historia de la tipografĂa antonio mejĂa lechuga
centros de estudios gestalt para el diseĂąo
ensayo
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septiembre 2014
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historia de la tipografĂa
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Introducción Estilo línea del tiempo Tipografía Tipógrafo Conclusiones
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Apéndices: Línea del tiempo Tipoesía Impresión con tipos móviles Investigación iconográfica
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historia de la tipografía
contenido
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introducci贸n
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introducción
La historia de la tipografía —y por carácter transitivo, también la historia del libro— está estrechamente vinculada a la del diseño gráfico; esto puede ser así porque prácticamente no existen diseños gráficos en los que no se incluyan elementos gráficos de este tipo. De ahí que cuando se habla de la historia del diseño gráfico, también se cita la tipografía de la columna trajana, las miniaturas medievales, la imprenta de Johannes Gutenberg, la evolución de la industria del libro, los afiches parisinos, el Movimiento de Artes y Oficios (Arts and Crafts), William Morris, la Bauhaus, etc.”
Durante el siglo XIX el diseño de mensajes visuales fue confiado alternativamente a dos profesionales: el dibujante o el impresor. El primero estaba formado como artista y el segundo como artesano, ambos frecuentemente en las mismas escuelas de artes y oficios. Para el impresor tenía como arte el uso de ornamentos y la selección de fuentes tipográficas en sus composiciones impresas. El dibujante veía a la tipografía
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Tras Gutenberg, no se vieron cambios significativos hasta que a finales del siglo XIX, específicamente en Gran Bretaña, se hizo un esfuerzo por crear una clara división entre las Bellas Artes y las Artes Aplicadas.
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La introducción de los tipos móviles por Johannes Gutenberg hizo a los libros más baratos de producir, además de facilitar su difusión. Los primeros libros impresos marcaron el modelo a seguir hasta el siglo XX. El diseño gráfico de esta época se ha llegado a conocer como Estilo Antiguo (especialmente la tipografía que estos primeros tipógrafos usaron) o Humanista, debido a la escuela filosófica predominante de la época.
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como un elemento secundario y prestaba más atención a elementos ornamentales e ilustrativos. Entre 1891 y 1896, la imprenta Kelmscott de William Morris publicó algunos de los productos gráficos más significativos del Movimiento de Artes y Oficios (Arts and Crafts), y fundó un lucrativo negocio basado en el diseño de libros de gran refinamiento estilístico, vendiéndolos a las clases pudientes como objetos de lujo. Morris demostró que existía un mercado para los trabajos de diseño gráfico, estableciendo la separación del diseño con respecto a la producción y las bellas artes. El trabajo de la imprenta Kelmscott está caracterizado por su recreación de estilos históricos, especialmente medievales.
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Primeras vanguardias El diseño de principios del siglo XX, al igual que las bellas artes del mismo periodo, fue una reacción
contra la decadencia de la tipografía y el diseño de finales del siglo XIX. El interés por la ornamentación y la proliferación de cambios de medida y estilo tipográfico en una misma pieza de diseño, como sinónimo de buen diseño, fue una idea que se mantuvo hasta fines del siglo XIX. El Art Nouveau, con su clara voluntad estilística fue un movimiento que aportó a un mayor orden visual en la composición. Si bien mantuvo un alto nivel de complejidad formal, lo hizo dentro de una fuerte coherencia visual, descartando la variación de estilos tipográficos en una misma pieza gráfica. Los movimientos artísticos de la segunda década del siglo XX y la agitación política que los acompañaba, generaron dramáticos cambios en el diseño gráfico. El Dada, De Stijl, Suprematismo, Cubismo, Constructivismo, Futurismo, y el Bauhaus crearon una nueva visión
que influyó en todas las ramas de las artes visuales y el diseño. Todos estos movimientos se oponían a las artes decorativas y populares, así como también el Art Nouveau, que bajo la influencia del nuevo interés por la geometría evolucionó hacia el art déco. Todos estos movimientos aparecieron con un espíritu revisionista y transgresor en todas las actividades artísticas de la época. En este período también proliferaron las publicaciones y manifiestos, mediante los cuales los artistas y educadores mostraron sus opiniones. Durante la década de 1930 se desarrollaron aspectos interesantes para la composición del diseño gráfico. El cambio de estilo gráfico fue trascendental porque muestra una reacción contra el organicismo y eclecticismo ornamentalista de la época y propone un estilo más despojado y geométrico. Este estilo, conectado con el constructivismo, el suprematismo, el neoplasticismo, el De Stijl y el Bauhaus, ejerció una influencia duradera e ineludible en el desarrollo del diseño gráfico del siglo XX. Otro elemento importante en relación a la práctica profesional, fue el creciente uso de la forma visual como elemento comunicacional. Este elemento apareció sobre todo en los diseños producidos por el Dada y el De Stijl.
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El símbolo de la tipografía moderna es la tipografía sin serifa o de palo seco, inspirada por los tipos industriales de finales del siglo XIX. Destacan Edward Johnston, autor de la tipografía para el Metro de Londres, y Eric Gill.
