Aptc Magazine 01 by apetece cine

FEBRERO2014

MAGAZINE VERSUS INÉDITO

Javier Bardem & Luis Tosar

LOS MEJORES CONTENIDOS DEL AÑO!

LA GALERÍA DE APETECE CINE DE 2013!

“LA PELÍCULA DE NUESTRA VIDA” DE NUESTRO EQUIPO

RESUELVE EL CRUCIGRAMA DE APETECE CINE!

¡Y muchas sorpresas más!

Logo diseñado por Andrea Arqués

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La película de Dani Arrébola

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Película de nuestra vida Dani Arrébola

Porque cuando suena la sintonía de créditos iniciales y veo la silueta de Robert de Niro en el ring siento que es posible vivir otra vida. Porque descubres que el blanco y negro puede ser lo más colorido que vean tus ojos durante 120 minutos. Porque en cada gesto y expresión de LaMotta veo el cine entero. Porque con esta película aprendí a que el secreto de la existencia no se reduce a aceptar la vida sino a crearla. Porque la comunión en pantalla entre Pesci y De Niro es lo mejor que le han ocurrido a mis ojos rojos de tanta sangre cinéfila.

Toro Salvaje

(1980) Dirigida por Martin Scorsese

Porque Scorsese ofrece el travelling más maravilloso que han visto esos mis ojos rojos en miles de horas de cine. El viaje de 90 segundos que lleva a un LaMotta toro y salvaje desde su vestuario hasta el ring en medio del caos de un público que le aclama con poesía y una música que eriza la piel hasta congelarte el alma. Porque con el maltrato a Vicky descubrí que el sudor y la sangre pueden salpicar de la pantalla a la cara. Porque -si con todo esto fuera poco- en este caos poético de autodestrucción Scorsese y De Niro me brindan a Shakespeare y los escenarios. Porque es poesía en movimiento... Porque volaría como una mariposa escuchándola y picaría como una abeja viéndola. Porque es parte de mi vida, de mi reflejo, de lo que soy. Porque si ahora creo y confío es gracias a Toro Salvaje. APTCMAGAZINE 5

La vida de Adèle (2013) Dir.: Abdellatif Kechiche Pro.: Olivier Thery Lapiney y Laurence Clerc Gui.: A. Kechiche, Ghalya Lacroix Int.: Adèle Exarchopoulos, Léa Seydoux, Salim Kechiouche Sexta película de Abdellatif Kechiche, nacido en Túnez hace 53 años. Con la segunda, La escurridiza, o cómo esquivar el amor (2003), rompió records en Francia y se consagró en toda Europa. Después dirigió la estupenda Cuscús (2007) y Venus negra (2010), que no se ha estrenado en España. El cine de Kechiche aborda habitualmente temas fronterizos, polémicos –la adolescencia, la inmigración, los problemas étnicos- y retrata unos personajes verídicos, incómodos, a veces marginales y

por Jose Manuel Escribano

nunca totalmente convencionales. Así es también esta magnífica La vida de Adèle, construida sobre el trabajo grandioso, descomunal, de dos actrices extraordinarias. Léa Seydoux es una diosa en Francia. Musa del nuevo cine galo, actriz potentísima, de un físico espectacular y una fotogenia prodigiosa: ella es Emma. Adèle es Adèle Exarchopoulos – el director ha dado a la protagonista el propio nombre de la actriz, como un homenaje-, una joven de 17 años, casi desconocida pero no sin experiencia –trabaja desde los 9-, capaz de un registro amplísimo que va de la ingenuidad a la pasión, de la risa explosiva al dolor incandescente: una maravilla. Cuando empieza el relato, Adèle está todavía en el instituto y es una cría que se divierte con sus compañeros y que se interroga con sus amigas acerca de las primeras escaramuzas del amor; o del sexo, para ser más exactos. Le preocupan y le interesan las mismas cosas que a las demás chicas y experimenta el juego de la seducción con los chavales que la rondan. Pero su cuerpo

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Critíca

La vida de Adèle (2013)

siente alguna sinrazón que su mente todavía no domina, y hay señales que aun no sabe interpretar. Y entonces, entre la música, las luces y las sombras pobladas de sonidos ambiguos y miradas calculadas, conoce a Emma. Y con Emma, Adèle descubre el amor. Emma es una joven muy atractiva; es una artista y una intelectual y, además, una amante experta, y Adèle se entrega a ella con inocencia, con admiración y, muy pronto, con pasión encendida. Juntas emprenden un camino de descubrimiento y placer; juntas atraviesan incomprensiones y desdenes y aprenden a disfrutar de las horas y los días en común. En este tramo, la vida de Adèle es también la vida de Emma. El objetivo de Kechiche persigue incansablemente a sus protagonistas: sus rostros, en perturbadores primeros planos; sus gestos y actitudes; y sus cuerpos, vestidos y desnudos, en los asuntos de cada día y en el amor de cada noche: la película contiene escenas de alto voltaje erótico, sin escatimar momentos de absoluta intimidad, en los que la cámara no deja nada por desvelar; pero con un sentido estético y moral tan completamente alejado de la pornografía como de los ridículos exce-

sos de puritanismo –o de procacidad- en los que caen otras películas. Es verdad que Abdellatif Kechiche ha sometido a sus intérpretes a un trabajo de una intensidad abrumadora. Es posible, como ellas denuncian, que haya llegado a abusar, pero el resultado –desde el talento de Léa Seydoux y desde la entrega de Adèle Exarchopouloses admirable. Esta brilla con luz propia en los momentos más dramáticos: cuando se defiende ante sus compañeros de clase, cuando es acusada por su amante, cuando vive en la derrota; Léa, por su parte, es una maestra de la mirada, de la actitud, del tono. Las dos dan vida a este extraordinario poema visual; La vida de Adèle es un estudio del alma humana, del rostro al corazón, de la existencia a la esencia, y un relato inteligente y apasionado, minucioso y preciso, estrictamente cinematográfico también, de unos personajes en medio de una sociedad, en un tiempo y en un lugar; pero, por encima de todo, es el retrato de dos personas que se quieren: una historia de amor, con sus goces y sus aristas, con sus esperanzas y sus desengaños: tierna y terrible; cercana y comprensible. Diferente y, en el fondo, semejante a todas las demás. APTCMAGAZINE 7

Ana Ron

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Película de nuestra vida Ana Ron

La noche del cazador

(1952) Dirigida por Charles Laughton

En primero de Comunicación Audiovisual, dónde acabé tras la selectividad más por intuición que por convencimiento, me di cuenta de que yo NO sabía lo que era el cine. Después de 18 años viendo imágenes en movimiento en distintas pantallas, algunas escenas de las que se proyectaban en aquella clase de la Facultad de Comunicación de la UPF parecían una cosa totalmente distinta, nueva y misteriosa. Domènec Font fue uno de los profesores que elegía los fragmentos a comentar y una especie de mentor severo y crítico al que respetábamos. Aún sabiendo que no le comprendíamos en su totalidad, tomábamos apuntes con frenesí intuyendo que aquello era parte de un vasto conocimiento y sobretodo de una particular pasión. Porque si hay algo que no concebía Domènec era ser neutral. Antes de que aquella lista de películas de Historia del Cine II cayera en mis manos yo había visto algunos chavales por la calle Tallers luciendo la camiseta con la imagen de Robert Mitchum y sus nudillos tatuados, y también al personaje de Do the right thing que lleva en cada mano las mismas palabras, Love y Hate, en relieve sobre unos grandes anillos de oro. En la película de Spike Lee es el amor el que gana el pulso al odio. En 2011 fue el cáncer el que ganó el combate contra Domènec dejándonos huérfanos de su personalidad y capacidad analítica asombrosa. Puede que él fuese también un “monstruo sagrado”, expresión con la que describió a Charles Laughton en 1998 en su estudio de La noche del cazador publicado por Paidós. Puede que fuese su película favorita por ser un cuento siniestro que asusta a niños y adultos, que nos enseña a ser fuertes, que nos muestra el hogar paterno como algo que un día se vuelve extraño y lejano y el mundo como un sitio hostil poblado por hombres del saco que actúan a plena luz del día. Puede que lo fuese por su increíble blanco y negro contrastado y sus referencias bíblicas, que potencian la magia y el terror de este drama familiar situado en la América profunda y en los abismos de nuestro subconsciente. Puede que por todo eso sea también una de mis películas favoritas. APTCMAGAZINE 9

Premios Gaudí 2013, Marta Torné

Premios Gaudí 2013, Juan Antonio Bayona

Premios Gaudí 2013, Joan Pera APTCMAGAZINE 10

Galería APTC (Parte I)

Premios Gaudí 2013, Ángela Molina y Pablo Berger

Premios Gaudí 2013, Santi Millán

Festival de Cine de Terror de Molins de Rei 2013. Rueda de prensa de Éric Falardeau, director de Thanatomorphose

Festival de Cine de Terror de Molins de Rei. Colas antes de la Maratón de las 12 horas APTCMAGAZINE 11

