NÚMERO 0 · AÑO 2013
REVISTA UNIVERSITARIA
TATITATI MIGUEL SCHEROFF · MERCEDES DEBELLARD · JUANPE ARROYO PEDRO CABALLERO · JOSEP ALFARO
SUMARIO
ARTE ACTUAL
4 EDITORIAL 6 MIGUEL SCHEROFF 10 MERCEDES DEBELLARD 12 JUANPE ARROYO 18 TATITATI. UNA ATMOSFERA ENVIDIABLE 24 PEDRO CABALLERO. TALLANDOSE UN GRAN FUTURO 28 JOSEP ALFARO. DISPAROS DIFERENTES 34 DIME COMO ES TU PORTFOLIO Y TE DIRE COMO TRABAJAS
ARTE ACTUAL路 3
EDITORIAL Este proyecto gráfico consiste en la realización y maquetación de una revista universitaria de tirada, en principio, mensual en la que trataremos como pilar fundamental el arte en aspectos muy actuales, convirtiéndose en una propuesta interesante con mucho que aportar. El origen de la idea parte de la sed de conocimiento que tiene el alumnado, ya que busca fuentes de información fuera de la facultad y de las instituciones. Al tratarse de un proyecto serio y ambicioso vamos a huir de todo convencionalismo, por lo que hemos creado una revista alternativa en la cual observamos un nuevo enfoque del panorama artístico. Además de tener un claro mensaje de divulgación debido a que se expone la producción de artistas emergentes es un método de aprendizaje sobre el que el lector podrá encontrar técnicas y recursos que trasladables a su disciplina. Esta propuesta de revista será un escaparate para jóvenes diseñadores y artistas emergentes, los cuales no tienen demasiados medios publicitarios para darse a conocer, prestándoles esa oportunidad de poder mostrar su trabajo a un público deseoso de conocer las nuevas propuestas, por lo que, realizamos un estudio sobre los posibles entrevistados, que cumplirán con unas pautas: que estén comenzando a abrirse camino como artistas y que se encuentren dentro del panorama nacional. Las secciones con las que contaremos en este número abarcan terrenos tan amplios como la pintura, la ilustración, el grabado y la fotografía. Todo esto es posible gracias a la colaboración desinteresada de artistas tanto locales como nacionales construyendo entre todos un vínculo muy poderoso como es la ilusión de llevar un proyecto y ver como cada vez va creciendo, partiendo del tesón y el propósito del trabajo bien hecho. Otra sección con la que cuenta la revista es un apartado de cultura, en el que incluiremos artículos de expertos realizando críticas o pequeñas exposiciones de aquellos temas que nos interesan. Si nos referimos a la fase de pensamiento, toma de decisiones y, en general, a la elaboración de la revista, hemos de mencionar que se trata de un proyecto de autoedición en el que somos conocedores de todo cuanto acontece en los procesos en los que se desarrolla el producto final, una fase muy emotiva teniendo en cuenta que algo que hemos producido puede interesar a muchos lectores y que éstos disfruten con el trabajo realizado. Este ejemplar corresponde al número cero, una visualización de lo que puede ser la revista en el caso de que contemos con patrocinadores que avalen económicamente nuestra iniciativa o la propia comercialización que nos suponga un respaldo importante a la hora de seguir adelante.
Ana María Trujillo Editora y redactora de la revista
MIGUEL SCHEROFF “Acabé la carrera en 2011 entre la Universidad de Granada y la UCM de Madrid, ahora estoy estudiando el Máster de Arte, Idea y Producción en Sevilla. He tenido la gran suerte de poder mostrar mi trabajo en exposiciones colectivas e individuales dentro de Ferias de Arte Contemporáneo, galerías, concursos, becas y revistas de Arte contemporáneo.” Dónde naciste, edad, inquietudes, preferencias estilísticas. M.S: Nací en Navas de Tolosa (Jaén) en el 1988. Siempre he preferido trabajar con la pintura y el dibujo pero disfruto con todo tipo de arte cuando es fruto del esfuerzo, la coherencia y buenas ideas. Donde has expuesto. M.S: El artista debe creer y defender lo que hace, hay que ser muy cabezón a la hora de insistir con tu obra en concursos o convocatorias expositivas. Guardo un buen recuerdo de exposiciones en Ferias de Arte como FACBA, Art Jaén o IKAS ART, de colaboraciones con la galería MECA de Almería y la Facultad de Bellas Artes de Granada las cuales (ambas) me han apoyado mucho, y de grandes concursos como FIGURATIVAS o DESENCAJA. ¿Qué piensas de ARCO? ¿Consideras que es un lugar con oportunidades o prefieres las galerías y concursos? M.S: Cada año visito las ferias de arte en Madrid y disfruto como un crio en un parque de atracciones. Creo que ARCO debe recorrerse con un espíritu positivo abierto al aprendizaje, hay que saber qué pasa por la mente de nuestros contemporáneos.
Aunque este año se ha censurado mucho a grandes artistas y se rumorea que tiene los días contados, ARCO ha ayudado a la proyección del arte en España hacia otros países, da igual lo malo que pueda esconder la feria en sí, yo lo desconozco, y me quedo con lo mucho que me aporta y me sirve a mí para redescubrir año tras año la magia del arte.
“Lo único que he hecho ha sido trabajar día tras día, presentar ese trabajo a concursos y subirlo a la red para autopromocionarlo”. Como ya sabemos, es muy difícil introducirse en el mundo del arte y podemos ver que poco a poco te has hecho un huequito en él. ¿Has tenido algún mentor o padrino? M.S: Lo único que he hecho ha sido trabajar día tras día, presentar ese trabajo a concursos y subirlo a la red para autopromocionarlo. Gracias a ésto he conseguido que mi obra llegue a más personas, las cuales algunas de ellas es tando vinculadas a la crítica o el comisariado, han querido proponerme participar en exposiciones que para mi han supuesto avances muy importantes en mi carrera por lo que estoy realmente agradecido, es más de lo que esperaba.
