PERFORMANCE & ARQUITECTURA Antiguo Edificio de Tabacalera NOV2011| MADRID COMISARIA ARIADNA CANTIS
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PERFORMANCE & ARQUITECTURA INTRO ABOUT Dentro del programa El Arte es Acci贸n, promovido por el Ministerio de Cultura, se desarrolla el proyecto PERFORMANCE & ARQUITECTURA en en el Antiguo Edificio de Tabacalera. Durante 17 d铆as, el Antiguo Edificio de Tabacalera se convierte en un espacio para la performance/acci贸n/instalaci贸n de artistas-arquitectos.
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PERFORMANCE & ARQUITECTURA PRESENTACIÓN El Ministerio de Cultura organiza por cuarto año consecutivo el Encuentro Internacional El Arte es Acción que, bajo el título Performances & Arquitectura, se compone de una jornada de performance y una exposición, que se desarrollarán en el Antiguo Edificio de Tabacalera, y un encuentro de reflexión sobre el arte y la arquitectura que se celebrará en el Auditorio del Ministerio de Cultura. Esta IV edición de El Arte es Acción, es un encuentro de artistas y arquitectos,que trabajan en los límites de las disciplinas, desdibujando las fronteras entre las mismas para reflexionar y explorar las aspiraciones arquitectónicas del arte y las artísticas de la arquitectura. Seis artistas/arquitectos son invitados a participar en Performance&Arquitectura mediante performances/instalaciones/ acciones “site specific” trabajando desde temas como la ciudad, el espacio, el cuerpo y la memoria “hablando de arte desde la arquitectura y de arquitectura desde el arte”.
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PERFORMANCE & ARQUITECTURA FORMATO 10 NOV ▪ PERFORMANCES Antiguo Edificio de Tabacalera Cada artista/arquitecto contará con un espacio determinado, en el cual llevará acabo su performance, acción o instalación. 11 NOV ▪ ENCUENTRO P&A LAB Auditorio MCU Encuentro en el que artistas, arquitectos, críticos y comisarios internacionales presentarán su trabajo de forma sucesiva dando lugar al debate y la reflexión en torno al auge de la performance en arquitectura así como la utilización de prácticas espaciales por parte de artistas contemporáneos colonizando territorios vacantes. 11-27 NOV ▪ EXPOSICIÓN Antiguo Edificio de Tabacalera La exposición mostrará el trabajo realizado durante el desarrollo de las performances mediante un vídeo del making off, instalación, acción o elemento simbólico de la memoria de lo allí ocurrido, así como dos video instalaciones de artistas en torno a la ciudad (Héctor Zamora) y el espacio doméstico (Bestué Vives).
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PERFORMANCE & ARQUITECTURA Antiguo edificio de Tabacalera
Auditorio Ministerio de Cultura
10 NOV | PERFORMANCES 19H Site-specific Darya Von Berner México/España (Nu) en Segway Didier Faustino Portugal Dead Zone Pilar Echezarreta México Agenciamiento con aire Andrés Jaque España Ikea disobedients Martin Huberman Argentina Cuelgue colectivo Luis Urculo España Covers
11 NOV | PERFORMANCE & ARQUITECTURA LAB 19H SEMINARIO INTERNACIONAL
Video-Instalación Héctor Zamora México/ Brasil Errant Bestué Vives España Acciones en casa
Pedro Gadanho, Crítico Arquitectura Portugal The rise of performance architecture Theo Lorenz, Director AAis Londres Out of Thick Air - How to generate spatial performances through intense networking David Bestué - Marc Vives, Artistas España Acciones Iván López Munuera, Crítico & Comisario España Hay una guerra en mi sofá. Biopolíticas de andar por casa Selina Blasco, Vicedecana Facultad Bellas Artes UCM España Dwelling in art Carson Chan, Crítico arquitectura, co-director PROGRAM Berlin Space, not Art, is the Curator’s Primary Material Ruth Estevez, Comisaria, directora de LIGA México Arquitectura y formas de exhibición. ariadna cantis
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DISEﾃ前 DE MONTAJE C+ ARQUITECTOS ariadna cantis
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TABACALERA ariadna cantis
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DISEﾃ前 DE MONTAJE C+ ARQUITECTOS ariadna cantis
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PERFORMANCE & ARQUITECTURA ARTISTAS Y ARQUITECTOS Site specific Darya Von Berner MÉXICO/ESPAÑA Didier Faustino PORTUGAL Pilar Echezarreta MÉXICO Andrés Jaque ESPAÑA Martin Huberman ARGENTINA Luis Urculo ESPAÑA Video Héctor Zamora MÉXICO/ BRASIL Bestué Vives ESPAÑA
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site specific ariadna cantis
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DARYA VON BERNER (NU) EN SEGWAY
Darya von Berner, inicia su trayectoria en la School of Visual Arts in New York con Milton Glaser, para continuar más tarde en Europa con Enzo Cucchi, Wolf Vostell, Janis Kounellis y Tony Cragg. Hacia 1984, comienza el despliegue profesional de la artista, recibiendo diversos premios y becas, que la llevaron a establecerse en París. Se trasladó a continuación a Italia tras serle concedida la beca de la Academia Española de Bellas Artes en Roma. A partir de 1991, inicia un largo periplo internacional con exposiciones en diversas galerías de Europa y América, y una presencia habitual en las sucesivas ediciones de Art Basel, ARCO y Art Cologne. Toda la trayectoria de Darya von Berner habla de una personalidad artística que asume como deseable una evolución constante, desde una pintura realista, en los años ochenta, hasta su presencia con Net Art en el World Wide Video Festival del Stedelijk Museum de Amsterdam. Darya von Berner ha llegado a entender el arte, como poderoso dispositivo de producción de sentido y en su obra enfatiza la importancia del dialogo con el mundo.
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DARYA VON BERNER (NU) EN SEGWAY
Título (Nu) en Segway Año 2011 Dimensiones Variables Técnica Performance y videoinstalación Duración 9 minutos
A Marcel Duchamp en vísperas del centenario de “(Nu) descendant l´escalier” IDEA | En un salto a un mundo diseñado mediante logaritmos, se están configurando nuevos hiperinstrumentos e hiperespacios tecnológicos que exceden los límites de nuestro propio cuerpo, lo que nos lleva a preguntarnos cómo usar y movernos en ellos, tanto fuera como dentro de nuestras mentes. La modernidad representaba, por medio de una imagen, la idea de movimiento, (Marcel Duchamp, (Nu) descendant l’escalier, 1912). En la posmodernidad, en cambio, el movimiento sólo se representa en movimiento, con una tecnología que sobrepasa viejos hábitos de percepción corporal y se traduce en una fuerte sensación de desubicación, lo que lleva implícita la disyunción de los cuerpos con el espacio, en un sistema orientado para mantenernos en movimiento. Hemos pasado de ser un receptor pasivo, a ser transmisores, nunca habíamos sido tan sedentarios físicamente y tan móviles al mismo tiempo. En tanto la neurociencia está poniendo de manifiesto la existencia de vínculos hasta ahora desconocidos entre acción corporal y generación de conciencia. PERFORMANCE | Vemos una videoproyección en la que aparece el mismo espacio donde nos encontramos y donde se cruza en un instante y muy de vez en cuando, la sombra de algo que no reconocemos bien (el desnudo en el Segway). Pasa la última vez por el lado izquierdo de la pantalla, y por ahí aparece en el espacio real del espacio expositivo de Tabacalera el mismo desnudo que recorre en un Segway (vehículo de transporte eléctrico de dos ruedas, con autobalanceo controlado por ordenador), observando atentamente el edificio histórico vacío; mientras twittea o toma vídeo o mantiene una conversación con su pareja a través de un teléfono móvil. Sin embargo estando el desnudo fuera de la pantalla, de vez en cuando sigue cruzando en el vídeo la misma sombra veloz. El Desnudo sigue su recorrido por el pasillo entre el público para luego regresar y desaparecer al lado de la pantalla por donde había salido. ariadna cantis
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DARYA VON BERNER (NU) EN SEGWAY
VIDEOPROYECCIÓN Versión A | Videoproyección para el día de la performance La videoproyección muestra el mismo espacio expositivo de la Tabacalera en el que nos encontramos, que es atravesado por el rastro de alguien que cruza el espacio de la Tabacalera velozmente. La imagen se mantiene fija, vacía y sin movimiento, exceptuando los instantes en los que se proyecta a su vez el mismo espacio y la acción que tiene lugar en éste, en el que a su vez se proyecta de nuevo éste espacio y la acción, y así hasta el final de la performance. Una vez que la performance ha terminado, comenzará la Versión B del proyecto. Versión B | Videoproyección “(Nu) en Segway” (loop 2 min. permanente en los 14 días de exposición) Esta proyección muestra el mismo espacio expositivo de la Tabacalera en el que nos encontramos, que es atravesado por el rastro de alguien que cruza el espacio de la Tabacalera velozmente, hasta que logramos reconocer que se trata de un desnudo en un Segway, mientras twittea o toma vídeo o mantiene una conversación con su pareja a través de un teléfono móvil. En esta proyección, se proyecta a su vez el mismo espacio y la acción que tiene lugar en éste, en el que a su vez se proyecta de nuevo éste espacio y la acción, y así hasta el infinito en un juego especular de realidades que se proyectan unas en otra.
