“De la antigüedad a los métodos modernos de impresión” Materiales y técnica de realización I Leslie Arianna Peña Silva 2020-1
“De la antigüedad a los métodos modernos de impresión” Materiales y técnica de realización I Leslie Arianna Peña Silva Alma Gloria Moreno 2020-1
INDICE APARTADO A AMANUESES............................................................................................. ...5 ORIGENES DE LA IMPRENTA...................................................................... 8 El GRABADO..................................................................................................10 EL GRABADO EN MEXICO............................................................................13 TINTAS Y SUBSTRACTOS............................................................................15 OFFSET.........................................................................................................22 FLEXOGRAFIA...............................................................................................25 TAMPOGRAFIA............................................................................................. 28 HOT STAMPING..................... .......................................................................31 EL PAPEL.......................................................................................................33 IMPRESION DIGITAL.....................................................................................36 CORTE DE VINILO.........................................................................................38 SERIGRAFIA.......................... ........................................................................40 SUBLIMACION................................................................................................44 APARTADO B LINOGRABADO..............................................................................................47 CAMAFEO.......................................................................................................49 HUECOGRABADO.......................................... ...............................................51 APARTADO C ALBERTO DURERO........................................................................................53 GUSTAVO DURE............................................................................................56
FRANCISCO DE GOYA........................................................................... .......58 REMBRANDT..................................................................................................61 ANDY WARHOL..............................................................................................63 M.C ESCHER..................................................................................................65 JOSE GUADALUPE POSADA.........................................................................67 FRANCISCO TOLEDO....................................................................................70 TALLER DE GRAFICA POPULAR...................................................................73 KATSUSHIKA HOKUSAI.................................................................................75 KATHE KOLLWITZ..........................................................................................77
APARTADO
A
AMANUENSES
Los
primeros
amanuenses
eran de Grecia, se dedicaban a escribir o copiar libros a mano,
siendo
gente
profesional que durante la Edad
media.
En
el
renacimiento, se cumplió una importante
labor,
eran
encargados de reproducir los libros
que
transmitían
solamente conocimiento. Los Amanuenses escribían los
libros
por
encargo
haciendo copias de los libros antiguos, para así ser conservados. Fueron muy destacados por su labor de los libros hasta que apareció la imprenta, siendo muy valorados ya que eran los únicos que sabían leer y escribir. En su tiempo se les consideraban grandes artistas por el hecho de escribir en manuscrita, dominaban con perfección el arte de la caligrafía con calidad, armonía y belleza en los textos, siendo que duraban varios meses de trabajo. No
sólo
escribían
también
textos,
realizaban
ilustraciones o dibujos de las miniaturas miniadas
e siendo
iniciales solo
de
color rojo teniendo espacios en blanco.
Usaban materiales llamados utensilios, para realizar sus copias de sus textos; penna (pluma o péñola), rasorium o cultellum (raspador) y atramentum (tinta). Se utilizaba una técnica que consiste en sujetar una péñola con la mano derecha y el raspador con la izquierda para corregir los errores en la escritura, arreglando trazos irregulares del pergamino. Desgraciadamente para los amanuenses dejaron de hacer las copias ya que no podía competir con la imprenta, decidiendo dedicarse a ser maestros y enseñar a leer y escribir a niños.
EL ORIGEN DE LA IMPRENTA Johannes Gutenberg fue inventor de la imprenta moderna, pero antes de él, se habían hecho las primeras impresiones siendo los punzones para hacer las monedas desde el siglo V. a.C en Grecia. Las
primeras
impresiones
de
las
civilizaciones Minoica, utilizaban el estilo de los estampados para sus objetos como el disco de Phaistos, uno de los primeros documentos la impresión móvil, fue hecha por sellos jeroglífico En los 400 a.C loa romanos usaban moldes de arcilla, pero quienes los utilizaron primero fueron los chinos, quienes imprimían en papel en el siglo XI principalmente utilizando porcelana. Yendo a Europa en la edad media utilizaban la xilofia para imprimir caérosles y panfletos, siendo que a partir del año 1440 nació la imprenta moderna, usando metálicos y móviles para imprimir. Se usaron moldes de madera para crear las letras del alfabeto, así llenarlo de plomo haciendo variedad de copias de estos para el alcance de muchos. Esto era conocido como la imprenta Gutenberg. En 1452 se inicia su impresión de una del as obras más importantes, la biblia de 42 líneas o la biblia de Gutenberg, dando su inicio.
En su proceso se utilizaba compuestos
de
plomo,
era
fundido en horno invirtiendo el plomo en moldes con figuras de las letras y los signos. Alguien se encargaba de introducir los diferentes tipos de letras en cajas de madera en columnas. Ya
hechos
los
textos,
se
empezaba la composiciĂłn con tinta, impregnada en papeles de aceite y hollĂn, finalizando en dejarlo secar sus impresiones.
EL GRABADO El
grabado,
es
un
sistema de impresión de excelente calidad y presencia, pero lento y
costoso,
objetivo
con
de
el esta
práctica es imprimir la imagen
de
manera
multiplicable.
En su historia Los Sumerios
de
Mesopotamia los
primeros
producir hace
fueron en
los
grados
3000
años.
Hacían sus diseños en piedras pulidas de forma cilíndrica sobre arcilla
blanda
haciendo la impresión del diseño en la piedra. En otras partes como en China, tras haber inventado el papel en año 105; se realizaron las primeras impresiones haciendo matrices en piedra. Europa se conocieron a los primeros grabadores en el siglo XII, quienes eran orfebres, plateros y dibujantes expertos en grabado sobre metal.
Claro está que el grabado tiene diferentes tipos como la xilografía. Es la técnica más antigua del grabado, siendo un esplendor en los países de Alemania y Francia en el siglo XV, realizándose hojas de calendario y naipes en Alemania. Tiene
diferentes técnicas
la
Xilografía: Xilografía en hilo, llega a servir como matriz de una plancha elaborada de madera dura, sea de cerezo, de peral, etc. Esta es tallada en la misma dirección de la fibra, o sea, se talla al hilo. La Xilografía a la testa, hace uso de una plancha hecha con piezas de madera tallada transversalmente a la fibra, la cual llega a ser muy lisa. La Xilografía en colores: se le conoce como xilografía coloreada. Es un tipo de grabado que tiene una terminación a color. La litografía es un grabado que se basa en dibujar en una piedra espacial para el uso de la tinta grasa. Se sumerge en el ácido diluido para que el dibujo pueda fijarse
perfectamente
siendo
los
trazos que están entintados. El Aguafuerte es un grabado que se utiliza para grabados con textura y tonos planos.
La fibra es un grabado que utiliza un rodillo que impregna el taco usando una tinta de aceite, haciendo uso en un papel de arroz que es absorbente
permitiendo
grabar
la
imagen
frotando la superficie con una cuchara o un instrumento bruñidor. El grabado de hueco araña la matriz sea de metal, cobre, cinc o acero, se inserta en los huecos que se abran la tinta a emplear, se realiza presión para trasladarse al papel. La punta seca es un grabado que utiliza un punzón afilado y fino como herramienta para arañar o planchar la matriz para realizar una presión de tal intensidad para lograr el trazo de cada línea. Las principales herramientas que se usan para el grabado son: el cuchillo, el formón y las gubias media caña fina, media caña ancha, de filo en ángulo y para el grabado a contra fibra, el buril.
EL GRABADO EN MÉXICO En
México
el
grabado
inició en el año de 1826, por
un
conde
Claudio
italiano
Linati,
que
introdujo esta técnica de la litografía. En 1895 José Guadalupe
Posada
introdujo el grabado zinc. Después
de
años
el
artista francés Jean Charlot animó a muchos artistas mexicanos en el arte del grabado por sus obras en el año de 1921, que también surgió la revista ¨El Sembrador¨ donde colaboraron con sus grabados artistas como Ramón Alva de la Canal, Ezequiel Negrete, Leopoldo Méndez, Gabriel Fernández Ledesma y Fernando Díaz de León.
Joaquín Heredia y Plácido Blanco fueron
los
primeros
ejemplos
de
grabados de caricaturas ilustradas en artículos
"Del
gallo
pitagórico"
atacando al régimen de Santa Anna. En 1934 se conoció la liga de escritores y artistas revolucionarios, donde estaba un clima de intenso nacionalismo y grandes intereses de ideas socialista, editando la revista "Frente a Frente" que tenía artículos literarios
con
traducciones
y
entrevistas ilustradas de grabados de calidad que hizo que surgiera una alianza
entre
los
artistas
y
las
organizaciones de masas conocidas. El grabado en 1947, recibió un fuerte estímulo con la fundación de la sociedad mexicana de grabadores, difundiendo todo acerca del arte del grabado, siendo lo que conoce y se realiza actualmente.
