La Gráfica by antonio javier vasquez

DIAGRAMACIÓN MAQUETACIÓN COLOR TIPOGRAFÍA COMPOSICÍON LEY GESTALT LEY AUREA

EDITORIAL

e le conoce como diseño editorial a la composición y maquetación de publicaciones. Desde el siglo XX hasta la ctualidad ha ido en constante evolución. El un principio se vinculó a distintas artes como la pintura, la arquitectura y la poesía, pero fueron los movimientos artísticos y los cambios políticos los que generaron grandes cambios dentro del mismo. Haciendo de lado un poco la historia, esta rama del diseño no es otra cosa que el conjunto de imágenes y texto, estructurado de tal manera que armonice perfectamente y así transmita el mensaje deseado, generando un impacto planeado. Elementos como la tipografía, el color, tamaño de texto, uso de columnas y fotografías, entre otros, son esenciales para lograr una comunicación efectiva. Hay que procurar siempre darle dinamismo y orden a la lectura de nuestros mensajes para que éstos cumplan con su objetivo. Para conseguirlo también es de gran importancia tener un amplio conocimiento del público al cual pretendemos dirigirnos y de las posibilidades que brinda cada medio para lograr mayor alcance y disusión de nuestros contenidos. Hoy en día existen diversas maneras de emplear este recurso en distintas publicaciones como libros, folletos, revistas y páginas web. Y así como el mundo se va adaptando a los distintos estándares que dicta la moda, el diseño editorial ha evolucionado y se ha adaptado a estos estilos modernos , donde el uso de tipografías es más escandaloso. Al mismo tiempo se juega con cajas de texto menos rígidas, ahora las propuestas son más arriesgadas y se basan en el conceptoo idea central. El uso de imágenes también ha cambiado pues ya no acompañan al texto para ilustrar la información; ahora pueden ser la base del diseño. Las ilustraciones, a su vez, juegan un papel muy importante, ya que los ilustradores han cobrado fuerza en los últimos años, participando con proyectos únicos, vanguardistas y con novedosas técnicas que han dado excelentes resultados para el mundo del diseño. Aunque es una técnica que reúne elementos que pueden resultar complejos, es la creatividad la que nos permitirá jugar con la imaginación y valernos de distintos esquemas; el diseño editorial es en nuestros días, una manera de hacer más eficiente nuestra publicidad y perfeccionar estrategias de expresión.

INDICE Editorial

Diagramación y maquetación

El color

La tipografía

Composición en digramación

Ley de Gestalt

Ley Aurea

Hecho el depósito legal en la Biblioteca Nacional del Perú Nº 2008-15614 Tirada: 500 ejemplares Impresa por Forma e imagen. La revista La Gráfica es una publicación mensual. Se autoriza la reproducción de los contenidos de la revista, siempre y cuando se cite expresamente la procedencia de los mismos.

DIAGRAMACIÓN Y MAQUETACIÓN Diagramación, también llamada maquetación, es un oficio del diseño editorial que se encarga de organizar en un espacio, contenidos escritos, visuales y en algunos casos audiovisuales en medios impresos y electrónicos, como libros, diarios y revistas.

iagramar es distribuir, organizar los elementos del mensaje bimedia (texto e imagen) en el espacio bidimensional (el papel) mediante criterios de jerarquización (importancia) buscando funcionalidad del mensaje (fácil lectura) bajo una apariencia estética agradable (aplicación adecuada de tipografías y colores). Los conceptos diseño y diagramación involucran el problema de la composición. En realidad, la diferencia entre uno y otro es el papel que cumple cada uno en la edición periódica de la publicación. Mientras que el diseñador establece las pautas de la diagramación: formato, cajas de diagramación, tipografías, tamaño, estilo, formateo de párrafos, sangrías; propone color corporativo para textos, tratamiento de la imagen (sangrados, recuadros o aplicaciones especiales), criterios compositivos, en fin, todos los detalles que componen una publicación; el diagramador los aplica en cada una de las ediciones posteriores. Como vemos el diagramador resuelve la organización de las páginas de acuerdo con las normas ya establecidas por el diseñador en el manual de diseño.