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PINTURA/ MIGUEL SCHEROFF
Vemos que tus obras son muy minuciosas y teniendo en cuenta tu temprana edad, ¿sacas tiempo para todo, salir con los amigos, tiempo de ocio en general y momento creativo? Por supuesto, las personas están por encima de todo y para pintar uno siempre saca tiempo. Pero los que te quieren entienden que es un trabajo al que hay que dedicarle mucho tiempo y te perdonan alguna que otra ausencia. ¿Qué estás haciendo actualmente? Estas trabajando por libre o te riges por las pautas que te marcan concursos, galerías, etc. Sigo buscando mis imágenes, quiero crear un imaginario visual personal. He aceptado que mi obra gira en torno al retrato y su sobreinformación, ya sea con piel, sin piel, animal o humano, es lo que quiero hacer y lo que me llena. No creo que haya una obra específica para los concursos, eso siempre es cuestión de suerte.
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¿Qué técnicas predominan en tus obras?¿Te arriesgarías a usar otros nuevos como el terreno digital? Siempre óleo sobre lienzo o dibujo sobre papel, en principio obtengo lo que busco con ésto pero me encantaría poder sacar partido de las ventajas del mundo digital, aunque tendría que ponerme mucho las pilas. Utilizas recursos digitales en el proceso previo a la ejecución de la obra o bien partes de bocetos y recortes al estilo tradicional. Trabajo con fotografías digitales para crear mi propio imaginario. Lo que hago es realizar un número de fotografías de las cuales luego escojo una selección para pasarlas a la obra pictórica utilizando la imaginación. Metas o sueños para el futuro. Principalmente que la salud de los que me rodean y la propia, sigan siendo el motivo por el que me levante con ganas de trabajar cada día.
1- Juan Francisco Casas. Óleo sobre madera. 125 x 95 cm. 2010. 2- La epidermis de Tamara. Óleo sobre lienzo. 200x146 cm. 2010. 3- Santiago Ydáñez. Óleo sobre lienzo. 200x146 cm. 2010. 4- Flesh face. Óleo sobre lienzo. 250 x 200 cm. 5- Detalle del proceso flesh face. 6- Vanitas I. Óleo sobre lienzo. 180 x 140 cm. 2011.
El artista en su estudio.
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MERCEDES
DEBELLARD
Cuéntanos un poco tu curriculum artístico, dónde has expuesto, cuáles son tus puntos de venta, con qué empresas trabajas y qué proyectos estás llevando a cabo.
Háblanos de tu trabajo, ¿por qué usas modelos femeninos?
Hasta hoy no he realizado muchas exposiciones, tampoco es algo que me quite el sueño. Prefiero enfocar mi trabajo más al mercado de moda y publicidad. Aún así, este año he expuesto en la Galeria granadina "tetera&Kiwi" y en "Auguste clown Gallery" en Australia, con los que llevo trabajando cerca de un año. Trabajo con la agencia británica de ilustración "Lemonade" enfocada en editorial y publicidad. Y por mi cuenta a través de mi web personal. Ahora mismo realizo un proyecto personal que espero poder enseñar pronto y unos cursos de ilustración que estamos preparando.
delos, supongo que será una cuestión de identidad. Mi hermana y mis amigas han sido mis referentes en estos años, entiendo que lo que es más cercano a uno mismo suele ser lo que terminas haciendo tuyo.
¿Qué te hizo interesarte por el dibujo? ¿Por qué te dedicas profesionalmente al dibujo? Dibujo desde que era muy pequeñita. Mi padre siempre me animó, y por suerte nunca dejé de hacerlo. Pero fue hace un par de años cuando me dí cuenta de que quería dedicarme a ello profesionalmente. Es una gran suerte el poder trabajar de lo que más te gusta hacer, y me propuse intentarlo.
Siempre he preferido la figura femenina a la hora de dibujar. Cuando estaba en la facultad elegía a las mo-
¿Cuál es tu proceso de trabajo? Normalmente siempre sigo el mismo proceso: me gusta dibujar con lápiz y papel, aunque posteriormente tenga que digitalizar y colorear con photoshop. Pero de esa forma conservo la frescura que dá el grafito. Aunque muchos de los trabajos pidan ser digitales, creo que es importante que mantengan cierto toque tradicional. Cuando tengo cierta libertad prefiero utilizar acuarelas sobre el papel. En pocas palabras ¿cómo describirías tu trabajo? Intento que mi trabajo sea coherente conmigo misma. Me encanta jugar con la texturas, los estampados y gamas de colores poco saturadas. Supongo que podría decir que es femenino y delicado.
Para más info: http://www.cargocollective.com/mercedesdebellard
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JUANPE ARROYO
Juan Pedro Arroyo Molina, 1988, estudia Bellas Artes en la Universidad de Granada, en la Facultad Alonso Cano donde, después de ir un poco perdido durante los primeros años, cursa la asignatura de animación. Al año siguiente se marcha a estudiar a Valencia con un beca Séneca, donde se especializa en Animación, cursando todas las asignaturas relacionadas con esta disciplina. Es aquí donde realiza sus primeras incursiones en la industria: colaboraciones, primeros cortometrajes, etc. Vuelve a Granada para terminar la carrera, produciendo La última montaña, cortometraje de animación 2D realizado íntegramente en formato digital que presenta junto a Eva Figueroa como proyecto fin de Carrera. Durante ese año también realiza prácticas en empresa en Telefonica I+D, donde desarrolla una actividad más ligada a la ilustración que a la animación. A continuación regresa a Valencia para cursar el Master de Animación de la UPV, durante el cual empieza a desarrollar una actividad profesional con encargos Freelance de animación e ilustración para productoras y estudios como Beniwood, Hampa, Ink Apache o Frame Over. Trabaja en producciones muy variadas, desde animación limitada en flash a 3D. Paralelamente a esta actividad, sigue ampliando su portfolio con una producción de ilustraciones con las que más recientemente participa en algunas exposiciones en Madrid y Granada, relacionadas con el salón del cómic: las exposiciones de Visiones organizadas (al menos hasta el último y fatídico salón del manga) por los increíbles Nacho Belda y Raúl Campos. También participa en otras propuestas más particulares como la exposición colectiva Sing That Movie de Susanita´s Little Gallery, además de participar en concursos como la Blog War del blog Kame House. Actualmente se encuentra inmerso en el proceso de producción de un nuevo cortometraje de animación tradicional cuyo título es Break.