TINTAS Y SUSTRATOS La tinta es un líquido que contiene varios pigmentos de color utilizados para colorear superficies para crear imágenes o textos. Es más común que la tinta sea utilizaba en bolígrafos o con pinceles. Empezando con su historia, las primeras pinturas rupestres fueron creadas en las cuevas en las paredes rocosas.Siguiendo de con los egipcios, utilizaban escrituras sobre papiros o pirámides con una combinación de carbón y óxido de hierro, logrando un tono rojizo que era usada comúnmente en esta cultura. En China utilizaban tintas vegetales, animales y minerales basadas en materiales como el grafito, moliéndolos con agua y aplicando con pinceles en tinta. Su método tradicional era moler una mezcla de pegamento de piel, negro de humo y pigmento de hueso negro para después verterlo en un plato de cerámica se seca. Se usa un pincel húmedo hasta que se vuelva a licuar. En el siglo XIV, los escribas medievales usaban tintas que eran preparadas con 2 recetas diferentes. Una mezcla era del negro humo con goma y agua que resultaba ser eficaz y duradera, y el otro sulfato ferroso con una poción de agallas de roble. Se tenía por derecho que emperadores y reyes eran los únicos que podían escribir con una tinta purpurea hecha de sangre del murex, que era un molusco gasterópodo que producía la purpura de Tiro. En el antiguo imperio romano se usaba este pigmento para teñir los bordes de la toga de senadores y capas de generales.
En el siglo XVIII, se popularizo la venta comercial de tintas preparadas. El diseño de la pluma metálica hizo que se requerían otros tipos de tinta diferentes a comparación a los que se usaban. Las
tintas
pigmentadas
tienen la ventaja de que cuando se emplean sobre papel, permanecen sobre la superficie característica
aplicada, deseable,
porque cuanta más cantidad de tinta queda sobre el papel se necesita menos cantidad para obtener la misma intensidad de color. A comparación
de
los
colorantes, son mucho más fuertes y producen un color más denso. Sin embargo, al ser más fuertes, al ser disueltos en líquido para su aplicación, se absorbían por el papel y daban una apariencia de baja calidad ya que se corría el color. Los colores son fabricados son solventes como el tolueno y xilenos que hacen su secado mucho más rápido. Sus tipos de secado son: Secado físico, oxidación, combinado entre físico, oxidación y secado químico. La tinta pigmentada contiene componentes como los barnices, para así asegurar la adhesión del pigmento hasta la superficie, previniendo que se remueva por el efecto de abrasión mecánica. Los barnices se sustituyeron por aceites minerales. En el siglo XX el grado de complejidad del proceso tiene en la actualidad; mezclar el pigmento con el aglutinante, moler la mezcla entre rodillos, añadir secantes y cuando son pigmentos, filtrar.
En la imprenta, se usa un cartucho para el color negro, cuando los colores se forman mezclando en diferentes proporciones en: magenta, amarillo o cian. A veces utilizando más de 3 colores y negro para mejor la calidad de sus impresiones de fotografías siendo 5 o 6 colores. Aparte de tintas para cada color se usan
también
tintas
fluorescentes
invisibles que solo se ven a la luz ultravioleta.
También
tinta
o
tóner
magnético para procesado automático, tinta con efecto papel carbón, incluso se están desarrollando tintas borrables. En México el ingeniero Filiberto Vázquez Dávila, ha realizado investigaciones en las áreas de síntesis de fármacos, colorantes y poliésteres. Es conocido por haber inventado el pigmentador de piel que se utiliza durante los comicios electorales para evitar el fraude por doble votación La clave de su invento es que al colocarse en la piel cambia el color de la misma, haciendo que sea imposible borrarlo. La piel hace una reacción química con la epidermis. Las Tintas acuosas, su composición es agua, mezclada con tintes o pigmentos que aportan el color, en una amplia gama y variedad. Estas tintas se utilizan para la impresión sobre soportes de papel y cartón, ya que en otros materiales no tendría adherencia. Son utilizadas en posters, fotografías, publicidad en puntos de venta, lienzos, carteles, o envases para alimentos, ya que se trata de tintas no tóxicas.
Existen variedades de tintas.Las tintas de sublimación se utilizan para penetrar en tejidos de poliéster, formando una unión permanente con el tejido, y evitando el desgaste en el color al lavar la prenda o al exponerla al sol. Las Tintas solventes;La base de su composición es un solvente volátil, permitiendo que contenga los pigmentos de color. Teniendo un resultado duradero y resistente, utilizándolo principalmente para elementos de uso exterior. Tintas ecosolventes:Es un tipo de tinta que no contiene materiales nocivos o peligrosos para la salud y el medio ambiente. Tintas de curado UV Estas tintas tienen una propiedad muy llamativa, se mantienen en estado líquido de forma habitual, reaccionando ante la exposición de la luz ultravioleta. Se curan y polimerizan construyendo una capa muy resistente, duradera y colorida. Tinta de látexo tinta de resina, está compuesta por una combinación de agua, resinas de curación por calor y aditivos que se encargan de fijar los pigmentos al soporte de impresión. Siendo similares a las tintas solventes, con la diferencia de que estas no son tóxicas y son inodoras. Sus usos principales son para decorar paredes, crear murales, cartelera, fotografía, vinilos, displays, etc. La Tinta sólida se mantiene en estado sólido de forma natural, con una textura similar a la cera. Al calentarse, se pasan a un estado líquido, se depositan sobre un soporte frío, donde se solidifican al instante. La ventaja es que se pueden colocar en cualquier soporte, sin que necesiten absorción. El sustrato es la superficie de la impresión Existen diferentes tipos de sustratos, esto se debe a que están hechos para diferentes sistemas de impresión. Soportes recubiertos de un revestimiento de partículas minerales unidas entre si y al soporte.
Estucados ligeros Es aplicada la capa de estucado en la maquina de papel. AplicaciĂłn de bajo gramaje de capa. Pueden ser brillantes o mates. Estucados industriales Papeles en los que se aplica una o varias capas de estucado en maquina estucadora. Se utilizan como soporte otros papeles preestucados. Pueden existir en calidad brillante, semimate y mate. Estos dos Ăşltimos se presentan estucados por las dos caras, mientras que el brillante puede ser estucado por las dos caras o solamente por una. Estucados arte Papeles a los que se aplican dos o tres capas de estucado, teniendo en cuenta el preestucado previo. Acabado mas regular que en los estucados industriales. Pueden existir en calidad brillante cepillado y semimate con un calandrado especial. Estucados alto brillo Papeles a los que se le aplica una elevada capa de estucado, que es secada por contacto con un gran cilindro extraordinariamente brillante, confiriendo esta misma propiedad al papel.
Mediante el estucado podían mejorarse las cualidades ópticas, la blancura y coloración del papel, así como su brillo y lisura. El gramaje de papel es el peso por metro cuadrado de una hoja de papel, aunque existen papeles menos espesos y demás, por regla general, cuanto mayor es el gramaje (peso), mayor es el grosor del papel. La celulosa sin blanquear es marrón o amarronada y tiene que pasar por un proceso de blanqueo para obtener la blancura requerida en los diferentes tipos de papel. El blanqueo es un procedimiento químico con diferentes fases. Los lavados intercalados entre las diferentes fases de tratamiento químico eliminan. La blancura es una medida que determina el grado de blanco del papel, expresando como porcentaje de un blanco normalizado (óxido de magnesio = 100%). cuanto mayor sea este valor, más blanco será el papel. Papel para periódico. Pliegos de cartulinas estucadas. Papel Tissue. Papel para impresión o escritura. Papel para corrugar. Papel reciclado. El índice de brillo en las fichas técnicas indica el porcentaje de luz reflejada con una proyección de luz en el ángulo definido. cuanto mayor es el brillo mayor es la reflexión de la luz. TIPOS DE PAPELES:
PAPEL DE ACETATO: EL DE LAS TRASPARENCIAS.
PAPEL DE ACUARELA: ES MÁS GORDO Y RUGOSO QUE EL DE DIBUJO PARA QUE EMPAPE BIEN EL AGUA. TAMBIÉN SE USA PARA TÉMPERA.
PAPEL AUTOADHESIVO: LLEVA POR UN LADO, UNA CAPA DE MATERIAL ADHESIVO QUE ADHIERE EL MATERIAL POR SIMPLE CONTACTO.
PAPEL AUTOCOPIANTE: SE ENCUENTRA EN LOS TALONARIOS DE FACTURAS.