Es posible que el mismo diseñador también pueda encargarse de la diagramación, pero las responsabilidades son distintas. Un buen diagramador es el que respeta esas normas, precisamente su creativividad radica en la capacidad para ofrecer múltiples posibilidades de presentación bajo una norma establecida. Cuando hablamos de los fundamentos de la diagramación nos referimos en esencia a los fundamentos del diseño gráfico:la tipografía, el color y la composición. Cuando queremos organizar una página necesitamos saber: - qué es lo que vamos a organizar - cómo lo vamos a organizar Lo que vamos a organizar son los textos y las imágenes, los cuales son los componentes básicos de los mensajes impresos, la forma cómo lo vamos a hacer es manejando los criterios de tipografía, color y composición. La tipografía, el color, y la composición constituyen las bases de la diagramación. Un entendimiento claro del significado de cada uno de estos conceptos permitirá al diagramador trabajar con seguridad un proyecto gráfico de cualquier envergadura.

EL ARTE DE LA MAQUETACIÓN La maquetación, esa desconocida especialidad dentro del diseño gráfico o al menos poco clara. Para algunos castigo divino cuando les toca, para otros un placer, pero fuera del entorno del diseño poca gente sabría definirla. Así que empecemos por ahí, la maquetación es la forma de componer las páginas dentro de un documento, combinando sus diferentes elementos, imágenes, textos, iconos, tablas, botones (en el caso de una maquetación interactiva), etc. Un texto bien redactado se merece una buena maquetación, porque sino todo ese trabajo que se ha realizado se viene a pique si una vez impreso, la tipografía o composición de los textos e imágenes no invita a leerlo, porque no se han respetado ciertas normas, una tipografía apropiada, el espacio entre letras (kerning), espacio entre palabras (tracking), interlineado, espacio entre párrafos, la separación entre texto con la imagen, donde se coloca esa imagen dentro de la página y muchos detalles más, que invitarán a leer o provocará rechazo, porque en la maquetación como en la vida hay que hacerse las cosas fáciles. La historia de la maquetación se inició en el siglo XIX, con la revolución industrial, la era de los periódicos y el aumento de la impresión y distribución de los ejemplares. Los primeros periódicos eran documentos atiborrados de texto y titulares, pero poco a poco y con los avances de la tecnología de edición e impresión se fueron depurando hasta llegar a los documentos actuales mucho más limpios y cuidados. En la actualidad nuestra herramienta principal de maquetación es Indesign, el programa profesional con funciones óptimas para conseguir los mejores resultados. La evolución del diseño en el campo de la maquetación ha sido grande, la revolución de los formatos web, pdfs, documentos interactivos y elementos multimedia, que poco a poco van desbancando a los documentos impresos… pero de esto y consejos a tener en cuenta a la hora de llevar a cabo con éxito ese puzzle que supone componer una buen documento, hablaremos más adelante.

EL COLOR El color en el diseño es el medio más valioso para que una pieza gráfica transmita las mismas sensaciones que el diseñador experimentó frente a la escena o encargo original.

sí como la tipografía resulta fundamental para el diseño del logotipo y demás elementos gráficos de una marca, igual importancia tiene el uso del color. Los colores producen diferentes emociones e influyen de manera decisiva en nuestra percepción de la realidad. Colores primarios y secundarios, en sus infinitas combinaciones entre sí y con un determinado tipo de letra, tienen el poder de transmitir un mensaje o emoción concreta, así como definir por completo la personalidad de la empresa. Por ello, no es recomendable obviar ni subestimar la decisión de un diseñador de emplear un color específico a la hora de crear la identidad corporativa e imagen de una marca. Existen estudios acerca de la psicología del color, es decir, de qué manera los colores comunican y transmiten emociones al espectador o cliente. Por ejemplo, el artista Josef Albers, quien en 1963 demostró en La interacción del color que nuestro ojo nunca percibe un color como realmente es. Esto supone un hecho a tener en cuenta, ya que un color puede ser percibido de diferente manera dependiendo del color con el que haga contraste. Es por ello importante que se realicen diferentes estudios de color, que se prueben diferentes combinaciones hasta dar con aquella que realmente funcione. Otras investigaciones han profundizado en cuáles son las emociones ligadas a cada color, y cuáles son los más apreciados y utilizados por los diseñadores (Eva Heller, Psicología del color). Las conclusiones afirman que los colores preferidos son el azul, el verde, el rojo, el amarillo y el negro, frente al marrón, rosa, gris, violeta y naranja, que son menos preciados.