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RECORRIDO ariadna cantis
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TIEMPO DE RECORRIDO ariadna cantis
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DARYA VON BERNER (NU) EN SEGWAY
DESCRIPCIÓN TÉCNICA | PERFORMANCE La acción empieza en la videoproyección desde donde vemos el rastro de alguien que cruza el espacio de la Tabacalera velozmente. Del lado izquierdo de la pantalla aparece en el espacio real un desnudo que recorre en un Segway el espacio designado a la artista. La acción continúa con el desnudo real en un Segway que sigue su recorrido por el pasillo del espacio expositivo de Tabacalera, observando atentamente el edificio histórico vacío; mientras mantiene una conversación o twittea a través de un teléfono móvil con su pareja. Termina regresando al mismo lugar donde empezó desapareciendo en el espacio; donde nuevamente vemos su figura en la videoproyección. Durante la grabación, ensayo general y performance se contará con una estufa de gas móvil en el espacio, para asegurar el confort del actor durante la acción. Iluminación: Aunque se pretende mantener las condiciones naturales de los espacios; la artista quiere que la iluminación del actor en Segway a través del pasillo de la Tabacalera, se matice mediante dimmers para acentuar el trayecto (sin emabrgo, no tiene que ser un foco fijo que puntualice a la persona, como en el teatro). Se trata de crear una atmósfera con la iluminación. La iluminación del espacio designado a la artista tendrá que coincidir con la iluminación utilizada para la grabación. Duración en minutos: del recorrido hasta inicio de la videoproyección: 10 min. | Sonido: ambiente
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DIDIER FAUSTINO DEAD ZONE
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DIDIER FAUSTINO RICHARD SIEGAL DEAD ZONE
Didier Faustino, licensed Architect, graduated 1995 from Paris-Villemin School of Architecture (exU.P.1), Paris, France. Lives and works between Paris and Lisbon. Didier Fiuza Faustino works reciprocally summons up art from architecture and architecture from art, indistinctly using genres in a way that summarises an ethical and political attitude about the conditions for constructing a place in the socio-cultural fabric of the city. Spaces, buildings and objects show themselves to be platforms for the intersection of the individual body and the collective body in their use. Each project represents a concept that subverts the social context, in which seeing is experimenting beyond submission to the dichotomy of the rules that normally mark out public space and private space. The body is recentred on the basis of the social implications of the space, alerting people to the dangers of subjecting it to an ambiguity of representation that may contribute towards their forgetting its identity…”(1) (1) João Fernandes, in “Didier Fiuza Faustino / Mésarchitecture”, exhibition catalogue, non pag. ed. Museu Serralves, Portugal.
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DIDIER FAUSTINO RICHARD SIEGAL DEAD ZONE
Richard Siegal ▪ PARIS ▪ Fundador y director artístico del Bakery Paris–Berlin (2005). Reconocido con el Premio Bessie de Danza y Actuación de Nueva York, el Premio Faust del Teatro Nacional Alemán, el Premio S.A.C.D, un Beaumarchais y el Premio Mouson, Richard Siegal ha generado atención internacional por un cuerpo de obra que incluye performances, proyectos relacionados con nuevos medios de comunicación, talleres y publicaciones. Ha recibido encargos de festivales y espacios tales como el Festival d’Automne, Rencontres Chorégraphiques, Ircam, Centre Pompidou, YCAM, Tanz im August, Ballett Frankfurt, Danspace/NYC y Théâtre National de Chaillot. Su trabajo con músicos en vivo le ha llevado a colaborar con Alberto Posadas (Glossopoeia), Diane Labrosse (Double Story), Lorenzo Bianchi (©oPirates, Homo Ludens), Eric-Maria Couturier (Op.Infinity and Homo Ludens), Wolfgang Zamistil(Homo Ludens and As If Stranger), Arto Lindsay (Muscle) and Hubert Machnik (Civic Mimic). Sus colaboraciones con arquitectos y diseñadores arquitectónicos incluyen trabajos con François Roche (Civic Mimic), Virginie Mira (Stranger Trilogy, Glossopoeia), Peter Zuspan (Multinatural (blackout) and Muscle) y Alexander Kada (Venice Biennale of Architecture). Richard Siegal ha sido artista y coreógrafo en residencia en ZKM/Karlsruhe, Bennington College y The Baryshnikov Arts Center. Como miembro del cuerpo docente del American Dance Festival, ha comisariado el Festival anual Forsythe. Siegal es socio de MacDowell y miembro honorífico del Bolshoi Ballet’s Benoit de la Danse.
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DIDIER FAUSTINO DEAD ZONE
Título Dead Zone Año 2011 Dimensiones 4 x 6 m Técnica Felt Duración 10 minutos
Specifically conceived for the Tabacalera, this project explores the ambiguous relationship between body and architecture. Dead zone is a temporary shelter realized from a carpet transformed into an architecture. The “flat territory” designed on the floor of the Tabacalera became a three dimensional skull by the action of a body. By folding the carpet on himself, the user creates an introspective space as a still-life architecture.
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Inspiración “In Voluptate Mors” Dali’s portrait by Philippe Halsman
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PERFORMANCE Storyboard/Final view
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SKULL PATTERN Unicolor carpet or in felt
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SAMPLE Felt
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PILAR ECHEZARRETA AGENCIAMIENTO CON AIRE
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PILAR ECHEZARRETA AGENCIAMIENTO CON AIRE
Nació en Barcelona en 1975. Licenciada en Arquitectura por la Universidad Iberoamericana (México D.F, 2000). Becaria ‘Artes Decorativas’ por la École Nationale Supérieure des Arts Décoratifs de Paris (Paris 2000-2001). Obtiene el Master en Diseño Avanzado de Arquitectura por Columbia University (Nueva York 2005). En 1999 recibe la ‘Beca Jóvenes Creadores’ del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (México) con el proyecto “Filtro Bioclimático para la Ciudad de México”. Proyecto que propone una red urbana de filtros habitacionales inflables que servirán para regenerar las condiciones medioambientales de la metrópoli. Con este proyecto arranca paralelamente la investigación y construcción de diferentes unidades de habitación inflable. Su trabajo ha participado en numerosas exposiciones en Latinoamérica y Europa. Destacan “Golden Pearl y otros Prototipos” (México D.F. 2010), “You don’t have to say you love” (pieza inflable itinerante, Nueva York 2007-Madrid 2010), “Algunos m2 para inflar” (Paris 2001), “Este no es un juguete” (Paris 2003), entre otros. Ha sido Profesora Asistente dentro del Programa de Postgrado en la Escuela de Diseño y Arquitectura de la Universidad de Pensilvania (UPENN). Ha ganado runner-up en el Europan 8 con un proyecto de 400 viviendas en Córdoba. Ha colaborado en varias firmas de arquitectura entre París, Nueva York, México y Shanghái.
