Art clash catalogo 2014 2015 red

2014-2015

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Collective exhibition promoted by: / Mostra collettiva promossa da:

California State University International Program Firenze

LDM Lorenzo de’ Medici The Italian International Institute

Museo di Arte Contemporanea di Florina, Grecia

curated by: / a cura di: Marsha Steinberg In collaboration with: / In collaborazione con: Accademia di Belle Arti di Firenze CSU California State University International Program Firenze LDM Lorenzo de’ Medici The Italian International Institute Fondazione il Bisonte – per lo studio dell’arte grafica Harding University in Florence Kent State University Florence Program LABA Libera Accademia di Belle Arti OCAD Ontario College of Art & Design University SACI Studio Art Centers International Sacred Art School Firenze SRISA Santa Reparata International School of Art With the participation of: / Con la partecipazione di: Department of Fine and Applied Arts, University of Western Macedonia, Greece Scientific Committee / Comitato scientifico Rolando Bellini, Gregory Burney, Elisa Gradi, Panayotis Kantzas, Fulvio Orsitto con la partecipazione di Eugenio Giani Jury / Giuria Rolando Bellini, Carole Biagiotti, Lilia Lamas, Martino Margheri, Panayotis Kantzas, Domenico Viggiano © Firenze 2015, by Marsha Steimberg

Under the patronage of / Con il patrocinio di: Ministero degli Affari Esteri e della Cooperazione Internazionale

Ambasciata di Grecia a Roma

Regione Toscana

Comune di Firenze

Città Metropolitana di Firenze

Camera di Commercio di Firenze

Consulate General of the US – Florence

Consolato di Grecia a Firenze

Participants / Partecipanti

Greetings / Ringraziamenti – Marsha Steinberg A heartfelt thanks goes to the Regional Council of Tuscany for hosting the exhibition of the winners and for the publication of the poster and invitation, to the City of Florence for the publication of the catalogue.The sponsoring institutions, CSU California State University International Program Firenze, LDM Lorenzo de’ Medici, The Italian International Institute and the Museum of Contemporary Art in Florina, Greece. A special thanks goes to the Regional Council of Tuscany for hosting this event especially to the regional Councilman Eugenio Giani who strongly supported this event together with Daniela Ricci (Protocol Office). A special thanks goes to the Mayor of Florence Dario Nardella.

In particular many thanks to the institutions that gave their patronage to this event ARTCLASH 2014-2015: the Ministry of Foreign Affairs and International Cooperation, the Embassy of Greece in Rome, the Region of Tuscany along with the Regional Council of Tuscany, Dario Nardella Mayor of the City of Florence and of the Metropolitan City of Florence, the Consulate General of the United States in Florence and the Greek Consulate in Florence and the Florence Chamber of Commerce.

Also, I want to thank the jury: Rolando Bellini, Carole Biagiotti, Lilia Lamas, Martino Margheri, Panayotis Kantzas and Domenico Viggiano.

I thank the Scientific Committee: Rolando Bellini, Gregory Burney, Elisa Gradi, Panayotis Kantzas and Fulvio Orsitto.A special thanks goes to the CSU staff, and in particular to Jane Fogarty, Connie Perkins, Paola Fidolini, Refugio Cruz and Valentina Comanducci.

Last but not least, I thank the sponsors: Alterini Bus, Borghese Palace Art Hotel, Florence and Abroad – Real Estate Agency, Hotel Dino Restaurant, Macchiaioli Travel, English Publishers Magenta Florence, Panorama Florence Hotels, Ristorante Accademia, Salvini Articoli per Belle Arti, Seriana Marucelli, Shipping Company and Trattoria Cesarino.

Un vivo ringraziamento va al Consiglio Regionale della Toscana per aver ospitato la mostra dei premiati e per la pubblicazione della locandina e dell’invito, al Comune di Firenze per la pubblicazione del catalogo. Le istituzioni promotrici, CSU California Sate University International Program Firenze, LDM Lorenzo de’ Medici, The Italian International Institute e il Museo di Arte Contemporanea di Florina, Grecia. Per l’ospitalità il Consiglio Regionale della Toscana, in particolare il Consigliere Eugenio Giani che ha sostenuto fortemente la manifestazione unitamente a Daniela Ricci (Ufficio Cerimoniale). Ancora un grazie particolare al Sindaco di Firenze Dario Nardella.

Ringrazio in modo particolare le istituzioni che hanno dato il loro patrocinio a questo evento ARTCLASH 2014-2015: il Ministero degli Affari Esteri e della Cooperazione Internazionale, l’Ambasciata di Grecia a Roma, la Regione Toscana insieme al Consiglio Regionale della Toscana, Dario Nardella Sindaco del Comune di Firenze e della Città Metropolitana di Firenze, il Consolato Generale degli Stati Uniti a Firenze e il Consolato di Grecia a Firenze e la Camera di Commercio di Firenze.

Inoltre, tengo molto a ringraziare la giuria: Rolando Bellini, Carole Biagiotti, Lilia Lamas, Martino Margheri, Panayotis Kantzas e Domenico Viggiano.

Ringrazio il Comitato Scientifico: Rolando Bellini, Gregory Burney, Elisa Gradi, Panayotis Kantzas e Fulvio Orsitto. Un ringraziamento speciale allo staff della CSU e, in particolare, a Jane Fogarty, Connie Perkins, Paola Fidolini, Refugio Cruz and Valentina Comanducci.

Infine ma non per questo meno importante, ringrazio gli sponsor: Alterini Bus, Borghese Palace Art Hotel, Florence and Abroad – Real Estate Agency, Hotel Dino Ristorante, Macchiaioli Viaggi, English Publishers Magenta Florence, Panorama Hotels Firenze, Ristorante Accademia, Salvini Articoli per Belle Arti, Seriana Marucelli, Shipping Company e Trattoria Cesarino.

Graphics and editing: Fabrizio Bagatti; Logo ARTCLASH: Marc Ribas and Anna Cederus; Printing of the invitation and poster: Regional Council of Tuscany; Catalogue printing: City of Florence; Translations: Marsha Steinberg.

Grafica ed editing: Fabrizio Bagatti; Logo ARTCLASH: Marc Ribas e Anna Cederus; Stampa dell’invito e della locandina: Consiglio Regionale della Toscana; Stampa del catalogo: Comune di Firenze; Traduzioni: Marsha Steinberg.

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CSU California State University International Program – Firenze Katriya Burkdoll Kadie DiCarlo Hetty Diep Alex Erlich Shelby Lynn Willson

Kent State University Florence Program Aparna Avarsala Vanessa Reese LABA Libera Accademia di Belle Arti Maria Chemello Laura Garfagnini Marco Pioppi

LDM Lorenzo de’ Medici, The Italian International Institute Hwi Hahm Juan Felipe Lopez H. Zoey Schlemper Askild Winkelmann

OCAD Ontario College of Art & Design University Elizabeth Chan Aaron Millard Kayla Polan

Accademia di Belle Arti di Firenze Pietro Desirò Pegah Karimi Erika Lavosi Giulio Melani

SACI Studio Art Centers International Hollace Kutay Hana Sackler Daniel Schoeneck Anastasia Soboleva

Department of Fine and Applied Arts University of Western Macedonia, Greece Paris Iannou

Sacred Art School Firenze Elisabetta Carini, Sian Gao, Anna Naslund, Sofia Novelli Maria de Los Angeles Ovalle, Luna Colombini, Claudio Pulicati Fabio Deiana

Fondazione Il Bisonte – per lo studio dell’arte grafica Yasmine Dainelli Fumitaka Kudo Sisetta Zappone Harding University in Florence Brandon Rickett Hayden Rickett

SRISA Santa Reparata International School of Arts Haley Kreofsky Madison Moore Elena Tontoni

Winners / Vincitori Kadie DiCarlo Hwi Hahm Pietro Desirò Sisetta Zappone

Hayden Rickett Vanessa Reese Maria Chemello Hana Sackler (overall winner / vincitrice in assoluto)

Anastasia Soboleva Maria de Los Angeles Ovalle, Luna Colombini, Claudio Pulicati Madison Moore 5

I am pleased to sponsor and host in the city of Florence a project that highlights the artistic work of the most talented students of various academic institutiones. I believe that the dialogue between representatives of the younger generation in the field of art should find a home in Florence, a city which is certainly unique for its value of cultural heritage, and also for its quality in teaching art.

Sono lieto di patrocinare e di accogliere in Città un progetto che mette in risalto l’opera artistica degli studenti più talentuosi dei vari Istituti. Credo che il dialogo tra esponenti delle nuove generazioni nel campo dell’arte debba trovare casa a Firenze, città certamente unica per il valore del patrimonio culturale e anche per qualità nella didattica dell’arte.

The Artclash project, indeed, fosters constructive interaction between Italian and foreign academic institutions operating in our city, and is a great tool to stimulate a cultural exchange between young people, who choose Florence as their place of residence to continue their studies in the arts.

Il progetto Artclash – infatti – favorisce l’interazione costruttiva tra istituzioni italiane e straniere operanti nella nostra Città e rappresenta uno strumento straordinario di stimolo e scambio culturale tra i giovani che scelgono Firenze come luogo di residenza per proseguire gli studi nel campo delle arti.

Now in its seventh year, I consider Artclash to be one of those excellent initiatives to stimulate and encourage the passion for art, solidarity and cultural growth in the name of the combination of culture and education in which I firmly believe.

Ormai alla settima edizione Artclash la considero una di quelle eccellenti iniziative atte a stimolare e favorire la passione per l’arte, la solidarietà e la crescita culturale all’insegna del binomio cultura-istruzione nel quale credo fermamente.

Dario Nardella

Dario Nardella

Mayor of Florence

Sindaco di Firenze

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It is with interest and satisfaction that the Regional Council of Tuscany hosts at its headquarters, the exhibition of the international art movement created by the painter from California who lives in Florence where she teaches painting to foreign students, Marsha Steinberg. A movement that is also a training vehicle that facilitates the meeting between young people coming from different cultures and languages who nourish their artistic culture in Florence.

È con soddisfazione e interesse che il Consiglio regionale della Toscana ospita presso la propria sede la mostra del movimento artistico internazionale creato dalla pittrice californiana ma residente in Firenze dove insegna pittura per studenti stranieri, Marsha Steinberg. Un movimento che è anche un veicolo formativo in grado di favorire l’incontro tra i giovani di differenti culture e lingue che nutrono la propria cultura artistica a Firenze.

The art exhibition is a traveling experience for those who want to undertake it into the art world.

La mostra costituisce in sé un viaggio, per chi vorrà intraprenderlo, nel mondo dell’arte.

At the same time, it establishes and renews a friendship between States that recognize the city of art Florence as a nourishing place full of universal values.

Al tempo stesso, essa sancisce e rinnova una amicizia fra gli Stati che riconoscono nella città d’arte di Firenze un luogo nutritivo, intriso di valori universali.

Eugenio Giani

Eugenio Giani

Regional Counselman

Consigliere regionale

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Fulvio Orsitto California State University – Florence Program Director

Notes on “Clash” and “Transculturalism” Appunti sui concetti di “clash” e “transcultura”

What is a “clash”? And, more specifically, what is an “art clash”?

When, in September 2014, Marsha Steinberg first shared with me the rationale behind this project, she instantly got my personal support, and also that of the California State University International Program I direct in Florence. I immediately noticed the similarities between ARTCLASH’s intention to highlight and then juxtapose the intersections between Italian and American culture (via the works of the young talented artists willing to participate in this endeavor) and my own area of research, which focuses on similar socio-cultural interactions in the field of contemporary Italian Film Studies. Moreover, I was profoundly intrigued by the nuances suggested by the word “clash”, which was obviously being used not to imply any sort of negative imagery but, rather, to evoke the vitality of something vibrant and new, of something created by the sudden encounter of two forces.

In our postmodern time and age – when old ideologies seem to be dead, and even the so-called grand récits (to use Lyotard’s expression) are in a state of crisis – we are witnessing the frenetic increase of fragmented virtual interpersonal communications and the sharing of (often useless, or at least frivolous) information, which has lead to the inevitable need to redefine and renegotiate concepts that cannot be taken for granted anymore. In a world characterized by accelerated streams of individuals that move between various areas (and by the even greater speed of informational connections, of cellular communication and travel times), traditionally shared concepts such as 8

Che cosa s’intende per “clash”? E, più specificamente, che cosa s’intende per “art clash”?

Quando, nel settembre del 2014, Marsha Steinberg iniziò a condividere con il sottoscritto i primi dettagli del progetto ARTCLASH (oltre che la logica che ne era alla base), non mi ci vollero che pochi istanti per darle il mio appoggio personale e, a ruota, anche il sostegno del programma di studio all’estero della California State University a Firenze che dirigo. Ricordo, infatti, di aver percepito con chiarezza e quasi istantaneamente le similarità tra l’intento che ha portato alla creazione stessa di ARTCLASH (ossia quello di sottolineare e poi mettere a confronto le intersezioni tra la cultura italiana e quella americana, attraverso le opere dei giovani artisti che partecipano al progetto) e la mia personale area di ricerca, che mi conduce a studiare interazioni socio-culturali quasi analoghe nell’ambito degli studi sul cinema italiano contemporaneo.

Ricordo poi di essere stato profondamente colpito dalla scelta dell’espressione “clash”, e soprattutto dalle sfumature che un termine simile si prestava a evocare. Più che richiamare un’immagine negativa, infatti, l’accenno all’idea di “scontro” non poteva che celebrare la vitalità intrinseca che finisce con l’essere generata da qualcosa di vibrante e inaspettato, da qualcosa generato dall’incontro improvviso (e forsanche accidentale e fortuito) tra due forze.

Nell’età postmoderna che ci troviamo a vivere – in un momento in cui le vecchie ideologie sembrano ormai scomparse e anche i cosiddetti grand récits (per usare l’espressione di Lyotard) sono in un irrimediabile stato di crisi – siamo costretti ad essere testimoni di un frenetico aumento di parcellizzate comunicazioni interpersonali virtuali, oltre che di una condivisione di informazioni spesso inutili (e come minimo frivole), che hanno portato alla necessità di ridefinire e rinegoziare concetti che si era soliti

space, history, memory, national identity, imagery and language, appear to be irreversibly tied to a past which has been overcome by the new global world. From an Italian viewpoint, the perception of what can be labeled as Italian identity in the new millennium, has slowly, and finally, eroded past monolithic views, and has paved the way for radical re-imaginings that confirm the transition from a “national” to a “post-national” stage, and the current opening towards a “trans-national” phase, in which “Italianness” and everything that represents “otherness” are forced to face each other and, in many ways, to “clash” – that is, to produce new “trans-cultural” products made by those individuals affected by this sudden encounter. This is what I see happening in the last decade of contemporary Italian films, and this is also what I believe is Marsha Steinberg’s goal with her ARTCLASH project, which gives room to the talent of young American artists forced to confront their works with Italianness, but also to young Italian artists compelled to face their American counterparts and their cultural and artistic milieu.

In order to evoke this virtual “clash” between two so different yet so compatible cultures, like the Italian and the American one, this catalogue offers a rather iconic and “trans-cultural” image: that of a “patchwork”. This suggestive image intrinsically communicates a chaotic but vibrant idea of novelty – metaphorically evoking a fabric that presents a strange and, at times, unpredictable combination of new and pre-existing pieces – and effectively represents the succession of intersections and overlappings that characterize the encounter of

dare per scontati. In un mondo in cui a farla da protagonista è la serie di flussi sempre più accelerati d’individui che si spostano tra varie zone, ma anche la velocità sempre maggiore delle connessioni informatiche, delle comunicazioni cellulari e dei tempi del viaggio, concetti tradizionali (e sostanzialmente condivisi) come quello di spazio, di storia, di memoria, di identità e di immaginario nazionale (oltre che di lingua) paiono ormai legati irrimediabilmente ad un passato superato dalla nuova società globalizzata.

Ecco quindi che, da una prospettiva meramente italiana, la percezione di ciò che si era soliti etichettare con il termine di identità italiana, nel nuovo millennio ha lentamente e inesorabilmente subito un processo di erosione, che ha finito con l’intaccare le percezioni monolitiche del passato ed ha spianato la strada a revisioni talvolta radicali che confermano il passaggio da un periodo in cui il “nazionale” riconosce la propria crisi e cede il passo al “post” di “postnazionale” e, nell’ultimo decennio, all’apertura verso una fase “trans-nazionale”. Una fase, quest’ultima, nel corso della quale l’italianità e tutto ciò che rappresenta l’alterità sono state costrette a confrontarsi e, da molti punti di vista, anche a scontrarsi, generando una sorta di “clash” – un fenomeno, quest’ultimo, che ha finito con il generare nuovi prodotti “trans-culturali” realizzati da quegli individui protagonisti di questo improvviso incontro-scontro. Questo è ciò che è possibile ravvisare nell’ultimo decennio del cinema italiano, ma questo è anche, a mio modo di vedere, l’obiettivo che Marsha Steinberg si è posta con il suo progetto ARTCLASH, che dà spazio al talento di giovani artisti americani spinti a confrontare il loro lavoro con l’italianità, ed anche a giovani artisti italiani costretti a misurarsi con l’americanità che traspare dal lavoro delle loro controparti statunitensi e dai milieu artistici e culturali evocati da esse.

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Italian and American culture that takes place in a city like Florence which many would define “multicultural”, but which I would rather describe using the abovementioned term “trans-cultural”.

In order to understand the subtle difference between the (often used) term multiculturalism and the (much less) used expression transculturalism, I would like to recall Slavoj Žižek’s work, and especially his convincing argument regarding the dangers of multiculturalism and, more specifically, the fact that the latter often involves a Westerncentric and patronizing distance and/or respect for other cultures. Žižek cautions us to attentively consider the fact that, even if it appears to value diversity, multiculturalism does so from a point of view that does not really strive to hide an ill-concealed sense of superiority (in fact, Žižek goes as far as to say that often multiculturalism’s apparent respect for the Other’s specificity is the very form of asserting one’s own superiority). In some ways, this argument seems to reflect what Derrida calls “conditional hospitality”, or the fact that “to dare to say welcome” is perhaps to insinuate that one is at home here (or anywhere – really); that one knows what it means to be at home, and that at home one receives, invites, or offers hospitality, thus appropriating a space for oneself, a space to welcome the Other. The Other (that is, whoever is a stranger), according to Derrida is welcomed (but always according to conditions established by the host), and the Other is then subject to new laws: the same laws that allow bureaucrats and uneducated politicians to pair the word “immigrant” with the adjective “illegal” – as if there were an author10

Per provare ad evocare questo “clash”, ossia questo “scontro” virtuale tra due culture così diverse eppure così compatibili come quella italiana e quella americana, credo che il presente catalogo offra anche un’altra immagine alquanto suggestiva: quella del “patchwork”.

Un’immagine che comunica una caotica ma vibrante idea di novità, evocando metaforicamente un tessuto che presenta una strana, a tratti imprevedibile, combinazione di pezzi nuovi e preesistenti. Un’immagine che ben rappresenta la successione di sovrapposizioni e incroci che caratterizzano l’incontro tra cultura italiana e americana in una città come Firenze che si sarebbe tentati di definire come “multi-culturale” ma che, personalmente, preferirei chiamare “trans-culturale”.

Al fine di comprendere meglio la sottile differenza tra l’usatissimo (ed abusatissimo) termine multiculturalismo e l’assai meno utilizzata espressione transculturalismo, vorrei richiamarmi al lavoro di Slavoj Žižek, e soprattutto ai suoi numerosi caveat nei confronti di un multiculturalismo di facciata che spesso non fa che nascondere un approccio occidente-centrico e paternalistico nei confronti dell’alterità. In particolare, Žižek non esita ad ammonirci che, sebbene in apparenza sembri valorizzare la diversità, il multiculturalismo lo fa da un punto di vista che non si sforza neanche più di tanto di nascondere un malcelato senso di superiorità (giungendo persino ad affermare che l’apparente rispetto per l’alterità evocato dal multiculturalismo non è altro che il modo implicito in cui esso finisce con l’asserire paternalisticamente la propria superiorità).

Per certi versi, quindi, questo ragionamento pare riflettere ciò che Derrida chiama “ospitalità condizionata”, ossia quel tipo di ospitalità che implica imprescindibilmente che chi concede accoglienza sia in qualche modo chi è a casa, chi in qualche modo si è appropriato di uno spazio che

ity on this earth that could reasonably define a human being “illegal” (while it would be more appropriate to use terms such as “sans papier” because, in the end, we are talking about a piece of paper).

These are also laws that recall in a sinister way the concept of “structure of exception” proposed by Giorgio Agamben and the crucial distinction between zoe and bios.

