MÁS SOBRE LAS Y LOS ARTISTAS PARTICIPANTES

ADELINE DE MONSEIGNAT (Mónaco, n. 1987) Escultora que vive y trabaja entre Londres y la Ciudad de México. Cuenta con una Licenciatura en Lengua y Cultura por la University College de Londres (2009) y con una Maestría en Bellas Artes por City & Guilds of London Art School (2011). A través del proceso de escultura la artista tiene como objetivo proporcionar fisicalidad y funcionalidad a tales conceptos intangibles. Adeline trabaja principalmente con materiales orgánicos, minerales, sensuales, fuertes pero vulnerables, como pieles, vidrio, textiles, acero y mármol, cuyo objetivo es hacer eco de las cualidades, vulnerabilidades y potencialidades del cuerpo humano. Entre sus exposiciones individuales, destacan: O, Ronchini, Londres (2018); L’Attesa, Exchiesetta, Polignano a Mare, Italia (2017); Home, Ronchini, Londres (2014). Adeline ha sido partícipe de varias exposiciones colectivas como: Recover/Uncover, Masa Galeria, Ciudad de México (2020); Fire Ladders, Museo de Geología UNAM, Ciudad de México (2020); Synergia, Museo Federico Silva, San Luis Potosí, Mexico

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(2019); Skulpturenpark, Kandlhofer, Vienna (2018-2019); Sisyphus in Retrograde, Londres (2019); Polarities, Totah, Nueva York (2018); Force of Nature, Mile End Art Pavilion, Londres (2017); Beyond Borders, Blain Southern, Londres (2016); UK/raine, Saatchi Gallery, Londres (2015); The Future Can Wait, Victoria House, Londres (2013); entre muchas otras. Su trabajo ha sido merecedor del Premio Royal Society of Sculptors Bursary Awards (2013); del Premio de Arte Fack West, Londres (2013), del Premio de Arte Catlin (Ganadora del premio del voto visitante, 2012) y del Premio Arcadia Missa Gallery (2011).

ADRIÁN GUERRERO (México, n. 1975) Arquitecto por la Universidad ITESO de Guadalajara con Maestría en Filosofía y Ciencias Sociales por la misma Universidad. Sobresalen entre sus muestras: Alles Kann Etwas Sein y Perceptio, Museo Casa Taller José Clemente Orozco; Disertaciones del punto, Galería Atelier, San Miguel de Allende; Altar de muertos contemporáneo, Museo de Arte, Zapopan. Algunas exposiciones colectivas de las cuales ha formado parte son: Shaped in Mexico, Oxo Tower, Londres; Arte Careyes, Careyes; Construcciones Primeras, Palazzo Bembo, Bienale di Venezia; Contemporary Alternatives II, Kavachnina Gallery, Miami; Concurso Internacional de Cerámica de Arte contemporáneo, convocado por el Museo MIC, Faenza; Gyeonggi International Biennale (2011), Corea y en la IX Bienal Internacional de Cerámica de Manises, Valencia. Ha sido merecedor de la Mención de Honor en la Bienal Internacional de Cerámica Gyeonggi, Corea (2011); seleccionado de CERCO (2011); Premio Internacional de Cerámica Contemporánea de Zaragoza; seleccionado en el 57 Faenza Prize; seleccionado de la IV Bienal de Cerámica Utilitaria, Museo Franz Mayer de la Ciudad de México, entre otros.

ALDO CHAPARRO (Perú, n. 1965) Es un artista contemporáneo originario de Perú cuyo trabajo se centra principalmente alrededor de la escultura, el diseño y la arquitectura, conocido especialmente por sus esculturas hechas con acero inoxidable. Actualmente vive y trabaja entre la Ciudad de México, Los Ángeles, Madrid y Lima. Mucho del trabajo de Aldo Chaparro

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está basado en procesos rápidos, lo cual le obliga a tener una relación estrecha con sus materiales. Sus esculturas en acero inoxidable doblado remiten por un lado al error, teniendo un parecido con hojas de papel desechadas, así como a una de las maneras más primitivas de darle volumen a un plano. Por otro lado, la superficie de los mismos funciona como espejos distorsionados que sirven como un visor del espacio alternativo que construyen. Las láminas de acero, dobladas con el cuerpo y la fuerza de Chaparro, tienen su origen en su interés por el reflejo. Una de las premisas de la obra de Chaparro es el tiempo y la relación que éste tiene con el material. Sus esculturas con acero son el resultado de la interacción de su propio peso, fuerza y estado de ánimo, con las hojas de acero inoxidable o latón, de modo que la producción de las mismas funciona como un diario de su cuerpo. Chaparro es representado por la Galería de Pierre Huber en Suiza, la Galería Casado Santapau en España, Ginsberg Galería en Lima, y OMR en México. Además de su trabajo como artista, Aldo Chaparro también ha sido editor y director de arte. Como director del Grupo Editorial Celeste produjo más de 40 publicaciones de arte contemporáneo y moda del año 2000 al 2012, incluyendo Celeste y Baby baby baby, dos de las publicaciones de arte y cultura contemporánea más influyentes a nivel mundial. Su trabajo se encuentra en colecciones como: Fundación/Colección Jumex, México; Colección Coppel, México; The CIFO – Cisneros Fontanals Art Foundation, Miami, Estados Unidos; The Helga de Alvear Foundation, España; Simon de Pury, Londres, Reino Unido; Douglas Baxter’s Collection, Nueva York, Estados Unidos; Collection Domenico de Sole, Hilton Head, Estados Unidos; Collection Guler Sabanci, Estambul, Turquía; Pierre Huber Collection, Ginebra, Suiza; Museo de Arte Contemporáneo Lima, Lima, Perú; Perez Art Museum Miami, Miami, Estados Unidos.

ALEJANDRA BARREIRO (México, n. 1975) Artista autodidacta. Todas sus obras están impregnadas con el amor y la pasión que caracterizan mi trabajo. En sus obras utiliza una técnica mixta donde mezcla acrílicos, aceites, resinas, pasteles y tintas. Resultado de todo ello el año pasado fue acreedora

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de la Presa Internacional Gaviota, por la gran pasión y creatividad expuesta en su trabajo y sus obras.

ALEJANDRO PINTADO (México, n. 1973) Cursó la licenciatura de Pintura en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” en la Ciudad de México, la Maestría en Bellas Artes en Goldsmiths College de la Universidad de Londres y realizó estudios en Skowhegan School of Painting en Maine. Destacan entre algunas de sus exposiciones relevantes: Material/Ethereal, Hamiltonian Gallery, Washington, DC; The Clearest Skies, Post Box Gallery, Londres; Trayectoria del conocimiento. Diálogo con José María Velasco, Museo Nacional de Arte, Ciudad de México. Ha participado también con Planos convergentes, en la Galería Ethra de Ciudad de México; Crosslines en el Arts and Industries Museum Smithsonian de Washington D.C.; Pabellón de México en la Feria Mundial Expo de Milán (2015); Messico circa 2000 en la Scuderia del Castello Miramare de Turín; Escape en la Sumarria Lunn Gallery, Londres; Landscape interventions en la Fundación Arte sin límites, La Haya y Berlín. Ha sido distinguido con galardones como el premio Bienal Miradas, de Tijuana; la beca del Sistema Nacional de Creadores del FONCA, México; el Premio Especial en Venecia, Italia; la Beca Pollock-Krasner, de la Fundación Pollock-Krasner, de Nueva York; y el Premio de Adquisición del XVIII Encuentro Nacional de Arte Jóven en, en Aguascalientes.

ALEXANDER MIGNOT (Canadá, n. 1984) Pintor mitad francés y mitad venezolano, Alexander Mignot creció en la isla de Margarita, en Venezuela, rodeado por el mar Caribeño y surfeando a diario. Ha vivido también en Florida y Portugal. Realiza su primera exposición individual en Miami, Florida. Ha expuesto de manera individual durante seis ocasiones diferentes en Ciudad de México, Nueva York, Madrid, París, St. Barths y Mykonos. Su obra forma parte de diferentes colecciones Blue Chip alrededor del mundo. El arte se convierte en su vida y propósito. Su estudio se encuentra en Lisboa donde vive y pinta.

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ALEXANDER ZULETA (Guatemala, n. 1984) Trabaja la geometría, estudiando en profundidad el arte cinético, y el op-art. Artista visual, diseñador gráfico, pintor, escultor, grabador, fotógrafo y dibujante. Desde la edad de cinco años empieza su interés y afición por la pintura, prácticamente su formación es autodidacta. Luego de obtener varios reconocimientos y primeros lugares en los concursos de la región, a partir de los 17 años estudia Diseño Gráfico en la Universidad del Istmo de Guatemala. Posteriormente obtiene un intercambio de estudios basados en Filosofía del Arte y Diseño y Arte Práctico en CODARTS, Hogeschool Voor de Kunsten en Holanda. Además ha realizado estudios con maestros reconocidos. Su obra ha participado en varias exhibiciones colectivas nacionales e internacionales en España, Holanda, México, Brasil, Argentina, Costa Rica, El Salvador, Guatemala, Estados Unidos y Cuba. Ha participado en la realización de la joven estampa en la Casa de las Américas Cuba, dentro de sus exhibiciones dentro de Guatemala y el extranjero, destacan la Tercera Muestra Centroamericana de Arte Emergente en el Museo de las Américas, Palacio de Bellas Artes, México (2005); exhibición de dibujos en la sala Clemente Orozco; exhibición CODARTS, Holanda (2003); Bienal de arte Paiz, Guatemala (2004); Juannio (2005 a 2007): Arte Subasta Rotarios, Fundación Rozas Botrán. Palacio Nacional de Cultura, Alianza Francesa, Museo de la Cervecería, Sala Marco Augusto Quiroa, La Antigua, Galería Carlos Woods, El Ático, El Túnet, Caos, El Sitio.

ALEXIS DE CHAUNAC (Estados Unidos, n. 1991) Vive y trabaja entre Nueva York, París y México. Estudió en Sarah Lawrence College en Nueva York antes de inscribirse en la Universidad de Oxford en Inglaterra, en la carrera de Historia del Arte. Sus principales exposiciones individuales son: Alexis de Chaunac: Botánica, Sargent Daughters, Nueva York, Estados Unidos (2019); Alexis de Chaunac: Botánica Magnífica, ChaShaMa, Nueva York, Estados Unidos (2018); Alexis de Chaunac: Rebelde con Causa, XLV Festival Internacional Cervantino, Universidad de Guanajuato, México (2017); Alexis de Chaunac: A

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Dance with Life and Death, ART 3 Gallery, Brooklyn, Estados Unidos (2015); Alexis de Chaunac: Mala Sangre / Bestiario, Pinacoteca Diego Rivera, Xalapa, México (2015); Alexis de Chaunac: Mala Sangre, Instituto Cultural de León, Guanajuato, México (2014); Alexis de Chaunac: Mala Sangre, Museo Iconográfico del Quijote, Guanajuato, México (2014). Principales exposiciones colectivas: 7102 Fantasma Semiótico (S)Cituacionista, Museo de Arte Carrillo Gil, México (2017); Inaugural Exhibition, ART 3 Gallery, Brooklyn, Estados Unidos (2014); DRAW, the largest contemporary drawing exhibition curada por Erik Foss y Miguel Calderón, Museo de la Ciudad de México, México (2010). Sus obras forman partes de colecciones privadas de Nueva York, Los Ángeles, Dallas, París y México.

