PINTORES DEL ARTE CLÁSICO Claude Monet Edgar Degas James Whistler
TEMA ESPECIAL: CULTURA CELTA Y SU ARTE
Belle Arte
Índice
Claude Monet.....................1 Edgar Degas ...................4 James Whistler..................7 Arte Celticó....................10 Orfebreria..............................13 Arte...................................15
Clude Oscar Monet
Pintor Impresionista
París, 1840 - Giverny, 1926. Pintor francés, figura clave del movimiento impresionista. Sus inclinaciones artísticas nacieron del contacto con Boudin en Le Havre, y las excursiones al campo y la playa durante su adolescencia orientaron el posterior desarrollo de su pintura. Según Monet, el pintor que se coloca ante la realidad no debe hacer distinciones entre sentido e intelecto.
A partir de 1872, Monet se interesó por el estanque de Argenteuil como lugar idóneo para adaptar su técnica a la representación rápida del agua y la luz. La obra titulada Monet trabajando en su barco en Argenteuil (1874, Neue Pinakothek, Munich) representa esa especie de laboratorio náutico desde el que el artista podía navegar sobre el agua del estanque apreciando los cambiantes efectos luminosos de su superficie, que reproducía mediante diversas variaciones sobre un mismo tema. El barco-taller de Monet se oponía radicalmente a la idea de estudio que veinte años antes exaltaba Courbet en su obra El estudio del pintor, y suponía un pintoresco testimonio de las principales aspiraciones impresionistas. La incipiente luz del amanecer y sus aleatorios reflejos sobre el agua pueden apreciarse también en la mítica obra Impresión, sol naciente (1872, Museo Marmottan, París), pintada en Le Havre.
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A partir de 1890 la pintura de Monet se vuelve más compleja y la inmediatez y la euforia iniciales se transforman en insatisfacción y melancolía, en un difícil intento por conciliar la técnica fresca y expresiva de sus primeros años con búsquedas más profundas y ambiciosas que podían prolongarse durante varios días, meses e incluso años, con la intención de crear obras que encerraran una mayor complejidad: variaciones que en su reiteración temática permitieran enfatizar la investigación de las resoluciones formales. Efecto de nieve (1891, National Gallery of Scotland, Edimburgo), Almiares (1891, Museo de Orsay, París) y Almiares, puesta de sol (1890-1891, The Art Institute, Chicago) son obras que forman parte de algunas de sus primeras series. Las conocidas series de Ninfeas o nenúfares que, más tarde, se asociaron a las aportaciones de Kandinsky, Klee, Picasso y Braque, como símbolos del nacimiento de la abstracción en la pintura occidental, tras largos siglos de predominio de la representación figurativa.
Pinturas de Monet
“Nympheas (nenúfares)” - óleo sobre lienzo, 219-602 cm. - 1920-1926 - Paris, Musée de l’Orangerie La serie de los nenúfares realizada por Monet ha sido descrita como “La Capilla Sixtina del Impresionismo”.
“Meules (almiares, deshielo)” - 1889 - óleo sobre lienzo - Hill-Stead Museum, Farmington. Entre 1889 y 1891 Monet realizó una serie de 15 lienzos representando unos almiares en las afueras de Giverny. Kandinsky tuvo la oportunidad de ver uno de estos almiares en una exposición de Moscú en 1895, y quedó impresionado hasta el punto de sugerirlo como la primera obra abstracta de la pintura: “Y de pronto, por primera vez, vi un cuadro. Leí en el catálogo que se trataba de un montón de heno, pero yo no podía reconocerlo. Me di cuenta de que faltaba el objeto del cuadro. Lo que tenía perfectamente presente era la insospechada y hasta entonces oculta fuerza de la paleta”
“Impresión, salida de sol” (1873)-
Paris, Musée Marmottan. “El papel sin pintar de las paredes está mejor terminado que esta marina” escribió un agudo crítico de la época sobre este lienzo, expuesto en la primera exposición impresionista de 1877. No se trató de una crítica aislada, sino que es tan solo un ejemplo de cómo los críticos de la época reaccionaron ante esta pintura, y por extensión, ante la pintura impresionista.