PAPEL BASIK: EL QUE SE USA PARA DIBUJO.
PAPEL BIBLIA: LIVIANO, CON ALTA OPACIDAD. RECIBE ESTE NOMBRE POR SU FRECUENTE UTILIZACIÓN PARA LA IMPRESIÓN DE BIBLIAS
OFFSET La impresión OFFSET es una técnica de impresión que es considerada una reproducción
de
documentos
e
imágenes. El OFFSET es un proceso similar a litografía; Se debe aplicar una tinta grasa
en
una
plancha
metálica
teniendo una aleación de aluminio.
Fue creado por dos inventores en diferentes épocas. El primero fue en 1875 por el inventor inglés, Robert Barclay, quien lo desarrolló para la impresión de metales de estaño. El segundo inventor fue Washington Rubel, de estados unidos, creó la versión para papel en 1903. Como se había mencionado
el
OFFSET
es
similar
a
litografía.
Su
fundamento empieza
en
la
plancha, se debe
mojar para así se repele la tinta en las zonas donde hay un compuesto hidrófobo o apolar, así llamándolo liofilia. Es más común que estas impresiones sean por métodos manuales o de fotograbado. La imagen o texto se transfiere a imprimir a través de un cilindro cubierto de tinta con su superficie por medio del material mantilla que es flexible, hecha de silicona o caucho, recibe la imagen por presión a nuestro material, normalmente es más usada con papel. El OFFSET tiene diferentes características, "Pre-Prensa".La impresión pasa por una etapa de pre-prensa, es un procedimiento previo a la impresión. Prepara y transfiere el diseño de las placas que usan para imprimir; tambor externo, tambor interno y cama plana. El OFFSET es caracterizada por
sus
planchas
monocromáticas,
creando
las planchas de diferentes colores para identificar con cual
placa
corresponderápara imprimir. Estas impresoras trabajando de forma plana y flexible y duradero.
Se
utiliza
un
aluminio monometalico donde se entinta las imágenes transfiriéndose a un caucho entrando al contacto para imprimir en el papel con el cilindro mencionado que comprime el caucho. Se emplea mayormente en grandes tiradas de volumen. Las impresoras trabajan mediante un sistema indirecto de impresión, ya que el papel no hace ningún contacto con la plancha metálica para imprimir. El OFFSET también tiene impresión digital de índigo 5600, siendo de mayor calidad con alto margen siendo de las más grandes imprentas en el mundo. Se
focaliza en la promoción de productos y servicios, haciendo activación y lanzamientos de campaña. La impresión digital permite imprimir 4 tipos de papel de gramaje diferente en un solo tiraje de impresión. Trabaja con 2 tipos de modalidades; multishot, tiene el procedimiento de imprimir los 4 colores de la gama cromática CMKY por separado. El ONE SHOT tiene el procedimiento de impresión de la maquina índigo 5600 de un solo color de la gama cromática CMKY. Tiene la capacidad de imprimir sobre sustratos o papeles homologados como láminas de PVC, cascara de huevo y lino. Imprime en papel normal, esmaltados y materiales rígidos, siendo tan flexible su impresión para realizar con cualquiera de estos.
FLEXOGRAFÍA La
flebografía
sistema
es
un
directo
de
impresión rotativa en el que
emplean
flexibles, relieve,
en
planchas un
alto
transfiriendo
la
imagen directamente de la plancha en cualquier tipo
de
conocía impresión
sustractor,
se
como
la
anilla
o
impresión en goma. En el año de 1890, el predecesor de la flebografía fue diseñado en Inglaterra por Bibby Baron an Songs. En 1905, Francia había patentado la primera máquina flexografica. En la década de los 40 y 50, la flexografía había llegado a México. El 21 de octubre de 1952 del ‘‘Packaging Institute” se anunció que, el nombre escogido era el de ‘‘Proceso Flexográfico”. En los años 70, se empezó a competir por la posición de excelencia que ocupada un proceso de impresión con el huecograbado. La
flexografía
preparando
el
se
hace
cliché
flexible
mediante un tratamiento de UV ya
que
es
fotosensible.
Se
realiza a partir de un espejo altamente
contrastado
de
la
imagen, colocándose sobre el material fotosensible. El espejo
de la luz UV modelan el cliché creando zonas de alto relieve en su superficie.En su procedimiento, hay una plancha donde llevará su diseño, imprimirá la imagen en forma invertida en un relieve. La plancha es ajustada en un cilindro o en la porta planchas, enganchándose en el sistema. Se ajusta también el cilindro de cerámica o de acero que recibe la tinta, diseminara a través de los huecos. El cilindro gira y entra en contacto directamente en la plancha proporcionando las tintas en las zonas del relieve. Se entinta la plancha para que entre en contacto con el material impreso. Mediante este sistema simple se imprime en un color, para la impresión en varios colores serán necesarios varios cuerpos que desarrollen el mismo procedimiento. La tinta para la flexografía se realiza en base alcohólica o acuosa, son caracterizadas por su gran rapidez de secado. Las
principales
flexografía
son;
tintas
de
tintas
la
base
solvente, tintas base agua, tintas, tintas UV. Cuando se imprime una tinta encima de otra, los colores se suman, no se cubren. Al igual que otras tintas se componen de resinas, materias colorantes,
disolventes
y
aditivos.Se puede imprimir sobre una gran variedad de sustratos o soportes. La forma impresora que es fotopolímero resiste grandes tiradas.Para mantener un nivel de calidad elevado debe mantenerse un estricto control, si no el color puede ser muy desigual y la impresión puede tener halos o zonas desiguales. Las características del cliché y los sustratos hacen que las lineaturas y tamaños mínimos de tipografía reproducibles sean más limitados que en procesos como el offset o el huecograbado.
En la flexografĂa comĂşnmente se imprimen los embalajes y etiquetas, siguiendo a los envoltorios, sobres, bolsas, cajas, envases, papeles pintados, embalajes, etiquetas, entre otros muchos productos.
TAMPOGRAFÍA La
Tampografía,
es
considerada
una
Técnicas
jóvenes
más
las y
nuevas en la Imprenta, muy utilizado para el marcaje de piezas
industriales
y
publicitarias. Para conocer sobre esta técnica,
conozcamos
más
sobre unas partes de su historia:Las primeras técnicas para realizar la tampografías en la industria relojera, eran las caratulas de los relojes, estas se imprimían de forma artesanal y manual, siendo parte de la teoría de la impresión de china en los años 1000. La tampografía empezó en la industria relojera de suiza; sefabricó una maquina manual tampografíca que utilizaba tampones de gelatina para el cuidado de precisión para tener seguros a sus relojes, así ahorrando los costos de su fabricación y decoración a principios de los años 60 y principios de los años 70. La Tampografía, se realiza en una placa metálica o de plástico revestida de una emulsión fotosensible. Se graba la imagen con el proceso químico haciendo el huecograbado, que se cubre de tinta y es barrida con una
chuchilla.
Después
de
este
procedimiento se utiliza un tampón hecho de silicona que hace presión en el grabado de la placa, recogiendo la tinta del huecograbado transporta así sobre nuestra pieza que será impresa, para ser máspreciosos, se debe
conocer la elaboración de material de cada parte del procedimiento de nuestra tampografía. La imagen o dibujo se debe grabar en la placa mencionada, también conocida como cliché, que son placas hechas de metal de acero o de polímeros, dependiendo de la placa que elija se escoge una maquina especifica que tenga factores de impresión. En una explosión de respaldo de la placa se coloca fotopolímero en la cama de la unidad de exposición con el respaldo de poliéster siendo este transparente en las lámparas, la exposición de luz que es UV crea una capa polímeroendurecido, que convierte en el respaldo de la placa fotopolímero, si dura mucho su exposición. En la frontal se coloca la cubierta protectora en las lámparas, retirando su cubierta, colocándolo en los negativos sobre el fotopolímero aplicándose en un cobertor que permite un firme contacto entra la plancha y el negativo, haciendo un falso vacío, se activan los rayos UV al negativo y así polimerizándolo. Así se realiza el huecograbado. El tipo de tinta se debe usar especifico de cada material,
ya
reaccionarían diferentes
que
de
si
evalúan
no
forma se los
correspondientes. La tinta tampografíca es versátil como los demás elementos del proceso de impresión con el tampón.
Existen diferentes marcas y colores, pero deben ser las correspondientes de su determinado sustrato. Los tampones, están hechos de silicón, son necesarios, y encargados de imprimir la tinta en el sustrato, permite que la tinta se transferida al sustrato. Hace contacto con la placa, el tampón de silicón permite que la tinta se adhiera temporalmente a su superficie, ya que su tinta es la correspondiente para el material que se trabaja. Actualmente hay más sectores industriales que recurren a esta técnica y sistema de impresión, considerándolo un procedimiento impresionante en las últimas décadas.
