HISTORIA DEL DISEÑO
CONTENIDO
1.
INTRODUCCIÓN 1.1. DISEÑADOR 1.2. MÉTODO
2.
ARTESANÍA
3.
EL PROCESO CAMBIA 3.1. DISEÑADOR 3.2. MÉTODO 3.3. DISEÑADOR 3.4. MÉTODO 3.5. DISEÑADOR 3.6. MÉTODO 3.7. DISEÑADOR 3.8. MÉTODO 3.9. DISEÑADOR 3.10. MÉTODO 3.11. DISEÑADOR 3.12. MÉTODO
02
CRÉDITOS
DISEÑADORA CREATIVA Antía Larrán Pérez
EDITORA DE TEXTO Garbiñe Larralde Urquijo
EDITORIAL Colegio Jesús-María Bilbao
03
HISTORIA DEL DISEÑO
1.
INTRODUCCIÓN
INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL DISEÑO El diseñador no es ingeniero. Su proceso de trabajo es menos científico y más intuitivo. En ello, precisamente, reside gran parte de su éxito. Se mueve entre lo hu- manístico y lo tecnológico, lo artístico y lo técnico, la sociología y el marketing. El diseño es una actividad multidisciplinar y el diseñador un generalista que maneja conoci mientos de muchas áreas muy distintas. Su trabajo, y por tanto los resultados del mismo, está influido por su cultura, su creati- vidad, las tendencias estéticas y, por qué no, las ideológicas. Este conglo- merado de factores, que influyen en el trabajo de diseño, son conse- cuencia de las circunstancias en que se originó esta disciplina. Por eso es necesario, si se quiere entender qué y cómo son los diseñadores y qué y cómo es el diseño, empezar por un breve recorrido histórico de esta disciplina y los avatares que la han llevado a lo que hoy es.
05
2. A R T E S A N Í A
La producción de objetos, durante siglos, ha estado en manos, nunca mejor dicho, de los artesanos. Hay tres características que interesa destacar de este período. El objeto artesanal era elaborado individualmente, no en serie, y por lo tanto había diferencias entre objetos del mismo tipo realizados por un mismo artesano. Diferencias que podían ser debidas a singularidades del material, al deseo del cliente, a la propia inspiración del artesano o a su pericia.
06
El artesano mantenía con el objeto que elaboraba una relación directa y podía modificar en cualquier momento partes del mismo. La evolución de los objetos artesanales responde a un proceso que Christopher Alexander denominó proceso "inconsciente de sí mismo". El oficio artesanal se transmitía de generación en generación basándose en el aprendizaje de las habilidades en el uso de las herramientas, el conocimiento de los materiales y los modelos formales del objeto que se estaba elaborando. La evolución de los objetos artesanales se produce porque a lo largo del tiempo van introduciéndose pequeñas adaptaciones, pequeños cambios como consecuencia de nuevas necesidades o circunstancias distintas en el uso del objeto o en los materiales empleados. Pero no existe por parte del artesano una consciencia de evolución. Eso es algo que llegará más tarde con la cultura del proyecto, que tiene su origen en el Renacimiento y que se desarrolla a partir de la Revolución Industrial.
07
03. E L P R O C E S O C A M B I A
Las tres características del proceso artesanal de producción de objetos desaparece. Frente a la realización individualizada de cada pieza aparece la producción en serie y con ella, la homogeneización y el concepto del "estándar". La relación directa del artesano con el objeto ya no existe, ahora la intermediación de una máquina cada vez más rápida y compleja impide que el objeto pueda ser variado o modificado durante su fabricación. Estos dos cambios obligan a que el objeto esté perfectamente definido antes de entrar en producción. Es decir, a que haya un proyecto previo. Y con él se produce el suficiente distanciamiento entre la idea y su materialización como para poder cuestionar el por qué del objeto, de sus características, de su utilidad o de su belleza. Y así lo que nunca había sido cuestionado, porque formaba parte de un proceso "inconsciente de sí mismo", pasa a ser sistemáticamente analizado, puesto en duda y, finalmente, tomado como base de todo proyecto. Ha nacido el diseño, es decir la disciplina proyectual cuyo fin es definir las características formales y estructurales de un objeto producido industrialmente. 08
El mismo año en que se fundó la Deutscher Werkbund con el objetivo de promover la colaboración entre artistas e industrias. Pero antes de esto, ocurrieron muchas cosas que es necesario recordar para entender mejor qué es el diseño o, al menos, cómo es hoy en día.
Todo esto, evidentemente, no sucedió de la noche a la mañana. Más de 150 años fueron necesarios para encontrarnos, desde los inicios de la Revolución Industrial, con la que ha sido comúnmente aceptada como primera relación entre diseñador y empresa. Es la que en 1907 iniciaron el arquitecto alemán Peter Bebrens y AEG.
La llegada de estos nuevos modos de producción y el consiguiente cambio en los procesos de creación de los objetos dio lugar a la aparición de un problema nuevo: ¿qué formas debían tener estos objetos producidos con técnicas y procesos tan distintos a los artesanales?
