Revista café by Anthony Gil

DIRECTORIO Primer articulo: García. C., Gonzáles.K., Ponce.H., Rodríguez.C. Segundo articulo: Morales.V., Ortiz.C., Sierra.M. ,Natareno.E., Cano.L. Tercer articulo : Hernández.A., Casasola.M., Martinez.D., Leal.M. Cuarto articulo: Estrada, L., Cardona, M., Montiel, E., López, S., López, A. & Del Cid, M. Quinto articulo: Reyes, A., P into, A., Caná, J. & Camey, P. Sexto articulo: Interiano.A.

Dirección general, diseño y diagramación Renata Calderón Gómez Catalina Medrano Laynez Contenido Ensayos del curso de Filosofia del Diseño 2015 Portada Catalina Medrano Laynez Contra portada Renata Calderón Gómez

La idea de la revoluci贸n moderna

La revista café en su edición 2015, presenta artículos con temas filosóficos, piezas de diseño enfocadas a la temática abordada en cada articulo presentando al final un diseño enriquecido con filosofía, arte y diseño. Esta diseñada por estudiantes del octavo ciclo de la escuela de diseño gráfico, con la intención de brindar una fuente de referencia visual y creativa a los estudiantes de la facultad de Arquitectura.

Por: García. C., Gonzáles.K., Ponce.H., Rodríguez.C.

Aporte y trascendencia

Filosófico del arte POP ART a la cultura visual

os movimientos y corrientes artísticas y de comunicación visual han sido a lo largo de la historia la forma de expresión sobre lo que acontece en las sociedades, o todo lo contrario, una forma de dar vuelta a las expresiones antagónicas como la guerra. El caso del Pop Art describe específicamente un intento de renovación y reivindicación a favor de las expresiones idóneas para todo público, luego del surgimiento del expresionismo abstracto, que era clasista y estaba compuesto por intelectuales que no estaban cerca del desarrollo post – guerra. Era una corriente visual que pretendía ser entendible y extenderse hasta la persona común, se caracterizó por utilizar temas y técnicas basadas en los recortes, superposición y el uso de medios de comunicación masiva. Era de fácil consumo debido a que sus precursores llevaban buenas relaciones interpersonales y lograron difundir a lo largo de Estados Unidos y Europa, el mensaje de reivindicación de los periódicos, comics, televisión y figuras populares de culto.

era un deber manifestar los cambios surgidos a raíz de la Segunda Guerra Mundial y el inicio de la Guerra Fría. Su representación podría parecer fría, sin embargo, conlleva una serie de limitantes que definen a los verdaderos artistas y pensadores del tema, de los aficionados a la aplicación relativa de información.

Es un movimiento que representa las grandes ciudades, sin tocar en ningún momento lo natural por concepción. Su fin es sin duda estético, pero sobre todo, para criticar las sociedades de consumo. De hecho, el término “Pop” se concibe a partir de lo “popular” y particular objetivo. Lo que se vivía para entonces era una situación inentendible para los intelectuales, por lo que 6

Es un lenguaje

realista

y figu-

rativo

El pop art es un movimiento del siglo pasado se caracteriza por utilizar imágenes populares desde medios de comunicación, sin embargo no es su única característica, existen varios aspectos dentro de este arte que serán analizados. La realidad objetual es evidente, esta corriente rechaza totalmente el expresionismo abstracto y busca devolver la realidad del mundo y sus objetos en sus artes. A esto se suma el lenguaje realista y figurativo muy característico de esta corriente, tanto como las ideas de esa misma época, en algunos artes se hace presente incluso el lenguaje onomatopéyico que no necesariamente es contemporáneo. Se trataba también de un pensamiento socialista y cultural, que se presentaba en revistas, periódicos, comics etc. básicamente artículos que eran de consumo social; la crítica no se hacía presente, este movimiento filosofaba sobre sus pinturas como sencillos "motivos", lo que fundamentaba el objetivo de las piezas. La palabra "pop" era frecuente en fotografías, folletos, anuncios, carteles y

utilizaban escenas eróticas pero escondidas entre una gran cantidad de imágenes con objetos o elementos. Entre los objetos de uso cotidiano y domésticos aparecían fotos de personas semidesnudas o totalmente desnudas, en algunos se observaban imágenes de Mangas, que son comics japoneses en donde el erotismo y la sexualidad se llevaban a niveles exuberantes. La siguiente característica se puede definir como "Tratamiento pictórico de forma no tradicional: aunque el lenguaje es figurativo y representa objetos reales, no se concentra exclusivamente en sus cualidades formales, sino que las combina con sus cualidades abstractas intrínsecas gracias al empleo de imágenes familiares y fácilmente reconocibles". (A little of pop art, 2011). Es decir que esta corriente tenía un sentido significativo en cuanto a la representación de los objetos que presentaba, una mezcla de lo real con lo abstracto, lo racional y lo emocional, ambos conceptos se podían percibir en las artes. Combino gráficamente en las composiciones de sus obras materiales reales como botellas, integrándolos a un ambiente radical, de protesta, de fantasía y que pone a juicio cualquier tipo de expresión tradicional tal como el dadaísmo. El pensamiento de esta corriente se enfocaba en los status social

contemporáneo, como la violencia, la fama, tragedias, sexualidad, erotismo, etc. y como se mencionó anteriormente la sociedad del consumo. También se caracterizaba por figuras ampliadas y a su escala por naturaleza, utilizaba figuras planas y e iconos estilizados. Los objetos cotidianos eran utilizados en fotografía tanto como en esculturas, mostrando la cotidianidad con la que se vivía, en diversas obras se presentaban productos de limpieza, cigarrillos, planchas, lámparas, refrigeradores, televisores etc. Otra inspiración del pop art eran las figuras famosas del momento, entre ellos John F Kennedy,

Michael Jackson, Mao Tse Tung, etc. se veían combinaciones de los rostros de los famosos aplicados a estatuas y esculturas públicas. En cuanto a las técnicas empleadas, esta corriente buscó mezclar diferentes objetos y elementos aplicándoles diferentes texturas y una paleta de colores puros, fluorescentes brillantes y encendidos que contrastaban de gran manera, que desafiaban lo tradicional, acabados llamativos eran característicos del pop art. Como técnicas de realización era común utilizar desde silkscreen, o serigrafía, que es un método de impresión de patrones por medio de presionar pintura sobre un tipo de maya o película delgada hacia papel o tela, hasta el empleo del óleo. Sin embargo también se hizo popular la producción masiva, mostrando ironía e irreverencia ante una nueva sociedad de la industria empleaban fotografías y collages. 7

“En sus obras los rasgos expresionistas se eliminaron de manera progresiva hasta reducir su trabajo a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, que hacía evidente el mundo del consumo.” (Pop art 2010). Las técnicas utilizadas son de yuxtaposicion de varios elementos, como la cera, óleo, pintura plástica, junto con materiales de desecho como fotografías, trapos viejos, collages, y assemblages. Esta corriente se sirve de objetos industriales principalmente como los carteles, embalajes etc. Utiliza también imágenes populares con una diferente perspectiva que logra una postura estética o una crítica acerca del consumismo, así también se hacen presentes elementos retro como nuevos que son muy característicos de la postmodernidad. Esta corriente presentó además esculturas, tiras de comic, latas de sopa, etc. Se utilizaban materiales como el poliéster, la pintura acrílica, y la goma espuma como elementos para realizar piezas, las cuales iban cargadas de ironía e irreverencia frente a la sociedad que cada vez era más industrializada. El mecanismo que utiliza fundamentalmente este movimiento es la serigrafía, “debido a la evolución de técnicas, aquellas muestras alcanzaron la

máxima despersonalización, cuando pasó a utilizar como método de trabajo un proceso mecánico de serigrafía, con esta tónica de trabajo reprodujo sistemáticamente mitos de la sociedad contemporánea.” (Pop art 2010). Las técnicas utilizadas son de yuxtaposicion de varios elementos, como la cera, óleo, pintura plástica, junto con materiales de desecho como fotografías, trapos viejos, collages, y assemblages. Esta corriente se sirve de objetos industriales principalmente como los carteles, embalajes etc. Utiliza también imágenes populares con una diferente perspectiva que logra una postura estética o una crítica acerca del consumismo, así también se hacen presentes elementos retro como nuevos que son muy característicos de la post-modernidad. Esta corriente presentó además esculturas, tiras de comic, latas de sopa, etc. Se utilizaban materiales como el poliéster, la pintura acrílica, y la goma espuma como elementos para realizar piezas, las cuales iban cargadas de ironía e irreverencia frente a la sociedad que cada vez era más industrializada. El mecanismo que utiliza fundamentalmente este movimiento es la serigrafía, “debido a la evolución de técnicas, aquellas muestras alcanzaron la máxima despersonalización, cuando pasó a utilizar como método de trabajo un proceso mecánico de serigrafía, con esta tónica de trabajo reprodujo sistemáticamente mitos de la sociedad contemporánea.” (Pop art 2010).

