Revista Convocatoria Junio J. Ángel Granero

CinemaVisual Tu Revista Anual de Cine

SUMARIO Historia del cine..................................................................... 4 Cine..........................................................................................6 Cine por paises......................................................................12 Oscars....................................................................................26 Especial Actores Hollywood..................................................30

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Historia del cine

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a idea del cinematógrafo, que es el otro nombre que tiene el cine, es bastante antigua. De hecho, el origen del cine lo encontramos en el año 1654. Cuando el sacerdote alemán Atanasio Kircher experimentaba con imágenes en movimiento gracias a su famosa linterna mágica.

Más de un siglo después tenían lugar las llamadas Fantasmagories del francés Gaspard Robert, llamado “Robertson”. Un espectáculo muy llamativo basado en figuras pintadas sobre placas de cristal, que en el año 1798 constituyen las primeras proyecciones públicas de que se tiene noticia.

Las posibilidades reales que podía tener el cine fueron fueron adivinadas por el belga Joseph-Antoine Plateau, que en el 1828

Es el antecedente más antiguo y más parecido al cine actual.

Este físico belga se basó en el principio de la persistencia de las imágenes luminosas en la retina del ojo, y en el año 1832 inventó el fenakistiscopio, que permitió por primera vez contemplar una imagen en movimiento.

Un año después, en 1833, el matemático austriaco Simon von Stampfer creaba un curioso artilugio que llamó estroboscopio. Este invento permitía poder ver un objeto que estaba girando sobre sí mismo como si estuviera quieto o dando giros muy despacio.

La invención de la fotografía condujo rápidamente al desarrollo del cine. Ya en 1874 el astrónomo francés Jules Janssen obtenía éxitos con su “revólver fotográfico”, antepasado de la cámara fotográfica actual.

Poco después el norteamericano Eadweard Muybridge reproducía el galopar del caballo con sus cuatro patas despegadas del suelo.

Los experimentos que condujeron a la invención del cine fueron numerosos. En algunos casos el anecdotario resulta grotesco.

CinemaVisual 5 Primeros pasos del cine Pero como en tantas otras cosas, fueron los trabajos de Thomas Alva Edison (el inventor de la bombilla) en 1889, los que llevaron al invento de lo que él llamó kinetógrafo: primera cámara sonora. Invento importante en el que Edison puso en relación el eje del obturador de la cámara con un fonógrafo, permitiendo grabar sonido e imagen a la vez.

A pesar de que la registró o patentó en 1891, el genial inventor no tenía fe en el futuro del cine, que consideraba como un simple espectáculo para gente solitaria. Fue Edison quien inventó el cine sonoro en 1902, pero el sonido era tan débil que no resultaba práctico.

Más tarde, en 1910, con el cronófono de Léon Gaumont, inventado para este personaje por los franceses Decaux y Laudet, se empezó a ver las posibilidades del cine sonoro.

No obstante, hasta 1927 no se proyectaría el primer largometraje sonoro mediante la sincronización de un disco con el proyector: la película en cuestión fue El cantor de jazz.

Su kinetoscopio era una máquina de poco más de un metro de altura y medio metro de ancho en cuyo interior discurría una película en movimiento continuo entre una lente y un foco o fuente de luz.

No había proyección en pantalla y era preciso aplicar el ojo a una ranura para contemplar el desarrollo de una pelea de boxeo, las evoluciones de una bailarina, a dos bebés a los que se les cambiaba el pañal y películas de interés semejante.

Esos fueron algunos de los primeros filmes. Pero Edison logró vender sus curiosos artefactos, prueba del interés que ponía la gente en el fenómeno.

En el primer estudio de cine, de 1890, rodó sus películas William Dickson. Se trataba de un barracón iluminado por una gran vidriera montada sobre pivotes rotatorios que recogían de forma continua la luz solar.

A Madrid llegó el cinematógrafo el 15 de mayo de 1896, día de san Isidro. Se presentó en público en un viejo edificio de la carrera de San Jerónimo, frente a la calle Ventura de la Vega, en el Hotel de Rusia, cuya planta baja estaba ocupada por un gran salón.

Se empapelaron de negro las paredes de la sala y a los lados de una pantalla muy blanca se corrió un par de cortinones negros de crespón. Las películas, de diecisiete metros cada una, se proyectaban a la pantalla desde el fondo de un salón donde se había colocado una especie de cabina.

Primera película historia del cine.

A partir de entonces las sesiones fueron diarias, de diez de la mañana a once de la noche. ¿Los títulos…? Muy interesantes, como podrás comprobar: Batalla de nieve, Baños de Diana, Salida de los obreros de la fábrica Lumière, Llegada de un tren a la estación, Un paseo por el mar, Maniobras de la Artillería en Vicálvaro.Según un cronista de la época, la película de mayor éxito era la de los trenes llegando a la estación, y sobre todo el mar, el batir de las olas: era una forma de estar allí.

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El Cine Es la técnica que consiste en proyectar fotogramas, de forma rápida y sucesiva, para crear la ilusión de movimiento.

Para la realización concurrencia de muchas técnico, creativo y finanfotografía, la dirección, de cámaras, el sonido, la es necesario todo un pasa por varias etapas: ción, el rodaje, la posproEl cine suele ser dividisegún ciertas caracteríspelículas (estilo, tema, inde producción), como cial, policíaco, de acción, documental, experimen-

El cine es un arte y una técnica. Es el arte de narrar historias mediante la proyección de imágenes.

del cine es necesaria la otras capacidades a nivel ciero, como el montaje, la el guionismo, la operación producción, etc., para lo cual equipo de trabajo. Asimismo, el desarrollo, la preproducducción y la distribución. do en multitud de géneros, ticas y similitudes entre las tencionalidad, público, forma cine de animación, comerde ciencia ficción, romántico, tal, entre otros.

El cine inició, como tal, en el siglo XIX, cuando en 1895 los hermanos Lumière proyectaron en una función pública varias escenas de la vida cotidiana de su tiempo: la salida de los obreros de una fábrica, la demolición de un muro, la llegada de un tren, la partida de un barco.

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Cine Mudo

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l escritor de subtítulos para entonces representó una figura importante de la industria, comparada inclusive con un guionista y estos agregaron algo de avance y tecnología a las películas.

El cine mudo nació en el 1894 y persistió hasta el año 1929, convivió con las películas sonoras hasta que los avances cinematográficos le dejaron de un lado.

Una forma de amenizar estos filmes del cine mudo, era acompañarlos con música en vivo generalmente a través del uso de un órgano o piano y en las salas más sofisticadas con orquestas en pleno las cuales inclusive apoyaban las imágenes con uno que otro efecto sonoro, todo cual develaba lo relevante de un ambiente sónico.

Hubo una marca de órgano muy famosa, Rudolph Wurlitzer Company, que era capaz de emular los sonidos de toda una orquesta y llegaron a contar con una persona que narraba lo que iba ocurriendo en la película.

Por su parte surgieron las composiciones musicles creadas especialmente para las películas de cine, de hecho, las recopilaciones de Photoplay eran un compendio musical proveniente de los pianistas, organistas, orquestas y de los estudios a partir de lo cual se generaban las partituras a la par de la película.

Como era lógico, el cine mudo se convirtió en una tremenda fuente de empleo para los músicos. Las películas del cine mudo destacaban por su calidad visual, no obstante, se dice lo contrario sin tomar en consideración que las que se conocieron a posteriori eran solo copias y en malas condiciones, lo cual obviamente no dio cuenta de la verdadera calidad. A partir de aquel momento la historia del cine sería una sucesión incesante de ideas geniales y mejoras decisivas. Aparte de la gran revolución que provocó la invención del cine sonoro, otras innovaciones fueron transcendentales.