09
Durante un período inicial las industrias imitaban las formas artesanales que les habían precedido, sin considerar que las nuevas técnicas podían requerir otras soluciones. Las formas simples y geométricas impuestas por las nuevas tecnologías eran consideradas de mal gusto y disfrazadas bajo recargadas carcasas de estilo o bajo una profusión de ornamentos superficiales. Los objetos así producidos manifestaban un anacronismo formal y una incoherencia estructural que fueron denunciadas por intelectuales, arquitectos y artistas de la época, preocupados por la pérdida del buen gusto tradicional. Entres ellos destacaron especialmente Pugin, Morris y Ruskin quienes, dentro de la corriente del socialismo utópico, abogaban por la vuelta a la vida rural, frente al desarrollo caótico de las ciudades, y por el rechazo a la máquina como causante de todos los males sociales y de la regresión ética y estética.
Su resistencia fracasó, pero paradójicamente fueron los primeros en poner las bases de lo que sería el movimiento moderno, al defender la sencillez de las formas y su adecuación a la función que han de cumplir, poniendo como modelo las formas de la naturaleza. "Lo útil es bello", "la forma sigue a la función" y "menos es más" son las tres sentencias que definen y resumen la esencia del movimiento moderno, tanto en arquitectura como en diseño. El racionalismo y el funcionalismo acabaron
definitivamente con el ornamento y se constituyeron como doctrina de un diseño que debía ser la base del progreso, de un mundo mejor y de un universo de objetos útiles y bellos al alcance de todo el mundo. Esta nueva utopía generó la época dorada del diseño, con la Bauhaus como referente más señalado, e invistió a la profesión de un aura casi mesiánica y de una responsabilidad frente a la cultura, al progreso y a la sociedad que todavía hoy perdura y que conviene analizar.
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04. H I S T O R I A
DEL
D I S E Ñ O. : P R I N C I P A L E S
11
PERÍODOS
1. EXPO. UNIVERSAL DE LONDRES
2. HISTORICISMO
En este periodo conviven, por un lado la arquitectura historicista, y por otro lado el progresivo desarrollo de la arquitectura del hierro, consecuencia de los cambios introducidos por los nuevos materiales y procesos industriales generados en la revolución industrial.
En ella se expusieron las grandes máquinas agrícolas de Estados Unidos. Frente a la tecnología generada en Europa, las máquinas americanas presentaban un interés mayor por el concepto de estandarización en la fabricación, lo cual derivaba de la naturaleza de la máquina.
12
3. ART NUVEAU 1890-1905 o Modernismo
Diseñadores: En España, Francia, Inglaterra, Viena y EEUU diseños curvilíneos (Gaudí).
En Viena, Escocia y Alemania diseños rectilíneos (Mackintosh)
Se da un rechazo al historicismo y por eso se describe como el primer estilo verdaderamente moderno e internacional. Características principales del diseño de esta época son:
-Ornamentación naturalista. Introducción de nuevas formas de producción en serie, atención a lo natural como fuente de inspiración. -Asimetría -Curvilíneo: formas naturales de follaje, líneas sinuosas, curvas no geométricas en forma de látigo.
13
Las artesanías de alta calidad con formas abstractas y la geometría de diseño japonés ejercen notable influencia. También influye la pintura prerrafaelista y la obra literaria de Oscar Wilde Diseñadores:, Cristopher Dresser. Ilustradores: Aubrey Beardsley, Mackmurdo
5. Jugendstil en Alemania (1890-1910)
4. Esteticismo o Aesthetic movement Reino Unido (1870-1900)
Surge en Inglaterra y se extiende a EEUU, Primeros intentos de aunar Diseño y funcionalidad Hay una reacción contra los excesos del neogótico. Se rechaza el propósito moral del arte.
14
La interpretación alemana y escandinava del Art Noveau se inspiró en las tradiciones locales y poseía una simplicidad de formas figurativas y geométricas con superficies desprovistas de decoración. Diseño de Mobiliario y gráfico Henri van de Velde
Movimiento Moderno International Style
SECESIÓN VIENESA (1897-1920)
(1880-1940)
Principal movimiento del siglo XX emergió como consecuencia de la creciente industrialización. Formas simples y exentas de decoración, acabados suaves
Abstracción geométrica, formas rectilíneas. Trató de conciliar la arquitectura con las artes de- corativas. Diseñadores:
Diseño como elemento democratizador, desprecio de la decoración que se veía como degradación de la sociedad, los diseños racionales como virtuosos, explotar lo último en materiales y tecnología.
Josef Olbrich: edificio Secesión de Viena.
Diseñadores: -Mies Van der Rohe, -Bauhaus, -Adof Loos, -Peter Behrens, -Le Corbusier. 3
15
BAUHAUS
Menos es más. La célebre frase convertida en mantra sintetiza la gran aportación de Van der Rohe, sin embargo, ¿qué significaba para él menos? La obra de arte total, sin descuidos, cerca de la peligrosa pureza formal, tenía monumentalidad y detalle.
(1919)
En Weimar se unen dos escuelas de Artes Decorativas, dando origen a la Bauhaus dirigida por Walter Gropius. Que busca formar a trabajadores industriales que dominen por igual la técnica y el diseño.