HOT STAMPING El Hot Stamping es una técnica
para
impresión
hacer
en
una
transmisión Funciona
térmica. por
medio
de
pigmentos transferibles por calor.
Emplea
pigmentados que
o
rollos metálicos
poseen
pigmentación
una
de
alta
resolución a los 100 C hasta los 300 C. Para conocer más de esta técnica, hay que conocer sus orígenes; comienza en el siglo XIX. Esta técnica fue la preferida para los ilustradores de libros infantiles o para grabados en cualquier obra artística. Paso tiempo para que la impresión térmica estuvo reducida aplicándolo en libros literarios, utilizados en superficies de papel o de cuero, hasta en los años cincuenta, se extendió la estampación sobre cualquier tipo de superficies. estampaciones publicitarias o decorativas. Se utiliza para pinturas secas, por lo que resultan no ser un material y técnica toxico, siendo que no dañe al medio ambiente. Para trabajar con esta técnica, existen
máquinas
de
uso
apropiada de las necesidades de producción. manuales
Existen para
maquinas líneas
de
producción media; accionamiento manual
(estampación
de
maquina), papel de aluminio estampado (neumático de la maquina) y maquinas foil fuser. Las máquinas automáticas de alta velocidad que permiten la termo impresión para un gran número de objetos, siendo instaladas para líneas de producción de grandes empresas; La categoría web y alimentado de la hoja de estampación o el repujado de la máquina. También se debe utilizar materiales como los cuños, con los cuños realizas el diseño de
logo
o
de
texto
hecho
sobre
un
relieve,
realizándose
en
materiales resistentes al calor de magnesio, bronce, aluminio y polímero. El Foil es un compuesto de capas de adhesivo activado por calor, aluminio, resina y flim de poliéster, fabricadas en rollos.Al colocarse en la máquina y cerrarse la prensa, el foil se prensa entre la placa y sobre el papel, adhiriendo el material sobre el papel con el cuño diseñado. Cada cosa esta fabricada con un componente apropiado para realizar la técnica. Un yunque esta generalmente hecha de una goma dura o fenólico. El rollo que es de papel, es la tinta de una operación de estampado estando caliente. Componiéndose de un soporte cubiertos. Teniendo variedades de substratos para realizar, dependiendo de procedimiento de estampación. Siendo
muchas
variedades
para la estampación de esta técnica
como:
cajas,
etiquetas, invitaciones, libros, revistas, tarjetas de presentación,camisetas, cosméticos, entradas etc.
EL PAPEL El papel es una fina hoja hecha de una pasta de fibras vegetales que son obtenidas de trapos, madera, paja, son molidas, blanqueadas y desleídas en agua. Se secan y endurecen con procedimientos especiales para realizar este dicho material. En su historia, el papel se originó en China en los años 200 a.C, eran hechas de seda o lino, siendo muy toscas. En china
se
usaba
grandes cantidades de documentos teniendo necesidad de utilizar un material ligero y fácil de transportar y almacenar, siendo el papel el más ideal para la escritura. En Europa se usaba el pergamino, material confeccionado con piel de reses y otros animales, con un procedimiento que permitiera escribir sobre estos materiales. Mientras que en el antiguo Egipto utilizaban láminas de soporte de escritura para diferentes objetos. En el año 500 D.C se remonta la fabricación del papel en México.
Los
mayas
lo
inventaron (Hunn), pero los aztecas
dieron
su
mejoría
haciendo un proceso a de base de
corteza
amatl).
La
de
higuera corteza
(el era
ablandada a base de golpes, tratada con agua u cal para así remover la sabia y crear las hojas encima de tablas planas que se secaban en el
aire, para después deprenderse y ser utilizadas como papel. Actualmente aún se practica este método artesanal para uso personal en hojas recicladas y otras cortezas. A final del siglo XVI al terminar la conquista en México, se creó el primer molino para fabricar papel en México y América, siendo la primera planta de fabricación de celulosa y papel dentro concepto moderno, estableciéndose a finales del siglo pasado en San Rafael, Estado de México. Actualmente en México es uno de los países más eficientes de elaboración de papel a partir de reciclaje, siendo el 83% de celulosa proveniente del cartón y papel reciclado. La celulosa es fabricada como la materia prima para hacer la fabricación del papel utilizando los materiales naturales como paja de trigo, de avena y de arroz, fuste de coco, copetes de piña, bagazo de caña y de mezcal, desperdicios de henequén, de lino, de lechuguilla, borra de algodón, yuca y otras palmas; maderas, bambú etc. Para fabricar el papel se hace en una maquina especial, es constituida por una tela sin que, a gran velocidad, estando en un conjunto de rodillos mecánicos. En la tela cae la mezcla hecha de fibras, formando una capa que pasara a unos rodillos para succionarlos y los dejan secar, dando la forma al papel para rebobina y almacena. Su fabricación de pasos a seguir de este procedimiento para fabricar el papel; 1. La madera es obtenida en forma sustentable de los bosques cultivados del país y trasladados en camiones a la fábrica de celulosa, donde se 2.
depositan en el sector industrial para su elaboración posterior. Los trozos de madera que provienen de los bosques cosechados, entran a
la fábrica para sacarles la cáscara y la corteza. 3. Luego es picada en pequeñas partes o astillas por una máquina llamada chipiadora y se acumula en grandes pilas a la espera de ser utilizadas. 4. Las astillas son sumergidas a alta temperatura (130 y 179 grados Celsius) en un licor compuesto de agua y otros productos químicos, sulfitos y soda cáustica para separar las fibras de la madera y obtener pasta de celulosa. también se obtienen lignina y hemicelulosa, sustancias que se reciclan y se aprovechan en otras partes del proceso.
5. La pasta de celulosa es depositada en otros tambores donde se agregan productos químicos para blanquearlas, tales como dióxido de cloro, oxígeno, peróxido, y soda cáustica. Esto permitirá tener un papel más blanco, según el tipo de producto que quiera el fabricante. 6. La celulosa blanqueada es pasada por una cinta transportadora que pasa por unos rodillos con calor para secarlas. 7. Una vez seca, la celulosa es almacenada en paquetes para su posterior transporte a las fábricas de papel.
IMPRESIÓN DIGITAL
La impresión digital, es un
proceso
que
reproduce
directamente
de
archivo
un
o
documento electrónico a papel o cualquier tipo de material. Un método de este proceso es la tinta en
impresora
de
inyección por cartucho, o por medio de tóner, en las maquinarias laser.
Fue desarrollado en 1993, en la primera impresora
digital
llamada Se dio
"Índigo". un
significado
gran de
transformación para la industria, por primera vez se podía obtener impresiones calidad
en
de corto
tiempo y sin requerir de tantas copias.
El fundador de las impresoras es Benny Landa en el año de 1977 para crear la copiadora más rápida del mundo. Descubrió que tinta del aparato Electroink, podía ser usada en impresoras. Esta usaba pequeñas partículas de color suspendidas en el aceite para procesamiento de imágenes conocido como Isopar, las cuales podrían ser atraídas o rechazadas por un diferencial de voltaje. Así, la tinta formaba una delgada y suave capa de plástico en la superficie del papel.
CORTE DE VINILO El Corte en Vinilo es un sistema de presentación grafica
que
está
involucrada Plotter y al Vinilo. El corte de vinilo es la alternativa ideal para señalizar, elaborar
anunciar, carteles,
cortar
stickers, entre otras más. Las Herramientas como el plotter o trazador gráfico, es un dispositivo de impresión y de corte de alta precisión. Alcanza a tamaños superiores al metro y medio, presentan la paleta completa de colores e incluye trabajar con diferentes materiales. Sirve para pequeños trabajos como carteles, mapas, rótulos y vinilos. El vinilo es una lámina plástica
de
PVC
o
se
le
poliuretano,
aplica un adhesivo en una de sus caras, se protege con un papel siliconado para que no se pegue, el vinilo de corte instalar
permite
poder
diseños
superficies
en
como
el
vidrio, de a fuera hacia adentro y viceversa, en paredes u otras superficies lisas. El tipo de papel que se utiliza sobre todo para estampar diseños o dibujos en prendas, permite transferir el vinilo o grafismo ya descartado a la superficie final, el
programa de corte de vinilo, es un software que nos va a permitir el enlace con el plotter, se envía el dibujo o el diseño a cortar. El proceso de la impresión es primero tener la imagen vectorizada, ya que las líneas son guías para cortar el vinilo, al tenerlo listo se ajusta todos los lineamientos en el plotter. La mayoría de los plotters disponen de un ajuste de presión de corte, este ajuste dependerá del tipo de vinilo a utilizar y de las micras de espesor, a más espesor mayor presión de corte; los vinilos de fundición son entonces los que requieren menos presión de corte. Los plotters llevan un sistema de test; y hacen un pequeño corte de prueba dependiendo del material a cortar, para saber el número en gramos que hay que seleccionar. El vinilo se descarta dejando pequeños puntos de unión que la cuchilla no ha llegado a cortar. En el vinilo cortado, se hace un pequeño recorte con tijera o cuchilla alrededor del diseño para minimizar el mismo vinil y papel transportador si se desea. Se quita los espacios que no se usan en el diseño dejando solo las partes del diseño. Ya cuando este el diseño, el papel transportador se pasa sobre el mismo, colocándose sobre el transportador para adherir el vinilo en el objeto.