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Cine Sonoro

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uando apenas había comenzado a oírse el fondo musical pregrabado de la película El Cantor del Jazz, Al Jolson, la estrella del filme, se volvió hacia la cámara y, mirando directamente al público, exclamó: “¡Un momento! ¡Aún no habéis oído nada!... ¿Queréis oír? ¡Toottoottootsie! ¡Muy bien, ahora mismo!” Los espectadores del Warner’s Theatre de Nueva York escucharon hechizados la canción de Al Jolson. Era el 6 de octubre de 1927: había nacido el cine sonoro.

Los intentos de sonorizar las películas se remontan a los inicios de la historia del cinematógrafo. Ya se habían estrenado varios cortos con sonido, así como noticieros Movietone con banda sonora. Pero el público no había respondido con entusiasmo, y fue el estreno de El Cantor del Jazz, con sus revolucionarias “secuencias habladas”, el que marcó el comienzo de las películas con diálogos que todo el mundo quería escuchar.

La banda sonora de El Cantor del Jazz se grabó en el primer estudio de sonido del mundo: una enorme sala de 23 x 30 m, con paredes y suelos insonorizados y puertas forradas de fieltro. El sonido se grababa en directo en discos de baquelita como los de los gramófonos. Desde una cabina insonorizada de frente acristalado, situada a 5 m de altura en un lateral de la sala, un operador iba regulando el tono y el volumen de la grabación. Este sistema se denominaba Vitaphone o “sonido en disco”. Copias de esos discos se escuchaban en las salas de proyección como acompañamiento de las películas. De la habilidad del operador, que accionaba un amplificador conectado a dos altavoces situados a ambos lados de la pantalla, dependía que la sincronización de la imagen y el sonido fuera adecuada.

Prueba de sonido Una vez garantizada la calidad del sonido, se procedía a rodar la escena completa, con imagen y sonido. Después de ensayar una escena, se hacía una prueba de sonido, sin que las cámaras entraran en acción. Concluida la grabacion, se hacían los necesarios ajustes de sonido en el disco. Una vez garantizada la calidad del sonido, se procedía a rodar la escena completa, con imagen y sonido.

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Cine de autor

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os primeros intentos de encontrar un significado para la autoría en el cine datan de la época de 1920, durante los primeros pasos del cine en su camino hacia el desarrollo y consolidación de un lenguaje propio. Muchas de las cintas que podrían haberse utilizado para ejemplificar las teorías de autor (el cine de Murnau, Lang o Eisenstein entre muchos otros) fueron sometidas a debate sobre estilización y narrativa. Sin embargo, se trata de casos aislados y no hay suficientes aportaciones académicas o periodísticas comentando específicamente sobre la cuestión autoral (no así sobre sus aportaciones al lenguaje) como para considerar que se produjera realmente un debate amplio sobre el tema; por otra parte, algo que es perfectamente lógico en un momento en el que la identidad definitoria del cine era todavía frágil. Con el choque estilístico y formal que supuso la irrupción del sonido.

Es en Francia donde la discusión sobre la posible definición de la autoría en el cine se había mantenido más viva: desde los años 40, algunos ensayistas y cineastas discutían sobre quién cargaba con la responsabilidad de ser autor de una película, dada la cantidad de profesionales implicados en la realización de una misma cinta. Para otros, era ya un error en sí mismo el hecho de estar planteando el debate en estos términos: utilizar las mismas herramientas de análisis suponía equiparar el cine a otros medios de autoría más identificable como la literatura, la música o las artes plásticas.

Más tarde, durante la Ocupación, el planteamiento más popular llegó a ser la predicción de que, con la llegada y consolidación del sonido en el cine, el guionista pasaría a ser la figura clave para dotar a una película de identidad. En la revista Revue du Cinéma, dos autores se opusieron frontalmente a esta idea: André Bazin y Roger Leenhardt. Para ellos, la verdadera personalidad de una película la marcaba el director, Para ellos, la verdadera personalidad de una película la marcaba el director, figura en la que personificaron la responsabilidad creativa

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Cine independiente

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uando hablamos de cine independiente, muchas veces no nos ponemos de acuerdo sobre a qué nos estamos refiriendo exactamente. ¿Un cine de autor o simplemente de bajo presupuesto, alejado de los grandes estudios de Hollywood o que nos narra una historia más intimista? Si hacemos caso de todas estas definiciones, el cine independiente es… …un cine alejado de los grandes estudios y de sus canales de producción, distribución y exhibición, tres fases que controlaron hasta que la ley antimonopolio se lo impidió a finales de los años 50. …un cine más realista e intimista, que surge como consecuencia de ese distanciamiento de los estudios y la aparición de una nueva corriente narrativa en Nueva York que trataba de mostrar a los personajes en situaciones reales de la vida cotidiana. …un cine de autor, a raíz de que los estudios dejaron de producir determinado tipo de cine, lo que llevó a muchos cineastas a buscar su propia financiación y montar pequeñas productoras en los años 80, aunque sus aspiraciones eran las de trabajar para la industria cinematográfica de Hollywood. …un cine de bajo presupuesto, que es la acepción más extendida en la sociedad.

El llamado cine independiente hace referencia a todas aquellas películas que se realizan, o se han realizado, al margen de los circuitos comerciales y de producción habituales. ...

Por lo general una película independiente es una producción de bajo presupuesto o de una productora pequeña. En la actualidad esta denominación se ha generalizado tanto que ha perdido parte de su valor inicial y las nuevas tecnologías (cámaras digitales y sistemas de edición por ordenador) han contribuido a que este tipo de películas sean aún más fáciles de realizar que en la época analógica.

En este sentido, el cine independiente de hoy suele ser aquel que, al no ser producido por los estudios más importantes (los major de Hollywood), cuentan con una financiación limitada, por lo que generalmente el argumento de estas historias suele primar frente a los efectos especiales y las escenas de acción. Sin embargo, el presupuesto de producción no siempre influye sobre la clasificación de una película como ‘indie’ y tampoco su distribución, aunque ésta suele ser limitada. Existen cineastas independientes que, a pesar de poder contar con importantes presupuestos, realizan este tipo de películas al tener una visión más personal y artística del cine.

Y vosotros, ¿qué entendéis por cine independiente? ¿Cuáles son vuestros directores y guonistas preferidos de este tipo de cine?

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Cine en España

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l objetivo de este artículo es ofrecer una panorámica sobre los más de cien años de cine español, destacando sus principales nombres, obras y corrientes, para más adelante profundizar en ellas, ya en artículos separados. Evidentemente, se hará de forma superficial: con citar una serie de nombres y periodos será, por el momento, suficiente. De nuevo otra vez nos encontramos con el problema de la definición del cine español. Aquí es relativamente más sencillo; al final todas las historias del cine, breves o extensas, empiezan hablando de los Lumiere. En España no fue (totalmente) distinto.

Aunque realmente el Animatógrofo de Robert W. Paul hizo su acto de aparición el 11 de mayo, normalmente se suele dar la fecha de mayo de 1896 como pistoletazo de salida, cuando se proyectó en un hotel del centro de Madrid un programa similar al presentado antes en París ( Obreros saliendo de la fábrica, Llegada de un tren a la estación,…) obteniendo un gran éxito, motivo por el que se repitió durante varios días. El invento de los Lumiere no fue el único que tuvo presencia ese año: los historiadores han encontrado referencias a otros sistemas, como el Cronofotógrafo, propio de la compañía Gaumont-Demeny, el Kinetógrafo de Meliés-Reulos o el Animatógrafo de Robert W. Paul, entre otros.

España a finales de la década de los años 20 estaba sumida en la Dictadura de Primo de Rivera, que llegó para, según él mismo proclamaba, hacer avanzar a España de la situación de bloqueo institucional y político en la que se encontraba debido al descontento de la sociedad con la monarquía y en concreto con el Rey, Alfonso XIII. En estos momentos se realizaron algunas obras cinematográficas de relativo éxito, pero la más importante: La malcasada (1926). Adquirió tal prestigio no como película en sí, sino como fiel testimonio de la sociedad española al completo en una época conflictiva.Comienzan a aparecer nuevas inquietudes culturales, que provocan la apertura de ‘cineclubs’ en la geografía española. El primero fue en 1928 en Madrid, al cual le siguió poco después otro en Barcelona. Estos cineclubs servían como modo de propaganda política e ideológica de la generación del 27, ya que los recintos se situaban en la Residencia de Estudiantes de Madrid.