The multicultural, as previously stated, is profoundly different from the transcultural in that the latter – despite having a clear departure point (culture A) and a destination (culture B) – is far from considering the fact that (according to oftentimes arbitrary parameters) a system of reference can be considered “better” than the other, and it actually pauses on the moment of “in-betweenness” between these two cultures, on the instant of transition, on the “trans” which evokes the moral encounter between them. When the encounter with the Other is projected onto a global stage, it becomes of utmost importance to contemplate the potential levels of “mirroring” and interaction with otherness. In this context, Mikhail Bakhtin identified three possible models that represent ways of relating with other socio-cultural networks.

The first model presents that sort of projective appropriation (“my term”) that occurs when someone, coming from what one could call culture A, projects him or herself (and his or her belief world, onto the Other). The second model is what Bakhtin defines in terms of “ventriloquist identification”, and that in many ways constitutes an approach that opposes the first model, and that happens when someone presents him/herself

ora chiama suo e che, in virtù di ciò, è così magnanimo da accogliere l’Altro. Quest’ultimo (l’Altro, lo straniero) viene perciò, secondo Derrida, accolto ma sempre alle condizioni stabilite da chi ospita, venendo infine soggetto ad attenzioni e leggi del tutto particolari: quelle stesse leggi che permettono a burocrati ed a politici ignoranti di accostare il termine “immigrato” all’aggettivo “illegale” – come se vi fosse una qualche autorità su questa terra in grado di poter ragionevolmente dichiarare un essere umano “illegale” (quando sarebbe più appropriato usare espressioni come “sans papier”, perché tanto si sta parlando solo di un pezzo di carta). Si tratta di leggi che non possono non ricordarci in maniera assai sinistra il concetto di “stato di eccezione” elaborato da Giorgio Agamben e l’importanza della differenza tra bios e zoe.

Il multiculturale, come detto, si differenzia profondamente dal transculturale, che invece – pur avendo ben chiaro un punto di partenza (una cultura di tipo A) ed uno di arrivo (una cultura di tipo B) – lungi dal considerare il fatto che (secondo parametri spesso arbitrari) un sistema di riferimento possa essere considerato “migliore” di un altro, si sofferma invece sull’istante della transizione tra questi due ambiti, sul momento del “trans”, ossia dell’incontro tra queste due culture. Nel momento in cui il confronto con l’Altro viene proiettato su un piano globale, diviene pertanto di fondamentale importanza soffermarsi su quali possano essere i vari livelli di “rispecchiamento” e di interazione con l’Altro. A questo proposito, è Mikhail Bakhtin ad individuare tre possibili modelli che rappresentano il modo di relazionarsi con altri network socio-culturali.

Il primo modello presenta una sorta di appropriazione proiettiva (non a caso viene chiamato “my term”) e si riferisce al momento in cui l’esponente della cultura A proietta se stesso e le proprie aspettative (oltre che il 11

as the mouthpiece for others, as if the individual coming from culture A were immersed in some ecstatic fusion with the Other’s voice and were speaking from the Other’s social or cultural space.

The third model is far from the extremes of the previous two approaches, avoiding the discussion of the Other and on the Other (“my term”) but also refusing to pretend a superficial subordination to the Other and the false claim to be somehow connected to his/her otherness (“ventriloquist identification”). This third attitude does not refer as much to what Bakhtin defines as “dialogic mode”, but rather to the notion of “creative understanding”. As a consequence, in order to better understand a foreign culture, rather than forgetting one’s own, one should engage in a fruitful round-trip, one whose goal is also twofold: that is, not simply reaching the understanding of one cultural milieu, but rather of two, the cultural milieu one wants to mirror and one’s own. Hence, taking advantage of the importance of being located outside the object of creative understanding (and of the fact that, in the realm of culture, outsideness is a most powerful factor), an individual should come back to his/her own culture and see it with new eyes, ask new questions, redefine it. The success of this type of approach does not lie in the simple dialogue with otherness’ products and values, but rather in the use of the understanding of another cultural reference system in order to re-think one’s own cultural reference system, one’s own constellation of values. Even if Bakhtin does not utilize the concept of “trans” as the basis of the “trans-national” and “trans-cultural”, one can hypothesize that he 12

proprio sistema morale, culturale e finanche giuridico di riferimento) sull’Altro (rappresentante della cultura B). Il secondo modello è quello che Bakhtin definisce in termini di “identificazione ventriloqua”, e che costituisce per molti versi un approccio opposto al precedente, poiché ha luogo nel momento in cui l’esponente della cultura A giunge ad una fusione talmente estatica (e superficiale) con l’alterità della cultura B da dare quasi l’impressione di parlare con la voce dell’Altro, oltre che dallo spazio culturale di quest’ultimo. Il terzo modello non incorre negli estremi dei due approcci precedenti, evitando di appropriarsi del discorso dell’Altro e sull’Altro (il “my term”) ma rinunciando anche a fingere di subordinare se stessi all’Altro e tantomeno ad avanzare la finta pretesa di essere in qualche modo a lui connessi (la “ventriloquist identification”). Questo terzo tipo di procedura più che fare capo a quello che Bakhtin definisce “approccio dialogico” si rifà invece alla nozione di “creative understanding”, traducibile in termini di “comprensione creativa”. La validità di questo modo di porsi nei confronti dell’alterità rispetto ai precedenti risiede nel fatto che nessuna delle culture coinvolte nel processo di confronto e rispecchiamento si trovi nella condizione di dover abdicare a quelle che sono le proprie specificità. Ciò che ha luogo è un viaggio di andata ma anche (e soprattutto) di ritorno, un movimento che consta di due fasi di uguale valore in cui dapprima si ha il confronto tra l’esponente della cultura A e quello della cultura B (e le sue specificità) e, in seguito, si ha il rientro presso il milieu culturale di partenza da parte di chi (dopo il succitato momento di rispecchiamento con l’alterità) torna a casa arricchito da una comprensione non superficiale dell’Altro e, a causa di ciò pone a se stesso ed al proprio sistema culturale di riferimento domande nuove. Il “creative understanding” a cui fa riferimento Bakhtin,

had in mind the same kind of attention to the moment of dialogue and in-betweenness that forms the basis of the encounter between two cultures and that is so effectively evoked by the image of “clash” that informs the ARTCLASH project.

In conclusion, going back to the trans-cultural (not multi-cultural) Florence I mentioned at the beginning of these notes, I would like to say that one cannot avoid the temptation to consider such an international (yet so aggressively and fiercely Italian) city as the ideal stage for the ultimate mirroring with the Other in the new millennium.

Florence is not one of those “non-places” that, according to Marc Augé, our postmodern age is filled with. In Florence, individuals do not avoid contact among themselves. On the contrary, perhaps because of the tortuous medieval streets of downtown, individuals are almost forced to bump into each other, to “clash”, in a way. As a consequence, in Florence the intrinsic proximity with the Other forces us to actually engage in a mirroring process with him/her, and to confront with the otherness emanating from him/her. Hence, in a 2015 in which it celebrates his past of temporary capital of Italy, Florence also emerges as a “city-lab”, a workshop of new ideas and tendencies, and the capital of a the Italy of the new millennium – an age where the Others are here, and one cannot ignore them anymore (also because, by knowing them better, one can also re-evaluate Italy’s often forgotten past as a country of immigrants). In the streets of Florence one can encounter the otherness of old and new immigrants, but also that of the many Americans, who are sometime tourists, but some-

pertanto, fornisce a chi lo pratica una conoscenza ancor più approfondita anche delle propria sfera culturale, dato che finisce con l’utilizzare la comprensione di un altro sistema di riferimenti culturali per percepire in maniera nuova e ri-pensare anche il proprio sistema di riferimento culturale, la propria costellazione di valori. Pur senza utilizzare il concetto di ‘trans’, alla base del ‘trans-nazionale’ e del ‘trans-culturale’, si può quindi ipotizzare che Bakhtin avesse in mente proprio quel tipo di attenzione al momento del dialogo e della ‘in-betweenness’ che è alla base del confronto tra due culture, e che è efficacemente evocato dall’immagine del “clash” insita in ARTCLASH. Ecco quindi che, per tornare a Firenze (e a quella Firenze trans-culturale – e non multi-culturale – che ho citato all’inizio di questi miei appunti), non si può non essere tentati dal considerare una città così internazionale, eppure così “arrogantemente” italiana (espressione forte che però vuole essere un altrettanto forte complimento, pur provenendo da un non fiorentino), il palcoscenico ideale per mettere in scena il confronto-rispecchiamento con l’Altro nel nuovo millennio. Firenze, infatti, non è uno di quei “non luoghi” di cui secondo Marc Augé la nostra postmodernità è farcita. A Firenze gli individui non si sfiorano senza toccarsi ma al contrario, forse per colpa delle strade strette e tortuose del centro, si imbattono quasi forzatamente l’uno nell’altro. Ecco quindi che a Firenze la vicinanza intrinseca dell’Altro ci costringe a metterci in gioco, a confrontarci con esso e a rispecchiarci con e nella alterità che esso emana e rappresenta. Firenze, pertanto, in un 2015 in cui si trova a celebrare il suo passato polveroso di transitoria capitale d’Italia, si candida anche ad assumere il ruolo di città-laboratorio, di nuova capitale di una nuova Italia, quella di un nuovo millennio in cui gli Altri sono qui e non si possono ignorare (anche 13

CSU California State University International Program – Firenze times immigrants as well. Here, one can also encounter the otherness of an “italiano di ritorno” like myself, that is, someone who left many years ago following the many waves of “brain drain” that affected the country, and that now is back (albeit just for one academic year), and sees Italy with new eyes. In Florence, one can essentially witness the materialization of a new frontier, and experience what Franco Cassano reminds us that happens in any place of this kind. Indeed, frontiers are spaces where human beings literally stay one in front of the other, spaces that force us to confront the Other, know him/her better and, finally, allow us to come back home with a new conscience, one that has been renewed by this encounter, by this “clash” that, in artistic terms, has given birth to the artworks visible in the next few pages.

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perché, conoscendoli meglio, si finisce con il conoscere meglio anche noi stessi, ed a dare il giusto peso al nostro ormai dimenticato passato da emigranti). Tra le strade di Firenze si consuma quindi il confronto con l’alterità degli immigrati e dei loro figli, dei cosiddetti “nuovi italiani” o “italiani di seconda generazione”, ma anche dei tanti americani che sono anche loro “extracomunitari” anche se nessuno li chiama così. A Firenze l’Altro è poi anche rappresentato da chi, come il sottoscritto, si trova ad essere un “italiano di ritorno”, uno di quei “cervelli in fuga” che ha lasciato il suo paese perché stanco delle sue contraddizioni e che ora si trova anche solo per lo spazio di un anno accademico e doverci rivivere e lo rivede con occhi nuovi. A Firenze, città metaforicamente di frontiera, accade quindi ciò che Franco Cassano ci rammenta occorre nei pressi di ogni frontiera. Luoghi in cui i paesi e gli uomini che li abitano si incontrano e si mettono (letteralmente) di fronte, le frontiere ci costringono a guardare l’altro, acquisirne conoscenza, confrontarci, capire e – in ultima istanza – anche tornare a casa con una coscienza nuova e rinnovata da questo incontro-scontro, da questo “clash” che, in termini di espressione artistica, ha dato vita alla serie di opere mostrate nelle pagine che seguono di questo catalogo..

The California State University International Program in Florence, founded in 1966, will celebrate its fiftieth anniversary in 2016. In its early years it was housed in Fiesole, above Florence, in the Badia Fiesolana. Later, the program moved to Piazza Independenza, first in a building on one side of the piazza and later on the other. In 1996, the Program moved again, this time to its present location on Via. G. Leopardi. The CSU Program currently occupies two floors of a nineteenth century palazzo situated near Piazza Beccaria, on the edge of the historical center, about a 15 minute walk from the Duomo. Each year a faculty member from one of the CSU campuses is chosen to direct the program and provide a link between the students in Italy and the home institutions (the Resident Director).

Otherwise, a permanent staff takes care of student and financial needs. The faculty, all local residents and mostly Italian, are well qualified professionals in their respective areas and are drawn from local universities and academies, where many of them teach. CSU faculty in Florence, like their counterparts in America, research in their fields and publish books and articles.

Several are internationally known. Likewise, alumni of the program have made successful careers in their chosen fields and many have become prominent.

Many alumni look back on their year in Florence as one of the most exciting of their lives.

Il programma della Csuip a Firenze è stato fondato nel lontano 1966 e si appresta a celebrare il suo cinquantesimo anniversario nel 2016. Nei primi anni risiedeva a Fiesole, poco sopra Firenze, presso la Badia Fiesolana.

Più tardi si è spostato in Piazza Indipendenza, prima in un palazzo su un lato della piazza e in seguito in uno dall’altro lato. Dal 1996, il programma si trasferito di nuovo nell’attuale sede, situata vicino a Piazza Beccaria, in un palazzo ottocentesco occupandone due livelli. Il palazzo è bellissimo e si trova in pieno centro, a soli 15 minuti da piazza Duomo. Ogni anno, un membro di una delle facoltà dei vari campus della CSU viene scelto per dirigere il programma e fungere da legame fra la casa madre in California e gli studenti in Italia in veste di Resident Director, per tutti gli altri aspetti il programma viene curato (incluso l’aspetto finanziario) da uno staff permanente.

Circa un centinaio di studenti provenienti dai 23 campus della casa madre in California frequentano i corsi annuali nella nostra sede di Firenze (da settembre a maggio). Il corpo insegnante, tutti residenti di cui la maggior parte italiani, è altamente qualificato nelle proprie aree di competenza; la loro formazione deriva dalle varie Università e Accademie locali, presso le quali la maggior parte di loro lavora. Gli insegnanti della CSU a Firenze (come del resto i corrispettivi colleghi in America) compiono ricerche nelle loro aree di studio e pubblicano vari libri e articoli. La fama di alcuni di loro è celebre anche a livello internazionale. Allo stesso modo, molti ex alunni che hanno frequentato il programma di Firenze, hanno intrapreso carriere di successo nei rispettivi campi professionali e, tra questi, alcuni con brillanti risultati. Molti di questi ex alunni descrivono ancora l’anno trascorso a Firenze come una delle esperienze più significative della loro vita.

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LdM Lorenzo de’ Medici The Italian International Institute In 2013 Istituto Lorenzo de’ Medici (LdM) celebrated a major milestone: 40 years of offering international higher-education in Italy. Forty-two years of experience have made LdM one of the most distinctive and well-established study abroad institutions in Europe.

LdM prides itself on offering academic and professionally-oriented courses designed to complement a variety of study abroad programs as well as enrich students’ knowledge, education and skills. Students can choose from over 400 different courses in 34 subject areas, which are taught in English at LdM’s three locations: Florence, Rome, and Tuscania. Courses fall under four main academic divisions: Arts and Sciences, Creative Arts, Design, and Italian Language and Culture.

Lorenzo de’ Medici is committed to delivering a highquality international learning experience through which students advance along their formal educational paths, develop their creativity, realize their own potential, and empower themselves to impact the world around them. Experiential learning is LdM’s main tool to foster students’ future professional development.

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Nel 2013 L’Istituto Lorenzo de’ Medici (LdM) ha festeggiato una tappa di grande importanza: quaranta anni di attività nell’offerta di istruzione di alto livello in Italia. Quarantadue anni di esperienza hanno fatto dell’Istituto Lorenzo de’ Medici la più prestigiosa e affermata istituzione per lo studio all’estero in Europa.

L’Istituto si pregia di offrire corsi accademici e orientati verso il mondo del lavoro, mirati ad arricchire la preparazione universitaria e culturale degli studenti, nonché a svilupparne i potenziali talenti e abilità.

Gli studenti possono scegliere fra oltre quattrocento corsi suddivisi in trentaquattro aree di interesse, condotti in lingua inglese ed offerti nelle tre sedi principali dell’Istituto: Firenze, Roma e Tuscania. I corsi sono suddivisi in quattro sezioni principali: Arte e Scienze, Belle Arti, Design, Lingua e Cultura Italiana.

L’Istituto Lorenzo de’ Medici si impegna così a fornire un’esperienza di apprendimento internazionale di alta qualità, attraverso la quale gli studenti arricchiscono i propri percorsi formativi e culturali, sviluppano la propria creatività, prendono consapevolezza delle proprie potenzialità per affrontare la sfida con il mondo che li circonda. Il taglio sperimentale dell’offerta formativa dell’Istituto è, infatti, lo strumento più efficace per favorire il futuro sviluppo professionale degli studenti.

Museum of Contemporary Art – Florina, Greece The artistic movement in the Florina region is a particular phenomenon, since this area has given birth to a large number of artists in comparison to its population. This phenomenon has its roots to the traditional iconography and the folk and decorative art, dating back to the years of the Ottoman occupation. This tradition continued through the house decoration with mural paintings, wallpapers and works of art in the first half of the 20th century.

The presence of pictorial arts in the post-war years is enhanced by the activity of various Associations. Besides the self-taught painters, many of whom show a remarkable personal style, artists from Florina enter the Fine Arts School in Athens. The presence of artists with an academic background results in the production of an artistic work that follows contemporary trends.

The artistic movement in the city of Florina, follows a dynamic course. Parallel to the artists that live and work today in Florina, many young students attend Fine Arts Schools in Greece and abroad. The founding of the department of Plastic and Applied Arts at the University of West Macedonia is a perspective that will invigorate even more the artistic movement in the area and is the natural evolution of the region’s most characteristic function, the plastic arts. It was this interest in fine arts that lead to the founding of the Association “Florina’s Shelter of Art Lovers”, in 1975.The Association was the one to establish the Museum of Contemporary Art in 1977 and the Florina Artists’ Gallery in 1985.

The Museum of Contemporary Art incorporates a remarkable collection of 500 paintings, sculptures and engravings, mostly by artists from Greece and also from abroad.The works of art date back to the 30s up to today.

In their majority, they come from the three last decades

Il movimento artistico nella regione di Florina è un fenomeno particolare, specialmente perchè questa zona ha dato i natali a un alta percentuale di artisti, specie se messa a confronto con il numero degli abitanti. Questo fenomeno attinge le sue radici nell’ iconografia tradizionale e nell’ arte e il folklore che risalgono agli anni dall’ occupazione Ottomanna. Questa tradizione è stata tramandata attraverso le decorazioni e la pittura murale delle abitazioni, le decorazioni sulla carta da parati e i vari lavori artistici della prima metà del XX secolo.

La presenza dell’arte pittorica degli anni del dopoguerra si è intensificata con le attività di varie associazioni. Al di là dei pittori autodidatti, di cui molti dimostrano uno spiccato stile personale, gli artisti di Florina provengono dalla scuola di Belle Arti di Atene.

La presenza di artisti con un background accademico risulta essere presente nella produzione di un lavoro artistico che segue correnti contemporanee.

Il movimento artistico nella città di Florina, segue un percorso dinamico.

Parallelamente agli artisti che vivono e lavorano oggi a Florina, molti giovani studenti seguono corsi alla scuola di Belle Arti in Grecia e all’ estero.

I fondi stanziati dal dipartimento di Arti applicate e Creative dell’ università della Macedonia Occidentale è una prospettiva che incentiverà ancora di più il movimento artistico di questa zona, esaltandone maggiormente la funzione caratteristica che rappresenta la naturale evoluzione delle arti creative. È dovuto proprio all’ interesse per le Belle Arti se nel 1975 è stata fondata l’associazione a sostegno degli “appassinati di belle arti di Florina”. È stata questa associazione che ha creato il Museo di arte contemporanea nel 1977 e la galleria artistica di Florina nel 1985.

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and are representative of the trends and quests recorded in the Greek art of the 20th century. Such artists are: Giorgos Zoggolopoulos, Vlassis Kaniaris, Kostas Koulentianos, Giannis Moralis, Dimitris Mytaras, Iasonas Molfesis, Alkis Pierrakos, Polykleitos Regos, Panagiotis Tetsis, Kostas Tsoklis, Alekos Fassianos, Nikos Hatzikyriakos-Ghikas etc. The Museum, housed until today in various buildings, will move this year to its permanent shelter, the Exarhou Building.

The collection is exhibited in parts, whilst frequently the new acquisitions are presented to the public. The Museum in cooperation with established artistic centres (National Gallery of Greece, Goethe Institut, Institute Francaise etc) presents periodical thematic exhibitions, along with private or group exhibitions of renowned artists and new auteurs that form innovative and experimental proposals of artistic expression.

The educational and research orientation is of great importance to the Museum (educational programmes, artistic library, records and news clippings of the artistic events within Greece, records of artist whose works belong to the Museum collection). The Museum also organizes conferences and lectures, in collaboration with other cultural and educational organisations.