Utiliza un material símil, que es una fina malla que la pintura logra atravesar para plasmar sobre papel o tela, la pintura se aplicaba en tonalidades contrastantes y llamativas. La malla para la serigrafía y el papel deben ser fijados a un marco para asegurar que no se muevan durante el proceso de impresión. La tinta es colocada en el marco sobre el borde inferior y aplicada a la malla usando una escobilla de goma para obligar a la tinta a pasar a través de cada uno de los orificios abiertos de la malla. Esta forma de impresión era importante, ya que dotaba de imperfección a lo estético, reafirmando que el arte pop es humano, irreverente y rebelde. Como característica del pop art se presentaban los patrones con imágenes o símbolos estilizados o sin expresión, para esto se utilizaba la técnica del sellado acompañado de la serigrafía. Las técnicas artísticas de serigrafía para la creación de un patrón incluyen el sellado de áreas que no puedan ser coloreadas con la tinta. Cada vez que una tinta de color es aplicada sobre una pantalla, se debe utilizar una nueva malla. Las áreas de la pantalla que no deben ser coloreadas por una cierta tinta pueden ser selladas manualmente o a través de un proceso químico. El proceso de sellado manual se realiza mediante la unión de esténciles de papel o de papel de aluminio sobre la pantalla para evitar que la tinta penetre estas áreas.

arte pop utilizaron tinta a base de aceite. En las técnicas modernas se utilizan más comúnmente tintas a base de agua las cuales son menos tóxicas que sus homólogas que están hechas a base de aceite. La técnica original de serigrafía requiere que la pantalla de la malla sea fabricada partir de la seda, pero las pantallas de serigrafía que se fabrican actualmente están hechas con materiales sintéticos más baratos, como el nailon y poliéster.

Las primeras técnicas de serigrafía para el 9

de color que son forzados a atravesar la malla con tres propósitos principales para la serigrafía. En primer lugar, es para crear tonos de un color o de color para teñir los espacios más grandes que quedan entre los puntos de color para suavizar la sombra sin tener que cambiar las tintas. El segundo uso de medios tonos es para graduar a un color desde oscuro a claro mediante el aumento de la distancia entre los puntos de color sobre la pantalla de serigrafía. Por último, mediante la colocación de bloques de color y la superposición de medios tonos crean la ilusión de que diferentes colores pueden ser creados dentro de un diseño serigrafiado estampado. 10

““La filosofica pop representa dos cosas: una

exotirica y una filosofia que piensa a trave de objetos de la cultura pop.” filosofia

LDFLounge, 2011).

El nacimiento de esta tendencia fue a partir de la necesidad de contar historias propias de las sociedades establecidas en la época e inicios de los años 50, cuando al entrar a la Guerra Fría, muchas de las culturas habían requerido cambios. La desolación vivida a través de la Segunda Guerra Mundial fue devastadora y dejó un espacio de intercambio que solo se podía ejecutar a través de las artes. La influencia de las inteligencias de diversos países logró converger en una forma que no fue idónea: el expresionismo abstracto. “El Pop art, al inspirarse en las imágenes de la publicidad y al ser ovacionado por un público de masas, encantado de reconocer objetos corrientes en los cuadros y de ahorrarse el esfuerzo que representaba la interpretación de las obras del expresionismo abstracto, se vio en una situación que hacía difícil comprender su carga de ironía y de ambigüedad.” (El Arte de las Vanguardias, 2013). La constante aplicación de imágenes que

las personas veían en sus alrededores y en las calles generó una tendencia a acatar más los espacios personales y cotidianos para tener estética. La fascinación que ejerció sobre todo en los estadounidenses fue tal que desbordó los estandartes en cuanto a ejecuciones artísticas en espacios públicos, además de nostalgia por las influencias de su juventud, del desasosiego para ejecutar sus tareas y lo que era congruente en las vidas de todos. El pop art ejerció una influencia de igualdad en materia de memorias objetivas.

La tipografía convertida en

POR: Argueta, P., González, A., Interiano, A., Pérez, K. & Cruz, M.

l diseñador gráfico Martin Salomón, definió la tipografía como: "el arte de producir mecánicamente letras, números, símbolos, y formas con la ayuda del conocimiento de los elementos, los principios y los atributos esenciales del diseño" (The art of Typography by Martin Solomon, New York, 1986). Por ello se profundizará en aspectos importantes de la historia del arte, evidenciando que la tipografía es el reflejo de una época, que ha sido de utilidad para dinamizar y propagar las corrientes artísticas, así también como la experimentación de los movimientos artísticos han servido para descubrirle nuevos caminos a la tipografía. A lo largo del desarrollo de la tipografía, los tipos móviles establecieron una gran innovación en la época del Renacimiento, ya que desde allí el arte de imprimir se difundió rápidamente. Con Johann Gutenberg quien realizó grandes aportes para la tipografía junto con el diseño editorial, se empezaron a diseñar y vincular varios tipos de letra que se iban generando según las necesidades de cada diseñador. Muchos de los trabajos más impresionantes del siglo XVIII representan un real avance técnico, provocando tendencias que aportaron bases fundamentales en el área del diseño gráfico que hoy en día conocemos, esta tendencia comenzó con los serifs artificiales en las romaines du roi de Grandjean, a estos tipos barrocos se les denominó "de transición", llamados de esa forma porque esta época fue un paso intermedio hacia el neoclasicismo. También se hicieron mejoras en las piezas fundidas y 12

en los ajustes de los tipos, uno de los personajes más innovadores fue William Caslon, quien diseñó tipos que poseían una gran legibilidad, adoptó la ideología del Barroco y esto lo reflejaban sus tipografías. Otro personaje innovador fue John Baskerville quien se involucró en lo que actualmente conocemos como el diseño editorial, ya que le interesaron todas las facetas del proceso de elaboración de libros, realizó un mejoramiento en la prensa, logró que la superficie del papel fuera más consistente, provocando una impresión superior para la época, ya que las tintas utilizadas eran de mayor calidad, dichos aportes brindaron un gran avance para la sociedad. Baskerville diseñó tipos con carácter neoclásico, Baltazar, F. (2013) expresa que la filosofía de esta época dependía de un arte orientado a un sentido racional, estando en contra de la abundancia de adornos, formas onduladas y extravagantes utilizadas en el Barroco Estos cambios de movimientos se dan porque habían personas que no estaban de acuerdo con la filosofía impuesta de la corriente artística, por lo que se oponían y se avocaban a un pensamiento que expresará su ideología, buscaban un movimiento que les sirviera de inspiración. Como el neoclasicismo que le da énfasis a la ilustración y se vuele a las características greco-romanas donde se valoraban las manifestaciones humanas, o también establecían nuevas tendencias, esto se evidencia a lo largo de la historia del arte. Por ende la tipografía de esta época se reduce a las normas e ideologías racionales establecidas por el neoclasicismo, cabe mencionar que se desvincula totalmente de la caligrafía procedente del período Barroco. Según Bann, D. (2008) la modulación era casi vertical, se puede evidenciar el aumento de los contrastes en los trazos y aparecen los trazos que

la historia del arte, evidenciando que la tipografía es el reflejo de una época, que ha sido de utilidad para dinamizar y propagar las corrientes artísticas, así también como la experimentación de los movimientos artísticos han servido para descubrirle nuevos caminos a la tipografía. A lo largo del desarrollo de la tipografía, los tipos móviles establecieron una gran innovación en la época del Renacimiento, ya que desde allí el arte de imprimir se difundió rápidamente. Con Johann Gutenberg quien realizó grandes aportes para la tipografía junto con el diseño editorial, se empezaron a diseñar y vincular varios tipos de letra que se iban generando según las necesidades de cada diseñador. Muchos de los trabajos más impresionantes del siglo XVIII representan un real avance técnico, provocando tendencias que aportaron bases fundamentales en el área del diseño gráfico que hoy en día conocemos, esta tendencia comenzó con los serifs artificiales en las romaines du roi de Grandjean, a estos tipos barrocos se les denominó "de transición", llamados de esa forma porque esta época fue un paso intermedio hacia el neoclasicismo.

