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Lastimosamente debido a su manera artesanal de trabajar y a la poca regulación del cine en esos años decide dejar la profesión, algunas de sus películas fueron destruidas, pero las que quedan llenan de maravilla con sus ingeniosas metodologías del movimiento, empequeñecimiento de actores, objetos que se mueven solos, escenarios maravillosos e imaginativas formas de narrar una historia
George, junto con su compañía “Star Films” (mayormente familiares) componían películas de manera artesanal, con escenarios ingeniosos y maquillajes que expresaban maravillas, algo nuevo nace en el cine, “La Ficción”
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“En el cinematógrafo todas las maravillas son posibles, incluso las cosas más fantásticas e inconcebibles, se pueden hacer realidad todo, pero esto parece haberlo entendido solamente Méliès, es mucho más que un mago, es el verdadero espíritu creativo de nuestro tiempo” - carta de Segundo de Chomón a su hermano, 14 enero 1897
Viaje a la Luna (1902) Sinopsis: Luego de que un grupo de científicos idearan un plan para poder llegar a la luna estos caen en ella y son perseguidos por los habitantes de ella, un una confrontación ellos matan al líder de estos seres y deben escapar, lo cual lo hacen y llegan a caer en el mar.
El film cuenta con increíbles escenarios, ideados por la compañía propia de Georges M. y vestuarios imaginativos, se narra una gran ficción, algo que aun no se exploraba con mayor detalle en el cine, tofo gracias a los efectos prácticos que Méliès ya llevaba usando desde su trabajo como mago-ilusionista
Desde los humos hasta los escenarios y maquetas, todo está muy solido y le da una estética propia que recuerda al retro-futurismo Victoriano, la cual es la época de la obra escrita por Julio Verne y aunque al día de hoy tengamos mayor tecnología para realizar obras de este estilo, este film se mantiene relevante y muestra que aun con muchas limitaciones siempre se puede crear algo ingenioso y distintivo.
Segundo de Chomón (17 de octubre 1871-2 de mayo 1929 ), fue un español arraigado en francia destacado por mejorar las técnicas de Méliès
Su primer acercamiento al cine fue gracias a su mujer Julienne Mathieu quien coloreaba las películas de G Méliès , dándole a este mucha información de la creación de sus films y después incorporándolas en los suyos
También fue el responsable de la creación de una maquina que permitía colorear de manera más fácil el celuloide (Técnica que fue patentada por su una empresa que le compró los derechos y lo llamo Phatécolor)
Más tarde fue Contratado por la empresa PATHÉ para realizar films plagios de Méliès aunque a esto le parecía una estrategia sucia
Después de realizar copias de las películas de George, es despedido de la productora PATHË lo que responde creando la suya propia con su hermano Primero, aun así muestra una mejora en sus efectos visuales, sobre todo en la stop motion, que logra verse más realista al implementarse más fotogramas por segundo.
Hotel Eléctrico (1908) Sinopsis: una pareja se va a un hotel, con la particularidad de que en el los objetos se controlan de manera remota, desde las maletas hasta las cuchillas para afeitar están controladas por la electricidad, después de ellos pidieran muchas de estas acciones sobrecargan a la maquina que controla estos movimientos, provocando un error que hace que todos los objetos tengan movimientos erráticos. En parte ese film muestra el miedo a que nuestra propia tecnología falle y se vuelva contra nosotros
El film cuenta en mayor medida con los trucos de stop trick y stop motion, todo esto logra que los objetos se muevan solos y den la sensación de que son controlados a control remoto por la electricidad Este corto llegó a emocionar tanto que se produjo un plagio estadounidense
Técnicas de la época Traveling mate
Exposición múltiple Consiste en el acto de sobreponer 2 fotogramas de celuloide (película) para que al proyectarla se unan y den la ilusión de que ocurran dos eventos separados al mismo tiempo.
El traveling mate consiste en que al momento de grabar existan la acción en primer plano (ya sean personas corriendo o demás objetos) y atrás de ellos se proyecta en tela una secuencia grabada, para que estos 2 elementos se perciban como una sola imagen.
Satán se divierte Segundo de Chomón 1907
Stop Trick: Truco que se obtiene al apagar y encender la cámara, un primitivo efecto de edición que logra que los objetos cambien de lugar al reanudar el film.
King Kong 1933- escena donde convive stop motion con actores en tiempo real.
Chroma Key
En 1940 se filma “El ladrón de badgad”, la cual es la primera película en utilizar esta técnica que consiste en la acción grabada sobre una pantalla azul, la cual aísla y permite agregar cualquier secuencia de fondo.