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línea del tiempo
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Para entender los diferentes estilos artísticos que han influenciado en la historia del diseño gráfico y más específicamente en la historia de la tipografía, es necesario aventurarnos y navegar a través de una línea del tiempo que nos permita ubicar el contexto de la sociedad vivida en las diferentes partes del mundo en las cuales surgieron todos estos movimientos, motivados por una época de cambios, de ideologías y de luchas. Muchos de estos acontecimientos, se entrelazan en nuestro pequeño mundo para dar pie a acontecimientos, anécdotas y coincidencias que nos generan un panorama muy interesante. Factores como las situaciones políticas, económicas y sociales, nos serán guía para comprender aquello que motivó a estos personajes, protagonistas de la historia, y que hoy recordamos como los actores principales de diferentes corrientes de expresión artística.
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Lo que nos atañe en este capítulo es un panorama gráfico general que nos lleva a través de finales del siglo XIX, hasta mediados y finales del siglo XX, época en la cual nos basaremos para platicar un poco de las corrientes estilísticas, los personajes históricos y los frutos de estos ciudadanos comunes que al día de hoy han dejado huella en nuestro trabajo diario como diseñadores.
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La siguiente línea cronológica muestra el período de tiempo que nos ocupa el presente ensayo, es decir, la primera mitad del siglo xx y algunos de los principales acontecimientos a nivel mundial, a la par de algunos de los evento más importantes de la historia de México. Todo esto con el objetivo de unir puntos en el transcurso de la historia que nos puede resultar más cercana para nuestro contexto cultural.
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Desde el punto de vista histórico, el primer tercio del siglo XX se caracterizó por grandes tensiones y enfrentamientos entre las potencias europeas. Por su parte, la Primera Guerra Mundial (entre 1914 y 1918) y la Revolución Soviética (en octubre de 1917) fomentaron las esperanzas en un régimen económico diferente para el proletariado.
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Tras los años 1920, época de desarrollo y prosperidad económica conocida como los años locos, vendría el gran desastre de la bolsa de Wall Street (1929) y volvería una época de recesión y conflictos que, unidos a las difíciles condiciones impuestas a los vencidos de la Gran Guerra, provocarían la gestación de los sistemas totalitarios (fascismo y nazismo) que conducirán a la Segunda Guerra Mundial.
Desde el punto de vista cultural, fue una época dominada por las transformaciones y el progreso científico y tecnológico (la aparición del automóvil y del avión, el cinematógrafo, el gramófono, etc.). El principal valor fue, pues, el de la modernidad (o sustitución de lo viejo y caduco por lo nuevo, original y mediado tecnológicamente).
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Europa vivía, al momento de surgir las vanguardias artísticas, una profunda crisis. Crisis que desencadenó la Primera Guerra Mundial, y luego, en la evidencia de los límites del sistema capitalista. Si bien «hasta 1914 los socialistas son los únicos que hablan del hundimiento del capitalismo», como señala Arnold Hauser, también otros sectores habían percibido desde antes los límites de un modelo de vida que privilegiaba el dinero, la producción y los valores de cambio frente al individuo.
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Por su parte, en el ámbito literario era precisa una profunda renovación. De esta voluntad de ruptura con lo anterior, de lucha contra el sentimentalismo, de la exaltación del inconsciente, de lo racional, de la libertad, de la pasión y del individualismo nacerían las vanguardias en las primeras décadas del siglo XX.
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A continuaciĂłn mostramos el paralelismo entre la historia universal, la de MĂŠxico y las vanguardias que ocupan nuestra lĂnea del tiempo.
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las vanguardias
El joven Picasso en París
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Resultado de esto fue la chatura intelectual, la pobreza y el encasillamiento artístico contra los que reaccionaron en 1905: Pablo Picasso y Georges Braque con sus exposiciones cubistas, y el futurismo que, en 1909, deslumbrado por los avances de la modernidad científica y tecnológica, lanzó su primer manifiesto de apuesta al futuro y rechazo a todo lo anterior. Una de las características visibles de las vanguardias fue la actitud provocadora. Se publicaron manifiestos en los que se atacaba todo lo producido anteriormente, que se desechaba por desfasado, al mismo tiempo que se reivindicaba lo original, lo lúdico, desafiando los modelos y valores existentes hasta el momento.
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Surgen diferentes ismos (futurismo, dadaísmo, cubismo, constructivismo, ultraísmo, surrealismo, suprematismo, rayonismo, etc.), diversas corrientes vanguardistas con diferentes fundamentos estéticos, aunque con denominadores comunes: • La lucha contra las tradiciones, procurando el ejercicio de la libertad individual y la innovación; • Audacia y libertad de la forma. • El carácter experimental y la rapidez con que se suceden las propuestas, unas tras otras. En la pintura ocurriría una huida del arte figurativo en favor del arte abstracto, suprimiendo la personificación. Se expresaría la agresividad y la violencia, violentando las formas y utilizando colores estridentes. Surgieron diseños geométricos y la visión simultánea de varias configuraciones de un objeto.