ALEXIS GÓMEZ (Venezuela, n. 1987) Egresado de la Universidad de Los Andes, Venezuela con la Licenciatura en Arte. Entre sus exposiciones individuales se encuentran: Resonancias, Galería de Arte la Otra Banda, Mérida, Venezuela (2014); Iteraciones, Ileana Viteri Galería, Quito,

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Ecuador (2017). Ha participado en diversas exposiciones colectivas, entres las que se encuentran: In-situ: construcción de paisajes, Ileana Viteri Galería, Quito, Ecuador (2016); Primera edición de Food Art Week, Museo de Numismática, Ciudad de México, (2018). Alexis ha participado en varias bienales, como: VIII Bienal de Arte para Estudiantes Full Expresión (2012); I Bienal de Coro, Venezuela (2014); III Bienal de Artes gráficas, Museo del diseño y la estampa Carlos Cruz-Diez, Caracas, Venezuela (2016). Su trabajo ha sido merecedor de varios premios como: Premio en la categoría de escultura - tridimensional de la VIII Bienal de Arte para Estudiantes Full Expresión (2012); seleccionado en la Bienal Arturo Michelena, Valencia, Venezuela (2014); Premio de Honor a Cándido Millán (2014). Formó parte del salón de Arte Emiro Lobo, Mérida, Venezuela (2013).

ALFREDO COTA (México, n. 1982) Estudió la Licenciatura en Artes Visuales en la Universidad de Guadalajara, realizó un intercambio académico en la Universidad Diego Portales en Santiago de Chile. Trabaja a partir del modelado con plastilina y posterior vaciado en materiales rígidos como la resina o el metal. Su propuesta escultórica analiza aspectos de socialización y migración de especies animales siempre dinámicas. Ha expuesto individualmente en diferentes plataformas y galerías como: Gallery Weekend, Corredor Cultural Roma Condesa y Art Vancouver, Canadá. Ha participado en diferentes exposiciones colectivas en museos, galerías y espacios independientes de distintas partes de la república. Fue elegido para realizar la escultura conmemorativa de los 25 años del Auditorio Nacional en la Ciudad de México (2016).

ÁLVARO VERDUZCO (México, n. 1977) Estudió la Licenciatura en Artes Plásticas en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM, cuenta con un posgrado de Teoría Práctica en Goldsmiths College de la Universidad de Londres del Reino Unido. Ha expuesto de manera individual varias veces, entre las que destacan: Blue Tape - Progressions, Estudio Roca, Ciudad de México (2018); Record Label Series, Rastro Gallery, Chiapas, Curada por Gabriel Mestre (2017); An elephants footprints lead to firm

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ground, Ampersand International, San Francisco, Estados Unidos (2016); Urban Legends, LMAK Projects, Nueva York, Estados Unidos (2007); Real Mysteries, Fish and Chips Shop, Londres (2003); entre muchas otras. Dentro de sus exposiciones colectivas se encuentran: Parámetro 03, Bienal de Arte Lumen, Museo de la Ciudad de México, México (2018); Knock on Wood, Ekissens Art Space, Islandia (2017); JAM de Escritura y Dibujo, Museo Rufino Tamayo (2016); por decir algunas. Su trabajo ha merecido importantes premios y becas, tales como la Mención Honorífica en la Bienal de Arte Lumen (2018); Beneficiario de Proyectos Especiales por el FONCA (2017); Beca de Jóvenes Creadores por el FONCA (2005-2006). Ha obtenido realizado residencias artísticas en varios países como El Salvador, India, Reino Unido, Estados Unidos y Georgia. Su obra se encuentra en varias colecciones en Argentina, Estados Unidos, México y Rumanía.

ANA LUCÍA TEJEDA (México, n. 1992) Artista plástica mexicana, autodidacta, originaria de Culiacán, Sinaloa. Su creatividad la ha llevado a encontrar en cualquier objeto una posibilidad de expresión artística. El estilo de su obra es el expresionismo abstracto, y se caracteriza por sus piezas en gran formato sobre diferentes soportes como lino, espejo y cerámica. Su trabajo se ha expuesto internacionalmente en México, Estados Unidos, España y África. Ella se considera una firme partidaria de la expresión humana por medio del arte. Actualmente vive y trabaja en la Ciudad de México.

ANTONIO BRAVO (México, n. 1983) Cursó la Licenciatura en Artes Visuales en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”. Su trabajo ha sido expuesto en varios museos importantes del país como el Museo de Arte Carrillo Gil, el Museo Amparo y el MUAC. Antonio ha participado en la bienal FEMSA, la Bienal de Fotografía del Centro de la Imagen y la II Bienal Nacional del Paisaje del Museo de Arte de Sonora. Ha sido beneficiario del programa Jóvenes Creadores del FONCA y del programa BBVA Bancomer - Museo de Arte Carrillo Gil.

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BERTA KOLTENIUK (México, n. 1958) Estudió en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” y en la Escuela Nacional de Artes Plásticas “San Carlos” así como en el Corcoran College of Art and Design en Washington, D.C. Durante su estancia en Estados Unidos (1997-2004) comenzó su trabajo como curadora. Expuso de manera individual con varias muestras como La vida interna de las formas, Galería principal de la Esmeralda, CDMX; Cartografías nómadas, Galería UAM Iztapalapa, CDMX; Menta y Chocolate, Fundación San Sebastián, CDMX; Two perspectives, Galería Skape, Seúl, Corea; entre otras. Estuvo a cargo de la Celda Contemporánea de la Universidad del Claustro de Sor Juana (2012-2017). Fundó y dirigió el espacio independiente Estudió 71 en la Sinagoga Histórica de la Ciudad de México (20142016).

BETSABÉE ROMERO (México, n. 1963) Artista visual mexicana que mezcla el arte contemporáneo con el arte popular. Su lenguaje artístico, que va desde intervenciones al uso de variadas técnicas plásticas, le han convertido en una de las artistas visuales mexicanas más destacadas del momento; sobre todo, en temas de importancia social como la migración, la tradiciones y el mestizaje. Su trabajo se ha caracterizado por el predominio de la temática urbana y la exploración que hay detrás de objetos como el auto o las llantas, de esta manera, ha ido rescatando tradiciones y elementos culturales enfocándose en problemas sociales de la realidad mexicana contemporánea. Muchos de los cuales son la herencia de su complejo proceso histórico, por ejemplo, el tema de la industria textil de México y el mestizaje. Betsabeé Romero ha participado en más de 20 bienales y ha llevado a cabo más de 40 exposiciones individuales en México y en el extranjero, entre las que destacan las del Museo Británico, el Colegio de San Ildefonso, Museo de Arte Carrillo Gil, la Universidad UNISA de Sudáfrica y la Recoleta en Buenos Aires. Cuenta con una gran trayectoria que la ha convertido en una de las principales representantes del arte latinoamericano del siglo XXI.

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CARLOS AGUSTÍN (México, n. 1952) Estudió en la Escuela de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” del INBA, y en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de San Carlos de la Universidad Nacional Autónoma de México. Artista visual multidisciplinario de amplia trayectoria: pintor, grabador, editor de libros de arte y fotógrafo. Se ha hecho acreedor a diferentes premios y menciones honoríficas en salones de artes plásticas. Entre sus exposiciones individuales más relevantes se encuentran: Sculptures: Carlos Agustín, Hoffman Gallery, San Diego (1987); Carlos Agustín, Esculturas, Centro Asturiano, Ciudad de México (1989); Homenaje a Juan Rulfo, Donde Retorna el Viento, Instalación, Instituto Politécnico Nacional, Escuela Superior de Ingeniería y Arquitectura, Ciudad de México (2006). Es el creador de esculturas monumentales para el Hotel Presidente Intercontinental de Polanco, Ciudad de México (2011); en el Jardín Zaragoza, Toluca (2010); autor de obras para el 70 aniversario del Instituto Politécnico Nacional (2006) y para el Instituto Nacional de Cancerología (2003); entre otras. Su obra es parte de colecciones y museos como el Museo de Arte de Aguascalientes, el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca, el Museo de Arte de Querétaro y el Kochi de Osaka.

CARMEN PARRA (México, n. 1944) Hija del arquitecto Manuel Parra y de María del Carmen Rodríguez Peña. Artista multidisciplinaria, polígrafa, de 1959 a 1964, comenzó su formación artística estudiando teatro en la Escuela Nacional Preparatoria número 5 de la UNAM. Inició sus estudios de Antropología Social en la Escuela Nacional de Antropología e Historia en la Ciudad de México. Ciudadana del mundo, ávida de conocer todas las expresiones artísticas, estudió diseño gráfico para el cine en el Royal College of Arts de Londres, Pintura en la Academia de Bellas Artes de Roma, en 1964, y Música en el Instituto Villalobos de Río de Janeiro. Finalmente regresa a México y concluye sus estudios en “La Esmeralda”. Estas experiencias fueron el parteaguas de su trayectoria creativa. A lo largo de su incesante actividad plástica, Carmen Parra ha generado una hermandad con

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los artistas novohispanos para rescatar su tiempo y su iconografía - altares, espacios arquitectónicos, ángeles, arcángeles, águilas, mariposas y flores cohabitan en su obra. El mundo de El Aire puebla sus sueños. A través de su pincel y de su inagotable imaginación transcribe su experiencia, creando un lenguaje propio. Para Carmen Parra, las raíces de México son sus propias alas: se declara “veedora de la Nación”.

CHANCE WATT (Estados Unidos, n. 1993) Artista estadounidense que descubre su pasión por el arte a los 19 años. Entre su interpretación contemplativa hábilmente audaz de la abstracción y el realismo, sus pinturas son viscerales pero sensuales. Cada concepto es un placer, tu mente salta entre toques de color y sofisticación cambiante. Chance crea una energía con toques de densidad que emiten una ligera sensación escultural para que el ojo juegue. Sus sujetos se elevan a una nueva era y vibra que estimularán constantemente su mente con narrativas en constante cambio. CHRISTIAN BECERRA (México, n. 1985) Licenciado en Artes Plásticas y Visuales por Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado, “La Esmeralda” del INBA. Su trabajo ha sido mostrado en varias exposiciones individuales y en más de cincuenta exposiciones colectivas en México, Estados Unidos, Colombia, Ecuador, Venezuela, Argentina, Inglaterra, Alemania, Italia y España. En diferentes recintos como Galería Luis Adelantado, Museo de Arte Carrillo Gil, Museo de Arte de Sonora, Museo de Arte de Sinaloa, Museo de la Ciudad de México, Museo Universitario del Chopo, Centro de las Artes de San Agustín, Centro de la Imagen, Museo Leopoldo Flores, San Pedro Museo de Arte, Museo de Arte Moderno, Oxxo Tower Londres, Galería Ariana Paffrath, Institute and Museum Bitola, Galería Concha Pedrosa, Facultad de Bellas Artes de Sevilla, Claustro de Sor Juana, Galería CAF, Galería de Arte de la SHCP, Museo de Artes Gráficas, Museo Franz Mayer, Centro Nacional de las Artes, Centro Cultural Universitario Tlatelolco, Centro Cultural España. Y

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en Bienales como, Bienal Internacional de Arte Contemporáneo de América del Sur, BIENALSUR; Segunda Bienal del Paisaje; Tercera Bienal de Arte Lumen; Bienal Nacional de Monterrey, ARTE EMERGENTE; XVI Bienal de Fotografía; VI Bienal Nacional de Artes Visuales de Yucatán; VI Bienal Internacional de Arte Universitario, UAEMEX; VI Trienal International Graphics Bitola; 9a Bienal Nacional de Diseño, EDINBA, y en ferias internacionales de arte contemporáneo como Zona MACO Y ARTBO. Ha sido beneficiario de la beca Jóvenes Creadores del FONCA; Beca Adidas del Centro Cultural Border; Primer lugar en el Festival Internacional de la Imagen en la categoría profesional; Primer lugar en la 9a Bienal Nacional de Diseño en la categoría profesional; Diseño Socialmente Responsable con Contenido Social o Participativo; Beca de Producción Domicilio Conocido del Centro Cultural Universitario Tlatelolco y el Primer lugar en el concurso Internacional de Fotografía, Instituto Mexicano de la Juventud, categoría profesional, entre otros.