Debido a ello, nacieron numerosos críticos cinematográficos de un enorme abanico ideológico (desde la extrema izquierda, hasta conservadores). Consecuencias del aumento de la actividad política y de la influencia de los filmes soviéticos se ruedan Zalacaín el aventurero, la obra de Pío Baroja.En este momento, el gobierno decide fomentar el cine y la producción de películas como La España de hoy, que pretendían dar a conocer el inmenso progreso que se había realizado con la Dictadura de Primo de Rivera cuando este estaba a punto de caer.l hecho que desencadena a partir de este momento el ascenso de la industria cinematográfica española hasta el inicio de la Guerra Civil es la llegada del cine sonoro a nuestro país.

El nacimiento del cine sonoro (o film parlante) tuvo lugar en Hollywood el 6 de octubre de 1927 y supuso una gran revolución en el séptimo arte. Debido a ello, se hizo necesaria la adaptación de todos aquellos medios expresivos del lenguaje y las imágenes a esta nueva tecnología que había aterrizado. La cinematografía española fue colonizada por la euro-norteamericana hablada en español realizada en Hollywood y París.

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Principales Directorres de cine español Luis Buñuel Luis Buñuel es recordado por ser un fantástico director surrealista, que colaboró con Salvador Dalí en varios proyectos, incluyendo su película más famosa, Un chien andalou (Un perro andaluz). La película se ha convertido en una obra de culto, lo que quiere decir que el director español sigue vivo tras su muerte en 1983.

Pedro Almodóvar Sin duda, el director español más famoso en la actualidad es Pedro Almodóvar. Su estrecha vinculación con la Movida Madrileña en España tras la muerte de Franco dio lugar a una serie de películas que resumían los cambios que habían ocurrido en la historia reciente de España. En especial, muchas de sus películas tratan sobre los asuntos y cambios que ha afrontado la mujer española.

Alejandro Amenábar Alejandro Amenábar es un director hispano-chileno que ha tenido éxito con películas tanto en español como en inglés. Aunque se le suele criticar por intentar imitar el estilo de Hollywood, nadie puede negar que ha dirigido algunas películas muy buenas, como el thriller Abre los Ojos o Los Otros.

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Cine en EEUU

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a primera proyección pública de una película en Estados Unidos tuvo lugar en 1896 en Nueva York. El proyector había sido desarrollado por el inventor Thomas Alva Edison, cuya empresa era también la productora de los cortometrajes. La paternidad del cine de ficción estadounidense suele atribuirse a Edwin S. Porter, quien en 1903 utilizó una innovadora técnica de montaje en la película de “8 minutos Asalto y robo de un tren” por la cual diferentes fragmentos procedentes de distintas tomas de un mismo filme se unen para formar un todo narrativo. Esta obra convirtió el cine en una forma artística muy popular, y dio lugar a que en todo el país aparecieran pequeñas salas de proyección, los llamados nickelodeones.

David Wark Griffith, discípulo de Porter, desarrolló los principios de éste utilizando tomas panorámicas y primeros planos, así como montajes paralelos, como medios de expresión para mantener la tensión dramática, con lo que se convirtió en el pionero más importante del cine mudo en Estados Unidos. Con sus obras El nacimiento de una nación (1915) e Intolerancia (1916) inició la tradición de cine histórico en su país.

La segunda instancia grabada de imágenes capturando y reproduciendo movimiento fue una serie de fotografías de Eadweard Muybridge que mostraban un caballo galopando, tomadas en Palo Alto, California, utilizando un conjunto de cámaras fijas colocadas en fila.

El logro de Muybridge motivó a inventores de todas partes para intentar creas dispositivos similares que pudiesen netoscopio,

En los albores de la industria cinematográfica estadounidense, Nueva York fue el epicentro de los cineastas. El estudio de grabación de Kaufman-Astoria en Queens, construido durante la etapa muda del cine, fue usado por los hermanos Marx y W. C. Fields. Chelsea (Manhattan) también era utilizado con frecuencia. Mary Pickford, una actriz ganadora del premio de la Academia, rodó algunas de sus primeras películas en esta zona. Sin embargo, el mejor clima de Hollywood durante todo el año lo convirtió en una mejor opción para rodar.

El cine sonoro Con la introducción del cine sonoro a finales de la década de 1920 surgieron nuevos géneros cinematográficos: las pantallas pasaron a estar dominadas por los musicales (con numerosas películas de bailes, sobre todo de Busby Berkeley) y filmes de gángsters, que trataban dos temas de actualidad: la Gran Depresión y la Ley Seca (por ejemplo, Hampa dorada, de Mervyn Le Roy, en 1930, o Scarface, el terror del hampa, de Howard Hawks, en 1932). El género clásico de los principios del sonoro pasó a ser un tipo de comedia conocida como screwball, caracterizada por un ritmo de acción rápido y un humor irreverente (Capra, Hawks). Lubitsch fue el maestro de este género, que posteriormente sería parodiado sobre todo por los hermanos Marx.

Surgieron numerosas películas de crítica social, entre cuyos temas figuraba la guerra (Sin novedad en el frente, de Lewis Milestone, en 1930). Sde James Whale, en 1931; Drácula, de Tod Browning, en 1931; King Kong, de Ernest B. Schoedsack, en 1933), y las películas del Oeste volvieron a florecer.

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Hollywood

A principios de 1910, el director D.W. Griffith fue enviado por el Biograph Company para la costa oeste con su compañía. Empezaron a filmar en un terreno baldío cerca de Georgia Street, en el centro de Los Ángeles. La compañía exploró nuevos territorios y viajó varias millas al norte de un pequeño pueblo. Este lugar fue llamado “Hollywood”. Griffith entonces filmó la primera película en Hollywood, California, un melodrama sobre California en el 1800, mientras pertenecía a México. Después de escuchar acerca de este maravilloso lugar, en 1913, muchos encargados del cine se dirigieron al oeste para evitar las tasas impuestas por Thomas Edison, propiedad de las patentes sobre el cinematografo.

Nacimiento de una nación

Antes de la Primera Guerra Mundial, las películas se hicieron en varias ciudades de EE.UU., pero los cineastas gravitado el sur de California como la industria a desarrollarse.

Fueron atraídos por el clima suave y fiable de la luz solar, lo que permitió a las películas de cine al aire libre durante todo el año, y por la variedad de sus paisajes que estaba disponible.

Desplome de la epoca de oro

El punto de partida para el cine americano fue Griffith con El nacimiento de una nación que fue pionera en la filmación de vocabulario que todavía domina el celuloide hasta el día de hoy.

El nacimiento de una nación es uno de los grandes hitos de la historia del cine, y lo es porque David W. Griffith reúne y sistematiza todos los recursos narrativos que había ido desarrollando el cine hasta ese momento (1915). Lo hace de una forma en que queda establecido un modelo de cine que se perpetuaría hasta la actualidad.

Como resultado de esa intervención, actores y cuerpo técnico fueron liberándose gradualmente de sus contratos con las productoras. Ahora, cada película hecha por un estudio podría tener un reparto y equipo creativo completamente distinto, desencadenando en la pérdida gradual de todas esas “características” q Paramount, Universal, Columbia, RKO

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Grandes directores EEUU Steven Spielberg

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in duda uno de los más emblemáticos e influyentes nombres del cine. De niño hizo algunas películas pequeñas en casa y rápidamente abandonó sus estudios para probar suerte en Hollywood. Primero fue asistente de editor, y aprendió su oficio trabajando en la dirección de cortometrajes como ‘Amblin’, luego trabajó para la televisión.