Dentro de las técnicas usadas se encuentra el collage, y principalmente la descomposición de las imágenes en figuras geométricas para representar el objeto en su totalidad, incluidos todos sus planos, en la obra. Tuvo dos etapas: un cubismo analítico, que buscaba la descomposición total del objeto, y un cubismo sintético, en el cual se descarta la perspectiva para representar todos los planos del objeto en la misma obra. En la poesía, su estilo más popular fue el caligrama, su principal exponente fue Guillaume Apollinaire.
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Pablo Picasso / Les Demoiselles d’Avignon / 1907
cubismo
El cubismo nació en Francia en 1906. Sus principales rasgos son la asociación de elementos imposibles de concretar, desdoblamiento del autor, disposición gráfica de las palabras, sustitución de lo sentimental por el humor y la alegría y el retrato de la realidad a través de figuras geométricas. Los inspiradores del movimiento fueron Pablo Picasso y Georges Braque. Algunos de los principales maestros fueron Juan Gris, María Blanchard, Fernand Leger, Jean Metzinger y Albert Gleizes, pero con anterioridad Paul Cézanne ya habría marcado el camino.
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futurismo
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El futurismo, movimiento inicial de las corrientes de vanguardia artística, surgió en Milán (Italia) impulsado por el poeta italiano Filippo Tommaso Marinetti, quien recopiló y publicó los principios del futurismo en el manifiesto del 20 de febrero de 1909, en el diario Le Figaro de París. Al año siguiente, los artistas italianos Giacomo Balla, Umberto Boccioni, Carlo Carrà, Luigi Russolo y Mario Jordano firmaron el llamado Manifiesto del Futurismo.
Umberto Boccioni / Dinamismo de un Ciclista / 1913
Marinetti concibió esta nueva estética, inspirado en la patafísica de Alfred Jarry, en Remy de Gourmont y en procedimientos estilísticos, que este movimiento literario, no asumió, respecto de ninguna tradición formal, ni cultural previa. El futurismo fue llamado así por su intención de romper absolutamente con el arte del pasado (el llamado pasadismo), y por considerar que los museos, en especial en Italia, eran sitios equivalentes a los cementerios, donde la tradición artística común lo impregnaba todo.
Con el correr de los años, Marinetti fue politizando el movimiento, hasta coincidir con las tesis del fascismo, en cuyo partido ingresó en 1919.
El suprematismo fue un movimiento artístico enfocado en formas geométricas fundamentales (en particular, el cuadrado y el círculo), que se formó en Rusia en 1915-1916. Fue fundado por Kazimir Malévich. Surgió en Rusia paralela al Constructivismo (alrededor de 1915). Se inició con las ideas del pintor Kasimir Malévich, quien promovía la abstracción geométrica y el arte abstracto, en búsqueda de la supremacía de la nada y la representación del universo sin objetos. El Suprematismo rechazaba el arte convencional buscando la pura sensibilidad a través de la abstracción geométrica. Se desarrolló entre los años 1913 y 1923, siendo su primera manifestación la pintura de Malévich “Cuadrado negro sobre fondo blanco” de 1915. La primera exposición del suprematismo fue en Moscú en 1915 donde se mostró por primera vez el Cuadrado Negro y cuadrado rojo. Ese mismo año el pintor Kasimir Malévich y el poeta Vladímir Maiakovski escriben el manifiesto. En 1920 Malévich completa sus teorías escribiendo un ensayo El suprematismo (también conocido como El mundo de la no representación). Los suprematistas se juntaron en un grupo denominado Supremus (sociedad de artistas) cuyo líder era Malévich, entre ellos se encuentran Liubov Popova, El Lissitzky, Aleksandr Ródchenko.
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suprematismo
La estética futurista pregona una ética, de raíz fundamentalmente
machista, misógina y provocadora. Entre sus postulados se dignifica la guerra como una fórmula para el sanamiento de un mundo anacrónico y decrépito, y proscribe la argumentación sentimental o anecdótica.
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Según Marinetti, había que hacer tabla rasa del pasado y crear un arte nuevo, desde cero, acorde con la mentalidad moderna y las nuevas realidades, tomando como modelo a las máquinas y sus virtudes: la fuerza, la rapidez, la velocidad, la energía, el movimiento, la deshumanización.
La asociación de artistas de la Rusia revolucionaria (creada en 1922) determinó que, al haber tanto analfabetismo, había que volver al realismo, para 1925 esta vanguardia estaba casi desaparecida. El suprematismo (como la obra de Wassily Kandinsky y el Neoplasticismo) fue uno de los principales logros de la abstracción. Aunque no tuvo muchos seguidores en Rusia, ejerció una gran influencia en el desarrollo del arte y el diseño de Occidente y en la Bauhaus.
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Los suprematistas no seguían los estilos tradicionales de la pintura, y no trasmitían mensajes sociales. Las obras suprematistas fueron aumentando su colorido y composición con el paso del tiempo.