The Florina Artists’ Gallery was founded aiming in highlighting the work of the city’s artistic potential, thus promoting the particularity of its artistic creation.The Gallery is housed since 1992 in a listed building of the National Railway Organisation (1931), at the end of the railway line.

The collection consists of more than 150 works of art by 40 Florina’s artists, dated back from 1920 until today.

Florina is one of the four prefectures that consist the Region of Western Macedonia. The neighbouring Former Yugoslav Republic of Macedonia defines its northern borders and Albania its western ones.The lake of Great Prespa is the point where the three countries meet, the “Triethnes”. The area of the Prefecture is 1.924 sq.km. It is located at 650 metres above sea level (which reaches 18

Il museo di arte contemporanea contiene un’importante collezione di pitture del 500, sculture e incisioni, in gran parte di artisti greci e artisti provenienti dall’estero.

Le opere artistiche partono dagli anni trenta fino ad oggi. La maggioranza risale agli utlimi tre decenni ed è emblematica delle tendenze e delle ricerche che fanno parte della cultura greca del XX secolo.

Tali artisti sono: Giorgos Zoggolopoulos, Vlassis Kaniaris, Kostas Koulentianos, Gianni Moralis, Dinitris Mytaras, Iasonas Molfesis, Alkis Pierrakos, Polykleitos Regos, Panagiotis Tetsis, Kostas Tsoklis, Alekos Fassianos, Nikos Hatzikyriakos-Ghikas etc. Il museo ospitato fino ad oggi in vari edifici, si sposterà quest’anno nella sua sede permanente del Palazzo di Exarhou. La collezione viene esibita non integralmente, ma divisa in parti, mentre più abitualmente le nuove acquisizioni vengono presentate tutte al pubblico. Il museo in collaborazione con affermati centri artistici (La Galleria Nazionale Greca, l’Istituto Goethe, l’Istituto Francese) presenta periodiche mostre a tema, insieme a mostre private o di un gruppo di rinomati artisti e nuovi autori che propongono espressioni artistiche innovative e sperimentali.

L’ impronta investigativa ed educativa è di grande rilievo per il Museo (programmi educativi, biblioteche artistiche, testimonianze e ritagli di eventi artistici all’interno della regione greca, testomonianze di artisti i cui lavori appartengono alla collezione del museo). Il museo organizza inoltre conferenze e congressi in collaborazione con altri enti culturali.

La galleria artistica di Florina è stata creata puntando sul mettere in evidenza il potenziale artistico della città, pur continuando a promuovere la peculiarità delle sue creazioni artistiche. La galleria è ospitata dal 1992 in un fabbricato della compagnia ferroviaria nazionale, alla fine dei binari del terminal ferroviario.

La collezione consiste in una raccolta di 150 lavori, di circa 40 artisti nativi di Florina, che parte dal 1920 fino ad oggi. Florina è una delle aree che consiste nella regio-

2.524 metres at the top of Mount Voras) and has 54.768 inhabitants.

The geomorphological aspect of the area is shaped mainly by the grand massifs, which divide the region into mountainous, semi-mountainous and plain zones. The unique presence of the water element in the form of six lakes, justifies the characterization “Florina of Lakes”.

The climate is purely mild continental, with distinctively cold winters.

This sense of a closed and remote inland protects a number of uniquenesses that are enriched and differentiated through the geographical and historical function of the interconnecting roads. The great number of monuments rescued in the region date back to all the historical periods. The way one sees them depends on the optic angle they are approached by.The historical Via Egnatia shapes an “open” environment, which coexists with the “closed” geographical area of the Prespa Hermitages. At the same level, although the main occupation of the people is agriculture and stock farming, their cultural and educational activation reached a completely different level, due to their commercial activities and immigration.

The large number of auteurs who were occupied, or even now practice the arts of painting, literature and music, is mainly defined by the creative presence of more than fifty artists, painters and sculptors, that shape, in proportion with the population count, the “Florina of Artists”.

ne della Macedonia Occidentale. La precedente vicina repubblica yugoslava della Macedonia definisce i suoi confini settentrionali e l’Albania i suoi confini meridionali.

Il lago di Great Prespa è il punto d’ incontro tra i tre paesi e le “tre etnie”. Questa area di incontro si estende per 1924 metri quadrati. E situata a 650 metri sul livello del mare (e raggiunge i 2.524 metri sul monte Voras) con 54.768 abitanti. L’ aspetto geomorfologico di questa zona è modellato prevalentemente dai grandi massicci che dividono il territorio in regioni montuose semi-montuose e pianeggianti. La presenza eccezionale dell’ acqua che prende forma in sei laghi, giustifica la nomenclatura della zona chiamata “Florina dei Laghi”.

Il clima è temperato continentale e giustifica la presenza di inverni freddi. La sensazione che si percepisce, di un entroterra chiuso e distante, protegge un gran numero di unicità che vengono arricchite e differenziate attraverso la funzione storico geografica della fitta rete di comunicazione stradale. I vari monumenti rinvenuti in questa regione risalgono a tutti i periodi storici.

Il modo di guardarle, dipende da quale prospettiva ci si avvicina loro. La storica via Egnatia si sviluppa in uno spazio aperto, che si integra perfettamente con la chiusa area geografica del Prespa Hermitages. Allo stesso tempo, sebbene la principale occupazione degli abitanti della zona sia l’agricoltura e l’allevamento, il loro grado di istruzione e la loro formazione culturale ha raggiunto un livello soddisfacente, grazie al fenomeno dell’immigrazione e grazie alle loro attività commerciale. Il generoso numero di aristi che hanno trovato lavoro, o perlomeno che oggi hanno l’occasione di manifestare la loro arte nella pittura, nella letteratura e nella musica, si può quantificare in una presenza artistica di più di 50 professionisti, tra pittori, scultori che si integrano in maniera omogenea con la popolazione, dando vita agli “Artisti di Florina”.

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Accademia di Belle Arti di Firenze Dates and personalities which, over the centuries have given life to this institution, underline the historical relevance of the FineArts Academy of Florence. The Academy’s origins date back to the city’s first corporate organizations for arts and trades.The Company of San Luca, or the Painters’ Company, founded in 1339, must be considered the first that would eventually give rise to the Academy. Then, in 1562, under the protection of Cosimo I de’ Medici, the Vasariana Academy of Arts and Drawing was developed. The Vasariana then went onto become universally recognized as one of the first European institutions to place among its duties the brotherhood of eminent artists, the management and safeguarding of Tuscany’s cultural heritage, and, even more important, the teaching of arts and sciences.Thus marked the birth of the concept of the Modern Academy. Cosimo I e Michelangelo were elected unanimously as the heads of the Academy, and the following year, the Academy dedicated memorable funeral rites to Michelangelo.

This is a cultural institute of great historic-artistic value, which, between the 16th and 17th centuries, saw among its members famous individuals such as Vasari, Bronzino, Ammannati, Giambologna, Sansovino and Cellini. Furthermore, the young student, Galileo Galilei should also be listed among the proponents of this scientific learning linked to the new artist-intellectual concept. In 1597, the Academy adopted the threegarland emblem still used today: the entwined oak, laurel and olive, with the motto, “Raise our intellect from the earth to the sky:” Pietro Leopoldo I of Lorena, the grand duke of Tuscany, sought to facilitate the European modernization of this Florentine institution.

In 1784, he reorganized the Academy, neoclassically 20

L’importanza storica dell’Accademia di Belle Arti di Firenze è sottolineata dalle datazioni e dai personaggi che nel corso dei secoli hanno dato vita a questa istituzione. Le sue origini risalgono alle prime organizzazioni corporative dei mestieri della città; la Compagnia di San Luca o dei pittori nata nel 1339 è da considerarsi infatti il primo nucleo dal quale nel 1562, sotto la protezione di Cosimo I dei Medici, si sviluppò la Vasariana Accademia delle Arti del Disegno, universalmente riconosciuta come una delle prime istituzioni europee che poneva fra i suoi compiti, accanto a quello di confraternita di eminenti artisti ai quali era demandato il governo e la tutela del patrimonio culturale della Toscana, anche quello dell’insegnamento delle arti e delle scienze,segnando così l’inizio del moderno concetto di Accademia. A capo dell’Accademia furono per votazione unanime solennemente designati Cosimo I e il “divino” Michelangelo, al quale l’anno successivo l’Accademia stessa dedicò memorabili esequie. Un istituto culturale di grande valore storico-artistico quindi, che vide fra il Cinque e Seicento fra i suoi membri personaggi quali Vasari, Bronzino, Ammannati, Sansovino, Giambologna, Celiini... e fra gli allievi di quell’insegnamento scientifico legato al nuovo concetto di artista-intellettuale, il grande Galileo Galilei. Nel 1597 l’Accademia adottò ‘’l’impresa’’ che ancor oggi conserva costituita da tre ghirlande, di quercia, di alloro e di ulivo intrecciate insieme, con il motto “Levan di terra in ciel nostro intelletto”. La grande modernizzazione europea di questa Istituzione fiorentina fu voluta dal Granduca di Toscana Pietro Leopoldo I di Lorena il quale nel 1784 riorganizzò l’Accademia, neoclassicamente ribattezzata Accademia delle Belle Arti, dandole il carattere di istituto di

renaming this institution. “Academy of Fine Arts” and making it a public and free institute of artistic education. During that time in Florence, the union of modernization and the principles of Enlightenment, including the neoclassical canons of teaching promoted by Raffaello Mengs, brought about both the promotion of developing “excellent artists” and the re-evaluation of Tuscan artistic manufacturing. Young students of the new Academy, enriched by a cultural base firmly grounded on the classic Renaissance tradition of Tuscany, were then left with the task of developing, in a neo-classical/aesthetic sense, the aesthetic concepts of taste, decorum and glory, as well as the national economy. Disciplines were defined as Painting, Sculpture, Architecture, and “Grotesque” (a term shortly changed thereafter to Decoration, copper Intaglio).

They were furthermore enriched by the availability of tools required for these types of lessons as well as a collection of examples of ancient and modern works of art, now on display in the Gallery of the Academy and the Modern Art Gallery in The Pitti Palace. To support the teaching, an art gallery was set up within the Institute along with a collection of statues, plaster originals (among them the “Rape of the Sabines” by Giambologna, today on display at the Academy Museum), casts, such as “The Gods of the Parthenon” sent to Florence by Canova and the “Barberini Faun” acquired directly from the ancient Roman workshop of the famous Cavaceppi, and a rich library with a vast collection of rare editions and prints.

Awards, exhibitions and housing to allow young students to study in Rome and other Italian cities were also established.The Leopoldina Academy was founded in the ex-”hospital” of San Matteo in Piazza San

istruzione artistica pubblico e gratuito che unendo i principi illuministi con i canoni della precettistica neoclassica promossi da Raffaello Mengs, in quegli anni a Firenze, coniugò la volontà di favorire la nascita di “eccellenti artisti” con la finalità di agevolare la rivalutazione delle manifatture artistiche toscane. Ai giovani allievi della nuova Accademia, uniti in una base culturale che facendo perno sull’antico non doveva dimenticare la grande tradizione rinascimentale toscana, era demandato quindi il compito di innalzare esteticamente, in senso neoclassico, il gusto, il decoro, la gloria e l’economia nazionale. Si definirono così le materie di insegnamento (Pittura, Scultura, Architettura, “Grottesco” termine ben presto cambiato in Ornato, Intaglio in rame), si arricchì la dotazione degli strumenti necessari a questi insegnamenti affiancando all’Istituto una raccolta di esempi dell’arte antica e moderna, oggi confluiti nella Galleria dell’Accademia e nella Galleria d’Arte Moderna di Palazzo Pitti. A corredo della didattica furono infatti allestite, all’interno degli spazi dell’Istituto, una Pinacoteca, una Raccolta di statue e di gessi originali, quale il Ratto delle Sabine di Giambologna oggi al Museo dell’Accademia, e di calchi, fra i quali ricordiamo le Divinità del Partenone fatte pervenire a Firenze per volontà di Canova o il Fauno Barberini direttamente acquisito dalla romana bottega antiquaria dei famosi Cavaceppi, ed una ricca Biblioteca con una vasta raccolta di edizioni e di stampe rare. Si istituirono premi, esposizioni e “pensionati” che permettessero ai giovani allievi di studiare a Roma o in altre città italiane. L’Accademia Leopoldina fu stabilita nell’ex “spedale” di San Matteo sulla piazza San Marco, dove ancora oggi ha sede, adeguatamente ristrutturato dall’architetto Gasparo Maria Paoletti, pri21

Marco – where it still remains today – remodeled by Gasparo Maria Paoletti, the first professor of architecture at the Academy.With the arrival of the Napoleonic statute of 1811, the Academy was further enriched by a School of Music and Theater and a Conservatory of Arts and Crafts, respectively the second and third classes at the Academy. These additions were housed in the convent of Santa Caterina, which was adapted to these new functions by Giuseppe Rosso.These two “classes” would subsequently give life, after 1850, to the autonomous Conservatory of Music and the Technical Institute. The Academy, between the 18th and 19th centuries was both a guide and a model of artwork in more than just Tuscany and benefited from the presence of more traditionally inspired individuals, such as Pietro Benvenuti, Lorenzo Bartolini, Raphael Morghen and Giovanni Dupré, as well as that of young students, supporters of revolutionary movements of the time, the Macchiaioli, such as Cecioni, Signorini, Lega and Giovanni Fattori, then chair of the Scuola Libera del Nudo of the Academy. Among those foreign individuals honored as academic professors at R. Accademia di Belle Arti di Firenze (Fine Arts Academy of Florence) are David, Ingres,Vernet, Overbech, Powers. The Academy of the 20th century was regulated by a law of 1923 containing a reform made

by Gentile, by which a new order was given to artistic education: the separation of Architecture in 1927 and the institution of Special Courses in 1970. Among the number of Masters who taught at the Academy are Felice Carena, Galileo Chini, Giuseppe Graziosi, the Romanelli, Ottone Rosai, Primo Conti, Ugo Capocchini, Gastone Breddo, Oscar Gallo, Antonio Berti, Quinto Ghermanti, Quinto Martini, Pericle Fazzini 22

mo professore di architettura dell’Accademia stessa.

Con lo statuto Napoleonico del 1811, l’Accademia si arricchì di una Scuola di Musica e Declamazione e di un Conservatorio di Arti e Mestieri, rispettivamente seconda e terza classe dell’Accademia, che trovarono posto nell’ex convento di Santa Caterina sulla stessa piazza San Marco, all’angolo con via degli Arazzieri, adattato alle nuove funzioni dall’architetto Giuseppe del Rosso. Queste due “classi” daranno vita, dopo il 1850, rispettivamente al Conservatorio di Musica e all’Istituto Tecnico che troveranno ubicazione in altre sedi e si daranno una organizzazione autonoma.

L’Accademia fra Settecento e Ottocento fu guida ed esempio alle arti non solo della Toscana e vide operare al suo interno sia i sostenitori della grande tradizione quali Pietro Benvenuti, Lorenzo Bartolini, Raffaello Morghen, Giovanni Duprè... sia i giovani allievi sostenitori dei rivoluzionari movimenti del tempo quali i Macchiaioli come Cecioni, Signorini, Lega e Giovanni Fattori che tenne poi la cattedra di Nudo all’Accademia stessa. Fra i professori esteri onorati di essere ascritti come professori accademici alla R. Accademia di Belle Arti di Firenze troviamo personaggi come David, Ingres, Vernet, Overbech, Powers.

L’Accademia del Novecento a lungo regolamentata da una legge del 1923, che all’interno della riforma Gentile dava nuovo ordine all’istruzione artistica, vide il distacco di Architettura nel 1927 e l’istituzione dei Corsi Speciali nel 1970. Essa ha annoverato maestri quali Felice Carena, Galileo Chini, Giuseppe Graziosi, i Romanelli, Ottone Rosai, Primo Conti, Ugo Capocchini, Gastone Breddo, Oscar Gallo, Antonio Berti, Quinto Ghermanti, Quinto Martini, Pericle Fazzini, Rodolfo Margheri. Oggi con l’istituzione dei Corsi di

and Rodolfo Margheri. Today, with the establishment of Specialized Courses and the consequent distinction between Ist and IInd level Diplomas, the Academy is structured according to a university style of study. In this context, teachers, in light of the diversification of trends, contribute to the conservation of the high level of artistic teaching that has historically distinguished the Accademia di Belle Arti di Firenze.

Specializzazione e la conseguente distinzione tra Diploma di I e Il livello, l’Accademia si orienta secondo un percorso di studi di tipo universitario. In questo contesto i docenti, pur nella diversificazione delle tendenze, contribuiscono con il loro valore a conservare l’alto livello nel campo della didattica artistica che ha sempre storicamente distinto l’Accademia di Belle Arti di Firenze.

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Department of Fine and Applied Arts University of Western Macedonia, Greece The School of Fine and Applied Arts, University of Western Macedonia, Florina, was founded in 2006. It is a School that aims in the teaching of both expressions of visual arts (Fine and Applied) on an equivalent level, educating young artists in a broad variety of skills.The School focuses in the theoretical framework of contemporary art and achieves that with workshops, visiting artists, travels in Greece and abroad. It is situated in Florina, Western Macedonia a city with a strong tradition in the visual arts in the middle of a majestic natural landscape.

L’Accademia di Belle Arti e Arti Applicate, Università di Macedonia Occidentale, Florina, è stata fondata in 2006. È un’Accademia che mira sia all’insegnamento delle belle arti che a quello delle arti applicate, dando importanza a ambedue.Vuole istruire giovani artisti cosicchè acquisiscano una grande varietà di abilità. L’Accademia da enfasi alla importanza teorica all’interno dell’arte contemporanea attraverso workshops, artisti in visita, viaggi in Grecia e all’estero. L’Accademia ha sede a Florina, una città con delle forti tradizioni nelle arti visive, situata nella parte occidentale della Macedonia in mezzo ad un paesaggio naturale e maestoso.

Fondazione Il Bisonte – per lo studio dell’arte grafica The Il Bisonte Foundation was established in order to preserve and to teach traditional printmaking techniques, promoting the taste for printmaking and art prints and contributing to study and research in this field.The school has inherited the tradition of the printworkshop of the same name, which was founded in 1959 and is housed in the picturesque and antique former stables of Palazzo Serristori in San Niccolò, one of the Oltrarno’s most picturesque and lively neighbourhoods. Following the 1966 Arno flood, which caused serious damage of the business, a series of international ties were forged, which were to last many years. Henry Moore, Alexander Calder, Jacques Lipchitz, Sebastian Matta, Graham Sutherland, Rufino Tamayo and Pablo Picasso were invited to work at Il Bisonte, using the ancient star-wheel presses now available for student use. In more recent times they were followed by Folon, Annigoni, Guttuso, Pomodoro and many others.

The objective of our courses is to impart to our students a command of art that combines “know how” with talent, in a manner which allows them to utilize both their craftsmanship as well as their artistic gift.

The constant contact with students means that teaching can be tailored to suit individual needs and levels of proficiency, whilst working within a clearly defined and tightly organised annual programme. The teachers will help the students to refine their “tool-box” so to have the maximum freedom in expression thanks to a secure and experienced knowledge of the printmaking techniques. The teaching method is based on practical work, where the key theoretical notions are immediately rendered concrete in the form of precise movements and technical processes executed by

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La fondazione Il Bisonte è stata istituita al fine di mantenere in vita ed insegnare tutte le tecniche di stampa tradizionali, promuovendo il gusto per la stampa d’arte e contribuendo allo studio e alla ricerca in questo campo. La scuola ha ereditato la tradizione della stamperia omonima, fondata nel 1959 ed ha sede nelle antiche e suggestive ex scuderie di Palazzo Serristori a San Niccolò, uno dei rioni più pittoreschi e vivaci dell’Oltrarno. Dopo l’alluvione del 1966, che causò gravi danni all’attività della Stamperia Il Bisonte, presero avvio una serie di collaborazioni internazionali destinate a durare nel tempo. Sugli antichi torchi a stella, oggi a disposizione degli allievi, furono invitati a lavorare Henry Moore, Alexander Calder, Jacques Lipchitz, Sebastian Matta, Graham Sutherland, Rufino Tamayo e Pablo Picasso e, in tempi più recenti Folon, Annigoni, Guttuso, Pomodoro e molti altri.