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CILER (México, n. 1981) La práctica de Ciler implica la desfiguración y la manipulación de imágenes existentes con una oscura intención arqueológica, con el fin de desenterrar un sustrato emocional. A través del collage, el dibujo, la pintura e instalaciones, retuerce las imágenes halladas para posicionarlas como glosas viscerales sobre la muerte, la violencia, la belleza y el entorno construido. Su obra más reciente se enfoca en los sistemas de representación en el arte y los medios, a través de estructuras no figurativas y ejercicios de deconstrucción de la imagen, generando un cúmulo de formas plásticas que buscan respuestas. Entre sus exposiciones individuales se encuentran: Deliciosa Monstera MAIA Contemporary, Ciudad de México (2018); Pintura Reactiva Museo de Arte Carrillo Gil, Ciudad de México (2018); La Muerte del Autor MAIA Contemporary, Ciudad de México (2017); Ponzoña Galería FU, Miami (2015); Error Soze Gallery, Los Ángeles (2014); Pensamientos Vagos Tijuana Cultural Center, Tijuana (2009), entre otras. Dentro de sus exposiciones colectivas podemos encontrar: México: Pintura Reactiva Museo Carrillo Gil, Ciudad de México (2018); Platinum Blend 2 Modern Eden Gallery, San Francisco (2016); The Soze Collection Soze Gallery, Los ÁÁngeles (2014); 1000 Amsterdam Drawing, Brakke Grond Vlaams Cultuurhuis, NL. (2013); Distorting views Brick Lane Gallery, E1 6SA, Londres (2012); Honesty Eye Level Gallery, NY. International. Nueva York (2009).

CLAIRE BECKER (Francia, n.1964) Estudió desde muy temprana edad artes plásticas y música, y más tarde teatro, literatura y danza. Tiene más de 20 exposiciones individuales en galerías, museos y espacios públicos, como el Museo de la Mujer (2016), la galería Isabelle Serrano Fine Art (2016), la galería Traeger y Pinto arte contemporáneo (2013), la Plaza Juárez en el centro histórico (2012) y el Museo del Chopo (2007), en La Ciudad de México; el Museo de Arte Contemporáneo MACAY (2013) en Mérida, Yucatán; el Museo de Antropología de Xalapa, Veracruz (2005), entre otros. Ha participado en más de 80 exposiciones y ferias internacionales en México, Cuba,

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Chile, Estados Unidos, Canadá, Singapur, China, Francia, Alemania e Italia, incluyendo la Bienal de Venecia en 2009. Ha sido reconocida internacionalmente con premios y becas, y cuenta con obras públicas en varias ciudades de México, principalmente en Xalapa, Veracruz.

CRISTINA KAHLO (México, n. 1960) Realizó sus estudios de fotografía en la Escuela Activa de Fotografía en México, y en el Centro de Enseñanzas de la Imagen en Madrid, España. Cristina Kahlo fue fundadora y directora de la Galería Alternativa (1983-1985) y posteriormente en sociedad con Juan Coronel Rivera de la Foto Galería Kahlo-Coronel (1986-1991) en la Ciudad de México. Comenzó a desempeñarse como curadora de diversas exposiciones de fotografía y arte, principalmente en México y Estados Unidos (1992). Comenzó a participar con algunos trabajos fotográficos, especializados en fotografía social, en algunas exposiciones colectivas (1995). En la última década, la fotógrafa ha centrado su interés en la geometría, los conceptos de viaje y

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desplazamiento geográfico en exhibiciones tales como Laboratorio de Ficciones (2011); La Mirada del Viajero Bode Galerie en Karlsruhe , Alemania (2015); y Marco Polo es Metáfora (2014). La arquitectura y su diálogo con la luz en muestras como Revelaciones del Palacio de Bellas Artes (2014) y Lo Concreto (2017). Su obra se ha presentado en ferias de Arte tales como Zona Maco, Zona Maco Foto en México , Art Karlsruhe en Alemania, Dallas Art Fair, Estados Unidos, y Arte Américas en Miami, Estados Unidos. Su trabajo ha sido merecedor de premios como el Premio Nacional a la Preservación y Difusión del Danzón Rosa Abdala en Artes Visuales otorgado por el Gobierno de Veracruz (2011). Fue acreedora a la Beca de Residencia en Markgäflerhof, de la Fundación Bartels de Basilea, Suiza (2006).

DAMIÁN SUÁREZ (Venezuela, n. 1988) Su obra es una propuesta de lenguaje pictórico desprovisto de pigmentos visibles. En contraste, explora las posibilidades pictóricas que ofrece el relieve textil, sin que éste determine el carácter de la obra e incluso sin hacer del mismo arte textil un protagonista, sino una fuente de unidades individuales que, en la sumatoria, constituyen volúmenes masivos en los que cada hebra conforma una línea que, a su vez, deriva en un concepto mayor, como los llamados fenómenos emergentes propuestos por la cuántica. Así, cada una de las cientos de miles de hebras conserva su heterogeneidad y el espectador llega a percibir las propuestas ópticas geométricas-simétricas. Se establece un proceso de diálogo entre el espectador y el discurso estético. En cada hebra de hilo se encuentra al propio artista, vía los residuos orgánicos transferidos al hilo en el proceso de elaboración manual. Entre sus exposiciones individuales más relevantes, sobresalen: Fenotipo de la Luz Espacio Mannach, CDMX, (2015); Lenguaje Subconsciente. Primera Edición” Aeropuerto FBO Acapulco, México, (2017); Lenguaje Subconsciente. Segunda Edición” Pavillion, Madrid, España, (2018); El Ser Etológico. Primera Edición Centro de Cultura Gabriel García Márquez, Fondo de Cultura de México en Colombia, Bogotá (2019); El Ser Etológico. Segunda Edición CAM Gallery, CDMX, (2019); The Shape of Color.

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Primera Edición Craighead Green Gallery, Dallas, Estados Unidos (2020). De sus exposiciones colectivas destacan Artistas Andinos Embajada de Colombia, Madrid (2016); Exit Museo de Arte de Sinaloa, (2015). Recibió el Premio Nacional de Pintura Julio Castillo (2014); y de sus exposiciones individuales sobresale Fenotipo de la Luz en la Ciudad de México (2015).

DENNIS MIRANDA (México, n. 1993) Artista autodidacta, ha sido parte de diversas muestras, individuales y colectivas, en México, Estados Unidos y Europa en espacios alternativos como For here or to go? en Los Ángeles. De manera colectiva ha expuesto en Gallery Weekend y “Motor de impulso” en la Galería Terreno Baldío y en el proyecto 1/2 Estudio Galería con la muestra “Magdalena Contreras, una exposición de pintura”. Es miembro y fundador del proyecto Absurda’s así como de Librería Informal, una librería pública de consulta gratuita e interacción social, y del proyecto 1/2 Estudio Galería, proyecto provisional y sin sitio, que responde a necesidades de exhibición efímeras e inmediatas.

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DIEGO MATTHAI (México, n. 1942) Mexicano, hijo de emigrantes alemanes. Arquitecto por la Universidad Iberoamericana, graduado con mención honorífica. En los 60 crea una serie de figuras geométricas y cuadros de acero cromado y acero inoxidable, pero también integra en sus obras el neón. Diseña mobiliario y accesorios. Con el Dr. Mathias Goeritz, impartió la cátedra de Diseño Básico en la UNAM. Está involucrado en proyectos arquitectónicos y de interiores de gran diversidad para espacios habitacionales, restaurantes, hoteles, entre otros. Cuenta con 20 exposiciones individuales y 125 colectivas alrededor del mundo. Ha sido galardonado con premios, reconocimientos y homenajes nacionales e internacionales, como el reconocimiento a su Carrera en Diseño de Interiores AMDI (2010) y la Medalla de Plata en la XII Bienal de Arquitectura Mexicana en la Clasificación de Diseño de Interiores (2012).

DIEGO PÉREZ (México, n. 1975) Vive y trabaja en la Ciudad de México. Habiendo iniciado su carrera en el campo

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de la fotografía, Pérez se ha orientado hacia la vida pública de los objetos, fomentando, no sin un cierto grado de humor y afinidad por la fantasía, un cuestionamiento sobre las relaciones sociales que le dan a las obras algún significado. Es en la cotidianidad donde una silla se convierte en una repisa, o donde una caja se transforma en una maceta; la frontera arte-vida se constituye y se deshace en la coyuntura de espacio público, obra, y espectador. La práctica multidisciplinaria de Diego Pérez juega continuamente con lo fronterizo, sean los límites que dividen al arte de otro tipo de objetos, los que dividen al arte del gran público, o los que separan contemplación de experimentación. El artista articula una imaginación escultórica en la que todo material es fuente inagotable de formas cuyas relaciones no se acaban en la obra, sino que se extienden hacia el entorno y el espectador. Para Pérez, es importante echar a andar la imaginación y el ensueño, pues es ahí donde se produce el contacto entre campos en apariencia separados, entre artista, artesano, conocedor de arte, observador casual, y así sucesivamente. DULCE CHACÓN (México, n. 1976) Reside y trabaja en la Ciudad de México, donde estudió Artes Visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas, UNAM. En 2001 cumple una residencia académica en la Academie Minerva Faculteit der Kunsten en Groningen, Holanda. De 2010 a 2012 forma parte del Programa Educativo SOMA. En México, ha expuesto en foros como Ex-Teresa, Museo Carrillo Gil, Casa del Lago, Centro Cultural de España, Museo de Arte Moderno, entre otros. De sus exposiciones más relevantes sobresalen Matrix 175, Fallen Angels (2016) y Hand Pain- ted Pop! Art and Appropriation 1961 to now (2017), ambas en Wadsworth Atheneum Museum of Art, de Hartford, Connecticut, además de Reclaimed by Nature y Blue Star, en el Contemporay Art Museum de Austin, Texas (2016). Fue integrante del Colectivo Arte Atlético (1998-2003) y ha realizado residencias artísticas en el Ironbridge Gorge Museum Trust, de Shropshire, Reino Unido (2010) y en Temenggong Artist in Residence, de Singapur (2013). Becaria de la Fundación Lorena Alejandra Gallardo A.C. (1998) y del Programa Bancomer MACG

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Arte Actual 3a edición (2012-2014). De 2012 a 2015 fue Coordinadora del Programa de Producción del Centro Cultural Border. De 2015 a 2017 realiza la Coordinación Académica de SOMA, ambos de Ciudad de México. En 2017 pública junto con S-Ediciones los proyectos editoriales, Zenith y Cuaderno de bocetos. Su obra pertenece a las siguientes colecciones: Colección Wadsworth Atheneum Museum of Art, Hartford, Connecticut, Estados Unidos; Colección Museo de Arte Carrillo Gil, México; Colección Museo de Arte de Sinaloa, Culiacán, México; Colección Benetton, Italia; Colección Museo de la Estampa, CDMX; Colección Museo Trapiche, Mazatlán, Sinaloa, México. Es Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte (2018-2020).