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PILAR ECHEZARRETA AGENCIAMIENTO CON AIRE
Año 2011 Dimensiones 21x4x4 m Técnica Film de plástico/tela montado Duración 5-10 minutos
La pieza consiste en un objeto que se desenvuelve en el espacio cuando la música empieza a sonar. Durante este momento, el objeto poco a poco ocupa el espacio que lo contiene (la nave) como una especie de animal incómodo. No es sino hasta que los instrumentos musicales empiezan a afinar y se distingue una composición musical que el objeto toma su forma final, mostrando al espectador lo que lo invade: aire y música. La geometría del objeto recuerda los rompecabezas chinos, donde la superposición de superficies hace referencia al sentido de profundidad, sin esconder más que las mismas naturalezas a diferentes escalas. Es alineando los orificios de la superficie, es decir, recorriéndola, que se puede observarse el interior. Y así, ver el origen de su música.
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MONTAJE Piezas de instalaci贸n
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AGENCIAMIENTO CON AIRE
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ANDRÉS JAQUE IKEA DISOBEDIENTS
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ANDRÉS JAQUE IKEA DISOBEDIENTS
Andrés Jaque dirige la firma Andrés Jaque Arquitectos y el tiny lab Oficina de Innovación Política exploran el papel de la arquitectura en la construcción de las sociedades y administran, desde 2004, la marca de calidad ‘Arquitectura Parlamento’. Son autores de lemas como: “Arquitectura es la sociedad representada”, con el que experimentan las implicaciones para la arquitectura actual de las visiones post-fundacionales de lo político, o “Ecologizar no es Verdear”, bajo el que han desarrollado lecturas políticas de lo ecosistémico, centradas en la innovación de la cultura de la sostenibilidad hacia programas de superación del antropocentrismo y la gestión política del conocimiento. Su trabajo ha sido publicado en las más importantes revistas especializadas y medios de comunicación generales. Andrés Jaque ha impartido conferencias y participado en mesas redondas en foros internacionales como el Istituto Politecnico de Milán, el Eidgenössische Technische Hochschule de Zurich, el Centre International pour la Ville de París, le Centre pour l’Architecture et le Paysage de Bruselas, el Graduate School of Design de Harvard University (Cambridge), la Sociedad Central de Arquitectos de Buenos Aires, el Museo Nacional de Bogotá o el Berlage Institut de Rotterdam. Su trabajo ha sido expuesto en el Schweizerisches Architektur Museum de Basilea, la Cité de l’Architecture et du Patrimoine de Paris, el Hellerau Festspielhaus de Dresde, La Casa Encendida de Madrid, el Instituto Valenciano de Arte moderno (IVAM) en Valencia, la 7 Mostra di Architettura de la Bienal de Venezia o la Bienal de Arquitectura Iberoamericana 2004 en Lima. Ha recibido el premio Dionisio Hernández Gil, ha sido finalista de la VIII y X Bienales Españolas de Arquitectura y Urbanismo y del European Award Mies van der Rohe 2009. En 2010 expuso la intalación ‘FRAY HOME HOME’, por invitación de Kazuyo Sejima, en el espacio central del Palacio de la Exposición de la Bienal de Venecia 2010, y en 2011 terminará la construcción del proyecto ‘SWEET PARLIAMENT HOME’ en la ciudad de Gwangju.
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ANDRÉS JAQUE IKEA DISOBEDIENTS
Título Ikea disobedients Año 2011 Dimensiones 17.67 x 5.05 m Técnica Estructura de muebles de Ikea superpuestos. Performance Preparación de lentejas y postres. Actuación musical de un grupo EMO/Hardcore punk junto con cantantes de copla aficionados. Los habitantes se vestirán maquillaran, y peinarán en el tocador público. Culturistas y aficionados entrenarán en el gimnasio. Duración 8 minutos
Ikea produce personas! Las familias Ikea: son jóvenes, rubias, saludables, pijas, heterosexuales y productoras de bebés y viven en una permanente mañana de sábado soleada y feliz. El 98, 70% de las personas que aparecen en el actual catálogo español de Ikea son jóvenes. El 92% de las personas que aparecen en el actual catálogo español de Ikea son rubias. Ikea ordena a la gente cómo ser cómo comportarse y cómo asociarse. Ikea es el proyecto de trata convertir la vida normal en una felicidad joven, rubia y soleada. Pero todo proyecto-de-felicidad produce también descontentos. No todo el mundo es sano. No todo el mundo es joven. No todo el mundo es heterosexual. No todo el mundo es productor de bebés. Siempre hay una posibilidad de desobedecer. Esto es lo que planeamos hacer. Agrupar a algunos desobedientes de Ikea en Tabacalera. Carmen estará cocinando lentejas. Fatou compartirá la cocina con Carmen, y preparará un postre. También Carmen estará cantando coplas con Paco y con la música EMO/Hardcore punk tocada por Ana, Carlos y Paula. Juan Luis, Scooter, Johnnatan, Paquita, Jose y Jennifer se ayudarán entre ellos a entrenar. Y mientras tanto, todos ellos procurarán estar guapos en el tocador. Nuestra representación no es nada más ni nada menos que una tarde normal en un hogar contra Ikea. Una versión completa de entretenimiento, donde los visitantes serán invitados a comer las lentejas de Carmen, los postres de Fatou, participar en la EMO-copla, entrenar en el gimnasio intergeneracional y ponerse guapos en el tocador público. ariadna cantis
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IKEA DISOBEDIENTS Catรกlogo-familias
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MARTIN HUBERMAN CUELGUE COLECTIVO ariadna cantis
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MARTIN HUBERMAN CUELGUE COLECTIVO
Soy Arquitecto de profesión, diseñador por vocación, profesor de alma y para mi diseñar es un hecho revolucionario. Por eso hace casi tres años abrí un estudio llamado Normal™, dónde me di el lujo moderno de hacer lo que amo de una manera casi infantil, a pura prueba y error. Normal™ se convirtió en un espacio de investigación que me abrió puertas que alguna vez soñé, pero que nunca había imaginado, un lugar dónde hice muchos amigos y gracias al cual pude conocer lugares geniales. El primer proyecto se llamó Tender y a partir de ahi todo cambió, mi idea sobre el espacio y el material sobretodo. El Tender creció y dio a lugar a una serie de investigaciones manuales de gestos simples, cargadas de sentido común, fundadas en la habilidad universal del Hacer. Ultimamente el estudio intenta profundizar sobre algunas líneas creativas, los Espacios Materiales, las Lógicas de Crecimiento Modular y la Okupación Espacial, desarrollando nuevas estructuras espaciales que redefinan la manera de construir y conectarse con el espacio. Me gusta diseñar, me parece natural y por eso lo considero Normal™.