Obiettivo dei corsi è quello di insegnare ai nostri studenti la padronanza di un’arte che sia l’unione del “saper fare” con il talento, in modo da poter mettere le virtù artigianali al servizio delle doti di artista. L’insegnamento è calibrato per soddisfare le esigenze ed i livelli di formazione individuali, pur nell’ambito di un programma annuale che ha una sua ben precisa e organica articolazione. Gli insegnanti aiutano gli studenti a sviluppare il linguaggio incisorio nei suoi valori autonomi, offrendo loro la possibilità di conseguire, insieme alla padronanza del mezzo tecnico, una più completa libertà espressiva. La metodologia didattica applicata è quella del laboratorio pratico, dove le nozioni teoriche essenziali si traducono immediatamente in gesti e processi tecnici concreti, eseguiti dall’allievo sotto il diretto controllo del docente, 25

Harding University Program in Florence students under the direct supervision of the teacher, as used to happen in the Renaissance workshops.The teaching can be tailored to suit individual needs and levels of proficiency.The aim is to explore the real expressive possibilities of printmaking, gearing them into the personal creative needs of individual students.

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come avveniva nelle botteghe d’arte rinascimentali.

L’insegnamento può essere personalizzato in base alle esigenze e livelli di competenza individuali. L’intento è quello di sviluppare le reali capacità espressive dell’incisione, finalizzandole alle personali esigenze creative dei singoli partecipanti.

Harding University is a private Christian University whose main campus is in Searcy, Arkansas. Over the years, the university’s promotion of the importance of studying abroad is evidenced by its many International Programs offered to its students. The first of these programs started in Florence, Italy. While the main campus of Harding University in Florence (also known as HUF) is a villa located in the hills above Scandicci, the program takes its name from the emphasis that is placed on the history and culture of Florence. As the onsite portion of their Humanities course, the students visit together as a group the Uffizi, the Pitti Palace, the Accademia, the Brancacci Chapel, the Bargello, and many other museums and churches in the city. One of the goals of HUF is for our students to get to know, love, and appreciate this beautiful city during their time here. In order to encourage this, they are also offered several different optional activities such as horse-back riding, cooking school, attending a Fiorentina match, ceramics class, as well as various service projects including teaching English at the local children’s library, feeding the homeless, and cleaning up trash and graffiti in Florence.

HUF students are required to take certain core courses during their two and a half month study period in Italy, including Humanities, Bible, and Italian, however they also have various electives to choose from, including but not limited to Speech, Introduction to European Studies, and Photography. In all the courses offered, the professor strives to integrate Italian cultural and historical aspects, making their experience here unique and memorable.

La Harding University è un’università privata cristiana il cui campus principale si trova a Sercy, Arkansas.

Negli anni, l’università ha evidenziato l’importanza dello studio all’estero e ciò è testimoniato dai molti programmi internazionali che offre ai suoi studenti. Il primo di questi programmi ha avuto inizio a Firenze, in Italia. Sebbene il campus della Harding University sia in una villa situata sulle colline di Scandicci, il programma si ispira alla storia e alla cultura di Firenze e quindi ha preso il nome di Harding University Florence (HUF). Durante il loro corso di Humanities, gli studenti visitano la Galleria degli Uffizi, Palazzo Pitti, la Galleria dell’Accademia, la Cappella Brancacci, il Museo del Bargello e molti altri musei e chiese della città.

Uno degli scopi principali del programma di HUF è quello di portare gli studenti ad amare ed apprezzare la bellezza della città di Firenze nel corso della loro permanenza. Per incoraggiare tutto ciò, vengono offerte molte altre attività (a discrezione dello studente) come per esempio equitazione, lezioni di cucina, sport, classi di ceramica, ed altri tipi di progetti fra i quali insegnare inglese ai bambini, dar da mangiare ai senzatetto, e partecipare ad iniziativa di riqualificazione ambientale della città di Firenze. Durante i due mesi e mezzo di permanenza in Italia, agli studenti di HUF, è richiesta la frequenza obbligatoria di alcuni corsi (tra cui materie umanistiche, lingua italiana e studio della Bibbia), e quella facoltativa di altri (tra cui retorica, introduzione agli studi europei e fotografia).

Tutti i corsi offerti sono impreziositi dal legame con la storia e la cultura italiana, facendo in modo che l’esperienza degli studenti che seguono il programma sia davvero unica e memorabile.

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Kent State University Florence Program Kent State University has been educating students in Florence for more than 40 years. Home to the program is the Palazzo dei Cerchi, a renovated 13thcentury palace in the very heart of the city with the remarkable combination of medieval frescos and wireless Internet. Our campus also includes Palazzo Bartolini Baldelli, on the corner of Via dei Benci and Piazza Santa Croce, where a classroom balcony overlooks the historic Basilica of Santa Croce, burial site of Galileo and Michelangelo. Comprehensive orientations before the students leave the States and when they arrive in Italy prepare them for life in Florence.

KSU Florence staff is in Florence to get the students settled and is available all semester to help with everything from a medical emergency to a restaurant recommendation. KSU Florence Faculty provides an outstanding education in the classroom and out, capitalizing on the Florentine setting with city walks, museum visits, and field trips. Kent State Florence offers a wide selection of courses in various subject areas, along with all levels of Italian language. Students live and study in one of the most beautiful and historic cities on earth, walking the same stone streets Michelangelo, Galileo, and Dante walked. Classes are from Mondays through Thursdays and students have long weekends to explore Europe. Kent State University Florence students share a daily routine with local residents and begin to understand life through the lens of another culture. Being exposed to diverse ways of life and facing the challenges of cross-cultural communication are essential to becoming a global citizen, which is so important in today’s highly interdependent political and economic systems. Students who study abroad learn about themselves as they learn about 28

Kent State University accoglie studenti a Firenze da più di 40 anni. Sede del programma è Palazzo dei Cerchi, un palazzo del tredicesimo secolo completamente ristrutturato, nel cuore della città, con la combinazione eccezionale di affreschi medievali e di rete wireless. Il nostro campus include anche Palazzo Bartolini Baldelli, all’angolo tra via dei Benci e Piazza Santa Croce, dove un’aula è dotata di un balcone che si affaccia sulla storica Basilica di Santa Croce, luogo di sepoltura di Michelangelo e Galileo. Orientations molto esaustive preparano gli studenti alla vita a Firenze, sia prima di lasciare gli Stati Uniti che quando arrivano in Italia. Lo staff di KSU Florence è a Firenze per aiutare i ragazzi a sistemarsi ed è disponibile per l’intero semestre a fornire assistenza su qualsiasi cosa, da un’urgenza medica ad un consiglio su un ristorante.

Il corpo professori di KSU Florence offre un’educazione di qualità sia dentro che fuori dalla classe, sfruttando al massimo il contesto fiorentino con passeggiate per la città, visite ai musei e gite. Kent State University offre una grande varietà di corsi in varie materie, insieme a corsi di italiano di ogni livello.

Gli studenti vivono e studiano in una delle città più belle e antiche del mondo, e camminano sulle stesse strade lastricate su cui hanno camminato anche Michelangelo, Galileo e Dante. I corsi vanno dal lunedì al giovedì, e gli studenti hanno fine settimana lunghi per esplorare l’Europa. Gli studenti della Kent State University Florence condividono l’esperienza quotidiana con le persone del posto e iniziano a guardare il mondo attraverso le lenti di un’altra cultura. Essere esposti a un diverso stile di vita e imbattersi nelle sfide della comunicazione interculturale sono fattori essenziali per diventare cittadini del mondo, elemento distintivo negli odierni sistemi

the world. Many find new directions and passions, and form lifelong friendships. Study abroad gives students an edge on the job hunt. It distinguishes them as adventurous, creative, flexible and adaptable – all traits employers look for.

A recent study found that students who studied abroad landed jobs in their fields sooner, and earned higher starting salaries than students who did not. Effective communication across cultures has become critical in all professions, and background in this area is crucial.

politici ed economici, sempre più interdipendenti tra di loro. Gli studenti dei programmi all’estero imparano tanto di se stessi quanto del mondo. Molti scoprono nuove strade e nuove passioni, e coltivano amicizie che durano per la vita. Studiare all’estero avvantaggia gli studenti nella ricerca del lavoro, contraddistinguendoli come avventurosi, creativi, flessibili e adattabili – tutte qualità che i datori di lavoro cercano.

Un recente studio ha evidenziato che gli studenti che studiano all’estero raggiungono occupazioni nel proprio settore più velocemente e con compensi iniziali più elevati rispetto agli altri. Una efficace comunicazione interculturale è diventata fondamentale in tutte le professioni; averne fatto esperienza è un importante tratto distintivo.

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Libera Accademia of Belle Arti di Firenze The Liberal Academy of Fine Arts of Florence, independent body of L.A.B.A. of Brescia, legally recognized by the government in 2000 is currently the only acknowledged academy in Tuscany. It offers academic courses of 3 plus 2 years (restructured duration) for diplomas at 1st and 2nd level in the following subjects: Graphic Design, Photography, Fashion Design, Visual Arts, Painting, Design. Most of our students are Italian, around 30% are foreign coming from Asia (China and Japan), Latin America, (Mexico, Columbia,Venezuela) and central Europe (Switzerland, Luxemburg, Romania, Holland). The Academy has gradually become a real melting pot of races and ideas, of continual ethnic and cultural exchange, a place where young people of diverse customs, cultures, religions and ethnic groups meet up, discuss and develop their own knowledge and skills of art, creativity, beauty and harmony. Situated in the southern zone of Florence, the L.A.B.A. site occupies around 1.100 squared metres with recreational space in front and a garden behind. The building, completely up to date (with fire escape, services and access for the handicapped, evacuation programme, emergency doors etc.) has a presentation hall seating up to 150, laboratories for photography, design, painting, graphic design (two computer science rooms with MAC p.c.).

Besides structured university courses, the Academy offers further completion with Professional Courses in Painting: all courses, held by a teaching staff that mainly knows the English language, are in Italian language. In addition L.A.B.A. offers an internal free of charge Italian language course for all its foreign students in order to aid their professional relations and comprehension of customs and culture in our country.

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La LABA è un network formativo presente con sedi in Italia e all’estero dove sono attivi gli indirizzi di Fotografia, Graphic Design & Multimedia, Arti Visive, Design e Fashion Design. Un’ Accademia di Belle Arti legalmente riconosciuta che ha puntato da sempre su percorsi “innovativi”, attivando Corsi Accademici strutturati sul 3+2, equipollenti a lauree brevi e di specializzazione in indirizzi legati alle nuove tecnologie e che prevedono l’utilizzo di supporti legati al multimediale. La sede di Firenze dispone di una struttura di circa 1000 metri quadrati, con cortile antistante, giardino sul retro e con laboratori dotati di attrezzature multimediali di ultima generazione. L’Accademia è diventata, col tempo, un luogo di continui scambi culturali ed etnici, dove ragazzi di costumi, culture, religioni ed etnie diverse si incontrano, discutono e verificano le proprie conoscenze intorno all’arte, alla creatività, al bello e all’armonia. Da sempre la LABA ha lavorato per creare importanti sinergie, coinvolgendo Fondazioni, Associazioni e Istituzioni pubbliche come Musei, Comuni, Provincie, Regioni; ma è soprattutto collaborando con Aziende di livello Internazionale, attraverso lo sviluppo di progetti che riguardano sia la didattica che la produzione industriale, che viene completato il percorso formativo professionale. Infatti è attraverso la creazione di percorsi formativi ad hoc, la definizione dei contenuti formativi, la cooperazione nel campo della ricerca, che la LABA e i suoi Partner hanno reso possibile una crescita continua del lavoro prodotto e sviluppato dagli studenti ed è per questo che l’Accademia impiega continue risorse per allargare sempre più la propria rete di collaborazioni, anche con istituzioni extraeuropee.

OCAD Ontario College of Art & Design University The OCAD University Florence Program was initiated in 1973 by artist, teacher and chairman of Fine Arts, Franklin Arbuckle. Since its early beginnings in a small studio overlooking Piazza Santa Croce, the program has grown into a vital component of the arts curriculum offered by OCAD University in Toronto, Canada. Available to senior students in all areas of study from painting and drawing to video and installation, over 750 students have participated in the program since its inception 41 years ago.

Located at the city’s north end on Via Bonifacio Lupe, the OCAD U facility consists of a large ‘studio’ with capacity for 25 full-time students.The one-year program is focused primarily on studio production with workshops, seminars and critiques, and includes on site Art History lectures in museums and churches around Florence. Field trips include Rome and Venice, as well as day trips to such art centers as Mantova, Verona, Assisi, Perugia and Ravenna.

The late art historian Peter Porçal was the heart and soul of the program; our pre-eminent guide and lecturer who led the way and welcomed incoming faculty and students.

Each year the program culminates in a public exhibition featuring students’ final thesis work conducted under the supervision of a senior faculty member.The annual exhibition has been highly regarded in the Florentine academic community and is a testament to the hard work and dedication of both students and teachers. OCAD U is a member of the American Association of the College and University Programs in Italy and has been described by its peers as the most intensive, in-depth, and productive full-time studio art program offered by a foreign school in Italy.

Il Programma OCAD University a Firenze è stato avviato nel 1973 dall’artista, insegnante e Chairman of Fine Arts, Franklin Arbuckle. Sin dagli inizi in un piccolo studio affacciato su Piazza di Santa Croce, il programma è diventato una parte fondamentale del curriculum artistico offerto da OCAD University di Toronto, Canada. Più di 750 studenti hanno partecipato al programma in questi 41 anni di attività. La sede di Firenze ospita studenti di livello avanzato, che provengono da vari settori di studio: dalla pittura al disegno, dal video all’installazione. Situato all’estremità nord della città, in Via Bonifacio Lupi, la sede fiorentina di OCAD è costituita da un grande ‘studio’ con una capacità di accogliere 25 studenti a tempo pieno. Il programma dura un anno accademico intero e si concentra principalmente sulla produzione realizzata all’interno dello studio, combinando workshop, seminari e critiche con lezioni di storia dell’arte e conferenze presso musei e chiese nei dintorni di Firenze.

Gli studenti hanno l’opportunità di partecipare a varie gite presso le più importanti città d’arte italiane (come per esempio Roma,Venezia, Mantova,Verona, Assisi e Ravenna).

Lo storico dell’arte Peter Porçal era il cuore e l’anima del programma. Porçal ha aperto la strada al nostro programma a Firenze e ha accolto il corpo dei docenti ed i nostri studenti per 35 anni. Ogni anno il programma culmina in una mostra pubblica con la tesi finale degli studenti che si svolge sotto la supervisione di un docente della OCAD University.

Le nostre mostre annuali sono state molto apprezzate nella comunità accademica fiorentina e sono una testimonianza del duro lavoro e della dedizione degli studenti e degli insegnanti. OCAD è membro di AACUPI (American Association of the College and University Programs in Italy) ed è stato descritto dai suoi colleghi come il programma più intenso, serio e produttivo di studio dell’arte a tempo pieno offerto da una scuola straniera in Italia.

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SACI Studio Art Centers International Studio Art Centers International (SACI) was founded in 1975 by painter Jules Maidoff whose goals were to offer the finest and most challenging training to the next generation of artists, designers, art historians, and art conservators and to provide students with the opportunity to connect directly with Italian art and culture.

SACI currently offers a wide array of courses for both undergraduates and graduates, awards MFA and MA degrees and Post-Baccalaureate Certificates, and prepares students to excel in their chosen field. SACI engages in leading areas of research and exploration and interacts with the local community through artistic and social programs. Over 10,000 students have attended SACI, including numerous successful artists, photographers, filmmakers, art historians, conservators, and professionals in many other fields.

SACI is a US non-profit 501(c)3 institution that is accredited by the National Association of Schools of Art and Design (NASAD) and is a founding member of the Association of American Colleges and University Programs in Italy (AACUPI). SACI is recognized by the Italian Ministry of Foreign Affairs and the Italian Ministry of Universities as a foreign non-profit university-level program. www.saci-florence.edu

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Studio Art Centers International (SACI) è stata fondata nel 1975 dal pittore Jules Maidoff il cui obiettivo era offrire alla nuova generazione di artisti, designers, storici dell’arte e conservatori dei beni culturali, la formazione più stimolante e di migliore livello, e fornire agli studenti l’opportunità di connettersi direttamente con la cultura e l’arte italiana.

Attualmente SACI offre un’ampia gamma di corsi sia per studenti universitari (undergraduates) che per laureati (graduates), assegna titoli di Master (MFA e MA) e il diploma Post-Baccalaureate, e prepara gli studenti ad eccellere nell’ambito da loro scelto. SACI si impegna nei settori all’avanguardia della ricerca e interagisce con la comunità locale per mezzo di artisti e programmi sociali. Più di 10.000 studenti hanno frequentato SACI, compresi numerosi artisti di successo, fotografi, registi, storici dell’arte, conservatori dei beni culturali e professionisti in molti altri ambiti.

SACI è un’istituzione non-profit statunitense 501(c)3 che è accreditata dalla National Association of Schools of Art and Design (NASAD) ed è membro fondatore dell’Association of American College and University Programs in Italy (AACUPI). SACI è riconosciuta in Italia dal Ministero degli Affari Esteri e dal Ministero dell’Università come programma universitario straniero non-profit. www.saci-florence.edu

Sacred Art School Firenze The Sacred Art School – Firenze was born with the aim to promote creativity in art and craftsmanship both in Italy and outside Italy, with an open and borderless sight on the sacred. The school motto Forward in Tradition means learning to design and create works of art fully contemporary, that speak to the men and women of today and at the same time being connected to the tradition of 20 centuries of Catholic art. We work to achieve our purpose through these means: 1. an exploration of contemporary thinking that helps students to understand the sacred; 2. a theoretical and practical knowledge of the faith that we want to represent; 3. a special attention to the human figure; 4. a rigorous artistic and technical education that enables the students to communicate through the human form at high level; 5. a young and vibrant international artistic environment.

The school, that doesn’t adhere to any particular artistic style, is above all a workshop where students and teachers, artists and craftsmen, may produce sacred art of high quality. Our courses are designed following criteria of innovation, flexibility, progressivity, development of the practical approach in workshop, internationality, interdisciplinarity.

The training at our school includes painting, sculpture, goldsmithing, drawing and 3D modeling courses.

La Sacred Art School – Firenze nasce con l’obiettivo di promuovere la creatività nell’arte e nell’artigianato artistico in ambito nazionale ed internazionale, con un’apertura senza confini sul mondo del sacro.

Il motto della scuola è Forward in Tradition: si impara a ideare e realizzare opere d’arte pienamente contemporanee, che abbiano un significato per la donna e l’uomo di oggi ed allo stesso tempo siano collegate alla tradizione di 20 secoli di storia artistica. Gli strumenti che utilizziamo per raggiungere il nostro scopo sono: 1. l’approfondimento del pensiero contemporaneo che aiuti a capire il sacro 2. la conoscenza teorica e pratica della fede che si vuole rappresentare 3. una speciale attenzione alla figura umana 4. una rigorosa formazione artistica e tecnica 5. un ambiente artistico internazionale, giovane e vivace La Scuola, che non aderisce ad alcuna corrente artistica particolare, è soprattutto una “Bottega” dove studenti e docenti, artisti e artigiani, producono opere di arte sacra di qualità, i nostri corsi sono progettati seguendo criteri di innovazione, duttilità, progressività, valorizzazione dell’approccio pratico “in Bottega”, internazionalità, interdisciplinarità.

L’offerta formativa comprende corsi di pittura, scultura, oreficeria, disegno e modellazione 3D.

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SRISA Santa Reparata International School of Art Over the past 45 years SRISA has become one of the leading institutions for contemporary Art in Italy. Complemented by a rigorous Design and Liberal Arts program, the interdisciplinary approach allows students to experience an enriching academic and creative environment. SRISA offers accredited programs of study including: academic year, semester, and summer study abroad; and an internship program. The campuses include the SRISA Gallery of Contemporary Art and extensive studio facilities for painting, drawing, printmaking, book arts, photography labs and darkroom, the Tony Rager Library, computer lab, and lecture rooms. The Fashion and Interior Design Studio is adjacent to campus and located on Via Santa Reparata, next to Project Space, which houses studios for emerging artists and Post-Baccalaureate candidates. Students from all over the world attend SRISA to improve their artistic skills, pursue academic studies, and explore Florence and Italy through art exhibits, cultural seminars, guest lectures, and excursions. SRISA has become one of the most engaging campuses in Florence for young contemporary artists to meet other creatives and to share ideas.

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Nel corso degli ultimi 45 anni SRISA è diventata una delle principali istituzioni per l’arte contemporanea in Italia. Complementato da un programma di design e discipline umanistiche, l’approccio interdisciplinare permette agli studenti di sperimentare un ricco ambiente accademico e creativo. SRISA offre programmi di studio accreditati tra cui: anno accademico, semestreaccademico, sessione estiva all’estero; e un programma di stage. Nel campus si trovano: la SRISA Gallery of Contemporary Art, ampi studi per la pittura, il disegno, incisione, arti del libro, moda e il design d’ interni, laboratori fotografici e camera oscura, e le aule. Il Project Space è uno studio attrezzato per gli artisti emergenti e i candidati post-laurea. Gli studenti provenienti da tutto il mondo frequentano SRISA per migliorare le loro capacità artistiche, proseguire gli studi accademici, ed esplorare Firenze e l’Italia attraverso mostre d’arte, seminari culturali, guest lectures, ed escursioni. SRISA è diventata un punto di riferimento della città per i giovani artisti al fine di incontrare altre persone creative e condividerne le idee.