El rojo es un color pasional, intenso, excitante, en cierto modo agresivo, y refleja valores como la vitalidad y la fortaleza. Algunas marcas famosas que han empleado este color son Coca Cola, Ferrari y Levi’s. El naranja es dinámico y radiante, y transmite una sensación amigable, de confidencia. Algunos ejemplos de su uso son los logos de Nickelodeon (cadena televisiva de programación infantil, a la cual este color le proporciona ese toque cercano y amistoso), VLC, Fanta, Amazon, y Blogger, entre otros.

El amarillo es un color luminoso y cálido, y refleja cualidades como el optimismo y la claridad. National Geographic, Nikon, SubWay, IKEA y McDonald’s son solo algunas entidades que optaron por incluirlo en su logo como color principal. El verde es un color tranquilo y apacible, y representa aspectos como la esperanza, la salud, y la paz. Ha sido utilizado por grandes marcas como Starbucks, XBOX, Whole Foods, Tropicana, Spotify, y Android.

El azul es el más utilizado por las empresas. Evoca profundidad, seriedad, confianza y solemnidad. Ha sido utilizado por marcas como Pepsi, HP, y redes sociales como Skype, Flickr, Twitter y Facebook. Es un color idóneo para productos de limpieza, líneas aéreas y aeropuertos, por representar al agua y el cielo. De hecho, NASA también utiliza este color en su emblema. El morado es un color que refleja la creatividad en estado puro, así como la imaginación y la sabiduría. Es el color principal de empresas como Yahoo, SyFy, Hallmark, y Taco Bell.

El blanco y negro suelen utilizarse en conjunto, transmitiendo una sensación de seriedad similar al gris. Son los colores utilizados por empresas como Cartoon Network, Puma, Nike, y Herald Tribune.

LA TIPOGRAFÍA E

l diseño gráfico es una disciplina que abarca mucho. Antes de elaborar un producto como por ejemplo un logotipo, se deben tener en cuenta y trabajar muchos elementos como la idea, el color, la tipografía, posición, distancias o la composición, y lograr que todos se combinen armónicamente. Podemos comparar este trabajo al de una sinfonía en la que una mala nota puede arruinar toda una presentación. Sin embargo la tipografía juega un papel muy importante que va más allá de no desentonar con los demás elementos, pues el tipo de letra en sí mismo puede comunicar ideas como prestigio, emociones o alegría, además de que funciona como un signo de identidad. No olvidemos que así como existe color corporativo también se trabaja con tipografía corporativa.

¿Qué es? Podemos decir que es la que se encarga de la materialización visual del lenguaje verbal, es decir, de la escritura. Es el arte de jugar con los elementos gráficos del texto escrito: usar los espacios y definir la forma de las letras de acuerdo a algún objetivo específico que puede ir desde optimizar la legibilidad del texto hasta adecuarlo para que exprese algún concepto como elegancia. Para que tengas una idea más clara vamos a decir simplemente son los tipos de letra de los menús de los programas de procesamiento de textos, diseño o vídeo. Esto significa que todas las posibilidades tipográficas entre las que escoges diariamente en Word, por ejemplo, no están allí por arte de magia, sino que cada una ha sido pensada, dibujada y materializada por alguien con algún objetivo.