También se hicieron mejoras en las piezas fundidas y en los ajustes de los tipos, uno de los personajes más innovadores fue William Caslon, quien diseñó tipos que poseían una gran legibilidad, adoptó la ideología del Barroco y esto lo reflejaban sus tipografías. Otro personaje innovador fue John Baskerville quien se involucró en lo que actualmente conocemos como el diseño editorial, ya que le interesaron todas las facetas del proceso de elaboración de libros, realizó un 13

Después de la caída de Napoleón los artistas no tardaron en cambiar sus ideas hacia el Romanticismo y el Neoclasicismo fue abandonado. Se estableció una ruptura con la tradición, los seguidores de este movimiento buscan una libertad auténtica, donde le dan énfasis a los sentimientos y a la concepción de la naturaleza, la vida y al hombre mismo. Durante dicha época se desarrollaron unas variaciones de estilo a los tipos romanos que tenían un uso editorial, con el enfoque ideológico del Romanticismo. En este siglo se crean las tipologías Finas, Negras (según el grueso del palo), las Estrechas y Anchas (según el ojo de la letra), también se distinguen tres familias genuinas: las Egipcias, las Antiguas, grotescas o góticas y la escritura Inglesa.

"La letra orlada es la característica de la época romántica. Son caracteres de época donde la anécdota, el rasgo de pluma, el dibujo sentimental predominan claramente". (Martínez, F. 2013).

Este tipo de caracteres se emplearon en los carteles publicitarios de esta época. Eran caracteres romanos muy decorados y con elementos vegetales. Una consecuencia del movimiento es que vuelve un interés por lo Gótico, influenciado por un gusto medievalista, esto se puede evidenciar en los carteles fechados en las últimas décadas del siglo XIX. Toulouse-Lautrec se interesó por los trabajos de los impresionistas, quienes reaccionaron en contra del arte académico y establecieron un punto de partida al arte contemporáneo, tenían un interés por retratar la realidad. Lautrec fue el fundador de un nuevo género artístico: la imagen publicitaria y comercial. Desarrolló un estilo muy personal en el que se destaca la importancia que adquirió la tipografía en sus diseños. Se le consideró un pos-impresionista, quien es famoso por pintar

posters para burdeles o bares retratando a las bailarinas que trabajaban en esos lugares, se podría considerar como el iniciador del diseño grafico. Con la Revolución Industrial se generó un impacto dramático en las artes gráficas y en la tipografía; el proceso de impresión se vio afectado por la nueva tecnología y los diseñadores respondieron con la creación de nuevas formas e imágenes. Los tipos hechos por Bodoni y Didot se adaptaron a las restricciones de la naciente industrialización. Un personaje que estaba en contra de la industrialización y que influenció en la historia de la tipografía fue William Morris, quien fundó la Kemscott Pres, una imprenta artesanal. Morris adoptó la ideología del movimiento arts and crafts fundada por John Ruskin, pero él la hizo práctica por lo que fue nombrado como un máximo exponente del movimiento, donde

se pretendía rescatar la importancia de lo artesanal frente a la creciente mecanización y la producción en serie. Los últimos años de su vida los dedicó a la invención de nuevas tipografías de reminiscencias góticas como los tipos Chester, Troia y Dorato. En esta época aparece la tipografía ornamentada donde se observa más trabajo en su elaboración, la composiciones tipográficas son simétricas y ordenadas, utilizando la ornamentación principalmente en letras mayúsculas. También produjo pequeñas tiradas de algunos de los libros más cuidadosamente elaborados de toda la historia, generando gran

influencia en las grandes editoriales comerciales de esa época. Este movimiento fue de gran influencia en el diseño editorial en la actualidad. Procedente del movimiento arts and crafts, surgió la corriente artística del art nouveau donde la tipografía se destaca por una desigualdad de la forma en relación con las curvas de la figura femenina. Por lo tanto predominan las líneas orgánicas y onduladas. Las tipografías que corresponden a los carteles de anuncios Art Nouveau se pueden calificar como fuentes de exhibición donde el texto se encuentra insertado dentro del anuncio gráfico, y no externo a él, como ocurría en los movimientos anteriores, se observa que son recurrentes los ornamentos y serigrafías con formas abstractas. El fin de esta corriente se generó con la primera Guerra Mundial y la caída de la monarquía en 1918.

El arte sigue avanzando a pesar de estos acontecimientos, de una u otra forma el pasado deja esos pequeños pasos para que en un futuro el diseño revolucione y tenga un sentido diferente, por lo que se siguen dando los movimientos de arte y esta vez será el expresionismo quien forma parte de una serie de movimientos de vanguardia en donde usan este titular para englobar su contexto. Este movimiento pretende expresar el mundo interior, la esfera emotiva o espiritual del artista y por este motivo el expresionismo es la tendencia en la que un artista tiende a distorsionar o deformar la realidad por efecto de las emociones. Este movimiento fue originado en Alemania en el siglo XX, alcanzando un desarrollo después de la primera guerra mundial y todo cobra sentido gracias al poco movimiento creativo durante la guerra y las obras generalmente muestran una inspiración violenta, espontánea, rebelde y muy apasionada. Buscaba representar la expresión en su estado más puro. Para ello, incurrió en el dibujo de formas simplificadas e incluso deformes, dejando a veces a un lado, la armonía y la representación de la belleza en su visión clásica. Así que, en términos generales, podemos decir que el expresionismo dejó atrás la preocupación por la belleza, con el objetivo de centrarse en interpretar la realidad que sucedía en esa época. Se daban a conocer piezas gráficas con elementos orgánicos. Las características elementales en su tipografía son: * * * * *

Uso de la técnica xilográfica. Tipografías gruesas sin mucha estética. Formas más simplificadas, grandes. Implementación de una sola tinta en sus tipografías. Letras con texturas

El cubismo se enmarca en una épica en la que la tipografía estaba experimentando un cambio radical. Las vanguardias hacen temblar los cimientos del arte y el diseño. Y la tipografía es un claro ejemplo de esta ruptura con los rígidos cánones del pasado. Diferentes movimientos artísticos de las vanguardias del siglo XX tocan de una manera u otra la tipografía. Todas ellas tienen en común la ruptura clásica de una página de libro: renglones rectos, alineados de forma uniforme, utilizando siempre la misma fuente en un mismo texto y escasas licencias en cuanto a la variación de estilo, color y tamaño de las letras en la página.

pluridisciplinarios como el dadaísmo o el futurismo. Pero de alguna forma si podemos observar que las bases del cubismo tiene un eco poderoso en posteriores vanguardias y por consiguiente en la forma en que estas tratan la tipografía: una composición mucho más libre, donde prolifera la experimentación formal. La letra es llamada a ser un elemento estético más, que expresa más allá del significado de la palabra. Otros autores cubistas se lanzan a la creación en collage jugando con palabras en sus composiciones. Juan Gris es un ejemplo representativo. Él mismo toma también la palabra “Le Journal” en un cuadro homónimo de 1916.