Foreword Prefazione

Marsha Steinberg

“ArtClash 2014-2015”

ARTCLASH* was born after years in which I have totally dedicated myself to teaching, giving up everything else. ARTCLASH was born, therefore, after I gained experience in this particular field training so hard (because teaching painting, guiding the young to know how to paint and thus to know how to do a painting is really difficult). ARTCLASH was born as my express wish in 2008 while teaching Studio Art. It was born as a teaching vehicle, to encourage my studio art students at the California State University International Program in Florence and at The Italian International Institute LDM Lorenzo de’ Medici in Florence. ARTCLASH continued on to also include students of the prestigious Academy of Fine Arts in Florence, where many Americans enroll to complete their studio art programs.

ARTCLASH, in addition, became almost instantly my vehicle in creating an “inter-academic movement”, having its own embryonic-poetic declaration that soon will finalize itself into a “manifesto”.

It takes time, things have to settle and put down roots to be able to grow and sprout: this is no longer the season of proclamations, exciting but constrictive manifestos. Instead, it is the time of the openings, the slow focus of new paradigms. It is a time of freedom and revival of poetry. That’s why the “ARTCLASH manifesto” hasn’t happened yet, and it will only see the light when the stars will align on a specific astral conjunction. Neither before nor after.

It was natural, therefore, that the ARTCLASH project would include all students who are enrolled at the many international schools at university level (Americans and other nationalities) present in Florence. It was also natural that it would pave the way

ArtClash* è nato dopo anni in cui mi sono dedicata totalmente all’insegnamento, rinunciando a tutto il resto. È nato, pertanto, dopo che ho acquisito un’esperienza particolare in questo campo formativo tanto difficile (perché insegnare pittura, guidare i giovani a saper dipingere e sapere dunque cos’è il fare pittura, è davvero arduo); è nato per mia esplicita volontà nel 2008 all’interno dei miei corsi di Studio Art. È nato come veicolo didattico, per incentivare i miei allievi dei programmi di “arte” di California State University and Colleges International Program in Florence e delle realtà universitarie raccolte nella Scuola internazionale Lorenzo dei Medici di Firenze. Ha finito per includere immediatamente anche gli studenti della prestigiosa Accademia delle Belle Arti cittadina, dove molti americani si iscrivono per completare i proprio studi artistici in loco.

Si è trasformato quasi all’istante, inoltre, questo mio veicolo formativo in un “movimento” interaccademico, dotato persino di una sua embrionale dichiarazione di poetica che a breve avrà veste definitiva di “manifesto”.

Occorre tempo, le cose devono sedimentare e mettere radici per poter poi crescere e germogliare: non è più la stagione dei proclami, dei manifesti programmatici vincolanti e perciò esaltanti ma al tempo stesso costrittivi. È invece il tempo delle aperture, della lenta messa a fuoco di nuovi paradigmi. È il tempo della libertà e del rilancio della poeticità. Ecco perché il “manifesto di ArtClash” ha tardato. Inoltre, vedrà la luce in una precisa congiuntura cosmogonica. Né prima né dopo. Era naturale, dunque, che ArtClash si aprisse a tutti gli studenti che sono iscritti presso le molte scuole formative internazionali di livello universitario, americane e non, presenti in Firenze. Così come era naturale che gettasse le basi per un movimento ba-

* from the pedagogical project by Marsha Steinmberg.

* dal progetto pedagogico di Marsha Steinmberg.

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for a movement based on the fusion of the artistic interests of a group of peers, a group free from a manifesto but united by the sharing of a crucial training experience: the study period in Florence!

The two exhibitions that constitute the epilogue of this free and open artistic competition were made possible by the support of many friends, and by the will of many Institutions. The first one was held at the headquarters of the California State University International Program in Florence, and included the following young artists: Aparna Avasarala, Katriya Burkdoll, Elisabetta Carini, Elizabeth Chan, Maria Chemello, Luna Colombini, Yasmine Dainelli, Fabio Deiana, Pietro Desirò, Kadie DiCarlo, Hetty Diep, Alex Erlich, Sian Gao, Laura Garfagnini, Hwi Hahm, Paris Ioannou, Pegah Karimi, Haley Kreofsky, Fumitaka Kudo, Hollace Kutay, Erika Lavosi, Juan Felipe Lopez H., Madison Moore, Giulio Melani, Aaron Millard, Anna Naslund, Sofia Novelli, Maria de los Angeles Ovalle, Marco Pioppi, Kayla Polan, Claudio Pulicati, Vanessa Reese, Brandon Rickett, Hayden Rickett, Hana Sackler, Zoey Schlemper, Daniel Schoeneck, Anastasia Soboleva, Elena Tontoni, Shelby Willson, Askild Winkelmann, and Sisetta Zappone. The second exhibition took place at the Regional Council of Tuscany in Florence, and recognized the winners of the first show.

A third occasion to exhibit their works will be given to Art Clash participants by the Florence Biennale, another Florentine reality which also gives room to young talents from around the world who converge to Florence to draw inspiration from its artistic wealth.

ARTCLASH also had another significant international partner: the Museum of Contemporary Art in Florina, Greece – which traditionally hosts the “winners” of

sato sula fusione degli interessi artistici di un gruppo di sodali, un gruppo libero da costrizioni statutarie ma unito dalla condivisione di un’esperienza formativa: il soggiorno di studi fiorentino!

Le due mostre che costituiscono l’epilogo di questa libera e liberale competizione artistica, è stato reso possibile grazie al sostegno di molti amici, grazie alla volontà di molte istituzioni. La prima esposizione presso la sede fiorentina della California State University e ha raccolto i seguenti giovani artisti: Aparna Avasarala, Katriya Burkdoll, Elisabetta Carini, Elizabeth Chan, Maria Chemello, Luna Colombini, Yasmine Dainelli, Fabio Deiana, Pietro Desirò, Kadie DiCarlo, Hetty Diep, Alex Erlich, Sian Gao, Laura Garfagnini, Hwi Hahm, Paris Ioannou, Pegah Karimi, Haley Kreofsky, Fumitaka Kudo, Hollace Kutay, Erika Lavosi, Juan Felipe Lopez H., Madison Moore, Giulio Melani, Aaron Millard, Anna Naslund, Sofia Novelli, Maria de los Angeles Ovalle, Marco Pioppi, Kayla Polan, Claudio Pulicati, Vanessa Reese, Brandon Rickett, Hayden Rickett, Hana Sackler, Zoey Schlemper, Daniel Schoeneck, Anastasia Soboleva, Elena Tontoni, Shelby Willson, Askild Winkelmann, and Sisetta Zappone. La seconda mostra si è tenuta presso il Consiglio Regionale della Toscana e ha accolto i vincitori della prima esposizione.

Una terza occasione espositiva verrà offerta ai partecipanti ad ARTCLASH da Florence Biennale, altra realtà fiorentina che offre spazio a quei giovani talenti di tutto il mondo che convergono a Firenze per trarre ispirazione dalla sua ricchezza artistica.

ARTCLASH ha coinvolto anche un altro significativo partner internazionale: il Museo di Arte Contemporanea di Florina, in Grecia che accoglie regolarmente le opere dei “vincitori” di ogni edizione. Pertanto in 37

each edition of ARTCLASH. Thus Greece, the cradle of modernity, has been slowly building in the past few years a collection of ARTCLASH memories that will be treasured for the people to come, and that represents the inner history of ARTCLASH itself.

The number of schools that have joined this 20142015 edition confirms the fact that ARTCLASH is a strong and active reality, and that it is growing as a movement. Hence, I would like to take this opportunity to thank the following Academic Institutions: CSU California State University International Program Florence, The Italian International Institute LDM Lorenzo de’ Medici, Accademia di Belle Arti di Firenze, Fondazione Il Bisonte, Harding University in Florence, Kent State University Florence Program, LABA Libera Accademia di Belle Arti, OCAD Ontario College of Art & Design University, SACI Studio Art Centers International, Sacred Art School Firenze, School of Visual and Applied Arts, University of Western Macedonia, Florina and SRISA Santa Reparata International School of Art. I would also like to emphasize the growing number of young participants, those 42 young talents who participated in this year’s edition.

The prestige of this movement is increasing year by year, thus confirming the effectiveness of this project and the opportunity to persevere in this commitment to young people. The ARTCLASH art project is a complex one, one that in my opinion reflects the new millennium, and its growing acquisition of selfconsciousness and self-awareness.

In the past few years several generations of ARTCLASH artists have met in different contexts, participating in collective exhibitions giving rise to fruitful artistic exchanges.

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Grecia, culla della modernità, si è pian piano costituita negli anni passati una collezione di memorie che verranno tesaurizzate per le genti a venire e che rappresenteranno la storia stessa di ARTCLASH. Il numero delle Scuole che hanno aderito a questa edizione 2015 di ArtClash confermano come sia ora una solida e attiva che cresce come movimento.

Desidero cogliere dunque questa opportunità per ringraziare le seguenti istituzioni accademiche: CSU California State University International Program Florence, The Italian International Institute LDM Lorenzo de’ Medici, Accademia di Belle Arti di Firenze, Fondazione Il Bisonte, Harding University in Florence, Kent State University Florence Program, LABA Libera Accademia di Belle Arti, OCAD Ontario College of Art & Design University, SACI Studio Art Centers International, Sacred Art School Firenze, School of Visual and Applied Arts, University of Western Macedonia, Florina and SRISA Santa Reparata International School of Art. Tengo altresì a evidenziare il numero crescente dei giovani partecipanti, ben 42 giovani talenti che hanno preso parte all’edizione di quest’anno.

Il prestigio di questo movimento va inoltre aumentando di anno in anno, dando così conferma della bontà di questo progetto e dell’opportunità di perseverare in questo impegno a favore dei giovani. Il progetto ARTCLASH è complesso, un qualcosa che ben rispecchia, credo, il nuovo millennio e anche una crescente acquisizione di autocoscienza, di consapevolezza di sé.

Nei pochi anni trascorsi svariate generazioni di artisti ARTCLASH si sono incontrate in contesti differenti, partecipando a mostre collettive che hanno offerto spazio a proficui scambi artistici.

What more to say?

The movement – which does not admit linguistic or stylistic constraints whatsoever, does not tolerate ideological-thematic constraints, and does not accept technical limitations, etc. – is increasingly broad and rich in attendance. ARTCLASH is putting together young talents of diverse origins and cultures, linking diverse generations. What makes all these people and all these elements have a common unifying factor is the essence of the movement itself, which is based on freedom of expression and open opportunities for artistic interactions and dialogues without any sort of constraints.

The ARTCLASH movement has a unique value, universal yet distinctive in and of itself. This added value transcends the ethic and aesthetic facets, giving enjoyment and beauty to young talent (I’m recalling the saying of a Lacanian psychoanalyst, Panayotis Kantzas).

All the young ARTCLASH artists, from every nationality and culture, of every creed and training, let their blooming artistic talent get involved into the ARTCLASH philosophy.

Finally, I think I can say that, over time, ARTCLASH has represented, for all the reasons mentioned so far, a movement that can promote some solidarity among young artists (that same solidarity that – in my opinion – should be the dominant element of the new millennium, especially in light of the crisis that it seems will affect future generations).

ARTCLASH has involuntarily anticipated many themes of today, like for instance the main concept behind the 2015 Expo in Milan: “Feeding the Planet, Energy for Life”, confirming that art is not always in line with economy and politics, because art is always a thorn in the side.

Che altro ancora dire?

Il movimento – che non ammette costrizioni linguistiche o stilistiche di sorta, che non tollera vincoli ideologico-tematici, non accetta limitazioni tecniche ecc. – è sempre più ampio e ricco di presenze. ARTCLASH sta mettendo assieme giovani talenti di diverse origini o culture, collegando tra loro generazioni diverse. Ciò che mette tutti costoro e l’insieme di questi elementi a fattor comune, è poi l’essenza del movimento stesso, basato sulla libertà di espressione e su aperte opportunità di incontro e dialogo artistico, senza costrizioni di sorta.

ARTCLASH è un movimento che porta con sé un unico valore, ma universale e in sé distintivo. Questo valore aggiunto trascende l’etica e l’estetica per donare godimento e bellezza ai giovani di talento (sto richiamando il dire di uno psicoanalista lacaniano, Panayotis Kantzas). Tutti questi giovani artisti di ogni nazionalità e cultura, di ogni credo e formazione, mettono in gioco il proprio talento artistico coinvolgendosi nella filosofia di ARTCLASH. Credo infine di poter dire che, nel tempo ARTCLASH abbia rappresentato, per tutte le ragioni sin qui richiamate, un movimento in grado di favorire una qualche solidarietà fra i giovani artisti. Quella stessa solidarietà che, perlomeno a mio avviso, dovrebbe essere l’elemento dominante del nuovo millennio (anche alla luce della crisi che, al momento, colpisce proprio le nuove generazioni).

Ha anticipato senza volerlo, ARTCLASH, non poche sfide di oggi, come ad esempio il grande tema dell’Expo 2015 di Milano: “Nutrire il Pianeta, Energia per la Vita”, confermando che l’arte non è sempre in linea con l’economia e la politica poiché l’arte è sempre una spina nel fianco.

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Rolando Bellini Accademia di Belle Arti di Brera – Milano

It has also happened that some of the young artists, who were selected in the past, have abandoned their artistic activity, a research that – like any artistic endeavor – is so risky and fascinating that requires total dedication. Too bad, but it’s part of the game. It often happens.

Every year, young people mature and show a diverse sensibility and a new awareness for what Florence – the city that welcomes and nourishes them – offers to them. This is because, I think I can say that ARTCLASH was born in Florence and is also, in part, a product of this magnificent city of art. The open movement ARTCLASH should not be underestimated, please. ARTCLASH is deliberately inspired, since it was born by the Laurentian “Renovatio”, which lies at the core of the great lesson of incomparable artistic and cultural heritage of Lorenzo the Magnificent.

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È accaduto anche che alcuni giovani artisti selezionati in passato abbandonassero l’attività artistica, una ricerca che – al pari di ogni artistica intrapresa – è così rischiosa e affascinante da imporre una totale dedizione. Peccato, ma fa parte del gioco. Accade spesso.

Ogni anno, giovani presenze maturano e mostrano una diversa sensibilità e una nuova consapevolezza per quello che Firenze – la città che li accoglie e li nutre – offre loro.

Questo perché, credo di poter dire, nascendo ARTCLASH a Firenze è anche, in parte, un prodotto di questa magnifica città d’arte. Il libero movimento ARTCLASH – non va sottovalutato, prego – è volutamente ispirato, dal principio, alla “renovatio” laurenziana che è alla base della grande lezione e dunque dell’ineguagliabile eredità artistico-culturale di Lorenzo il Magnifico.

Notes on a Critical Excercise Riflessioni su un esercizio critico

Who knows why I have come to make some paradoxical comparisons as I was looking at the works collected under the auspices of ARTCLASH, a training vehicle founded in 2008 by artist-pedagogue Marsha Steinberg. It might have stemmed from the fact that I wanted to allude to the places of origin of the talented young art students involved in the project, and to the fact that some of them were aspiring artists, and some other already artists. By doing so, I wanted to talk about their diversity (not only artistic but also cultural, ideological, linguistic, etc.) and propose a textual analysis of a choral yet individual movement. As Marsha Steinberg already highlighted in her introduction to the present catalogue, ARTCLASH does not have a Manifesto, but wishes to host novel paradigms that reveal potential for growth. This is ARTCLASH’s purpose.

Chissà perché mi sono venuti in mente alcuni confronti paradossali, nel mentre osservavo i lavori raccolti sotto l’egida di ARTCLASH, il movimento e veicolo formativo fondato nel 2008 dall’artista pedagoga Marsha Steinberg. Credo che ciò derivi dal fatto che volevo alludere ai luoghi di provenienza dei talentuosi studenti d’arte che, in qualche caso, sono già artisti.

Ma anche perché volevo dire, in qualche modo, delle loro diversità (non solo artistiche ma anche culturali, ideologiche e biologiche, linguistiche ecc.) e presentare il problema di un’analisi testuale di un movimento corale e individuale al tempo stesso. Come Marsha Steinberg ha già sottolineato nella sua premessa al presente catalogo, ARTCLASH non ha un manifesto ma vuole ospitare paradigmi inediti che rivelano un potenziale di crescita. Questo è il proposito di ARTCLASH.

Several times, I found myself imagining the abovementioned paradoxical comparisons that may occur while looking at the work of these young aspiring artists (painters, photographers, sculptors, etchers, etc.) participating in the project. I will share a few notes on what I thought while observing these promising but in many ways still rough artworks. While viewing these ‘opere d’arte’ in the making, I saw the semi-dome of the Chrysler Palace in Manhattan, which breaks the New York skyline crowded with vertical and horizontal lines recalling Decartes. Someone – I believe it was psychoanalyst Luigi Zoja – has noted that these straight lines suddenly break the tyranny of the many horizontal lines, provoking in the viewer a sigh of relief. I was also drawn to the domes of St. Mark in Venice. Inflated, like some breasts of dissatisfied women,

Sovente, mi sono ritrovato a immaginare questi confronti paradossali che possono verificarsi di fronte ai lavori dei giovani aspiranti artisti (pittori, fotografi, scultori, incisori ecc.) aderenti al progetto. Do brevemente conto di quanto ho riflettuto osservando questi lavori promettenti ma per lo più ancora in fieri.

Mentre occhieggiavo queste opere verdi, ho rivisto le semicupole del Chrysler Palace, a Manhattan, il cuore pulsante di New York, che rompono lo skyline affollato di linee verticali e orizzontali richiamanti Decartes. Qualcuno – credo lo psicoanalista Luigi Zoja – ha annotato che queste linee dritte rompono d’improvviso la tirannia delle molte linee orizzontali suscitando nell’osservatore un respiro di sollievo. Hanno richiamato in me le cupole di San Marco, a Venezia.

Sono state gonfiate, queste ultime, come certi seni di 41

unnecessary, like additions strategically subordinated to proxemic laws that create a new harmony, these domes suggest a new relationship with the novel bell tower which was superimposed on the ancient ecclesial body. Zoja – this I remember well – speaks about the Chrysler Palace as an ambiguous transplant, an elegant gesture made in a place where beauty is dead, as it is for New York. I beg to differ, since New York has its own charm and is the symbol of the American dream. Moreover, there is not a city with one uniform style. Even an undoubtedly elegant one like Venice, at times exceeds with affectations like the rich and magnificent Murano chandeliers (which, however, still remain masterpieces of a noble and sophisticated craftsmanship), which remind me of the multitude of designer lamps (such as the mythical lamps of Castiglioni) that in the end do not hold up to those Murano masterpieces.

donne insoddisfatte, trasfigurandosi in superfetazioni allarmanti ma subordinate strategicamente a leggi prossemiche che consentono una nuova armonia, una relazione con il nuovo campanile edificato successivamente rispetto all’antico corpo ecclesiale. Zoja – questo lo rammento bene – parla per il Chrysler Palace di un ambiguo trapianto del gesto elegante in luoghi in cui la bellezza è morta, come è per New York. Ma io penso che New York abbia il suo fascino e sia il simbolo del “sogno” americano. Soprattutto non è una città dallo stile uniforme. Persino la bellissima Venezia scade spesso nel vezzoso come certi suoi ricchissimi e magniloquenti lampadari di Murano (che tuttavia restano pur sempre capolavori d’un nobilissimo e sofisticato artigianato) che mi ricordano la moltitudine delle lampade di design (come le mitiche lampade Castiglioni) che alla fine, non reggono affatto il confronto con quei capolavori di Murano.

Speaking of domes, while looking at ARTCLASH’s artworks, I also thought of the looming huge and powerful Brunelleschi dome (which reminded me of some of Piero Santi’s writings), and I imagined a comparison between this stone monument and three painted domes: one made by the wild Sergio Vacchi, another by the edgy and brutal classicist Ottone Rosai, and the last one by the nostalgic expressionist and secessionist Silvio Loffredo. Then, my memory brought me to a lost friend, Paolo Marini.