12 años de esclavitud (2013) Dir.: Steve McQueen Pro.: Steve McQueen, Arnon Milchan, Brad Pitt Gui.: John Ridley Int.: Chiwetel Ejiofor, Michael Fassbender, Michael K. Williams Steve McQueen –no confundir con el actor americano, fallecido en 1980; este tiene ahora 43 años, es director y guionista, es londinense y es mucho más moreno- ha realizado en las últimas dos décadas 23 cortos y 3 largometrajes: Hunger, Shame y esta 12 años de esclavitud. No sé los cortos, pero sus dos primeros largos son, aunque muy diferentes entre sí, muy interesantes. Y con este tercero se ha convertido en el director del momento, uno de los máximos aspirantes al Oscar. La película habla de la esclavitud de los negros americanos, como otras anteriores –algunas de ellas muy ilustres-, pero esta vez de manera más original; en primer lugar, McQueen también es negro, oriundo de Grenada –la isla caribeña con una población mayoritariamente procedente de esclavos africanos-, lo que le permite dotar a su obra de un acento muy personal; y además la historia real de este Solomon Northup, héroe a su pesar, no es la habitual: Solomon es un negro adulto, un hombre libre, padre de familia y músico de prestigio que vive en Nueva York, y es engaAPTCMAGAZINE 12

por Jose Manuel Escribano

ñado y secuestrado, trasladado al Sur y vendido como esclavo. Durante doce terribles años, desde que cae en manos del cruel Edwin Epps –interpretado por Michael Fassbender en su personaje más duro hasta la fecha- hasta que, por casualidad, conoce a un abolicionista canadiense, el bienintencionado Mr. Bass –Brad Pitt-, el pobre Solomon –magnífico Chiwetel Ejiofor- vive las

Crítica

12 años de esclavitud (2013)

mismas penalidades y miserias que los negros que, para su desgracia, nacieron ya cautivos. Solomon pasa por manos más o menos compasivas –más bien menos-, pero en ningún momento se conforma ni se deja abatir y todo el tiempo lucha por conseguir su libertad –algo casi imposible- y por conservar su dignidad de persona a toda costa. Como es lógico, estos hechos, tras un breve prólogo y un todavía más rápido epílogo, ocupan la mayoría del metraje de 12 años de esclavitud. Una secuencia tras otra, McQueen va mostrando el sufrimiento de su protagonista y de los que lo acompañan en su cautiverio; los esclavos son víctimas de amos despóticos, de capataces sanguinarios e incluso de otros criados más obedientes o más temerosos. Con la excepción de los breves lapsos de tiempo que Solomon trabaja para algún patrón menos cruel, las imágenes se suceden en un crescendo de violencia que llega a herir la retina de quien las contempla. Desde luego, el director y guionista consigue su doble propósito: exponer la brutalidad de los esclavistas, dejando que el espectador la sienta de manera inevitable, y demostrar que en esa terrible situación –como en cualquier otra de la vida- cada uno hizo lo que pudo para sobrevivir. También este hombre inteligente y cultivado, que sabe que no podrá

escapar de sus captores porque para ellos no es una persona, sino una propiedad, un objeto que igual que se usa, se tira cuando ya no sirve. Y no hay un horizonte distinto para él, salvo que su voz consiga atravesarlo y llegar hasta su familia, de la que lo separa una distancia infinita. Por eso Solomon se resiste a la degradación y a la desesperanza y solo su cuerpo se somete a veces; pero nunca su alma, que se trasparenta en la fiera mirada del esclavo. Chiwetel Ejiofor le da vida con tremenda grandeza: sus movimientos, sus gestos, su rostro, son los de un hombre sometido, pero libre, con su conciencia intacta y su dignidad inexpugnable. Los duelos de miradas que sostiene con Michael Fassbender son de un magnetismo revelador. Epps es el amo, pero si alguien llega a dudar, a sentirse amenazado, no es precisamente el esclavo Solomon, tal es la fuerza de su personalidad. El desenlace del argumento está en los libros, pero lo más importante de la película no es cómo acaba, sino como transcurre. Steve McQueen retrata a un personaje inmenso, un hombre que no se rinde, un hombre que lucha. Y esa lucha incesante, que salta de la pantalla con realismo y emoción creciente, confiere a la historia y a su protagonista rasgos de auténtica epopeya homérica. APTCMAGAZINE 13

Fran Blanco

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Película de nuestra vida Fran Blanco

Los mejores 538 minutos de la historia del cine. Divididos en tres magníficas películas, donde la tercera es menos brillante que las dos predecesoras, pero que la una sin las otras no se entenderían. ¿Porqué El Padrino? Porque me hizo una oferta que no pude rechazar. Porque cada hombre tiene su propio destino, me hizo amar el cine, incluso me atrajo hacia el mundo de la mafia (después vinieron Uno de los nuestros, Scarface, Casino, Atrapado por su pasado, etc. e incluso el libro de la Cosa Nostra de John Dickie).

El Padrino: Partes I, II y III (1972, 1974, 1990) Dirigida por Francis Ford Coppola

Tres años para la historia (1972, 1974 y 1990) que nos dejaron Mario Puzzo y Francis Ford Coppola, pero sobre todo, Marlon Brando, Al Pacino, Robert de Niro, James Caan, Robert Duvall, Diane Keaton y John Cazale, entre otros. La única recomendación que se puede hacer, es verla. Algunas personas pagarían mucho dinero por esa información (sobre la trilogía), pero entonces su hija perdería un padre, en lugar de ganar un esposo y por lo tanto, no voy a hablar más sobre El Padrino. Sólo podría estropear éstas obras de arte. Mi única verdad es que es lo mejor que he visto y puedo afirmar que es lo mejor que voy a ver en mi vida. “Apetece Cine, Apetece Cine, ¿qué he hecho para que me trates con tan poco respeto? Si hubieras mantenido mi amistad, los que maltrataron a tu hija lo habrían pagado con creces. Porque cuando uno de mis amigos se crea enemigos, yo los convierto en mis enemigos. Y a ese le temen…pero ahora vienes a mí a decir: ‘Don Corleone, pido justicia’, y pides sin ningún respeto, no como un amigo, ni siquiera me llamas Padrino. En cambio vienes a mi casa el día de la boda de mi hija a pedirme que mate por dinero.” APTCMAGAZINE 15

El a単o pasado en Marienbad (1961) APTCMAGAZINE 16

Crítica

El año pasado en Marienbad (1961)

entro de la emergente nouvelle vague francesa de inicios de la década de los 60, nos encontramos esta extraña y misteriosa cinta dirigida por el intelectual francés Alain Resnais. Confieso que más allá del disfrute de un filme, ver esta película ha sido toda una lucha racional conmigo mismo por el afán de comprender cuán mínimo detalle conjugado en la misma. Para ello, he necesitado dos visionados de esta El año pasado en Marienbad. Ni siquiera con dos reproducciones me quedo tranquilo,en medio de un océano de dudas e interpretaciones que en lugar de aclararme conceptos del filme, me emborronan más en su compleja esencia. Es muy posible que el error sea precisamente ese: intentar comprender esta obra como otra más supone un laberinto sin salida de insatisfacción racional.

El guionista de la película y gran impulsor de la misma, Alain Robbe-Grillet, nos daba la solución para el gozo de esta obra tan especial y prácticamente sui generis. En la edición literaria del guión del filme Robbe-Grillet aconsejaba al espectador dejarse llevar por las extraordinarias imágenes proyectadas ante sus ojos, por la voz de los actores, por los ruidos, por la música, por el ritmo del montaje, por la pasión de los protagonistas… y de esta manera, el film

le parecerá el más fácil que jamás haya visto: un film que se dirige únicamente a su sensibilidad, a su facultad de contemplar, de escuchar, de sentir y de emocionarse. Alain Resnais nos propone una puesta en escena milimetrada, un juego estético enfermizo que ralla y va más allá de la precisión. En esta línea, contemplamos una fotografía en blanco y negro de Sacha Vierny exquisita APTCMAGAZINE 17

para la época. Este trabajo técnico expone planos que, combinan generales de exteriores con medios de conjunto en los interiores de un majestuoso hotel donde se desarrolla el argumento del filme. En este lenguaje visual se presentan unos actores que, exceptuando los tres protagonistas, parecen ni siquiera actuar, como si fueran estatuas haciendo de otra parte más del decorado, vacíos de diálogo y casi de conciencia. El vestuario también juega un rol destacado como forma de su elegancia impecable acentuando así el conjunto de la obra: esmóquines para los varones que conviven en ese lujoso e imponente

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hotel y refinados vestidos para las damas. La música, que aparece casi sempiterna de inicio a fin del metraje, supone otro rol inanimado protagonista por sí misma, mediante unas notas de piano hipnotizantes y casi fúnebres, compuestas por el hermano de la protagonista, Francis Seyrig. Como elemento central del carácter de esta obra, nos topamos con el tiempo, o mejor dicho, con la atemporalidad de distintos tiempos que se mezclan en presente y pasado durante la trama principal de la película. Es un tiempo que, mediante un sinfín de flashbacks

Crítica

El año pasado en Marienbad (1961)

entrelazados, parece arrancar y detenerse constantemente, dejando al espectador aturdido, como en un limbo perdido sin realidad tangible, fruto de la naturaleza onírica e indescifrable del largometraje. En este acertijo atemporal, la trama es tan simple como fascinante: un hombre X (Giorgio Albertazzi) conversa incesantemente con una mujer Y (Delphine Seyrig) con el propósito de que esta cumpla una promesa que le hizo el pasado verano en ese mismo sitio, o quizás en algún otro lugar que el guión no aclara. La mujer, que parece no recordar nada, está ligada a otro hombre misterioso que podría ser su marido (Sacha Pitoeff).

copilar en la memoria de cada quién análisis e interpretaciones. Cualquiera que posea cierta capacidad de abstracción por dos horas, podrá sacar sus propias conclusiones tan ricas como provechosas. El año pasado en Marienbad es, posiblemente, la película más simple y compleja a la vez de la historia del cine. Un poema visual y acústico para los sentidos