SERIGRAFÍA La
serigrafía
transferencia
es de
la tinta
mediante una malla que se encuentra tensada en un marco. Se debe estampar, el barniz bloquea el paso de la tinta. El dibujo, se ejerce presión
sobre
tensada para superficie
que
la
malla
imprimir la se
desea
estampar. El origen de la serigrafía históricamente está asociado a la técnica del estarcido; la acción de estampar con la ayuda de una plantilla o esténcil que presenta un diseño ya recortado. El estarcido ha sido utilizado desde las primeras civilizaciones; como los habitantes de las cavernas que usaron sus manos como un bloqueo negativo a los pigmentos soplados en la superficie de la cueva a través de una caña o hueso hueco. Los nativos de las Islas Fidji hicieron algunas de los esténciles más antiguos que se conocen, para imprimir tejidos. Recortaban agujeros en hojas de plátano y a través de éstos aplicaban tintes vegetales sobre cortezas y telas. Los griegos, los egipcios y los romanos usaban esténciles para repetir diseños de naturaleza decorativa. Varios grupos en el mundo, desarrollaron simples esténciles para aplicar tintes vegetales a la tela, o producir imágenes religiosas en masa para los fieles. En la Antigua China, los artistas alcanzaron un nivel de expresión y maestría verdaderamente notable para la creación de esténciles en la dinastía Song (960– 1279) con los que imprimían telas.
Los japoneses perfeccionaron el método del estarcido recortando plantillas de papel y la malla se tejió con cabello humano, utilizándolos como cepillos duros que forzaban el paso de la tinta a través de la malla con la que imprimían lastelas. En Francia, en el año de 1870, utilizaron las pantallas de seda para la impresión de tela. Sigue
siendo
un
método importante para la fabricación de textiles impresos. A comienzos del siglo XX, la técnica empezó a
utilizarse
en
los
Estados Unidos para crear
anuncios
publicitarios,
con
los
años se popularizó entre los artistas como una nueva forma de expresión. En la actualidad es posible apelar a la serigrafía para imprimir casi sobre cualquier superficie; telas, papel pasando por cerámica y metal. La serigrafía permite reproducir obras de arte, crear señales, estampar ropa, producir marquesinas publicitarias, fabricar calcomanías y decorar cristales.Se puede encontrar en la vida cotidiana camisetas, carteles de publicidades, cuadros, anuncios señalizadores, botellas y etiquetas que han sido decorados a partir del uso de las técnicas de serigrafía. La pantalla es un elemento básico que permite plasmar los diseños y transferirlos al soporte. Está compuesta de un bastidor de madera o de metal y una malla tensada que por regla general suele ser tela de nylon monofilamento.
La racleta, también llamada rasqueta o rasero, es una herramienta que permite distribuir la tinta sobre la malla para estamparla en el soporte. Es una herramienta fundamental. Se pueden encontrar en varios tipos de tamaños y formas distintas, generalmente están compuestas por un mango o zona de agarre de madera o de metal y una hoja de goma. Las Emulsiones fotosensibles es un método similar al proceso fotográfico. La emulsión se aplica sobre la pantalla y se endurece al exponerla a la luz. Las zonas opacas del fotolito impiden que la luz incida sobre la emulsión que permanece blanda y puede eliminarse con agua. Las
tintas
serigrafía
para
son
un
compuesto de textura gelatinosa que
o
se
viscosa aplica
directamente sobre la malla y se extiende con la racleta. El soporte es el material sobre el cual vamos a estampar. Se puede estampar sobre casi cualquier cosa utilizando las tintas adecuadas. Por ejemplo: Ropa, papel pintado, etiquetas, rótulos de plástico o de metal... Del diseño que quieres imprimir saca una película.La impresión la puedes hacer sobre una transparencia o papel vegetal para sacar la película o fotolito, emulsiona la pantalla de forma uniforme con la reguera, deja secar la emulsión, unos 10 minutos aproximadamente, si lo dejas secar al aire, tardará unas horas. Pasos de proceso de serigrafía: 1. Coloca la prenda u otro objeto en la mesa o la superficie a imprimir. 2. Coloca el original sobre el objeto. 3. Pon registros en los bordes para posicionar el objeto.
4. En el positivo marca 3cruces de registro y pon un poco de tape para que no se despegue. 5. Marcar con tape el objeto para saber la posición del diseño. 6. Posiciona el positivo sobre la malla (el positivo siempre dado la vuelta). Coloca cruces de registro de malla y positivo. Pon tape al positivo para que no se mueva a darle la vuelta en el momento de insolar. 7. Expón el positivo a la luz. Los tiempos dependerán de la caja de luz. La norma es un minuto. 8. Una vez insolada limpia la pantalla hasta dejar limpio el motivo a serigrafíar. Fíjate bien en los detalles para que no de luego errores de impresión. Lo ideal para limpiar es utilizar una manguera a presión. 9. Deja secar el bastidor. Muy importante esto. En el caso de que no seque bien, o la rasqueta este húmeda puede hacercosas raras en la impresión. 10. Una vez seca la emulsión, lo preparas para la impresión. 11. Pon tape alrededor de la maya a modo de marco para que no traspase la tinta. 12. Pon tape en las cruces de registro para que no de fallos de impresión
SUBLIMACIÓN La sublimación, es un proceso que consiste en la transferencia de la imagen impresa en el papel a otra superficie de sustrato. A diferencia de
las
tintas
convencionales, tintas
de
las
sublimado
bajo calor y presión se convierten directamente de sólido a gas dando un resultado en la unión de fibras. Después de enfriarse, las moléculas de tinta vuelven al estado sólido y se hacen permanentes en superficies como cerámica, metal, tela y otros materiales. La técnica inició en los años 60, cuando el poliéster comenzó usarse más en la fabricación de telas. La serigrafía era el proceso más utilizado, era bastante difícil y costoso de desarrollar en producciones pequeñas. Wes Hoekstra es como el padre de la industria de la sublimación digital. Wes creó el primer sistema computarizado de sublimación, en su Laboratorio de Pasadena, California. La llegada de nuevas computadoras y con mejores sistemas, posibilitó mayores facilidades para la personalización y creación de productos muy variados, con una impresora económica, una computadora y una prensa de calor, más personas podían iniciar con la sublimación digital. A lo largo de los años, se permitió el perfeccionamiento del proceso de personalización de productos por sublimación, logrando mejoras tanto en la calidad de las tintas, impresoras, y papeles, como en las diferentes máquinas para sublimar. Sus materiales para el procedimiento de la sublimación:
Computadora para diseñar e imprimir,impresora de inyección de tinta para sublimación, papel de sublimación, una plancha transfer, artículos sublimables de poliéster o que incorporen un recubrimiento especial de poliéster para permitir la sublimación. Procedimiento sublimación 1. 2. 3. 4. 5. 6.
La impresión se hace al revés Se coloca en la Prensa Térmica el objeto a sublimar. Se coloca sobre el objeto la impresión. Cerrar la prensa térmica y aplicar la presión y temperatura adecuada. Una vez prensado, se retira el papel y el objeto de la Prensa Térmica. La imagen quedara con colores vivos y de alta definición.
APARTADO
B
LINOGRAFIA El linóleo, también llamado lino grabado, es una técnica de estampación en relieve, esto es, quedarán impresas las zonas altas de la matriz y las trabajadas con la gubia serán blancas. Recibe su nombre porque el material utilizado es un compuesto de aceite de linaza fuertemente oxidado (linoxina) , corcho, yute y pigmentos sobre una arpillera, dando cierta consistencia de caucho. En origen el linóleo fue, y es, un material que se utiliza para el revestimiento de suelos. Lo patentó el británico Frederick Walton en 1860.