Parlando di cupole, mentre osservavo le opere di ARTCLASH, ho ripensato all’incombente colossale e potentissima cupola di Brunelleschi (che richiama in me alcune annotazioni di Piero Santi) e ho immaginato un confronto fra questa realtà di pietra e due o tre cupoloni dipinti: rispettivamente, dal selvaggio Sergio Vacchi, dallo spigoloso e classicista brutale Ottone Rosai, dall’espressionista e secessionista nostalgico Silvio Loffredo. Esito complessivo: il ricordo di un amico perduto, Paolo Marini.

Afterwards, the image of a curved wall (massive yet elegantly sinuous, like the belly-shaped side of a double bass), reminded of the Hermitage in St. Petersburg. The Winter Square that faces the largest

Una parete curva (massiva e grandeggiante, soprattutto elegantemente sinuosa e sonante come il ventre e il fianco elegante di un contrabbasso) rimanda all’Ermitage, a San Pietroburgo. La piazza che fronteggia il grande mu-

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museum in St. Petersburg is in front of the Neva, always fearful, yet magnificent in all of its force of water eternally in motion. I thought of an architectural work by Rossi (a student-assistant of Quarenghi) and its curvaceous lines reminiscent of treble clefs or violas, but also of basses and cellos. I also thought of the great white back of the Milo sculpture framed

by Fellini’s surreal and cinematic eye in legendary films like 8 ½ and La Dolce Vita. I also thought of Mollino’s pictures.

seo pietroburghese costituisce lo spazio cavo di fronte alla Neva, temibile sempre e allo stesso tempo magnifica in tutta la sua forza d’acque eternamente in movimento.

Richiama in me con le sue linee curve, l’opera architettonica firmata dal Rossi (allievo-assistente di Quarenghi), un contrabbasso piuttosto che violoncello o viola d’amore o da gamba. Mi rammenta la gran schiena bianca della Milo inquadrata dall’occhio cinematografico e surreale di Federico Fellini in mitici film: 8 e ½, La dolce vita ecc.. Immediato il richiamo anche agli scatti di Mollino.

A few years ago, I was invited by my friend Jacques Gubler to give a conference at the School of Architecture, USI, in Mendrisio, which I ambiguously called “The Mole Mollino”, because of two photographs: one that shows an elusive profile of an individual with a Borsalino hat looking at Antonelli’s Mole from the large window of the studio of a painter and stage designer from Turin (the man was architect and photographer Carlo Mollino); and a second one showing a half-nude back of one of Carlo Mollino’s models, portrayed in a way that was reminiscent of the Mole itself.

Ebbi a tenere, anni orsono, presso la Scuola di architettura dell’USI, a Mendrisio – su invito di un amico, Jacques Gubler – una conferenza che intitolai, ambiguamente, “La Mole di Mollino”, in virtù di due scatti fotografici. Nel primo si coglieva al volo lo sfuggente profilo di un individuo con Borsalino che osservava la Mole dell’Antonelli dal finestrone di uno studio di pittura, l’atelier di un pittore e scenografo torinese.

Quest’uomo era Carlo Mollino. Nel secondo invece era ritratta, di schiena, mezza svestita una delle modelle di Carlo Mollino, ritratta in modo tale da sembrare proprio la Mole Antonelliana.

I found a similar overwhelming sensuality at the Moka Museum in Los Angeles where the triad of Gorky, De Kooning and Rothko corresponds, in Florence, to some recent paintings that Marsha Steinberg dedicated to the homeless in multicolored sleeping bags piled up in public places (bare and cold, like the outside perimeter of the elegant building of the railway station of Santa Maria Novella in Florence, and evocative of the rationalistic architecture of the Gruppo Toscana guided by Michelucci). In both cases one can-

Sensualità travolgente che ritrovo poi nelle sale del Moka di Los Angeles dov’è la triade Gorky, De Kooning e Rothko e che corrispondono, in Firenze, ad alcuni quadri recenti di Marsha Steinberg dedicati ai senza tetto insaccati nei sacchi a pelo multicolori e ammucchiati in luoghi pubblici (nudi e freddi come il perimetro esterno dell’elegantissimo fabbricato viaggiatori della stazione fiorentina di Santa Maria Novella, evocativa dell’architettura razionalista firmata dal Gruppo Toscano guidato da Michelucci). In entram43

not ignore the sensuality of the forms and the colors, but also of the compositions and the articulations.

From here I took another leap, towards poetry, and I started thinking of Rimbaud, of Akhmatova, but also of Montale and Luzi.

bi i casi non è ignorabile la sensualità delle forme e delle cromie, delle composizioni e articolazioni. Da qui un altro salto e cioè lo scatto verso la poesia: ho recuperato Rimbaud ma anche la Achmatova, anche Montale e Luzi.

A new flash image: Rossi’s curvaceous lines have given me another reference to a long curve of an empty road, a narrow and medieval, street in the Oltrarno area of Florence, where men are usually humbly dressed, not afraid to show an heroic poverty.

Una nuova immagine flash: la curva lunga ed elastica del Rossi ha suscitato in me un secondo richiamo alla curva lunga di una vuota strada, una strada stretta, medioevale, dell’Oltrarno, a Firenze, in cui si agitano omini, vestiti con semplice povertà. Rivestiti di eroica povertà.

These paradoxical combinations brought me also to the paintings of Ottone Rosai, which are now on display in the recently opened Museum of 1900 (together with classic abstract paintings, with the group of Informal Florentine painters, with the Florentine Poesia Visiva artists, and the stunning collection of Alberto della Ragione, once exhibited in Piazza della Signoria). This finally took to the writings of master to whom we owe all a lot: Carlo L. Ragghianti.

Il richiamo suscitato da questi accostamenti paradossali è dunque alla pittura di Ottone Rosai ora in mostra nel neonato Museo del Novecento (assieme all’Astrattismo classico e al gruppo degli Informali fiorentini, alla Poesia visiva cittadina, alla splendida collezione Alberto della Ragione un tempo esposta in piazza della Signoria). Il richiamo è così a un maestro indimenticabile a cui si deve tutto questo o la sua gran parte: Carlo L. Ragghianti.

At the end of this accidental and sometime fragile – maybe even questionable or poorly motivated – stream of consciousness, I am left with the ability or right to daydream, the chance to live more realities simultaneously. I claim my right to fantasize a trip, a magnificent visual exploration that leads us to distant places, to different worlds.

Discende da ognuna di queste inferenze più e meno accidentali e fragili – perciò discutibili o scarsamente motivate – oppure, al contrario, motivate e ben evidenti o indiscutibili la possibilità di sognare a occhi aperti, di vivere più realtà simultaneamente. La facoltà di fantasticare un viaggio, una magnifica esplorazione visiva che ci porta in luoghi lontani, in mondi differenti.

All this was caused by the Leonardian encounter between my eyes and the works of those young talents who participated in ARTCLASH. The final outcome is nothing but a gazing adventure, one that expands

Ebbene, tutto questo viene provocato dall’incontro leonardesco dei miei sguardi con le opere dei giovani talenti che aderiscono ad ARTCLASH. Sicché, l’esito conclusivo è null’altro che un’avventura dello sguardo

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and pushes forward the gaze itself; one that pushes you to constantly question yourself and to draw from history, just like I did.

che si dilata, si mobilita, si slancia in avanti; si mette costantemente in discussione e in allarme e attinge alla storia come al presente storico, indifferentemente.

This was a magnificent cognitive, emotional, aesthetic, and ethical experience.

Una magnifica esperienza cognitiva, emotiva, estetica, etica…

Behold, to have an experience, to live the encounter with the young ARTCLASH artists was such an adventure. I hope that others will share it as soon as possible. So I hand over my words, or better yet, the space of these pages, to the ARTCLASH 2014-2015 artworks.

Ecco, il fare l’esperienza, il vivere l’incontro con i giovani di ARTCLASH è una tale avventura. Spero che altri possano condividerla e al più presto possibile.

Così dò immediatamente la parola, o meglio lo spazio della pagina ai ragazzi, alle opere di ARTCLASH 2014-2015.

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Artworks Opere d’arte

Katriya Burkdoll – California State University As an individual Katriya Burkdoll has always loved working with her hands to render various facets of life.

Within her art Burkdoll aims to share different perspectives and provide representations that leave room for imagination. For Burkdoll’s paintings, she references photographs and memories from her experiences, drawing inspiration from environments or from various objects and people. Burkdoll is influenced by imagery that is especially rich in color or has a personal resonance. Burkdoll prefers to paint using oils but also likes experimenting with other mediums and techniques.

Burkdoll is currently attending the Accademia di Belle Arti di Firenze and she is nearing the completion of her Bachelors degree from California State University, Long Beach. In the future Burkdoll aims to continue improving her skills with education and increased involvement within her own art community.

Come persona Katriya Burkdoll ha sempre amato lavorare con le mani per evocare le varie sfaccettature della vita. Nella sua arte Burkdoll punta a fornire diversi punti di vista e a creare rappresentazioni che lasciano spazio all’immaginazione. Per i suoi dipinti Burkdoll usa fotografie e memorie personali, ispirandosi ad ambienti, oggetti e persone. Burkdoll è influenzata da immagini che sono ricche di colori o che la toccano personalmente. Burkdoll preferisce dipingere usando colori a olio, però le piace anche sperimentare con altri mezzi e tecniche. Al momento, Burkdoll frequenta l’Accademia di Belle Arti di Firenze e sta per laurearsi presso la California State University di Long Beach. In futuro Burkdoll vorrebbe continuare a migliorare la propria capacità artistica mediante l’istruzione e un coinvolgimento sempre maggiore nel mondo dell’arte californiana.

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Kadie DiCarlo – California State University Kadie DiCarlo is a student from California State University Fullerton, who studies at CSU Firenze and at the Accademia di Belle Arti of Florence. DiCarlo is from Riverside, California and is twenty-two years old.

Generally, DiCarlo uses various materials and enjoys three-dimensional architectural work as well. DiCarlo’s works touch on psychology, while representing literal and figurative themes. DiCarlo’s ideas are heavily drawn from personal experiences but her works speak on a universal level.

Kadie DiCarlo è una studentessa della California State University di Fullerton, che studia presso la CSU di Firenze e l‘Accademia di Belle Arte di Firenze. DiCarlo è nata a Riverside, CA e ha 22 anni. Le piace realizzare lavori artistici con materiali misti, ma anche lavorare su tre dimensioni, creando sculture e modelli architettonici. Le sue opere prendono ispirazione dal corpo umano e dalla psicologia, ma anche da esperienze personali. Ciononostante, i suoi lavori parlano di esperienze universali.

The Door gouache on paper 50 x 70 cm 2014

La Porta tempera su carta 50 x 70 cm 2014

Expected Distress / Fibromyalgia oil, acrylic, gouache, embroidery thread and twine 60 x 90 cm 2014-2015

Disagio Previsto / Fibromialgia olio, acrilico, tempera, filo e spago 60 x 90 cm 2014-2015 49

Hetty Diep – California State University Hetty Diep was born and raised in Los Angeles. Her current work is based on the human figure and communication in terms of movement, interaction, expression and presentation. Many of her past works have been executed in color-pencil, graphite and watercolor, while current work is being performed in charcoal, acrylic and digital photo. Diep’s exhibited works have principally been based upon portraiture and its psychological perspective, including: Shadows (2010) at the Congressional Arts Competition; and a series of photographs for an art installation called At the Seams: Picturing Violence (2013). Diep is currently studying in Florence, Italy at California State University and at the Accademia di Belli Arti. She is also pursuing a Bachelors degree in Art at California State University of Northridge.

Hetty Diep è nata e cresciuta a Los Angeles. Attualmente il suo lavoro si basa sulla figura umana e la comunicazione in termini di movimento, interazione, espressione e presentazione. Molti dei suoi lavori precedenti sono stati eseguiti a matita colorata, grafite e acquarello, mentre attualmente preferisce usare carboncino, acrilico e foto digitali. Le opere esposte di Diep sono principalmente basate sulla ritrattistica da un punto di vista psicologico. Tra queste va citata L’ombra (2010) al Congressional Arts Competition, e una serie di fotografie per un’istallazione d’arte intitolata At the Seams: Picturing Violence (2013). Al momento, Diep sta studiando a Firenze presso la California State University e all’Accademia di Belle Arti. Diep si sta anche laureando in Arte presso la California State University di Northridge.

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Alex Erlich – California State University Alex Erlich is an illustration student from California State University, Fullerton. Erlich is currently studying in Florence at the California State University and studies drawing at the Scuola del Nudo. Erlich enjoys painting landscapes and he has been blessed with the opportunity to be doing that in Florence this year.

Alex Erlich è uno studente di illustrazione che proviene dalla California State University, Fullerton e attualmente studia a Firenze presso la California State University e studia disegno alla Scuola del Nudo. A Erlich piace dipingere paesaggi ed è particolarmente lieto di avere l’opportunità di farlo quest’anno a Firenze.

Reflection of Self. A Confrontation Between the Self, its Reflection and the Portrait acrylic on mirror 29.8 x 89.5 cm – 2015

Conad is Closing acrylic on paper 40 x 60 cm 2014 Riflesso di sé. Un confronto tra il sé, la riflessione e il ritratto. acrilico su specchio 29.8 x 89.5 cm – 2015

Conad sta chiudendo acrilico su carta 40 x 60 cm 2014 51

Shelby Lynn Willson – California State University My name is Hwi Hahm, originally from Busan, South Korea, currently attending School of Art Institute of Chicago as a painting and drawing major. I am currently studying at LDM Lorenzo de’Medici, The Italian International Institute attending the Sketchbook Intermediate course. In this painting, |/||\\|//||, I am portraying the attitudes and the demeanors of the people of Vienna, Austria, who are full with pride and confidence of their culture of café, by highlighting the color of the door, and their behavior of unconsciously or consciously avoiding the title of ëtourists’ mecca’ by using grey and earth tones. For the series of photographs, Café Project, by sketching the interior of the cafes and restaurants in Europe to reminisce the different characters and individuality of the space, and appreciating the privilege to travel around the city.

By handing the completed drawings to the owner of the cafe, I am trying to respond to their generosity and kindness. I changed my mindset about what is an ‘art work’ by changing the ‘value’ of the art from money to appreciation and the beauty of giving.

Born in 1993, Shelby Lynn Willson spent most of her life on a farm in Northern California and traveling the world playing competitive soccer. Little did she know that traveling the world would open her eyes to knew ideas and later influence much of her landscapes, her favorite subject matter. A self-taught artist, she began her formal art education in 2010. Additionally, she works primarily in oil and pastels.

In 2011, Willson began attending school to earn her degree at California State University in Sacramento.

Currently, she is continuing her education in Florence, Italy at the Scuola Libera del Nudo. Here, she is spending a year assimilated in the Italian culture and learning from high-profile teachers.

In her first semester in Florence, she worked on a series depicting a landscape from Paris, France. Her goal was to paint the same subject for an entire semester and change the contrast and hue for each painting.

Shelby Lynn Willson è nata nel 1993. Ha trascorso gran parte della vita in una fattoria nel nord della California, viaggiando per il mondo e giocando a calcio professionalmente. Viaggiare per il mondo le ha aperto gli occhi e l’ha esposta ad idee nuove che hanno influenzato i suoi lavori, che spesso ritraggono paesaggi.

Willson ha iniziato come autodidatta ma nel 2010 ha intrapreso una formazione artistica di tipo formale.

Willson lavora principalmente ad olio e pastelli.

Nel 2011, Willson ha iniziato a frequentare la California State University di Sacramento per ottenere la laurea. Attualmente, sta continuando i suoi studi a Firenze presso la Scuola Libera del Nudo. A Firenze, Willson sta trascorrendo un anno immersa nella cultura italiana ed a contatto con docenti di alto profilo.

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Hwi Hahm – LDM Lorenzo de’ Medici

Nel suo primo semestre a Firenze, ha lavorato su una serie di quadri che raffigurano vedute paesaggistiche di Parigi. Il suo obiettivo era quello di dipingere lo stesso tema per un intero semestre, modificando le qualità di contrasto e tonalità per ogni dipinto.

Landscape Trees oil on canvas 50 x 70 cm 2015

Paesaggio alberi olio su tela 50 x 70 cm 2015

Hwi Hahm è originario di Busan, in Corea del Sud; attualmente frequenta lo School of Art Institute di Chicago specializzandosi in pittura e disegno. A Firenze sta studiando presso la LDM Lorenzo de’ Medici, The Italian International Institute, frequentando il corso intermedio di sketchbook. In questo dipinto, | / || \\ | // ||, ritrae gli atteggiamenti e lo stato d’animo degli abitanti di Vienna, in Austria, pieni di orgoglio e di fiducia nei propri caffè culturali, evidenziando il colore della porta e il loro comportamento ed evitando, consciamente o inconsciamente, lo stereotipo di “mecca per i turisti” mediante l’uso di tonalità di colore grigio e terra. Per

la serie di fotografie “Progetto Café” ha eseguiro degli schizzi degli interni dei caffè e ristoranti in Europa per ricordare i vari personaggi e le individualità dello spazio apprezzando il privilegio di viaggiare nelle città. Consegnando i disegni completati al proprietario del bar/ café, sta cercando di ricompensare le loro generosità e gentilezza. Ha cambiato il proprio modo di pensare su che cos’è un‘opera d‘arte modificando il “valore” economico della tecnica in favore dell‘apprezzamento e della bellezza del dono. |/||\\|//|| oil on canvas 100 x 90 cm 2015

|/||\\|//|| olio su tela 100 x 90 cm 2015 53

Juan Felipe Lopez H. – LDM Lorenzo de’ Medici

Juan Felipe Lopez H. is a 26 year old Colombian student of Studio Art in the city of Florence enrolled in the Marist-LDM program. He speaks three languages and he has visited more than 20 countries around the world. In 2013, he won the first prize in the competition “The Art is in the Streets 2013” in the category of Printmaking and in the year 2014 in the same competition he won a “Special Mention” in the category of Drawing.

Juan Felipe Lopez H. è uno studente colombiano di 26 anni che studia arte a Firenze nel programma Marist-LDM. Parla tre lingue e ha visitato più di 20 paesi in tutto il mondo. Nel 2013 ha vinto il primo premio al concorso “The Art is in the Streets 2013” per la categoria dell’incisione e nel 2014, nella stessa competizione, ha ottenuto una “Menzione Speciale” nella categoria del disegno.

Lucid Surrealism mixed media (acrylic and oil on linen canvas and gold leaf) 40 x 60 cm 2015

Lucido Surrealismo tecnica mista (acrilico e olio su tela e foglia d’oro) 40 x 60 cm 2015

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Zoey Schlemper – LDM Lorenzo de’ Medici

Zoey Schlemper was born and raised in Bemidji, Minnesota, USA. Back at home he attends Concordia College.

In Florence he studies at LDM Lorenzo de’ Medici The Italian International Institute attending the course di Florence Sketchbook – Intermediate. He is a junior this year, with a visual art major and psychology and business minors. He has been drawing since he can remember and has a dream of becoming a video game design artist.

Zoey Schlemper è nato e cresciuto a Bemidji, Minnesota. Ha frequentato il Concordia College negli USA. A Firenze frequenta il corso di Florence Sketchbook Intermediate alla LDM Lorenzo de’ Medici The Italian International Institute. È un nuovo alunno per quest’anno e si sta specializzando in arte visiva, psicologia e business. Da sempre disegna e sogna di diventare un artista di video game e design.

Griffin Perch oil on canvas 50 x 70 cm 2015

Grifone sul trespolo olio su tela 50 x 70 cm 2015 55

Askild Winkelmann – LDM Lorenzo de’ Medici

Pietro Desirò – Accademia di Belle Arti di Firenze

Interaction mixed media on canvas 100 x 70 cm 2015 Interazione tecnica mista su tela 100 x 70 cm 2015

Askild Winkelmann was born in Germany, 1994. Askild grew up in the countryside surrounded by forests and seas which she left early to study abroad. In 2010 she started at “Sidcot”, an International Independent Quaker School in Great Britain. After finishing the International Baccalaureate in 2013, with a HL certificate in Arts, Askild Winkelmann participated in a Summer course in Slade, London. With the aim of applying to a British university, she completed the Foundation Course in the “International Workshop Metafora” in Barcelona in 2013-14 and since 2014-15 she is attending another Foundation Art Course with the certificate program at LDM, Lorenzo De’ Medici The Italian International Institute in Florence.

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Askild Winkelmann è nata in Germania nel 1994. Askild è cresciuta in campagna circondata dalle foreste e dai mari che ha lasciato presto per studiare all’estero. Nel 2010 ha studiato presso la “Sidcot”, una Independent Quaker School in Inghilterra. Dopo aver ottenuto l’International Baccalauretae nel 2013, un diploma d’arte col massimo dei voti, Askild ha frequentato un corso estivo a Slade, Londra. Nel 2014 ha terminato il suo primo corso di base in arti contemporanee all’“International Workshop Metafora” di Barcellona. Dal 20142015 sta frequentando un altro anno del programma di arti tradizionali presso la “Lorenzo De Medici”, The Italian International Institute a Firenze.