Su talento para la puesta en escena ve la luz en 1971 con la película para televisión ‘El diablo sobre ruedas’, que narra la persecución de un camionero a un conductor. A continuación, el cineasta rueda Loca evasión (1974), road movie frenética y sangrienta protagonizada por Goldie Hawn. Habría un antes y un después en 1975 para Steven Spielberg. En ese momento, aterroriza al mundo con ‘Tiburón’, que le propulsó a la fama internacional a los 29 años.

Primeros pasos En “1941” (1979) Spielberg reconstruyó en clave de comedia el ataque japonés de “Pearl Harbor”. Mal recibida por crítica y público, supuso un fracaso y un retroceso comercial después de sus triunfos anteriores.

En 1978 produjo su primera película sin ocuparse de tareas de dirección, “Locos Por Ellos” (1978), una comedia sobre la primera visita de los Beatles a los Estados Unidos dirigida por Robert Zemeckis. En el año 1980 repitió como productor ejecutivo en la comedia “Frenos Rotos, Coches Locos” (1980), de nuevo realizada por Zemeckis, con quien estableció una fructífera asociación.

Junto a George Lucas, Spielberg creó uno de sus personajes más recordados, Indiana Jones, el arqueólogo aventurero encarnado por Harrison Ford, actor a quien Lucas había elevado al estrellato con su personaje de Han Solo en “La Guerra De Las Galaxias”.

La gente ha olvidado cómo contar una historia.

Las historias no tienen ya un nudo y un desenlace, sino un principio que nunca termina de empezar.

Steven spielberg

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Quentin Tarantino

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uentin Tarantino pasó su juventud en un suburbio de Los Ángeles donde su pasión por el cine le llevó a trabajar en un video. Fue allí donde escribió sus dos primeros guiones: ‘Asesinos natos’ y ‘Amor a quemarropa’. Con el dinero que sacó de su venta financió su primera película, ‘Reservoir dogs’, que contó con Harvey Keitel desde el primer momento debido a que éste quedó encantado con el guión.

En 1994, el estadounidense rueda ‘Pulp Fiction’, que rápidamente se convirtió en una película de culto para millones de espectadores. El cineasta revivió la carrera de John Travolta, ofreciéndole uno de los papeles principales de la película, la cuál ganó la Palma de Oro en Cannes y el Oscar al mejor guión. En 1997 rueda ‘Jackie Brown’, adaptando una novela de Elmore Leonard. La película supuso el regreso a la pantalla de otra estrella de la década de 1970, Pam Grier.

Tras una ausencia de cinco años, en 2002 Tarantino regresa tras las cámaras con ‘Malditos bastardos’, que protagonizó Brad Pitt. Su próximo proyecto es un western titulado ‘Django Unchained’.

George Lucas

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ucas se mudó a la Universidad del Sur de California (USC), donde estudió en la Escuela de Artes Cinematográficas. USC fue una de las primeras universidades en Estados Unidos en contar con una escuela dedicada a la educación del cine. Durante sus años en USC, Lucas compartió el cuarto de los dormitorios universitarios con Randall Kleiser. En el campus también forjó amistad con compañeros como Walter Murch, Hal Barwood y John Milius, entre otros. Este grupo de amigos fue conocido en el campus como The Dirty Dozen (una referencia a la cinta del mismo nombre, estrenada en 1967 y dirigida por Robert Aldrich); los doce alcanzarían cierto éxito en la industria cinematográfica de Hollywood. Lucas también se hizo muy buen amigo de un alumno destacado del campus, con quien colaboraría después en Indiana Jones: influenciado.

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James Cameron

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irector, productor y guionista canadiense, hijo del ingeniero eléctrico Philip Cameron y de la enfermera Shirley Cameron. En el año 1971 James Cameron se trasladó con su familia a los Estados Unidos para residir en California.

Acudió durante un tiempo a la Fullenton College para estudiar Física pero no terminó la carrera.

Trabajó como camionero y como mecánico, e inspirado por Stanley Kubrick, comenzó a rodar cortometrajes en la década de los 70.

“Xenogenesis” (1978), corto de ciencia-ficción co-dirigido con Randall Frakes, fue uno de sus primeros trabajos cinematográficos. El mismo año de la filmación de “Xenogenesis”, Cameron se casó con la camarera Sharon Williams. james-cameron-terminator-rodandoUno de sus primeros trabajos en Hollywood fue para la compañía de Roger Corman, New World Pictures, quien produjo “Los 7 Magníficos Del Espacio” (1980), una película en la que James ocupó un puesto en el departamento de dirección artística. Un año después volvió a colaborar con Roger Corman, productor de “La Galaxia del Terror” (1981), film con Cameron en tareas de director de producción y segunda unidad. En 1981 James estrenó su primera película como director, “Piraña 2” (1981).

Con “Terminator” (1984), un film de ciencia-ficción con Arnold Schwarzenegger como cyborg dentro de una historia de salto temporal, el director canadiense alcanzó el éxito internacional y compartió créditos con la guionista y productora Gale Anne Hurd (nacida en 1955), con quien se casó en 1985 tras divorciarse de Sharon Williams un año antes.

FILMOGRAFÍA (como director) PIRAÑA 2 (1981) con Lance Henriksen, Tricia O’Neil, Steve MarachukTERMINATOR (1984) con Arnold Schwarzenegger, Linda Hamilton, Michael BiehnALIENS (1986) con Sigourney Weaver, Michael Biehn, Lance HenriksenABYSS (1989) con Ed Harris, Mary Elizabeth Mastrantonio, Michael BiehnTERMINATOR 2 (1991) con Arnold Schwarzenegger, Linda Hamilton, Edward FurlongMENTIRAS ARRIESGADAS (1994) con Arnold Schwarzenegger, Jamie Lee Curtis, Tom ArnoldTITANIC (1997) con Leonardo DiCaprio, Kate Winslet, Billy ZaneALIENS OF THE DEEP (2005) con (película documental)AVATAR (2009) con Sam Worthington, Zoe Saldaña, Sigourney Weaver

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Tim Burton

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irector, guionista y productor estadounidense, Timothy William Burton es uno de los autores más originales del Hollywood actual, creando un universo propio marcado por la mitomanía, el reciclaje cultural y una imaginación desbordante de notable impronta visual con personales historias, muchas de ellas con rasgos de humor negro y significadas por el protagonismo principal de caracteres inadaptados, antihéroes de fácil identificación con su autor.Tim es hijo de la comerciante Jean Burton y de Bill Burton, un exjugador de béisbol y trabajador del parque de su localidad natal, Burbank.

Desde niño, el mundo del pequeño Burton se nutrió de cómics y antiguas películas de terror y fantasía, entre ellas las protagonizadas por su gran ídolo, Vincent Price, disfrutando de las adaptaciones que Roger Corman hizo de uno de sus escritores favoritos: Edgar Allan Poe. tim-burton-vincent-price-fotosDesarrolló en su juventud talento para el dibujo, estudiando animación en el Instituto de Arte de California a partir de 1979.

La Disney, que había becado a Burton en su segundo curso, le contrató a comienzos de los años 80 para trabajar como animador para el famoso estudio durante sus primeros años de trayectoria profesional.

En 1982 rodó su corto “Vincent” (1982), un título de seis minutos con apariencia expresionista y animación stop-motion en el que aparecía como narrador el mismísimo Vincent Price.

Ese mismo año adaptó para televisión los cuentos de Aladino y la lámpara maravillosa y de Hansel y Gretel para televisión en la serie “Los Cuentos De Las Estrellas”.

En 1984 apareció, de nuevo en la Disney, uno de sus cortos más recordados, “Frankenweenie” (1984), historia de humor negro que narra en blanco y negro la historia de un joven llamado Victor, quien, tras perder a su perro en un accidente de tráfico, decide revivirlo al estilo de Frankenstein. “La Gran Aventura De Pee-Wee” (1985) fue el primer largometraje dirigido por Tim Burton. El film adaptó las andanzas de un conocido personaje televisivo en los Estados Unidos encarnado por Paul Reubens, quien quedo encandilado con “Frankenweenie” y requirió a Burton para dirigir el film.