Le Corbusier diseñó lo que hoy es una pieza de mobiliaria icono del siglo XX, la Chaise Longue LC4 (1928), que destaca por su imagen, por sus materiales industriales, su forma ergonómica y su comodidad.
Nombres clave: Walter Gropius, Marcel Breuer, Mies van der Rohe. Después de la I Guerra Mundial, los diseñadores se aprovecharon de los nuevos materiales sintéticos y técnicas de producción. Experimentaron con tubo de acero y se consiguió la primera silla “en voladizo”, la “silla Cantilever” (1926), atribuida a Mart Stam, aunque también está reinterpretada por Mies van der Rohe o Marcel Breuer. Esta configuración de silla en tubo de acero no tiene las dos patas traseras, aguantando el peso en las dos anteriores y en su prolongación horizontal.. 16
ARQUITECTURA ORGÁNICA
La residencia Kaufmann, más conocida como la casa de la cascada (en inglés: Fallingwater) es una vivienda diseñada por el arquitecto estadounidense Frank Lloyd Wright, y construida entre 1936 y 1939 sobre una cascada del río Bear Run, en el condado de Fayette del estado de Pensilvania (Estados Unidos). Frank Lloyd Wright (1867-1959) es ampliamente considerado como el mejor arquitecto estadounidense, y a su vez, la "casa de la cascada" su obra maestra, así como uno de los hitos principales de la arquitectura del siglo XX.
ambientales del lugar, uso y función, materiales nativos, el pro- ceso de construcción y el ser humano o cliente.
damentalmente por los arquitectos escandinavos en la década 1930-40 y por el arquitecto estadounidense Frank Lloyd Wright.
La arquitectura orgánica u organicismo arquitectónico es una filosofía de la arquitectura que promueve la armonía entre el hábitat humano y el mundo natural.
El movimiento acepta muchas de las premisas del racionalismo, como son la planta libre, el predominio de lo útil sobre lo meramente ornamental, la incor- poración a la arquitectura de los adelantos de la era industrial, pero procura evitar algunos de los errores en que cae el racionalismo y aportar nuevos valores a la arquitectura.
El estilo orgánico es un movimiento arquitectónico que se deriva del funcionalismo o racionalismo y que puede considerarse promovido fun-
Fallingwater sigue los principios de arquitectura orgánica enfatizados por Wright en su escuela y estudio Taliesin. Básicamente consiste en integrar en una unidad (edificación) los factores 17
De Stijl , Neoplasticismo
Constructivismo 1921-1932 // suprematismo Origen Unión soviética.
Formas lineales y planas, composición dinámica, elementos cinéticos, uso de materiales modernos. Creencia de que el arte y el diseño deben supeditarse a la producción industrial.
De Stijl era un movimiento artístico cuyo objetivo era la integración de las artes o el arte total, y se manifestaban a través de una revista del mismo nombre que se editó hasta 1931.
Nombres clave: Rodchenko, Tatlin, Malévich.
Constituido en Leiden, Holanda en 1917, pertenecían a este movimiento: Piet Mondrian, Gerrit Rietveld, y Theo van Doesburg. Empleo de la línea recta, la cuadrícula asimétrica, colores planos y primarios
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Art Decó:
años
30 40. -
Origen Francia , desarrollo EEUU con el nombre de Moderne. Reacción frente al racionalismo alemán. Formas geométricas y escalonadas, colores vivos, bordes agudos, esquinas redondeadas, con motivos vegetales y animales, elementos del cubismo , fauvismo y futurismo, elementos exóticos japoneses, aztecas, egipcios, africanos. Estilización y depuración de las formas, descuida el carácter funcional del objeto.
Materiales caros: esmalte, marfil, bronce y piedra pulida. Materiales de producción en serie: cromo, cristal, cromado y baquelita Nombres clave; -Cristal René Lalique, Diseño Gráfico Casandre. -Donald Deskey diseñador industrial en EEUU.
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La Era Aerodinámica consumismo y estilo 1935-1955
1. Styling o Streamlining Origen: EEUU
Apariencia Aerodinámica, Bordes redondeados, volúmenes con acabados suaves, formas de lágrima. Tuvo una enorme influencia en la industria, cuyos programas anuales promovían que las modas tuviesen una duración limitada. Este enfoque captó la imaginación del público como símbolo del progreso Los argumentos estéticos superan los tecnológicos y funcionales adoptando la cosmética superficial como argumento principal de venta. La formas funcionales se sustituyen pos curvas dinámicas y ostentosas que atraigan al comprador. Nombres Clave: Raymon Loewy , Ray Charles Eames
2. Diseño escandinavo 1935-1955
Suecia, Dinamarca y Finlandia, menos industrializado que EEUU integran el proceso artesanal en la producción industrial para lograr las “Artes Industriales”. Nombres clave: Jacobsen, Alvar Aalto, Tapio Wirkkala, Timo Sarpaneva. El arquitecto Danés Arne Jacobsen fue uno de los estandartes de los principios racionalistas con un amor hacia las formas y materiales orgánicos. Un buen ejemplo de estos estilos son la “silla Ant”(1951) y su variante “silla 7”(1957), ambas de madera laminada moldeada, de manera que asiento y respaldo se convierten en una sola pieza, lo que hace que el respaldo consiga una cierta flexibilidad que lo hace confortable . Del mismo modo y totalmente inspirado por las formas de la naturaleza, el arquitecto y diseñador finlandés Eero Saarinen, diseñó la “silla Tulip” (1955)
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3. DISEÑO ITALIANO 1935-1955
La era de la Abundancia 1955-1975
1, Diseño Pop 1958-1972
Diseño de muebles con curvas aerodinámicas y surrealistas de Carlo Molino, y Zanuso Máquina de escribir Olivetti, diseño industrial Achille y Pier Giacomo Castiglioni, Cristales de Murano.