Juguemos a un juego en el que siempre gano. Puedo perder pero siempre gano, Este cartel genial del estreno del filme en el cine Madrigal, sirve como el mejor resumen de hacer frente a la misma. Al afrontar esta crítica, pensé en no ahondar mucho más en ella, simplemente quería expresar lo justo pues, es de aquellas que se han de ver sabiendo más bien poco para después, re-

del espectador. Un sueño que te aleja de la vida real al mismo tiempo que te atrapa con rotundidad en ese encierro divagatorio entre la mente humana, el proyector y la pantalla. Por Dani Arrébola APTCMAGAZINE 19

Víctor González

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Película de nuestra vida Viíctor González

Pánico en el túnel

(1996) Dirigida por Rob Cohen

Desde ese sentimiento común, o conocimiento interior, que todos en este mundo tenemos pero que solo cada uno puede conocer el suyo y nunca saber a la perfección el del otro, yo sé, creo, supongo, o quizás avecino, que todos en este planeta tenemos una película favorita. Una película puede convertirse en tu preferida por infinidad de razones: porque fue la primera que viste, por su argumento, por quién te acompañaba viéndola, etcétera, etcétera. Yo aquí hablaré de una película que seguramente nadie colocaría en su pedestal de favoritismo cinematográfico(a excepción del hijo de algún protagonista que vio fascinado a su padre o madre convertido en héroe, o quizás un extra que únicamente en su vida ha hecho algo tan útil como salir en ella). Esta es Daylight, o como la conocimos aquí: “Pánico en el túnel”. Una película que está en el primer puesto de las 4 películas más vistas en la televisión española desde el año 2000 (año en el que se considera que las cadenas privadas ya tenían el mismo poder que la pública) con 6.370.000 de espectadores .Por delante de “Avatar”, “Titanic” y “Un crimen perfecto”. Sí, este dato es real y quizás empieza a enmudecer las car-

cajadas de aquellos lectores que estén leyendo cuál es mi película favorita. Si eres un crío de 5 años y tu padre te lleva a ver esa película y éste te dice que ha sido una película sublime, tú te lo crees. Y esto es lo que me pasó a mí. Ver a Silvester Stallone (uno de los ídolos de mi progenitor junto a Jean-Claude Van Damme o Steven Seagle) combatir con todo, conocerse el túnel como la palma de su mano, resistir a las más duras explosiones, caídas y golpes; es lo que encendió algo en mi interior para animarme a luchar a lo largo de mi vida. ¿Quién podrá olvidar ese salto que da Stallone (Kit Latura) al vacío en dirección a ese gigantesco ventilador? ¿Quién no ha mirado con otros ojos los túneles desde que vio esa película? A mí solo me queda dar las gracias por la existencia de esa película, gracias a ella siempre he tenido inculcada en mi cabeza una enseñanza que ya de más mayor he visto reflejada en una cita que para mí es más que acertada: “Cuando te asomes a los límites de lo que te parece posible y tengas que dar un paso en la oscuridad de lo desconocido, ten fe en que dos cosas pueden ocurrir. O encuentras algo sólido en lo que apoyarte o se te enseñará cómo volar”. APTCMAGAZINE 21

Festival de Sitges. Sonia Sánchez Ramos, Fotógrafa Apetece Cine

Festival de Sitges. Álex González Molero, Redactor Apetece Cine

FILMETS BADALONA 2013, Dani Arrébola, Álex González Molero y Eva García Oliván de Apetece Cine APTCMAGAZINE 22

Galería APTC (Parte II)

FILMETS BADALONA 2013, El actor Peter Faulkner (Mass of Men) para una entrevista a Dani Arrébola de Apetece Cine

Festival de Cine de Terror de Molins de Rei. Los alumnos de la ESCAC, directores del filme Los Inocentes

FILMETS BADALONA 2013, La actriz Marina Gatell atendió a Dani Arrébola para Apetece Cine como miembra del jurado

Festival de Sitges, Elijah Wood (centro) y Eugenio Mira (izq), protagonista y director de Grand Piano) APTCMAGAZINE 23

“WE JUST DECIDED TO” ENSAYO SOBRE “THE NEWSROOM” POR ALBA VERA

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Ensayo Alba Vera “The Newsroom”

aron Sorkin vuelve a televisión con The Newsroon. El guionista de La red social retoma en esta nueva serie su deseo de “hacer héroes a los periodistas otra vez”, como intentó con la anterior Studio 60 on the Sunset Strip. El leitmotiv principal es la construcción de la opinión pública en Estados Unidos. Criticada por los medios norteamericanos y tildada de naïf y mojigatería, The Newsroom reivindica el periodismo como una profesión honorable y plantea el papel de la televisión como objeto de deseo de la comunicación política. Sorkin tiene claro hacia dónde quiere caminar, a menudo tiende a mostrar la necesidad de volver atrás y reencontrar los valores del periodismo tradicional que cree hallar en los años ’70, cuando Paddy Cheyevsky era el rey de las noticias. Sin embargo, desde el capítulo piloto “We just decided to” incita a la provocación del espectador. Sorkin se equivoca al suspirar por algo que nunca existió en el periodismo americano si observamos la escasa lealtad al público de una profesión al servicio del poder político y económico durante la Guerra Fría o la IIª Guerra Mundial. No obstante, The Newsroom abre el debate en el sector cuestionando la disputa entre periodismo comercial y periodismo de datos (o calidad). La redacción de Charlie Skinner, director del servicio informativo de la cadena, transmite que “nadie esta desafiando al poder”.

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A Hume y Smith se les otorga la máxima “todo gobierno se basa en la opinión”. “No hay nada mas importante en democracia que un electorado bien informado” asegura Macenkzie McHale, productora ejecutiva del noticiario de The Newsroom. Al guionista de la serie no parece gustarle cómo el ejercicio del periodismo atiende a la opinión pública en Estados Unidos y abre una vía hacia un modelo de democracia deliberativa. El poder simbólico tiene capacidad para influir en las acciones y decisiones, lleva el peso de la democracia. A su vez, la OP es la forma simbólica clave para gobernar en democracia. The Newsroom avanza hacia la recuperación del poder simbólico del contrapoder que es el periodismo. El informativo de McAvoy tiene claro que no existe ejercicio de poder sin Opinión Pública. Por ello, News Night quiere ser el estetoscopio

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de la OP. “La calidad de la democracia deliberativa dependerá de la calidad del sistema político-informativo que nutra la OP” (Sampedro, 2000). El periodismo de The Newsroom se aleja del simplismo con el que los medios acaban con el debate público. El informativo de Noticias Noche tiene como misión continuar el debate ciudadano. Y así es como se muestra el tono de la serie a partir de la cobertura del desastre petrolífero de BP en el Golfo de México. La premisa es clara, solo hay una opción en periodismo: Informar. La sociedad civil se sustenta en la opinión pública y democrática tras la que va Macenkzie a lo largo de la serie. Ella encarna el contrapoder indiferente a las audiencias, a las ideas corporativas e incluso a las consecuencias. Su personaje tiene la pretensión de convertir

Ensayo Alba Vera “The Newsroom”

a la ciudadanía en un agente de la Opinión Pública, frente a la praxis de su compañero, Will McAvoy. El presentador ha quedado relegado a los patronos, renuncia a la profesión comprometida y a la elaboración de noticias bajo el esquema marketing+temas del día. Más allá de la pasión por la profesión, ambos personajes reflejan la dramática crisis del periodismo como contrapoder enfrentado al periodismo de relaciones públicas y medios capitalistas que reducen esa misma OP a votos y sondeos. Sorkin echa la mirada atrás y busca la verdadera democracia “americana” (nos preguntamos cuándo Estados Unidos ha sido de otra forma) de igual manera que Habermas sitúa la esfera pública ideal a finales del siglo XVII, donde halla prensa independiente y ejercicio de derechos políticos por parte del nuevo público. El informativo de The Newsroom lucha por formar parte de la sociedad civil y huye de la teoría crítica que denuncia que una empresa informativa blinda los intereses menos representativos y más consolidados. Las empresas de comunicación están sujetas a los intereses económicos de los magnates de la comunicación. Mac Mckenzie, la productora ejecutiva, encarna la ética y la moral, considera que la obligación con el share no es del periodista, y no deja de manifiestar la repulsión que le produce el negocio de la información, entendido en cifras económicas. Si bien McAvoy siente que como periodista debe civili-

zar al electorado, Mackenzie tiene la obligación de civilizar a su compañero y recuperar los valores que la sociedad demanda como la representatividad, la participación, la deliberación o la responsabilidad social. En la redacción se crea un proyecto de esfera pública a pequeña escala, con un discurso libre de las instituciones que busca promocionar el debate público. Una redacción plural a la par que parcial (sabemos que es la serie favorita de Obama y la mayoría de republicanos es detractor de Sorkin) luchando por principios como la transparencia. La serie resume en ejemplos el control del poder político y económico en el caso de la congresista Sarah Palin, cómo asegurar la representatividad como en el caso de la Ley de Arizona (a menudo huyen del factor humano en favor los datos) o cómo perseguir los objetivos colectivos a través del tratamiento de cada noticia. Así Sorkin convierte al informativo nocturno de la serie en una organización de la sociedad civil. Las premisas del informativo son claras: dar prioridad a la información que los votantes necesitan, poner la información en su contexto y presentar las mejores versiones posibles de argumentos contrapuestos. Cumplir con ello significa implicar al espectador comoparticipante de los intereses, que se vean afectados de forma directa o indirecta. News Night retrata un medio de comunicación que forma parte de la sociedad civil en disputa con su cadena: “ – Las nuevas organizaciones son un servicio público con capacidad para influir en la opinión pública nacional. – Lo sé, por eso compré una.” La esfera pública, social y privada también se cuela en el transcurso del informativo nocturno. En la transición hacia un nuevo formato, Mackenzie busca alcanzar la repercusión pública de los asuntos económicos y políticos de la esfera social y romper con la impermeabilidad entre las esferas (abriendo éstas a la audiencia). Hasta el momento la esfera pública, gestionada por los medios de comunicación, APTCMAGAZINE 27