El cubismo, como movimiento eminentemente pictórico, no trata directamente la tipografía como lo pudieron hacer otros movimientos más

El Orfismo o cubismo órfico es el nombre dado en 1913 por el poeta Guillaume Apollinaire a la tendencia colorista y abstracta del cubismo parisiano que

exalta el color y la luz, emparentándolos con Orfeo, el personaje de la mitología griega que, por su sobrehumano manejo de la lira, representa la conjunción de la música y la poesía. Este movimiento se desarrolló entre los años 1913 y 1914. Una de sus características más notables es su forma de construcción espacial tomada del cubismo, mientras que del futurismo se apropió de la sensación de rapidez y fugacidad del colorido de sus formas circulares construidas a partir de colores puros y fuertes contrastes que parecen cobrar movimiento ante los ojos del espectador. El futurismo fue una vanguardia que buscaba reflejar el movimiento, el dinamismo, la velocidad, la fuerza interna de las cosas, la exaltación de la guerra, las máquinas, lo nacional y lo sensual y que todo fuese moderno. Este movimiento rompía con lo

tradicional, el pasado y el academicismo. Para lograr el efecto de movimiento se basaron en diferentes técnicas: vibrantes composiciones de color, el divisionismo ( heredado del neoimpresionismo), la abstracción y desmaterialización de los objetos (tomada del cubismo) y finalmente la multiplicación de las posiciones de un mismo elemento (objeto o persona) , realización de las líneas de fuerza intensificación de la acción a través de la repetición y la yuxtaposición de frente y dorso de la figura.

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Art Noveau

EL INICIO DE UNA NUEVA ÉPOCA EN EL DISEÑO

Por: Hernández.A., Casasola.M., Martinez.D., Leal.M.

A través de los años hemos visto como diferentes movimientos han influenciado en el desarrollo histórico de la humanidad, las tendencias o corrientes artísticas no son excepción a esto. En el presente ensayo se busca abordar el tema del Art Nouveau o Arte Nuevo y mostrar la influencia filosófica que ha tenido y la huella que ha dejado en la nueva época del diseño gráfico, ya que, más que ser un estilo artístico se le puede considerar como una nueva manera de ver las cosas. Pero ¿Cómo podemos demostrar la trascendencia que ha tenido el Art Nouveau en el campo filosófico y profesional del diseño gráfico? Desde los años 1800 hasta la primer Guerra mundial, los países europeos y Estados Unidos fueron testigos del nacimiento de un nuevo movimiento artístico, el Art Nouveau, arte que tomó por inspiración las formas presentes en el mundo natural. A raíz de esto, y en un periodo de constante modernidad, el Art Nouveau según menciona Rosales, M. (2009): “Quiso conseguir una autenticidad en la estética, buscando la manera de hacer arte con lo cotidiano, respetando lo tradicional para hacerlo moderno. Esto influenció en la arquitectura, en la literatura y también en las artes aplicadas como la ilustración, el diseño, la escultura, el trabajo en metal, etc.” El término viene desde 1895 cuando Siegfried Bing abrió una galería llamada “ 18

La Maison de L’Art Nouveau” que era una galería para el arte contemporáneo, esto generó una popularización tanto del nombre como del arte en sí (imagen 1). Alcanzó una audiencia mundial, debido a que favorece el consumismo, en especial con las vibrantes artes impresas como periódicos, ilustraciones de libros, carteles o posters (publicitarios e informativos), así mismo en las piezas de joyería. Debido a su presencia en todos los países de Europa, el art nouveau tuvo diferente nombre en cada región, esto permitió que se mantuviera como característica principal la inspiración en formas naturales y orgánicas del mundo natural, pero cada país utiliza estilos propios de cada región para poder mezclar estos con el art nouveau y mejorar el arte en sí. Esto generó un movimiento artístico que buscó siempre la autenticidad, evitando las corrientes clásicas y luchando contra el historicismo de la época victoriana; sin embargo, el movimiento es una emulación de ideologías y postulados que se fueron desarrollando como antecesores, principalmente el Arts & Crafts, creando así un nuevo estilo que tenía como objetivo la innovación.

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Aun así, el Art Nouveau no es el resultado únicamente de una historia exclusiva de Europa sino que también es la mezcla de algunos estilos orientales y clásicos que pretendían demostrar un quiebre con lo tradicional y lo viejo. Es por esto que el Art Nouveau se transforma en una corriente filosófica importante que influye no solo en el arte sino que también en cómo la arquitectura, el mobiliario y el diseño gráfico y de productos. Viéndolo desde un punto de vista filosófico, este arte hace uso de muchas formas y movimientos que eran parte del siglo XIX, los artistas de esta época consideraban que todas las artes y trabajos manuales debían ser tomados como iguales, accesibles y todos debían disfrutar del arte como tal: “se creía en hacer arte por el bien del arte” Pasando a discutir las características de movimiento podemos recordar lo dicho por Gaudí en 1880, todo sale del gran libro de la naturaleza; las obras de los hombres son ya un libro impreso. El Art Nouveau tuvo como objetivo modernizar el arte y diseño, tratando de escapar de los estilos históricos estáticos que previamente habían sido popular. Los artistas se inspiraron en ambas formas orgánicas y geométricas, diseños elegantes y evolucionados con fluidez, formas naturales con contornos más angulares. El movimiento se ha comprometido a abolir la jerarquía tradicional de las artes, tales

como la pintura y la escultura, para darle importancia a las artes decorativas a base de artesanía. Existían ideales de una liberación por medio de una creación de un arte nuevo que deje atrás la existencia de una diferenciación de clases, ya que pretendía que todas las artes fueran una sola gran arte. Las distintas ramas del diseño se encuentran a nuestro alrededor, en todo con lo que nos relacionamos día a día, como menciona Mucha: “Para muchos artistas lo esencial era que el arte afecta y unificar la vida de la gente, no sólo en las pinturas de aceite caro en las paredes de los ricos (…), sino en los objetos esenciales de su vida diaria, sus casas, muebles y vasos, los anuncios, cortinas e incluso rejillas de alcantarillado. Incluso puramente objetos funcionales”. A partir de ciertos estudios botánicos y biológicos se estableció la naturaleza como fuente primaria de inspiración, pretendían romper las cadenas con los estilos pasados, estas líneas fluidas pretenden trabajar como una metáfora para ese rompimiento o liberación de expectativas y críticas. En la contemporaneidad, se observa una tendencia que favorece las líneas rectas y simples. Pero la postura que el diseñador contemporáneo debe ser un criterio responsable en donde no escoja la tendencia orgánica o lineal en base a sus gustos personales y se incline por romper los estilos, desarrollando el propio. 19

Según De La Cuesta, M. (2011) el Art Nouveau es:

Una decoración naturalista de abundantes motivos de flores y animales que no eran meros adornos en los objetos, sino el medio para dar la forma. La función y el uso se convierten así en un placer estético.” Desde ese entonces, podemos encontrar un registro sobre la importancia que se le daba a crear algo que no solo fuera estéticamente agradable, sino que también cumpliera su función. En la actualidad, rescatar este pensamiento es darle fortaleza a la carrera, que esté codificado de acuerdo con el grupo objetivo al que va dirigido. En un mundo cambiante es importante adaptarse a las nuevas tecnologías y estar pendiente de lo que está pasando en el mundo del diseño, el Art Nouveau por su enfoque a la aplicación comercial, le dio su particular atractivo y duradera presencia. A pesar de ser una aplicación del arte, busca también ser comercial y de esa forma satisfacer y permanecer. Las piezas impresas que se crearon en esta época son consideradas como los primeros medios de publicidad y propaganda lanzadas, esto dio paso a un medio masivo de comunicación, al ser un tipo de arte nuevo; los artistas se 20

tomaban su tiempo para experimentar esta nueva forma. Las tipografías que se utilizaban eran basadas también en formas florales y eran hechas a mano alzada así como también las imágenes que se realizaban. (Imagen 2) Como hemos podido comprobar el Art Nouveau fue una corriente de liberación para el artista, pero ¿cómo podemos decir que influye tan intrínsecamente en el diseñador si es un movimiento artístico y tan natural? El aporte del Art Nouveau en el diseño gráfico resalta un cambio al mundo, el término Art Nouveau ya indica de por sí un espíritu de reforma, rebelión y libertad.

Nos transfiere esa corriente de pensamiento, no estar conforme con lo establecido y ser curiosos para encontrar nuevas soluciones. Si bien el diseño involucra más análisis que el arte, exige constantemente una capacidad creativa de innovar, crear lo aún no creado; a su vez, el principal objetivo es comunicar a través del arte, saber conseguir y aprovechar la inspiración, para luego crearnos un sello personal, características que fueron generadas por la base del Art Nouveau. Uno de los pensamientos generados por el Art Nouveau es que el arte o diseño no debería

ser analizado con parámetros tan rígidos como la ciencia o las matemáticas sino que nace del alma, pasando por la conciencia y transmitiendo su belleza en la vida. En la actualidad podemos afirmar que gracias a este pensamiento se generan los estilos propios que utilizamos los diseñadores, ya que nos mantenemos en una constante búsqueda de poder generar algo que nos represente, una característica particular que sea la firma de nuestro diseño. Intentamos ser innovadores no solo en nuestro conocimiento sino en lo que producimos como diseño y esta sigue siendo la chispa del Art Nouveau en nuestro gremio de diseño.