EDUARDO LANDA (México, n. 1979) Arquitecto por la Universidad Nacional Autónoma de México, Eduardo sigue su formación durante un año en la Universidad de Minnesota en Estados Unidos. Trabajando y desarrollándose en fotografía y pintura, inició su carrera de manera independiente, con el fin de mantener la libertad de practicar su propia iniciativa en cada una de las disciplinas que desarrolla. Radicado en Londres, este artista multidisciplinar trabaja en el desarrollo de sus obras en una serie de prácticas complementarias. El enfoque principal de su enfoque es cómo representar sus modelos en relación con el impacto que producen en el artista con su pose o su mirada, y al mismo tiempo en la influencia resultante en el espectador. Estudiando la luz con el objetivo de su cámara, el artista adapta su encuadre al enunciado que quiere defender, enfocando la mirada sobre el sujeto y dejando fuera lo superfluo. Dado que la fotografía y la pintura indudablemente van juntas y se influyen mutuamente, Eduardo aplica una metodología similar a su actividad pictórica. De esta forma, utiliza la pintura al óleo para centrar su atención en los rostros, cuya materialidad y presencia irradia toda la composición. Para dar un paso atrás en su trabajo en curso, a Eduardo le gusta producir sus obras durante varios días y así asegura una gran objetividad en su ejecución. Tanto en la concepción de sus retratos fotográficos como en sus cuadros, Eduardo realiza una minuciosa

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observación de la anatomía humana, detalles físicos que representan la individualidad de cada ser, asegurándose de identificar lo que diferencia a uno del otro tanto visual como psicológicamente.

EDUARDO TERRAZAS (México, n. 1936) Arquitecto de formación (UNAM y Universidad de Cornell). Su quehacer profesional abarca: diseño, fotografía, arquitectura, planeación urbana/regional y artes visuales. Se ha interesado por mirar y pensar el mundo por el que camina; entender y reflexionar sobre la cambiante realidad y las problemáticas del mundo contemporáneo. Fue asistente del museógrafo Fernando Gamboa en la exposición “Obras Maestras del Arte Mexicano”, que se presentó en Leningrado (Museo Hermitage), Varsovia (Museo Narodowa) y París (Museo Petis Palais). Trabajó en las oficinas de los arquitectos Howell-Killick-Partridge & Amis en Londres y Candilis Jossic & Woods en París. Realizó la construcción del Pabellón de México en la Feria Mundial de Nueva York 196465, para Pedro Ramírez Vázquez y Rafael Mijares, Arquitectos. Impartió clases en la Universidad de Columbia y California. Fue Director Artístico y Coordinador del Programa de Identidad Olímpica para los Juegos de la XIX Olimpiada, México 1968 y diseñó—junto con Lance Wyman—el logotipo y cartel oficial. Ha sido conferencista en India, Pakistán, Canadá, Estados Unidos y Chile. Dirigió el equipo mexicano que estuvo a cargo del diseño urbano para la nueva capital de Tanzania, Dodoma. En 1975 presenta el Códice de la Solidaridad para la Paz y el Desarrollo y la exhibición Todo depende de todo, con motivo de la reunión del Club de Roma, en México. Realiza el diseño urbano de la Macroplaza y Parque Fundidora en Monterrey; la Plaza de la Solidaridad y los Ejes Viales en la Ciudad de México. Proyecta los centros culturales de Ciudad Victoria, Tampico, Nuevo Laredo y Reynosa en el estado de Tamaulipas. En su amplia producción artística, se cuentan trabajos como: Posibilidades de una Estructura (1970-), investigación pictórica compuesta por 5 Subseries: Cosmos, Nueve Círculos, Diagonales, Retícula y Código de Barras, en la cual cada una de estas estructuras se establece y se va desarrollando en un sinfín de variaciones; Tablas

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(1972) que se presenta en el Palacio de Bellas Artes con obras realizadas bajo la técnica huichol de hebra de lana; Museo de lo Cotidiano (1987), en la que manifiesta su interés por cruzar las fronteras entre el arte y la cultura popular mexicana, a partir de recontextualizar objetos cotidianos. Entre otras de sus muchas series destacan: Cero, Orígenes, Crecimiento Orgánico y Exponencial, Constelaciones, Universo, Desafíos de la Humanidad y Ventanas. Actualmente su obra visual forma parte de importantes colecciones privadas, Instituciones y Museos, a nivel nacional e internacional. Es representado por las galerías Proyectos Monclova (México), Timothy Taylor (Londres) y Nils Stærk (Dinamarca).

ELISA ROMANO (México, n. 1983) Estudió Diseño de Interiores y a partir de 1995 incursiona en el arte asistiendo a clases en el Estudio de Moisés Nifco. Desde el 2002 y hasta la fecha forma parte del taller Beth Israel de Víctor Martínez y Elisa Álvarez. En el 2014 obtuvo el primer lugar en MADA (Make a Difference

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Award) en el Commffest Art en Toronto, Canadá. De manera individual destacan sus exposiciones Living, en el Hotel Live Aqua, Ciudad de México y Mont-KingPop, en BAM Centro Cultural y Centro Cultural Mizrahi A.C., Monterrey, ambas en el 2014. Actualmente, vive y trabaja en la Ciudad de México. Ha participado en diversas exposiciones colectivas en México, Estados Unidos, Italia y Canadá, tales como: This is Epic, Puebla (2019); Art and the Polis, X Biennale Internazionale d’Arte Contemporanea di Firenze, Florencia, Italia (2015); Commffest (PanAm) International Art Exhibition, The Rotunda Hall, Toronto, Canadá (2014); Segunda Magna Exposición de Arte Yom Yerushalaim, Centro Comunitario Maguen David, Ciudad de México (2003).

EMILIA SANDOVAL (México, n. 1975) Cursó la Licenciatura en Artes Visuales en el Instituto Allende, de San Miguel de Allende. Algunas de sus exposiciones individuales son Monte análogo Galería Quetzalli, Oaxaca, Oaxaca; Polinización cruzada Biblioteca Henestrosa, Oaxaca; Botánica: nuevas especies, timbres postales intervenidos Centro Universitario Quinta Gameros, Chihuahua; Ecos de una flor en el desierto Museo del Palacio de Oaxaca, Oaxaca (2015), Proyecto Vitrina Arte Tal Cual, Ciudad de México; Kitchen Gallery, Barcelona (2008). De sus exposiciones colectivas destacan: Simulacros Galería Ethra, Ciudad de México (2016); Mensajes de una Nueva América, Antropofagia Neobarroca, X Bienal de Mercosur, Santander Cultural, Porto Alegre; y Maletas migrantes New Americans Museum, San Diego. Ha recibido distintos reconocimientos, entre los que destacan su participación en la X Bienal de Mercosur, también en Porto Alegre, curada por Gaudencio Fidelis. Su obra es parte de varias colecciones en Brasil, China, Estados Unidos y México. Fue acreedora de la Residencia en Casa Wabi, en Puerto Escondido, Oaxaca (2020).

EMILIO RANGEL (México, n. 1984) Nace en Toluca, Estado de México y trabaja en la Ciudad de México. Estudió la licenciatura de Artes Plásticas en la Escuela Nacional de Pintura Escultura y Grabado “La Esmeralda”, posterior-

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mente se convirtió en beneficiario del Sistema Nacional de Jóvenes Creadores del FONCA entre 2013 y 2014. Con una producción constituida mayormente por esculturas, Emilio centra su trabajo técnico en el contacto directo con el material. Generalmente utiliza como medio la plastilina epóxica, entre otros soportes. Este elemento permite que su práctica sea siempre lúdica, evocando a la noción de juego que se desprende naturalmente al experimentar con un material maleable, como todos lo hicimos desde la infancia con la plastilina. Como resultado final se produce un objeto de carácter cercano a la manualidad, pero con la herencia de una sólida escuela de arte contemporáneo que hace guiños a la cultura comercial y popular. Su obra es accesible para cualquier público, ya que tiene una notable referencia al humor en la sociedad contemporánea a partir del reciclaje y consumo de imágenes de la cultura,utilizandola caricatura como recurso visual. Ha participado en muestras nacionales e internacionales en donde ha mostrado algunos elementos que conforman el amplio cuerpo de obra que ha producido. Ha exhibido su

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ENRIQUE MINJARES (México, n. 1977) Vive y trabaja en la Ciudad de México. Estudió la Licenciatura en artes visuales en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la UNAM. Ha expuesto de manera individual con las siguientes muestras: ¿Qué te pasó?, Garash Galería, CDMX (2019); Sex y la City, ARTSPACEMÉXICO, CDMX (2017); El pez por tu boca muere, ART123, CDMX (2014), Burst, grin, gibble, bliss, Museo de Arte Carrillo Gil, CDMX (2014); Ich liebe dich auch, Sur la Montagne, Alemania (2010); Haga lo que se le dé la gana, Museo Experimental el Eco, CDMX (2009). De manera colectiva ha expuesto con: La causa de las causas, Museo de Arte Moderno, CDMX (2019-

2020); El Placer de la incertidumbre, Casa de la Cultura San Rafael, CDMX (2017); El futuro no está escrito, Palazzo Cini Gallery, Venecia, Italia, (2015); Viborg International Billboard Painting Festival, Galleri NB, Dinamarca (2015), entre otras. Fue acreedor de la Beca Jóvenes Creadores del FONCA en 2004, y del FOECA en 2002.

ERNESTO SOLANA (México, n. 1985) Artista mexicano radicado entre Savannah, Estados Unidos y Guadalajara, México, que trabaja en diferentes medios como fotografía, escultura e instalación. Su práctica artística es paralela a sus investigaciones y exploraciones alrededor de los cinturones suburbanos de diferentes ciudades en los Estados Unidos, México, África del Norte y los Países Bajos. En sus obras, Solana discute las tensiones entre los reinos naturales y artificiales y la forma en que la urbanización y el colonialismo han enfrentado ambas categorías. Salta desde depósitos de fósiles prehistóricos; a las primeras nociones de nomenclatura y exhibición biológica a

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la normalización de los residuos industrializados dentro de paisajes urbanos marginados. Solana recientemente presentó su exposición individual Primal Reflex en la Galería PEANA en Monterrey, y ha formado parte de exhibiciones grupales como: As to Be Inaudible en C/O Berlin, Berlín, Alemania, curada por Jörg Colberg; Salón ACME, en la Ciudad de México, y Prima Materia en Nueva York. Recientemente publicó su libro llamado Systema Artificialis donde explora las consecuencias del antropoceno y las nuevas formas de relación entre las nociones de humanidad y naturaleza. Solana estudió en el International Center of Photography en Nueva York y obtuvo su Maestría en Bellas Artes en Fotografía en la Universidad de Hartford, Connecticut.

FERNANDA CARRI (México, n. 1995) Artista plástica, influenciada por artistas como Louise Bourgeois, se inspira del arte confesional. Combina la limpieza visual con frases de una revelación intencional del “yo” privado. Su trabajo es una muestra íntima que explora temas como la familia, amor propio, miedo y, que incluye escultura, cerámica y pintura, reflejando diferentes períodos de su carrera.