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Claude Monet - “Mujer con sombrilla. Madame Monet con su hijo” (1875, óleo sobre lienzo, 100 x 81 cm, National Gallery of Art, Washington) Monet pintó este retrato de su esposa Camille y su hijo Jean en Argenteuil. La pose de ambos es tan natural que casi parece una instantánea, como si en medio de un paseo por el campo el artista les hubiese dicho: “quietos ahí, que os hago una foto”. Lo que casi nunca tenemos en cuenta es que Monet tardaba, como mínimo, varias horas en hacer cada “foto” y su querida familia tenía que mantener la postura estoicamente durante todo ese tiempo.
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Edgar Degas
Pintor Impresionista
Hilaire Germain Edgar Degas; París, 1834 - 1917. Pintor impresionista francés. Las relaciones de Degas con el movimiento impresionista fueron bastante complejas. A pesar de que participó en siete de las ocho exposiciones del grupo y mantuvo diferentes contactos con todos los pintores que lo constituían, se negó sistemáticamente a practicar la pintura al aire libre y su obra posee indudables resonancias realistas e incluso clásicas. Tras la guerra franco-prusiana, en la que participó alistándose en la Guardia Nacional, Degas regresó a París y frecuentó el ballet de la Ópera de la calle Peletier, iniciando sus primeras y míticas series de bailarinas hacia 1872. Dos años después, cuando participó en la primera muestra impresionista, su pintura fue una de las menos criticadas debido al perfecto dominio del dibujo, entendido éste sólo como un análisis de la realidad. En la tercera exposición impresionista que se celebró en 1877, en cuya organización Degas participó activamente, su pintura se decantó momentáneamente hacia los temas sociales como consecuencia de la influencia de Zola y de las tertulias en el café Guerbois. Sin embargo, Degas, que seguía el código de la buena sociedad tan elocuentemente descrito por Proust, no habría de pasar a la historia de la pintura por sus reivindicaciones sociales, sino, principal-
mente, por los efectos del movimiento que logró plasmar tan magistralmente en su obra, sobre todo en la serie de las bailarinas, de planchadoras o de figuras femeninas en general: mujeres bailando, bañándose o secándose, captadas en ese instante preciso de la realidad. Su pintura se interesó por la figura femenina, a la que consagró la mayor parte de su obra. A partir de los años ochenta, Degas realizó numerosas variaciones sobre el tema de las bailarinas; sin embargo, la idea de la mujer estuvo muy vinculada a su vida artística y privada. Degas perdió a su madre cuando contaba apenas trece años. No se casó nunca y no se le conoció ninguna relación amorosa -Mademoiselle Volkonska y Marie Dihau no son más que meras suposiciones-; ante ello el artista comentó en una ocasión: “Hubiera sufrido durante toda mi vida el temor de que mi esposa dijera: Te ha quedado bonita, después de haber acabado una pintura.” http://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/degas.htm
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Pinturas de Degas
“Mujer peinándose” es uno de sus más clásicos desnudos. En una versión posterior del mismo tema, Doncella peinando a la señora (1896, National Gallery, Londres), los contornos de la mujer y la criada surgen de un campo cromático rojo anaranjado que parece anticipar el Estudio rojo de Matisse (1911, MOMA, Nueva York) quien, curiosamente, fue propietario de esta pintura de Degas.
“Clase de ballet”, 1875 Colección privada. Las pinturas que Edgar Degas creó describiendo bailarinas y clases de baile están consideradas como algunas de las más logradas y reconocibles de todo el impresionismo.