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ILUSTRACIÓN/ JUANPE ARROYO
¿Cómo comenzaste a dibujar y porqué? Bueno siempre me recuerdo dibujando, aunque no concienzudamente, sino más bien moviendo el lápiz, en casa, en clase, desde muy pequeño hasta antes de entrar en la facultad, simplemente porque me entretenía. No lo veía como algo definitivo, ni me quería dedicar a ello, era puro pasatiempo. Disfrutaba dibujando cosas para regalar a los amigos, cómics sobre chorradas que se me ocurrían o animales. Sobre todo, empecé dibujando dinosaurios. Pero digamos que entonces no fue cuando empecé a dibujar de verdad (eso llegó mucho después, a lo largo de la carrera). Sin embargo, sí se podría decir que el primer germen dibujístico serio surgió en unas clases entretenidas y desenfadadas, en la época de bachillerato, impartidas por amigos: unas clases de cómic en las que me di cuenta de que quería dedicarme al dibujo y también de lo mucho que me quedaba por aprender. Fuiste becado por la Universidad de Valencia (UPV) y de Granada, ¿fue muy difícil? Fui becado tanto en Granada como en Valencia. El proceso para conseguir la beca fue bastante duro: como todo trámite que contenga algo de burocracia, puede ser ciertamente irritante, pero con paciencia se consigue. Paciencia y también buenas notas. Creo que es de las pocas veces en las que un buen expediente te puede echar una mano. Con esto no quiero decir que no haya que esforzarse académicamente, al contrario, a nivel académico es muy útil. Sólo digo que, después de cierto tiempo, me he dado cuenta de que, a lo largo de todos los trabajos que he realizado, no me han preguntado ni una sola vez por mi expediente. A nivel profesional, lo que cuenta es que puedas demostrar que sabes hacer todo aquello que dices saber en tu currículum. ¿Qué metodología utilizas en cada uno de tus proyectos? En los proyectos freelance normalmente sigo una metodología muy similar, tanto con proyectos de animación como de ilustración, y está basada en las archiconocidas tres fases: pre-producción, producción, postproducción, con algo adicional que me ha costado más de un disgusto aprender, y es asegurar la completa aceptación y comprensión de una fase por parte del cliente antes de pasar a la siguiente. En caso de ser un proyecto en un estudio, adapto mi metodología al workflow del propio estudio y sus particularidades, integrándome en el proceso de producción. Por otro lado, una vez en el “ajo” me suelo desenvolver con programas como Photoshop, Flash y After Effects, combinando el dibujo lineal, el color más suelto, todo realizado íntegramente en formato digital con Cintiq. Gracias a la tableta elimino el intermediario del escáner y mejoro la velocidad de producción. Ya no hago nada en papel, a no ser que sea requisito indispensable del cliente o proyecto. Para proyectos más personales lo uso sólo por disfrute y para realizar bocetos. Descríbenos tu trabajo en pocas palabras. Diría que soy básicamente un dibujante. Me gustaría pensar que soy como esos ilustradores americanos de los 50, que se atrevían con todo; pero la verdad es que me he centrado en la creación (dibujo, ilustración) y animación de personajes. Mi trabajo está fuertemente arraigado en la línea, dando lugar a imágenes volumétricas, muy descriptivas e influenciadas por la estilización del dibujo para animación de la época del renacimiento Disney, la obra de Juanjo Guarnido, Gorillaz, el cine y los videojuegos en general.
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ILUSTRACIÓN/ JUANPE ARROYO
Vemos que has obtemido bastantes premios, ¿cuál te hizo más ilusión?¿Qué se siente al haber contribuido con un frupo tan importante a nivel internacional como el grupo Gorillaz? No hay premio pequeño, pero creo que el que más me ilusionó fue el premio Bancaja, que recibimos en 2010. Más que por el premio en si, es por lo que supuso el proyecto que lo ganó. Era un recién llegado a la UPV, dando mis primeros pasos en la animación, y me encontré de repente trabajando junto a gente muy preparada y en un ambiente excelente. Era mi primera toma de contacto con lo más parecido a la industria que podía encontrar con la experiencia que tenia por aquel entonces. Colaborando con McDiego, diseñador gráfico valenciano y Sara Alvarez, Profesora de la UPV, y junto a otros alumnos, tuvimos que animar un spot publicitario que se presentaba a concurso para la ciudad de las Artes y las Ciencias de Valencia. Fue una experiencia muy enriquecedora cuyo fruto, a pesar de no ser elegido como propuesta, me brindo una oportunidad y, de paso, un premio. El carácter especial de este premio también se debe a que significó todo un pistoletazo de salida para mi carrera profesional dentro de la industria de la animación, quizás no de manera formal, pero si desde el punto de vista más personal. El concurso de Gorillaz, How is the Evangelist? Fue una experiencia interesante. Yo no lo consideraría una colaboración, ya que mis propuestas de diseños para el supuesto nuevo integrante de la banda de personajes digitales de Damon Albarn no pasaron de la publicación on-line. Sin embargo, supuso todo un reto. Diseñar dos personajes en tan poco tiempo, tener que dibujarlos en la web con el software que se te proporcionaban (todo una estrategia para anunciar cierto navegador web con fama de “lentorro”), y enfrentarme a una horda de fans que luchaban por que sus diseños fuesen los favoritos fue muy intenso, pero a pesar de quedar finalista con ambos diseños y en buena posición, la decisión final recaía sobre Jamie Hewlett. Y éste se decanto por el exótico diseño de una muchacha japonesa.