FLOR MINOR (México, n. 1961) Escultora y artista gráfica mexicana, conocida por sus esculturas de bronce y su trabajo gráfico que representa generalmente la forma masculina. Sus trabajos a menudo están basados en el concepto del equilibrio o la falta de él. Ha participado en importantes bienales y trienales como La Primera Bienal de Pintura Pedro Coronel, Zacatecas; The International Print Trienal Kanagawa Prefectoral Gallery, Kanagawa Arts Foundation, Yokohama; XI Trienal Internacional de Grabado, Museum of Contemporary Art, Oslo y la XIV Bienal de Gráfica, Art Modern, Galería Ljubljana, Yugoslavia. Ha exhibido de manera individual en diferentes lugares como el Museo Dolores Olmedo (2014); la Galería Arte Contemporáneo en San Miguel de Allende (2013 a 2014); la Universidad de Guanajuato (2013); la Bolsa Mexicana de Valores, Ciudad de México (2013); el Museo de la SCHP (2006 y 2011); el Museo de Arte

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Moderno, Ciudad de México (2011); la Universidad Autónoma Metropolitana (2009); el Museo Universitario del Chopo (2002 a 2009); el Museo de la Ciudad de México (2001); el Museo de la Ciudad de Querétaro (2001) y el Museo de Arte Contemporáneo de Aguascalientes (1997). Su obra forma parte de colecciones públicas y privadas: Universidad Nacional Autónoma de México, Museo de Arte de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, Museo de Arte Moderno, Ciudad de México, así como el Museo de la Estampa, el Centro Wilfredo Lam, La Habana y Museo de Arte Moderno de Ceará, Brasil.

FLORIA GONZÁLEZ (México, n. 1980) Estudió fotografía y cine en la ciudad de México y en San Antonio, Texas. En 2003 incursiona en dos caminos; uno dentro de la fotografía y video comercial y el otro, en el arte. Se abocó a construir minuciosamente los sets para su obra: colores, vestuario y personajes. Algunas de sus principales exposiciones individuales son Photo independent Art Fair LA, en Los Ángeles, Cal. (2016); Postpartum, Espacio Arterial, Ciudad de México (2016); PINTA Latín American Art Fair, de Nueva York (2012); Smother, a confused multitude of things (Ahogar), MAGROROCCA, Milán (2010). Algunos de los colectivos que han formado parte son Shaped in Mexico, en Venecia, y Utupía-distopía, de Bogotá, Colombia. Su trabajo fue reconocido en el 4th Biennial of Fine Art and Documentary Photgraphy III Biennial of Contemporary Art Buenos Aires. Obtuvo una mención honorífica en International Photo Awards.

FRANCISCO CORZAS (México, n. 1936 m. 1983) Francisco Corzas fue un pintor y grabador mexicano que formó parte de lo que se denomina “Generación de la Ruptura”. Sobreponiéndose a su origen humilde logró estudiar arte en México en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” y en Italia, empezando así su carrera artista en Europa. Cuando regresó a México en la década de los 60 conservó gran parte de sus contactos en el viejo continente, por lo que continuó recibiendo encargos y teniendo exposiciones. Su obra forma parte de museos y colecciones privadas en Europa como

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en la colección del Vaticano y en México. En vida tuvo 14 exposiciones individuales y participó en 43 colectivas alrededor del mundo. Estando en México expuso en diferentes galerías y para 1972 su reconocimiento le valió una exposición retrospectiva en Bellas Artes y en 1976 una exposición individual en el Museo de Arte Moderno. También fue miembro del Salón de la Plástica Mexicana.

FRANCISCO ESNAYRA (México, n. 1985) Es Licenciado en Artes Plásticas por la Universidad Autónoma de Chihuahua. En el 2013 asistió al Rome Sculpture Workshop de la Washington University Rome Center en Roma, Italia. La obra de Francisco Esnayra consiste principalmente en esculturas que buscan externar, por medio de la creación plástica, los sentimientos contenidos en las personas. Esnayra ha desarrollado a lo largo de su producción, múltiples autorretratos que exploran las emociones evidenciadas en la gesticulación anatómica del rostro; asimismo, ha producido distintas metáforas visuales con la representación de objetos cotidianos que buscan formular nuevas estrategias de reflexión introspectiva desde el formato tridimensional. Francisco Esnayra explora la figuración a través de la escultura, moldeando la resina, el barro y el bronce para dar origen a sus creaciones; experimentado además en el ámbito de la cromática y los diversos formatos que son posibles en el mundo del arte y la imaginación del creador. En el año 2010 fue ganador del primer lugar en la categoría Escultura Contemporánea del Premio Nacional de Cerámica. Obtuvo Mención Honorífica en el Premio Chihuahua (2008); beneficiario de la Beca PIFI del Programa Institucional de Formación de Investigadores (2009).

FRANCISCO UGARTE (México, n. 1973) Vive y trabaja en Guadalajara, es egresado del Instituto Tecnológico y de Estudios Superiores de Occidente, ITESO con la licenciatura en Arquitectura. El trabajo de Francisco Ugarte se apoya en los terrenos de la arquitectura, sobre todo durante el proceso creativo: la propuesta se genera a partir de una atención profunda en el entorno, y es una respuesta a éste. Con la utilización de distintos medios como

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video, instalación, escultura, dibujo e intervenciones específicas, su trabajo puede entenderse como un ejercicio fenomenológico en el que la realidad es aprehendida a través de la contemplación, la percepción y la esencia de las cosas. Ha participado en varias residencias artísticas como, Braziers en Braziers Park Inglaterra; Arte Careyes en Careyes México, y Casa Wabi, Oaxaca México. Su trabajo ha sido expuesto en diferentes recintos nacionales e internacionales desde 1997, y es parte de colecciones tales como Coppel, México; Jorge M. Pérez, Miami; Orange County Museum of Art, California; Mattatuck Museum, Connecticut; Jumex, México; Petitgas, Londres; entre otras.

FRANCISCO VALVERDE (México, n. 1972) Cursó la Licenciatura en Artes Plásticas en el Art Center College of Design, en la ciudad de Pasadena, California, Estados Unidos. Tras haber concluido sus estudios regresó a su ciudad natal, Cuernavaca, en donde montó su estudio en el Centro de la ciudad. Inició lo que sería una de sus primeras series pictóricas: La Gran Odisea y que más tarde le daría la oportunidad de exponer individualmente en la Galería Praxis, ubicada en la Ciudad de México. Entre sus exposiciones individuales se encuentran: Royalty, Galerie LeRoyer Montreal, Quebec, Canadá (2020); Hidden Truths, Fort Wayne Museum of Art, Fort Wayne, Indiana (2020); (in) organicus, Galerie LeRoyer Montreal, Quebec,

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Canadá (2020); Orden y Caos, Galería NM Contemporáneo, Cuernavaca, Morelos; Material, Julie Zener Gallery, Mill Valley, California (2018); Simulacra and Simulation, JLS Gallery, Ciudad de México (2017); Gravita, El Laberinto de los Sentidos Art Gallery, Jardines de México, Jojutla, Morelos (2015); Entramados, Galería Alfredo Ginocchio, Ciudad de México (2014); Adorables Criaturas, Consulado General de México en San Francisco, California (2007); Ícono-Hombres, Centro Morelense de las Artes, Cuernavaca, Morelos (2005). También ha participado en ferias de arte alrededor del mundo, como: Art Miami, Miami, Florida; ArtHamptons, Bridgehampton, Nueva York; Sofa Chicago, Chicago, Illinois; Scope Art Fair, Miami, Florida y Art Market, San Francisco, California, entre otras. Fue seleccionado en el Encuentro Arte Joven 2003 con la obra El mundo vaca. También ha sido becario del programa FOECA, Creadores con Trayectoria (Instituto de Cultura de Morelos, Consejo Nacional para la Cultura y las Artes), con el proyecto Rayando para caminar. Ha sido becario del programa Jóvenes Creadores (Instituto de Cultura de Morelos, FONCA), con el proyecto La Muerte de Dionisio. En 2004 fue seleccionado en la Bienal Rufino Tamayo con la obra El Dios Venidero. En 2009 fue seleccionado finalista en el Encuentro Internacional de Grabado No Tóxico, en el Parque Fundidora, en la ciudad de Monterrey, Nuevo León. Fue galardonado con el premio de adquisición en la XVII Bienal de Pintura Rufino Tamayo, con la obra Monday Afternoon en el año 2006, y ahora es parte del acervo del Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca. Siendo este uno de sus logros más importantes a lo largo de su trayectoria.

FRANZ KLAINSEK (Estados Unidos, n. 1978) Artista multidisciplinario y autodidacta estadounidense de ascendencia cubana y austriaca. Su trabajo es físico y emocional, reside en el espacio entre el cuerpo y la mente, el sentimiento y el pensamiento. Franz Klainsek aborda la programación social y su efecto sistemático en la mente humana a través de su trabajo. Trabaja con esculturas e instalaciones a gran escala que a menudo incluyen referencias a la lucha del hombre por encontrar la verdad dentro de una sociedad

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programada, transformando espacios en instalaciones específicas del sitio de arte inmersivo, instalaciones interactivas, esculturas, pinturas, arte interactivo y performance.

GABRIEL MACOTELA (México, n. 1954) Pintor, escultor, grabador, dibujante, escenógrafo, editor y músico mexicano. Realizó sus estudios en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”, y completó su formación en la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México, en el taller del maestro Gilberto Aceves Navarro. En 1977 fundó Cocina Ediciones y en 1985 la librería El Archivero. A partir de 1976 realiza exposiciones individuales en la Ciudad de México y Monterrey. Ha participado en numerosas exposiciones colectivas en México y en el extranjero, tanto de pintura, escultura y libros de artistas en Francia, India, Cuba, Brasil, Estados Unidos, Alemania y España. Macotela recibió el reconocimiento del FONCA y se convirtió en miembro del Sistema Nacional de Creadores (SNCA) durante el periodo 1993 a 1996. En 2014 en el marco de la celebración de sus 60 años de vida y cuatro décadas de trayectoria como pintor, escultor, grabador, dibujante y escenógrafo realizó el mural de la Facultad de Medicina en la Universidad Nacional Autónoma de México; la obra de teatro en el Museo León Trotsky titulada Marcha silenciosa y la exposición retrospectiva De la Vida en la Galeria Machado Arte Espacio.