Se usó el color azul ya que era un color que no se combinaría con la piel, aun así cualquier objeto de esta tonalidad resultaría en una especie de borrado, por lo cual no se usaban estos objetos a menos que debiesen ser para “eliminarlos”
Un efecto similar ocurrió en la película “Mary Poppins”, donde se usó una pantalla amarilla que solo quitaba esa tonalidad de la pantalla, muy útil para cuando se vestían con amarillo de otras tonalidades.
No se puede hablar de efectos especiales sin pensar antes en la icónica saga Star Wars. La opera espacial nos trae desde sables de luz hasta increíbles batallas en las estrellas, este fenómeno lleva las técnicas, el ingenio visual y la ilusión a otro nivel, innovando las formas de hacer películas y romper el límite de lo posible. Sin duda, George Lucas llevó su visión a otro nivel, con ayuda del gran equipo detrás de Industrial Light & Magic, toma las tecnologías de la época y las adapta a sus necesidades, dando paso a una posterior revolución de los efectos visuales y prácticos.
Experimental desde la base, Star Wars es, de todas maneras, un proyecto ambicioso. ¿Cómo es posible para una producción de los años 70 montar grandes y épicas batallas en el espacio? Industrial Light & Magic, empresa fundada por George Lucas en 1975, lleva a cabo la visión del creador a partir de la perspectiva, el pilar fundamental de las ilusiones. El uso de maquetas prácticas, diseñadas en masa y a detalle, Chroma Key e innovadores movimientos de cámara, permiten la realización de estas escenas tan legendarias.
Para la utilización de maquetas, como en los modelos de los caminadores AT-AT del Imperio Contraataca(1980), se utilizaba el stop-motion sobre un fondo liso con una imagen del fondo para dar el efecto de movimiento de estas colosales máquinas en la película. Sin embargo, no se queda solo ahí, sino que además de la técnica le sumaron la programación de una ruta a la cámara, para darle mucho más dinamismo a las secuencias.
Para las naves, estas se colgaban sobre hilos que se ponían frente a un fondo liso de color azul (Chroma Key). Además del Stop Motion, muchas naves como el Halcón Milenario, eran ancladas a cámaras para tener mayor estabilidad con los movimientos de “Vuelo”. También, el uso de explosivos en las maquetas estuvo muy presente, por lo que debían contar con múltiples copias. Estas técnicas no solo aplicaban a naves, sino que también a las increíbles criaturas que vemos a lo largo de la trilogía original (como un primitivo uso de animación por computadora).
Star Wars es un universo diverso, vibrante y llamativo. Nada de esto sería posible sin los modelos y títeres que se usaron durante la producción de las películas. El gran Frank Oz, titiritero y director, participó en la representación de uno de los más queridos personajes de la franquicia, el maestro Yoda.
Algunos de estos títeres debían ser manipulados entre múltiples personas. Jabba el Hutt, uno de los antagonistas en El Regreso del Jedi (1983) es, probablemente, uno de los títeres más complicados y caros. Tuvo que ser articulado por cinco operadores simultáneamente.
Como olvidar los épicos y legendarios sables de luz, un arma noble para tiempos más civilizados. Es probablemente, junto a las naves y los personajes, el ícono que distingue Star Wars de cualquier otra saga, el arma de un caballero Jedi. ¿Cómo fue posible la fabricación de este artefacto que desprende una luz de un mango sin corriente ni baterías?¿Qué técnica se utilizó? El concepto siempre estuvo presente, desde borradores hasta el arte conceptual de las películas, por lo que hubo tiempo para pensar el cómo hacerlo. El sable consiste en dos partes, una empuñadura y el sable. La técnica que se usó fue la rotoscopía, siguiendo un objeto cuadro a cuadro, sobreponiendo una imagen a color que reemplaza el trazado. En este caso, cuando Luke o Darth Vader activaban sus sables, a la empuñadura se le colocaba una vara que vendría a ser el sable. Durante la edición se sobrepone el color, lo que nos da finalmente lo que todos conocemos como una de las armas más icónicas del siglo XX.
La revolución del fenómeno Star Wars escaló de forma exponencial, siendo uno, sino el más grande, referente tanto para la cultura de la ciencia ficción, como en los apartados técnicos. Consecuencia directa de esto, la gran mayoría de tecnologías para efectos especiales en las películas que veríamos a posteriori, tendrían su origen en esta trilogía de una galaxia muy, muy lejana.