Origen EEUU y Reino Unido Inspirado en la consumo de masas y en la cultura popular. Cuestionó abiertamente los preceptos del buen diseño y rechazó el Movimiento Moderno y sus valores. Énfasis en la diversión el cambio, la variedad, la irreverencia y la posibilidad de desechar los productos. Económico de escasa calidad, reivindica la obsolescencia de los objetos. Colores del arco iris, formas atrevidas, uso de plásticos, repetición. Nombres Clave: Diseñador gráfico americano Milton Glaser.
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2. Verner Panton y Eero Arnio en diseño escandinavo, diseño industrial Achille y Pier Giacomo Castiglioni en Italia.
Mary Quant es una diseñadora de moda británica. Su nombre adquirió fama internacional en la década de 1960 con la creación de la MINIFALDA. Sus diseños pegaron fuerte en los años 60, y representaron fielmente la moda británica. Si bien fue la minifalda la que la hizo mundialmente famosa, su línea de cosméticos fue una máquina mundial de producción de dinero. El esmalte azul y el delineador de ojos plateado pasaron a ser los productos más buscados de la diseñadora que había declarado la muerte del buen gusto y había dicho que la vida estaba en "lo vulgar".
3. Escuela de Ulm Fundada en 1953 cerrada 1968
La Hochschule für Gestaltung escuchar HfG, Escuela Superior de Proyectación o Escuela de Ulm) fue una escuela universitaria de diseño radicada en Ulm, Alemania.
A principios de la década de 1960 una nueva generación de diseñadores rechazaban los sólidos valores del modernismo orgánico mediante la experimentación con nuevos e interesantes materiales, particularmente los plásticos, para crear muebles en colores vivos y formas fluidas. De esta época es la inconfundible “Silla Panton” (1968), la primera silla “en voladizo” de plástico. Sexy y elegante, la “silla Pantom” personifica el optimismo de la década de los 60.
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Nombres propios: Inge AicherScholl, Otl Aicher y Max Bill, este último, primer rector de la escuela. Durante su funcionamiento fueron investi- gados y puestos en práctica nuevos enfoques en el diseño basados en la búsqueda de la armonía entre la forma de un objeto y su uso.
ESTILOS DESDE 1975 HASTA HOY
Mercado joven productos baratos y de poca calidad. Cuestiona los preceptos del buen diseño. “Úselo hoy y tírelo mañana”
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MINIMALISMO 1967-1978 EEUU- Japón
Reducción de los medios expresivos y reivindicación del espacio vacío, formas geométricas, planos rígidos de color, composición con cuadrícula Moda Issey Miyake
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HIGHTECH 1972-1985 EEUU y Reino Unido
Formas simples y mínimas, materiales
in- dustriales, diseños de marcado carácter tecnológico, materiales industriales empleados en entornos no industriales, “La forma sigue a la función”
POST INDUS TRIAL ISMO 1978-1984 (Reino Unido)
Diseños de edición limitada o ejemplar único, producción en lotes, Basto sin terminar, Reutilización de objetos fuera de las convenciones de la industria. Objetos producidos para individuos concretos, opuestos a la organización sin alma del Movimiento moderno
ANTIDISEÑO Colores llamativos, Distorsiones de escala, Uso de la ironía y elementos Kitsch: Rechazo valores formalistas, renueva el papel cultural del diseño, cuestionamiento del gusto y el buen diseño en detrimento de la funcionalidad Alessandro Mendini
Norman Foster
Tom Dixon, Ron Arad 25
Ettore Sottsass
Se cuestiona el énfasis modernista en la lógica simplicidad y el orden, fusión entre las bellas artes y la cultura de masas, incorpora simbolismos para posibilitar una mayor relación objeto-sujeto
POST MODERNISMO
Rechazo del proceso industrial, fusión de estilos anteriores, decoración en las superficies.
Aldo Rossi Alessandro Mendini Ettore Sottsass
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MEMPHIS
DECONSTRUC TIVISMO
1981-1988 Italia
1988- presente
Origen FranciaZaha Hadid Formas rotas y recortadas, geometrías retorcidas con múltiples capas, rechazo de la ornamentación Frank Owen Gehry, , Philippe Starck
Colores vivos, estilo Kitsch, formas geométricas agresivas, Diseños coloristas atrevidos con influencias del pasado y del presente. Ettore Sottsass
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HISTORIA DEL DISEÑO
HISTORIA DEL DISEÑO
CONTENIDO
1.