solo conectaba el mundo privado y el mundo social de una forma contagiosa. De hecho, el cambio en la línea tras la entrada de Mackenzie provoca la irritación de la magnate de la cadena, interpretada por Jane Fonda, que reclama la vuelta a las noticias de “factor humano” o de gente común que cuenta sus problemas. La disputa entre la esfera privada y el protagonista se vuelve un arma para dañar la reputación de McAvoy. Los programas de “cotilleo y voyeurismo” intentan desacreditarle llenando páginas amarillas. La acción está justificada por la principal accionista de la cadena, que destapará asuntos privados “creando un (falso) contexto” para despedir al presentador tras la pérdida de anunciantes por el cambio en la línea del programa. Queda claro que la privacidad en determinados asuntos públicos es una amenaza para la sociedad,como se muestra durante el desarrollo del capítulo dedicado a la financiación del Tea Party: muchos echamos de menos que esa misma noticia se diera en nuestro país. La primavera árabe´ también queda plasmada en la primera temporada deThe Newsroom. A través de las demandas sociales de la opinión pública, del pueblo en la calle, se muestra un proceso de deliberación con argumentos a partir de voluntades individuales que se condicionan mutuamente. La cobertura de la noticia a través de un reportero local y no de un reportero con un croma de la Plaza Tahrir denota la incompetencia de los medios occidentales (en este caso supone una crítica directa a la Fox). Aunque se vislumbran ápices de mediocrácia, se cuestionan las fuentes de autoridad a través de los medios sociales. La opinión pública se abre paso en una nueva esfera pública que no quiere caer en manos de la clase política. Gran parte del problema de la gestión de la esfera pública recae en los medios de comunicación. La redacción de Noticias Noche 2.0 es un juzgado dónde el presentador hace de abogado de la ciudadanía. Desde la planAPTCMAGAZINE 28

ta 44 de la cadena se recuerda constantemente que los medios de comunicación se venden por el share. Desde el set de control, los jóvenes periodistas recuerdan que deben deconstruir los problemas más graves y obviar los impulsos de los promotores rompiendo con los patrones de interrelación. Noticias Noche construye su propia agenda mediática para que la realidad construida socialmente se enfrente cada día con la realidad y no sean paralelas. El propio presentador desacredita a las autoridades y plataformas que crean debate público a fin de encontrar intereses a través de las encuestas y sondeos para que determinados asuntos adquieran “status de problemas públicos”, como el debate propulsado por Palin en cuanto a las armas y la administración Obama a fin de crear un problema mediático. Es innegable quién aglutina el capital simbólico en la serie. McAvoy es al capital simbólico en The Newsroom lo que Ana Pastor y Olga Rodríguez lo son al periodismo español. En el informativo no hay cabida para noticias que no afecten a la colectividad y cuando algún promotor intenta colarse para promocionarse lo identifican y expulsan, como puede observarse en la relación personal de Mackenzie con su pareja dedicada a la política. Otra muestra de la gestión de la esfera pública es la monopolización de la interpretación pública de la realidad, que denomina Heidegger. El Tea Party declara que “quiere tener a la prensa de amiga y que hagan preguntas que ellos puedan contestar” para así tener acceso y cobertura en los medios, acaparando espacio, tiempo y contenidos para mostrar sus posturas con ventaja hasta conseguir mayor capital simbólico (Sampedro, 2000). Un rápido McAvoy añade que “eso es lo que todos queremos en el examen de reválida”. Esas “preguntas que pudiéramos contestar” se refieren a la zona de presentación en la esfera pública que un partido político (y en general, una fuente) está dispuesto a mostrar en la dimensión pública (o balcón). Pero el escándalo de

Ensayo Alba Vera “The Newsroom”

las escuchas en TMI (el nombre de la cadena en la ficción) y el desarrollo de la trama al estilo del caso `News of de World´ con Murdoch, le valen a Sorkin para explicar cómo los temas se trasladan de una zona a la otra entre el patio y el balcón. Un secreto de la cadena se destapa en forma de confidencia al director del informativo por parte de alguien dedicado a la seguridad nacional de Estados Unidos. Los últimos capítulos de la primera temporada muestran el patio de la cadena. El argumento a recordar es que los medios gestionan el reconocimiento de los actores sociales como portavoces de la OP, porque pueden convertir el secreto en publicidad. El peligro reside en que los medios y las fuentes con poder se blinden mutuamente en una relación circular (Sampedro, 2000). Esta afirmación se hace patente en pequeños detalles en el diálogo, quizá las únicas críticas que encontramos a Obama, cuando se habla de Wikileaks. “La propagación de información clasificada va a ser un revulsivo de nuestra generación periodística” añade Neal.

El informativo de McAvoy se caracteriza por elaborar su propia agenda mediática. Es la redacción quien introduce el tema y da acceso a los promotores informativos para la cobertura y el acceso de fuentes. El presentador es un experto en definir el problema políticamente, explicar sus causas y contextualizarlo (Las noticias son solo útiles en el contexto de la humanidad). Además, es un fuerte detractor de todo aquel responsable del problema y siempre acaba con una evaluación moral o la suya propia (No es nuevo que los periodistas tengan opinión). El informativo de Noticias Noche cumple con una agenda mediática que interesa al ciudadano porque se ocupa de los asuntos colectivos pero no agrada a quienes tienen intereses con empresas privadas. Podemos ver cómo los responsables de conseguir share presionan al director del informativo para que cubra noticias que hagan aumentar al capital simbólico de los inversores de la cadena. Sin duda, McAvoy accede a que todos los protagonistas de la noticia tengan acceso a su informativo para que el tema se defina como una demanda política y se actúe sobre ello. APTCMAGAZINE 29

“Somos la élite de los medios” asegura McAvoy durante un episodio. La realidad es que el capital simbólico que acumulan los pesos fuertes de la redacción nos recuerda al fenómeno “evolista” en España. Desde Noticias Noche se cuestiona la agenda oficial pero no llegan a proponer soluciones. En cuanto a la agenda pública, en pocas ocasiones consigue imponerse a la agenda política o mediática. Es decir, temas como el presupuesto en las escuelas americanas solo se reflejan en un episodio. Así entiende Sorkin el periodismo 2.0 en Estados Unidos en estos momentos. Sin embargo, Noticias Noche no deja de ser un ejemplo de elitismo institucional. Cuando la redacción intenta caminar hacia un modelo pluralista, la planta 44 les obliga a volver al modelo de elitismo puro(Olvidad todo lo que sabéis sobre las noticias1) en donde los expertos son “expertos” en coincidir con el protagonista (los congresistas republicanos) y tienen que tachar (literalmente) de la agenda mediática aquellos temas que forman parte de la agenda pública. “La competición para establecer agendas no se disputa en igualdad de condiciones. Pero el modelo acepta resultados elitistas y pluralistas, porque subraya las diferencias de poder y las consecuencias no deseadas de las instituciones”: eso es Noticias Noche. Los periodistas de la redacción escogen por lo general a fuentes oficiales, dado que proporcioAPTCMAGAZINE 30

nan información constante, mientras que los activistas no suelen colarse en el informativo, salvo en contadas ocasiones por no tener relación “estable” con la prensa, generalmente. Sin embargo sí cumplen con decidir qué es noticia y qué no, dónde buscar las informaciones o cuántas versiones ofrecer. Los diálogos y la trama de Sorkin pecan de provocar en la audiencia “reacciones programadas por el emisor, como votar a un líder”. La serie ha sido criticada por ser firmes opositores de los republicanos y por ello ser la favorita de Obama en HBO. Visto así, el discurso sorkiniano ya desde “El Ala Oeste” tiene intención de controlar a la masa, como una aguja hipodérmica, pero desde el Occidente más progre se recibe como una buena estrategia de marketing para Obama. Además, Sorkin ofrece un producto demócrata sin esconder que él lo es y así lo ha manifestado. El guionista quiere un electorado plural y activo aunque la audiencia quede persuadida por la élite, como en el modelo de elitismo institucional. El establecimiento de la agenda mediática y su tematización topan en la serie con un debate político en la que se hace gala de la “obsesión de los gobernantes por transmitir a los informadores los enfoques que más les favorecen”, y por ello los asesores republicanos desestiman emitir el debate desde el programa de McAvoy.

Ensayo Alba Vera “The Newsroom”

“Los medios ofrecen una versión perenne y aplastante de la realidad que coincide con la OP mayoritaria. Los periodistas seleccionan los mismos temas, los mismos aspectos de esos temas y valoraciones muy semejantes” (NoelleNeumann). Durante los episodios, las voces de la redacción son las primeras que demuestran que la OP no es la mayoritaria y así lo vemos en las conversaciones entre Neal y Jim, Jim y Maggie e incluso entre Charlie y Will. Cada uno tiene argumentos de peso a favor y en contra, representando a las mayorías o minorías de cada temática. La cobertura de la primavera árabe´ constata que la teoría de la espiral del silencio de Noelle-Neumann no considera la reelaboración de los mensajes mediáticos generados por opiniones particulares o cómo el medio incluye la voz discordante de los ciudadanos egipcios.

imparcialidad porque el equilibrio nada tiene que ver con la realidad.

“Los espectadores no pueden ser elementos pasivos de la ecuación” afirma Mackenzie. “La gente no es tan pasiva. La gente no es tan tonta. Y la gente negocia el significado de los mensajes mediáticos de formas complejas según los temas y su implicación en los mismos” (Gamson, 1992).