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MARTIN HUBERMAN CUELGUE COLECTIVO
Título Cuelgue colectivo Año 2011 Dimensiones 14000 broches pintados 7.00 x 5.00 m Técnica Madera pino eliotis extraída de bosques reforestados Duración 10 minutos
El Tender fue la primera expresión de una forma de diseñar que llevamos adelante en el estudio y en la cual intentamos dejar de lado el carácter subjetivo de la composición para dar lugar a desarrollos más universales. Es así cómo llegamos a entender que la pieza final no es un objetivo para el cual se trabaja, sino el resultado de un proceso de desarrollo. Es decir, no hay una forma predeterminada a la que queremos llegar, simplemente confiamos en el proceso y dejamos que la pieza crezca siguiendo sus propias libertades. En algunos casos hasta nos es dificil poder determinar puntualmente cual será la forma que tome la pieza al terminarla. Nos gusta entender la pieza como la resultante de la acción de okupar un espacio determinado bajo circunstancias técnicas y materiales determinadas. Es esta especificidad, junto con su relación con el espacio, lo que la hace única. La idea es hacer de la performance en el oppening de la muestra sea una nueva regla compositiva, en este caso basada en la construcción colectiva y en el libre albedrío de los participantes, quienes siguiendo una regla en común podrán colaborar en la construcción del Tender. En los días previos a la apertura se ensayarán algunas configuraciones para determinar cuales son las reglas básicas que deberán seguir nuestros “invitados colgadores” el día de la inauguración. Esta acción que denominamos Cuelgue Colectivo busca estimular una construcción u okupación espacial colectiva. Entendiéndolo cómo un ejercicio que podríamos llamar un brain storming compositivo. En el espacio estarán dispuestas bateas llenas de broches pintados de diferentes colores dónde los participantes podrán elegir, para luego pasar a colocarlos y asi ir okupando el lugar paulatinamente. El Tender resultante quedará exhibido a lo largo de toda la muestra, junto con el registro audiovisual del Cuelgue Colectivo que será registrado por un time-lapse que sirva de documento o evidencia de la transformación del espacio a manos de una gran cantidad de gente. ariadna cantis
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TENDER
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CONTEXTO. INSPIRACIÓN En algunas ciudades de Europa, sobre todo en aquellas donde aún subsisten cascos históricos antiguos, es común encontrar en las angostas calles una legendaria forma de apropiación urbana. Un cielorraso irregular generado por un vibrante cableado de crecimiento natural, compuesto por una sucesión de tenders. La ciudad parece ganar una bóveda multicolor, goteante y extraordinaria, casi como un florecer natural de la urbe. Al mismo tiempo, en el paisaje suburbano local, coronando patios y terrazas, el tender aparece como un elemento autónomo. Mezclado entre el cableado circundante de empresas y servicios, se destaca por lo colorido de sus broches y el movimiento de la ropa que cuelga de él. TENDER. INTRO Tender es parte de una serie de instalaciones que nacen de una investigación basada en el concepto de ready made o found art. La idea consistió, en un principio, en identificar una pieza ordinaria y cotidiana, como el broche de ropa, y a través de la repetición y una estudiada disposición, generar una nueva superficie que termine por cambiar la estructura lógica de la pieza original. Aplicando un gran número de broches de madera sobre una malla tensada que hace del papel del tender, se genera, únicamente por la fuerza que ejerce el peso de las piezas, una superficie de doble curvatura conocida como “paraboloide hiperbólico”, y que goza de una sensual simpleza. Tender es una instalación site specific que cambia según el espacio en el cual se encuentra. Se cuelga de paredes, techos, pisos, creando una relación simbiótica con el espacio. Como proyecto de investigación, cada nuevo Tender intenta desarrollar nuevas formas de interpretación espacial, a veces a través del color, otras a través de la forma; cada instalación crea una nueva serie de reglas. La doble curvatura quiebra la dura imagen del tender, acercando su nombre al significado que tiene en inglés: Tender es Tierno, pero además Suave, Delicado y Sensible. ariadna cantis
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TENDER. OKUPACIÓN UNIVERSAL “La simpleza constructiva fuerza a uno a volver a los gestos simples, al sentido común a una habilidad universal.” * Hacer, construir, transformar u okupar el espacio es un acto ligado a un sentimiento que se encuentra en la base misma del ser humano, como es la apropiación espacial. Ese acto complejo que es transformar un espacio en propio propone una mirada sobre la identidad, sobre la capacidad del ser humano para desbordar su cuerpo, expandirse, colonizar. La arquitectura como disciplina es un instrumento formal de esa necesidad casi instintiva de colonizar el espacio, una expresión cultural de la idea humana del espacio. El Tender nace como una forma instintiva de apropiación del espacio mediante la utilización de herramientas ordinarias que están al alcance de la mano, como el broche de ropa. Al mismo tiempo que colonizan ese espacio, le confieren un lenguaje universal accesible a todo observador que se conecta con ese espacio mediante un sentimiento de sorpresa y cotidianeidad que está en la base del propio material. A mi parecer, es en el proceso constructivo del Tender dónde radica su mayor potencial, por su simplicidad, universalidad y transparencia en la paulatina metamorfosis de la configuración espacial existente. A medida que se van sumando broches y la red abandona el plano para convertirse en una depresión de madera, el espacio es gobernado por una panza texturada dócil al tacto. Por otra parte, Tender tiene el potencial de la construcción colectiva simultánea, ya que varias manos pueden trabajar al mismo tiempo. Últimamente, he fomentado el desarrollo colectivo de las piezas, invitando a amigos o clientes a participar de la construcción y elaboración. Es a lo largo de esos procesos que se reconoce el vínculo natural con el Hacer, esa habilidad universal de la que hablan los Bouroullec, ese sentimiento de comunión casi infantil que se tiene al construir el espacio de manera simple y pura. En lo personal, es una enorme gratificación compartir el momento de creación y construcción con otras personas; me gusta observar cómo okupar el espacio es transformador. Hay una conexión entre okupante y espacio okupado, y si bien no se presenta como un acto evidente, para mí ese es el acto de hacer arquitectura. *Ronan & Erwan Bouroullec. Assembly, pg. 160, Ronan & Erwan Bouroullec. Phaidon
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Para prefigurar el Tender y poder trabajar en base al potencial de la pieza elegimos cómo inspiración cromática a la Wiphala. La Whipala es el estandarte representativo de los pueblos originarios andinos utilizada para encuentros sociales y colectivos, es un símbolo sagrado que identifica el sistema comunitario basado en la equidad, la igualdad, la armonía, la solidaridad y la reciprocidad. Sus colores son los mismos del arcoiris, su disposición obedece a una serie de reglas matemáticas basadas en el número siete, además de tener diferentes significados: ROJO Representa al Planeta Tierra, es la expresión del hombre en el desarrollo intelectual, es la filosofía cósmica en el pensamiento y conocimiento de los sabios. Todo el mundo material visible. NARANJA Representa la sociedad y la cultura; también expresa la conservación y procreación de la especie humana, considerada como la más preciada riqueza patrimonial. Es la salud y la medicina, la formación y la educación, la práctica cultural de la juventud dinámica. AMARILLO Representa la energía y la fuerza, la reciprocidad y complementariedad. Es la expresión de los principios morales del hombre. Es la dualidad hombre – mujer, son las leyes y normas, la práctica colectivista de solidaridad humana. BLANCO Representa al tiempo y la dialéctica; la historia cíclica. Es el desarrollo de la ciencia y la tecnología, el arte, el trabajo intelectual y manual que genera la reciprocidad y armonía dentro de la estructura comunitaria. VERDE Representa la economía y la producción. Simboliza a las riquezas naturales, la flora y la fauna, los recursos hidrológicos y minerales, a la tierra y al territorio. AZUL Representa al espacio, la energía cósmica, al infinito, al espíritu que anima todo. VIOLETA Representa a la política y la ideología social y comunitaria, el Estado, como una instancia superior. La estructura de poder; las organizaciones sociales, económicas y culturales, y la administración del pueblo y la Nación.
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LUIS URCULO VERSIONES/COVERS
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Licenciado en la ETSAM (diciembre 2006) en el Illinois Institute of Technology y el Institute of Design en Chicago. Desarrolla un trabajo de pequeña arquitectura indefi nida y de formato abierto. ‘Ya no sé lo que es la arquitectura y que debería hacer un arquitecto’. Intersado en todo lo periférico a la arquitectura, los procesos, desarrollos y planteamientos que pueden ser manipulados, sampleados y traducidos a otras escalas, adaptándose a la composición del proyecto, creando nuevos escenarios/experiencias/expectativas no contempladas anteriormente. Realiza proyectos de diverso formato entre otros para Philippe Starck, Davidelfi n, Inditex, Fabrica, Absolut, La Casa Encendida, Matadero, Rolling Stone, X Bienal de Arquitectura & Urbanismo, etc… donde las barreras del lenguaje gráfi co/ arquitectura/diseño están cuestionado como algo único. Funcionan como conjunto. Es profesor junto a Jaime Hayón del Master European Design Labs en el Istituto Europeo di Design, Madrid. Su trabajo de diverso formato ha sido expuesto en diversas muestras internacionales como la XI Bienal de Venecia – Pabellón de España, Galería Dama Afl ita (Oporto), MAXXI (Roma), Bienal de Montevideo, Fabrica Features (Lisboa), ArtBasel2010 (Suiza), CutLog Art Fair FIAC10 (Paris), JustMadrid2, Poligono Gallery (Marbella), Galería la Permanente (Madrid), Transculturelles des Abattoirs (Casablanca), National Glyptoteque (Atenas), La Casa Encendida (Madrid). Ha sido invitado como profesor y conferenciante en Ginebra, Grenoble, Estambul, Buenos Aires, Barcelona y Zaragoza entre otros.