INTRODUCCIÓN 1.1. DISEÑADOR 1.2. MÉTODO
2.
ARTESANÍA
3.
EL PROCESO CAMBIA 3.1. DISEÑADOR 3.2. MÉTODO 3.3. DISEÑADOR 3.4. MÉTODO 3.5. DISEÑADOR 3.6. MÉTODO 3.7. DISEÑADOR 3.8. MÉTODO 3.9. DISEÑADOR 3.10. MÉTODO 3.11. DISEÑADOR 3.12. MÉTODO
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CRÉDITOS
DISEÑADORA CREATIVA Antía Larrán Pérez
EDITORA DE TEXTO Garbiñe Larralde Urquijo
EDITORIAL Colegio Jesús-María Bilbao
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HISTORIA DEL DISEÑO
1.
INTRODUCCIÓN
INTRODUCCIÓN A LA HISTORIA DEL DISEÑO El diseñador no es ingeniero. Su proceso de trabajo es menos científico y más intuitivo. En ello, precisamente, reside gran parte de su éxito. Se mueve entre lo hu- manístico y lo tecnológico, lo artístico y lo técnico, la sociología y el marketing. El diseño es una actividad multidisciplinar y el diseñador un generalista que maneja conoci mientos de muchas áreas muy distintas. Su trabajo, y por tanto los resultados del mismo, está influido por su cultura, su creati- vidad, las tendencias estéticas y, por qué no, las ideológicas. Este conglo- merado de factores, que influyen en el trabajo de diseño, son conse- cuencia de las circunstancias en que se originó esta disciplina. Por eso es necesario, si se quiere entender qué y cómo son los diseñadores y qué y cómo es el diseño, empezar por un breve recorrido histórico de esta disciplina y los avatares que la han llevado a lo que hoy es.
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2. A R T E S A N Í A
La producción de objetos, durante siglos, ha estado en manos, nunca mejor dicho, de los artesanos. Hay tres características que interesa destacar de este período. El objeto artesanal era elaborado individualmente, no en serie, y por lo tanto había diferencias entre objetos del mismo tipo realizados por un mismo artesano. Diferencias que podían ser debidas a singularidades del material, al deseo del cliente, a la propia inspiración del artesano o a su pericia.
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El artesano mantenía con el objeto que elaboraba una relación directa y podía modificar en cualquier momento partes del mismo. La evolución de los objetos artesanales responde a un proceso que Christopher Alexander denominó proceso "inconsciente de sí mismo". El oficio artesanal se transmitía de generación en generación basándose en el aprendizaje de las habilidades en el uso de las herramientas, el conocimiento de los materiales y los modelos formales del objeto que se estaba elaborando. La evolución de los objetos artesanales se produce porque a lo largo del tiempo van introduciéndose pequeñas adaptaciones, pequeños cambios como consecuencia de nuevas necesidades o circunstancias distintas en el uso del objeto o en los materiales empleados. Pero no existe por parte del artesano una consciencia de evolución. Eso es algo que llegará más tarde con la cultura del proyecto, que tiene su origen en el Renacimiento y que se desarrolla a partir de la Revolución Industrial.
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03. E L P R O C E S O C A M B I A
Las tres características del proceso artesanal de producción de objetos desaparece. Frente a la realización individualizada de cada pieza aparece la producción en serie y con ella, la homogeneización y el concepto del "estándar". La relación directa del artesano con el objeto ya no existe, ahora la intermediación de una máquina cada vez más rápida y compleja impide que el objeto pueda ser variado o modificado durante su fabricación. Estos dos cambios obligan a que el objeto esté perfectamente definido antes de entrar en producción. Es decir, a que haya un proyecto previo. Y con él se produce el suficiente distanciamiento entre la idea y su materialización como para poder cuestionar el por qué del objeto, de sus características, de su utilidad o de su belleza. Y así lo que nunca había sido cuestionado, porque formaba parte de un proceso "inconsciente de sí mismo", pasa a ser sistemáticamente analizado, puesto en duda y, finalmente, tomado como base de todo proyecto. Ha nacido el diseño, es decir la disciplina proyectual cuyo fin es definir las características formales y estructurales de un objeto producido industrialmente. 08
El mismo año en que se fundó la Deutscher Werkbund con el objetivo de promover la colaboración entre artistas e industrias. Pero antes de esto, ocurrieron muchas cosas que es necesario recordar para entender mejor qué es el diseño o, al menos, cómo es hoy en día.
Todo esto, evidentemente, no sucedió de la noche a la mañana. Más de 150 años fueron necesarios para encontrarnos, desde los inicios de la Revolución Industrial, con la que ha sido comúnmente aceptada como primera relación entre diseñador y empresa. Es la que en 1907 iniciaron el arquitecto alemán Peter Bebrens y AEG.
La llegada de estos nuevos modos de producción y el consiguiente cambio en los procesos de creación de los objetos dio lugar a la aparición de un problema nuevo: ¿qué formas debían tener estos objetos producidos con técnicas y procesos tan distintos a los artesanales?
