaustiva y completa del arte moderno y contemporáneo.

La Programación artística del Museo comprende tanto presentaciones de la Colección Permanente como exposiciones temporales de gran calidad, que se combinan para proporcionar al espectador una perspectiva amplia y dinámica del arte de nuestro tiempo. http://www.centroguerrero.org/index.php/Presentacion/11 /0/ El museo consagrado a la memoria de José Guerrero parte de la convicción de que no debe convertirse en un lugar de culto cuya actividad se centre sola y exclusivamente en su vida y obra. Por ello, ha diversificado sus intereses y quiere articularse como un espacio público al servicio de la sociedad que lo acoge, como un lugar donde sea posible la confrontación y la conciliación de los valores e ideas que confluyen en la cultura contemporánea.

España. Granada. Palacio de los condes de Gabia.

Espacio expositivo dedicado a lo contemporáneo. En su planta baja alberga una galería para todo tipo de exposiciones, que abarcan desde fotografía y escultura.

En la Sala Ático se realiza anualmente una exposición de Jóvenes Artistas de Bellas Artes de Granada.

España.Granada. Museo de Bellas Artes.

http://www.museosdeandalucia.es/culturaydeporte/museo s/MBAGR/?lng=es Situado en el Palacio de Carlos V, Sede expositiva.

Situada en la planta primera del Palacio de Carlos V, en ella se ubican los distintos espacios expositivos destinados a exposición permanente y a exposiciones temporales.

Una de sus salas está dedicada a la exposición de obras contemporáneas.

España. Granada. Memoria de Andalucía.

http://www.memoriadeandalucia.com/opencms/opencms/ CajaGranada/mediateca/informacion.html El Centro Cultural CajaGRANADA Memoria de Andalucía es un centro dinamizador del pensamiento, la cultura, el medio ambiente, la acción social y solidaria, el arte y la historia.

Un Centro polivalente y multifuncional dotado de unas instalaciones diferentes y complementarias: el Museo CajaGRANADA Memoria de Andalucía, centrado en mostrar el pasado y presente de la comunidad andaluza, desde la perspectiva y con los recursos del siglo XXI; el Teatro CajaGRANADA, un vanguardista espacio escénico; la Mediateca CajaGRANADA Francisco Ayala, que crece día a día para mostrar la historia, la identidad y la producción cultural andaluza. El centro alberga, además, un entorno permanente para la actividad de talleres, una privilegiada sala de exposiciones temporales y un diáfano espacio para manifestaciones artísticas al aire libre. http://camh.org/ El Museo de Arte Contemporáneo de Houston es una institución dedicada a la presentación de arte internacional, nacional y regional. Fundado en 1948, el Museo se enorgullece en presentar el nuevo arte y documentar su papel en la vida moderna a través de exposiciones, conferencias, publicaciones originales, y una variedad de programas y eventos educativos. Dos espacios de la galería ofrecen de ocho a diez exposiciones cada año.

La serie de exposiciones Major, presentadas en la Fundación Brown Gallery, cuenta con el trabajo de

Estados Unidos. Museo de Arte Contemporáneo en Houston (Texas)

destacados artistas reconocidos internacionalmente que trabajan en la vanguardia del arte contemporáneo, así como exposiciones temáticas organizadas en torno a cuestiones centrales de la naturaleza del arte y de la vida de hoy. El Perspectives Series, presentada en la Galería Zilkha, presenta la obra de artistas emergentes y consagrados.

Estados Unidos. Museo de Arte Contemporáneo en Miami.

Estados Unidos. Centro de Arte Contemporáneo Rosenthal en Cincinnati (Ohio)

Estados Unidos. Museo de Arte Moderno de Nueva York.

http://mocanomi.org/ El MoCA o Museo de Arte Contemporáneo de Miami fue inaugurado en 1996 en el distrito de North Miami Beach de Miami, Florida.

La meta del museo es hacer que el arte contemporáneo esté al alcance de todo mundo explorando como el arte de hoy día se relaciona con nuestra cultura. Otro objetivo del museo es darle oportunidad al talento local. Desde su apertura el museo ha crecido significativamente y cuenta con más de 400 obras de arte.