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LUIS URCULO VERSIONES/COVERS
Título Versiones/Covers Año 2011 Dimensiones Una proyección de video y una pieza de 7 x 5 x 2m Técnica El espacio se compone de dos partes just do it y cover Duración 4-6 minutos
Una reflexión sobre la arquitectura de consumo, la repetición, el souvenir y su relación con lo doméstico. La comunicación y adaptación de la arquitectura ’culta’ en los lenguajes populares, universales, construidos con materiales y herramientas no especializadas. Trabajar sobre la base de lo reconocible, icónico y monumental para poder cambiar su imagen.
COVERS. VERSIONES Hurt es una canción de la banda estadounidense Nine Inch Nails que fue escrita por Trent Reznor en el álbum Th e Downward Spiral del año de 1994. Nunca se produjo en un sencillo comercial para el público. En 2002 Johhny Cash personalizó este tema en una versión acústica devastadora que mostraba su debil estado de salud. El disco vendió más de medio millón de copias. La canción versionada fue elegida “single del año” en 2003. En 2008 LEGO© presenta su serie ‘Architecture’ junto con Adam Reed Tucker de Brickstructures, donde algunos de los edifi cios más famosos se traducen a unidades y piezas de la marca danesa. El resultado es una transformación del original, una reproducción en baja resolución del icono. El proyecto intenta desarrollar un cover de arquitectura, con unidades domésticas como lenguaje. ariadna cantis
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1 PROCESO Un cover parte de un original al que se le aplica una adaptación, traslación a otro lenguaje (musical,escénico, constructivo...) Primero está en la selección de obras universales, los iconos. Las bases: Casa Fansworth, Fallingwater, Pompidou... Elección de los materiales y lenguaje para su nueva construcción: mesas, sillas, una estantería de Ikea, una maceta con un fi cus descuidado, novelas de una colección barata, el tendedero del chino, las sábanas heredadas de un ex.... 2 JUST DO IT (VIDEO) Se realizará un video rodado en plató donde a partir de un escenas domésticas(muebles y objetos) se reproducirán alguno de los edifi cios popularmente entendidos como ‘obras maestras’ de la arquitectura. Cada escena reproducirá un obra. El lenguaje visual evolutivo/constructivo está basado en el que se emplea en los programas divulgativos de baja especialización tipo bricolage, cocina. Cada resultado se fotografi ará como imagen fi nal y nueva versión del original. - Descripción del video: 3 personas manipulan objetos hasta construir un cover de un edifi cio. Ej: 3 mesas y una cajonera hasta formar Fansworth House (Duración: 1.30’’). Un archivador, se manipulan los cajones con una combinación para construir el cover del New Museum de SANAA (New York). (Duración 45’’) - Duración total del video: aproximadamente 5.30’’. La intención es realizar entre 6-8 covers. ariadna cantis
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THIS IS FALLINGWATER HOUSE. THIS IS FALLINGWATER COVER. ESPACIO & PERFORMANCE El espacio se compone de dos partes. - JUST DO IT.Una proyección de video. Sonido estéreo - COVER. Una pieza de dimensiones 7 x 5 x 2 aprox en el centro de la sala como testigo de la performance que se realizará en la inauguración. Contará con la colaboración de la artista Cristina Blanco.
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video instalacion
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Hector Zamora. 1974. Mexico City. Lives/works: Sao Paulo. Solo Exhibitions: Zeppelin Schärme, Zeppelin Museum, Friedrichshafen, Germany., White Noise, Auckland Festival, Auckland, New Zealand., Offered paradises, Museo El Eco, Mexico City.[2011]; Errante, Margem project, Itau Cultural, Sao Paulo.[2010]; Paracaidista, Av. Revolución 1608 bis. Museo de Arte Carrillo Gil, Mexico City.[2004]; PNEU, Garash Gallery, Mexico City.[2003]; a=360º r/R, La Torre de los Vientos, Mexico City.[2000]. Group Exhibitions: 11th Biennale de Lyon, Lyon, France., FGAP@Venice, Official Collateral Event, 54th Venice Biennale, Venice, Italy. [2011]; 12th International Cairo Biennale, Egypt., Disponible, SFAI, San Francisco, US., FGAP, Pinchuk Art Centre, Kiev, Ukraine., Liverpool Biennial, UK., Paralela, Sao Paulo., Aichi Triennial, Nagoya, Japan.[2010]; 53ª International Exhibition Biennale di Venezia,Italy.[2009]; 27th Bienal de Sao Paulo,Brazil., Busan Biennale; Pusan, South Korea., 9 Havana Biennial, Cuba.[2006]; Farsites, Insite05, San Diego,US.,Eco, Reina Sofía, Madrid, Spain.[2005];Studies: Bachelor Degree in Graphic Design, UAM – X, Mexico City,1994-1998; Architecture: Cícera, São Paulo.[2008]; Traction-Flexion, Roca Blanca,Mexico.[2007]; Grants: Programa Brasil Arte Contemporânea, Sao Paulo Bienal Foundation, Sao Paulo.[2010]; The Pollock-Krasner Foundation., CIFO., Jumex Foundation,[2007]; BBVA Bancomer Foundation.[2003].
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Título Errant Año 2010 Duración 6 minutos 32 segundos Técnica Tensegrity system structure, 9 trees (8-10 m height) Exhibición Margem by Itau Cultural. Curated by Guilherme Wisnik Lugar Tamanduateí River – São Paulo - Brazil Video by Mosquito Project
Errant, an artwork by Héctor Zamora, located at Avenida do Estado, facing the city market, Mercado Municipal de São Paulo, is the first result of the Project Margem, created by Itaú Cultural. The intervention consists of the elevation of a set of large-sized trees over a 400 meter area, on Tamanduateí river bed. The trees are supported by an iron framework and steel cables, as if to create a suspended and surreal garden on the surrounding area of a place that is still called Parque D. Pedro II. Suspension is actually the key word to describe this piece, pointing both to its physical and metaphorical reality: the epiphany of another latent, phantasmagorical city, which seems to emerge and rise over the real city, suspending it. The poetic content is paradoxically delicate and aggressive at the same time. On the one hand, the intervention stands onirically in a linear park, in a non-existing terrain, in a reference to the sacrifice of natural spaces and spaces for leisure, by a city that has stricken the “Faustian bargain” for modernization of industries and roadways. On the other hand, the artwork replicates the operations of energetic artificiality and improvisation from a city that is constantly leaping over its difficulties instead of trying to solve them – as exemplified by the ever-increasing size of helicopters’ fleet in response to urban traffic and violence. Along with Anhangabaú creek, Tamanduateí is a river that propitiated São Paulo’s beginnings. The river was rectified and canalized in the 1920’s, when Parque D. Pedro II was built, and progressively disappeared from people’s view, hidden by express highways, fences, sewage systems and exit ramps. Várzea do Carmo, the access door to Zona Leste, the eastern part of the city, and the traditional area for trading cereals in São Paulo, is today a low-end area, full of conflicts and rife with information, marked by informal trade and street dwellers and the traumatic history of recent vacating of demolition (on-going) of São Vito and Mercúrio buildings – which imposes yet another change on the landscape. In choosing this site to host the Margem Project in São Paulo we try a critical approach to this confluence of relationships. If on the one hand the urban space in Tamanduateí river banks was subject to desertification, we must admit that it is still a space of maximum vitality in the dynamic and exclusivist city turned into a metropolis. Zamora’s errant landscape goes through social and environmental criticism, but does not present a remedy for the urban nightmare. Quite the opposite, it is a true tour de force, which may be seen both as a Garden of Eden in an unsuitable location and as a hybrid, mutating nature, immobilized in a spider web. -Guilherme Wisnik ariadna cantis 55