Los personajes soberbiamente brillantes que se comparan a la aventura de Don Quijote también van detrás de una quimera. Sin embargo, demuestran el valor suficiente “para inventar los intereses de la ciudadanía” porque “it’s not great but it can be”*

La misión de civilizar de Will McAvoy, que afirma que “es complicado pero voy a largo plazo”, consiste en conseguir que a través del consumo del mensaje mediático la audiencia sea un agente socialcapaz de elaborar los tres marcos discursivos que muestra Gamson: 1) Indignación, 2) Capacidad para actuar y 3) una identidad común. Eso pretende Sorkin desde el titulo de los episodios hasta cada segundo de los diálogos: despertar a la audiencia consumida por noticiarios como el de Fox, que inoculan al público sus mensajes y le desinforman haciendo que “una potencia armada” tome decisiones contaminadas. Por ello, Sorkin presenta una redacción que quiere huir de ser “la puta” del share y deja claro que las órdenes las dan los espectadores. El periodista ofrece hechos que son el centro y que están en disputa, y no dan apariencia de

(Las oraciones entre paréntesis están extraídas

La espiral de la prudencia basada en la falsificación de preferencias también queda plasmada. El modelo de Timur Kuran aparece en un episodio en el que el portavoz de un congresista republicano y muy conservador debe dar la cara por este. El congresista afirma que “el matrimonio homosexual pone en peligro el suyo” pero en cambio su portavoz se declara abiertamente gay. Aunque no quiere ceder ante la presión de McAvoy a desdecirse de las declaraciones de su congresista y a defender su propia opinión, acaba por estallar. Pero esa situación no se produce en la realidad, pues por lo general las personas falsean las opiniones y mentimos por prudencia, girando la espiral.

*Y hablamos de periodismo

de diálogos de The Newsroom)

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La gran belleza (2013) Dir.: Paolo Sorrentino Pro.: Nicola Giuliano, Francesca Cima Gui.: Paolo Sorrentino, Umberto Contarello Int.: Toni Servillo, Carlo Verdone, Sabrina Ferilli

Puede que el cine de Paolo Sorrentino (Nápoles, 1970) no guste a todo el mundo pero lo que no se le puede negar es que sus películas tienen fuerza y originalidad. Recordemos, por ejemplo, Las consecuencias del amor, Il divo –con un maravilloso Toni Servillo en la piel de Giulio Andreotti-, Un lugar donde quedarse –la más “glamurosa” interpretación de Sean Penn-… Un cine y un director con evidente personalidad. La que demuestra en La gran belleza ya desde los primeros compases. La película arranca con una declaración de intenciones: diez minutos de imágenes sin palabras, que aúnan la impresión estética de la monumentalidad de Roma –capaz de hacer desmayarse a un turista japonés- con el vértigo de la “dolce vita” del siglo XXI que explota en la noche del cumpleaños de Jep Gambardella. Jep ha reunido a todos sus amigos en su espléndida terraza con vistas al Capitolio. Allí corre el champán y el mejor vino, acompañados de otras materias y sustancias; atruena la música, y los cuerpos, jóvenes y mayores, vibran al compás del frenéAPTCMAGAZINE 32

por Jose Manuel Escribano

tico “house” mezclado con éxitos de Raffaela Carrá, sones estridentes de mariachi y sublimes fragmentos de ópera. Todo vale para celebrar y homenajear al anfitrión. Jep Gambardella es el protagonista –y creador- absoluto de esta historia; y un maravilloso Toni Servillo compone a la perfección este personaje inolvidable: un hombre inteligente, elegante, maduro –más cerca de los setenta que de los sesenta- pero aun seductor, brillante y mordaz hasta el cinismo. Su novela de juventud –y única que ha escrito- El aparato

Crítica

La gran belleza (2013)

humano le ha conseguido reconocimiento interminable y ahora disfruta de fama y riqueza mientras observa el paso del tiempo y la vida de sus semejantes desencantado y aburrido. Toda una galería de tipos humanos pasa por delante o –en el mejor de los casos- rodea a Jep; convive con ellos, los soporta, los desprecia y puede que en algún caso lleguen a conmoverlo: la artista moderna, la directora de su revista, el hijo “especial” de su amiga, el marido de su exnovia, su amigo aspirante a autor, el cardenal “papable”, la monja-santa… y otros tantos. Todos son reconocibles, verdaderos –en la película y en la realidad-, para todos tiene Jep un calificativo, una mirada de través, quizá una caricia decadente. La calidad del personaje corre pareja con la potencia de las imágenes; la cámara de Paolo Sorrentino escribe con una caligrafía majestuosa, homenajeando a los grandes maestros italianos: traza larguísimas panorámicas, como elVisconti de Muerte en Venecia, del que hereda además el virtuosismo en la recreación de los ambientes; expone composiciones sobre vacío, personajes desolados como en Antonioni, y hay momentos que remiten a su postrero documento Lo sguardo di Michelangelo; en otras ocasiones la ironía, la imaginación y la

fuerza poética, casi onírica, del impacto visual, remiten a Fellini y sus criaturas… Pero ese brillantísimo ejercicio formal no esconde un contenido más profundo y más amargo, porque hay otros referentes aun en la reflexión que paralelamente hacen director y protagonista: ambos se muestran radicales enemigos de la hipocresía, de las apariencias, del culto idólatra a figuras insignificantes y distantes de la fatua felicidad terrenal, tanto como de las falsas esperanzas en mundos mejores y más eternos. La secuencia de la recepción a la supuesta santa, una monja centenaria que parece una momia, escoltada por gentes de todas las confesiones y sentada en el reconocible sillón de mimbre de Emmanuelle, es reveladora. Jep observa esa sociedad, esas gentes, y no encuentra en ellos, ni en la vida que comparten, ningún rastro de la belleza que quiso entrever, en su juventud, en el cuerpo de su novia; o más tarde en la sonrisa de un niño; o en el canon escultural del mármol, en la voluta de un capitel de piedra. Aquellos rastros murieron; estos no han estado nunca vivos. Y la mirada de Jep busca la Gran Belleza antes de la muerte. La busca, pero no la encuentra. APTCMAGAZINE 33

Eva García Oliván

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Película de nuestra vida Eva García Oliván

West Side Story

(1961) Dirigida por Robert Wise y Jerome Robbins

María. Yo también conocí a una chica llamada María. Joven, dulce, ingenua e inocente. Su vida en América podía ser fantástica, sólo le faltaba algo. Algo por lo que estaba dispuesta a arriesgarlo todo, el amor. La historia que nos cuenta West Side Story es la de un romance imposible, el amor prohibido, adornado de racismo, luchas, clasismo, diversión y música. ¡Qué no falte la música! Interpretaciones magistrales, una María encarnada por la bella Natalie Wood, un Tony interpretado por George Chakiris y una Anita a la que pone vida Rita Moreno, trabajo por el que se convirtió en la primera hispana en ganar un Oscar. Magníficas canciones y coreografías completaban una película atípica, los cuentos con finales felices se reservaban para Walt Disney. Como amante de los musicales, West Side Story pasó a ser mi película fetiche sin lugar a dudas. Me presentó un personaje femenino distinto, luchador. María. APTCMAGAZINE 35

Festival de San Sebastián. David Trueba posando con nuestra camiseta junto a Dani Arrébola

Festival de San Sebastián. Hugh Jackman llega al Hotel María Cristina APTCMAGAZINE 36

Galería APTC (Parte III)

Festival de San Sebastián. Fernando Franco y Marián Álvarez para Apetece Cine (Director y Protagonista de La Herida)

FILM & MUSIC FEST. El director de Filmets y de BCN Sports Film, Agustí Argelich, entrega uno de los premios del 3D

Festival de San Sebastián. Hugh Jackman en el Photocall Premio Donostia

Festival de San Sebastián. Javier Cámara posa para Apetece Cine APTCMAGAZINE 37

Los personajes rudos, duros y sufridos nunca tuvieron tanto éxito en nuestro país hasta la llegada del dúo de actores de este versus. Dos años separan los inicios de las vidas de Javier Bardem y Luis Tosar, dos actores que han llevado el cine español a otro nivel.

BARDEM vs TOSAR APTCMAGAZINE 38

Bardem vs Tosar

Versus inédito por Fran Blanco

Javier Ángel Encinas Bardem (Las Palmas de Gran Canaria, 1 de marzo de 1969), más conocido como Javier Bardem, empezó a muy temprana edad en el mundo del espectáculo. En 1974 ya apareció, haciendo un papel pequeño, en la serie de televisión El Pícaro, donde trabajaba su madre Pilar Bardem. Ya no se le vuelve a ver hasta 1980, donde aparece en la gran pantalla en El poderoso influjo de la luna, de Antonio del Real. En estas dos apariciones Bardem tan sólo es un niño y en ambas hace papeles muy pequeños que ni aparecen en los créditos. Luis López Tosar (Xustás, Lugo, 13 de octubre de 1971), tiene unos inicios mucho más lentos en la actuación. Empieza estudiando historia en Santiago y decide dejarlo para dedicarse a su vocación. No es hasta 1994 que empieza en el programa infantil de la televisión gallega (TVG), Xabarín Club. A partir de ahí, el actor gallego se hace un nombre apareciendo en diversos cortos y series de televisión como Mareas vivas, que se estrena en 1998, el cual le hace popular en su Galicia natal.

en su película Las edades de Lulú y lo vuelve a llamar para darle un papel en 1992 en la exitosa cinta Jamón, jamón, junto a Penélope Cruz y Jordi Mollà, y en 1993 para la película Huevos de oro, que le da el premio Fotogramas de Plata. Estos dos papeles le dan sus dos primeras nominaciones a los premios Goya como mejor actor protagonista. Para cuando su contrincante empezaba en este mundo, Bardem hacía dos películas en 1994 que le hacían entrar por la puerta grande del cine, ganando la Concha de Plata al mejor actor en el Festival de Cine de San Sebastián por Días contados (de Imanol Uribe) y El detective y la muerte (de Gonzalo Suárez) y un año más tarde, en 1995 con 26 años, ganaba su primer Goya como mejor actor de reparto por Días contados. Mientras Bardem se iba haciendo un nombre destacado, Luis Tosar debutaba en el cine en 1998 con Atilano, presidente de Santiago Aguilar y Luis Guridi. No tardó mucho en triunfar y darse a conocer, ya que un año después, en 1999 con 28 años, actúa en el filme Flores de otro mundo de Icíar Bollaín (directora que ha incidido fuertemente en su carrera) y recibe su primera nominación a los premios Goya como mejor actor revelación. Después de esta película pasa unos años actuando en más largometrajes y cortes sin una relevancia mayor de la que había tenido con la cinta de Bollaín.