El efecto Bala
El Tiempo bala consiste en utilizar varias cámaras filmando en simultáneo, ubicadas de tal manera que rodean el objeto para poder captarlo desde cada ángulo posible. Luego, se empalman las tomas de cada cámara para lograr una apariencia de toma continua. De esta manera, se agrega un efecto de slow motion (cámara lenta) a velocidad variable, que logra en conjunto un efecto de separación del tiempo y el espacio, una suerte de ralentización temporal controlada. que muestra eventos que normalmente son imperceptibles.
Si alguien nos preguntará por la primera escena de Matrix que se nos venga a la mente, de seguro sería cuando Neo (Keanu Reeves) esquiva las balas en camara lenta y con un efecto 360º o quizás cuando al inicio de la película Trinity (Carrie Anne) queda suspendida en el aire. Aunque hoy ambas escenas podrían no parecer nada del otro mundo, hay que tener en cuenta el hecho de que este recurso en su momento fue una revolución fílmica y pieza fundamental para que Matrix quedará impregnada en la historia del cine y la cultura popular, dejando a los hermanos Wachowski como referentes indiscutibles del medio
Algunas secuencias de Matrix fueron muy tediosas de grabar. Había que reconstruir todo para volverlo a destruir. Un ejemplo de esto, que aún así no es nada nuevo en el mundo del cine, fue la escena del tiroteo en el vestíbulo. Neo y Trinity entran, varios agentes disparan a quema ropa. Eso hace estallar las paredes, y eso era algo real, no estaba generado por ordenador como sí ocurre hoy en día en muchas producciones. Por tanto, aunque sólo era una escena que duraba tres minutos, al necesitar limpiar y reconstruir todo el set de grabación, se tardó diez días en lograr completarla. Así que, no digáis que el equipo encargado de hacerlo no tuvo paciencia.
El final del viaje...o el inicio?
The mandalorian es una serie web actualmente en emisión y que se ubica en el emblemático universo de Star Wars. Su estreno en el 2019 significó un regreso a al estilo clásico de la trilogía original y una modernización total del concepto.
“A diferencia de las técnicas de producción tradicionales, la producción virtual fomenta un proceso más iterativo, no lineal y colaborativo.” Guía 1 del uso de set virtuales
"(Esta técnica) es extraordinaria, nos permite grabar cualquier escenario en cada momento, además de que permite mover los objetos de lado si no cuadran bien en el escenario", ha afirmado por su parte el director de fotografía de The Mandalorian, Barry Baz.
Como explican sus creadores, más del 50 por ciento de la serie se ha grabado utilizando imágenes de fondo proyectadas en pantallas LED de más de seis metros de alto y casi 23 metros de diámetro, curvada con 270 grados que rodean a los actores.
Las imágenes de fondo se proyectaban a través de siete ordenadores en las pantallas y se crean en la preproducción, pudiendo usarse en 24 horas. Para ello emplearon el motor gráfico Unreal Engine 4, desarrollado por el estudio Epic Games, autor del videojuego Fornite. esta tecnología además de ser muy fotorrealista es además un gran ahorro de dinero, ya que se modificaban en tiempo real evitando la tediosa idea de calcular cada movimiento para crear un escenario en 3D que siga la acción.
Como explican sus creadores, más del 50 por ciento de la serie se ha grabado utilizando imágenes de fondo proyectadas en pantallas LED de más de seis metros de alto y casi 23 metros de diámetro, curvada con 270 grados que rodean a los actores. Las imágenes de fondo se proyectaban a través de siete ordenadores en las pantallas y se crean en la preproducción, pudiendo usarse en 24 horas. Para ello emplearon el motor gráfico Unreal Engine 4, desarrollado por el estudio Epic Games, autor del videojuego Fornite.
Esta tecnología además de ser muy fotorrealista es además un gran ahorro de dinero, ya que se modificaban en tiempo real evitando la tediosa idea de calcular cada movimiento para crear un escenario en 3D que siga la acción.
Bibliografía: https://www.unrealengine.com/en-US/virtual-productio n https://www.europapress.es/portaltic/sector/noticia-ef ectos-especiales-the-mandalorian-hicieron-partir-panta llas-led-curvas-unreal-engine-20200221172933.html https://www.youtube.com/watch?v=5Fr6MuZ0eFM&a b_channel=GroovySmokinDoggyGroovySmokinDoggy https://www.youtube.com/watch?v=85MK2GDkoxo&a b_channel=laapmxlaapmx https://www.youtube.com/watch?v=PBRoi09nV7w&ab _channel=ElementoGeekElementoGeek https://eloutput.com/noticias/cultura-geek/matrix-vfx-c uriosidades/ https://youtu.be/TIYu6rtw_nI https://educomunicacion.es/cineyeducacion/figuras chomon.htm
https://www.unrealengine.com/enUS/solutions/film-television