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¿Con qué tipo de trabajo te sentiste más cómodo? Me he sentido cómodo en la mayoría de proyectos en los que he trabajado. Sin embargo, destacaría aquellos en los que ha primado la optimización. Con esto quiero decir, aquellos proyectos en los que hemos conseguido el mejor resultado en el tiempo propuesto para ello. En mi opinión, esta situación se ha dado sobre todo cuando la relación dibujante/cliente ha sido fluida. También me siento muy cómodo en aquellos proyectos que tienen cierta carga creativa adicional, que más que encargos se convierten en pequeños descubrimientos o desafíos personales, como a la hora de diseñar personajes o crear ilustraciones con cierto margen de libertad para según que encargo.
¿Te dedicas íntegramente al mundo de la ilustración y animación o te ganas la vida de otra manera? Tengo la suerte de dedicarme íntegramente a ello. Ahora mismo es mi principal fuente de ingresos y mi única ocupación. Toco madera para que la cosa no decaiga. ¿Cuál es tu próxima meta? Actualmente estoy produciendo un cortometraje de animación tradicional: Break,el cual desarrollo como PF para el Master de Animación de la UPV.
Sin embargo, creo que transcenderá el calendario académico, por la envergadura del proyecto. Espero poder terminarlo para finales del 2013 o principios de 2014 para poder presentarlo en el siguiente ciclo de festivales y así darme a conocer. Por otro lado, en el aspecto más profesional, me gustaría llegar a trabajar en algún estudio de animación de forma estable, adquirir la experiencia que sólo se consigue en ese ambiente y, quién sabe, después salir bien “entrenado” y crear algo, quizás mi propio estudio.
¿Trabajas normalmente a través de encargos, para algunas revistas? ¿Qué opinas sobre esto? No he llegado a trabajar como ilustrador para revistas o publicaciones. Me resulta muy interesante y me gustaría llegar a desarrollar alguna actividad dentro de este ámbito en un futuro. En cuanto a las limitaciones que pueden aparecer en este tipo de trabajos, ¿ves que tu estilo artístico se ve afectado en estos casos? Sí, he encontrado algunas limitaciones. Por ejemplo, no ser admitido en según que trabajo por mi estilo, que no encajaba con el estilo requerido para el proyecto, lo que es comprensible. Puedo adaptarme con cierta facilidad a diferentes estilos de dibujo, pero muchos clientes o empresas solo pueden saber de ti a través de tu portfolio, por lo que, si no ven lo que están buscando, pasan al siguiente candidato. Es lo más normal. Por eso es interesante tener un portfolio muy variado con diferentes estilos, por si acaso, según te vas especializando. Con respecto a si mi estilo se ve afectado por cambiarlo para cada encargo, creo que no. Al contrario, cambiar de estilo, en ocasiones, es refrescante, siempre que no sea opuesto al tipo de ilustración que sueles hacer, o un estilo inviable para el tiempo propuesto para el proyecto.
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TATITATI UNA ATMÓSFERA ENVIDIABLE Aunque nos parezca extraño este joven de tan sólo veintisiete años de edad apenas ha estado junto a un papel y un lápiz durante su infancia y adolescencia. Sustituyó todo esto por montañas de libros y se convirtió en ingeniero de telecomunicaciones, . Apasionado y entregado como el que más nuestro invitado utiliza sus ratos libres para deleitarnos con este tipo de trabajos, todos y cada uno de ellos cargados de un alma que los hace únicos. “Mi vida está un poco dividida en este aspecto. Reconozco que tengo una parte de científico, y otra de artista, lo cual me satisface enormemente, y como también se puede adivinar, me hace trabajar más de lo normal, ya que intento mantener los dos campos tan fuertes como puedo, campos que además son lo opuesto. La ingeniería es de sentimientos cero, todo razonamiento, nada de espontaneidad, concentración. El arte es lo opuesto. A veces me cuesta adaptarme cuando paso mucho tiempo metido en un campo. El resultado es que a día de hoy, y después de mucho tiempo, aun continúo sin tener ningún estilo propio, ni ninguna metodología. A veces pinto realismo, otras, fantasía. Y cada vez que pinto es un auténtico experimento para mí”.
¿Te dedicas profesionalmente al mundo del arte? ¿Realizas exposiciones? No me dedico profesionalmente, si bien eso es ahora, en otros tiempos sí que me dedicaba más. Finalmente la balanza la inclinó la crisis, el salir del país. Esto hizo que me decantara por algo más sólido que el arte, de modo que a día de hoy trabajo con software, soy arquitecto de software en Londres (patrones, estructuras de datos). Si algo tiene de arte es que este mundo requiere mucha abstracción, es algo que tienen ambos campos en los que me muevo. No me arrepiento a día de hoy, ya que tengo tiempo para pintar, para hacer encargos, hacer exposiciones, etc.
En el arte soy mi propio jefe, y lo mejor de todo es que no dependo de él, así que me siento muy libre pintando, quizá más que nunca. Total, vivo de software. Este 2013 hice una exposición en San Francisco, Skywalker Properties, una de las empresas de George Lucas parece que buscaban tres artistas para completar una enorme exposición que estaban haciendo allí y me tocó, muy feliz con el resultado. Vemos que tus trabajos son realmente sorprendentes por lo que nos gustaría saber desde hace cuándo te dedicas a esto y porqué. Sin lugar a dudas empecé desde muy peque. The kid. Photoshop.