Wassily Kandinsky / Composición VII
constructivismo
Kasimir Malévich
El término construction art (“arte para construcción”) fue utilizado por primera vez de manera des-
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pectiva por Kasimir Malévich para describir el trabajo de Aleksandr Ródchenko en 1917. Además del constructivismo ruso o soviético, que se vincula al suprematismo y al rayonismo o cubismo abstracto; se habla también de un “constructivismo holandés”: el neoplasticismo de Piet Mondrian, Theo van Doesburg y el grupo De Stijl.
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El constructivismo fue un movimiento artístico y arquitectónico que surgió en Rusia en 1914 y se hizo especialmente presente después de la Revolución de Octubre, hasta que en la época de consolidación del estalinismo fue sustituido por el realismo socialista.
dadaísmo
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Surgió en Zúrich, Suiza, entre 1916 y 1922. Hugo Ball y Tristan Tzara se hicieron notar como fundadores y principales exponentes. El movimiento creció y rápidamente se extendió a Berlín y a París. Uno de los motivos que llevó al surgimiento de DADA fue la violencia extrema y la pérdida de sentido que trajo la Primera Guerra Mundial. Rebelándose contra el statu quo, las convenciones literarias y artísticas y rechazando las convenciones de la sociedad aburguesada -que consideraban egoísta y apática - los dadaístas hicieron de su arte un modus vivendi. El poema dadaísta solía ser una sucesión de palabras y sonidos, lo que hace difícil encontrarle lógica. Se distinguió por una inclinación hacia lo incierto y a lo absurdo. Por su parte, el procedimiento dadaísta buscaba renovar la expresión mediante el empleo de materiales inusuales, o manejando planos de pensamientos antes no mezclables, con una tónica general de rebeldía o destrucción.
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Posteriormente, nació el dadaísmo norteamericano en Nueva York con Francis Picabia y el francés Marcel Duchamp.
Tristan Tzara
Cuando vió pinturas cubistas por primera vez en 1910, Mondrian evolucionó de la pintura del paisaje tradicional hacia un estilo simbólico. Influenciado por Gauguin, que expresaba las fuerzas de la naturaleza. En los años siguientes, eliminó todo indicio de los elementos representativos y evolucionó
Estaban profundamente comprometidos con el clima espiritual e intelectual de su tiempo y deseaban “expresar la consciencia general de su época”. De Stijl buscaba las leyes universales que gobiernan la realidad visible, pero que se encuentran escondidas por las apariencias externas de las cosas. La teoría científica, la producción mecánica y los ritmos de la ciudad moderna se formaron
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Los pintores Piet Mondrian y Bart van der Leck, el arquitecto J.J.P. Oud y otros se unieron a Theo van Doesburg fundador y guía espiritual de este grupo. De todos sus miembros, van der Leck ya creaba diseños gráficos con franjas negras sencillas, organizando el espacio y utilizando imágenes de formas planas con una paleta de colores que ejerció fuerte influencia en Mondrian. Las pinturas de Mondrian constituyen la fuente a partir de la cual se desarrollaron la filosofía y las formas visuales de De Stijl.
del cubismo hacia una abstracción geométrica pura. Durante una temporada, en el año 1917, las pinturas de Mondrian, van der Leck y van Doesburg eran difícilmente distinguibles (cabe destacar el hecho de que Mondrian jamás aceptó la línea diagonal en sus trazados, aunque sí consideró apropiado el uso de la misma para orientar el formato; esto es: podremos saber siempre si estamos ante un Mondrian si no hay ninguna línea inclinada, aunque el formato del lienzo sea un cuadrado colocado en diagonal. Van Doesburg, por el contrario, sí admitió el trazo de la diagonal. A pesar de que sus cuadros puedan parecer exactamente iguales, si nos fijamos en este detalle tendremos absoluta certeza de quién es el autor). Además de su restringido vocabulario visual, los artistas De Stijl buscaron una expresión de la estructura matemática del universo y de la armonía universal de la naturaleza.
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de stijl
De Stijl era un movimiento artístico cuyo objetivo era la integración de las artes o el arte total, y se manifestaban a través de una revista del mismo nombre que se editó hasta 1931. Constituido en Leiden, Holanda en 1917, pertenecían a este movimiento Vilmos Huszár, Cornelis Van Eesteren, Antony Kok, Piet Mondrian, Bart van der Leck, Gerrit Rietveld, Jacobus Johannes Pieter Oud y Theo van Doesburg.
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XX. Kasimir Malevich y Mondrian utilizaron líneas, formas y colores puros para crear un universo de relaciones puras ordenadas armoniosamente. Esto fue visto como un prototipo quimérico para un nuevo orden mundial. Mondrian escribió que el arte “desaparecería en la misma proporción que la vida gana equilibrio”. La tecnología y la forma visual se convirtieron en el objetivo de quienes se empeñaron en lograr una arquitectura y un diseño gráfico diferentes.