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Degas descubrió el fascinante mundo escénico que tanto exaltó en su pintura. Aunque de connotaciones alegóricas, el retrato de Mademoiselle Fiocre en el ballet La Source (1868, Brooklyn Museum, Nueva York) expuesto en el Salón de 1868, representa su aparición en el panorama artístico parisiense.
“Carrera de Caballos” Además del mundo de las bailarinas, al pintor también se interesó y prestó una atención especial al mundo del caballo y las Carreras Hipicas (Turf).
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/d/degas.htm https://criticacultural11.wordpress.com/2011/03/13/ejercicio-de-critica-segun-galindo-blas-sobre-edgar-degas-y-su-esayo-de-ballet-1875/
Pintura en colores pastel del aceite verde del bailarín (bailarina Verte) del expresionista francés Edgar Degas. La pintura representa a un grupo de bailarinas en mediados de-funcionamiento en etapa. Pierre-Auguste Renoir (1841 - 1919) era un artista francés que era pintor principal en el desarrollo del estilo impresionista. Como han dicho un celebrator dela belleza, y especialmente la sensualidad femenina, él que “Renoir es el representante final de una tradición que corra directamente de Rubens a Watteau.”
http://www.allposters.com/-sp/Green-Dancer-circa-1880-Posters_i9833696_.htm
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James Abbott
Mcneill Whistler
Pintor Impresionista
Lowell, 1834 - Londres, 1903 Pintor y artista gráfico estadounidense. Notable dandy, hombre de ingenio y gran viajero, pasó varios años de su niñez en Rusia, donde su padre había sido destinado como ingeniero civil participante en la construcción del ferrocarril de Moscú. Su formación como artista se inició indirectamente cuando, tras ser expulsado de la Academia Militar de West Point por “insuficiencia en Química”, aprendió la técnica del grabado al aguafuerte como cartógrafo de la Marina de los Estados Unidos. En 1855 fue a París, donde estudió intermitentemente con Charles Gleyre (famoso profesor y pintor suizo que alentó la práctica de la pintura al aire libre en estudiantes impresionistas de la talla de Jean-Frédéric Bazille, Claude Monet, Pierre Renoir y Alfred Sisley), e hizo copias en el Museo del Louvre.
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introdujo el culto a lo japonés, pero volvió a Francia con frecuencia. Su obra Al piano (1859) fue bien recibida por la Royal Academy en su exposición de 1860 y pronto se hizo un nombre, no sólo por su talento, sino también a causa de su brillante personalidad, que lució en muchas tertulias. El arte de Whistler, discreto y sutil, es en muchos aspectos opuesto a su personalidad a menudo agresiva, pero no por esto deja de ser tremendamente renovador y de fundamentos radicales. Creía que la pintura era independiente del tema, y que por tanto no servía únicamente para Adquirió una perdurable admiración transmitir ideas literarias o morales. por Diego Velázquez y se convirtió en devoto del grabado japonés y, en ge- Pintó sobre todo retratos y paisajes, esneral, del arte y la decoración orien- pecialmente escenas sobre el Támetales. A través de su amigo Fantin-La- sis que componía a la manera de los tour conoció a Gustave Coubert, cuyo Ukiyo-e (término japonés que significa realismo inspiró gran parte de su obra “pinturas del mundo flotante” y que se temprana, aunque luego se decantaría aplica a la corriente dominante en el por una obra menos combativa basa- arte japonés del siglo XVII al XIX). No da en las armonías abstractas de tono menos original fue su trabajo como y color y el estudio de las superficies. artista decorativo, en un estilo que anticipa el Art Noveau de la década de 1890. En 1859 se estableció en Londres, donde http://www.biografiasyvidas.com/biografia/w/whistler.htm
Pinturas de Whistler “Nocturne in Black and Gold, the Falling Rocket” 1875, Whistler cambiado el curso de la historia del arte con sus técnicas radicales y la adopción de los principios de diseño de Asia, que hizo hincapié en un aplanamiento bidimensional de formas pintadas y su disposición en patrones abstractos. Las formas planas, expresivos, y radicalmente simplificados en sus pasteles de Venecia , y su uso de pigmentos azules y grises de fluidos en sus nocturnos abstractos , alteran la forma en que sus contemporáneos como Édouard Manet y Degas Edgar vieron y entendieron el arte.