Clasificación Tipográfica

Sans Serif o de Palo Seco se caracterizan por reducir los caracteres a su esquema esencial.Las mayúsculas se vuelven a las formas fenicias y griegas y las minúsculas están conformadas a base de líneas rectas y círculos unidos, reflejando la época en la que nacen, la industrialización y el funcionalismo.

Serif o Romanas son regulares, tienen una gran armonía de proporciones, presentan un fuerte contraste entre elementos rectos y curvos; y sus remates o serifas les proporcionan un alto grado de legibilidad.

Las fuentes Góticas son de estructura densa, composición apretada y verticalidad acentuada, manchan extraordinariamente la página. Además, no existe conexión entre letras, lo que acentúa más su ilegibilidad.

Las caligràficas unen las familias generadas con las influencias más diversas (rústica romana, minúscula carolingia, letra inglesa, caracteres unciales y semiunciales), basadas todas ellas en la mano que las creó. Con el tiempo la escritura caligráfica se hizo cada vez más decorativa.

Las decorativas no fueron concebidas como tipos de texto, sino para un uso esporádico y aislado.

COMPOSICIÓN EN DIAGRAMACIÓN La composicion se define como una distribución o disposición de todos los elementos que incluiremos en un diseño o composición, de una forma perfecta y equilibrada.

as técnicas visuales nos ayudan a ordenar los elementos que disponemos en el espacio, de manera clara, para fortalecer el mensaje que queremos dar a entender, por lo que sin ellas, esto no sería posible. La fragmentación téncica, opuesta a la unidad, es una execlente opción para la expresión de la excitación y la variedad. Asimismo, estas variantes implican una gama muy amplia de posiblidades de expresión y comprensión. Es por esto que los diseñadores cuentan de una gran variedad de opciones para componer, las cuales, combinadas, se potencian unas con otras en las aplicaciones compositivas. Sin embargo, cuando sse emplean estas ténicas debe ser clara su utilización, de los contrario podrían confundir el mensaje. A continuación, algunos ejemplos de las técnicas visuales en piezas creadas por diseñadores que ahn utilizado dichas técnicas, las cuales pueden identificarse facilmente.

VERTICALIDAD Y HORIZONTALIDAD Para esto debemos entender el comportamiento de los objetos: si un punto se mueve surge una línea, la línea se mueve y produce una superficie plana, la unión de superficies planas crean un cuerpo. Para Vasili Kandinski la línea expresaba el movimiento. El hombre desde que nace busca adaptarse a su entorno y modificarlo de forma tal de obtener mas confort. Esa adaptación se relaciona con la necesidad natural de buscar equilibrio, la acción natural de la gravedad de mantener a los seres en la superficie y en posición equilibrada se asocia con el concepto de verticalidad, expresando también los deseos del hombre de que por lo tanto todo lo que le rodea este también en equilibrio. Así mismo, su necesidad de vincularse físicamente con su entorno lo lleva a trasladarse de un lugar a otro operándose alli una relación con el concepto de horizontalidad.

FORMA Espacio donde se desarrolla la composición y que hace referencia a las relaciones de altura y anchura de la imagen. Puede ser: – horizontal. El autor busca equilibrios triangulados

ARMONIA La idea de que todos los elementos deben de ser compatibles, está muy relacionada con la unidad. El diseñador logra la armonía mediante la selección de elementos que combinen.

– cuadrado. El autor busca simetrías – vertical. El autor busca resaltar la precariedad de los objetos. Estamos acostumbrados a formatos rectangulares porque es el rectángulo el de mayores posibilidades expresivas.

EQUILIBRIO Por equilibrio se quiere indicar el control del tamaño, tono, peso y posición de los elementos que constituyen el anuncio. Puede ser de dos clases: Equilibrio Formal: Un anuncio de equilibrio formal posee elementos de igual peso, tamaño y forma a los dos lados izquierdo y derecho de una línea vertical imaginaria trazada en el centro del anuncio. Equilibrio informal: Los objeto parecen estar colocados al azar en la página pero guardan tal relación entre sí que la página en su totalidad está equilibrada, requiere más trabajo pero los efectos pueden ser imaginativos y distintivos.