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Cine en Reino Unido

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odo empezó en Leeds, al norte de Inglaterra, cuando el francés Louis Le Prince (anunciado como el “Padre de Cinematografía” desde 1930) grabó las primeras imágenes en movimiento del mundo en 1888.

Después de él, el fotógrafo e inventor William Friese-Greene desarrolló las primeras imágenes con movimiento en celuloide, y patentó el proceso en 1890.

El Reino Unido siguió innovando en la industria. En 1899, el inventor y director de fotografía Edward Raymond Turner desarrolló las primeras películas en color, y patentó un proceso cinematográfico aditivo de 3 colores.

La primera película en color fue encontrada en 2012 por el Museo Nacional de Medios británicos en Bradford y data de 1902. Es importante señalar, sin embargo, que otro británico, George Albert Smith, se creía que había desarrollado el primer sistema de color, Kinemacolor, en 1908.

La década de 1930 vio el surgimiento del hombre que sería más tarde conocido como “El maestro del suspenso”. Chantaje (1929), de Alfred Hitchcock, es considerada por los historiadores como la primera película británica no muda. Hitchcock fue otro talento británico que huyó a los EE.UU. después de tener éxito en Reino Unido, donde fue.

En marzo de 1939 se trasladó a Hollywood, donde filmó Rebecca (1940), que ganó el Oscar a la Mejor Película, Tuyo es mi corazón (1946), Con M de Muerte (1954), La ventana indiscreta (1954), Psicosis (1960), entre otros.

Hitchcock murió a los 80 años en Bel Air en 1980. Si bien los niveles de producción cinematográfica brindan una visión de conjunto, la historia del cine británico es compleja con varios movimientos culturales desarrollándose independientemente.

En la década de 1950, las producciones británicas comenzaron a concentrarse en las comedias, dramas sobre la guerra, y algunas películas de terror, que luego dieron lugar al realismo social. Esta última ola, que comenzó a finales de la década y se extendió por cuatro años, se caracteriza por jóvenes protagonistas enfadados. Entre las películas más populares de la década están Drácula (1958), con Cristopher Lee como el famoso vampiro, Un sabor a miel (1961) y Víctima (1961) de Tony Richardson.

Boom de los 60 Los productores estadounidenses se interesaron de nuevo en el cine británico durante la década de 1960, y películas que combinaban sexo con lugares exóticos, la violencia ocasional y el humor autorreferencial tuvieron gran éxito. Por estos años, las producciones de James Bond protagonizadas por Sean Connery se convirtieron en éxitos de taquilla en todo el mundo.

La década también estuvo marcada por el movimiento permanente de directores estadounidenses a Gran Bretaña, liderado por Joseph Losey y Stanley Kubrik. Es de destacar que cuatro de las producciones ganadoras a Mejor Película en los Premios Óscar de la década fueron producciones británicas, además de seis premios Oscar para la película musical Oliver! (1968). Otra película de éxito de la década fue Lawrence de Arabia (1962), protagonizada por Peter O’Toole y dirigida por David Lean. El impacto del documental en la opinión pública fue considerable,13​con una audiencia que alcanzó los 20 millones de espectadores en sus primeras 6 semanas. El documental se distribuyó como propaganda en diversos países con el objeto .

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La década de 1980 fue una étapa de dura recesión para la industria cinematográfica británica.

En 1980 sólo se produjeron 31 películas británicas, una baja del 50% respecto al año anterior, y un nivel de producción más bajo desde 1914.

Esto llevó diferentes canales nacionales a emprender esfuerzos extra en la producción cinematográfica, creando así un entusiasmo desbordante por una nueva generación de actores y directores de cine. El esfuerzo dio frutos con películas como Carros de Fuego (1981) de Hugh Hudson, que ganó cuatro premios Óscar en 1982, incluyendo Mejor Película. Esta década también vio el surgimiento de directores como Ridley Scott y actores como Gary Oldman, Colin Firth, Tim Roth y Rupert Everett, quienes años después lograron reconocimiento internacional.

El cine contemporaneo britanico La década de 1990 comenzó con dificultades para el cine británico y pocas películas disfrutaron de éxito comercial significativo a nivel local o internacional. Sin embargo, una nueva tendencia comenzó en 1994 con “Cuatro bodas y un funeral” de Richard Curtis, que generó un renovado interés e la inversión en la industria.

Shots-from-the-set-of-Harry-Potter-13_ thumbTal esfuerzo se reflejó en éxitos comerciales mundiales como “Si yo hubiera” (1998), “Un lugar llamado Notting Hill” (1999) y las películas de Bridget Jones, todas con un patrón de romance y comedia.

Así, la nueva era comenzó para el cine británico en la década de 2000 vio aún más el flujo de dinero para apoyar a la industria con proyectos masivos como la saga de Harry Potter y otros proyectos como “Hijos del hombre” (2006), y la película ganadora del Oscar “El discurso del rey” (2011).

Enfoque comercial La década de 1990 comenzó con dificultades para el cine británico y pocas películas disfrutaron de éxito comercial significativo a nivel local o internacional. Sin embargo, una nueva tendencia comenzó en 1994 con Cuatro bodas y un funeral de Richard Curtis, que generó un renovado interés e la inversión en la industria.

Tal esfuerzo se reflejó en éxitos comerciales mundiales como Si yo hubiera (1998), Un lugar llamado Notting Hill (1999) y las películas de Bridget Jones, todas con un patrón de romance y comedia. sí, la nueva era comenzó para el cine británico en la década de 2000 vio aún más el flujo de dinero para apoyar a la industria con proyectos masivos como la saga de Harry Potter y otros proyectos como Hijos del hombre (2006), y la película ganadora del Oscar El discurso del rey (2011).

Película británica ganadora del oscar

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Cine en Francia

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rancia es rey, gracias al Cinematógrafo de los hermanos Lumieré y todas las expresiones que han nacido en sus films; temas tan reacios como el romance, hasta las exquisitas criticas sociales que plantean.

Dejando de lado lo que ha representado la evolución del lenguaje cinematográfico y revolución tecnológica que implica el cine norteamericano, el cine francés en mi opinión tiene un trasfondo más allá de cualquier lenguaje técnico, tiene alma, una muy bondadosa y eso debemos apreciarlo.

A últimas fechas estamos viviendo en territorio mexicano una inusual invasión de cine francés; si bien las principales productoras de exposición de films en México son las grandes culpables de este pequeño milagro, en este especial editorial se nos hizo un excelente momento para regalarles una breve pero concisa historia del cine del amor, del cine del conocimiento, del cine iluminado, el cine francés.

Hablar de cine francés es referirnos no solo a una autentica expresión artística, es hablar de la meca del cine.

Sin ser realmente un “Boom” mediático por interés del público o precios de la tecnología en aquellos días; el naciente cine comenzó a dar sus pininos gracias a valiosas y oportunas intervenciones.

Georges Méliès además de inaugurar diversas técnicas comunes hoy en día del lenguaje cinematográfico; hizo la primera película de ciencia ficción Le Voyage dans la Lune (El viaje a la Luna) en 1902.

Figuras importantes dentro del nacimiento del cine galo hicieron sus primeras irrupciones dentro de este periodo; podemos encontrar a Léon Gaumont y Charles Pathé, que con sus acertadas inversiones y decisiones económicas; le dieron bastante músculo a la naciente empresa, logrando que esta sobreviviera y diera pasos hacia lo que tenemos hoy en día. Maltratada e ignorada por una sociedad ampliamente machista, Alice Este hecho es crucial en el desarrollo de la Guy Blaché fue una de las pioneras del cine cinematografía, Francia es y debe ser consitanto en el ramo de la actuación como de la derada p como “La Meca del cine”,percibida. producción, inclusive se le conoce como “La Les Enfants du paradis de Marcel Carné fue madre de la ciencia ficción” y la “Producción filmada durante la Segunda Guerra Mundial y ejecutiva”. Cuando Jean-Jacques Beineix hizo estrenada en 1945. La película de tres horas Diva (1981) puso la chispa del comienzo de la de duración fue muy difícil de realizar debido oleada de los años 1980 del cine francés. x, El a las condiciones durante la ocupación. t-Neuf, (1991) por Léos Carax.