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Durante un período inicial las industrias imitaban las formas artesanales que les habían precedido, sin considerar que las nuevas técnicas podían requerir otras soluciones. Las formas simples y geométricas impuestas por las nuevas tecnologías eran consideradas de mal gusto y disfrazadas bajo recargadas carcasas de estilo o bajo una profusión de ornamentos superficiales. Los objetos así producidos manifestaban un anacronismo formal y una incoherencia estructural que fueron denunciadas por intelectuales, arquitectos y artistas de la época, preocupados por la pérdida del buen gusto tradicional. Entres ellos destacaron especialmente Pugin, Morris y Ruskin quienes, dentro de la corriente del socialismo utópico, abogaban por la vuelta a la vida rural, frente al desarrollo caótico de las ciudades, y por el rechazo a la máquina como causante de todos los males sociales y de la regresión ética y estética.
Su resistencia fracasó, pero paradójicamente fueron los primeros en poner las bases de lo que sería el movimiento moderno, al defender la sencillez de las formas y su adecuación a la función que han de cumplir, poniendo como modelo las formas de la naturaleza. "Lo útil es bello", "la forma sigue a la función" y "menos es más" son las tres sentencias que definen y resumen la esencia del movimiento moderno, tanto en arquitectura como en diseño. El racionalismo y el funcionalismo acabaron
definitivamente con el ornamento y se constituyeron como doctrina de un diseño que debía ser la base del progreso, de un mundo mejor y de un universo de objetos útiles y bellos al alcance de todo el mundo. Esta nueva utopía generó la época dorada del diseño, con la Bauhaus como referente más señalado, e invistió a la profesión de un aura casi mesiánica y de una responsabilidad frente a la cultura, al progreso y a la sociedad que todavía hoy perdura y que conviene analizar.
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04. H I S T O R I A
DEL
D I S E Ñ O. : P R I N C I P A L E S
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PERÍODOS
1. EXPO. UNIVERSAL DE LONDRES
2. HISTORICISMO
En este periodo conviven, por un lado la arquitectura historicista, y por otro lado el progresivo desarrollo de la arquitectura del hierro, consecuencia de los cambios introducidos por los nuevos materiales y procesos industriales generados en la revolución industrial.
En ella se expusieron las grandes máquinas agrícolas de Estados Unidos. Frente a la tecnología generada en Europa, las máquinas americanas presentaban un interés mayor por el concepto de estandarización en la fabricación, lo cual derivaba de la naturaleza de la máquina.
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3. ART NUVEAU 1890-1905 o Modernismo
Diseñadores: En España, Francia, Inglaterra, Viena y EEUU diseños curvilíneos (Gaudí).
En Viena, Escocia y Alemania diseños rectilíneos (Mackintosh)
Se da un rechazo al historicismo y por eso se describe como el primer estilo verdaderamente moderno e internacional. Características principales del diseño de esta época son:
-Ornamentación naturalista. Introducción de nuevas formas de producción en serie, atención a lo natural como fuente de inspiración. -Asimetría -Curvilíneo: formas naturales de follaje, líneas sinuosas, curvas no geométricas en forma de látigo.
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Las artesanías de alta calidad con formas abstractas y la geometría de diseño japonés ejercen notable influencia. También influye la pintura prerrafaelista y la obra literaria de Oscar Wilde Diseñadores:, Cristopher Dresser. Ilustradores: Aubrey Beardsley, Mackmurdo
5. Jugendstil en Alemania (1890-1910)
4. Esteticismo o Aesthetic movement Reino Unido (1870-1900)
Surge en Inglaterra y se extiende a EEUU, Primeros intentos de aunar Diseño y funcionalidad Hay una reacción contra los excesos del neogótico. Se rechaza el propósito moral del arte.
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La interpretación alemana y escandinava del Art Noveau se inspiró en las tradiciones locales y poseía una simplicidad de formas figurativas y geométricas con superficies desprovistas de decoración. Diseño de Mobiliario y gráfico Henri van de Velde
Movimiento Moderno International Style
SECESIÓN VIENESA (1897-1920)
(1880-1940)
Principal movimiento del siglo XX emergió como consecuencia de la creciente industrialización. Formas simples y exentas de decoración, acabados suaves
Abstracción geométrica, formas rectilíneas. Trató de conciliar la arquitectura con las artes de- corativas. Diseñadores:
Diseño como elemento democratizador, desprecio de la decoración que se veía como degradación de la sociedad, los diseños racionales como virtuosos, explotar lo último en materiales y tecnología.
Josef Olbrich: edificio Secesión de Viena.
Diseñadores: -Mies Van der Rohe, -Bauhaus, -Adof Loos, -Peter Behrens, -Le Corbusier. 3
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BAUHAUS
Menos es más. La célebre frase convertida en mantra sintetiza la gran aportación de Van der Rohe, sin embargo, ¿qué significaba para él menos? La obra de arte total, sin descuidos, cerca de la peligrosa pureza formal, tenía monumentalidad y detalle.
(1919)
En Weimar se unen dos escuelas de Artes Decorativas, dando origen a la Bauhaus dirigida por Walter Gropius. Que busca formar a trabajadores industriales que dominen por igual la técnica y el diseño.