Pietro Desirò was born in Poggibonsi April 15 1994, in 2013 he graduated from the art hight school Leon Battista Alberti of Florence. Later he attended the International graphic art School Il Bisonte.

He participated in the exhibition of the Bisonte in 2014 to the archives of Florence. He is currently enrolled in the first year of graphics arts at the Accademy of fine arts.

Pietro Desirò è nato a Poggibonsi il 15 aprile 1994 e nel 2013 si è diplomato al liceo artistico Leon Battista Alberti di Firenze. In seguito ha frequentato la scuola internazionale di grafica d’arte Il Bisonte, partecipando alla mostra collettiva del Bisonte nel 2014 all’archivio storico di Firenze. Attualmente è iscritto al primo anno di grafica all’Accademia di Belle Arti di Firenze.

Whale drypoint, engraving, mezzotint and copper sulfate on aluminum.

28,5 x 75,7 cm 2015

Balena punta secca, bulino, mezzatinta e solfato di rame su alluminio.

28,5 x 75,7 cm 2015 57

Pegah Karimi – Accademia di Belle Arti di Firenze

Erika Lavosi – Accademia di Belle Arti di Firenze Erika Lavosi was born in Cascia, Umbria, August 1, 1992.

She began studying art at the Art Institute of Spoleto in the area of Set Design graduating with honors.

During high school she was able to taste the life of the theater, an experience that led her to consolidate her passion for art, especially for Sculpture.

After studying she leaves the Umbrian land and moved to Florence, where, following the example of the great masters, she enrolled in the school of sculpture at the Academy of Fine Arts in Florence, the Academy of great cultural historical importance, where she is studying with prof. Stefano Patti.

She participated in 2014 in the exhibition “Re-learn Michelangelo” at the Academy of Art and Design winning two bronze figurative medals.

Pegah Karimi was born in 1988 in Tehran, Iran. She received her Baccalaureate at the “Figurative Arts” Institute in Tehran, specializing in graphic skills. She also obtained a Diploma in Graphic biennial at the Center for Technical and Professional Education. Moved to Florence. Since 2013 she has been studying Decoration at the Academy of Fine Arts in Florence.

The works show details related to the world of nature in which the predominant point of view is that of the human being and his/her contact with nature. The works were made in the Decoration course held by prof. Stefano Mazzotti nell’A.A.2013/2014.

Pegah Karimi è nata nel 1988 a Teheran, Iran. Ha conseguito il Diploma di maturità presso l’Istituto di Arti Figurative di Teheran, all’interno del corso inerente alle abilità grafiche. Ha, inoltre, conseguito un Diploma biennale in Grafica presso il Centro d’Istruzione Tecnica e Professionale.

Si è trasferita a Firenze e dal 2013 studia Decorazione presso l’Accademia di Belle Arti di Firenze. Le opere mostrano dei dettagli inerenti al mondo della natura in cui il punto di vista predominante è quello dell’essere umano e del suo contatto con la natura. Le sue opere sono state realizzate durante il corso di Decorazione tenuto dal prof.

Stefano Mazzotti nell’anno accademico 2013/2014.

An Other World photograph 13 x 41 cm 2014

Un altro mondo fotografia 13 x 41 cm 2014

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Erika Lavosi è nata a Cascia, in Umbria, il 1 Agosto del 1992. Ha iniziato gli studi artistici presso l’Istituto d’Arte di Spoleto nella sezione di Scenotecnica, diplomandosi a pieni voti. Durante gli studi superiori ha potuto avvicinarsi alla vita del teatro, esperienza che l’ha portata a consolidare la propria grande passione per l’arte e in particolare per la scultura.

Conclusi gli studi ha lasciato la terra umbra e si è trasferita a Firenze dove, seguendo l’esempio dei grandi maestri, frequenta la scuola di Scultura presso l’Accademia di Belle Arti, accademia storica e di grande importanza storico culturale, dove tutt’ora è allieva dello scultore Stefano Patti.

Ha partecipato nel 2014 alla mostra “Ri-conoscere Michelangelo”, presso l’Accademia delle Arti del Disegno di Firenze, vincendo due medaglie figurative in bronzo.

The Union terracotta 66 x 62 cm 2014

L’unione terracotta 66 x 62 cm 2014 59

Giulio Melani – Accademia di Belle Arti di Firenze Giulio Melani was born September 10, 1995 in Florence. Immersed in the art world as a child, he has always had a protention towards painting, drawing, image. Thanks to his father and to the works of his grandfather he could develop his artistic sensibility that formed him temperamentally. In recent years he approached video, becoming an independent film makers and winning some competitions. He attended the Art School Leon Battista Alberti of Florence and this is his first year at the Academy of Fine Arts in Florence. Since three years he has been taking private lessons from a painter who studied at the Florence Academy of Art and he values this experience for the technical capabilities that he has today.

My name is Paris Ioannou and I grew up and live in Skopia, a small village of Florina city. I am in my 4th year at the School of Visual and Appled Arts, University of Western Macedonia, Florina. I always liked to draw and paint, but I took it more seriously during high school years, mainly inspired by video game artworks and film design. I was between aiming for Computer Science or Fine Arts, but art prevailed due to my passion for drawing and not so much passion for mathematics and programming. During my art studies I found out more about Concept Art and Illustration and generally the industry of Visual Effects and focused on honing my skills in order to pursue an appropriate career, mainly in Digital Illustration. I totally love my chosen field and hope that I will make it into a career.

Giulio Melani è nato il 10 Settembre 1995 a Firenze.

Immerso nel mondo dell’arte fin da piccolo, ha sempre avuto una propensione verso la pittura, il disegno e l’immagine. Grazie al padre e alle opere del nonno ha potuto sviluppare una propria sensibilità artistica che lo ha formato caratterialmente. Negli ultimi anni si è avvicinato all’ambito del video, diventando un videomaker indipendente e vincendo alcuni concorsi.

Ho frequentato il Liceo Artistico Leon Battista Alberti di Firenze e questo è il suo prima anno all’Accademia di Belle Arti. Ormai da tre anni prende lezioni private da un pittore che ha studiato alla Florence Academy of Art ed è grazie a questa esperienza che ha accumulato le capacità tecniche di cui oggi dispone.

Self-portrait oil on canvas 50 x 70 cm 2015 60

Paris Iannou – Department of Fine and Applied Arts University of Western Macedonia, Greece

Autoritratto olio su tela 50 x 70 cm 2015

Paris Ioannou è cresciuto e vive a Skopia, un piccolo villaggio nei pressi della città di Florina. È uno studente al quarto anno alla School of Visual and Applied Arts, University of Western Macedonia, Florina. Gli è sempre piaciuto disegnare e dipingere, ma ha preso più seriamente questo impegno durante gli anni del liceo, ispirato principalmente da opere d’arte, videogiochi e film design. Era indeciso tra Computer Science o Belle Arti, ma l’arte ha prevalso grazie alla passione per il disegno che ha prevalso su quella per la matematica e la programmazione. Durante i propri studi d’arte ha approfondito meglio la Concept Art e l’illustrazione e, in generale, l’industria di effetti visivi. Si è concentrato nell’affinare le proprie capacità al fine di perseguire una carriera adeguata, soprattutto nel campo dell’illustrazione Digitale. Si dichiara assolutamente innamorato del campo che ha scelto e spera presto di entrare a farne parte a pieno diritto.

Omen digital painting canvas print 80 x 66 cm 2015

Presagio dipinto digitale montato su tela 80 x 66 cm 2015 61

Yasmine Dainelli – Il Bisonte Yasmine Dainelli was born in 1987 in Leghorn. After graduating from the Art Institute G. Russoli in Pisa and having received the certificate “Il segno inciso” 4th edition in 2005/2006, she obtains a professional qualification in etching and printmaking at the International School of the Graphic Art Il Bisonte in Florence, with a scholarship from the Cassa di Risparmio di Livorno.

She graduated in painting at the Academy of Fine Arts in Florence with Professor Adriano Bimbi.

Fumitaka Kudo – Il Bisonte Freedom etching and soft ground 29,5 x 48,5 cm 2011 Libertà acquaforte e cera molle 29,5 x 48,5 cm 2011

Yasmine Dainelli è nata nel 1987 a Livorno. Dopo il diploma all’istituto d’arte G. Russoli di Pisa e l’attestato “Il segno inciso” 4° edizione nel 2005/2006 ottiene la qualifica professionale in incisione e stampa d’arte alla scuola internazionale di grafica d’Arte il Bisonte, con borsa di studio della Cassa di Risparmio di Livorno. Si è diplomata in pittura all’Accademia di Belle Arti di Firenze con il professor Adriano Bimbi..

Travel’s Diary – China etching and aquatint 31 x 23,5 cm 2012 62

Diario di viaggio – Cina acquaforte e acquatinta 31 x 23,5 cm 2012

Fumitaka Kudo was born in Niigata, Japan, in 1981.

He lives and works in Carrara and Florence after a short stay in New York. In 2008 he graduated in sculpture at the Academy of Fine Arts in Carrara in 2011. He received a scholarship from the Foundation “Alimondo Ciampi” to attend a course of Specialization in Engraving and Printing Art at the International School of Graphic Art Il Bisonte in Florence. He continues on with his artistic research focusing on drawing and sculpture. He has won numerous prizes and awards including the NATO Award, which celebrates 50 years of the NATO Undersea Research Center, with a monumental marble sculpture made for the city of La Spezia, Italy.

Fumitaka Kudo è nato a Niigata, in Giappone, nel 1981.

Vive e lavora tra Carrara e Firenze dopo un breve soggiorno a New York. Nel 2008 si è diplomato in Scultura presso l’Accademia di Belle Arti di Carrara.Vincitore nel 2011 della borsa di studio offerta dalla Fondazione “Alimondo Ciampi” per un corso di Specializzazione in incisione e Stampa d’Arte presso la scuola internazionale di grafica d’arte Il Bisonte di Firenze continua la sua ricerca artistica attualmente concentrata sul disegno e la scultura. Ha vinto numerosi premi e riconoscimenti tra cui il Premio della NATO, che celebra 50 anni di NATO Undersea Research Center, con una scultura monumentale in marmo fatto per la città di La Spezia, Italia.

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Sisetta Zappone – Il Bisonte

Brandon Rickett – Harding University

Sisetta Zappone was born in Cinquefrondi, in Calabria, in 1984. In 2002 she moved to Florence to take the path of artistic research. In 2006 she graduated from the Academy of Fine Arts in Florence with Professor Adriano Bimbi. At the end of 2007, she became a master engraver printer at the International School of Graphic Art Il Bisonte in Florence. In the summer of 2008, she deepened his knowledge in traditional lithographic techniques with Franco Pistelli. She has participated in numerous group and solo exhibitions.

Since 2011 she lives and works in London.

Sisetta Zappone è nata a Cinquefrondi, in Calabria, nel 1984. Nel 2002 si trasferisce a Firenze per intraprendere il percorso della ricerca artistica. Nel 2006 si diploma all’Accademia di Belle Arti di Firenze presso la scuola del professor Adriano Bimbi. Alla fine del 2007 diviene mastro incisore stampatore presso la scuola internazionale di grafica d’arte Il Bisonte di Firenze. Nell’estate del 2008 approfondisce la conoscenza della tecnica litografica tradizionale con Franco Pi-stelli. Ha partecipato a numerose mostre collettive e personali. Dal 2011 vive e lavora a Londra.

Born in Little Rock, Arkansas June 9, 1994.

Art Education Major at Harding University in Searcy, Arkansas. He is planning to teach art in High School.

His specific interests are in drawing, painting and art history.

Suckerfish etching and aquatint 29,5 x 29,5 cm 2007 64

Remora acquaforte e acquatinta 29,5 x 29,5 cm 2007

Nato a Little Rock, Arkansas 9 Giugno, 1994.

Attualmente studia alla Harding University a Searcy, Arkansas. Studia arte per insegnare presso scuole superiori. I suoi interessi sono il disegno, la pittura e la storia dell’arte.

Florentine Panorama photograph 15 x 20 cm 2015

Panorama fiorentino fotografia 15 x 20 cm 2015 65

Aparna Avarsala – Kent State University

Hayden Rickett – Harding University Aparna Avasarala is a third year interior design student at the New York School of Interior Design in Manhattan. She focuses her studies on hospitality and contract design. Her passion for art stemmed in her younger years when she explored the connection between fine arts and architecture through expressionism. Fine arts has always been a pronounced inspiration for all her architectural designs.

Aparna Avarsala è una studentessa di Interior Design al terzo anno della New York School of Interior Design di Manhattan. Ha indirizzato i propri studi sull’ospitalità e il “contract design”. La passione per l’arte le è nata da giovanissima, quando ha esplorato il legame tra le belle arti e l’architettura attraverso l’espressionismo. Le belle arti sono sempre state una grande fonte di ispirazione per tutti i suoi disegni architettonici.

Born in Little Rock, Arkansas June 9, 1994.

He is an art major at Harding University, in Searcy Arkansas. His specific interests are writing, TV and Film design and design production.

Nato a Little Rock, Arkansas USA 9 Giugno, 1994.

Attualmente studia arte alla Harding University a Searcy, Arkansas. I suoi interessi sono la scrittura, il design e la produzione nei campi televisivi e cinematografici.

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Fallen Heroes photograph 15 x 20 cm 2015

Eroi caduti fotografia 15 x 20 cm 2015

Madame Guerrilla acrylic & color pencil on canvas 66 x 74 cm 2015

Madame Guerrilla acrilico e matita colorata su tela 66 x 74 cm 2015 67

Vanessa Reese – Kent State University

Maria Chemello – Libera Accademia di Belle Arti

Beauty in the Breakdown watercolor,, paper and plastic 42 x 29 ¾ cm 2015 Degrado della Bellezza acquerello, carta e plastica 42 x 29 ¾ cm 2015

Vanessa Reese is a junior at Kent State University studying Fashion Merchandising with a minor in Marketing. She is currently taking classes that focus on the business end of the fashion industry and dreams to someday work in Merchandising or Product Development for a large corporation. Along with her fashion background, Reese is currently studying abroad in Florence, Italy where she is experiencing living in a new culture while also learning more about herself.

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Vanessa Reese frequenta il terzo anno alla Kent State University e studia Fashion Merchandising e Marketing. Attualmente i suoi corsi si incentrano sul business dell’industria della moda allo scopo di poter lavorare un giorno nel Fashion Merchandising o nello sviluppo dei nuovi prodotti per una grande azienda. Oltre al suo background nel settore della moda, Reese sta attualmente studiando a Firenze dove sta facendo esperienza di vita all’interno di una nuova cultura e sta anche conoscendo meglio se stessa.

Maria Chemello (Camposampiero- Pd- 1990), graduated in Social Work at the faculty of Law in 2012.

She continues her studies at the Libera Accademia di Belle Arti of Florence, where she’s currently attending the second year of the postgraduate program of Visual Art. She participated in the International Art Expo of Venice, curated by Luca Curci and “I’t’s Liquid Group”, with her performance “Mi trucco ogni mattina. mi strucco ogni sera”, video art section, for the exhibition “Bodies, Places, Spaces”. She collaborated and participated as performer in “Piece, incontri con la performance”, at the Teatro Studio of Scandicci with her personal performance “Variazione di velocità in un intervallo di tempo”, curated by Pietro Gaglianò.

She exposed her works at the exhibition “Sirene… lieve voce” at Follonica and at the Libera Accademia di Belle Arti of Florence.

Maria Chemello è nata a Camposampiero (Padova) nel 1990 e nel 2012 si è laureata in Scienze del Servizio Sociale. Ha proseguito il proprio percorso di studi iscrivendosi alla Libera Accademia di Belle Arti di Firenze, dove attualmente frequenta il secondo anno del biennio specialistico in Arti Visive. Ha recentemente partecipato all’International Art expo di Venezia, in occasione della mostra “Bodies, Places, Spaces”, a cura di Luca Curci e all’“It’s Liquid Group”, presentando la performance “Mi trucco ogni mattina. mi strucco ogni sera”, nella sezione video art. Ha collaborato e partecipato come performer a “Piece, incontri con la performance”, con la performance Variazione di velocità in un intervallo di tempo presso il Teatro Studio di Scandicci, a cura di Pietro Gaglianò. Ha esposto i propri lavori in occasione delle mostre “Sirene… lieve voce” (giugno, 2014) a Follonica e presso la Libera Accademia di Belle Arti di Firenze.

From three to six. Waiting.

Every moment is moving. digital photography 135 x 135 cm 2014

Dalle tre alle sei. In attesa.

Ogni istante è movimento. fotografia digitale 135 x 135 cm 2014 69

Laura Garfagnini – Libera Accademia di Belle Arti

Marco Pioppi – Libera Accademia di Belle Arti

Ex Year digital photography fine art print, on forex.

115 x 80 cm 2013

Untitled Bic pen on wood prepared for white tempera 70 x 100 cm 2013

Ex Anno fotografia digitale stampa fine art, montaggio su forex 115 x 80 cm 2013

Laura Garfagnini (born in Pietrasanta in 1989), graduated from the Libera Accademia di Belle Arti (LABA) of Florence in 2013 with a major in Photography. Her final thesis was about the relationship between photography and painting. After her graduation she was one of the winners of the “Face Your Talent (What about photography)” contest. Laura also partecipated in numerous art exhibitions in Italy and in Russia.

Laura is currently finishing her studies at the Liberal Academy of Visual Arts of Florence.

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Senza titolo penna Bic nera su tavola preparata a tempera bianca 70 x 100 cm 2013

Laura Garfagnini (nata a Pietrasanta nel 1989) si è laureata nel 2013 in fotografia presso la Libera Accademia di Belle Arti di Firenze (LABA), presentando una tesi incentrata sul rapporto storico tra fotografia e pittura. Dopo la laurea ha vinto il concorso “Face your talent (What about Photography)”. Laura ha partecipato anche a numerose esposizioni in Italia e in Russia. Attualmente Laura sta svolgendo il biennio specialistico in Arti Visive presso la Libera Accademia di Belle Arti di Firenze.

Marco Pioppi was born on 24 September 1989 in Orvieto. After attending the Istituto Statale d’Arte di Orvieto, he enrolled at the Accademia di Belle Arti di Firenze, where he obtained a diploma of first level in graphic art in 2012. Again in 2012, he enrolled in the graduate Painting biennium at the Free Academy of Fine Arts (L.A.B.A.) in Florence, where he still continues his studies. His interest in art history leads him, since the early years of his academic experience, to deepen the study of movements and artistic personalities of the past. With Professor Massimo Innocenti, his current teacher of painting, and others students, he participated in numerous events held within Florentine culture and in the province.

Marco Pioppi è nato il 24 Settembre 1989 ad Orvieto.

Dopo aver frequentato l’Istituto Statale d’Arte di Orvieto, si è iscritto all’Accademia di Belle Arti di Firenze, dove ha conseguito il diploma di primo livello in Grafica d’Arte nel 2012. Sempre nel 2012, si è iscritto al biennio specialistico di Pittura alla Libera Accademia di Belle Arti di Firenze, dove tutt’ora prosegue i suoi studi.

Il suo interesse per la Storia dell’Arte lo ha portato, fin dai primi anni della propria esperienza accademica, ad approfondire lo studio di movimenti e personalità artistiche del passato. Con il Professore Massimo Innocenti, suo attuale docente di pittura, e gli altri studenti di indirizzo, ha partecipato a numerosi eventi tenutisi nell’ambito culturale fiorentino e toscano.

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Elizabeth Chan – OCAD University Florence Elizabeth Chan is an undergraduate student at OCAD University in Toronto, Canada and is currently studying in Florence.Through living in Italy, she has begun to delve into themes of identity and reproduction, while taking cues from artists Thomas Ruff, Alexander Peverett and Roni Horn.

Her recent series of large-scale portraits revolve around the construction of images using methods derived from textile manufacturing and digital manipulation, playing with the translation between the virtual to the physical and the digital to the canvas.In this series she seeks to provoke dialogue surrounding issues of racial prejudice, challenging the gaze of the viewer with her portraits which function as both monumental icons and fractured representations of her subjects.

Elizabeth Chan è uno studente laureando in OCAD University a Toronto, in Canada. Attualmente sta studiando a Firenze. Vivendo in Italia, ha iniziato ad approfondire temi sull’identità e sulla riproduzione, prendendo spunto da artisti quali: Thomas Ruff, Alexander Peverett e Roni Horn.