Además, de las exhibiciones permanente el museo está orgulloso de ofrecer exhibiciones temporales recurrentemente. http://contemporaryartscenter.org/about/the-rosenthalcenter Para su realización, se convocó a un concurso internacional, el proyecto ganador fue el de la arquitecta anglo-iraquí Zaha Hadid El centro está dedicado a presentar las novedades en pintura, escultura, fotografía, arquitectura y los nuevos medios de comunicación. No tiene una colección permanente. Además de ampliar notablemente los espacios a disposición del museo, el nuevo edificio permite organizar nuevas actividades, sobre todo de tipo didáctico e interactivo, incluso para los niños. http://www.moma.org/ El Museo de Arte Moderno de Nueva York (llamado también MoMA, siglas en inglés de Museum of Modern Art) es considerado uno de los santuarios del arte moderno y contemporáneo del mundo, constituyendo (a juicio de muchos) una de las mejores colecciones de obras maestras. Alberga piezas tales como La noche estrellada de Van Gogh, Broadway Boogie Wogie de Piet Mondrian, Las señoritas de Avignon (1906) de Pablo Picasso, La persistencia de la memoria de Salvador Dalí y obras de artistas norteamericanos de primera fila como Jackson Pollock, Andy Warhol y Edward Hopper. El MoMA posee además importantes colecciones de diseño gráfico, diseño industrial, fotografía, arquitectura, cine e

Francia. Museo de Arte Moderno en París.

impresos. http://www.mam.paris.fr/ Situado en el palacio de Tokio, construido para la exposición internacional de 1937, el museo fue inaugurado en 1961. Sus colecciones, que cuentan con más de ocho mil obras, ilustran diferentes corrientes artísticas del siglo XX. Exposiciones sobre los principales movimientos y los artistas destacados de la escena europea del siglo XX, así como exposiciones monográficas y temáticas presentan las principales tendencias del arte de hoy.

México. Museo de Arte Contemporáneo en Monterrey.

http://www.marco.org.mx/index.pl?i=235 Es uno de los centros culturales más importantes de América Latina cuyos esfuerzos se encaminan a la promoción del arte contemporáneo internacional, enfatizando en la difusión de las artes visuales latinoamericanas.

Abre sus puertas en 1991, desde entonces ha presentado la obra de los más prestigiados artistas contemporáneos, se ha convertido en un foro para el talento artístico joven, y busca integrar una de las colecciones permanentes más importantes de arte contemporáneo.

Es un espacio plural para las diversas expresiones artísticas y un punto de encuentro de las tendencias del arte contemporáneo; así, además de las artes plásticas, la literatura, la música, el cine, el video y la danza también han encontrado su sitio en este Museo. Es un espacio de creación, de educación, de reflexión, de difusión de las artes, es un museo para vivirse, para disfrutarse, para recorrerse.

México. Museo de Arte Contemporáneo Ateneo de Yucatán (MACAY).

http://www.macay.org/ El Museo Fernando García Ponce-Macay es el único museo dedicado a la promoción y difusión del arte moderno y contemporáneo en toda la península de Yucatán, México.

Tiene una profunda vocación educativa, atendiendo al año a más de 22 mil niños, a través de programas especiales, cursos, talleres y visitas guiadas.

Tiene como misión promover la difusión y el conocimiento del arte moderno y contemporáneo nacional e internacional. Por ello, cada tres meses, se renuevan sus 15 salas de exposición temporal al mismo tiempo, realizando alrededor de 45 muestras anuales, con un movimiento de obra de cerca de 2 mil piezas cada vez.

La línea discursiva de sus exhibiciones temporales pretende exponer y documentar las expresiones artísticas producidas desde principios del siglo XX hasta las vanguardias y nuevas rutas de expresión. http://www.museocontemporaneopr.org/ https://www.facebook.com/pages/Museo-de-ArteContempor%C3%A1neo-de-Puerto-RicoMAC/28402997164 El Museo de Arte Contemporáneo de Puerto Rico (MAC),

Puerto Rico. Museo de Arte Contemporáneo en San Juan.