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BESTUÉ-VIVES Barcelona,1980, 1978. Viven y trabajan en Barcelona. David Bestué y Marc Vives trabajan en equipo desde el año 2002 como Bestué-Vives. El resultado de su trabajo está principalmente formalizado como performances en las que han desarrollado un sistema de aproximación a diferentes realidades, desde las más íntimas (Acciones en Casa, Acciones en el Cuerpo) pasando por el entorno social (Acciones en Mataró) hasta niveles macroestructurales (Acciones en el Universo). En estas performances dialogan con diversos temas extraídos de la reciente historia del arte focalizado en el siglo XX y XXI con referentes cercanos al arte conceptual, al Situacionismo y al Dadá, al cual se añaden conceptos del propio imaginario. Presentaron su trabajo por primera vez en el marco del premio Miquel Casablancas en 2005. En 2006 presentan su primera exposición en la Galeria Estrany- de la Mota y se incorporan al programa de la galería. Sus exposiciones individuales desde entonces han sido en la Galeria Estranyde la Mota, Barcelona (Acciones en le Cuerpo 2006 y Sabadell 2010), MUSAC, León (Imágenes del Fin del Mundo, 2008), Mariblelopez Projects, Berlin (Acciones en el Universo, 2008), EspaiZero1, Olot (Acciones en el Universo, 2008), Centre d’Art Santa Mònica, Barcelona (La Confirmación, 2008), Centro de Arte Dos de Mayo, Mósotoles (Cisnes y ratas, 2009), MTV Screen by Creativetime, Nueva York (Ralph and Jeanette, 2010); Galeria Crèvecoeur, Paris (Carte blanche a Besuté-Vives, 2010, Encargos Difíciles, 2011), La Casa encendida, Madrid (Plato de ostras aún vivas, 2010), Zendai Contemporary Art Exhibition Hall, Shangay (The Human of the Future, 2011), The Magician Space, Pekin (Reality and Actions, 2011). Entre sus exposiciones colectivas destacan Everstill (2007) Fundación Federico García Lorca, Granada; Making Words. 53rd Biennale di Venezia (2009), Venecia; El mal de la escritura (2009) MACBA, Barcelona; Biennale Cuvee (2009) Ok Center for Contemporary art, linz; Everyday’s (2010) Casino de Luxemburgo, Luxemburgo; Art on Speed (2010), Ulrich Museum for Contemporary art (2010), Wichita, USA; Antes que todo (2010) Centro de Arte dos de Mayo, Móstoles, entre otras. ariadna cantis
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Título Acciones en casa Año 2005 Duración 33 min Técnica Video Pal
Acciones en casa es un vídeo que reúne un centenar de micro-acciones, encadenadas en una narrativa de baja intensidad, realizadas en una casa del barrio de l’Eixample de Barcelona. El punto común en todas ellas es el sentido del humor y la idea de precariedad, evidente tanto en la forma de las acciones como en la factura del vídeo casero. Las acciones, realizadas por los artistas con la naturalidad que proporciona el espacio privado, son numeradas (no siempre de forma correlativa) y tituladas. En todas subyace un referente que varía desde los guiños a la historia del arte del siglo XX –Surrealismo, Dadá, Fluxus, especialmente la Fluxfilm Anthology que recogía 37 cortos también numerados, arte conceptual (en la titulación de las acciones), arte minimal, y artistas como Bruce Nauman, Oskar Schlemmer, Alexander Calder o Fischli & Weiss– hasta elementos del imaginario colectivo y la cultura pop. Acciones en casa fue el proyecto ganador del Concurso de Artes Visuales, Premio Miquel Casablancas 2003 y una de las tres obras ganadoras del Premio Generación 2006 de Caja Madrid. También fueron presentadas en 2009 en la Bienal de Venecia.
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ACCIONES EN CASA
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performance& arquitecturaLAB seminario internacional ariadna cantis
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PEDRO GADANHO
Pedro Gadanho is an architect, curator and writer based in Lisbon. He is an MA in art & architecture, holds a PHD on architecture & mass-media, and teaches at the Faculty of Architecture of the University of Porto. He is the editor-inchief of the bookazine BEYOND, Short Stories on the Post- Contemporary, curates the blog ShrapnelContemporary and contributes regularly to other international publications. He has co-authored two TV series on architecture and design and, between 2000 and 2003, was one of the directors and chief curators of ExperimentaDesign, the Lisbon Biennial. He is the co-founder and director of CUC, the Centre for Contemporary Urban Culture, which recently organized Once Upon a Place - Haunted Houses and Imaginary Cities, the 1st International Conference on Architecture and Fiction. He curated Metaflux, the Portuguese representation at the 2004 Architecture Venice Biennale, and exhibitions such as Post. Rotterdam, for Porto2001, Space Invaders, for the British Council London, Pancho Guedes, for the Swiss Architecture Museum, and most recently Habitar Portugal 2006-2008. As an architect exclusively dedicated to retrofitting, his designs include widely published exhibition layouts, galleries and house refurbishments.
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PEDRO GADANHO
Título presentación
The rise of performance architecture As I’ve suggested elsewhere, the fact that quite a few contemporary architectural practices are assuming performance as a new core drive and an essential leitmotif for their urban interventions is explained by several factors. For one, architecture’s return to minimalism in recent years has revealed its superficial shortcomings, as if consumed into a fashionable exhaustion. In a particularly welcoming moment for architecture, the options to renew the field’s cultural expression exploded into the formal eclecticism of both the architectural star-system and an abundant, qualified middlebrow production. In the margins of this twofold mainstream, however, a few practices started to unconsciously revisit an artistic tradition that rejected a purely objectual – or institutional – production of space. As performance art itself enjoyed its comeback, architects started welcoming narratives of use – happenings, events, actions, community participation, etc. – into the very constitution of their temporary, some times unsolicited interventions within the urban arena. As such, the conference will explore the connections between current performative architectural practices and its historical precedents, leading to a reflection on the pertinence of architects’ return to the streets.
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THEO LORENZ
Theo Lorenz is a registered architect in England and Germany, as well as a painter and media artist. Trespassing between art and architecture his interest lies within the relation of digital and physical space and the associations between subjects and objects. He has taught at the Architectural Association since 2000 in the Diploma and Intermediate school. Co-founder of International and interdisciplinary network N-O-M-A-D, Director of the multidisciplinary practice T2 spatial work ltd, Co-founder of SWN, member of spatialwork.net. Since October 2008 he has been the Director of the AAIS Interprofessional Studio.
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THEO LORENZ
Título presentación
‘Out of Thick Air’ - How to generate spatial performances through intense networking Ideas and potential projects of creative design are everywhere. The problem is that not many of these ideas see the light of day, be it because of missing funding, collaborative partners or even specific knowledge. This is especially true for collaborations within the overlap of various disciplines. Given the multitude of influences it is often not easy to clearly describe an interprofessional project in detail from the outset. One therefore might describe the process as that of a ‘densifying fog’; a clear framework and method of mediation that are in place right at the beginning of the project and becomes clearer as a product throughout the process. Here we start to see the design of the framework itself as the first creative task and develop through these the intense networks needed to generate ideas and realise spatial performances, events and constructions. Often, through intense networking between the disciplines, created unique results and made the impossible possible.