CAMAFEO Un camafeo, camaïeu, claroscuro o chiaroscuro…es una forma de entender la estampación xilográfica realizada con varias planchas de un mismo color, pero en distintas tonalidades. Reciben este nombre por el parecido cromático que puedan tener con las piedras-joya talladas ya que los colores más utilizados eran, por regla general, lo s ocres, azu les o grises.
PUNTA SECA La punta seca es una técnica de incisión directa sobre la matriz que, por norma general, es de metal o metacrilato. Se caracteriza porque la talla va siempre acompañada de una rebaba en el borde (en uno o a ambos, lados según la inclinación del punzón) diferenciándose con otros procedimientos como el buril o el aguafuerte que presentan líneas más secas. Al dibujar una punta seca el material de la plancha no se elimina, sino que se desplaza, dando lugar a trazos aterciopelados ya que la tinta -además de entrar en la talla- se “enreda” en ese reborde.
APARTADO
C
GRABADORES ALBERTO DURERO: Nació el 21 de mayo de 1471 en Nüremberg, Alemania. Era hijo de Alberto Durero el Viejo y Barbara Holfer. Su padre, un orfebre húngaro, fue su primer maestro, enseñándole el oficio de orfebre y joyero. Tras trabajar con él durante un periodo de tiempo, el joven Durero se interesó más por la pintura. El padre accedió y en 1486 ingresó en el taller de Michael Wolgemut, el principal productor de retablos, como aprendiz de pintor y diseñador de grabados. Su arte refleja una enorme calidad en el trazado del dibujo y una minuciosa observación del detalle. Regresó a Nüremberg en 1494, sus padres habían concertado su enlace con Agnes Frey. El matrimonio le aportó el dinero necesario para crear su propio estudio en Nuremberg. Ese mismo año marchó a Italia y visitó Venecia, conoció la obra de Bellini, Mantenga y Pollaiuolo. El viaje duró dos años, pintó castillos, paisajes y panorámicas, apuntes que después empleará en sus obras. El artista se había formado en un entorno influido por la escuela flamenca y la tradición gótica alemana. Su viaje a Italia le permitió asimilar los postulados artísticos del Renacimiento italiano despertando su interés por la geometría y las proporciones matemáticas. El dominio de la xilografía y el grabado hicieron que su fama fuera asentándose y que elabora un gran número de obras.
Entre 1505 y 1507 viajo de nuevo a italia despues de pasar mucho tiempo en Venecia. Su objetivo no era completar su aprendizaje, sino asentar su fama internacional. Y tras ser consagrado y reconocido como un artista de prestigio volvió a Nürembergk. Sus últimos años los dedicó a su obra teórica, Tratado sobre la proporción, publicado en cuatro libros en 1525. Finalmente falleció en Nüremberg en 1528. Es una de las figuras más importantes del Renacimiento en Europa septentrional, y a través de sus grabados ejerció una enorme influencia en otros artistas del siglo XVI.
GUSTAVE DORE: (Estrasburgo, 1832 - París, 1883) fue un
artista
polifacético:
ilustrador,
grabador, dibujante, pintor y escultor. A Los quince años presentó sus dibujos, de gran calidad, a Philipon, quien hizo que colaborara en el Journal pour Rire, y publicó su primer álbum de litografías
sobre
Los
Trabajos
de
Hércules. En 1847 se trasladó a París, y entre 1848 y 1851 publicó semanalmente caricaturas en el Journal pour Rire, así como diversos álbumes de litografías. Debe su fama, sobre todo, a sus xilografías destinadas a la ilustración de más de noventa libros, entre los que se encuentran las Oeuvres de François Rabelais (1854), Les Contes drolatiques, de Balzac (1855), la Divina Comedia de Dante (1861), Don Quijote de la Mancha, de Miguel de Cervantes (1863) o Las aventuras del barón de Münchhausen (1866). Una de sus litografías más valiosas representa la muerte trágica de Gérard de Nerval (1855). La mayor parte de las grandes ilustraciones de Rabelais son grabados interpretativos; él indicaba sobre la madera o a la aguada la composición principal y los principales valores. Cada más reconocido y a la vez más autodidacta y exuberante, las obras de Gustave Doré aparecieron no solamente en Francia, sino también en Inglaterra, España, Alemania y Rusia. Como consecuencia de estas publicaciones, su influencia se dejó sentir muy pronto sobre numerosos ilustradores de toda Europa y América.
En 1931, Henri Leblanc publicó un catálogo razonado que contabiliza 9.850 ilustraciones, 68 títulos de música, 5 carteles, 51 litografías originales, 54 aguadas, 526 dibujos, 283 acuarelas, 133 pinturas y 45 esculturas. Una carrera artística inigualable para alguien que murió con tan solo 51 años.
FRANCISCO DE GOYA: Francisco de Goya nació en el año
1746,
localidad
en
de
la
Fuendetodos, provincia
e
spañola de Zaragoza, hijo de un dorador de origen vasco, José, y de una labriega hidalga llamada Gracia Lucientes. Entró
el
joven
Francisco
a
aprender el oficio de pintor en el taller del rutinario José Luzán, donde
estuvo
cuatro
años
copiando estampas hasta que se decidió a establecerse por su cuenta y, según escribió más tarde él mismo, "pintar de mi invención". Goya dibujó e hizo imprimir series de imágenes insólitas y caprichosas, cuyo sentido último, a menudo ambiguo, corresponde a una fantasía personalísima y a un compromiso ideológico, afín a los principios de la Ilustración, que fueron motores de una incansable sátira de las costumbres de su tiempo. Pero antes de su viaje a Italia en 1771, el arte de Goya es balbuciente y tan poco académico que no obtiene ningún respaldo ni éxito alguno; incluso fracasó estrepitosamente en los dos concursos convocados por la Academia de San Fernando en 1763 y 1769. Contrajo matrimonio con Josefa Bayeu en Madrid en junio de 1773, año decisivo en la vida del pintor porque en él se inaugura un nuevo período de mayor solidez y originalidad.
Obtuvo el encargo de diseñar cartones para la Real Fábrica de Tapices de Madrid, género donde pudo desenvolverse con relativa libertad, 63 composiciones de este tipo realizadas entre 1775 y 1792 constituyen lo más sugestivo de su producción de aquellos años Debido a la pérdida de audición y a las secuelas de la grave enfermedad que había padecido, el maestro tuvo que adaptarse a un nuevo tipo de vida. No menguó, pese a lo que se ha dicho en ocasiones, su capacidad productiva ni su genio creativo. Siguió pintando y todavía realizaría grandes obras maestras de la historia del arte. En 1812 muere su esposa, Josefa Bayeu; entre 1816 y 1818 publica sus famosas series de grabados, la Tauromaquia y los Disparates; en 1819 decora con profusión de monstruos y sórdidas tintas una villa que ha adquirido por 60.000 reales a orillas del Manzanares, conocida después como la Quinta del Sordo: son las llamadas "pinturas negras", plasmación de un infierno aterrante, visión de un mundo odioso y enloquecido. El maestro murió en Burdeos, hacia las dos de la madrugada del 16 de abril de 1828, tras haber cumplido ochenta y dos años, siendo enterrado en Francia. En 1899 sus restos mortales fueron sepultados definitivamente en la ermita de San Antonio de la Florida, en Madrid.
REMBRANDT: (Rembrandt Harmenszoon van Rijn; Leiden,
Países
Bajos,
1606
-
Amsterdam, 1669) Pintor holandés. Nacido
en
el
seno
de
una
acomodada familia de molineros, Rembrandt van Rijn recibió una esmerada
educación
y
llegó
a
ingresar en la Universidad de Leid en, donde estudió un curso para después
decidir
dedicarse
a
la
pintura. En 1625, abrió un taller en Leiden junto
con
Jan
Lievens
(quien
después siguió una trayectoria muy distinta), y no tardó en contar con una amplia clientela. Durante los años de Leiden, el arte de Rembrandt evolucionó desde unos inicios de colores brillantes y gestos grandilocuentes hacia una creciente afirmación del claroscuro. El sabio empleo que hizo el artista de esta nota tan típica del Barroco es lo que confiere a su obra una fuerza y una personalidad indiscutibles. En 1630, el claroscuro se convierte en el más poderoso medio de expresión del pintor, tal como evidencian obras como Sansón traicionado por Dalila y La presentación de Jesús en el templo. En 1630, a raíz de la muerte de su padre, se trasladó a Amsterdam, donde se asoció con el marchante Hendrick van Uylenburgh, con cuya hija, Saskia, se casó. Comenzó entonces para él una etapa de prosperidad económica y de vida mundana, que se truncó repentinamente en 1642, año de la muerte de su esposa. Los reveses económicos se sucedieron, hasta que en 1656 se vio obligado a subastar todas sus pertenencias (casa, colecciones de arte, etc.).