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ILUSTRACIÓN/ TATITATI
“Hacer arte es una buena forma de vivir para mí, me divierto, me conozco, me peleo y me frustro mucho a veces también, pero es parte de la disciplina”. Pintar no es que fuera mi pasión por aquel entonces pero sí que me distraía, y nunca perdí el contacto con ello, así que fui mejorando con el tiempo, jugué con el 3D desde muy enano, y poco a poco pues la imaginación y la habilidad se fue desarrollando. Se volvió más serio. Aunque a día de hoy no vivo del arte realmente sigo pintando porque es mi manera de decir que tengo "vida", que la vida es algo más que trabajar (aunque mi trabajo me encanta), hacer arte es una buena forma de vivir para mí, me divierto, me conozco, me peleo y me frustro mucho a veces también, pero es parte de la disciplina (ésta y todas).
artista que más pinte de este mundo, de modo que tengo claro que mi trabajo no destacará por la cantidad de dibujos, sino por la calidad de cada uno, así que cada vez que pinto uno pierdo mucho con la idea.
Cuando inicias un nuevo proyecto, ¿cuál es tu metodología? ¿Partes de algo en concreto como referencias fotográficas, calcos, memoria, collages? ¿Le dedicas mucho tiempo a cada planteamiento que te resta tiempo para dedicarlo, por ejemplo, al ocio? Bueno el tema de las referencias está bien según que es lo que hagas. Sin embargo es cierto que el abusar de las referencias finalmente te limita, te da poca espontaneidad, te hace perderte en detalles. Yo soy más de estudiar teoría del color, de la luz, composición, de tomarme muchos respiros para volver otra vez tras un rato siendo más objetivo, de refrescar los ojos. Realmente no tengo metodología, existe un proceso quizá en el que gasto el 75% del tiempo, la composición, la búsqueda de la idea...es algo que a veces me mata, otras es algo que es absolutamente interesante. Pero la composición creo que es el desafío mío, algunas veces porque el dibujo no está balanceado, otras porque el dibujo no transmite, otras porque el dibujo es infantil, no es una idea nueva, le falta luz, le falta color, etc....me cuesta, soy muy crítico con lo que hago, como puedes imaginar con mi trabajo (el software) no soy el
Tus paisajes, edificios y objetos voladores parecen estar sacados de un sueño o una película, ¿has pensado realizar videojuegos con gráficos 3D? Totalmente. De hecho el trabajo estrella de lo mío es una empresa de videojuegos. Sin embargo Londres me ha mostrado también la otra cara de este sueño. Aquí conocí a gente de sony enterteinment, playstation, incluso algún pintor de la película oblivion, y lo que vi es que algunos de ellos eran muy buenos, pero otros de ellos, por más que pintaban, no mejoraban nunca, el trabajo, el ritmo laboral, no les dejaba tiempo para probar y hacer experimentos, asi que también te encuentras personas con muy buenos currículos, y muy poco nivel. No todos los que trabajan en esos sitios son tan buenos.
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Por tanto, ¿has renunciado a muchas cosas para conseguir el nivel que podemos ver? Quien algo quiere algo le cuesta. No soy un chico que pueda hablar mucho de conciertos, de fiestas, de quedadas. Más bien puedo ser alguien de contar historias inventadas, de hablar de música, de hobbies, de ciencia, astronomía, fotografía. Voy a tener que salir de la habitación a ver qué ocurre ahí fuera (risas).
¿Cuáles son tus referentes? Creo que no sorprendería si dijera que uno siempre quiere pintar como los mejores artistas que conoce, y que esto tampoco es una gran verdad, porque cuando llegas a pintar como ellos te buscas a otros y vuelves a estar buscando. El camino es ese: de inquietud en inquietud, la cabeza ilusionada con lo siguiente. ARTE ACTUAL·19
ILUSTRACIÓN/ TATITATI
¿Qué estás haciendo actualmente? Trabajas por libre o para una empresa. Trabajo en Londres como Arquitecto software para Amazon. Pudiera ser raro, pero ayuda el mundo del CG (computer graphics) porque usa mucha tecnología para modelar, animar, pintar, etc. Mi trabajo me mantiene a tope con las tecnologías, de modo que no tengo miedo a meterme en algo desconocido.
Metas o sueños para el futuro. Seguir con tiempo para pintar. Nunca había estado tan relajado pintando, siento poca presión ahora que no tengo esa tensión encima sobre mis dibujos. Así que mi máxima preocupación está en pintar lo mejor que pueda para mí, y lo que venga ya vendrá, no me estoy haciendo marketing ninguno, así que lo que venga vendrá por calidad, confío en que ocurra.
The kingdom.Photoshop. Realizado en cuatro días.
Shabda. Photoshop.
20·ARTE ACTUAL
Red sea. Photoshop.
The house of air. Photoshop.
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¿ERES INVISIBLE? ¿TE GUSTARÍA TENER TU MINUTO DE GLORIA? Aparecer en el siguiente número es muy sencillo. Sólo tienes que enviarnos un dossier de tu producción artística y seleccionaremos a un artista entre todos los participantes para elaborar la portada.