Este movimiento y las artes que proliferaron durante esta época abren las puertas hacia la producción industrial y los movimientos de comunicación masiva. Mostrando desde ese entonces el panorama de lo que sería el diseño hoy en día, una rama dirigida a las masas. La firmeza en lo que creían los pioneros del Art Nouveau los hizo alcanzar la libertad de pensamiento, dejando atrás las expectativas de los demás y de ese modo restarle importancia a las críticas. Llegaron a alcanzar una firmeza en lo que creían, esto es uno de los grandes legados que nos dejó el Art Nouveau, ya que, logra la individualidad y de

este modo también se busca evitar el plagio, debido a que al contar con un estilo de pensamiento y generar un estilo propio (que refleja ese pensamiento), se hace evidente cuando alguien más intenta copiar dicho estilo. La otra encomienda para la contemporaneidad de parte del Art Nouveau es que mostró a la mujer al natural, con sus curvas y su figura lozana. Este aspecto que pide

ser aplicado en la actualidad, para mitigar el exceso de retoque fotográfico. Al hojear una revista o catálogo, las modelos presentadas tienen las mismas características físicas, su morfología es similar, pero es una utopía. Las pocas campañas en donde se muestra la belleza de la mujer real, han sido recibidas satisfactoriamente. El diseñador gráfico debe de ser responsable del mensaje que va a transmitir. Se trata siempre de buscar la

originalidad, también se debe incluir eso en las fotografías, mostrando la diversidad morfológica que existe en el mundo. (Imagen 3) La tipografía utilizada también tenía relación con las curvas de la figura femenina. Predominaban las líneas orgánicas y onduladas, se utilizaban también motivos y la búsqueda de la asimetría en los caracteres, seguían de esta forma siendo fieles a su

principal inspiración, la naturaleza. Se buscaba la combinación de la imagen y la tipografía para que fuera armónico visualmente, en la actualidad no solamente se busca que se armónico sino que también sea funcional. Como su eje principal es la naturaleza, los colores que se utilizaban eran sutiles y apagados, predominando los tonos tierra, pasteles y agua, en contraposición de un café oxidado y un ocre. Lo importante a resaltar es que nunca se desvía su eje, tanto en su manera de ilustrar, la tipografía y color utilizado, todo tenía una razón para estar presente en la pieza. 21

El art nouveau marca el inicio de una época porque dio lugar a la separación entre disciplina y profesión, ósea la especialización de una persona en un área específica del arte. Como por ejemplo; la creación de artículos de decoración se comenzó ya a conocer como diseño industrial. Se hace necesario que un diseñador sea un “todólogo” ya que para ser parte de un proyecto nuevo es necesario que indague cada uno de los aspectos del tema que se va a manejar, pero aun así el diseñador sigue siendo específicamente un diseñador gráfico.

el Art Nouveau, busca romper las cadenas con los estilos pasados, por lo cual el diseñador contemporáneo debe tener un criterio responsable, en donde no escoja la tendencia en base a sus gustos personales o por moda sino que se incline por romper los estilos, genere un pensamiento firme y en base a este desarrolle el estilo propio; además cabe recordar, si bien buscamos dejar nuestra marca en nuestros diseños, debemos velar por la funcionalidad de ellos creando así piezas altamente estéticas y funcionales.

El Art Nouveau ha tenido un revaloramiento en los últimos 20 años con el nacimiento del diseño postmodernista. Los artistas de todo el mundo están utilizando hoy elementos de este estilo como sus líneas sinuosas, elementos naturales y florales, así como sus colores característicos. Uno de los elementos característicos más inspiradores del Art Nouveau son los carteles de ninfas con elementos naturales, flores y ornamentos, estos son de los elementos del Art Nouveau que más influencia ha tenido en los diseñadores gráficos y sus trabajos. Algunos de los más bellos trabajos impresos representan ninfas con elementos florales, con los colores específicos del Art Nouveau como el verde olivo y el ocre y las sinuosas líneas de la tipografía Art Nouveau.

Art Nouveau es una corriente de liberacion para los artistas.

Como resultado de la investigación y análisis presentado, podemos concluir que 22

Por Estrada, L., Cardona, M., Montiel, E., L贸pez, S., L贸pez, A. & Del Cid, M.

La censura ha formado parte de la humanidad desde sus principios; desde antes de establecerse las bases de la comunicación, la censura ya formaba parte de nuestra naturaleza. Ella ha jugado un papel importante en la evolución y revolución de las sociedades; en todos los anales de la humanidad, siempre encontramos cómo diferentes poderes han establecido un tipo de censura que respondiera a sus ideales. Por èsto siempre la hemos visto como la villana del cuento dando pelea a su contraparte, la libre expresión. Pongamos 24

“La censura, hermana de la ambición por el poder, es a la naturaleza humana, lo mismo que la energía es al universo. La última ni se crea ni se destruye, sólo se transforma. La primera nació con el hombre y no se destruirá hasta que el hombre deje de existir. Su supervivencia exige que también se transforme.”

aparecen los primeros humanos en la Tierra, una fuerza superior censuró un acto, no estamos diciendo que sea malo o bueno, simplemente estamos exponiendo cómo la Álvarez, Universidad historia univerde León, España. sal se ha visto envuelto por el manto de la como ejemplo sobre censura. el inicio de la humanidad y la censura, un evento muy Pero como ya dijimos importante para los antes, juega un pacristianos y qué es pel importante en el universalmente cono- desarrollo social, por cido. Al momento de esta razón es la creación de Adán necesario definir si la censura realmente es y Eva, Dios les otorgó el derecho a dañina para una sovivir en el paraíso, ciedad, o solamente siempre y cuando no es cuestión de persconsumieran del fruto pectiva. del Árbol del Conocimiento; en Si una madre prohíbe, este punto podemos a su hijo de 6 años, ver, cómo desde el ver una película con alto contenido sexual momento en el que

o violencia muy gráfica; ¿está la madre cometiendo un error al censurar esta película?¿Está la madre protegiendo a su hijo de información dañina?

ya que si somos participes de un fanatismo, sea este religioso, político o moral; la lectura de este escrito será en vano y no se podrá realizar un análisis objetivo de lo exLa respuesta depen- puesto. derá de lo que cada lector considere como Con esto, primero es bueno y malo, y no importante que mahay respuestas equí- nejemos una definivocas, al final son ción parte de la libre ex- de censura para popresión a la que todos der tener el mismo los humanos tienen punto de partida, por derecho. ello recurrimos al Diccionario de la Real Para poder desa- Academia Española, rrollar el tema de la al ser la máxima recensura, es casi una presentante de nuesobligación para todos tro idioma: “Intervenlos lectores, ción que practica el despojarse de todas censor las ideas preconce- en el contenido o en bidas, no solamente la forma de una obra, de si la censura es un atendiendo a razones elemento negativo o ideológicas, morales no, si no sobre todos o políticas.” los tipos de censura a los que previamente El mayor problema hemos sido expuestos de la censura es que distorsiona los hechos

para poder transmitir otro mensaje o una nueva versión según la onveniencia del productor y ejecutor de la misma. Al momento de analizar como la censura ha formado parte importante y valiosa en la historia del diseño gráfico, podemos darnos cuenta que desde los principios de la imprenta se ha manipulado, tergiversado, y acomodado las intenciones y producciones del material visual a conveniencia de la parte implicada, ya sea esta por motivos religiosos, políticos, sexuales, de diversidad étnica o social.

antes mencionados; sumando con esto, que se ha hecho uso intencional de material sensible o se ha restado el desarrollo y evolución del ser humano como individuo, privando con esto al espectador de poder acceder a la información real sin ser manipula-da.