Rembrandt fue también un gran dibujante y un grabador genial, que dejó cerca de 1.500 dibujos y alrededor de 400 grabados. Tanto los dibujos como los aguafuertes son obras plenamente barrocas, dominadas por la acción, el dramatismo y un realismo derivado de la observación del mundo circundante muy característico del arte de Flandes y de los Países Bajos. En todo ello se asemejan a las pinturas del artista, de las cuales se diferencian en la mayor importancia que en dibujos y grabados tiene la línea sobre el claroscuro.
ANDY WARHOL: Andrew Warhola; Pittsburgh, Estados Unidos, 1928 - Nueva York, 1987) Artista plástico estadounidense que llegó a ser el más conocido representante del pop art, corriente artística en boga durante las décadas de 1950 y 1960 que se inspiró en la cultura de masas. Hijo de emigrantes eslovacos, inició sus estudios de arte en el Instituto Carnegie de Tecnología, entre 1945 y 1949. En este último año, ya establecido en Nueva York, comenzó su carrera como dibujante
publicitario
para
diversas
revistas como Vogue, Harper's Bazaar, Seventeen y The New Yorker. Al mismo tiempo pintó lienzos cuya temática se basaba en algún elemento o imagen del entorno cotidiano, de la publicidad o el cómic. Pronto comenzó a exponer en diversas galerías. Eliminó progresivamente de sus trabajos cualquier rasgo expresionista hasta reducir la obra a una repetición seriada de un elemento popular procedente de la cultura de masas, el mundo del consumo o los medios de comunicación. Dicha evolución alcanzó su cota máxima de despersonalización en 1962, cuando pasó a utilizar como método de trabajo un proceso mecánico de serigrafía, mediante
el
cual
reproducía
sistemáticamente
mitos
de
la
sociedad
contemporánea y cuyos ejemplos más representativos son las series dedicadas a Marilyn Monroe, Elvis Presley, Elizabeth Taylor o Mao Tse-tung, así como su célebre tratamiento de las latas de sopa Campbell, obras todas ellas realizadas durante la fructífera década de 1960.
Se caracterizan las obras de esta época por su libérrima manipulación y la polémica que suscitaron en su momento. Tanto por el uso del color, unas veces monocromo y otras fuertemente contrastado, pero en todo caso vivo y brillante, como por la temática, su obra resulta siempre provocadora y, a menudo, angustias. El uso de imágenes de difusión masiva, fácilmente reconocibles por
todo tipo de públicos se convirtió en uno de los rasgos más interesantes y estables de toda su producción
MAURITS CORNELIUS ESCHER: Maurits Cornelis o Cornelius Escher; Leeuwarden, 1898 - Baarn, 1972 Dibujante y artista holandés. La obra de Escher, caracterizada por el estudio detallado de los efectos ópticos y del motivo decorativo, constituye una de las más originales e idiosincrásicas del siglo XX. Espléndido dibujante, exploró las contradicciones de la perspectiva tradicional en la forma de paisajes e imágenes "imposibles" dotadas de una insólita belleza. Tras estudiar el grabado sobre linóleo en Arnhem, Maurits Cornelis Escher prosiguió su formación en la Escuela de Arquitectura y Diseño Ornamental de Haarlem entre 1919 y 1922. En 1954 decidió exponer sus trabajos más recientes en Washington, logró vender los más de cien grabados que había seleccionado para la ocasión, algo casi imposible de conseguir en el caso de artistas que apuestan por obra gráfica. Su progreso en todos los órdenes culminó con la creación de la Fundación Escher hacia el final de su vida, justamente en 1968. Escher comenzó a trabajar en sus ilusiones espaciales, con edificios en los que las escaleras ascienden a la parte baja y descienden hacia la alta en un impresionante juego de perspectivas; del mismo modo, las leyes físicas parecen derrotadas en sus corrientes de agua, que descienden en su subida para caer en sorprendente cascada hasta la que es su propia fuente. En estos y otros exponentes de su arte, la ilusión creada sólo es posible sobre el papel; por el contrario, si hubiese que desarrollarlas en tres dimensiones, sus propuestas resultarían imposibles de todo punto. Los biógrafos de este artista recuerdan la profunda impresión que en él causo su primera visita a España en 1925 y, muy en particular, su contacto directo con La Alhambra granadina; en ella, su decoración geométrica y su característico entrelazamiento presentan no pocos puntos de contacto con la poética escheriana.
Todavía en 1936 Escher volvió a Granada y, fascinado como estaba por el arte musulmán, copió muchos de sus motivos para incorporarlos a su propio universo.
JOSE GUADALUPE POSADA: Aguascalientes, 1852 - ciudad de México, 1913) Pintor y caricaturista mexicano,
famoso
por
sus
litografías con escenas de muerte, estampas populares y caricaturas sociales, inspiradas en el folclore. El joven José Guadalupe poseía sin duda un talento natural para el grabado, y no sin haberse visto obligado a superar una empecinada oposición
familiar,
su
padre
le
permitió ingresar, a los dieciséis años, en el taller profesional de Trinidad Pedroso, reputado maestro de quien aprendió los principios, métodos y secretos del arte litográfico. En estos primeros años de aprendizaje, Posada manifestó una facilidad innata para la caricatura, de tal modo que su mentor logró introducirle en el mundo del periodismo y de la prensa gráfica como dibujante, y logró publicar sus primeras viñetas en el periódico El jicote (1871), cuando el artista acababa de cumplir los diecinueve años. José Guadalupe ganó una plaza de maestro de litografía en la Escuela Preparatoria de León. A esta ciudad del estado de Guanajuato se había trasladado, en compañía de su maestro, en 1871. Fue profesor durante cinco años, aunque compartió la actividad didáctica con lo que le gustaba en realidad: la litografía comercial -textos de anuncios y carteles- y la estampación de imágenes religiosas. Las graves inundaciones que asolaron León en 1888 le obligaron a trasladarse a Ciudad de México, donde le hicieron rápidamente ofertas para trabajar en distintas
empresas editoriales, entre ellas la de Ireneo Paz. Allí elaboró cientos de grabados para numerosos periódicos. A partir de 1890, sus trabajos gráficos ilustraron las publicaciones, de carácter nacionalista y popular, del impresor Antonio Venegas Arroyo: historietas, liturgias de festividades, plegarias, cancioneros, leyendas, cuentos y almanaques, destacando La Gaceta Callejera y las hojas sueltas que incluían imágenes e información resumida de carácter diverso sobre "acontecimientos de sensación". Las sátiras de los políticos más influyentes de la época le costaron la cárcel en más de una ocasión. El gran número de encargos que se amontonaban en su taller le obligó a crear una técnica nueva, el grabado al ácido en relieve, mucho más rápida. Su extensa producción gráfica, estimada en más de veinte mil grabados, realizados en litografía o planchas de metal, podría clasificarse como expresionista, puesto que recrea con extraordinaria imaginación, gran sentido humorístico y profunda capacidad crítica las lacras, miserias y prejuicios de la realidad social y política de su época. En 1933, veinte años después de su muerte, fue redescubierto por el pintor Jean Charlot, quien editó sus planchas y reveló la influencia de Posada sobre artistas de las posteriores generaciones. Gran dibujante, trabajador incansable y un gran técnico del grabado, Posadas murió, tan pobre como había nacido, en Ciudad de México, en 1913. Sus restos, que nadie reclamó, fueron sepultados en una fosa común.
FRANCISCO TOLEDO: Juchitán, Oaxaca, 1940 Olifacético
artista
mexicano,
considerado el más destacado del país,
que
ha
trabajado
con
extraordinario colorismo la acuarela, el óleo, el gouache y el fresco, pero también la litografía, el grabado, el diseño de tapices, la cerámica o la escultura en piedra, madera y cera, buscando siempre renovar formas y técnicas.