Bardem empieza a hacer series hasta que a principio de los noventa conoce al director que lo lanza al estrellato, el recientemente fallecido, Bigas Luna. Lo convierte en Jimmy APTCMAGAZINE 39

A su tiempo, Bardem sigue cosechando triunfos gracias a sus películas. Boca a boca de Manuel Gómez Pereira le da su segundo Goya en 1996, el primero como mejor actor principal. Es en 1997, cuando sube al barco en un proyecto de Almodóvar. Carne Trémula y su actuación del policía David le llevan a otra nominación en los premios Goya (la quinta) y le abren las puertas internacionales, gracias al reconocimiento del director, con su nominación a los premios del Cine Europeo. En ese mismo año también actúa para Álex de la Iglesia en Perdita Durango. Con la entrada del nuevo siglo (año 2000) llega el punto álgido en la carrera de Javier Bardem. Antes que anochezca de Julian Schnabel le lleva a la cima con las nominaciones a los Globos de Oro y al Oscar (primer actor español en conseguirlo) y llevarse la Copa Volpi en el Festival Internacional de Cine de Venecia. Su papel de Reinaldo Arenas lo encumbra como estrella en Hollywood y da el pistoletazo de salida a una carrera con enormes papeles al otro lado del charco. En 2002 se cruzan las vidas de nuestros dos protagonistas con Los lunes al sol de Fernando León de Araona. La película, que protagonizan nuestros “rivales”, les da a ambos sus respectivos Goya. Para Tosar (el primero) como mejor actor de reparto y para Bardem (el tercero) como mejor actor principal, además de recibir su segunda nominación a los premios del Cine Europeo. Luis Tosar aprovechó el tirón de Los lunes al sol para hacer otro gran papel en 2003. Su directora talismán, Iciar Bollaín, le vuelve a llevar a la gran pantalla con Te doy mis ojos, una película donde se ve el duro y sobrio papel de Antonio que hace Tosar. Este papel le otorga gran renombre y el éxito de la película le lleva a su primer Goya como actor principal y a ganar la Concha de Plata en el Festival de San Sebastián. Este reconocimiento en España le da el empujón para dar el salto a Hollywood, en 2006. De la mano de Michael Mann, debuta APTCMAGAZINE 40

con un papel de reparto, el de Montoya, en la película de Corrupción en Miami. Mientras tanto, Bardem seguía haciéndose un nombre en Hollywood y actuando en grandes producciones. El mismo director que había llevado a Tosar a debutar en el cine americano, Michael Mann, dirigió a Bardem dos años antes (2004) en Collateral junto a Tom Cruise y Jamie Foxx. Pero ese mismo año, donde triunfó en todos los rincones del mundo fue con la obra que creó Alejandro Amenábar, Mar adentro. El papel de Ramón Sampedro le dio otra vez la gloria. Cuarto Goya, su segunda Copa Volpi de Venecia, el ansiado premio del Cine Europeo y la nominación al Globo de Oro. Un reconocimiento mundial que le abrió definitivamente las puertas de Hollywood para papeles más importantes de los que había hecho hasta ahora. 2009 fue el año donde la mayor parte del público conoció a Tosar. Magnífico papel el que hizo, del preso Malamadre, en Celda 211. Daniel Monzón, el director de la película, acertó de pleno en el papel pensado para Tosar. Hombre serio, agresivo y duro, que bordó el actor gallego y que se le reconoció con el Goya al mejor actor (tercero en total). Un año más tarde, 2010, volvería a trabajar con Iciar Bollaín en También la lluvia, la tercera película que rodaba junto a la directora madrileña. Además, conseguía otra nominación al Goya como mejor actor (la tercera, de tres, cosechada bajo la dirección de Bollaín). Después del éxito de Mar adentro, Javier Bardem se dedicó con más ahínco a abrirse puertas en EE.UU. En 2006, junto a Natalie Portman, rodó Los fantasmas de Goya de Milos Forman. Pero fue un año después, 2007, donde consigue llegar a la cima que buscan todos los actores. Los hermanos Coen (Joel y Ethan) le dan el papel de su vida, el de Antón Chigurh, en No es país para viejos. El papel de maléfico asesino le da su primera nominación en el Festival de Cannes, el Globo de Oro, el BAFTA y

Bardem vs Tosar

Versus inédito por Fran Blanco

el ansiado Oscar como mejor actor de reparto (primer español en conseguirlo). Unos premios que hacen que los grandes directores de Hollywood llamen a su puerta. Como Woody Allen un año más tarde, en Vicky Cristina Barcelona, donde comparte protagonismo con su pareja, Penélope Cruz, y Scarlett Johanson. Otro papel que le da otra nominación a los Globos de Oro. Y como con Alejandro González Iñárritu en 2010, con el filme Biutiful. El papel de Uxbal le vuelve a dar reconocimiento mundial con otra nominación al Oscar (tercera) y al BAFTA y los premios al mejor actor en el Festival de Cannes (primer premio) y el quinto Goya, disputado junto a su versus Luis Tosar, por También la lluvia. Una tercera nominación seguida (sexta en total) para el Goya al mejor actor consiguió Luis Tosar con Mientras duerme, de Jaume Balagueró, en 2011. Pero otra vez se quedó ahí, en nominación. El papel sombrío y perturbador de César demuestra que a Tosar le van estos roles como anillo al dedo. Dos de sus últimos papeles se han visto en Operación E, de Miguel Courtois, y en Una pistola en cada mano, de Cesc Gay.

El reconocimiento a base de premios para Bardem ha disminuido en estos últimos años. Desde Come, reza, ama (de Ryan Murphy), pasando por To the wonder (de Terrence Malick) y Skyfall (de Sam Mendes), hasta El consejero (de Ridley Scott) “sólo” una nominación al BAFTA, por su papel de malo en la última de 007. Lo que si se lleva, a parte de haber trabajado con grandes directores, es haber trabajado con enormes compañeros de reparto como Julia Roberts, Ben Affleck, Daniel Craig, Judi Dench, Cameron Díaz y Brad Pitt. En definitiva, vidas contemporáneas que consiguieron cruzarse en un gran éxito como Los lunes al sol, pero que a su vez cada uno tomó su camino. Bardem mirando más, en su última época, hacia el cine americano, además de asentarse en EE.UU. y un Tosar que ha apostado más por el producto nacional, quizás aún porque no le ha llegado ese gran papel al otro lado del charco. Dos grandes actores que han elevado nuestro cine a lo más alto y que han dado renombre a una profesión, donde muchos otros no pudieron tener ese reconocimiento. APTCMAGAZINE 41

Xavi Bruguera

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Película de nuestra vida Xavi Bruguera

Parque Jurásico

(1993) Dirigida por Steven Spielberg

Dicen los libros, los profesores, los padres, los amigos y los psicólogos que la infancia te marca. Decía Bandura, un estudioso y observador de los quehaceres y vicios de las sociedades que los humanos solemos imitar al vecino, al amigo, al prójimo. Y es que en actos a veces de interiorización indirecta, incluso de aprendizaje, nos comportamos de forma similar al que tenemos al lado. Algo como la formalización del “Papá mira lo que le han comprado a Gabriel” o “¿Has visto cómo va vestida hoy Marisa?” o incluso el taciturno y celoso “¿Cómo narices se habrá adelgazado tan rápido Amparo?”. El ombligo del otro nos inquieta, nos vigoriza, nos molesta. Y nos joroba tanto que, a veces, en un movimiento casi “harakirico” no hacemos más que plagiarlo para sentirnos algo más seguros. “Si Juan lo ha hecho de esta manera no tengo porqué sufrir”. Cuando lo más normal, cómodo y cotidiano era regalar balones de fútbol, patinetes, bicicletas y peonzas me asomé a una librería. Me quedé ojipláctico al contemplar la infinidad de manos que se habían movido al unísono para crear algo tan bello como imposible de cuantificar. Devoraba libros de arriba abajo, novelas infantiles, de misterio y fábulas. Hasta que llegó a mis manos un libro que me marcó. Mucho texto, muchos datos y fastuosas imágenes que me inmiscuyeron de lleno en la aventura. No dudé en adentrarme en el mágico mundo creado por el gran culpable de todo, Michael Chricton , autor de Jurassic Park, un libro llevado al cine por el gran maestro Steven Spielberg. Si bien no es uno de los claros ejemplos de la infravaloración de las obras literarias originales, la película no hace más que convertir y embellecer el “mucho