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BESTUÉ - VIVES
David Bestué y Marc Vives (1980, 1978 , Barcelona) trabajan en equipo desde el año 2002 como Bestué-Vives. El resultado de su trabajo está principalmente formalizado como performances en las que han desarrollado un sistema de aproximación a diferentes realidades, desde las más íntimas (Acciones en Casa, Acciones en el Cuerpo) pasando por el entorno social (Acciones en Mataró) hasta niveles macroestructurales (Acciones en el Universo). En estas performances dialogan con diversos temas extraídos de la reciente historia del arte focalizado en el siglo XX y XXI con referentes cercanos al arte conceptual, al Situacionismo y al Dadá, al cual se añaden conceptos del propio imaginario. Presentaron su trabajo por primera vez en el marco del premio Miquel Casablancas en 2005. En 2006 presentan su primera exposición en la Galeria Estrany- de la Mota y se incorporan al programa de la galería. Sus exposiciones individuales desde entonces han sido en la Galeria Estrany- de la Mota, Barcelona (Acciones en le Cuerpo 2006 y Sabadell 2010), MUSAC, León (Imágenes del Fin del Mundo, 2008), Mariblelopez Projects, Berlin (Acciones en el Universo, 2008), EspaiZero1, Olot (Acciones en el Universo, 2008), Centre d’Art Santa Mònica, Barcelona (La Confirmación, 2008), Centro de Arte Dos de Mayo, Mósotoles (Cisnes y ratas, 2009), MTV Screen by Creativetime, Nueva York (Ralph and Jeanette, 2010); Galeria Crèvecoeur, Paris (Carte blanche a Besuté-Vives, 2010, Encargos Difíciles, 2011), La Casa encendida, Madrid (Plato de ostras aún vivas, 2010), Zendai Contemporary Art Exhibition Hall, Shangay (The Human of the Future, 2011), The Magician Space, Pekin (Reality and Actions, 2011). Entre sus exposiciones colectivas destacan Everstill (2007) Fundación Federico García Lorca, Granada; Making Words. 53rd Biennale di Venezia (2009), Venecia; El mal de la escritura (2009) MACBA, Barcelona; Biennale Cuvee (2009) Ok Center for Contemporary art, linz; Everyday’s (2010) Casino de Luxemburgo, Luxemburgo; Art on Speed (2010), Ulrich Museum for Contemporary art (2010), Wichita, USA; Antes que todo (2010) Centro de Arte dos de Mayo, Móstoles, entre otras. ariadna cantis
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BESTUÉ - VIVES
Título presentación Acciones Trabajar en la práctica artística actualmente significa cada vez más repensar todos los aspectos de su proceso: desde la gestación de una idea, pasando por la formalización, producción, distribución e incluso, pervivencia del mismo. En resumen, no solo se debe pensar y producir un trabajo sino también marcar el lugar en el que este existe en primera instancia y, a quién y cómo se muestra finalmente. Ya en su momento Bruce Nauman, cuando realizaba ejercicios en su estudio, marcaba ese espacio-tiempo como lugar y momento en el que se estaba dando el hecho artístico. También veremos la estrategia contraria con Félix González-Torres cuando expone objetos de origen industrial adquiridos en comercios, como una pareja de relojes de pared. Objetos que son cargados de una narración absolutamente íntima y privada por parte del artista. En nuestro caso fijar nuestra posición y trabajar desde lo doméstico tiene que ver con la intención de infiltrarse lo máximo posible en la realidad, habitando “de otro modo” los escenarios de nuestra vida diaria, un lugar todavía fértil y que afecta al modo de hacer y vivir de las personas. Apuntar a ese territorio significa realizar ejercicios de desplazamiento constantes, llevar lo público a lo privado y viceversa, extrañar lo común deviniendo abyecto. Y en definitiva, está en tratar de alterar el orden simbólico de las cosas la potencialidad de la práctica artística.
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IVÁN LÓPEZ MUNUERA
Iván López Munuera (Madrid, 1980). Es crítico y comisario independiente de arte contemporáneo. Licenciado en Historia del Arte por la Universidad Complutense de Madrid, explora la inscripción del arte contemporáneo y de la arquitectura en el contexto crítico de las ciencias sociales y en los estudios de medios. Ha realizado labores de comisariado, documentación y gestión en instituciones como Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía, ACAX (Agency for Contemporary Art Exchange), Ludwig Museum, Matadero Madrid, ARCO, MAPFRE Foundation, Comunidad de Madrid, Fundación Suñol o el Instituto Complutense de Ciencias Musicales. Publica regularmente en medios como ‘El País, ‘Arte y Parte’, ‘Goya’, ‘Lápiz’, ‘Pasajes de Arquitectura y Crítica’, ‘Pasajes Diseño’ o ‘Urgente’. Actualmente es profesor en IE University y ha sido tutor de ‘Arte Latinoamericano en el Siglo XX’ de la Universidad de Georgetown. Ha impartido conferencias en numerosos foros académicos, como la Universidad Complutense, la Escuela Técnica Superior de Arquitectura de Madrid, la Universidad Europea de Madrid, la Universidad Carlos III, el Círculo de Bellas Artes de Madrid, el CENDEAC o el Instituto Europeo di Design. Es director y presentador del programa de entrevistas Fuzzy Now Broadcasting TV; miembro de la Plataforma Curatorial para jóvenes comisarios; y del grupo de trabajo e investigación de MataderoMadrid El Ranchito.
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IVÁN LÓPEZ MUNUERA
Título presentación
Hay una guerra en mi sofá. Biopolíticas de andar por casa De Lady Gaga y su Haus of Gaga a Hélio Oiticica y los tropicalistas, de los Gazolines y sus manifestaciones a Rem Koolhaas y OMA/AMO, podemos comprobar cómo las diferentes actuaciones de artistas y arquitectos de la contemporaneidad han variado la imagen del sujeto activista y su manera de operar hacia una figura colectiva, enfrentada en discusión y cuyas actuaciones se disputan de manera pública. Actuaciones que han desplazado los focos de interés hacia áreas insospechadas, amenazantes y sugerentes que han encontrado en las performances un laboratorio eficaz donde ensayar distintos discursos: ¿de qué manera se actúa en el día a día y cómo se visualizan estas actuaciones?, ¿cómo se ponen en práctica las diferentes políticas de los sistemas de presentación?, ¿qué imágenes y escenas se movilizan en la elaboración de los discursos?, ¿cómo afecta al cuerpo y a la construcción social del sujeto?, ¿qué arquitecturas acogen estas prácticas? Éstas son sólo algunas de las preguntas que emergen tras acceder a las performatividades contemporáneas y a sus escenarios para elaborar una guía de políticas cotidianas: biopolíticas de andar por casa.
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SELINA BLASCO
Selina Blasco studied History of Art and got her Ph.D. at the Universidad Complutense of Madrid. She is currently a Professor at the Department of Theory and History of Contemporary Art, and Associate Dean at the Extensión Universitaria Department at the School of FIne Arts (Universidad Complutense). She has been a member of several research teams concerning Art & Architecture and Art & Design and teaches about “Art as Design” at the Master in Contemporary Art and Visual Culture (Reina Sofía Museum, Madrid). Among her latest lectures and papers, “Mariano Fortuny: la tela, la casa” and “Interiores con figuras. Ídolos y máscaras africanas en los estudios de los artistas”, will be published soon.
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SELINA BLASCO
Título presentación
Habitar en arte En el año 1964, Sigfried Giedion, en “El presente eterno”, a la vez que negaba la existencia cerrada, cancelada definitivamente, de lo primigenio, estableciendo la continuidad entre pasado y presente, separaba conceptual y físicamente (en dos volúmenes independientes) los orígenes del arte y los orígenes de la arquitectura. Aunque los acontecimientos que jalonaban la asombrosa aparición del arte transcurrían en la cueva, ni ésta, ni cualquier otro cobijo, refugio o habitación se reconocían en lo arquitectónico. En un gesto diametralmente opuesto, tres años antes (en 1961), Robert Morris, girando un cajón de dimensiones antropomórficas desde la posición horizontal a la vertical, había convertido la caja minimal en habitáculo esencial. Arte como habitación: su “Box for standing” es muchas cosas, pero en el contexto de las reflexiones que puede suscitar un encuentro como el que nos convoca, aparece como eslabón en la interminable sucesión de estrategias con que los artistas han enriquecido y diversificado la consideración de lo arquitectónico. Al hilo de algunas de ellas se invita a pensar lo arquitectónico, como lo artístico, más que desde la acción, desde las acciones.