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a partir de estas leyes universales. En el año 1924, Mondrian dejó de contribuir con sus artículos en el periódico después de que Van Doesburg desarrolló su teoría del elementarismo, la cual declaraba a la diagonal como un principio compositivo más dinámico que la construcción horizontal y vertical. La búsqueda de un arte puro de relaciones visuales iniciado en Holanda y en Rusia, había permanecido con una preocupación importante en las disciplinas visuales durante el siglo
Piet Zwart / Borenzagenvijlen
«Arquitectos, escultores, pintores, ... debemos regresar al trabajo manual ... Establezcamos, por lo tanto, una nueva cofradía de artesanos, libres de esa arrogancia que divide a las clases sociales y que busca erigir una barrera infranqueable entre los artesanos y los artistas». Walter Gropius
Según Philip B.Meggs, la Bauhaus generó un nuevo estilo tipográfico en su escuela de diseño de Alemania, Bauhaus (1919-1933). Se emplearon casi exclusivamente las fuentes de sans-serif y Bayer diseñó un tipo universal que redujo el alfabeto a formas limpias, simples y construidas en forma racional.
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El nombre Bauhaus deriva de la unión de las palabras en alemán Bau, “construcción”, y Haus, “casa”; irónicamente, a pesar de su nombre y del hecho de que su fundador fue un arquitecto, la Bauhaus no tuvo un departamento de arquitectura en los primeros años de su existencia.
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la bauhaus
La Staatliche Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal), o simplemente la Bauhaus, fue la escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania) y cerrada por las autoridades prusianas en manos del Partido Nazi.
estilo tipográfico internacional
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Tras el paréntesis que significó la II Guerra Mundial, un nuevo estilo de diseño gráfico emerge en Suiza en los años 50 y llegará a ser el predominante hasta los años 70 y una referencia imprescindible en la época actual, de hecho sus teorías sobre la forma tipográfica siguen estando en la base de las enseñanzas que se imparten en las escuelas de diseño. Este movimiento es conocido como “estilo internacional”. El nuevo estilo se funda sobre las innovaciones previas de los constructivistas y especialmente de la “tipografía elemental” y tiene en cuenta a su vez la necesidad creciente de comunicación internacional y el desarrollo de un nuevo medio, la fotografía. Este estilo se sustentaba sobre tres pilares básicos: • • •
El uso de una rejilla modular que dotaba al diseño de coherencia y estructura interna. El empleo de tipografías sans-serif y disposición asimétrica de los distintos elementos del diseño. Utilización de la fotografía en blanco y negro en lugar de ilustraciones.
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La impresión general era simple y racional con una estructura clara y concisa. El estilo tuvo como centro de eclosión dos escuelas de diseño en Suiza, una en Basilea liderada por
Otro factor que contribuyó a la rápida extensión del estilo fue el incremento y la globalización de los mercados y el auge de las comunicaciones hacen que las corporaciones internacionales tengan la necesidad de una identificación
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Los trabajos de Hofmann se caracterizaban por la acentuación del contraste entre los elementos del diseño A su vez Muller-Brockmann dictaba normas más estrictas en la composición del diseño que entendía como algo eminentemente funcional, separación de líneas de texto compactas, letras sin remate, espacio entre palabras uniforme eran algunos de
sus postulados caracterizándose sus trabajos por la exploración del ritmo y del tempo de las formas visuales. El nuevo estilo pronto llegó ser la imagen oficial de muchas instituciones del país que lo usaban para posters y vehículos de publicidad y si bien al principio este tenía un marcado carácter localista pronto se extendió universalmente tanto por los propios desplazamientos de los diseñadores por toda Europa y por Estados Unidos como por la difusión que del estilo internacional hizo la revista “Neue Grafik” fundada en 1959.
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Armin Hofmann y Emil Ruder y otra en Zurich a cargo de Joseph Muller-Brockmann. Ambos habían estudiado con Ernst Keller en la Zurich School of Design donde se enseñaban los principios de la Bahuaus y de la nueva tipografía de Jan Tschichold. Emil Ruder fomentaba en sus alumnos la utilización y el aprecio del espacio en blanco como parte integrante del diseño así como la limitación en el uso de diferentes tipografías.
Armin Hofmann
Armin Hofmann
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Armin Hofmann
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global, identidad que es construida de acuerdo a los principios del estilo internacional. La creciente demanda de tipografías sans-serif (que fueron las elegidas para las composiciones del diseño suizo, por diversos factores pero sobre todo por la influencia de la Bahuaus), posibilitó la aparición de dos tipos sans de gran calado y enorme influencia: la Helvética y la Univers. A partir de la popularidad que en los diseñadores del estilo suizo tenía el tipo Akzidenz Grotesk, creado por Berthold en 1896, Edouard Hoffman de la fundición Haas encargó a Max Miedinger que lo refinara para ampliar la versiones disponibles. Así apareció la Neue Hass Grotesk, que más tarde pasó a denominarse Helvética al venderla a Stempel (1957) y después a Linotype. Hay que destacar que la génesis de este tipo corresponde a una gran demanda existente, así se consolidó rápidamente para trabajos publicitarios e incluso en composiciones de texto. En lo que se refiere a Univers no nace tanto en respuesta a una demanda como de una búsqueda personal de un alfabeto funcionalista. Univers fue diseñado por Adrian Frutiger y fue presentada en una gran gama de 21 variantes cuya nomenclatura supuso una revolución en la descripción de tipos, por Deberny&Peignot en 1954.