Venezuela. Museo de Arte Contemporáneo en Caracas.

fundado en el año 1984 por los artistas y benefactores de la sociedad civil, surgió para apoyar el arte en sus más altas expresiones. Su presencia en San Juan ha sido instrumental para la preservación, documentación y promoción del arte producido desde el 1940 en Puerto Rico, el Caribe y Latinoamérica.

El Museo organiza durante todo el año exhibiciones temáticas de su colección a la vez que presenta exhibiciones temporales de artistas locales y extranjeros.

Ofrece un variado programa de actividades multidisciplinarias durante todo el año, desde conciertos, proyecciones fílmicas y espectáculos de teatro hasta poesía y baile contemporáneo. http://www.fmn.gob.ve/ La colección del MAC una de las más importantes de arte moderno de Latinoamérica, con representación de todas las modalidades plásticas, entre las que destacan obras maestras como La lección de esquí de Joan Miró, Retrato de Dora Maar de Pablo Picasso y El carnaval nocturno de Marc Chagall; además cuenta con obras emblemáticas de artistas venezolanos y extranjeros. El MAC fue el primer museo venezolano en ofrecer un servicio bibliotecario especializado en arte, un espacio de formación plástica formal para niños y adultos, un departamento de educación especial para invidentes y un centro multimedia para las artes.

10. Conclusión A modo de resumen, este trabajo nos ha servido de gran ayuda, debido a que trata todos los aspectos relacionados con el arte contemporáneo y se relaciona con la educación infantil. Además creemos que es de gran utilidad debido a que nos hace conocer una perspectiva nueva del arte que no conocíamos.

Es un trabajo de investigación, ya que nos informa de la vida y obras de muchos de los autores y hemos descubierto la importancia de la mujer dentro del mundo del arte, aunque todavía no son muchas y la mayoría no son conocidas.

Hemos comenzado explicando el arte contemporáneo, para después pasar a relacionarlo con la educación infantil y algunas actividades. Seguidamente, hemos continuado hablando de la metodología y las distintas ramas del arte contemporáneo. A continuación, se ha seguido hablando sobre autores y autoras nacionales y extranjeros del mundo contemporáneo.

Para finalizar tratamos, las diferentes instituciones (museos, ferias, fundaciones, etc.), que están dedicadas al arte contemporáneo.

11.Bibliografía: -http://es.wikipedia.org/wiki/Arte_contempor%C3%A1neo -http://blogs.elpais.com/tormenta-de-ideas/2012/03/qu%C3%A9-es-el-

arte-contempor%C3%A1neo-hoy.html -http://definicion.de/arte-contemporaneo/ -http://www.funcionlenguaje.com/pensamiento-contemporaneo/ique-es-

el-arte-contemporaneo.html

http://es.images.search.yahoo.com/yhs/search;_ylt=A7x9UnK8SINTZik AWCW_.wt.?p=imagenes+arte+contemporaneo&fr=&fr2=pivweb&hspart=avg&hsimp=yhs-fh_lsonsw&type=ch.350.w7.hp.1801.es.avg.cr0._ -http://www.arteespana.com/artecontemporaneo.htm -http://uvadoc.uva.es/bitstream/10324/1737/1/TFG-L9.pdf -Viktor Lowenfeld y W. Lambert Brittain (1947) ―Desarrollo de la Capacidad Creadora‖ pagina 15. (Libro) -http://www.serpadres.es/familia/tiempo-libre/guia-museos-ninos-arte.html -http://arteymercado.com/menudoarte/ -http://www.educathyssen.org/visitas_taller-3 -

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La educación artística en la escuela. Editorial: Grao. Varios Autores. (Edición 2007) . Editorial: Grao. Jordi Caja Francisco.

(Edición 2001) http://www.nerea.net/temas/arte/arte-contemporaneo http://blogdelamaestraberta.blogspot.com.es/2013/04/conocemos-paulklee.html http://es.wikipedia.org/wiki/Agust%C3%ADn_Ibarrola http://lamonomagazine.com/victor-nunes-haciendo/#.U3p0afl_t2Y

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Grupo 5: 2ºD Arjona Cruz Gracia María Blanes Lozano Patricia Cantos Sanchez Andrea Fernández López Carolina Gómez López Miriam Hernández Fernández María José Jiménez Pretel Julia Ortiz Lozano Cristian Trescastro Olmos Sara