“Chelsea” Pintado en agosto de 1871, este es el primero de los Nocturnos de Whistler . En estas obras Whistler objetivo de transmitir un sentido de la belleza y tranquilidad del Támesis por la noche . Fue Frederick Leyland quien utilizó por primera vez el nombre de ‘ Nocturne ‘ para describir escenas iluminadas por la luna de Whistler Se sugiere acertadamente la idea de una escena de la noche , pero con asociaciones musicales.
Su obra más famosa, Composición en gris y negro: la madre del pintor (1871), fue adquirida después por el Louvre, y se le condecoró con la legión de Honor. Vinculado con el impresionismo (aunque estaba más interesado en evocar los ambientes que en describir los efectos luminosos), con el simbolismo y con el esteticismo, el arte de Wistler desempeñó un papel central en el movimiento moderno en Inglaterra.
http://www.biografiasyvidas.com/biografia/w/whistler.htm
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“Sinfonía en Blanco N º 2, Girls in White” Pertenece a su colección “Symphony In Withe” donde pinta a muchachas vestidas de Blanco guíandose por su obseción por las mujeres y utilizando su estilo Impresionista aunque el siempre prefierió un estilo más simplista.
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Q
¿ uiénes fueron los
Se denomina cultura celta o civilización celta al conjunto de pueblos que vivieron en la Edad de Hierro, distribuidos en diferentes partes de Europa. No se trata de un imperio ni una comunidad política definida, sinode un conjunto de pueblos autónomos con algunas características culturas en común. El denominador común de los pueblos celtas es el lenguaje. Las llamadas lenguas celtas, son las que derivan del idioma protecéltico que, según los expertos lingüistas e historiadores, fue el primero de los idiomas indoeuropeos en expandirse territorialmente.
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vecios y los Britanos, posteriormente llamados Bretones. Las lenguas celtas se diseminaron por todo Europa durante varios siglos, alcanzado la mayor expansión en el siglo III a.C. Sin embargo es posible identificar algunas zonas de Europa como los territorios más estables de los pueblos celtas.
Las seis principales lenguas celtas de las que quedan influencias lingüísticas en la actualidad son: el bretón, el córnico, el gaélico escocés, el galés, el irlandés y el manés.
Los Druidas se integran a la naturaleza para descubrir sus secretos, conocen las plantas que curan, la astrología, la importancia de las relaciones entre el hombre y el cosmos. La religión Celta esta fundada desde entonces en la búsqueda de la armonía entre el hombre y la naturaleza, una filosofía que se adapta a la realidad, lo que supone la búsqueda de la comunión con la naturaleza y el conocimiento de su funcionamiento.
De igual modo, se estima que pueden haber existido muchas otras lenguas celtas que ahora se encuentran completamente extintas. Los principales pueblos celtas fueron los Celtíberos, los Galos, los Hel-
La presión romana desde el Sur combinada con la progresión de los pueblos germánicos que invadían desde el siglo IV a.C. las tierras celtas del norte y centro de Europa, acabó por derrumbar la
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Celtas?
cultura celta hasta su sometimiento. La inexistencia de una nación celta, con un ejercito conjuntado que pudiera plantar cara a la maquinaria estatal romana hizo que estos pueblos sucumbieran ante ejércitos bien organizados, pero fue esta misma preexistencia tribal y familiar la que hizo prácticamente indestructibles los valores, las costumbres y por tanto la percepción religiosa, sus leyendas y folclore. Territorialmente los celtas en retirada se replegaron en las costas Occidentales en Iberia y en las Islas Británicas intentando huir del empuje romano. Es ahí donde pervivirán, ocultadas por la patina imperial, el viejo carácter celta vivo y oculto. Sin embargo, no será hasta las invasiones de los pueblos germánicos (visigodos, francos, burgundios, vándalos,etc), que la Galia desaparecerá arrasada, quedando tan solo la Bretaña Armoricana como único territorio donde los celtas sobrevivirán bajo libertad vigilada.