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En el campo de la producción tipográfica hacia finales de la década de 1950 el sistema de fotocomposición, cuyos primeros experimentos se remontan a principios del S. XX, se encuentra en disposición de ser utilizado comercialmente permitiendo un abaratamiento de los costes aunque la tendencia a utilizar un mismo patrón para diferentes tamaños en vez de uno para cada tamaño, hace que la calidad de las letras se degrade y esto hacía que todavía se siguiera prefiriendo la tipografía tradicional.
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Una lĂnea de tiempo que nos permite ubicar a algunos de los principales protagonistas de este movimiento estilĂstico.
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avenir lt std
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Del francés futuro se inspira de las las familias geométricas sanserif Erbar y Futura con una interptretación más orgánica y humanista. Akira Kobayashi retrabajó Avenir y creó la Avenir Next para la colección platino. Autor
Adrian Frutiger
1988
Fundidora
Linotype
Alemania
Fuentes de la famila
12 fuentes
Costo
29 usd
Sitos de compra
http://www.myfonts.com/search/avenir/fonts/ http://www.linotype.com/es/72/Avenir-family.
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egyptienne f lt
html?site=details
Adrian Frutiger diseñó esta familia originalmente para la fundidora Deberny & Peignot en 1956. Es una designación tipográfica para fuentes romanas con serivas en forma de slab (o cuadrados o rectangulares); éste estilo de slabs se conocen como «egipcias de estilo Clarendon». Esta fue la primera de varias egipcias diseñadas por Frutiger, ver también Glypha y Serifa. Egyptienne F tiene una altura de la x mediana y un espaciado escelente para utilizarse en textos en pequeños puntajes. Legible, flexible y neutral en apariencia, Egyptienne F es una buena opción para los libros, revistas, y presentaciones en pantalla. Autor
Adrian Frutiger
1956
Fundidora
Linotype
Alemania
Fuentes de la famila
4 fuentes
Costo
104.40 usd
Sitos de compra
http://www.myfonts.com/fonts/adobe/egyptienne-f/ http://www.linotype.com/es/72/Avenir-family. html?site=details
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William Addison Dwiggins, diseñador tipográfico y editorial estadounidense. Dwiggins acuñó el término “diseño gráfico” en los primeros años de la década de 1920.
william a. dwiggins 1880−1956
tipografía
Es reconocido por los casi 300 libros diseñados para Alfred A. Knopf, y por dieciocho tipografías producidas para Mergenthaler Linotype. De éstas, solo cinco se hicieron públicas, entre las que se cuentan Caledonia y Electra (dos de las más importantes del siglo xx), Metro y Eldorado. Como estudiante de Frederic Goudy durante el cambio de siglo, Dwiggins pudo ser considerado el último gran remanente del movimiento de Artes & Oficios. (Carter, 1993).
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Diseñó Electra a los 55 años de edad y durante 9 años, es decir de 1935 a 1944. Además de la tipografía, tenía una gran afición a construir marionetas.
Ya que evita el contraste extremo de elementos gruesos y finos que marcan la mayoría de tipografías modernas, Electra ofrece una nueva textura en las páginas de los libros. Aunque la altura de la x es casi tan grande como la Times Roman, el juego completo de Electra hace que sea muy económica en su composición. La itálica es realmente una romana inclinada, casi del mismo peso que la romana; es tan cómoda para leer que puede ser usada para textos enteros y es muy adecuada especialmente para poesía. En 1988 Linotype extendió Electra a una familia tipográfica completa con cuatro diferentes pesos, fue hecha con verdaderas itálicas y como especialidad se puso a disposición en una versión Display con remates más delgados y elegantes. Las fuentes Caravan ofrecen una amplia variedad de ornamentos a medida y elementos para bordes que han sido diseñados por Dwiggins.
Autor
William Addison Dwiggins 1935
Actualización
Alex Kaczun
1994
Fundidora
Linotype
Alemania
Fuentes de la famila
14 fuentes
Costo
195 euros
Sitos de compra
http://www.linotype.com/1702/electra.html http://www.myfonts.com/fonts/linotype/electra/
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Electra ha recibido un Certificado por Excelencia Tipográfica en Diseño Tipográfico en 1998 por el Type Directors Club (TDC ) de Nueva York.
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electra std
Electra es una familia originalmente diseñada para Linotype en 1935 por William. A. Dwiggins, el eminente artista estadounidense quien también diseñó las series de Caledonia. La tipografía, la cual encaja en el estilo de familias ‘modernas’ no está basada en algún modelo tradicional y tampoco es un intento de revivir ni reconstruir alguna tipografía histórica.