La censura de un material visual no siempre suprime la información dejando al interlocutor sin información, sino también Con el paso de los se ejecuta para no años se ha infligido un lastimar susceptibilifuerte poder en cada dades sociales ante uno de los motivos un tema en específico. Aunque podemos

mencionar este punto como favorable para la censura este puede confrontarse ya que como seres humanos adaptables, evolucionados y desarrollados no podemos aceptar que

una parte de las personas no simpatizantes sobre un tema en específico tengan el poder de suprimir cualquier material, porque èsto nos hace parar y retroceder como

como sociedad, como país, como planeta, que se confronta a temas tabúes que son de contenido ofensivo según lo que se conozca y acepte del tema en cuestión, limitando que la sociedad conozca la información real sin sin manipula-ciones. La censura es un tema conflictivo ya que como tal, no es mala, simple-mente se ha utilizado de la manera equivocada y por lo tanto se tiene un punto de vista negativo sobre ella, por lo cual es importante que “el

poder” y la sociedad aprendan a ocuparla y analizar en dónde sí se debe aplicar y dónde no, para que así, el criterio de análisis sea más amplio y no nos quedemos con una sola visión de las cosas siendo conveniente a una parte de la historia global. Actualmente, la sociedad es controlada e influenciada por los medios masivos de comunicación; siendo este el punto de partida desde el inicio de los tiempos donde los diseñadores se han enfrentado a la censura del material visual, debido que aunque el tiempo se ha transformado y cambiado para que todos los individuos sean libres expresando sus pensamiento e idea-

sido convertida en un derecho innato, las sociedades no podrían haber evolucionado de la manera en que se permitió todos los avances tecnológicos, artísticos y sociales, a nivel mundial.

les; siempre este material es censurado a partir del criterio de ciertas personas que consideran que el contenido de los medios es inapropiado para su difusión. Una característica importante para destacar es la influencia que los políticos y la iglesia tienen en esto, ya que en caso de que algún medio de comunicación o material gráfico divulgado en la sociedad hable mal de ellos o de sus intereses, estos tienden a eliminar o suprimir este tipo de información, presentando con ello una realidad manipulada según intereses propios; es por ello que la 26

sociedad debe de conocer acerca del cómo los medios son censurados y como se cambia la información según sea la conveniencia del emisor.

una Revolución Liberal creando una iniciativa individual que limita a la intervención del estado y de los poderes públicos en la vía social, econóUn gran paso para mica y cultural la libertad de expre- de la sociedad. sión fue la Revolución Industrial ya que en Si este evento esta época Europa no se hubiera estaba sometida a la llevado a cabo, censura y a las volun- si la libertad de tades de los sobera- expresión no nos, por lo que la mis- hubiera sido ma se derivó en

Este fenómeno también se pudo observar en 1881, cuando una nueva ley francesa permitió eliminar restricciones de censura logrando que los carteles de los

artistas y diseñadores de la época pudieran ser expuestos y por ende vistos por cualquier persona no importando su nivel de clase social. La popularización del cartel trajo consigo una floreciente industria que aumentó las ganancias de diseñadores e impresores, en la época del Art-Nouveau con nuevos aires al mundo del arte, rompiendo con los existentes.

El diseño gráfico, tal como lo conocemos ahora, desarrolla sus elementos esenciales en los años 20 y llega a obtener su perfil actual en los años 80, a causa de la influencia de nuevos conocimientos desarrollados en tecnología, psicología, sociología, lingüística y comercialización, el objetivo del diseñador deja de ser la creación de una obra artística suprimida por la censura y pasa a ser la construcción de una comunicación visual eficaz. El cambio que se evidencia entre los años 20 y los años 80 muestra la evolución y revolución que se

evidencia desde una actitud que enfatiza lo estético y la libertad de expresión que se concentra en todo lo que sea material comunicacional. Pero es también durante esta época donde se puede ver claramente a la censura, siempre como un elemento controlado por fuerzas políticas, ya la religión en este momento se mezcla con las ideologías de

líderes políticos, creando una fuerza aún más difícil de combatir.

que buscan romper con esta censura y expresase libremente, sin importar las repercusiones.

Y el aumento de la demanda de carteles en casi todo el mundo, que ya de por sí son la rama del diseño gráfico más censurada desde que existe este diseño como tal, se ven afectados y manipulados por fuerzas políticas, generando como en casi todo lo tocado por la censura, una ruptura entre lo negativo y lo positivo.

En España, durante la época Franquista a principios de los años 40; una gran cantidad de carteles cinematográficos fueron objeto de censura y fueron modificados antes de ser publicados.

Se muestran estas dos tendencias en el diseño; un diseño censurado por sus líderes, pero también empieza a crecer el número de diseñadores y artistas

demasiado provocativa. Otro ejemplo de la censura, pero desde un aspecto negativo-positivo para el diseño gráfico, vemos a la Escuela Polaca del Cartel; Polonia durante los años 20, en un período entre guerras logra desarrollar su estilo cartelista con un enfoque publicitario y con influencia francesa; ya desde el siglo XIX, Polonia, Varsovia y Cracovia había llamado la atención de toda Europa, y se figuraban como entes culturales y artísticos.

Los motivos de estos cambios radicaban en tres características importantes: difusión de ideas políticas ajenas al sistema, muestra de posturas religiosas y la más común: el uso de mensajes “sexuales”. Es durante la Segunda Guerra Mundial Y muchas celebrida- que la Escuela Polades, sin importar su ca debe cambiar el nivel de fama mun- rumbo de sus carteles dial, eran afectadas y convertirlos en carpor la censura, si la teles de propaganda imagen que transmi- influenciada por los tían era 27

muy común la discriminación a las personas por su color , preferencia sexual o nivel económico, que eran reflejados en su publicidad, situaciones que hoy en día en países desarrollados ya no se observa. Pero que siguen siendo temas susceptibles en la mayor parte del mundo.

los intereses políticos que regían en estas ciudades. Es después de la Segunda Guerra Mundial, a partir de los años 50, cuando Hollywood empieza a cobrar auge, y el diseño de carteles cinemato-gráficos se vuelve tan importante como la película misma para su promoción. Pero al momento de llegar a Polonia con una industria cinematográfica controlada por el estado, los artistas polacos buscan una nueva forma de adaptar estos carteles para que no rompieran con la censura ya establecida, pero 28

que siempre se mantuvieran las características de los carteles polacos, creando así piezas gráficas que mezclaban el surrealismo con el minimalismo, y es de esta forma en que la creatividad, en lugar de limitarse por la censura, forma parte importante junto con los otros elementos visuales, para la recreación de los carteles hollywoodenses,

tienen miedo de los líderes, hay algunos que se deben enfrentar a otro miedo, y es al de “la mano que les da de comer”; el miedo a perder un trabajo y la situación económica en la que se encuentren, son factores importantes al momento de cortar su propia libertad de expresión, existe el mieEn la actualidad la do de que a los paatrayendo la atención censura es utilizada tronos no les guste el trabajo, y muchas vede nuevo sobre los para suprimir la ces se opta por mejor artistas polacos. realidad por la que está vi- hacer lo que se pide, Durante me- viendo la sociedad, pero los y no lo que se debe. diados y finales diseñadores de hoy en día del siglo XX, la están más conscientes de censura del ra- los diseños que pueden ser cismo fue muy censurados, sin embargo, p r o n u n c i a d a son más atrevidos y apelan Continúe la lectura aquí. ya que en ese a los sentimientos del públisiglo se empe- co que esperan encontrar zó la lucha por una pieza que la igualdad del muestre “la verdad”. género humano, en siglos Pero a pesar de este tipo de anteriores era diseñadores y artistas que

LA ERA DE LA

REVOLUCIÓN MODERNA Y el surgimiento del discurso en el Diseño

A grandes rasgos, el término modernidad abarca un amplio rango de manifestaciones culturales, artísticas a

Algunas propuestas del modernismo incluían la elaboración de productos de calidad usando materiales de primera categoría y aunque se tomaba como referencias algunos diseños históricos eran simplemente para evitar volver a realizarlos.

partir del siglo XX. En general, Modernismo es el término con el que se designa a una corriente de renovación artística, periodo denominado fin de siècle y belle époque, en distintos países se le llamó Art Nouveau.