Irlanda y el Mundo Celtíco En el “Lebhor Gabhala Eireann”, el “Libro de las Conquistas de Irlanda”, se relatan las invasiones sufridas por Irlanda. Se reconocen dos grandes migraciones celtas a Irlanda: la primera entre los años 1000 y 1300 a.C. y la segunda, en los siglos IV y V a. C., se duda del lugar exacto de su procedencia. Tres pueblos llegaron a Irlanda, antes de la llegada de los Tuatha De Danan. Primeramente llegó la raza de Partolón, el hombre primitivo. Al poco de establecerse hicieron su aparición los que serían los viejos Dioses de la Tierra. Los Fomoré. Los Fomoré, representados como seres deformes e incompletos, pues eran Dioses imaginados desde el temor que producían los fenómenos de la Naturaleza y por tanto no eran la verdadera esencia divina, representaban la crueldad de la Tierra y la indefensión que el hombre sentía ante ellos.
la tribu, es por ello que estos pueblos podrían referirse a culturas previas al nacimiento de la agricultura, aunque en las leyendas se refieran a estos pueblos como dominadores de estas técnicas. La conquista de las técnicas agrícolas, otorgan el asentamiento, en contraposición al nomadismo, lo cual permite aflorar la sabiduría gracias al bienestar surgido de la Tierra. La llegada de los Fir Domnann, los Gaileon y los Fir Bolg previamente a la aparición de los Tuatha De Danann de los que serán contemporáneos, marca la aparición de tres pueblos que son uno y que a su vez son el tercer pueblo primitivo antes de la gente de Dana. La relación numerológica, resulta muy interesante y también seria digna de ser desarrollada.
La raza de Partolón, indefensa ante las circunstancias más fundamentales que la propia existencia provoca, fueron aniquilados de forma pasiva, de ahí que la leyenda los enfrente ante una epidemia que los destruye sin remisión.
Estos pueblos, no lucharon contra los Fomoré, es más, al jefe de estos muchas veces se le denomina El Dios de Domna. Parecería que estos pueblos que aparecen tras la agricultura mantenían otra relación con la Tierra. La reconocen como Gran Madre tanto dadora de Vida como también de Muerte. Es el inicio del culto Lunar a la Diosa Madre, anterior al culto Solar de un Dios Padre.
Tras ellos, hace su aparición la belicosa raza de Nemed y como sus predecesores se enfrentarán a los Fomoré. El hombre evoluciona, sigue sintiendo temor por la crueldad de la Naturaleza pero le planta cara, es decir, intenta dominar la Tierra, ya sea por Conocimiento o por Adoración, cuando sus recursos fallan.
Estos pueblos hacen referencia a pueblos humanos, ya que según narra la epopeya heroica irlandesa, los actuales habitantes de la isla, descendientes de otro pueblo humano, los hijos de Mille, que serán los que destierren a los Tuatha a los sids, los encontraron establecidos en la isla a su llegada.
Llegaron por separado y no coincidieron en el tiempo, ya que representan estadios diferenciados de la evolución humana, pero en ambos existe un denominador común. Enfrentados con los antiguos Dioses de la Tierra fueron exterminados ya fuera por la enfermedad o por la fuerza (la batalla de la torre de Connan). Estas razas tuvieron en la Tierra a un adversario cruel. De ahí los tributos sangrientos exigidos por los Dioses. La Tierra no era para ellos la Gran Madre dadora de privilegios a
Por eso mismo la llegada de estos pueblos no se produce en Beltane, como en las ocasiones anteriores en las que una raza genérica arribaba a la isla, sino en Lugnasad. Lugnasad es la fiesta propiamente de la tribu y por tanto de la humanidad. Los tres pueblos, se identifican con los elementos de Tierra, Agua (saco) y fuego (lanza) mientras que se reserva el elemento Aire para los Tuatha. Recordemos que esta raza de Dioses llega, como no, en Beltane y se narra que llegaron desde el Aire.