Hombre
comprometido
con sus orígenes indígenas, es uno de los máximos promotores de la defensa del patrimonio artístico del estado de Oaxaca. A los once años se instaló en la ciudad colonial de Oaxaca, para cursar la escuela secundaria. Y después en México, D. F., para tomar clases en el taller de grabado de la Escuela de Diseños y Artesanías, con la experiencia de haber realizado sus primeros grabados en el taller oaxaqueño de Arturo García Bustos. Con apenas diecinueve años, expuso sus obras en México y en Fort Worth (Texas). Toledo recupera técnicas antiguas e investiga con otras nuevas, tanto en la pintura como en la escultura y la cerámica. Diseña tapices que realiza con los artesanos de Teotitlán del Valle. El color y la riqueza étnica y cultural de Oaxaca catalizan su creatividad y su obra, como la de tantos otros artistas plásticos locales y extranjeros. En 1977 viajó a Nueva York, ciudad a la que regresó en 1981 para ampliar sus técnicas en la cerámica. Un año antes, el Museo de Arte Moderno de México había organizado una gran exposición retrospectiva de su obra. En 1983 presentó el libro de grabados originales El inicio, e inició también una larga carrera como editor. En 1997 presentó en México las exposiciones (y los libros) «Zoología
fantástica», a partir de textos de Jorge Luis Borges, e «Insectario», mientras encandilaba en la Bienal de Venecia con las esculturas de la titulada «La fragilidad del alma». Los críticos resaltan que el modo obsesivo con que el artista trabaja las texturas y los materiales, tales como la arena o el papel amate (el papel precolombino, hecho con corteza machacada del árbol llamado amatl o amate), así como la maestría con la que materializa su creación consiguen el efecto de que su obra parezca vibrar como si la criatura híbrida de animal y hombre, o el insecto, o la iguana, o cualquiera de sus seres tropicales pugnaran por cobrar vida real. Esa sensación inquietante que percibe el observador de la obra acaba por meterlo irremisiblemente en la visión, en el realismo fantástico del autor. Los animales a través de los que Toledo refleja su apreciación estética de la naturaleza no se asocian con la belleza: son insectos, serpientes, sapos, iguanas, murciélagos. Y son fantásticos, como sus monstruos son juguetones, porque él no sabe de pudor ni pecado y un humor acre y delirante recorre cada pincelada de sus lienzos o cada incisión de su buril, para dejar un rastro de crudo y juicioso estudio social disfrazado de fábula, de alegoría de la crítica situación del hombre y el mundo actuales. Casi siempre desaliñado y con huaraches en los pies, resecos como su tierra, Francisco Toledo se ha convertido, como su obra, en símbolo y expresión de los más profundos mitos de México.
TALLER GRAFICA POPULAR: En abril de 1937 se creó el Taller de Gráfica Popular, grupo de grabadores que decidieron apoyar e impulsar las causas
populares
mediante
la
producción de carteles y volantes, de mantas
para
las
manifestaciones
callejeras y telones para los mítines; de letreros e ilustraciones, de folletos y álbumes
temáticos,
periódicos
con
así
las
como
de
tradicionales
calaveras del día de muertos, dibujos y hasta
la
decoración
de
carros
alegóricos para los desfiles obreros y antifascistas.
El TGP surgió como una sección del Taller Escuela de Artes Plásticas de la Liga de Escritores y Artistas Revolucionarios, la LEAR, a la que sobrevivió después de la extinción de ésta en 1938. Desde su nacimiento, la Gráfica Popular, como también se conoce a la institución, recogió e hizo suya la dilatada herencia del grabado mexicano, que en su árbol genealógico tenía caricaturistas e ilustradores de la talla de Joaquín Giménez El Tío Nonilla, Constantino Escalante, Hesiquio Iriarte, Santiago Hernández, José María Villasana, Jesús T. Alamilla, Gabriel Vicente Gahona Picheta, Manuel Manilla y, por encima de todos, José Guadalupe Posada, patrono del grabado mexicano cuyo influjo marcaría la vida del Taller y su producción. En las estampas del Taller de nuevo cobró fuerza la intención didáctica, presente desde el siglo XVI en la imaginería evangelizadora, e incitados por la fuerza de la Revolución mexicana, apenas a 20 años de promulgada la Constitución de 1917 y en pleno fervor cardenista, los artistas pusieron sus afanes en un arte politizador,
capaz de exaltar los valores nacionales, el indigenismo, la educaciรณn popular, el agrarismo, la gesta petrolera o la organizaciรณn sindical; un arte que mostraba sin rodeos las fobias jacobinas de los talleristas y su disposiciรณn para combatir las amenazas internacionales y los horrores del fascismo.
KATSUSHIKA HOKUSAI: Artista japonés, pintor y grabador, nacido en octubre de 1760 en Edo (actual Tokio), con el nombre de Tokitaro, y fallecido el 10 de mayo de 1849 en su ciudad natal. Considerado uno de los principales artistas de la escuela ukiyo-e (Pinturas del mundo flotante), firmó sus obras con distintos nombres, como "Shunro",
"Sori",
"Kako",
"Taito",
"Gakyonjin", "Iitsu" y "Manji". En su juventud, Hokusai decidió trabajar como vendedor en una prestigiosa librería, y a partir de los quince años, entró como aprendiz de grabador en un taller, donde permaneció durante otros tres años. En 1778, a los dieciocho años de edad, se convirtió en discípulo del maestro de la escuela ukiyo-e, Katsukawa Shunsho, con el que aprendió la técnica del grabado con planchas de madera, y se especializó en el retrato de actores. El joven Hokusai publicó sus primeros trabajos al año siguiente, invitaciones impresas para el teatro kabuki, en las que el género de la escuela del Shunsho y de Katsukawa aparece ya totalmente dominado. La obra de Hokusai en este período cubre toda la gama del arte ukiyo-e: tarjetas, surimono, libros ilustrados, ilustraciones de antologías de versos, libros eróticos, pinturas a mano o libros de bocetos. A partir del siglo XIX Hokusai comenzó la ilustración del yomihon, novelas históricas. Bajo su influencia, su estilo comenzó a sufrir cambios importantes y claramente visibles entre 1806 y 1807. Su figura y su trabajo tuvieron cada vez mayor alcance, pero perdió en delicadeza y tendió a prestar mayor atención a los
temas clásicos tradicionales, especialmente la representación de samuráis, guerreros o temas chinos, y a alejarse del mundo de ukiyo-e. Publicada entre 1826 y 1833, esta famosa serie, que con los suplementos incluía un total de 46 impresiones a color, marcó un hito en la impresión japonesa de paisajes. La grandeza del diseño y la habilidad de la ejecución no había sido alcanzada hasta ese momento, incluso en el trabajo de su contemporáneo Hiroshige.
KOLLWITZ, KÄTHE Pintora,
escultora
y
grabadora
alemana, nacida el 8 de julio de 1867 en Königsberg y muerta el 22 de abril de 1945 en Moritzburg. Relacionada con el movimiento expresionista y cuya obra se caracteriza por su profunda crítica social. Su padre, Karl Schmidt, fallecido en 1898, estimuló sus habilidades para el dibujo desde su infancia. En 1881 comenzó sus estudios artísticos bajo la tutela de Rudolf Mauer, grabador que ejerció
su
profesión
en
Königsber,
donde recibió clases del pintor Gustav Naujok. En 1885 se trasladó a Berlín para cursar estudios en la Künstlerinnenschule (Escuela de arte femenina), donde Karl Stauffer-Bern animó su interés por la obra de Max Klinger, cuyas estampas dramáticas fueron su primera gran influencia. De regreso a Königsberg en 1887, inició su producción pictórica, bajo la supervisión del pintor Emil Neide. Durante
su
estancia
en
la
Weussennurger Strasse,
Köllwitz
abandonó
progresivamente su faceta de pintora y empezó a cultivar el dibujo y el grabado, ya que ambas técnicas le permitieron desarrollar sus obras de profundo contenido social con mayor expresividad y dramatismo. En 1893 asistió a la representación de la obra de Gerhat Hauptmanns, Los tejedores, pieza teatral que dejó profunda huella en su particular sensibilidad y a la que dedicó una serie de aguafuertes, la revuelta de los tejedores, compuesta por un total de seis grabados que fueron expuestos en la Gran Exhibición de Arte celebrada en Berlín en 1898.
En 1932 su primera escultura monumental, Monumento a los muertos (cementerio de Essen, Bélgica), obra realizada en homenaje a su hijo Peter fallecido en la guerra. Su capacidad expresiva proviene tanto de su atenta observación de la realidad social que la circundó, como de su profundo estudio de los medios técnicos de impresión. Practicó el grabado en sus numerosas variantes, desde la punta seca a los aguafuertes, pasando por el entallado, aunque a partir de 1910 la litografía se convirtió en su forma preferida de expresión plástica. Dio muestras de esta continuidad expresiva en sus escayolas, en las que el contraste dramático entre el negro y el blanco de sus grabados, se transforma en texturas irregulares y una aproximación a la figura menos naturalista que la que caracteriza su obra gráfica.
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