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Para saber a dónde vamos, tenemos que entender dónde hemos estado. Por suerte, nos encontramos en medio de un renacimiento de diseño histórico. Tanto los estudiantes como los creativos veteranos parecen estar haciendo esfuerzos concertados para soplar el polvo de nuestras raíces colectivas y descubrir cómo nuestra nave llegó a ser. Mira a tu alrededor y te darás cuenta de una explosión de diseño históricamente influenciada, la tipografía y la ilustración. Mi propia obsesión es con el estilo tipográfico internacional que surgió de Suiza en la década de 1950. Ejemplos pasados de diseño de retículas estructuradas y la tipografía de los maestros suizos como Josef Müller-Brockmann siguen influyendo en la impresión y el diseño interactivo para el día de hoy. Sin embargo, después de darse cuenta que no hay escasez de clubes de fans de Josef Müller-Brockmann, exploré algunos de los otros fundadores, tal vez menos conocidos del estilo tipográfico internacional. Por azares del destino, caí en manos de un tipógrafo y diseñador llamado Emil Ruder (1914-1970), quien desempeñó un papel clave en el desarrollo y la difusión del estilo suizo.
«La tipografía tiene un objetivo simple que es el de transmitir la información por escrito». −Emil Ruder
Nacido en Zurich, Ruder comenzó su educación del diseño a la temprana edad de quince años cuando se hizo aprendiz de un compositor. Pasados sus veinte años, Ruder comenzó a asistir a la Escuela de Zurich de Artes y Oficios, donde se enseñaban los principios de la Bauhaus y de la Nueva Tipografía de Tschichold, dejando una huella indeleble en Ruder.
Ruder también era aficionado a la asimetría, un concepto que encontró en los textos japoneses de filosofía Zen y bebiendo té. Organizó sus diseños y la tipografía con una cuidadosa atención a contrarrestar, la forma y el espacio en blanco. Sus proyectos «desarrollaron sensibilidad a los espacios negativos o no impresos, incluyendo los espacios entre y dentro de las letras.»
El ambiente académico seguiría desempeñando un papel importante en la vida de Ruder, ahora como maestro en lugar de estudiante. En 1947 él tomó una posición como instructor de tipografía en la Schule für Gestaltung, Basilea (Escuela de Diseño de Basilea). Ruder, junto con el gran Armin Hofmann, desarrolló un programa estructurado en los principios de la objetividad en el diseño. Se separó de la tipografía subjetiva, estilo impulsado por el pasado y animó a sus estudiantes a estar más preocupados con la precisión, proporciones y, sobre todo, el papel de la legibilidad y la comunicación con el tipo.
Para lograr la armonía y el equilibrio deseado Ruder, instruyó a sus alumnos en el uso de estructuras de retículas matemáticas y la selección de tipos de letra sans-serif de estilo neutro, desarrollados en la década de los 50. Para Ruder, el más notable de estos tipos de letra eran las veintiún fuentes nombradas Univers creados por su amigo, Adrian Frutiger en 1954. Ruder y sus estudiantes dedicaron un sinfín de exploraciones tipográficas y de composiciones de diseño, con la amplia gama de pesos en la familia Univers. «Emil Ruder vio mis primeros encantado con ellos que él diseñó
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ejemplares de Univers y quedó tan
tipo en conjunto con sus alumnos de Basilea.» −Adrian Frutiger
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y publicó muchos trabajos con este
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A mediados de 1960 la escuela, y Ruder, tenían una gran demanda. Algunos de los aspirantes a estudiantes más tenaces, esperaron hasta tres años para entrar, ya que los índices de aceptación eran muy bajos. Ruder era conocido por tener sólo dos o tres alumnos por año.
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Tras más de 20 años de enseñanza, recopiló sus conceptos, experiencias y filosofías en un libro titulado, “Typographie.” Publicado originalmente en 1967, esta obra maestra es considerado por muchos como el libro de texto por excelencia en la tipografía. Ruder fue también escritor y editor de una publicación comercial popular de la época llamada “Typografische Monatsblätter” (tipográfico mensual) publicado por la Unión Papel e Impresión de Suiza. Impreso en alemán, francés e Inglés, esta revista, que abarcó temas como las técnicas de impresión, ilustración, tipografía y diseño, ayudó a difundir los principios del diseño suizo en un nivel global.
En 1962, Ruder y el tipógrafo Aaron Burns (uno de los tres fundadores de la ITC) fundaron el Centro Internacional para las Artes tipográficas (ICTA) de Nueva York. Desafortunadamente, hay poca información disponible sobre el ICTA, que ha sido catalogado como inactivo desde 1970. Isaac Newton, escribió, “Si he visto un poco más lejos, es porque estoy sentado sobre los hombros de gigantes.” Creo que mucho tiempo después de que él se ha ido, Emil Ruder sigue ofreciendo inspiración y guía para toda una nueva generación de creativos que en última instancia diseñarán el futuro de la comunicación.
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Hans Arp, Emil Ruder y Armin Hofmann en la Escuela de Diseño de Basilea en 1961.
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En esta imagen podemos ver integrados a los personajes que nos ocupan en el presente ensayo.
William Addison Dwiggins Autor de la familia tipográfica Electra. Emil Ruder Tipógrafo suizo quien es de los principales autores de la Escuela suiza de Basilea.
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Estilo Tipográfico Internacional Estilo que hasta la fecha ha marcado una fuerte influencia en el diseño gráfico actual.