PEDROCABALLERO TALLÁNDOSE UN GRAN FUTURO “ Siempre me gustó dibujar, aunque no empecé a tomarme en serio el dibujo hasta 2007, año en que empecé a tatuar. En 2008 comencé la carrera de Bellas Artes en la Universidad de Granada, entonces el tatuaje pasó a un segundo plano y me centré en el dibujo de una manera más amplia. En 2011-2012 fui alumno en la Facultad de San Carlos de Valencia como becario Séneca. Allí tuve la suerte de cursar la asignatura de Xilografía, impartida por Blanca Rosa Pastor y David Heras. Desde el primer momento me sentí muy cómodo con las gubias y el linóleo me pareció un medio idóneo para producir las imágenes que rondaban mi mente. En mayo de 2012 se inauguró en el centro cultural Arte-Facto de Valencia mi primera exposición individual, una selección de linóleos y xilografías titulada "Miradas perdidas". Esa misma exposición se montó en la galería de Granada Pupa Tattoo Art Gallery en julio y en Cádiz el mes de diciembre en Colophon. En febrero de 2013 participé en dos exposiciones colectivas en Granada. "Underthal" en El Apeadero, comisariada por la plataforma virtual Great Oh! . Y "Cuadros colgados de un gancho" , exposición organizada por Murdo Ortiz en en el Colegio Oficial de Arquitectos de Granada, donde tuve el honor de compartir espacio con una buena muestra de artistas emergentes cuya obra considero más que respetable. Actualmente vivo en Granada y estoy trabajando en mi proyecto fin de carrera en el que toco técnicas de grabado y sistemas de estampación nuevos para mi, pero me centro principalmente en el grabado en relieve y más concretamente en la xilografía a contrafibra de pequeño formato”.
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La cruz de Caravaca. Xilografía a 4 tintas, plancha perdida de DM . 20x30cm.
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GRABADO/ PEDRO CABALLERO Inquietudes, preferencias estilísticas. Mis fuentes de inspiración indirectas son muy diversas. Desde las obras maestras de la historia del arte occidental hasta el arte bruto, el graffiti o el tatuaje más recientes. Mi principal medio de expresión es el dibujo y mis influencias formales más directas son dibujantes y grabadores. Últimamente me siento especialmente fascinado por la obra gráfica de artistas del norte de Europa de los siglos XV y XVI, como Martin Schongauer, Albrecht Dürer o Hans Baldung Grien; así como por xilografías de los expresionistas alemanes de la primera mitad del siglo XX y las Pinturas Negras de los grabados de Goya. A nivel conceptual mis fuentes suelen ser bastante más actuales; pudiéndose apreciar en buena parte de mis dibujos y grabados herencia de la subcultura punk y Do It Yourselfy las secuelas de haber crecido en un medio saturado de publicidad y dosis diarias de televisión. Vemos un gran repertorio que va desde personajes de fantasía, pasando por copia de maestros con modificaciones hasta llegar a tu estilo personal, caracterizado por los volúmenes a partir de la modulación de la línea, ¿en qué tipo de trabajo te sientes más cómodo? ¿A qué artista dentro de la historia del arte o de la actualidad invitarías a cenar a casa? Mi tendencia natural ha sido hacia trabajos figurativos monocromos, con tendencia al claroscuro tanto con técnicas secas como húmedas y en formatos pequeños; pero hace más de un año que desarrollo una línea de trabajo más sintética y plana, donde el claroscuro pierde protagonismo o desaparece por com pleto y me estoy aventurando en la pintura mural a rodillo y brocha con pintura plástica, con formatos mucho mayores a los que venía utilizando. Invitaría a cenar con la esperanza de tener una sobremesa productiva y hacer alguna cosa a medias con unos cuantos artistas de la Historia del Arte. Estaría bien hacer un dibujo compartido con Dürer o Martin Schongauer, aunque me dejaran en evidencia. Tampoco estaría mal un linóleo a medias con Kirchner. Y puestos a pedir cosas imposibles, aunque excedieran el tiempo de la sobremesa más larga, hacer una plancha perdida con Picasso o pintar un murito con Goya también me haría ilusión. 24·ARTE ACTUAL
Centrándonos en la parte del grabado y la estampación notamos una gran destreza con las planchas perdidas y la utilización de varias tintas en un mismo trabajo. ¿Cuánto tiempo llevas trabajando sobre estos recursos plásticos? En cuanto a las planchas perdidas agradezco que aprecies mi destreza técnica. Sólo he realizado dos en mi vida, las dos que has podido ver en mi blog. Ambas las hice en el taller de xilografía de la Facultad de Bellas Artes de Valencia en los primeros meses de 2012, empleando una semana aproximadamente para tallar y editar cada una de ellas. ¿Qué tipo de metodología sigues a la hora de elaborar un proyecto? A la hora de elaborar un proyecto soy algo caótico, al menos en la fase inicial. A veces realizo bocetos según me va apeteciendo y cuando tengo unos cuantos entre los cuales pueda establecerse una relación coherente, sigo trabajando en esa línea dada; elijo una técnica que me resulte agradable y que considere la más acertada para producir las imágenes definitivas y reinterpreto los bocetos seleccionados con la técnica elegida. Otras veces el proceso es a la inversa; elijo una técnica y hago los bocetos pensando en que se adapten lo mejor posible a las características expresivas propias de la técnica a utilizar. Generalmente el concepto surge a posteriori, como consecuencia de la imagen, antes que ser la causa de esta. Pero tampoco es siempre así, en alguna ocasión los conceptos sugeridos por la lectura de un libro o alguna película son desencadenantes del proyecto.