GRACIELA ITURBIDE (México, n. 1942) Comenzó su incursión en la fotografía a principios de la década de los setenta y durante su paso por el Centro Universitario de Estudios Cinematográficos de la Universidad Nacional Autónoma de México, fue alumna y asistente de Manuel Álvarez Bravo. Perteneció al Salón de la Plástica Mexicana, al Foro de Arte Contemporáneo y al Consejo Mexicano de Fotografía; fue becaria de la Fundación Guggenheim y del Sistema Nacional de Creadores de Arte FONCA (2011). Es una de las figuras más importantes y prolíficas de la escena fotográfica mexicana. Ha participado en más de sesenta exposiciones

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colectivas e individuales en distintos países, entre los que destacan México, Estados Unidos, Francia, Ecuador, Cuba, Austria, Suiza, Italia, España, Alemania, Suecia, Polonia, Nicaragua y Japón. Fue premiada en la I Bienal de Fotografía del Instituto Nacional de Bellas Artes (1980). Entre 1987 y 1991 recibió los siguientes premios: W. Eugene Smith; Gran Premio del Mes de la Fotografía, París, Francia; Hugo-Erfurth, Leverkusen, Alemania; Gran Premio de Hokaido, Japón, y el premio Rencontres Photographiques, Arles, Francia. También ha recibido el Premio a la Mujer Montblanc (2005); el Premio Assegnato ad una Donna Fotografa alla Carriera, Benevento, Italia (2005); el Premio Hasselblad, Gotemburgo, Suecia (2008); el Premio Nacional de Ciencias y Artes, México (2008), y el Premio PHotoEspaña Baume & Mercier, Madrid, España (2009). Ha sido artista en residencia de Beaux-Arts, París, Francia (1995); Kleberg Foundation, San Antonio, Texas, Estados Unidos; Civitella Ranieri, Italia (2001); Atlantic Center for the Arts, Florida, Estados Unidos (2002), así como miembro del jurado de Czech Press Photo (2005) y del Premio Nuevo Periodismo CEMEX+FNPI (2006). Recibió el Legacy Award, The Smithsonian Latino Center, Washington, Estados Unidos (2007) y el Honorary Doctorate of Arts, San Francisco Art Institute, Estados Unidos (2009). Entre sus exposiciones más recientes se encuentran Frida Kahlo, Public Image, Private Life, National Museum of Women in the Arts, Washington, D.C., Estados Unidos; ROMA, Templo de Adriano, Festival de Fotografía, Roma, Italia; Ojos para volar, Centro de la Imagen, México; The Goat’s Dance, Paul Getty Museum, Los Ángeles, California, Estados Unidos; Graciela Iturbide, Fundación MAPFRE, Madrid, España; El baño de Frida, Teatro Fueddu E Gestu, Villasor, Italia / Museo Frida Kahlo, México / Centro de Exposiciones del Aeropuerto Internacional de la Ciudad de México; y recientemente Graciela Iturbide, Museo Amparo, México / Barbican Gallery, Londres. Actualmente el museo Tate Modern, Londres, Reino Unido, presenta una retrospectiva de su obra. Su trabajo se encuentra en gran cantidad de publicaciones y colecciones de todo el mundo.

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GUSTAVO ABASCAL (México, n. 1979) Artista visual especializado en diferentes técnicas como gráfica, dibujo, pintura mural en formatos que varían en escala. Ha expuesto individualmente en el Museo de la Ciudad de Querétaro, Galería Arredondo Arozarena, Arte TalCual, Galería 13, Galleri Lufthav, entre otros recintos y galerías de renombre. En sus exposiciones colectivas ha participado en países como Alemania, Argentina, Colombia, Dinamarca, Estados Unidos, Francia, México, y Noruega. Su obra ha sido publicada con el proyecto Catálogo de Minerales (2016) y por Samsara Editorial con la retrospectiva de su obra 2007-2011. Ha participado en residencias artísticas: Lilha, San Francisco, Nayarit, México (2017). Viborg Kunsthal, Viborg, Dinamarca (2016).

GUSTAVO ARGÜELLO PEÑALOZA (México, n. 1991) Durante su estancia en la carrera; en la Escuela Nacional de Pintura Escultura y Grabado “La Esmeralda” (2010 a 2014). Tuvo diversas experiencias que lo han ido formando como artista, cómo el haber

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sido discípulo y ayudante del artista Shinpei Takeda en 2011. Su obra es víctima de la influencia del expresionismo abstracto, que ha tomado una línea de trabajo constante con respecto a la interpretación pictórica del color en la pintura y su manera tan efímera de tener una reacción con ella. Ha obtenido diversos reconocimientos, en los que destaca su participación en la exposición y Subasta Arte Vivo (2017, 2018 y 2019), que tiene como sede en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México. Además su trabajo ha sido exhibido de forma individual: Anagnórisis, El Quinto Piso, Venustiano Carranza, Centro, Ciudad de México (2017); Advenedizo, Galeria Noox, Ciudad de México (2017); Criptomnesia, Galería 665, Manuel María Contreras, Ciudad de México (2015); Atmósferas espontáneas, El Quinto Piso, Venustiano Carranza, Centro, Ciudad de México (2015).

GUY-PIERRE TUR (Francia, n. 1951) Artista francés. A raíz de su interés por la personalidad humana, lleva más de 30 años como Psicoterapeuta Gestalt. Ha presentado varias exposiciones individuales y colectivas en países como Argentina, Canadá, Estados Unidos, Francia, Inglaterra y México. En México, ha expuesto en varios recintos importantes como el Museo de la Ciudad, Palacio de Minería, Poliforum Siqueiros, Biblioteca Magna de Monterrey, Metro de la Ciudad de México, Festival Internacional Cervantino (2017) y, recientemente en el Antiguo Senado de la República. Ha impartido cursos en el Centro Nacional de las Artes, además de ser invitado a otorgar conferencias y talleres en diferentes foros de México y el mundo. Ha realizado varias portadas de libros relacionadas al tema de la Psicología.

HARLEY CORTEZ (Estados Unidos, n. 1976) Artista, músico y cineasta multidisciplinario. Su trabajo se ha expuesto en Los Ángeles, Nueva York y Tokio. Ha expuesto de manera individual en varias ocasiones, entre las que destacan: The Poet as Spacemen, instalación, The Paper Agency Gallery, Los Ángeles (2016); Voices, Voices, Tokio, Japón (2019), The Ashes of Us, San Diego, Estados Unidos (2019) y Gestures, Rabat, Marruecos (2019). Su

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reciente inclusión en exposiciones colectivas en ambas ubicaciones de la galería lo ha colocado en el radar del mundo del arte internacional. Sus cortometrajes incluyen Ignacio y The Sick Oyster así como varias películas experimentales y videos musicales.

HELENA GARZA (México, n. 1990) Vive y trabaja en la Ciudad de México. Inicia su carrera en Música Clásica y Artes Visuales en el Estado de Tlaxcala y posteriormente en Mill Street Loft en Nueva York, donde se especializó en Pintura y Medios Digitales. Cursó talleres en Performance, Arte Sonoro, Interpretación del Arte Contemporáneo, Animación y Video. Ha expuesto en varios espacios importantes, tales como XIX Bienal Tamayo, MACO, Oaxaca; Casa Pixan II; PDP Gallery, París y Los Ángeles. Ha sido seleccionada en varios certámenes nacionales e internacionales como: Encuentro Nacional de Arte Joven; Sónar D Program; Bienal de Ilustración; Premio de Artes Visuales de Tlaxcala; Bienal de Tamayo, entre otros. HILDA PALAFOX (México, n. 1982) Cursó la Licenciatura en Diseño Integral en la Escuela de Diseño del INBA. Cuenta con un Diplomado en Producción Editorial en la Escuela de Diseño del INBA. Entre sus principales exposiciones individuales se encuentran: Cuando baje la marea, Thinkspace Projects, Los Ángeles, Estados Unidos (2020); DUAL, Galería Libertad, Querétaro, México (2019); 11.864 kilómetros en línea recta, Instituto Cervantes Tokyo. Tokyo, Japón (2018); entre otras. Ha expuesto de manera colectiva numerosas veces, entre estas se encuentran: Somebody, Hashimoto Contemporary, San Francisco, Estados Unidos (2020); Multiples, Hashimoto Contemporary, Nueva York, Estados Unidos (2020); Threesome 19, Karen Contemporary Artspace. Queensland, Australia (2019); The Flats, Tales of Art Gallery. Imola, Italia (2019); Mural Festival Mural intervention. Montreal, Canadá (2018); entre muchas otras. Ha expuesto también en Ferias de Arte Internacionales como Design Week México, Juxtapoz Clubhouse y SCOPE Art Show. Su trabajo ha sido merecedor de la Mención Honorífica del Premio de Diseño Clara Porset.

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ILEANA MORO (Costa Rica, n. 1991) Vive y trabaja entre Bélgica y la Ciudad de México. Artista que busca explorar temas emocionales, declaraciones mentales y transfiguraciones espirituales para despertar el alma. Algunas obras representan temas abstractos y formas aisladas que interactúan entre sí para lograr una relación íntima con un enfoque orgánico y espiritual. Moro logra infundir los elementos de la naturaleza por medio de tonalidades terrosas. Ha expuesto de manera colectiva en diferentes ocasiones, entre las que destacan: St. Vincent ‘s, Antwerp, Bélgica (2020); Dialogues, Galería Phillia, Bélgica (2020); Unión Sala B-N, Unión Galería, Ciudad de México (2020); entre otras.

IRENE DUBROVSKY (Argentina, n. 1972) Licenciada en Artes Visuales. Sus primeras exposiciones sobre cartografías las realizó en Sudamérica: Buenos Aires, Brasil y Venezuela. Su obra se caracteriza por la creación de mapas que indagan el problema de las Teorías Cosmológicas y su representación en el ámbito de la estética. En sus obras utiliza la abstracción como el lenguaje primordial, que constituye para la artista la mejor traducción de la intensa inquietud interior del hombre ante los fenómenos. Entre sus exposiciones más relevantes destacan, Modos de Oír, Laboratorio Arte Alameda; Cartografías Satelitales X Bienal de la Habana, Cuba; Universos Progresivos, Hong Kong, Puerta Roja (2015); World Maps, Galería Couturier, Los Ángeles; Paseo por Mapa, Antiguo Palacio de San Ildefonso; Mapas Nómadas, Bodega Quetzalli, Oaxaca. Fronteritat, Universitat de Valencia, Folia, Celda Contemporánea; Punto de Fusión, Bienal Ventosul, Brasil; Polo Norte-Polo Sur, Nina Menocal Projects; Cartografías alteradas, Bienal de Cuenca, Museo Historia; La Máquina Humana, Centro Wifredo Lamm, La Habana, Museo Raúl Anguiano de Guadalajara; Mapas de la Alteridad, Viena, Austria, Instituto de Cultura, Centre Pere Pruna Barcelona, Palacio de Egipto; entre otras. Trabaja actualmente en una pieza para espacio público, un gran espejo de agua en cerámica de alta temperatura a colocarse en el Jardín Botánico de Oaxaca. A sus

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escasos 19 años recibe el Premio de la Asociación Internacional de Críticos de Arte (Argentina) CAYC. Pertenece al Sistema Nacional de Creadores.

ISAURO HUIZAR (México, n. 1985) Estudió Arquitectura en el Centro Roberto Garza Sada en Nuevo León México y posteriormente cursó el Programa Educativo SOMA y el programa académico PARAC, también en México. De manera individual ha presentado: Recorridos sobre la superficie de un cuerpo, Casa Maauad, Ciudad de México, (2016); Sobran cosas Lugar Común, XII Bienal Femsa, Monterrey, México (2016); Dodecilbencenosulfonato Sódico, LADRÓN galería, Ciudad de México, (2016); Espacio - Objeto - Comportamiento, Bikini Wax, Ciudad de México, (2015). Dentro de sus exhibiciones en colectivo destacan: Vessel: Three Viewpoint from Contemporary Mexico, SOIL Gallery, Seattle, EEUU. (2017); 25o 39’’ 43’ N 100’25’ 18’ O 670 m s. n. m., Centro Roberto Garza Sada, Monterrey, México (2017); Puras cosas nuevas, Pantalla Blanca, Ciudad de México (2017); PDF-OBJECTS by Jason Lazarus & Sean Ward, El Espectro, Ciudad de México; (2017); 1st Meeting of Artistic Crime Investigation Bikini Wax, Ciudad de México, (2016); El aire entre las cosas, Casa Maauad, Ciudad de México, (2015); México: The Future is unwritten, Map of the new art Fondazione Giorgio Cini, Bienal de Venecia. (2015); Mapping the city, Contemporary Cartographic Art, New Wing, Sumerset House, Londres, (2015); Continually revealing multiple routes of entry and exit, FIFI Projects, SPGG, México (2014). Se encargó de la museografía en Diseño en proceso, en colaboración con Mario Ballesteros, en Archivo Arquitectura y Diseño, Ciudad de México (2016) y ha sido artista residente en F8 Residency Facebook page, Fundación Casa Wabi, Oaxaca, y en la XII Bienal Femsa. Obtuvo el Primer lugar en la XVII Antonio López Sáenz Bienal en 2012 y el Premio de Arquitectura Luis Barragán en 2007.