A finales del siglo XIX Francia fue pionera en varios aspectos del naciente séptimo arte.

Los Hermanos Lumieré inventaron el cinematógrafo y su proyección de L’Arrivée d’un train en gare de La Ciotat (La llegada de un tren a la estación de La Ciotat) en París en 1895 es considerada por muchos historiadores y críticos como el nacimiento oficial del cine.

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Festival de Cannes El Festival de Cannes es uno de los acontecimientos cinematográficos más importantes del mundo, el más mediático después de los Juegos Olímpicos lo que confiere a la ciudad de Cannes un intenso poder de seducción a lo largo del año. Su influencia se debe, sobre todo, a los medios de comunicación y a los sponsors presentes en la ceremonia de apertura y en el tradicional paseo por la célebre alfombra roja y la subida de los veinticuatro “escalones de la gloria”.

El Festival de Cannes se celebra todos los años durante la segunda quincena de mayo, y la ciudad es invadida por cineastas, cinéfilos y visitantes de todo el mundo. Las principales proyecciones tienen lugar en el Palacio de los Festivales y en el Congreso, situado en el Bulevar de la Croisette.

Proceso de selección Las películas son seleccionadas después de un largo proceso, y el público no descubre la selección final hasta un mes antes del festival, ya que quiere tener la exclusiva de la obra. El director del Festival, Gilles Jacob, tuvo la idea de poner una película sorpresa, con El Hombre de mármol de Andrzej Wajda, cuando estaba prohibido en Polonia.

Al principio, las películas eran seleccionadas por los países que intentaban presionar al jurado; pero esto se termina con la creación de la Détente, comité de selección en 1972.

Actualmente hay dos tipos de comités. Uno creado por Jacob y dirigido por Thierry Frémaux, que elige las películas extranjeras. Y otro que elige las películas francesas en competición. Siempre hay cierto misterio en torno a los nombres de estos jurados. Tienen que ver más de 6 películas por día. Para que un filme sea seleccionado, su rodaje debe haber terminado menos de doce meses antes del festival y sólo debe haberse explotado en su país de origen.

Los miembros de los jurados son personalidades que no pueden haber participado en la producción, distribución o promoción de una película en competición. Conceden 7 premios: la Palma de oro, el Gran Premio, el premio a la dirección, a la interpretación femenina y masculina; el Premio al mejor guión y el Premio del jurado. Este festival, originalmente un evento turístico simple y una nota social, fue creado para recompensar a la mejor película, al mejor director, al mejor actor y a la mejor actriz de una competencia internacional de cine. Más tarde, aparecieron otros premios otorgados por un jurado de profesionales, artistas e intelectuales.

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Cine en Italia

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a contribución de Italia al cine va más allá de los nombres, de la aportación de actores y directores, y de corrientes. El celuloide sin Italia no puede entenderse…

Cartel fascista de Cinecitta

En el contexto de una Italia donde el fascismo había calado en la sociedad y el sentimiento patriótico, nacionalista e imperial volvía a calar, Mussolini inaugura el nuevo establecimiento de Cinecittà en la romana calle Tuscolana. Estamos en 1937 y el Hollywood del Tiber pone en marcha un ambicioso proyecto de producción del cine sin precedentes en Europa. Cinecittà se inauguró a bombo y platillo, con 75.000 metros cuadrados de platos, escenarios, y todo tipo de equipamiento para dar a la luz una nueva hornada de películas.

El nacimiento de Cinecittà vino acompañado de una ley de corte autárquico, la Ley Alfieri del 18 de enero de 1939 que suponía una fuente de financiación a las producciones nacionales, con el objetivo de combatir la hegemonía del cine estadounidense.

La caída del fascismo movió el eje del protagonismo de las películas. El escenario se movía, y las cámaras apuntaban a la calle, a los personajes cotidianos, a los problemas reales del italiano de a pié. Las limitaciones de los presupuestos favorecieron la presencia de guines más imaginativos, de actores improvisados, y de platos tan reales como las calles, los mercados, los puertos de las ciudades italianas, con sus miserias y sus alegrías.

A caballo entre el documental y el testimonio el neorealismo puso piés a las cámaras, para moverse hasta escenarios que no había pisado. “Roma ciudad abierta (Roma città aperta)”, de Roberto Rossellini o “El limpiabotas (Sciuscià)” de Vittorio De Sica expresan las heridas de la Italia de posguerra. La intensidad con la que el neorealismo barre el pasado se plasma con películas como “Caza trágica (Caccia tragica)” (1947), Giuseppe De Santis, “Alemania año cero (Germania anno zero)” Rossellini, “Ladrón de bicicletas (Ladri di biciclette)” o “La tierra tiembla (La terra trema)” donde Visconti recupera “Los Malavoglia (I Malavoglia)” de Verga. La obra culminante de este período del cine italiano es Cabiria (Giovanni Pastrone, 1914), ambientada en la segunda guerra púnica. Curiosamente es con Cabiria que surge la primera saga de la historia del cine. Uno de sus personajes, Maciste,

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Los Oscars

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a Historia de los Oscars de Hollywood es larga y no siempre ha gozado de la atención de los medios de comunicación mundiales. Al principio sus estrellas no eran tan conocidas, no había alfombra roja ni desfiles con ostentosos vestidos. La gala consistía simplemente en una tranquila cena y los ganadores de los Oscars se conocían de antemano.

El primer año de su celebración(1928), Janet Gaynor fue la única mujer en ganar un Oscar, siendo condecorada con el premio a la Mejor Actriz por su trabajo en “El séptimo cielo”, “El ángel de la calle” y “Amanecer”. El segundo año sólo se entregaron siete premios y desde entonces los Oscars han crecido linexorablemente tanto en audiencia como en categorías.

La necesidad de categorías especiales fue reconocida desde el principio y ya en 1929 se entregaron dos: uno para Warner Bros. por producir la primera película hablada (“The Jazz Singer”) y el otro para Charlie Chaplin por producir, dirigir, escribir y protagonizar “The Circus”.

En 1936, la Academia comenzó a conceder premios a los actores secundarios o de reparto, ya que quedo comprobado que los actores que tenían papeles protagonistas eran los que tenían más probabilidades de resultar ganadores. El primer Oscar al Mejor Actor de Reparto fue otorgado a Walter Brennan por “Rivales”, mientras que la ganadora al Oscar a la Mejor Actriz de Reparto fue a parar a manos de Gale Sondergaard por “El caballero Adverse”. El año siguiente(1937), se creó la categoría Irving G. Thalberg Memorial Award, que se concedía a aquellos personajes destacados en el mundo de la producción cinematográfica, siendo Darryl F. Zanuck el primer ganador. La categoría de efectos especiales se añadió en 1939 y ganó “Vinieron las lluvias”.

Años más tarde, en 1947, la Academia comenzó a reconocer a las películas extranjeras, con un premio especial para la italiana “Sciuscià” (“Shoe-shiner”) dirigida por Vittorio de Sica.

En 1963 hubo una modificación en el premio de efectos especial: Se dividió en dos: Efectos de sonido y Efectos visuales. El maquillaje se añadió en 1981 junto con el Gordon E. Sawyer Award para las contribuciones tecnológicas. Finalmente, en el año 2001 fue entregado el primer Oscar a la Mejor película de Animación, donde resultó ganador el inolvidable “Shrek”. La AMPAS fue concebida originalmente por Louis B. Mayer, presidente de Metro-Goldwyn-Mayer, como una organización que mejoraría la imagen pública de la industria del cine y ayudaría a mediar en las disputas laborales.