Para aquellos que no conocen muy bien el grabado y la
estampación podemos decir que son técnicas que, comparadas con la ilustración o el diseño gráfico se quedan “algo obsoletas”, debido a que la era tecnológica predomina ante este tipo de manifestaciones. Algo curioso es que cada vez son más los jóvenes interesados en estos procedimientos y la demanda es mayor en las enseñanzas universitarias. Pero algo que nos estaremos preguntando si nos referimos al mercantilismo artístico es: ¿el sector público y el privado adquieren este tipo de obras?, o es algo “novedoso” que puede tener menos valor que una pintura o una escultura. Cuéntanos cómo es en tu caso. Desde la aparición de los medios de reproducción fotomecánicas a finales del siglo XIX, las técnicas manuales de grabado y estampación comenzaron a pasar a un segundo plano como técnicas de reproducción y difusión de imágenes, quedando totalmente antiguas para esa función en el momento actual de florecimiento de la tecnología digital. Pero es precisamente en esa etapa de declive como medio de reproducción cuando se produce su mayor auge en la creación de obra gráfica original, auge que en mi opinión llega hasta nuestros días. No puedo hablar con certeza de lo que ocurre en las altas esferas del mercado del arte contemporáneo, si se demanda más pintura o más grabados; aunque mi impresión es que la obra gráfica vive un buen momento. En mi caso, el noventa por ciento o más de las obras que he vendido han sido grabados; sobre todo linóleos y alguna xilografía y excepcionalmente, dibujos. De todas formas el mío no es el caso más representativo de nada, pues casi toda mi producción son grabados y contados dibujos y esculturas. No suelo pintar más que en muros. ¿A qué te gustaría dedicarte cuando acabes la carrera? ¿Trabajarías por libre o para una empresa? En el caso de que te decantases por el arte qué elegirías, ¿estilo digital o tradicional? Me gustaría trabajar por libre en proyectos personales, dedicarme al dibujo y el grabado en relieve. Si decidiera dedicarme al diseño gráfico o la ilustración por ser formas de ganar un sueldo más viable que el grabado, me decantaría por procedimientos digitales, mucho más rápidos y eficientes.
Aunque eres alumno de Bellas Artes y utilizas el aula de grabado, ¿trabajas en casa o tienes estudio propio? No tengo estudio propio. Suelo preparar y tallar las matrices de grabado en mi casa y utilizar el taller de grabado únicamente para editar y estampar pruebas, siempre que sean procedimientos directos. Cuando hay que insolar o morder con ácidos uso las instalaciones de la Universidad.
Tres linóleos pertenecientes a una serie de cinco planchas. 34 x 34 cm. ARTE ACTUAL·25
JOSEP ALFARO DISPAROS DIFERENTES “Nací en Bellreguard (Valencia) en 1978. En cuanto a la fotografía soy de formación autodidacta. Mi primera cámara fue una compacta de Canon, imagínate... pero empecé pronto a necesitar explorar más y así fue como empezó todo. Me apunté a algunos cursos/workshops de iluminación, retrato, etc”. Informático de formación, nuestro artista ha invertido mucho tiempo de su vida en saber observar y capturar aquellos momentos que quedarán en la memoria. Cansado de la estereotipada visión de la fotografía, Josep Alfaro inicia su trayectoria fotográfica como fotógrafo en encargos nupciales, mostrando al cliente un producto bastante novedoso en nuestro país: la libre disposición de los personajes en los eventos. Una etapa de especial interés es la que inicia en el sector de la moda, en la que vemos una gran personalidad y un derroche de ingenio y creatividad.
Hemos visto que tu formación académica poco tiene que ver con el arte ¿Cómo llegaste al mundo de la fotografía? Fue un poco de casualidad, ayudando a un amigo en su trabajo, como asistente, empecé a hacer sesiones por mi cuenta y poco a poco, sin percatarme, ¡estaba trabajando! Háblanos de tus inicios como fotógrafo. Como todos los inicios, fue duro, sobretodo preparar un portfolio decente para mostrar en las agencias, donde siempre me decían que no, o el típico: ¡si acaso ya te llamaremos! (risas) Así que disparé mucho sin cobrar hasta tener un portfolio más o menos decente y alguien confió en mí.
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Tus primeros reportajes fueron de boda, cuéntanos cómo fue esa etapa. ¿En quién te inspiraste? Mi primer referente fue Jorge, el amigo con el que trabajo, pero luego fuimos puliendo nuestra forma de contar las bodas más al estilo americano sin los artificios a los que en esa época se estaba acostumbrado. ¿Cuáles han sido y cuáles son tus referentes en el ámbito profesional? Referentes en la actualidad hay muchos, no es como antes que sólo se tenía a los clásicos...me inspiró en mucha gente incluso en gente que no es TOP! Por citar algunos...me encanta Camila Akrans, Txema Yeste, Ellen von Unwerth, etc.
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FOTOGRAFÍA/ JOSEP ALFARO
Estamos acostumbrados a ver unos cánones en cuanto a poses, iluminación, elección de escenarios en los que imaginamos dónde nos van a fotografiar el día de nuestra boda, debido a que todo parece ser siempre igual. ¿Rechazáis esa estética? Si...nosotros sólo contamos lo que pasa, es nuestra visión a modo documental de ese día, sin forzar nada, pero con una estética cinematográfica. Nos parece realmente interesante tu propuesta en el campo de la moda ¿qué te impulsó a interesarte por este sector? Me gusta fotografiar gente, me atrae mucho la posibilidad que le aporta la moda a la fotografía de contar e inventar cosas. ¿Trabajas para alguna revista actualmente? ¿y por libre? ¿te gustaría exponer tus obras o prefieres que se incluyan solamente en proyectos de diseño gráfico, tales como revistas y carteles? Trabajo para varias revistas y también por libre... ahora el mercado editorial, no suele tener fotógrafos en plantilla y se aceptan muchas contribuciones. En cuanto a exponer... siempre que lo he hecho, ha sido un proyecto personal, como lo fue transient (una visión del backstage de pasarela).
¿Con qué diseñadores has trabajado?, ¿con cuáles te gustaría trabajar? He trabajado con artistas como Francis Montesinos, Dolores Cortés, Juan Vidal... No tengo ninguna preferencia, pero me gusta mucho lo que hace Oscar de la Renta. Si tenemos en cuenta tu trayectoria profesional como fotógrafo podemos decir que te iniciaste en la fotografía documental de boda de una forma no convencional, pa- sando después por las sesiones fotográficas de moda, siendo atrevidas y potentes a nivel plástico. Pensando en el futuro, ¿considerarías como vía de trabajo la fotografía como expresión artística? Es muy difícil mantenerse solo como expresión artística...me gusta poder vivir de lo que me gusta, aunque para eso tengamos que hacer trabajos más comerciales...para eso siempre están los proyectos personales que uno lleva a cabo, para probar cosas y seguir creciendo. Recuperando la idea de que te iniciaste en el campo de la fotografía de manera autodidacta hace unos años, ¿le darías algún consejo a alguien que está comenzando? Si, que haga fotos hasta que le duelan los brazos (risas).