La sua recente produzione di grandi ritratti ruota attorno alla costruzione d’immagini: utilizza metodi derivati dalla produzione tessile e dalla manipolazione digitale, parafrasandolo dal virtuale al fisico e dal digitale alla tela. In questa produzione propone di suscitare un dialogo che tratta questioni che girano intorno al pregiudizio razziale, sfidando lo sguardo dello spettatore con i suoi ritratti, che funzionano sia come icone monumentali sia come rappresentazioni fratturati/spezzati dei suoi soggetti.

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Aaron Millard – OCAD University Florence

Caricature Series (Detail) ink and acrylic 27 x 35 cm 2015

Kesang, 2014. Elizbeth, 2015 acrylic on canvas 213 x 152 cm 2 Pieces – 2014/2015

Kesang, 2014. Elizbeth, 2015 acriclico su tela 213 x 152 cm, 2 Pieces – 2014/2015

Serie Caricature (particolare) inchiostro e acrilico 27 x 35 cm 2015

Aaron Millard is a Doritos-loving illustrator from Toronto Canada with a penchant for telling stories; sharing those he creates from his own experiences and retelling the stories of others. His background in design, in contrast to fine arts, has afforded him a different yet complimentary viewpoint to that of his contemporaries in Florence.The multiplicity of perspectives is what attracted Aaron to the OCAD Florence Program where he finds himself surrounded by students working in a variety of disciplines. Within this collegial, multidisciplinary environment Aaron is pursuing an Advanced Certificate at the 5th year level. Thanks to this unique cosmopolitan setting of practicing artists, Aaron is growing as an illustrator and increasing his repertoire of fantastical stories to share upon his return to Canada.

Aaron Millard è un illustratore appassionato di Doritos da Toronto, Canada, con un debole per il raccontare storie, condividere quelle che crea dalle proprie esperienze e rinarrare quelle degli altri. Il suo background nel design, diverso da quello delle belle arti, gli ha offerto un punto di vista complementare rispetto a quello dei suoi contemporanei a Firenze. La molteplicità di prospettive è ciò che ha attratto Aaron nel Programma OCAD Firenze dove si è trovato circondato da studenti che lavorano in una gran varietà di discipline. All’interno di questo ambiente universiatrio e multidisciplinare Aaron studia per ottenere un Advanced Certificate di 5° anno. Grazie a questa impostazione cosmopolita fra artisti, Aaron sta maturando come illustratore e sta accrescendo il proprio repertorio di storie fantastiche da condividere al ritorno in Canada.

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Kayla Polan – OCAD University Florence

Hollace Kutay – Studio Art Centers International (SACI) Hollace Kutay is a junior at the Pennsylvania State University and is part of the Schreyer’s Honors College. She is studying to receive her BFA in ceramics, with the hopes of obtaining an MFA in ceramics in the future. Hollace is currently attending SACI in Florence as part of her semester abroad.

From a young age, Hollace spent her summers living in the tropics of the Cayman Islands. Since then she has always been entranced by the ocean. In her ceramic work, she combines her passion for art with her love of the sea.

Look Before You Lick mixed media 7. x 20 cm each, 7 pieces 2015

Guarda bene prima di leccare tecnica mista 7,5 x 20 cm ciascuno, 7 pezzi 2015

Kayla Polan is an emerging Canadian artist born in Calgary, Alberta. She currently lives and works in Florence, Italy where she is pursuing a BFA major in Drawing & Painting at the Ontario College of Art and Design. Kayla’s background in performance art, dance and voice, has influenced her conceptual interests in the body. Her work is an exploration of sexuality, desire, eroticism and fantasy.

She believes that laughter is the best way to eliminate any taboo or oppression. Through the use of humor and whimsical reflection Kayla invites the viewer to participate in a celebration of sexual expression and freedom.

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Kayla Polan è un’artista canadese emergente nata a Calgary, nell’Alberta. Attualmente vive e lavora a Firenze, dove sta conseguendo un importante diploma in Disegno e Pittura presso l’Ontario College of Art and Design. La formazione di Kayla nella performance art, nella danza e nell’uso della voce, ha influenzato i suoi interessi concettuali nei confronti del corpo. Il suo lavoro è un’esplorazione della sessualità, del desiderio, dell’erotismo e della fantasia. Ritiene che la risata sia il modo migliore per eliminare qualsiasi tabù o oppressione.

Attraverso l’uso dell’umorismo e della riflessione stravagante Kayla invita lo spettatore a partecipare ad una celebrazione dell’espressione sessuale e della libertà.

Hollace Kutay è nel terzo anno di studi presso la Pennsylvania State University e fa parte del Honors College di Schreyer. Sta studiando per ricevere il suo BFA in ceramica, con la speranza di ottenere un Master in ceramica in futuro. Hollace attualmente frequenta SACI a Firenze come parte del suo semestre all’estero.

Fin da giovane, Hollace ha trascorso le sue estati vivendo ai tropici delle Isole Cayman. Da allora è sempre stata affascinata dall’oceano. Nel suo lavoro in ceramica, si unisce la sua passione per l’arte, con il suo amore per il mare.

Coral Reef earthenware ceramics, glazed fired with stain decoration approx. 20 x 25 cm 2015

Barriera Corallina ceramiche in terracotta, smaltate con decorazioni a macchia 20 x 25 cm ca.

2015 75

Hana Sackler – Studio Art Centers International (SACI) Hana Sackler is an MFA photography candidate at Studio Art Centers International in Florence. Originally from New York City, in the past she has worked with children creating short narrative video pieces as well as collaborate photographic projects. Currently Hana is exploring video, sound, and still images dealing with the themes of self and the body.

Born and raised in Syracuse, New York, USA, Dan Schoeneck is a senior at the Maryland Institute College of Art. He is studying this semester with the MICA program at SACI in Florence, Italy.

As a painter he has always been fascinated by the challenges of portraiture. Schoeneck has shown his work in various exhibitions in Baltimore and he has been on the MICA Dean’s List since 2012. He expects to receive his BFA in the winter of 2015.

Hana Sackler è una studentessa MFA in Fotografia presso Studio Art Centers International a Firenze.

Originaria di New York City, ha precedentemente lavorato con bambini creando brevi brani video narrativi ed ha collaborato a progetti fotografici. Attualmente Hana sta esplorando l’ambito del video, suono e fermo immagine riguardanti i temi dell’autoritratto e del corpo.

Nato e cresciuto a Syracuse, New York, Dan Schoenek è uno studente dell’ultimo anno al Maryland Institute College of Art. Durante questo semestre sta studiando con il programma di MICA presso SACI a Firenze.

Come pittore, Dan è sempre stato affascinato dalla sfida della ritrattistica. Schoenek ha presentato il suo lavoro in varie esibizioni a Baltimora e fin dal 2012 è inserito nella Lista del Preside MICA. Pensa di ottenere il suo BFA durante l’inverno 2015.

Untitled archival pigment print 40 x 50 cm 2015 76

Daniel Schoeneck – Studio Art Centers International (SACI)

Senza titolo stampa a pigmenti 40 x 50 cm 2015

Romantic Language oil on canvas approx. 50.8 x 35.5 cm 2015

Linguaggio romantico olio su tela 50.8 x 35.5 cm ca.

2015 77

Anastasia Soboleva – Studio Art Centers International (SACI)

Elisabetta Carini was born in Rome in June 14, 1995.

She attended high school Farnesina in Rome, graduating in 2014. She made several paintings for private people, inspired also by the various missionary experiences made in Africa with the association Italia Solidale. She is currently frequenting the painting course at the Sacred Art School in Florence. With the other students of the course she is now working to the realization of an important commissioned work for the church of the Madonna del Soccorso of Livorno.

Anastasia Soboleva was born in the Republic of Moldova in 1993. She is currently completing her third year of study at Cleveland Institute of Art where she will receive BFA in Painting and BFA in Drawing, Spring 2016. Anastasia’s early accomplishments include being awarded the 1st Place for Drawing, 1st Place for Painting & Best of Show at the 19th Congressional Art Competition.

Her newest body of work is comprised of large paintings depicting scenes infused with the abyss of human condition. Recently, Anastasia was awarded the Clements Scholarship for Study Abroad and Studio Arts Centers International Scholarship for Painting; for study in Florence, Italy, Spring 2015.

Elisabetta Carini, nata a Roma il 14 giugno 1995, ha frequentato il liceo scientifico Farnesina di Roma, diplomandosi nel 2014. Ha realizzato numerosi quadri per privati, ispirati anche dalle diverse esperienze missionarie svolte in Africa con l’associazione Italia Solidale. Attualmente è iscritta al corso di specialistica in pittura presso la Scuola di Arte Sacra di Firenze. Con le altre allieve del corso sta collaborando in questo momento alla realizzazione di un’importante opera su commissione per la chiesa della Madonna del Soccorso di Livorno.

Anastasia Soboleva è nata nella Repubblica Moldava nel 1993. Attualmente sta completando il suo terzo anno di studi presso l’Istituto d’Arte di Cleveland, ed otterrà il BFA in Pittura e in Disegno nella primavera del 2016. Uno dei primi risultati di Anastasia è stato essere premiata con il 1° posto per Disegno, 1° posto per Pittura e Migliore dell’Esibizione alla 19° Competizione d’Arte del Congresso.

Il nucleo del suo lavoro nuovo comprende grandi pitture che riproducono scene pervase dall’abisso della condizione umana. Di recente, Anastasia è stata premiata con il Clements Scholarship per lo Studio all’estero e con Studio Art Centers International Scholarship per la Pittura, per studiare a Firenze, nella primavera 2015.

Incorrigible acrylic and oil on cotton 160 x 220 cm 2015 78

Elisabetta Carini, Sian Gao, Anna Naslund, Sofia Novelli – Sacred Art School Firenze

Incorreggibile acrilico e olio su cotone 160 x 220 cm 2015

Sian Aodh Gao was born in Xi’an, China in 1990. She went to Vancouver, Canada in 2008. She moved to Toronto from Guelph in 2010 to pursue her artistic vision. In 2011 she was enrolled into Ontario College of Art and Design University and remain there till now. Meanwhile, she has been attending workshops in Academy of Realistic Art Toronto and Canada Art Academy. She came to Florence with OCADU Florence off-campus program in August 2014, soon after she started the painting program in Sacred Art

School. She is now collaborating with the other painting students to the realization of a commission for the church of Madonna del Soccorso in Livorno.

Sian Aodh Gao è nata a Xi’an, Cina, nel 1990. Si è trasferita a Vancouver, Canada, nel 2008. Per seguire la propria passione artistica si è spostata da Guelph a Toronto nel 2010, e dal 2011 è iscritta alla Ontario College of Art and Design University. Nel frattempo ha frequentato seminari presso la Academy of Realistic Art a Toronto e presso la Canada Art Academy. È venuta a Firenze con la OCADU tramite il programma off-campus di Firenze nell’agosto del 2014 e a novembre ha iniziato a frequentare il corso di disegno e pittura alla Sacred Art School. In questo momento sta collaborando con le altre studentesse di pittura alla realizzazione di un’opera su commissione per la chiesa della Madonna del Soccorso di Livorno.

Anna Naslund was born in August 1990 in Gothenburg Sweden.

She attended the Dômen school of Art, where she graduated in 2014.

She currently specializing in sacred painting at the Sacred Art School in Florence.

Here, she is working on a triptych for the Church of Santa Maria del Soccorso of Livorno.

Anna Naslund è nata nell’Agosto 1990 a Gothenburg, in Svezia. Ha frequentato la Scuola d’Arte a Dômen, in Svezia, dal 2011 al 2014. Attualmente si sta specializzando in pittura sacra presso la Sacred Art School 79

Maria de Los Angeles Ovalle, Luna Colombini, Claudio Pulicati – Sacred Art School Firenze di Firenze. Qui, sta collaborando ad un trittico per la chiesa di Santa Maria del Soccorso di Livorno.

Sofia Novelli was born in Prato in April 25, 1991. She attended art school in Florence and she graduated in 2010.

Then she attended the Academy of Art in Bologna where she graduated in Painting.

In the same year she started her work in Sacred Art School in which she is currently attending the second year of specialization in Painting.

Sofia Novelli è nata a Prato il 25 Aprile del 1991.

Ha studiato al Liceo Artistico Leon Battista Alberti di Firenze diplomandosi nel 2010.

Successivamente si è iscritta all’Accademia di Belle Arti di Bologna e si è laureata a pieni voti alla triennale di Pittura nell’Ottobre del 2013.

Nello stesso anno ha iniziato il percorso alla Sacred Art School di cui attualmente sta frequentando il secondo anno specializzandosi in Pittura Sacra.

Prayer, Bön, 祈禱, Oraciòn oil on canvas 200 x 140 cm 2015 80

Preghiera, Bön, 祈禱, Oraciòn olio su tela 200 x 140 cm 2015

Maria de los Angeles Ovalle was born in March 27, 1973 in Chile.

From 1991 to 1995 she studied pedagogy in religion at the Institute de Catequesis.

From 2006 to 2010 she studied theology at the Universidad Catolica in Chile.

About art, she studied drawing at Matias Movillo’s studio; still in Chile and from 1997 to 2001 she worked at art atelier of Alejandra Izquierdo specializing in acrylic paint on wood and pyrography.

From 2001 to 2014 she worked in her private studio making religious works especially for churches and places of worship. In 2010 taught iconography with the master Gerardo Zenteno.

She is currently attending the course in Sacred Art and Craft at Sacred Art School in Florence.

Luna Colombini was born in 1985 in Lucca, where she graduated from artistic high school in 2004.

After receiving her three-year degree in History and Preservation of Artistic Heritage at the University of Florence, she attended the Academy of Fine Arts in Florence, where she received a degree in Painting in 2012. She continued her studies in Bologna, where she graduated in Illustration for Publishing in 2014.

At the same time she got the qualification as Technician of editorial material, which allows her to work as a graphic and editorial letterer.

Actually she works with painting and illustration, contaminated by the strong passion for comics and music.

She lives and works between Lucca and Florence.

Marìa de los Angeles Ovalle è nata il 27 marzo del 1973 in Cile.

Dal 1991 al 1995 ha studiato pedagogia religiosa presso l’Istituto de Catequesis.

Dal 2006 al 2010 ha studiato teologia all’Universidad Catòlica in Cile. Per quanto riguarda l’arte, ha studiato disegno presso l’atelier dell’artista Matìas Movillo sempre in Cile e dal 1997 al 2001 ha lavorato nell’atelier di Alejandra Izquierdo, specializzandosi in pittura acrilica su legno e in pirografia.

Dal 2001 al 2014 ha lavorato nel proprio atelier privato realizzando opere religiose destinate specialmente alle chiese e ai luoghi di culto. Nel 2010 ha tenuto un breve corso di iconografia col maestro Gerardo Zenteno in Cile. Attualmente sta frequentando il corso di Arte e Artigianato sacro alla Sacred Art School di Firenze.

Luna Colombini è nata nel 1985 a Lucca, dove si è diplomata nel 2004 presso il locale Liceo Artistico.

Dopo la laurea triennale in Storia e Tutela dei Beni Artistici presso l’Università di Firenze, ha frequentato l’Accademia di Belle Arti di Firenze prima – dove si è diplomata in pittura nel 2012 – e di Bologna poi, dove nel 2014 ha concluso il percorso in Illustrazione per l’Editoria. Contemporaneamente si è specializzata come Tecnico del materiale editoriale, lavoro le permette di lavorare come grafica e letterista editoriale.

Si occupa di pittura e illustrazione, contaminate da una forte passione per il fumetto e la musica.

Vive e lavora tra Lucca e Firenze.

Claudio Pulicati was born in Ischia in 1989. He attended the Università degli Studi di Napoli “Federi81

Fabio Deiana – Sacred Art School Firenze co II”. He is currently attending the course in Sacred Art and Craft at Sacred Art School in Florence. He had artisan experiences about typical ischian pottery and majolica. He’s also interested in photography and in 2012 he won the prize of FAI national contest “Galleria Umberto Primo, riscoperta di una bellezza negata”. He lives, studies and works between Florence, Naples and Ischia.

Claudio Pulicati è nato ad Ischia nel 1989. Ha studiato architettura presso l’Università degli studi di Napoli “Federico II”. Attualmente frequenta il primo anno alla Sacred Art School, con esperienze di artigianato nella ceramica e nella maiolica tradizionale ischitana.

Durante gli studi universitari si è dedicato al mondo della fotografia, vincendo nel 2012 il primo premio del concorso fotografico nazionale promosso dal FAI “Galleria Umberto Primo, riscoperta di una bellezza negata”. Vive, studia e lavora tra Firenze, Napoli ed Ischia.

Mary: Masterpiece both sides mixed media 97 x 204 x 20 cm 2015 82

Maria: Capolavoro fronte retro tecnica mista 97 x 204 x 20 cm 2015

Fabio Deiana was born in Florence in 1993. He attended the Istituto d’Arte di Porta Romana where he passed, during the studies, from the painting to the design section. After the diploma he frequented the Art and Crafts course at the Sacred Art School in Florence, then he continued with the second year of specialization in sculpture.

Fabio Deiana è nato a Firenze nel 1993. Ha frequentato l’Istituto statale d’Arte di Porta Romana passando, nel corso degli studi, dalla sezione di pittura a quella di design. Dopo il diploma si è iscritto al corso di Arte e Artigianato presso la Sacred Art School di Firenze, proseguendo poi con il secondo anno di specializzazione in scultura.

San Francesco d’Assisi terracotta approx. 32 x 23 x 22 cm 2014

San Francesco d’Assisi terracotta 32 x 23 x 22 cm ca.

2014 83

Haley Kreofsky – Santa Reparata International School of Arts

Madison Moore – Santa Reparata International School of Arts Madison Moore, age 20, is a third year junior majoring in Fine Arts Photography at Alfred University in upstate New York. Madison has been interested in Art and Fashion Photography since day one of touching film and photo paper. Digital printing has become a new experimental love and way to build upon more surrealistic imagery. In these photographs she seeks to deal with an interest in looking at light through a digital lens, and exploring the grittier aspects of individual nature in a mystical way.

Madison Moore, 20 anni, è al terzo anno di Fine Arts Fotography presso la Alfred University, nello stato di New York. Madison dalla prima volta che ha toccato la pellicola fotografica, è stata interessata all’arte e alla fotografia di moda. La stampa digitale è diventata un nuovo amore sperimentale e un modo di costruire un immaginario surreale. In queste fotografie cerca di affrontare l’interesse nel guardare la luce attraverso le lenti digitali ed esplorare gli aspetti più grintosi della natura in una maniera mistica.

Stories Don’t End diptych: film images on wood with emulsion 17.7 x 24.13 cm 2015

Le storie non finiscono dittico: immagini digitali su legno con emulsione 17,7 x 24,13 cm 2015

Haley Kreofsky is currently studying Film Production at University Wisconsin Milwaukee in the United States. Haley has been actively taking photos since she was fifteen and her passion for photography slowly pushed her into cinematography.

What draws her to the camera is her interest in capturing people and sharing their stories through light and shadow.

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Haley Kreofsky attualmente frequenta il corso d Film Production presso la University Wisconsin Milwaukee negli Stati Uniti. Haley ha iniziato ad appassionarsi alla Fotografia dall’età di quindici anni e la sua passione l’ha portata lentamente verso la cinematografia. Quello che la attrae verso la macchina fotografica è il suo interesse a catturare le storie delle persone e raccontare le stesse attraverso giochi di luce ed ombre.

Micro Views of a Macro Reality digital printing 19.5 x 22.2 cm 2014

Microvedute di una Macrorealtà stampa digitale 19,5 x 22,2 cm 2014 85

Elena Tontoni – Santa Reparata International School of Arts I am Elena Tontoni and I am from Philadelphia, Pennsylvania. I am in my third year at Alfred University majoring in studio art. I have a concentration in painting and a minor in art education. Currently, I am spending the semester in Florence, Italy where I am taking classes in painting, drawing and photography. I have had some work displayed in the Robert C. Turner Gallery at Alfred University.

Elena Tontoni viene da Philadelphia negli U.S.A. Frequenta il terzo anno di Università presso la Alfred University con una specializzazione in Arte. Ha come area principale di studio la pittura e un ulteriore campo di interesse nell’insegnamento dell’arte. Attualmente sta frequentando un semestre di studio all’estero a Firenze, dove sta frequentando corsi di pittura, disegno e fotografia. Ha avuto in passato un lavoro esposto alla Robert C. Tuner Gallery presso la Alfred University.

Bicycle cyanotype 47 x 31 cm 2015 86

Motociclo cianotipo 47 x 31 cm 2015

Florence and Abroad s.a.s.

Real Estate Agency

Finito di stampare nel mese di maggio 2015 da Tipografia Comune di Firenze