La llegada de los Tuatha, como Dioses de la tribu, marca el inicio de la fusión de los viejos Dioses Fomoré, pura Tierra, que son vivificados por el Aire de los hijos de Dana. Es por ello que encontramos en la mitología parentescos e interrelaciones entre ambas razas divinas. Lug, la ciencia, la sabiduría el intelecto vivificador nace de la unión de ambos, del Tuatha Cian con la Fomoré Eithne. Pero el fruto de esta simbiosis mística es entregado a Tailtiu, esposa de Eochaid rey de los Fir Bolg, una humana adoradora de los viejos Fomoré. Por ello la iluminación de los nuevos Dioses se deposita entre los humanos y lógicamente la consecuencia de este acto es el nacimiento de una nueva espiritualidad. Los hijos de Dana son los Dioses de la Tribu. Esta nueva espiritualidad, síntesis de la vieja religión proyectada y humanizada, lleva irremediablemente a la evolución de las creencias humanas. Lógicamente, el fin de los Fomoré era irremediable de ahí las ‘guerras’ con ellos y la lógica muerte de Balor, el del ojo maléfico, trasunto de un sol aniquilador a manos de un sol humano que fertiliza la Tierra y trae el bienestar a la tribu. La mejor manera de conmemorar este hecho es mediante la festividad de Lugnasad. La cosecha dadora de vida para la Tribu conmemora la aparición de los Tuatha, de la espiritualidad enfocada al hombre, generosa con él. En definitiva la perpetuación de la Vida. Es lógico que esto se produzca cuando Tailtiu, última representante de los pueblos adoradores de los Fomoré, muere tras haber modificado su adoración (a la muerte de su esposo, rey de los Fir Bolg, contrae matrimonio, o sea, se UNE a un Tuatha De Dannan). La llegada del Druidismo y de toda la Magia como Conocedora de la Naturaleza se debe a los Tuatha, pero no olvidemos que no existiría la misma sin su fusión con los Fomoré.
http://www.ordendruidafintan.com/origenesceltasodf.htm
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Orfebreria Su Estilo Artístico A través de los siglos, el arte celta evocó un mundo denso y cambiante en el que nada es lo que parece a primera vista. Un mundo poético y artístico. La estética celta viene caracterizada por un conjunto original de cualidades: facultad de asimilación acompañada de una instintiva potencia de transformación, predilección por las flexibilidades dinámicas y las creaciones híbridas, por el deslizamiento de lo real a lo ideal, pero con un gran rigor subyacente. El estilo ornamental de la cultura de La Tène siguió siendo la característica dominante de las obras en metal, pero también de las tallas de madera e ilustración de manuscritos en Gran Bretaña e Irlanda quince siglos después. Se trata de un estilo impetuoso, imaginativo, pero también preciso, consistente en motivos florales y símbolos abstractos. Los elementos ornamentales más comunes eran el nudo, las lacerías, los trenzados geométricos, espigados, aspas, triángulos puntillados y el uso de las inconfundibles y enérgicas líneas curvas que dieron a sus figuras un relieve extraordinario y que generan meandros, semicírculos, ondas, esvásticas redondeadas (tetrasqueles), trisqueles, postas encadenadas, ruedas, helicoides, espirales y círculos concéntricos o con un punto central muy resaltado, motivos todos ellos de carácter heliomorfo.