En cuanto a la elaboración de una sesión de fotos para un diseñador o artista, ¿te dan libertad a la hora de elegir poses, modelos y escenarios? Siempre es un trabajo en equipo, en el que el fotógrafo hace un poco de director de orquesta. Pero para una editorial por ejemplo, se parte de una idea que luego se pule con el resto del equipo (make-up, estilismo, diseñador, etc.)
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DIME CÓMO ES TU PORTFOLIO
Y TE DIRÉ CÓMO TRABAJAS
El portfolio es un elemento de difusión de la producción del artista en el que se da una buena imagen de cara a la persona interesada. No hace mucho tiempo los diseñadores sólo podían imprimir una a una sus páginas, configurando ellos mismos su muestrario. El inconveniente de este procedimiento es que poseían pocas soluciones gráficas. Todo cambió con la revolución tecnológica en la que existe una variedad inabarcable. Por tanto hemos pasado de un portfolio que únicamente podía ser impreso a recursos web, trabajos animados, archivos en disco, monográficos y un largo etcétera. Teniendo en cuenta la variedad de materiales y recursos de los que disponemos nos encontramos ante un cliente, espectador o empresa muy exigente, donde no existe la regla del “todo vale”, sino que lo que se tiene más en cuenta en términos de arte gráfico es la creatividad e imaginación del artista, tanto en la producción de su obra como de su portfolio. Lo ideal ante esta realidad que nos ocupa es tenerlo en diferentes formatos para que se ajuste al tipo de destinatario. El portfolio es un reflejo de ti mismo en el que muestras tu metodología, tu creatividad y calidad artística. Si es la primera vez que realizas un portfolio conviene que lo trates como un trabajo más para que durante el proceso todo fluya y no sufras un bloqueo creativo. Es por tanto por lo que el proyecto debe ser abierto y modificable y tienes que divertirte haciéndolo.
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Si tienes poco material puedes realizar diseños ficticios para incluir en el portfolio o, incluso, proponerle a personas conocidas o a una empresa diseñarle su imagen corporativa, o cualquier diseño que se te ocurra. En cuanto a las recomendaciones generales es imprescindible contar con una portada que impacte, ya que va a ser el foco de atención que hará que la persona se interese por él. La parte interior de nuestro portfolio debe ser amena para el examinador. Para ello es de vital importancia tener una buena limpieza, un orden temático y una cohesión estética. En el caso de que tu producción sea muy extensa debes reducir su número en torno a cinco o seis piezas de cada estilo. Con ello el espectador tendrá la sensación de encontrarse ante un diseñador versátil. Otro factor que influye en el interés del examinador es la muestra del proceso de algunas de las obras, junto a explicaciones en la parte inferior. Algo que da muy buena impresión es una presentación muy cuidada. Este es uno de los factores más importantes de todo el proceso. Una posibilidad puede ser mostrar el proyecto dentro de una carpeta sofisticada que incluya una funda para insertar el currículum, un pequeño tarjetero donde meter tu tarjeta de visita y un porta cd para incluir el mismo portfolio pero en versión electrónica. Otra opción es hacerlo completamente digital.
BEHANCE. Tendremos acceso a una de las comunidades creativas más importantes del mundo, que agrupa a fotógrafos, diseñadores, ilustradores y más. Creando nuestro perfil podemos subir nuestros trabajos, y contactarnos con otros usuarios. Compartir y descubrir son las dos consignas principales de este sitio. Las funcionalidades para explorar son muy interesantes, pero la clave está en que otras personas pueden ver nuestro trabajo sin que necesariamente tengamos que hacer acciones para que eso suceda. CARBONMADE. Con una estética que se aproxima más al cartoon, Carbonmade es una opción más distendida para crear nuestro portfolio online. No requiere conocimientos previos de HTML, y cuenta con una interfaz muy simple que nos permite subir rápidamente nuestro trabajo al sitio. Es una opción ideal para ilustradores o artistas que quieran dar a conocer su trabajo. Y es completamente gratuito, con una importante cantidad de funcionalidades para aprovecharlo al máximo. DEVIANART. Se trata de una de las comunidadesmás antiguas de artistas que existe en la web, aún antes que Behance se posicionara como una de sus competencias más importan-tes. Está más orientado a artistas, con un perfil con menos opciones de personalización. Pero como Behance, tenemos el acceso
a nuestro portfolio de la comunidad de artistas que además nos pueden dejar feedback de nuestro trabajo. Aunque eventualmente construyamos un sitio, o nos movamos a otras redes de artistas, un perfil en DeviantArt es fundamental. DRIBBBLE. Es una plataforma creada específicamente para diseñadores, con una comunidad creciente de usuarios, que persigue la misma lógica que Behance y DeviantArt. Pero además, una de sus funcionalidades más interesantes es que cuenta con una cartelera de empleos –aunque están bastante limitados geográficamente, se pueden encontrar oportunidades freelance-. De hecho, Dribbble es más bien una comunidad para que los diseñadores intercambien oportunidades laborales y los otros usuarios, que pueden ser recruiters de compañías y agencias, encuentren la persona que están buscando. Pero, además, en el medio podemos crear un portfolio atractivo sin tener que hacer una inversión considerable. Portfolios de algunos artistas: http://www.advlemmix.com/ http://www.krijtenberg.nl http://www.cameronrad.com/
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MÁS INFO: HTTP://WWW.ASPEX.ORG.UK/EVENTS/EMERGENCY6/
REVISTA UNIVERSITARIA