JASMINE CADENHEAD (Canadá, n. 1984) Licenciada en Arteterapia por el Vancouver Art Therapy Institute (2012-2014); cuenta con una Maestría en Arte, Estudios de Discapacidad del Desarrollo con Mención en Historia por la Universidad Ryerson, Toronto (2006-2009); cursó un Diplomado en Asis-

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tente educativo, Apoyo para necesidades especiales por el Niagara College, Ontario (2004). Ha expuesto en varias ocasiones tanto de manera individual como colectiva en Canadá y México.

JAVIER AREÁN (México, n. 1969) Estudió en New School for Social Research de Nueva York, cursó una especialización en pintura y dibujo en la New York Studio School en la Universität der Künste, en Berlín. De manera complementaria ha estudiado litografía y serigrafía. Se le reconoce la fundación en 2013 del proyecto Diagrama, una plataforma dedicada al diálogo, la crítica y la reflexión de la pintura contemporánea en México. Fue Rosehill State Speaker en la Universidad Lewis Clark en Idaho. Ha sido docente en la Universidad Iberoamericana de la Ciudad de México y actualmente en CENTRO de diseño, cine y televisión. En 2012 fue invitado a formar parte del Consejo Editorial de Cultura del periódico Reforma. En 2016 fue uno de los diez artistas seleccionados en Batidores, una iniciativa privada para difundir la pintura contemporánea en México. En 2016 fue comisionado por el sello editorial Mirlo para realizar 31 ilustraciones sobre la novela de F. S. Fitzgerald, El gran Gatsby, para su publicación en una edición de lujo. Su obra forma parte de colecciones públicas en el Museo de la Estampa de la Ciudad de México, el Instituto de Artes Gráficas de Oaxaca y el Museo de Cancillería de la Ciudad de México. De manera individual se ha presentado en México, Barcelona, España y Camboya. Ha participado colectivamente en ferias de arte como Zona Maco, Houston Fine Art Fair, y Chic Dessin, así como en bienales nacionales e internacionales.

JAVIERA DA FONSECA (Chile, n. 1982) Estudia la carrera de Artes Plásticas en la Universidad de Chile obteniendo el título de Licenciada en Artes Plásticas con mención en Pintura. Junto a Eugenio Dittborn (Premio nacional de artes plásticas, Chile, 2005) toma el taller Crítica y apreciación del Arte. En 2017 ganó una residencia de arte en la Residencia Gorila, Tulum-México. Gana el premio a mejor Pop Up Space de la Feria Ch.ACO junto a Totoral Gallery en 2015. Entre sus principales exposiciones individuales están: Aura: A Mexican Experience, Back Gallery Project, Vancouver,

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Canadá (2017); La más silenciosa de todas las horas, Garage Gallery, Ciudad de México (2016) y El Nuevo Paisaje, Totoral Gallery, Algarrobo, Chile (2014). Su obra ha participado en diversas exposiciones colectivas en México, Chile, Estados Unidos y Canadá.

JESSICA FELDMAN (Estados Unidos, n. 1972 ) Cursó sus estudios en el Museo de Bellas Artes de Boston, Estados Unidos y en la Academia de Arte en Florencia, Italia. Ha tomado varios cursos en la Academia de San Carlos en la Ciudad de México y en el Miami Art Center. Sus pinturas han sido expuestas en México dentro de importantes espacios como Torre Mayor, Senado de la República, Museo José Luis Cuevas, Lotería Nacional, Museo Bicentenario, Museo de Oaxaca, Museo de Arte Moderno. A nivel internacional ha expuesto en diferentes ciudades como: Atlanta, California, Miami, y Nueva York en Estados Unidos; Inglaterra, España y Taiwán. Ha sido galardonada con el Premio Art Tour International en el Mad Museum de Nueva York.

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JESÚS GALVÁN (México, n. 1973) Es Licenciado en Artes Visuales por la Facultad de Artes Visuales, de la Universidad Autónoma de Nuevo León. Cuenta con un Diplomado en Fotografía en el Gimnasio De Arte. Tiene estudios en Técnicas de Pintura con Luz Ordoñez; Dibujo, pintura y esmalte sobre metal en la Escuela de San Carlos; Electrografía: espacios electrónicos alternativos con Jesús Flores; Retablos mexicanos con Fernando Quiroz; Transgresión del método creativo con la Dra. Graciela Fernández; entre otros. Entre sus exposiciones individuales se encuentran: Deseo y Memoria, Arte Actual Mexicano, Nuevo León (2017); Bridges, Avis Frank Gallery, Galveston, Texas (2012); A kit to Whooping Ass, Arte Espacio Dulce Dallas, Texas (2011). Ha participado en múltiples exposiciones colectivas, tales como: El Arte detrás del Muro, Galería Emilia Cohen y Plaza de la Raza. Los Angeles, California (2019); Southern Exposure: Shining Lights in Contemporary Art from México, Galería Emilia Cohen y Castelli Art Space, Los Ángeles California, EUA (2019); Subasta Horno Pan y Vida, Galería Emilia Cohen y Fundación PROVIVAH (2018); El Arte en la Vida, colectivo colección de Guillermo Sepúlveda (2017); Identidad y nación en el arte mexicano, Centro Cultural plaza Fátima, Nuevo León (2017); Winter Group Show, Avis Frank Gallery, Galveston, Texas (2011); Colectivo, Hans Payan Gallery, Houston, Texas (2010).

JORGE TELLAECHE (México, n. 1982) Jorge Tellaeche empieza su carrera artística a los 15 años con una exposición en Sony Art Walk en San Diego, California. Más tarde, ingresa a la escuela de pintura en Luxemburgo. Al regresar a México, estudia Diseño Gráfico en Tijuana y abre una agencia de publicidad donde es Director de Arte. Al mismo tiempo, desarrolla su trabajo pictórico y expone su obra en diversas galerías. Más tarde, colabora con el Museo de Arte Contemporáneo de San Diego (MCASD) y dirige el colectivo de curaduría experimental Adapta Project. En 2009 regresa a la Ciudad de México, su ciudad natal. Desde entonces ha expuesto en diversas galerías de la capital y en su showroom Animals. Ha tenido colaboraciones con marcas internacionales como

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Adidas, Comex, Durex, Hotel W, Delirio, I love Wok, El Palacio de Hierro, Domino’s Pizza y para los proyectos All City Canvas y Corredor Cultural Roma Condesa. La responsabilidad social ha sido parte importante del trabajo de Jorge desde hace ya varios años. Ha realizado colaboraciones y donado obras para organizaciones de distintas causas sociales como No Sombrero, Arte Vivo, Oso Fredo, Fundación Rebecca de Alba y el movimiento Va Por Mi Cuenta que busca acabar con la desnutrición infantil en México.

JOSÉ CHÁVEZ MORADO (México, n. 1909 m. 2002) Fue un artista, escultor y muralista de corriente nacionalista exponente de la tercera generación de la denominada Escuela Mexicana de Pintura, junto con autores como Juan O’Gorman, Raúl Anguiano y Alfredo Zalce. En 1934 se inscribió en la Escuela Central de Artes Plásticas (Academia de San Carlos), donde tomó clases de grabado con Francisco Díaz de León, de pintura con Bulmaro Guzmán y de litografía con Emilio Amero. Años después en 1949, viajaría por Europa en plan de estudio. Formó parte del movimiento muralista mexicano, y fue también grabador, promotor y asesor cultural, dejando una valiosa aportación en el terreno de la creación de instituciones educativas, impulsando la cultura en México y en su estado natal. El pintor galardonado con el Premio Nacional de Ciencias y Artes en 1974 dejó en su obra un legado de mensaje social y de gran riqueza para el arte mexicano, además de una muestra de su convicción revolucionaria. En la década de los cincuenta del siglo XX, José Chávez Morado alcanzó la cúspide en su producción mural: en su haber cuenta con cerca de una treintena de murales, entre los que destacan los ubicados en Ciudad Universitaria (El retorno de Quetzalcóatl, La conquista de la energía, y La ciencia del trabajo), la Alhóndiga de Granaditas (Guanajuato), el Museo Nacional de Antropología, el Centro Médico Nacional, la Secretaría de Comunicaciones y Transportes, entre otros. Fue impulsor de la corriente de integración plástica, además de promotor cultural y fundador de varios museos en Guanajuato. En su honor se abrió el Museo Olga Costa - José Chávez Morado, en la que fue su casa en la

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capital de su estado natal, inaugurado en 1993. Falleció el 2 de diciembre de 2002, a los 93 años, en su casa de Guanajuato. En el jardín del Museo Olga Costa - José Chávez Morado reposan las cenizas del pintor, junto a las de su esposa.

JOSÉ GUADALUPE POSADA (México, n. 1852 – m. 1913) Pintor y caricaturista mexicano, famoso por sus litografías con escenas de muerte, estampas populares y caricaturas sociales. Figura destacada del panorama artístico mexicano, José Guadalupe Posada desempeñó en él tan notoria influencia que su papel podría equipararse a la trayectoria del famoso douanier francés, Henri Rousseau, y a su impacto en la evolución del arte europeo de principios del siglo XX; en efecto, la revelación de la obra de Posada confirma su gran predicamento estético y da fe de su empeño en realizar un arte propiamente mexicano. Las ideas de Posada eran de clara índole progresista y, al servicio de éstas, dibujó caricaturas y bocetos satíricos consagrados, en general, a elaborar una crónica de la vida mexicana de la época o a poner de relieve los sufrimientos de su pueblo bajo el yugo de los grandes terratenientes. Las sátiras de los políticos más influyentes de la época le costaron la cárcel en más de una ocasión. El gran número de encargos que se amontonaban en su taller le obligó a crear una técnica nueva, el grabado al ácido en relieve, mucho más rápida. Su extensa producción gráfica, estimada en más de veinte mil grabados, realizados en litografía o planchas de metal, podría clasificarse como expresionista, puesto que recrea con extraordinaria imaginación, gran sentido humorístico y profunda capacidad crítica las lacras, miserias y prejuicios de la realidad social y política de su época. Su obra abarca múltiples temas, entre los que cabría destacar las célebres calaveras o imágenes de ultratumba; los desastres que comprenden catástrofes de tipo natural (inundaciones, epidemias, sucesos astronómicos, nacimientos de seres monstruosos), accidentes, hechos sobrenaturales, crímenes y suicidios; los ejemplos o lecciones morales que pueden extraerse ante la perversidad y bestialidad humanas; sucesos sociales y políticos, donde sobresalen las viñetas referidas a las ejecuciones y los “corri-

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dos” revolucionarios; los milagros religiosos; la serie denominada “Don Chepito”, que narra las desventuras de un solterón ridículo, una especie de antihéroe; así como las imágenes captadas de la vida cotidiana con inigualable precisión e intención certera. Posada fue considerado como un precursor del movimiento nacionalista en las artes plásticas por algunos de quienes lo protagonizaron: José Clemente Orozco, Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros, Francisco Díaz de León y Leopoldo Méndez. En 1933, veinte años después de su muerte, fue redescubierto por el pintor Jean Charlot, quien editó sus planchas y reveló la influencia de Posada sobre artistas de las posteriores generaciones. Gran dibujante, trabajador incansable y un gran técnico del grabado, Posadas murió en Ciudad de México, en 1913.