Le Corbusier diseñó lo que hoy es una pieza de mobiliaria icono del siglo XX, la Chaise Longue LC4 (1928), que destaca por su imagen, por sus materiales industriales, su forma ergonómica y su comodidad.
Nombres clave: Walter Gropius, Marcel Breuer, Mies van der Rohe. Después de la I Guerra Mundial, los diseñadores se aprovecharon de los nuevos materiales sintéticos y técnicas de producción. Experimentaron con tubo de acero y se consiguió la primera silla “en voladizo”, la “silla Cantilever” (1926), atribuida a Mart Stam, aunque también está reinterpretada por Mies van der Rohe o Marcel Breuer. Esta configuración de silla en tubo de acero no tiene las dos patas traseras, aguantando el peso en las dos anteriores y en su prolongación horizontal.. 16
ARQUITECTURA ORGÁNICA
La residencia Kaufmann, más conocida como la casa de la cascada (en inglés: Fallingwater) es una vivienda diseñada por el arquitecto estadounidense Frank Lloyd Wright, y construida entre 1936 y 1939 sobre una cascada del río Bear Run, en el condado de Fayette del estado de Pensilvania (Estados Unidos). Frank Lloyd Wright (1867-1959) es ampliamente considerado como el mejor arquitecto estadounidense, y a su vez, la "casa de la cascada" su obra maestra, así como uno de los hitos principales de la arquitectura del siglo XX.
ambientales del lugar, uso y función, materiales nativos, el pro- ceso de construcción y el ser humano o cliente.
damentalmente por los arquitectos escandinavos en la década 1930-40 y por el arquitecto estadounidense Frank Lloyd Wright.
La arquitectura orgánica u organicismo arquitectónico es una filosofía de la arquitectura que promueve la armonía entre el hábitat humano y el mundo natural.
El movimiento acepta muchas de las premisas del racionalismo, como son la planta libre, el predominio de lo útil sobre lo meramente ornamental, la incor- poración a la arquitectura de los adelantos de la era industrial, pero procura evitar algunos de los errores en que cae el racionalismo y aportar nuevos valores a la arquitectura.
El estilo orgánico es un movimiento arquitectónico que se deriva del funcionalismo o racionalismo y que puede considerarse promovido fun-
Fallingwater sigue los principios de arquitectura orgánica enfatizados por Wright en su escuela y estudio Taliesin. Básicamente consiste en integrar en una unidad (edificación) los factores 17
De Stijl , Neoplasticismo
Constructivismo 1921-1932 // suprematismo Origen Unión soviética.
Formas lineales y planas, composición dinámica, elementos cinéticos, uso de materiales modernos. Creencia de que el arte y el diseño deben supeditarse a la producción industrial.
De Stijl era un movimiento artístico cuyo objetivo era la integración de las artes o el arte total, y se manifestaban a través de una revista del mismo nombre que se editó hasta 1931.
Nombres clave: Rodchenko, Tatlin, Malévich.
Constituido en Leiden, Holanda en 1917, pertenecían a este movimiento: Piet Mondrian, Gerrit Rietveld, y Theo van Doesburg. Empleo de la línea recta, la cuadrícula asimétrica, colores planos y primarios
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Art Decó:
años
30 40. -
Origen Francia , desarrollo EEUU con el nombre de Moderne. Reacción frente al racionalismo alemán. Formas geométricas y escalonadas, colores vivos, bordes agudos, esquinas redondeadas, con motivos vegetales y animales, elementos del cubismo , fauvismo y futurismo, elementos exóticos japoneses, aztecas, egipcios, africanos. Estilización y depuración de las formas, descuida el carácter funcional del objeto.
Materiales caros: esmalte, marfil, bronce y piedra pulida. Materiales de producción en serie: cromo, cristal, cromado y baquelita Nombres clave; -Cristal René Lalique, Diseño Gráfico Casandre. -Donald Deskey diseñador industrial en EEUU.
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La Era Aerodinámica consumismo y estilo 1935-1955
1. Styling o Streamlining Origen: EEUU
Apariencia Aerodinámica, Bordes redondeados, volúmenes con acabados suaves, formas de lágrima. Tuvo una enorme influencia en la industria, cuyos programas anuales promovían que las modas tuviesen una duración limitada. Este enfoque captó la imaginación del público como símbolo del progreso Los argumentos estéticos superan los tecnológicos y funcionales adoptando la cosmética superficial como argumento principal de venta. La formas funcionales se sustituyen pos curvas dinámicas y ostentosas que atraigan al comprador. Nombres Clave: Raymon Loewy , Ray Charles Eames
2. Diseño escandinavo 1935-1955
Suecia, Dinamarca y Finlandia, menos industrializado que EEUU integran el proceso artesanal en la producción industrial para lograr las “Artes Industriales”. Nombres clave: Jacobsen, Alvar Aalto, Tapio Wirkkala, Timo Sarpaneva. El arquitecto Danés Arne Jacobsen fue uno de los estandartes de los principios racionalistas con un amor hacia las formas y materiales orgánicos. Un buen ejemplo de estos estilos son la “silla Ant”(1951) y su variante “silla 7”(1957), ambas de madera laminada moldeada, de manera que asiento y respaldo se convierten en una sola pieza, lo que hace que el respaldo consiga una cierta flexibilidad que lo hace confortable . Del mismo modo y totalmente inspirado por las formas de la naturaleza, el arquitecto y diseñador finlandés Eero Saarinen, diseñó la “silla Tulip” (1955)
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3. DISEÑO ITALIANO 1935-1955
La era de la Abundancia 1955-1975
1, Diseño Pop 1958-1972
Diseño de muebles con curvas aerodinámicas y surrealistas de Carlo Molino, y Zanuso Máquina de escribir Olivetti, diseño industrial Achille y Pier Giacomo Castiglioni, Cristales de Murano.