CinemaVisual 27 Lugar de celebración de los Academy Awards: La primera ceremonia tuvo lugar durante un banquete celebrado en el Blossom Room del Roosevelt Hotel de Hollywood. Asistieron 270 personas y las entradas costaron 5 $. Durante los primeros años se siguieron celebrando banquetes en diferentes hoteles de Los Angeles como el Abmbasaador o el Biltmore.

Fue a partir de 1942, debido a que el aumento de la asistencia hizo imposibles los banquetes, cuando la entrega de los Academy Awards se trasladó a los teatros, donde siguen celebrándose. En marzo de 1949, los Oscars de Hollywood se entregaron en el propio teatro de la Academia en Melrose Avenue. Durante los siguientes 11 años, los Academy Awards tuvieron lugar en el Pantages Theater de los estudios RKO en Hollywood. Fue allí, el 19 de marzo de 1959, desde donde se televisó la ceremonia por primera vez a través de la NBC. En 1961 los Oscar se entregaron en el Santa Monica Civic Auditórium y durante los siguientes 10 años la ABC se encargó de la retransmisiones.

Los Oscars de Hollywood fueron emitidos por primera vez en color en 1966. Entre 1971 y 1975 la NBC se encargó de nuevo de la emisión y ABC retomó esta labor en 1976 con un contrato hasta el año 2014.

Ronald Reagan.

El 14 de abril de 1969, la ceremonia de los Oscars se celebró en el recién estrenado Dorothy Chandler Pavilion del Music Center de Los Angeles County. Fue el primer evento grandioso de este centro cultural reconocido mundialmente. Los Academy Awards permanecieron en el Dorothy Chandler Pavilion hasta 1987, cuando regresaron al Shrine Auditorium. Posteriormente los Oscars se han celebrado sucesivamente en el Shrine Auditorium y en el Dorothy Chandler Pavilion. En el año 2001 la ceremonia de los Oscars volvió a Hollywood, al Kodak Theatre, donde aún se celebra.La ceremonia de los Premios Oscar ha sido interrumpida en tres ocasiones. La primera en 1938 tras unas inundaciones en Los Angeles que retrasaron la ceremonia una semana; en 1968 la celebración se retrasó dos días por respeto a Martin Luther King, cuyo funeral tenía lugar al día siguiente de los premios; y en 1981 se retrasararon 24 horas por el intento de asesinato contra el presidente

Etimologia El premio más deseado por toda los miembros de la industria del cine, es conocido por muchos nombres: “The Academy statuette”, “El trofeo dorado” o “La estatuilla al Merito”. Incluso, la publicación Weekly Variety trató de popularizarla por el término “iron man”(sin ningún exito). Pero sin lugar a dudas, el nombre por el que todos conocemos al celebre premio es “el Oscar” Según la leyenda, bibliotecaria de la Academia, y directora ejecutiva, Margaret Herrick comentó cuando vió la estatuilla por primera vez que “se parecía a su tío Oscar”. Lo que en un principio parecía un simple mote, acabó convirtiendose en el nombre más popularizado y signo distintivo de los premios.

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Oscar a mejor película Sin duda alguna, el Oscar a la Mejor Película es el premio más deseado ya que es un premio que valora al trabajo de todo el equipo (producción, dirección, actuación, escritura etc.) Ganar este Oscar no es merito de una sola persona, sino de todo el equipo que va por detrás de la película nominada. Sin lugar a dudas, todos recordaremos muchas de estas peliículas, asi como sus frases emblematicas: El “Yo tenía una granja en Africa”, de “Memorias de Africa”, el “Francamente querida: me importa un bledo” de “Lo que el viento se llevó” o el grito “¡Libertad!” de Braveheart, son algunos de los memorables momentos que nos han hecho vivir las películas ganadoras de esta categoría.

Oscar a mejor director El Premio de la Academia a la Mejor Dirección es uno de los Oscars más valorado, que se otorga al que hoy consideramos el personaje mas relevante de una película junto con los actores: El director. Este premio se otorga desde la primera gala de los Oscar, en 1928.

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Oscar a mejor actor El Oscar a Mejor Actor, premia a la mejor interpretación masculina de un personaje principal. De hecho, el nombre completo del premio en ingés es: “Academy Award for Best Performance by an Actor in a Leading Role”, es decir, Premio de la Academia a la mejor Interpretación de un Actor en un Papel Principal.

Hasta 1936, este papel estuvo unido al oscar al mejor actor de reparto. Más tarde se añadió esta categoría, ya que se comprobó que los actores que pasaban más tiempo en pantalla tenían más posibilidades de recibir este galardón.

Oscar a mejor actriz Al igual que el el Oscar al Mejor Actor, el Oscar a Mejor Actriz se otorga a la mejor actuación en un papel principal, en este caso a una actuación femenina. Hasta 1936, este papel estuvo unido al oscar al mejor actriz de reparto.

Más tarde se añadió esta categoría ya que se comprobó que los actores que pasaban más tiempo en pantalla tenían más posibilidades de recibir este galardón.

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Especial actores mรกs populares de...

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Leonardo Dicaprio

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eonardo Wilhelm DiCaprio; Los Ángeles, 1974) Actor estadounidense. Su padre, George DiCaprio, fue distribuidor de cómics; con el tiempo, y gracias al éxito y popularidad de su hijo, ha llevado los asuntos profesionales de éste, al mismo tiempo que ha cuidado de sus finanzas. Su madre, de nombre Imerline, se separó de su padre cuando Leonardo contaba con sólo un año.

Ambos cónyuges compartieron la custodia del hijo, hasta que este decidió emanciparse en 1997.

Sus estudios fueron discretos; no fue a la universidad y cursó enseñanzas básicas en Los Ángeles, en la John Marshall High School.

Su dedicación al mundo de la imagen comenzó en el campo de la publicidad para la televisión, para luego participar en filmes de tipo divulgativo. Su primera aparición en pantalla tuvo lugar con la película Critters 3 (1991), un discreto título en el que el miedo y un raro sentido del humor se daban la mano.

Su debut como protagonista fue en Vida de este chico (1993), dirigida por Michael Caton-Jones, donde compartía cartel con Robert De Niro; apenas contaba con 19 años. La película le valió el Premio Nueva Generación y las respectivas candidaturas al Globo de Oro y el Oscar al mejor actor. A ese título ya siguió una relativamente abundante serie de producciones que de algún modo contribuyeron a abrirle paso en el tortuoso camino del estrellato en el cine norteamericano.

Así, participó en ¿A quién ama Gilbert Grape? (1994), como el hermano discapacitado de Johnny Depp; y en Rápida y mortal (1995), junto a Sharon Stone y Gene Hackman, un western que pretendía ser innovador, a mayor gloria de la actriz protagonista, pero que no pasó de discreto. Intervino en una curiosa versión de Romeo y Julieta (1996), con Claire Danes, donde el eterno mito que concibiera William Shakespeare y que tanto juego ha dado en el cine era recreado de una manera particular, en la que la realidad y lo onírico y los juegos con el tiempo se mezclaban con el fin de acercar la historia a nuestro tiempo y que fuera aceptada por un público joven.Esta trayectoria sirvió para que DiCaprio fuera labrándose un historial de actor eminentemente intuitivo, sin formación académica, pero que lograba buenas interpretaciones, sin ceder lo más mínimo ante actores de fama más consolidada. Su prestigio se acrecentaba gracias también a su físico: rubio, de aspecto aniñado, entre dulce y moderno, con unos expresivos ojos claros que en ocasiones pueden darle a su rebeldia. Roger Ebert elogió su actuación y señaló que «DiCaprio, que en las últimas películas [...] ha interpretado a

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Margot Robbie Margot Robbie es una actriz australiana que nació en la localidad turística y costera Gold Coast.