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El arte celta es puramente ornamental, sin intención narrativa por parte del artista. En lugar de representaciones de aventuras heroicas como las que encontramos en el antiguo arte griego, los celtas captaban la atención del observador mediante complicados dibujos de líneas entrelazadas. Estos dibujos van desde el simple trenzado de varias líneas hasta las más complejas fantasías inspiradas en la naturalehttp://filosofia.nueva-acropolis.es/2012/los-celtas-y-el-arte/
za. Abundan los dibujos de motivos vegetales conseguidos a base de zarcillos, flores de loto, rosetas, palmetas y guirnaldas. Cuando aparecen formas animales o humanas, las convencionales representaciones naturalistas del arte clásico occidental se dejan a un lado, y en su lugar el artista interpreta la naturaleza a través de una sorprendente estilización de formas. La materia puede difundirse y convertirse en forma. De este modo, una planta se transforma en un rabo, se ondula y desarrolla una cabeza, patas o pezuñas, dando lugar a animales ex t r a o r dinariamente flexibles que
s e voran mu-
d e tuamente.
Este apogeo de las obras decoradas primero con motivos florales y posteriormente con este estilo plástico que combina temas abstractos, vegetales y lacerías geométricas de gran originalidad, animales fantásticos, mitad monstruos mitad humanos, se corresponde con un mundo mitológico abstruso, fruto de una inspiración arrolladora, de una gran libertad artística y de una depurada técnica. Los diseños complejos y la procli-
vidad a lo fantástico sustituyen al naturalismo mediterráneo, reflejando las características de su propio temperamento, su atrayente ambigüedad. Se trata de un estilo carente de primitivismo y simplicidad, refinado en pensamiento y técnica. Muy a menudo, en contraste con el arte clásico, el artista evita el uso de la línea recta. La presencia de la religión en las esferas de lo decorativo se evidencia en la aparición de elementos simbólicos –como la cabeza o la máscara humana, animales sagrados como el jabalí, la serpiente cornuda, el cisne, el caballo, el cuervo, el ciervo, el toro– en los más diversos objetos. El misterio de los rituales religiosos de los druidas estaba en el fondo del pensamiento celta, y esto también debe de haber contribuido a la tendencia a evitar la representación directa y naturalista de seres humanos y animales. No obstante, la extensión de la cultura celta en el tiempo y en el espacio dio lugar a modalidades o diferencias artísticas de unas partes a otras. En la utilización del color: en la zona ibérica (Cantabria, Asturias, Galicia y norte de Portugal), la decoración en distintos colores se obtiene combinando metales de distinto color, tales como plata y oro, y en ocasiones nielando las piezas. En el territorio continental (Galia), es más abundante la utilización de productos preciosos no metálicos, tales como ámbar, coral, hueso, marfil, etc. En el territorio insular (Inglaterra e Irlanda), sobresalen por su importancia los esmaltes, quizá como influencia normanda, y la incrustación de piedras preciosas, puesta fuertemente de relieve por los relatos galeses e irlandeses recogidos en la Edad Media, tales como el Mabinogión y el Ciclo de los Ulaidh.
Técnicas Decorativas Repujado: realización de motivos con un cincel desde el reverso del material, de forma que salga en relieve por el anverso.
decorativos. Presenta dos variedades, la denominada “sentada”, cuando los hilos se sueldan sobre una base, y “al aire” o “calada”, si los hilos se unen entre sí sin base.
Embutido: realización de motivos por el anverso del material apoyado sobre un cuerpo ya en relieve. Esta técnica se trabajaba siempre sobre un soporte blando pero consistente, como por ejemplo una mezcla de cera y arcilla.
Granulado: soldar gránulos o esferitas de oro a una superficie formando motivos diversos. El tamaño de estas esferas es a veces inferior a 0,14 mm. También se puede soldar polvo de oro; de esta forma se consigue un menor tamaño en las esferitas, pero el resultado es de inferior calidad.