texto, los muchos datos” para dar vida a las fastuosas imágenes en seres animatrónicos que un día resguardaron los senderos que hoy transitamos: Los Dinosaurios. Una fantástica y auténtica expedición que nos lleva a la isla costarricense de Nublar. Un hilo argumental pulido a la perfección, orquestrado por dos inconformistas y aventureros genuinos como son el Doctor Hammond y el Dr Alan Grant. Un utópico proyecto que se convierte en realidad. Se trata de Parque Jurásico, un paradero con fines turísticos y pedagógicos que se convierte en una hazaña celosamente inquietante. Un viaje que cuenta con la inseparable de Alan, Ellie Santtler y los nietos del Dr Hammond, los vivarachos Tim y Lex Murphy. Personajes como el del desaliñado e irreflexivo Dennis Nedry hasta el seductor impertinente Ian Malcom, pasando por el ingenuo y pusilánime Donald Genaro engrandecen un elenco de actores que si bien no tienen un bagaje muy contrastado en la industria, cierran un círculo perfecto, harmónico y visualmente orgásmico. Una banda sonora exquisita , dibujada por el genio John Williams que nos ayuda a cerrar los ojos e imaginarse cabalgar a lomos de un Diplodocus o un Gallimimus mientras van sonando los acordes de Welcome to Jurassic Park. Un espectáculo increíble gracias a sus criaturas animatrónicas y a los espectaculares efectos especiales que te transportan a una peripecia si bien imposible, como mínimo digna de ser experimentada desde la butaca de cualquier paradero. APTCMAGAZINE 43

BCN Sports Film Festival 2013. Dani Arrébola y Xavi Bruguera de Apetece Cine junto a Josep Lluís Vilaseca y el fallecido en 2013 Álvaro Bultó

Festival de San Sebastián. Entrevista Eva García Oliván al actor Carlos Bardem

FILM AND COOK 2013. Dani Arrébola de Apetece Cine junto al chef Jordi Cruz APTCMAGAZINE 44

FILM AND COOK 20 degustando el coc

Galería APTC (Parte IV)

Festival de San Sebastián. Apetece Cine entrevistando al actor Carlos Bardem

013. Cèlia Forment y Daniel Arrébola cktail preparado para Apetece Cine

Festival de San Sebastián 2013. La actriz Leticia Dolera nos firma nuestracamiseta tras entrevistarla

EUSKAL ETXEA BCN 2013. ENTREVISTA del actor Gorka Otxoa para Dani Arrébola de Aptece Cine APTCMAGAZINE 45

FIREFLY (2002) APTCMAGAZINE 46

Crítica

Firefly (2002)

os encontramos ante una de esas injusticias que se suelen dar en el mundo fílmico de la pequeña pantalla. Firefly, producto ideado por el genio de la cienciaficción Joss Whedon, fue una serie que constó tan sólo de una temporada y 14 capítulos. Sin embargo, la obra del que fuera creador de la clásica Buffy Cazavampiros, fue capaz de generar toda una legión ferviente de seguidores que obligaron al rodaje de una película posterior (Serenity) con los mismos protagonistas y que cerraba las tramas inconclusas tras su final precipitado en la cadena. Un hecho que desafortunadamente suele ocurrir más en el mercado americano que en nuestro producto nacional por muy limitada y cansina que una serie sea.Pero es que en el caso de Firefly, el arrepentimiento de los dirigentes de la cadena Fox debió y debe ser emergente, en el momento en que sentenciaron tal obra maestra, un adjetivo preciso y nada exagerado por diversas razones. Para empezar, nos situamos ante una puesta en escena totalmente innovadora, un western futurista (ambientado de aquí a 500 años) surgido de la mente de Whedon que tiene como base del argumento a la tripulación de una nave que evade constantemente a las autoridades tras cometer capítulo a capítulo un sinfín de delitos. Entre estos delitos que transporta la nave de nombre Serenity, se incluye desde importar y exportar mercancía ilegal, hasta dar cobijo a “peligrosos” sospechosos que se encuentran en búsqueda y captura por las fuerzas de la Alianza (lo que vendría a ser nuestra policía actual y el lado bueno de la ley pero que, pronto uno acaba viéndolos con el rol inverso de “los malos malísimos” tras, familiarizarnos con los personajes entrañables y excelentemente trabajados que surcan la galaxia).

Unos protagonistas liderados por el capitán Malcolm Reynolds, interpretado por un Nathan Fillion estelar (nunca mejor dicho) en los 14 capítulos del total de la serie.

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El líder del grupo convence por su diligencia, capacidad de decisión, sentido del humor e ironía, estos dos últimos recursos habituales en la serie funcionan a las mil maravillas en un guión siempre con enemigos y obstáculos serios y sin contemplaciones. Del resto del reparto a un servidor le ha encantado la actuación de la actriz canadiense Jewel Staite, en su papel de Kaylee, una súper-dotada en mecánica responsable del engranaje del motor de la nave, que derrocha candidez e hipersensibilidad a raudales entre todos los miembros de la tripulación, en especial hacia el personaje del guapo y apuesto médico, Simon Tam, que encarna Sean Maher.

Tampoco puedo pasar por alto la otra joven que nuda la trama, River Tam (hermana del doctor),una fugitiva perseguida por las autoridades por la elevada importancia de un misterioso secreto que tiene que ver con su mente y que pese a proporcionarle al capitán Reynolds y al resto de la tripulación profundos dolores de cabeza por sus pérdidas de papeles constantes, acabará ganándose el cariño de todos, o casi todos. Digo casi porque Jayne, el fornido e incontrolable hombretón de la nave y de carácter salvaje aunque inocentón que interpreta Adam Baldwin (nada que ver con la famosa saga de hermanos), no acaba de ver nunca con buenos ojos la convivencia de una fugitiva tan peligrosa en la nave, aunque paradójicamente es a Jayne al que más le va la marcha, disfrutando de cualquier ocasión en que pueda sacar sus armas, siempre bien guardadas. El elenco se completa con el matrimonio entre el ingenuo pero excelente piloto de la nave, Alan Tudyk y la portentosa mano derecha del capitán Reynolds, Zoe Washburne (quizás el personaje más limitado de la serie); la atractiva bomba sexual que recibe a varios y respetables clientes en su transbordador, de nombre Inara, prostituta de oficio en el lenguaje más preciso pero que Whedon en un gesto genial prefiere

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Crítica

Firefly (2002)

jugar con el término “embajadora”, y que tendrá durante todo el argumento toda una tensión sexual no resuelta con el capitán Reynolds; y el pastor evangelista, Book, que sirve como psicólogo espiritual del abanico de caracteres y diversidades de personalidad que conviven en la Serenity, logrando poco a poco emerger fe en un capitán poco o nada creyente. Para los serie-adictos les recomiendo especialmente los capítulos 6 “Our Mrs.Reynolds” y 11 “Trash”, en el que se encontrarán con el rostro famoso de Christina Hendricks (la que años después será Joanne Harris en Mad Men), en una actuación excelente y que hiela la sangre como auténtica, digámoslo claro, zorra cazahombres. Y los motivos del injusto maltrato que ocasionó la Fox a Firefly no acaban aquí pudiendo ocupar un buen número de posts en nuestro medio y una lista interminable de epítetos a una serie de la que cuesta encontrar algo negativo más allá del castigo de la cadena de entretenimiento americana. Subrayo la sintonía de cabecera, una excelente balada country para transportarnos a ese ambiente único y nostálgico que ha mamado todo buen amante de un clima de western. Una serie con un sinfín de ingredientes capaz de enganchar y devorarla en tan poco

tiempo como sus únicos 14 capítulos: no falta una inquietante y emocionante aventura, unas carreras del gato y el ratón que representan a los buenos y a los malos, unas tramas de 45 minutos que se pasan volando capítulo tras capítulo, unos personajes entrañables y perfectamente logrados que atrapan al espectador en la pantalla y, en definitiva todo un cocktail de disfrute y entretenimiento a la categoría de culto que provoca una evasión de la monotonía de la realidad en su máxima expresión. Concluyo con la música y letra de la sintonía de la serie “The ballad of serenity”, concisa pero profunda y pacífica, escrita por el propio Joss Whedon e interpretada por Sonny Rhodes, que contiene la excelente banda sonora de una serie que supone un regalo tan irreal como inmortal: Toma mi amor, toma mi tierra. Llévame a donde no pueda estar de pie. No me importa, aún soy libre. Al cielo no me lo puedes quitar. Llévame a la oscuridad, diles que no regresaré. Quema la tierra y hierve el mar. Al cielo, no me lo puedes quitar. En ningún lugar puedo estar, desde que encontré serenidad. Al cielo, no me lo puedes quitar. Por Dani Arrébola

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Horizontales 1. Tiene una estatua en Oviedo y ha rodado en Londres, París, Barcelona y antes habitualmente en Nueva York. Solo hace que ganar y ganar premios desde hace casi 40 años y como se la jugó a Dustin Hoffman abandonándolo a él y a su hijo. Primera letra del nombre del “animal más bello del mundo”, amiga del padre de Miguel Bosé. 2. Apellido de la actriz que era muy infiel a su marido con Jack Nicholson. Dos primeras letras del nombre de la divina. Al revés, apellido de un actor que es francés, español y marroquí, que vino del Medioevo y también se encontró con Godzilla. 3. Apellido del actor hermano televisivo del hombre rico. Fue el octavo pasajero y no era demasiado amigo de Sigourney Weaver. Letra inicial del rango militar del joven amigo de Rin Tin Tin. 4. Al revés, apellido de hermanos que dirigieron de maravilla a Javier Bardem. Letra inicial de los nombres de pila de Taylor, Olivier y el bailarín acuático Kelly. Al revés, apellido del actor australiano que se hizo famoso en pocas películas en los años 80 por su simpatía, su sombrero y su largo puñal. 5. Letra inicial del apellido de los residentes en La casa de la pradera. Letra inicial del nombre del actor francés amante de Diane Lane que engañaba a Richard Gere. Nadie como él estuvo solo ante el peligro. Son las dos letras iniciales del nombre de la actriz británica de La Reina. 6. Inicial de nombre y apellido de quien hacía muy buena pareja con Mia Farrow en el Gran Gatsby y con Meryl Streep en La Reina de África. Al revés y castellanizado, lo que fue