Ésto quiere decir que su prioridad era la originalidad esto sin dejar a un lado la base estética común capaz de poder ser usada en cualquier tipo de producto realizado. Para adentrarnos en el modernismo, antes es necesario esclarecer algunos conceptos relacionados con el diseño, paradigma que se caracteriza por los siguientes factores:

La moral, con la exploración de soluciones enfocadas a la mejora de la calidad de vida y la búsqueda de la felicidad, por medio de la materialización de valores como la honestidad, sencillez, etcétera. Así, el diseño moderno se identifica como una actividad centrada en la forma ,que parte de un análisis de las necesidades y el contexto, para guiar un proceso racional, que desemboca en la especificación de aquellos factores que determinan las soluciones formales; un elemento clave de este proceso lo constituye la postura moral que determina al “buen diseño”.

Debemos recordar ciertas definiciones del diseño, como la propuesta por Tomás Maldonado para el ICSID, que considera que la función del diseñador es la de determinar materiales, colores y atributos formales. Sin embargo, así como ha sucedido con numerosas promesas de la modernidad, el diseño no sólo no ha cumplido del todo con sus objetivos, sino que, cada vez más, surgen evidencias de que, en la práctica proyectual. muchas de sus soluciones y métodos se alejan de sus enunciados originales.

En general, los discursos llevan implícita una nueva definición de diseño. Debido a la inestabilidad natural de una disciplina durante un período de crisis, el futuro de los discursos es incierto, por lo que no se puede afirmar si estas propuestas permanecerán a lo largo del tiempo, o bien, presentan un camino, que si bien puede ser interesante, puede resultar en un callejón sin salida, o bien en una visión a corto plazo. Al no haber solidez en una disciplina como tal, lo que resulta es estar cimentando sobre

Si recurrimos a los conceptos de Thomas Kuhn (Kuhn, 2004), podemos afirmar que estas evidencias son en realidad anomalías que, al acumularse, nos conducen a una crisis paradigmática. Es importante recordar que T. Kuhn identifica como un síntoma del inicio de una crisis paradigmática, el que líderes dentro de un paradigma inicien el cuestionamiento de la propia obra.

arena, lo que en cualquier momento puede causar el desplome de la misma.

ERA DE REVOLUCIÓN MODERNA Y EL SURGIMIENTO DEL DISCURSO DE DISEÑO El diseño como tal se remonta hasta los orígenes mismos del ser humano, pues el diseño en su amplitud abarca prácticamente la totalidad de la percepción material de la realidad, desde el momento mismo del surgimiento de la inteligencia, y ha estado presente desde entonces durante el desarrollo del ser humano.

Es tan importante el diseño para el ser h u m a n o que A pesar de la gran importancia del diseño, este hace su aparición formal como oficio y ¿Qué circunst a n c i a s determinan el nacimiento del diseño en una época

tardía de humana?

historia

El diseño gráfico según la Real Academia de la Lengua Española, “Diseño. (Del it. disegno). m. Traza o delineación de un edificio o de una figura. || 2. Proyecto, plan. Diseño urbanístico. || 3. Concepción original de un objeto u obra destinados a la producción en serie. Diseño gráfico, de modas, industrial. || 4. Forma de

El término anteriormente mencionado hace alusión a los conceptos englobados por el diseño en su totalidad sin embargo, es importante entender que, el idioma en el que se plantea un concepto lingüístico determina un valor de sesgo en el cual la variable cultural interviene en el significado del signo remitido, es decir,

cada uno de estos objetos. El diseño de esta silla es de inspiración modernista. || 5. Descripción o bosquejo verbal de algo. || 6. Disposición de manchas, colores o dibujos que caracterizan exteriormente a diversos animales y plantas.”

“propósito”, “meta”, “conspiración malévola”, “conjura”, “forma”, “estructura , mientras que en contraste con la lengua alemana, refiere a aspectos creativos y el concepto de diseño en gran medida cosificado, incluyendo también la definición anglosajona del concepto de diseño y complementándolo con conceptos

este tiende a modificarse dependiendo el contexto, siendo pues la palabra Diseño más compleja que el significado propio de un idioma. En el idioma inglés, según el Oxford Dictionary en el inglés la palabra design es sustantivo y verbo, y afirma que: “como sustantivo significa, “intención”, “plan”,

enlazados a diseño técnico y conceptual de las acciones. La definición de diseño es importante en un marco contextual determinado, pues esta puede variar o adaptarse a ese contexto determinado, y es necesario entender la plenitud del concepto para poder definir lo que comprende este concepto. 33

Horta aunque las ideas estéticas de John Ruskin y William Morris fueron en gran medida las aspiraciones en las que se basó esta corriente de renovación artística. Lo que se acabó llamando movimiento moderno, que dio origen al término anglosajón modernist (“moderno”) en arquitectura y diseño, está ampliamente

Según las distintas definiciones que buscan responder a la pregunta planteada, el diseño es prácticamente un proceso estructurado de eventos, para simplificarlo de “creación” característica propia del ser humano. El modernismo por su parte, nace en Bélgica de la mano de Van de Velde y Víctor 34

Greenhalgh sostenía que “la primera etapa consistió básicamente en un conjunto de ideas, en una visión de la capacidad del entorno diseñado para transformar la percepción humana y mejorar las condiciones materiales”, mientras que “la segunda etapa fue menos una idea que un estilo”. Los años treinta se pueden consi-

documentado. En su introducción al libro titulado Modernism and DeSign, que él editó, Paul Greenhalgh explicaba que, en lo que concierne a su influencia sobre el diseño, el movimiento moderno tuvo dos etapas históricas principales: una entre 1914 y 1929 y otra en la década de los años treinta.

derar como el periodo de la difusión internacional del “objeto” del movimiento moderno, la simple “estética de la máquina Continúe la lectura aquí.

de acuerdo a su contexto, ideología y expresión durante la Revolución Industrial, hasta el Siglo XXI Por Argueta, P., González, A., Interiano, A., Pérez, K. & Cruz, M.

En el año 2015 se les solicitó a los estudiantes de Octavo Semestre, el desarrollo de un ensayo relacionado con el diseño gráfico o el arte desde una perspectiva filosófica, en este caso el presente ensayo aborda el tema artístico. Ésto con el fin de poner en práctica los conocimientos de síntesis y exponer de manera crítica una opinión; como se ha trabajado en el curso de Filosofía del Diseño. A continuación se expone la temática elaborada por cinco estudiantes de la Universidad de San Carlos en relación a la idea del arte de acuerdo a su contexto, ideología y expresión durante la Revolución industrial hasta el siglo XXI. Desde la época de la antigüedad o incluso antes, se ha visto como el ser humano ha intentado buscar las respuesta de su existencia, su entorno y su concepción. Aunque estos conocimientos nunca han sido revelados con claridad ha habido varios intentos de resolverlos. Entre ellos se puede mencionar a grandes filósofos, sociólogos y científicos como: Karl Marx, Sócrates, Darwin entre otros. Por ende, parece ser que estos temas de alta preocupación para la persona están destinados a las ciencias. Pero se ha

evidenciado que una de las fuertes para comunicarlos es a través del arte. El ser humano ha encontrado en el arte una forma de expresión, ya sea individual o colectiva respecto a una nación, una época, un acontecimiento etc. A través de este ha plasmado su sentir, su entorno y la realidad de su contexto a pesar de su origen ético. Esto quiere decir que, el artista ha utilizado el arte como un instrumento para dejar una referencia histórica de lo que lo que vivió, de su época; es por esto que las obras de arte también se han utilizado como instrumento para estudiar la historia de la humanidad, puesto que a través de ellas se puede conocer el modo de vida, la ideología, lo que pasaba en una determinada época, etc. Actualmente se define al arte como: “La actividad en la que el hombre recrea, con una finalidad estética, […] un sentimiento en formas bellas”. (Oxford Dictionaries, s/f, párr. 1.) Pero movimientos como: el surrealismo, el expresionismo abstracto, el dadaísmo y otros han demostrado que no se necesita