En su adolescencia se trasladó a Melbourne con la intención de convertirse en actriz, logrando debutar en el cine en el año 2008 con una película de acción dirigida por Aash Aaron y titulada “Vigilante”.

El mismo año logró el papel de Donna Freedman en “Vecinos”, famosa teleserie australiana en la que permaneció hasta el año 2011sEn la gran pantalla volvió a ser dirigida en su país por Aash Aaron en el thriller “I.C.U.” (2009). Más tarde rodó con capital británico “Una Cuestión De Tiempo” (2013), fantasía romántica con Rachel McAdams y Domhnall Gleeson.

Saltó a la fama internacional al ser elegida por Martin Scorsese para intervenir como principal personaje femenino en “El Lobo De Wall Street” (2013), film protagonizado por Leonardo DiCaprio. Un año después participó en “Suite Francesa” (2014), película ambientada en la Segunda Guerra Mundial.

En “Focus” (2015) compartió créditos con Will Smith. Un año después interpretó el personaje de Jane en “La Leyenda De Tarzán” (2016), film protagonizado por Alexander Skarsgard, y se convirtió en Harley Quinn en la adaptación del cómic “Escuadrón Suicida” (2016).

En el año 2017 estrenó “Yo, Tonya” (2017), película de Craig Gillespie en el que Margot interpretó a la patinadora Tonya Harding. Un año después se convirtió en la reina inglesa Isabel I en “María, Reina De Escocia” (2018), con Saoirse Ronan como María Estuardo. En 2013 obtuvo un pequeño papel en la comedia dramática About Time donde interpretó a Charlotte, la joven amiga de Kit Kat. Ese mismo año apareció en la película del drama biográfico de Martin Scorsese El lobo de Wall Street donde dio vida a Naomi Belfort, la esposa de Jordan Belfort (Leonardo DiCaprio).15​En 2014 creó junto a su actual pareja Tom Ackerley, Josey Mcnamara y Sophia Kerr la compañía productora LuckyChap Entertainment.En 2015 le dio vida a Jess en la película de comedia y romance-dramático Focus y a Ann Burden en la película Z for Zachariah, actuando junto a Chris Pine y Chiwetel Ejiofor.

En 2016 apareció en la película de acción y aventura La leyenda de Tarzán,

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Brad Pitt

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illiam Bradley Pitt; Shawnee, Oklahoma, 1963) Actor de cine estadounidense. Hijo de una maestra y del manager de una empresa de camiones, se crió en Springfield, Missouri, donde se graduó en el High School de Kickapoo. Estudió Periodismo en la Universidad de Columbia, Missouri, pero abandonó los estudios y se trasladó a California con la intención de ser actor. Antes de comenzar su carrera, se dedicó a todo tipo de trabajos ocasionales, como chófer de limusina o mozo de cuerda. Interpretó también pequeños papeles en series de televisión como Los problemas crecen, Dallas, Jóvenes policías y Treinta y tantos.

Su primera aparición en el cine fue como figurante en Golpe al sueño americano (1987), de Marek Kaniewska, y su primer papel protagonista supuso una de las más curiosas aventuras de su carrera: The dark side of the sun se rodó en la antigua Yugoslavia durante el verano de 1988, pero un recrudecimiento de la guerra hizo que se perdiera el material rodado. Tras una búsqueda que duró seis años, su productor, Angelo Arandjelovic, encontró el metraje perdido y estrenó la película cuando Pitt ya era una estrella internacional, con lo que recuperó con creces su inversión.

Tras una serie de pequeños papeles menores, le llegó su gran oportunidad con Thelma y Louise (1991), de Ridley Scott, una de las más famosas y polémicas películas de los años noventa. Pitt interpretaba en ella un papel secundario, pero importante: el de J. D., un ladrón de poca monta que es recogido por las protagonistas, Geena Davis y Susan Sarandon, mientras hace auto-stop y cuyas apariciones apenas suman los treinta minutos en total. Sin embargo, aunque breve, su aparición en Thelma y Louise cambió su vida por completo y le convirtió en el actor de moda de principios de los noventa: en apenas unos meses pasó de ser un desconocido a estar considerado como uno de los hombres más atractivos del mundo.

En su siguiente película, El río de la vida (1992), fue dirigido por otro símbolo sexual masculino, Robert Redford, que consiguió de él una de las mejores interpretaciones de su carrera.

Mientras su cotización subía y la calidad de sus papeles era cada vez mayor, continuó apareciendo en pequeñas producciones como Johnny Suede (1992), dirigida por Tom DiCillo, en la que daba vida a un rockero de improbable peinado obsesionado con el recuerdo de Elvis y con triunfar en el mundo de la música. En Una rubia entre dos mundos (1992), dirigida por el especialista en animación Ralph Bakshi, compartía cartel con Kim Basinger y Gabriel Byrne.

Pitt posee una compañía de producción llamada Plan B Entertainment, entre cuyos trabajos se cuentan la ganadora del Óscar a la «mejor película», The Departed (2007).

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Angelina Jolie

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ngelina Jolie está inmersa desde su infancia en el mundo del espectáculo. Con sólo 7 años protagonizó junto a sus padres la película ‘Lookin’ to Get Out’ (1982). Después de estudiar en el Lee Strasberg Theatre Institute, la actriz impaciente por conseguir su propio éxito renunció a su apellido, con el fin de triunfar por sí misma. En los ’90 inicia una carrera como modelo y viaja por Londres, Nueva York y Los Ángeles.

Además, aparece en vídeos musicales de los Rolling Stones y Lenny Kravitz. En 1993 se convierte en la protagonista del largometraje ‘Cyborg 2 (La sombra de cristal)’.

En 1995, en el rodaje de ‘Hackers (Piratas informáticos)’ conoce al actor Jonny Lee Miller, con el que estará casada durante cuatro años. Empieza a protagonizar roles de mujeres atormentadas, como en ‘Jugando con la muerte’ (1997) y ‘La cocina del infierno’ (1998). En 2000 consigue el Oscar a la Mejor Actriz de Reparto por su papel en ‘Inocencia interrumpida’. Se convierte en un imán para atraer a los adolescentes, por ello interpreta junto a Nicolas Cage, ’60 Segundos’ (2000). Ese mismo año se casa con el actor Billy Bob Thornton, veinte años mayor que ella, con el que había coincidido en la comedia ‘Fuera de control’ (1999).

En 2001, Jolie encarna a la heroína virtual Lara Croft en ‘Tomb Raider’, la adaptación cinematográfica del videojuego homónimo, y dos años más tarde en ‘Lara Croft Tomb Raider: La cuna de la vida’. La actriz queda prendada de Camboya y adopta a un bebé al que llama Maddox. Así, la actriz comienza una etapa más madura y cambia su etiqueta de soltera provocativa por la de embajadora de buena voluntad de las Naciones Unidas para los Refugiados (ACNUR). También acepta roles más maduros en películas como ‘Amar peligrosamente’ (2003); interpreta a la mujer del periodista Daniel Pearl, decapitado por los extremistas pakistaníes, en ‘Un corazón invencible’ (2007). Y vuelve a ponerse a las ordenes de grandes realizadores del séptimo arte como Oliver Stone, en ‘Alejandro Magno (Alexander)’ (2004); Robert De Niro, en ‘El buen pastor’ (2007), y Clint Eastwood, en ‘El intercambio’ (2008).

Esto no impidió que siguiera interpretando papeles de mujer dura, ‘Vidas ajenas’ (2004), y más comerciales como ‘Sr. y Sra. Smith’ (2005) –donde conoce a su nueva pareja, Brad Pitt- y ‘Wanted’ (2008). Mientras, presta su voz a dibujos animados como Lola de ‘El espantatiburones’ (2004) y la tigresa de ‘Kung Fu Panda’ (2008) y ‘Kung Fu Panda 2’ (2010). En 2010, la actriz se reencuentra con el director Phillip Noyce, con quien trabajó en ‘El coleccionista de huesos’,