Puntillado: dibujos repujados formados por puntos y no por líneas. Estampado: consiste en presionar a golpe de martillo con un punzón metálico sobre la superficie del reverso de una lámina. El dibujo se reproduce en relieve. La estampación puede hacerse también mediante molde, llevando la plancha metálica el dibujo en hueco, y sobre ella se presiona la lámina; por impresión, apoyando el metal sobre una base lisa resistente para que al golpear con el punzón la marca aparezca claramente por el anverso y débilmente por el reverso; repujada, cuando se golpea contra una depresión practicada en una pieza o soporte blando o contra un soporte duro tallado de forma especial, de modo que la imagen aparece por las dos caras de una pieza. La estampación se utiliza muchas veces usando estampillas individuales con diversos motivos que se combinan.
Chapado: recubrir el exterior de una pieza con láminas o baño de oro sobre otro metal más pobre. Esmaltado: revestimiento del metal por aplicación de sustancias vítreas, principalmente silicatos o boratos de sodio, potasio, calcio y plomo junto con óxidos que proporcionan el color. El esmalte se funde y posteriormente vitrifica. La técnica utilizada por los celtas es la llamada “champlevè” (excavado), en la que la lámina de soporte se excava según un diseño previo, llenando con esmaltes policromos los huecos así obtenidos. Nielado: Esmaltado en negro a base de una mezcla de bórax, plomo, azufre y cobre.
Filigrana: consiste en soldar finos hilos de oro a una lámina o superficie de una pieza formando motivos
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Arte El arte celta tiene dos vertientes principales. -La primera de ella es el naturalismo. Siendo un pueblo cuya economía estaba basada únicamente en la economía, esto no es de extrañar. También su espiritualidad estaba directamente relacionada con la naturaleza y sus ciclos, así como con los cuerpos celestes. Los druidas (monjes) sostenían que los eventos terrestres tenían su correspondencia en el mundo celeste, con lo que las representaciones tienen un carácter cargado de simbolismo. La imitación de elementos de la naturaleza, como zarcillos, flores de loto, palmetas, guirnaldas, hojas y animales, es muy usual. Todas estas formas cuentan con trazos estilizados y hasta esquematizados, evitando el uso de la línea recta y utilizando en pocas ocasiones el dibujo simétrico. -La segunda vertiente es la geométrica. Los motivos son abstractas líneas entrelazadas, que resultan en diseños complejos y sumamente armónicos. Dibujos enlazados, realizados con líneas
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constantes que corren trazando curvas, nudos y zigzags. Las frecuentes las espirales tenían un gran simbolismo y solían representarse solas o agrupadas. Podemos ver la presencia de estos elementos característicos en los manuscritos iluminados, impactantes obras fruto de una práctica que los artesanos dominaban hábilmente, la caligrafía. En ellos podemos apreciar maravillosos diseños realizados con gran habilidad y decorados con fantásticos colores que causan asombro al espectador. También es destacable su nivel en la orfebrería, de la que se han hallado collares, pendientes, o las fíbulas (utilizadas para sostener la ropa y como símbolos mágicos, y que representan animales o plantas), y los llamados torques, pesados collares utilizados frecuentemente por los miembros notables de la sociedad (guerreros, druidas), y realizados en distintos metales, algunos bellamente decorados con filigranas y otros motivos. En lo cotidiano, los celtas manifestaron su creatividad con objetos como máscaras ceremoniales, calderos o figuritas votivas.
Este es el calendario de Árboles Sagrados Celtas los cuales son: 1. Abeto 2. Olmo 3. Cipres 4. Alamo 5. Cedro 6. Pino 7. Sauce 8. Tilo 9. Roble 10. Avellano 11. Cerbal 12. Arce 13. Nogal
Está imagen representa la Noche y el Día Celta, siendo representado por dos aves las cuales representan a la naturaleza y sus creencias naturalistas, teniendo también sus ornamentos geometricos y detallistas su representación de Día y Noche es una de sus imagenes más bellas y coloridas.
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