de una finalidad “bella” para transmitir, subjetivamente, la realidad de una época. Por tanto, puede aclararse que la verdadera definición de arte debe ser una representación de constante persecución por respuestas relacionadas con el contexto del individuo, las ideologías sociales y las problemáticas culturales. El arte es una representación de la realidad porque se adapta al entorno, las características y los acontecimientos que se dan en un tiempo determinado. Esto se refleja en las corrientes artísticas que cambian de acuerdo a las ideologías de un contexto. Por ejemplo, el arte del siglo XVIII es muy diferente al del siglo XX ya que en ese entonces, la realidad era otra. Por tanto, “El arte de esta época, que inicia con el neoclasicismo, fue producto de una nueva manera de pensar, y de un nuevo concepto del hombre moderno basado en la doctrina de la ilustración.” (Arte Medio, s/f, párr.1) Entretanto en el siglo XX, “los artistas de Der Blaue Reiter, grupo expresionista, se imaginaban la transmisión de los sentimientos como una cadena entre el creador y el espectador, al principio de la cual se encontraba la sensibilización del alma del pintor; emotividad a la cual el artista da

forma en su obra.” (Terreni, M., s/f.) En ambos movimientos, se expresa el origen de su proceso creativo, sin embargo no parecen tener ninguna similitud. Esto sucede por los acontecimientos en ambos movimientos. Ya que, en el neoclasicismo se decide regresar a los clásicos por el descubrimiento de Herculano y Pompeya entre 1728 y 1738. Ambas ciudades antiguas fueron enterradas bajo la erupción del Vesubio el 24 de agosto del año 79d.C. Y al ser exploradas observaron que toda la comunidad estaba intacta. Haciendo posible la apreciación de costumbres, vestimenta, etc. de aquella época queriendo retomar sus expresiones artísticas en la época de Luis XVI. Mientras que en el siglo XX, el Der Blaue Reiter es inspirado por Kandinski quien es hijo de un comerciante de té con contactos en China lo que provoca su interés en la etnología y por tanto la filosofía de las sociedades primitivas. Plasmando en sus obras animales y utilizando colores representativos, como lo expresa Marc

en su carta a Macke (1910) “El azul es el principio masculino, severo y espiritual. El amarillo es el principio femenino, delicado, suave y sensual. El rojo es la materia, la realidad dura y brutal, el color que tiene que entrar en conflicto con los otros dos y sucumbir ante ellos”. Estos movimientos son un claro ejemplo de la diferencia causada por el contexto en el arte. Sin embargo, así como el tiempo afecto a este, también puede influenciar a la misma sociedad a realizar un cambio en su realidad a través de la presencia de ideologías. Lo cual resulta ser sumamente influyente ya que se convierte en una objetividad masiva. Provocando dudas en el ser humano respecto a su vida. Un claro ejemplo es el POP ART, ligado a los medios de comunicación de masas, al consumo de drogas, a la música, a la vida enloquecida y desbocada, provoca una sociedad de consumo desaforado y a un gusto generalizado por lo inmediato y efímero. Toda su ideología influye en las personas de los años 60s. Remplazando los impulsos destructivos del movimiento Dada enfocándose en la divinización de la cultura popular estadounidense. Afectando los patrones de vida llevándolos a la experiencia de vivir dentro de esta “cultura” regida por el consumismo y los dueños del POP (Star

system). Por tanto puede afirmarse que los artistas POP estaban más interesados en vender que innovar artísticamente reflejando esto en las características de un individuo de la época. Otro ejemplo es el Arte Minimalista o Minimal Art, que propone la simplificación de los elementos a su máxima expresión. La inspiración del arte minimalista se basa en encontrar la belleza en lo simple y la utilización de materiales puros. 37

Así como esta corriente nació de una reacción contra el expresionismo abstracto, da nacimiento al Arte pobre. Que agrega un valor simbólico a los materiales, es decir que se le dota de un valor artístico a materiales groseros en forma de protesta, de la cultura popular. Su influencia recae sobre el movimiento hippie y la cultura underground. Unificando la ideología hacía la búsqueda del control sobre el entorno en relación al individuo; de manera que no fuera perjudicial para el ambiente. Por otro lado está el Land Art donde se utiliza la naturaleza como medio

para crear la obra, así que en esta se busca la adaptación al entorno. El land art es una vía de escape de la comercialización por lo cual la creación de obras con esta corriente se da en lugares lejanos a la vista de los espectadores. Como se denota, en el land art se hace uso de la naturaleza por lo cual su influencia es el movimiento ecologista, así como también busca inspiración en lugares y arquitectura importante del pasado. Así, se logra ejemplificar cómo las ideologías dentro del arte pueden llegar a cambiar la realidad social de toda una comunidad en base al pensamiento de una sola persona o de un grupo pequeño. Negando la definición de que el arte es una representación “bella” de un sentimiento. Finalmente, se puede ver al arte como una representación filosófica de la realidad social en un periodo de tiempo. Esto quiere decir que el arte puede ser utilizado como un reflejo de los problemas dentro de una sociedad. Es en este punto en el que el artista debe dejar de lado lo moralmente correcto para poder expresar la problemática del momento y así aportar con una respuesta. Aunque la mayoría de los movimientos que se basan en la premisa anterior son caóticos

y muchas veces incomprensibles también son los más profundos en relación a la temática tratada. Entre estos podemos mencionar al futurismo y el dadaísmo. El futurismo surge como rechazo a las tradiciones y lo pasado, orientándose al futuro mediante una expresión dinámica representando lo moderno y la masificación de las grandes ciudades. Toma como modelo las máquinas y sus atributos: fuerza, rapidez, energía, movimiento y deshumanización. Por tanto, la manera de expresar la temática del movimiento es una crítica a la velocidad de materialización de las sociedades cambiando el aspecto humano por el tecnológico. Todo el movimiento es una sátira a la realidad que se vive en aquella época, dignificando la guerra como una fórmula para la cura de un mundo decrépito, sin posibilidad de la argumentación sentimental. De igual manera el dadaísmo es un movimiento antiartístico, antiliterario y antipoético que cuestiona el por qué y la

la existencia del arte en todas sus expresiones. Al igual que el futurismo rechaza todos los esquemas presentados anteriormente y promueve la libertad, el cambio, la anulación de lo eterno, lo inmediato y la contradicción. Esto sucede ya que la época en la que surge el movimiento es posterior a la primera guerra mundial. Es el acontecimiento en el que la sociedad pierde total fe en la humanidad y los perfiles de la moral son destruidos por completo. Dejando así un arte carente de valor impulsando el caos mediante la expresión irónica. Todo lo relacionado a este movimiento, desde el nombre es totalmente contradictorio y absurdo, imitando el comportamiento humano durante la primera guerra mundial. En conclusión, se puede evidenciar que a través de la historia que el arte ha sido mucho más que una representación “bella” de la realidad. Sino que también ha sido una herramienta de divulgación para movimientos, acontecimientos e inconformidades en la realidad social de un individuo. Formando parte de la rebelión ante la imposición de dictámenes y formas de pensar y vivir. Así el arte termina siendo una herramienta para expresar lo que debería ser, reflejando en la obra los sentimientos y creencias más firmes como seres humanos. 40

En la reflexión sobre el arte, la expresión tomará un lugar todavía más relevante […] Esto conlleva una concepción nueva de la obra de arte como espejo del espíritu de la época, […] También conlleva la experiencia, por parte del espectador o destinatario de la obra, de encontrar en ella sentimientos respecto a los cuales tiene simpatía o resonancia. (Michaud, I. 2009) El arte se transforma en el canal principal para trasmitir y dejar en manos de su espectador la tarea de comprender y actuar en contra o a favor de algo. Buscando respuestas a través de formas de comunicarse con el espectador. Así como lo hace el diseño gráfico en la actualidad. Podemos decir entonces, que el diseño gráfico, desde una concepción de arte útil, se nutre del contexto en el que está inmerso él y su grupo objetivo, además del conocimiento empírico e investigación, elementos que dan las pautas para que los conceptos que puedan divulgarse mediante distintas piezas sean recibidos y comprendidos de manera óptima.

Café Edición 2015

•RENATA CALDERÓN •201220334•CATALINA MEDRANO •201220407•DISEÑO VISUAL VI •LICDA. ORDÓÑEZ GARZA •REVISTA CAFÉ •EDICIÓN 2015 •PROYECTO DE INTEGRACIÓN •DISEÑO GRÁFICO •USAC