SIMETRIA Es la correspondencia mutua de las partes de un todo en térmnos de tamaño, forma, color o disposición. Los objetos y elementos pueden ser simétricos (reflejados a lo largo del eje de simetría) o simétricos por el centro. El equilibro simétrico se produce cuando al dividir una composición en dos partes iguales, existe igualdad de peso en ambos lados. No se encuentran elementos que sobresalgan más que el resto en importancia y peso.

RITMO Es la repetición o alternancia de elementos, a menudo con intervalos definidos entre ellos. El ritmo puede crear una sensación de movimiento, y puede establecer un patrón y una textura. Hay diferentes tipos de ritmo, a menudo se definen por el efecto que resulta al mirar.

JERARQUIZACIÓN Se trata de asignar valores a cada uno de los elementos visuales y hacer que en varios niveles se vayan organizando de acuerdo con la necesidad de enfatizar jerárquicamente los distintos elementos que componen el mensaje. Siempre habrá un elemento líder al que hay que destacar en sus diferentes atributos: tamaño, color, posición, orientación, opacidad y, detrás de él, en un orden jerárquico los demás.

LAS LEYES DE GESTALT

os principios Gestalt son una serie de teorías de la percepción visual funadada por el grupo de psicólogos alemanes Max Weithimer, Wolfgang Kohler y kurt Koffka. Significa forma y se refiere a como percibimos los seres humanos las cosas. Se puede encontrar en cualquiera de los campos del diseño, incluyendo el diseño de logotipo. Cuando los seres humanos ven un grupo de objetos, perciben su totalidad antes de ver los objetos individuales. No ven el todo como algo más que la suma de las partes, e incluso cuando las partes son entidades totalmente independientes, se ve al grupo como un todo.

PROXIMIDAD Los objetos que están más cercanos tienden a percibirse como un grupo.

FIGURA FONDO Parte del cerebro no percibe un objeto como figura o fondo a la vez.

SEMEJANZA Percibimos como iguales los objetos que están agrupados.

CONTINUIDAD Se tienden agrupar los elementos que siguen un patrón de continuidad.

PREGNANCIA Se perciben mejor las formas simples o simétricas y se memorizan mejor.

SIMETRÍA Se perciben como iguales las imágenes simétricas.

CIERRE Tendemos a completar una figura incompleta.

EXPERIENCIA Percibimos algo en función de lo que conocemos y de nuestro aprendisaje.

LA PROPORCIÓN AUREA

a sección áurea o dorada es una relación matemática que se encuentra en la naturaleza que se puede utilizar para crear composiciones estéticamente armoniosas. La sección áurea tiene una estrecha relación con la secuencia de Fibonacci y describe la relación perfectamente simétrica entre dos proporciones. Es aproximadamente igual a la proporción 1: 1,61. Comúnmente se ilustra con un rectángulo que consiste en un cuadrado. Si eliminas el cuadrado del rectángulo, tendrás otro rectángulo más pequeño y esto puede suceder infinitamente. Esto sucede al contrario del la secuencia de Fibonacci (0, 1, 1, 2, 3, 5, 8, 13, …) pues cada término es la suma de los dos anteriores. La proporción áurea se ha utilizado en arte y diseño por más de 4 mil años. En tiempos más modernos, la proporción áurea se puede observar en la música, el arte y el diseño. Los ejemplos más famosos son: El Partenón, La ultima Cena y la Gioconda, de Leonardo da Vinci; y más comúnmente en las formas de la naturaleza.

Cómo aplicarlo a tu diseño La forma más rápida de aplicar la proporción áurea es utilizar la regla de tercios, que es dividir un área en tercios iguales tanto vertical como horizontalmente, la intersección de las líneas proporcionará un punto focal natural para la forma. Cómo aplicarlo a tu diseño La forma más rápida de aplicar la proporción áurea es utilizar la regla de tercios, que es dividir un área en tercios iguales tanto vertical como horizontalmente, la intersección de las líneas proporcionará un punto focal natural para la forma.