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conclusiones
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lĂnea del tiempo
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Esta investigación me llevó a través del tiempo a la época de Porfirio Díaz y la filosofía positivista que llegaba de Francia, la cual hablaba del progreso del país y la creciente inversión extranjera. Mediante
Todas estas corrientes nos dejan un legado importante ya que como mencionaba anteriormente, para saber a dónde vamos, tenemos que entender dónde hemos estado. Actualmente los cambios son aún más veloces que durante el inicio del siglo XX, ahora en este siglo XXI, la tecnología, los medios digitales de comunicación, hacen que los alcances del diseño, lleguen a terrenos desconocidos a los entonces vanguardistas.
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El comienzo del siglo XX nos trae muchos cambios a una gran velocidad comparados con el siglo pasado. Muchos inventos y vanguardias, la sociedad está en una búsqueda brutal por lo novedoso, tanto en la moda como en la ciencia y la tecnología.
un mapa cronológico asimismo, pude ubicar con mayor facilidad la simultaniedad de los acontecimientos que marcaron no solo un estilo, sino el eco que hasta nuestros días se escucha y la fuerte influencia de cada uno de éstos en el diseño gráfico contemporáneo. Ha sido esta experiencia una especie de salto en la fantasía, imaginando por un momento este presente en la era del internet y la rápida comunicación que tenemos con casi cada rincón del planeta el cual nos permite ver, en tiempo real, lo que está ocurriendo al otro lado del globo; de esta misma manera tratar de entender como en una especie de Facebook imaginario.
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Parte de lo que me deja esta investigación y estudio de la historia no sólo de la tipografía sino de la historia del arte, es la experiencia de unir los puntos a través del tiempo y darme cuenta de las situaciones sociales y los momentos históricos a los que se enfrentaban estos personajes. Algunos de ellos en protesta a ciertos movimientos artísticos previos, otros en la lucha por ideales y otros que han sido censurados en sus propios paises, para luego mudarse a un lugar en el cual el sistema es más tolerante con las diferentes ideas e ideal para seguir en esa búsqueda incesante de expresión artística.
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apĂŠndices
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Línea del tiempo Tipoesía Impresión con tipos móviles Investigación iconográfica
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impresi贸n con tipos m贸viles
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http://www.pinterest.com/alumnosmdt09/emil-ruder/
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ser de la autoría del tipófgrafo, no lo eran en realidad y cuáles verdaderamente si lo eran, con este ejercicio pude terminar de atar cabos en cuanto al trabajo de este gran tipógrafo y darme cuenta del gran aporte que su labor docente impulsó este estilo.
investigación iconográfica
El objetivo del ejercicio consiste en hacer una búsqueda de las imágenes correspondientes al tipografo seleccionado, en este caso Emil Ruder. Personalmente este ejercicio me sirvió, entre otras cosas a identificar cuál de las imágenes, aún cuando decían
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http://diloengrafico.wikispaces.com/Escuela+de+Nueva+Yo rk,+1940-1960 http://www.solodisenio.com/la-escuela-de-nueva-york/
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http://es.wikipedia.org/wiki/Vanguardismo http://es.wikipedia.org/wiki/Arts_and_Crafts http://es.wikipedia.org/wiki/Cubismo http://es.wikipedia.org/wiki/Futurismo http://es.wikipedia.org/wiki/Suprematismo http://es.wikipedia.org/wiki/Art_déco http://es.wikipedia.org/wiki/Modernismo_(arte) http://es.wikipedia.org/wiki/Constructivismo_(arte) http://es.wikipedia.org/wiki/Dada%C3%ADsmo http://es.wikipedia.org/wiki/De_Stijl http://es.wikipedia.org/wiki/Escuela_de_la_Bauhaus http://es.wikipedia.org/wiki/Estilo_Tipográfico_Internacional http://www.golpevisual.com/blog/grandes-maestros-del-disenografico.html http://es.wikipedia.org/wiki/Diseño_gráfico
bibliograf铆a
http://diloengrafico.wikispaces.com/La+Escuela+Suiza http://www.monografias.com/trabajos36/escuela-suiza-diseno/ escuela-suiza-diseno2.shtml http://www.unostiposduros.com/la-tipografia-en-suiza/ http://www.unostiposduros.com/estilos-graficos-el-estilo-internacional/ http://www.unostiposduros.com/emil-ruder-manuales-recetas-yconsejos/ http://www.monografica.org/04/Art%C3%ADculo/6881 http://ady-info-design.lacoctelera.net/post/2010/12/07/emil-ruder http://es.wikipedia.org/wiki/Jan_Tschichold http://en.wikipedia.org/wiki/William_Addison_ Dwiggins#Typefaces
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http://es.wikipedia.org/wiki/Revoluci贸n_rusa http://es.wikipedia.org/wiki/Gran_Depresi贸n http://es.wikipedia.org/wiki/Segunda_Guerra_Mundial
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El estilo que corresponde al diseño del presente, corresponde al estilo Tipográfico Internacional o estilo Suizo.
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La fuente utilizada en el presente documento es Electra de la autoría de William Addison Dwiggins.