Origen EEUU y Reino Unido Inspirado en la consumo de masas y en la cultura popular. Cuestionó abiertamente los preceptos del buen diseño y rechazó el Movimiento Moderno y sus valores. Énfasis en la diversión el cambio, la variedad, la irreverencia y la posibilidad de desechar los productos. Económico de escasa calidad, reivindica la obsolescencia de los objetos. Colores del arco iris, formas atrevidas, uso de plásticos, repetición. Nombres Clave: Diseñador gráfico americano Milton Glaser.
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2. Verner Panton y Eero Arnio en diseño escandinavo, diseño industrial Achille y Pier Giacomo Castiglioni en Italia.
Mary Quant es una diseñadora de moda británica. Su nombre adquirió fama internacional en la década de 1960 con la creación de la MINIFALDA. Sus diseños pegaron fuerte en los años 60, y representaron fielmente la moda británica. Si bien fue la minifalda la que la hizo mundialmente famosa, su línea de cosméticos fue una máquina mundial de producción de dinero. El esmalte azul y el delineador de ojos plateado pasaron a ser los productos más buscados de la diseñadora que había declarado la muerte del buen gusto y había dicho que la vida estaba en "lo vulgar".
3. Escuela de Ulm Fundada en 1953 cerrada 1968
La Hochschule für Gestaltung escuchar HfG, Escuela Superior de Proyectación o Escuela de Ulm) fue una escuela universitaria de diseño radicada en Ulm, Alemania.
A principios de la década de 1960 una nueva generación de diseñadores rechazaban los sólidos valores del modernismo orgánico mediante la experimentación con nuevos e interesantes materiales, particularmente los plásticos, para crear muebles en colores vivos y formas fluidas. De esta época es la inconfundible “Silla Panton” (1968), la primera silla “en voladizo” de plástico. Sexy y elegante, la “silla Pantom” personifica el optimismo de la década de los 60.
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Nombres propios: Inge AicherScholl, Otl Aicher y Max Bill, este último, primer rector de la escuela. Durante su funcionamiento fueron investi- gados y puestos en práctica nuevos enfoques en el diseño basados en la búsqueda de la armonía entre la forma de un objeto y su uso.
ESTILOS DESDE 1975 HASTA HOY
Mercado joven productos baratos y de poca calidad. Cuestiona los preceptos del buen diseño. “Úselo hoy y tírelo mañana”
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MINIMALISMO 1967-1978 EEUU- Japón
Reducción de los medios expresivos y reivindicación del espacio vacío, formas geométricas, planos rígidos de color, composición con cuadrícula Moda Issey Miyake
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HIGHTECH 1972-1985 EEUU y Reino Unido
Formas simples y mínimas, materiales
in- dustriales, diseños de marcado carácter tecnológico, materiales industriales empleados en entornos no industriales, “La forma sigue a la función”
POST INDUS TRIAL ISMO 1978-1984 (Reino Unido)
Diseños de edición limitada o ejemplar único, producción en lotes, Basto sin terminar, Reutilización de objetos fuera de las convenciones de la industria. Objetos producidos para individuos concretos, opuestos a la organización sin alma del Movimiento moderno
ANTIDISEÑO Colores llamativos, Distorsiones de escala, Uso de la ironía y elementos Kitsch: Rechazo valores formalistas, renueva el papel cultural del diseño, cuestionamiento del gusto y el buen diseño en detrimento de la funcionalidad Alessandro Mendini
Norman Foster
Tom Dixon, Ron Arad 25
Ettore Sottsass
Se cuestiona el énfasis modernista en la lógica simplicidad y el orden, fusión entre las bellas artes y la cultura de masas, incorpora simbolismos para posibilitar una mayor relación objeto-sujeto
POST MODERNISMO
Rechazo del proceso industrial, fusión de estilos anteriores, decoración en las superficies.
Aldo Rossi Alessandro Mendini Ettore Sottsass
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MEMPHIS
DECONSTRUC TIVISMO
1981-1988 Italia
1988- presente
Origen FranciaZaha Hadid Formas rotas y recortadas, geometrías retorcidas con múltiples capas, rechazo de la ornamentación Frank Owen Gehry, , Philippe Starck
Colores vivos, estilo Kitsch, formas geométricas agresivas, Diseños coloristas atrevidos con influencias del pasado y del presente. Ettore Sottsass
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HISTORIA DEL DISEÑO