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Withney Houston como actriz. Letra inicial del nombre de pila de la protagonista de Speed y La casa del lago. Al revés, nombre de pila del actor que protagonizaba al jefe Brody, que con las otras dos “erres” protagonistas salían en barco a matar al escualo. 7. Director de los grandes, su hija es directora y su sobrino actor. Apellido del actor en cuyo papel aparentaba poca inteligencia y dificultades comunicativas, pero corría mucho. 8. Iniciales de nombre y apellido de un polémico actor, perteneciente a una saga de origen español, que coprotagonizó Wall Street y se hizo millonario con serie televisiva. Tercera palabra del avión que utiliza Harrison Ford en la película que coprotagoniza con Gary Oldman y Glenn Close. Letras iniciales de nombre y apellido del vaquero por excelencia, pero también tabernero irlandés con Lee Marvin y hombre tranquilo con Maureen O´Hara, en ambos casos dirigido por John Ford. Dos primeras letras del segundo nombre de pila de la esposa del malvado televiso petrolero. Letra inicial del nombre de pila del actor Borgnine. 9. Letras que identificaban al tipo de películas que eran subidas de tono y luego acabaron siendo pornográficas. Nombre del ex marido de Melanie Griffith que perseguía viciosos por Miami, pero acabado con la letra anterior del abecedario. Letras iniciales de nombre y apellido de la actriz que no se acababa de integrar en La Familia, aún siendo la mujer de Michael. Letra inicial del apellido de un actor que murió de cáncer, todavía joven, protagonista de Autopista hacia el cielo y de Bonanza, entre otras. 10. Última letra del nombre de pila de un actor grande, casado con Dian Cannon y que tuvo la muerte en los talones por culpa de Robert Kaplan. País en el que transcurre la película “La vida de los otros” rodada en el año 2006 y que logró el

Crucigrama

por Pablo Larraga Oscar a la mejor película de habla no inglesa. Inicial de los nombres de pila de las actrices Bergman, Day y Goddard. Iniciales de apellido y nombre de un actor del período 193080, cuñado de los hermanos Kennedy. Inicial del nombre de una princesa que falleció en accidente de tráfico. 11. Al revés, lo que se enviaban Tom Hanks y Meg Ryan. Inicial de los nombres de pila de las actrices Soldevila, Bening y Bancroft. Frances McDormand debió pasar mucho frio al hacer esta película. 12. Apellido del actor protagonista de Missing y Días de vino y rosas. Inicial de los nombres de pila de Clift y Van Cleef. Letra inicial de ganador en inglés, más las tres iniciales del nombre y apellidos del actor que ha conseguido el mayor número de galardones al Oscar como actor protagonista. 13. Letra inicial del título en castellano de la película protagonizada en el césped por Nathalie Wood y Warren Beauty y dirigida por Elia Kazan. Iniciales de nombre y apellido de célebre actor mexicano que desarrolló gran parte de su carrera en Hollywood y en la televisión americana participó en Los Colby. Dos primeras letras de nombre y apellido de un joven actor que brilló en Class con Jacqueline Bisset y luego cayó en desgracia. Tres primeras letras del apellido de una famosa familia de mafiosos.

por Marlon Brando en Paris y de la famosa actriz británica apellidada Jackson. 6. Sin la “h” inicial, la principal cualidad del ex gobernador de California que nunca podrá ser presidente de Estados Unidos. Letras consonantes del nombre del actor de western bajito por excelencia. Inicial del nombre de la actriz protagonista de Emmanuelle negra. 7. Letra inicial de nombre y apellido de uno de los tres cuidadores de un bebé, que luego se fue a la academia de policía. Nombre de pila de la actriz española protagonista de Furtivos. Fue pareja de Frank Sinatra y de Woody Allen. Primera letra de nombre y apellido del actor que coprotagonizó “Tercera identidad” con Sharon Stone y “La boda de mi mejor amigo” con Julia Roberts y Cameron Díaz. 8. Al revés, duro, duro de verdad que dejo viuda a Lauren Bacall. Letra inicial del nombre de la madre de Liza Minelli. Es uno de los “Matts” del mundo cinematográfico y no participo en la película Crash.

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9. Letra inicial del actor que acompañaba a la madre de Melanie Griffith en una famosa película malvadamente ornitológica. Letra inicial del apellido del que algunos consideran un actor de calidad intermedia, para mí lo más importante que ha hecho en su vida, es estar casado con Diane Lane. Letra inicial del nombre del actor que asesinan unos forajidos callejeros neoyorquinos y del que estaba perdidamente enamorada Demi Moore. Dos primeras letras consonantes del nombre o del apellido de un famoso productor, aviador y director cinematográfico de Hollywood del siglo pasado. Primera letra del nombre del protagonista de Lawrence de Arabia. Letras consonantes del apellido de la actriz que actuó en Impacto y en Vestida para matar, ambas dirigidas por Brian de Palma.

1. Nombre del actor, hoy en día con más de cuarenta años de experiencia, que sucedió a Marlon Brando en el liderazgo de la familia. Letras iniciales del apellido del actor al que acompañaba Cantinflas para dar la vuelta al mundo. Letra inicial de nombre y apellido de una bella actriz italiana nacida en Túnez. Al revés, es incomprensible que se acostara con Gene Wilder.

10. Letra inicial del nombre de uno de los actores de Días de fútbol, con padre afamado actor argentino y su hermana novia de Emilio en Aquí no hay quien viva. Distribuidora cinematográfica sin la C inicial. Inicial del nombre del actor americano que hizo pareja artística con Sammy Davis Jr. Letra inicial del nombre del que casi todos consideran el mejor crowner de la historia, será por su Voz. Letras iniciales de los nombres de la actriz italiana apellidada Mutti y del protagonista de Gran Torino.

2. Apellido de quien lo dejó todo y se fue a vivir a la Toscana, donde se compró una casa. No sabía si quedarse con Robert Redford o Paul Newman y mientras tanto iba en el manillar de la bicicleta escuchando la música de Burt Bacharach. Inicial del nombre de la hija actriz de Roberto Rossellini e inicial de la hermana de Terele Pávez y Elisa Montes, amiga de Vicenta y Marisa en Aquí ni hay quien viva. Inicial del nombre del famoso actor francés que estuvo casado con Simone Signoret.

11. Letra inicial del nombre de la actriz que fue mujercita y después fue gata sobre el tejado de zinc, del actor egipcio más conocido que rodó una película supuestamente rusa en Soria, de la actriz apellidada Hepburn nacida en Bélgica, fallecida en Suiza y que estuvo de vacaciones en Roma con Gregory Peck y la última letra es para la inicial del nombre del protagonista masculino de My fair lady. Al revés, le gustaba jugar a la ruleta rusa en El Cazador. Letra inicial de la película que protagonizaron Ryan O´Neal y Ali McGraw.

3. Inicial del nombre de los actores apellidados Di Caprio, Cage, Bloom (Piratas del Caribe) y Wilson (Midnight in Paris). Letra inicial de nombre y apellido del actor vampiro más deseado por las jóvenes. Al revés famosa saga de hermanos humoristas americanos, que aunque por su apellido lo parezca, no eran comunistas. Inicial del nombre de un actor, cuyo padre fue Espartaco.

12. Letra inicial del apellido de actores sobrevenidos ocasionalmente en directores de cine, cuyos nombres de pila son Sean, Paul, Jack y Mel. Con cierto desorden, siglas de joven rey león en inglés. Consonantes y última vocal de un famoso cine italiano oscarizado con música de Ennio Morricone.

14. Es incomprensible e injusto que Mickey Rourke la tratará tan mal en 66,5 días. Se lo hizo pasar muy mal a Michael Douglas y Anne Archer.

4. Iniciales de los nombres de las modelos y/o actrices Mcpherson, Bundchen, Casta, Schiffer y Kirilenko. Dos primeras letras del apellido del actor de color que cenaba con Katheryne Hepburn y Spencer Tracy. Primera letra del apellido de las actrices protagonistas de Magnolias de acero, empezando por Olympia, Shirley (dos veces, letra repetida) y Julia. 5. Sílaba inicial que precedía a la sílaba final “work” en el título de una película, cuyo subtítulo es Un mundo implacable. Padre e hija no se llevaban bien en El estanque dorado. Letra inicial de los nombres de la actriz australiana que bailó de maravilla con John Travolta, de una amante sodomizada

13. La película empieza con dos letras, la segunda es una T, es de Spielberg. Al revés, barrio neoyorkino de vocales repetidas en el que se han rodado escenas de muchos películas. Primera letra del apellido de “El Rey” que se llevó el viento, de la mujer policía que se vistió para matar y que estuvo casada con Burt Bacharach, del único actor español superviviente del Estudio 1 “Doce hombres sin piedad” y del actor que mejor reparte hostias y que lamentablemente en la vida real se le fue la mano con Kelly Lebrocq. 14 . Apellido de la actriz que protagonizó Testigo Accidental con Gene Hackman y que también participaba en Atracción fatal. Gran película protagonizada por Paul Newman, Robert Redford y Robert Shaw.

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