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CARSON CHAN
Carson Chan (1980, Hong Kong) is a Berlin-based architecture writer and curator. Chan studied design, history and theory of architecture at both Cornell and Harvard University, where he received a Master’s in the History and Theory of Architecture. After working for Barkow Leibinger Architects and the Neue Nationalgalerie’s architecture exhibitions department in Berlin, with Fotini Lazaridou-Hatzigoga, he founded PROGRAM in 2006, a non-commercial initiative for art and architecture collaborations. He has variously curated and overseen more than 30 international exhibitions of contemporary art and architecture. His writing on art, architecture and contemporary culture appears in books and periodicals worldwide, including Kaleidoscope and 032c (Berlin), where he is also a contributing editor. Chan has interviewed a broad range of contemporary practitioners, including Thomas Demand, Udo Kittelmann, Adam Caruso, William T. Vollmann, MVRDV, Greg Lynn, Rick Owens, and David Simon. He has recently lectured at the Schaulager (Basel), GAMeC (Bergamo), 12th Venice Architecture Biennial/Nordic Pavilion, Bund Deutsche Architekten (Berlin), 0047 (Oslo) and the Fondazione Ratti (Como). Chan is an active advisor to several cultural institutions including DLD (Munich), Europan, and the Premio Furla - a biennial prize given to the most promising emerging artists in Italy. In 2008 he organized an evening of panel discussions at the Neue Nationalgalerie (Berlin) with leading artists, architects and curators to commemorate the 40th anniversary of the Mies van der Rohe building. He is currently working on a series of essays on exhibition making in both art and architecture. Recently, Chan was appointed curator of the Marrakech Biennale 2012.
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CARSON CHAN
Título presentación
Space, not Art, is the Curator’s Primary Material The exhibition space is a unique social construct that allows culture to be experienced and inscribed collectively, while remaining a personal experience. Both public and private, the exhibition is also a form of communication shared by both art and architecture. As exhibition making and curating become instituted, it bears remembering that it’s a relatively new practice and one that’s requiring its basic tenants thoroughly discussed and evaluated before they become routine. Why do architects make exhibitions? What is an architecture exhibition? How do you show architecture?
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RUTH ESTEVE
Ruth Estévez. Bilbao 1977. Trabaja en México desde el 2000. Curadora y crítica de arte Ruth Estévez tiene una licenciatura en Bellas Artes por la Universidad Pública del País Vasco (UPV), una Maestría en Historia del Arte por la Universidad Nacional Autónoma de México, y actualmente es candidata a Doctora por la misma Universidad. Del 2007 al 2011 fue Comisaria jefe del Museo de Arte Contemporáneo Carrillo Gil, Ciudad de México, donde hizo exposiciones con artistas como Guy Ben Ner, Mark Manders, Gabriel Acevedo Velarde, Fernando Ortega, Mariana Castillo Deball, entre otros. Es co-fundadora de la Beca de Jóvenes Artistas Bancomer-Macg, uno de los principales apoyos en México para la creación contemporánea. Ha realizado exposiciones en Brasil, Argentina, Estados Unidos, Bélgica y España. En 2011 cofundó y dirige LIGA-Espacio para arquitectura-DF. Una plataforma dedicada a la exposición de arquitectura y un programa de charlas con agentes de otras disciplinas, para enriquecer el diálogo relacionado con la práctica arquitectónica. Escribe habitualmente para Flash Art y Art Nexus.
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RUTH ESTEVE
Título presentación
Arquitectura y formas de exhibición. El eje de esta charla se centra en las problemáticas existentes a la hora de realizar exhibiciones de arquitectura, estableciendo los parámetros para crear nuevas formas de representación que vayan más allá de la maqueta y/o bocetos. Proyectos donde la práctica arquitectónica se visualice como un acto reflexivo con las dimensiones inherentes a cualquier producción de conocimiento. Basándome en mi propio ejercicio como curadora, expondré diferentes proyectos de exhibición de arquitectura realizados y que están estrechamente ligados a metodologías de representación más cercanas al mundo del arte, subrayando las herramientas del quehacer espacial.
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CURRICULUM ARIADNA
CANTIS
COMISARIA Arquitecta por la ETSAM. Comisaria independiente de Arquitectura, divide su actividad entre la difusión de la arquitectura, la investigación y el comisariado, mediante proyectos, exposiciones y publicaciones, con el objetivo de generar un pensamiento crítico entre arquitectura y cultura contemporánea. Es corresponsal en Madrid de diversas revistas nacionales e internacionales. Desde el año 2000 es comisaria del programa de investigación Panorama Emergente Iberoamericano, y desde 2006 es comisaria de la plataforma de difusión FRESHMADRID, proyecto invitado del archivo Matadero Madrid desde 2010, comisaria del proyecto FRESHLATINO 2009, una plataforma de difusión de arquitectura iberoamericana con el patrocinio del Instituto Cervantes. En 2008 crea junto con Andres Jaque la plataforma PIENSA MADRID, dentro de la programación de La Casa Encendida. Es experta nominator de los Premios Mies van der Rohe 2009-2011, jurado de los Premios AEPD, y miembro del comité científico del festival eme3, comisaria de la presente edición del premio PROXIMA de la Fundación Arquia 2010-2011. Finalista del concurso para Chief Curator Lisbon Architecture Triennale 2013. Ha participado en numerosas exposiciones, conferencias y seminarios en: Buenos Aires, Bruselas, Bogotá, Barcelona, Sao Paulo, Nueva York, Hamburgo, Frankfurt, Oporto, Bucarest, Belgrado, Bejing, Dublín, Londres, Shanghai, Nueva Delhi, Utrecht, entre otros. www.ariadnacantis.com ariadna@ariadnacantis.com | 670 974640 Twitter | @aricantis Facebook | Ariadna Cantis Silverstein Linkedin | Ariadna Cantis
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INFORMACIÓN PRÁCTICA
10 NOV ▪ PERFORMANCES
11 NOV ▪ PERFORMANCE & ARQUITECTURA LAB
INAUGURACIÓN: 19 h ANTIGUO EDIFICIO DE TABACALERA C/ Embajadores, 53. Madrid ▪ ENTRADA LIBRE
AUDITORIO DEL MINISTERIO DE CULTURA C/ San Marcos, 40. Madrid
11-27 NOV ▪ EXPOSICIÓN APERTURA AL PÚBLICO: 19 h ANTIGUO EDIFICIO DE TABACALERA C/ Embajadores, 53. Madrid ▪ HORARIO: Martes a viernes: 12:00 – 20:00 h Sábados y domingos: 11:00 – 20:00 h Lunes cerrado ▪ ENTRADA LIBRE CÓMO LLEGAR: Metro: Embajadores y Lavapiés (línea 3) Autobuses: líneas 27, 34, 60, 119 Cercanías: RENFE (Embajadores)
▪ HORARIO: 19:00 – 22:00h ▪ TRADUCCIÓN SIMULTÁNEA ▪ ENTRADA LIBRE CÓMO LLEGAR: Metro: Chueca (línea 5) y Banco de España (línea 2) Autobuses: líneas 27, 34, 60, 119 Cercanías: RENFE (Recoletos)
CONTACTO PRENSA ▪ promoción del arte. Ministerio de Cultura ▪ promocionArte@mcu.es
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CRÉDITOS
ORGANIZA Ministerio de Cultura. Dirección General de Bellas Artes y Bienes Culturales. Subdirección General de Promoción de las Bellas Artes. COMISARIA Ariadna Cantis COORDINACIÓN Mariflor Sanz Mallo. Promoción del Arte. Ministerio de Cultura Eloísa Martínez Ortega. Promoción del Arte. Ministerio de Cultura Javier Peña Ibáñez DISEÑO DE MONTAJE C+arquitectos DISEÑO GRÁFICO Raquel Monje COMUNICACIÓN Concepción Sánchez. Promoción del Arte. Ministerio de Cultura Nadia Geijo. Promoción del Arte. Ministerio de Cultura ariadna cantis
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PERFORMANCE & ARQUITECTURA Antiguo Edificio de Tabacalera NOV2011| MADRID COMISARIA ARIADNA CANTIS
www.elarteesaccion.com twitter.com/#!/elarteesaccion www.facebook.com/elarteesaccion ariadna cantis
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