JOSH MAYHEM (Estados Unidos, n. 1979) Escultor estadounidense. En el proceso de creación de sus codiciadas obras escultóricas, Josh Mayhem utiliza lienzos de calidad de galería como telas protectoras. Individualmente ha expuesto en múltiples ocasiones, entre las que destacan: DRIP, The Crown Collection Gallery, Los Ángeles (2020); Hype Breeze, The Crown Collection Gallery, Los Ángeles (2019); Cuteness in the Wind, PIQ, Nueva York (2018); entre otras. De manera colectiva ha expuesto: Re-Imagined, Clutter Gallery, Beacon (2020); Art Miami con Avant Gallery (2019); entre otras. Su trabajo ha sido merecedor del premio Custom of the Year (Fan) en los Designer Toys Awards (2019). En 2020, Josh Mayhem forma parte de la representación exclusiva en Avant Gallery.

JULIA CARRILLO (México, n. 1987) Matemática por la Universidad Nacional Autónoma de México. Realizó estudios de maestría en Artes Visuales en la Academia de San Carlos (2012-2014). Julia relaciona su práctica artística con nociones provenientes de la matemática y la física para analizar fenómenos de la naturaleza como la transformación del espacio, el movimiento de la luz, la gravitación y fuerzas que condicionan la vida en nuestro planeta. Así, busca cuestionar desde la ciencia y compren-

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der desde el arte. Actualmente desarrolla proyectos de arte y ciencia en el Centro de Ciencias de la Complejidad de la Universidad Autónoma de México. Sus obras se encuentran en colecciones del Museo de Arte Contemporáneo de Monterrey (MARCO) y en Universum Museo de las Ciencias, UNAM. En 2019 participó como artista invitada en la residencia MMCA Residency International Artist Fellowship Program del National Museum of Modern and Contemporary Art, Korea (MMCA), y además, en 2014 en la residencia Flux Factory de Nueva York, EE.UU. Obtuvo una beca del Programa de Residencias de Perfeccionamiento Artístico del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA), con la cual cursó estudios en la Escuela de Artes Visuales de Nueva York (2014). Fue beneficiaria del Programa de Apoyo a la Producción e Investigación en Arte y Medios del Centro Nacional de las Artes (CENART, 2015) y de la beca Jóvenes Creadores del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes (FONCA) (2016- 2017). En 2017 obtuvo el Premio del público en la XII Bienal FEMSA (Monterrey, México) otorgado por FEMSA y CONARTE. JUSTIN M. ZIELKE (Estados Unidos, n. 1989) Estudió la Licenciatura en Comunicación Visual con enfoque en ilustración en la Universidad de Kansas en el año 2013, y cuenta con una maestría en Animación por el Savannah College of Art and Design. Entre sus exposiciones individuales más destacadas se encuentran: Vernon Filley Art Museum, Kansas (2018); CHET solo WELMONT Venues, Georgia (2017). Entre sus exposiciones colectivas destacan: “FACE2020”, Society of Portrait Sculptors, Londres (2020); Mark 100 Mary R Koch Arts Center, Kansas (2019); The Medium is the Message Reuben Saunders Gallery, Kansas (2019); Emerging Artists, Mary R Koch Arts Center, Kansas (2019); Ninnescah Art Exhibit Vernon Filley Art Museum, Kansas (2018); Small Works Gutstein Gallery, Georgia (2017); Lacoste Open Studio Lacoste, Francia (2014). Su trabajo ha sido reconocido con varias residencias como la Jentel Artist Residency (2020); la residencia en el Vermont Studio Center (2019). Además ha obtenido la Mención Honorífica durante

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la exhibición de arte Ninnescah (2018); fue seleccionado para pertenecer a la colección permanente del Savannah College of Art and Design (2015). Obtuvo la beca por la Sociedad de Ilustradores de Nueva York (2012).

KHARA OXIER-MORI (Estados Unidos, n. 1979) Cursó la Licenciatura en Antropología en la Universidad Estatal de Boise, Idaho, Estados Unidos. Ha expuesto de manera individual en varias ocasiones, entre las que destacan: Osmosis, Universidad Estatal de Boise, Galería de Bellas Artes (2019); LaBry Fine Art, Boise, Idaho (2017); Decultivated, Galleri Oxholm, Copenhagen, Dinamarca (2015); Khara Oxier Art Exposition, Metro Gallery, Iida, Japón (2015); entre otras. También, ha participado en numerosas exposiciones colectivas, tales como: World Center for Birds of Prey, Nocturne, Boise, Idaho (2018); Christmas Group Exhibition, Galleri Oxholm, Dinamarca (2016); The Filthy Few, Galleri Oxholm, Copenhagen, Dinamarca (2015); La Bottega Dell Acquaforte, Laguna Beach, CA (2015); entre muchas otras. Su obra es parte de colecciones públicas y privadas en Alemania, Canadá, Dinamarca, Estados Unidos, Finlandia, Francia, Guatemala, Irlanda, Italia, Japón, México, Países Bajos, Puerto Rico y Suiza. Ha sido merecedora de la Residencia James Castle House Artist-in-Residence otorgada por el Departamento de Artes e Historia de Boise, Estados Unidos (2020).

LAO GABRIELLI (Argentina, n. 1971) Artista visual y diseñadora gráfica, actualmente vive y trabaja en la Ciudad de México. Estudió Diseño Gráfico en la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la Universidad de Buenos Aires y cursó un año en la carrera de Arquitectura en la misma Universidad. Realizó sus estudios artísticos con el Maestro Guillermo Roux y estudios de restauración en el taller de Mónica Tezanos Pinto en la misma ciudad. Participó en la ciudad de Nueva York en los seminarios de la Maestra Anna Rank y del Maestro Julio Alpuy del Constructivismo de Joaquín Torres García, en seminarios de Musei e Patrimonio con la Dra. en Arte y Museografía Mercedes Auteri. Como así también en la Jornada fundamentada en la interrelación arquitectónica-artística del Maestro Eduardo Terrazas en la Fun-

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dación Javier Marín, Ciudad de México. Algunas de sus principales exposiciones individuales son: Exposición Conmemoración 209º Aniversario de la Revolución de Mayo, Embajada Argentina en México, Ciudad de México (2019); Más allá del cinetismo, Alianza Francesa, Ciudad de México (2017); Miami Limited Edition, Wynwood Art District, Miami (2017); Espressioni,

234 ———— Dante Alighieri, Ciudad de México (2016); La muerte tiene permiso, Galería Aguafuerte, Ciudad de México (2012). Ha expuesto, además en importantes recintos como: el Centro Cultural Mizrahi, Ciudad de México (2017); el Centro Cultural Periodista, Ciudad de México (2016); la Casa de la Primera Imprenta de América, Universidad Autónoma Metropolitana, Ciudad de México (2016); Galería de Arte Moderno, Ciudad de México (2016); Contempo, Arte Contemporáneo, Ciudad de México; Arte Laguna Prize 13.14, Painting, Sculpture and Installation. Venecia (2016); Arte Visual México, Corporativo Antara Polanco 1, Ciudad de México (2014); 5ta Exhibición Internacional de Señaladores de Artista, Galería Vuelvo al Sur. Ministerio de Cultura de la Ciudad Autónoma de Buenos Aires (2014); Arte Laguna Prize, Arsenale de Venecia (2013); Florence Shanghai Prize 2013, Present Contemporary Art, Italia y China (2013); México Actual, Galería Aguafuerte, Ciudad de México (2013); Umbrellas for Peace. Instalación colectiva. Central Park Bandshell, Nueva York (2010); Muestra Anual Taller Guillermo Roux, Buenos Aires (2008). Reconocida por la Bienal de Arte del Centro

Mexicano Universitario de Ciencias y Humanidades de Puebla, la XI Bienal de Pintura Joaquín Clausell, Universidad Autónoma de Campeche y la Boston Biennal 3, Atlantic Works Gallery, Boston.

LEO MATIZ (Colombia, n. 1917, m. 1998) Leo Matiz creó un rico lenguaje estético gracias a los múltiples oficios que desarrolló a lo largo de su trayectoria. En sus obras, conjunta sus criterios pictóricos con la percepción, la poética, la sensibilidad y la imaginación del fotógrafo. Le atrajeron los enigmas de las sombras y los secretos que revelan las formas cuando la luz apenas la roza; la profundidad de campo, el juego del claroscuro, los matices y las siluetas que dibujan mapas grises que se disuelven en la imagen. Fue fotógrafo, dibujante, pintor, caricaturista, publicista, galerista, conocedor de las reglas clásicas de composición y enterado de la actualidad por su ejercicio como reportero gráfico ligado a la prensa y a organismos internacionales, Leo Matiz fue un trotamundos que con su cámara capturó la diversidad de los momentos

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decisivos de la historia del siglo XX. Leo Matiz registró sin compasión lo que ante él transcurría. Su ojo escrutador y su infalible velocidad lograron captar momentos irrepetibles llenos de fuerza y una gran verdad. Enfocó su lente en México para registrar los sucesos y fragmentos de la vida cotidiana de los campesinos, el desencanto de la vida rural y los oficios humildes. Encontró en la historia, el paisaje y la cultura popular mexicana la inspiración necesaria que le dio sentido a su propia búsqueda artística. Después del desencuentro intelectual entre Leo Matiz y David Alfaro Siqueiros, el fotógrafo colombiano dejó México en 1947. Se vinculó profesionalmente con la revista Selecciones de Reader’s Digest y viajó por varios países de Centro y Suramérica, registrando fotografías a color para las portadas de esa publicación, en su edición en español.

LEONARDO TEZCUCANO (México, n. 1977) Cursó estudios de Licenciatura en Artes Plásticas con maestros como Magali Lara, Diego Toledo, Gerardo Suter, Silvia

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Gruner, así como cursos de grabado, pintura y dibujo con maestros como José́ Luis Cuevas, Roberto Cortázar, Vlady y Alberto Castro Leñero. El maestro Rafael Cauduro fue padrino en su primera exposición individual. Lascivo, ecléctico y lúdico son 3 de los adjetivos que podrán describir el lenguaje que logra plasmar en su obra, con una gran fuerza, y dominando varias técnicas entre sí para lograr el sello tan único que lo caracteriza en cada pieza. Cuenta con una trayectoria con más de 19 años de experiencia en donde su obra ha sido reconocida en países como Suecia, Alemania, Londres, Italia, Francia, Estados Unidos y México. Ha expuesto en ferias internacionales como Art Basel, Zona MACO, Scope, Spectrum, Nina Torres, y durante varios años ha participado en la Subasta Arte Vivo para la Fundación México Vivo. El director creativo de DIESEL Italia, Nicola Formichetti, aprobó́ los diseños para la campaña #DIESELREBOOT publicándose también en la página oficial de DIESEL Italia. Creador del mural para el museo de los 100 años de Camel en México. y diseño de cajetilla de cigarros seleccionado entre más de 400 artistas para ser uno de los 10 ganadores que formarían parte de la historia de CAMEL 100 años. Obtuvo cinco premios internacionales con la marca Perrier con las instalaciones que se hicieron para Zona MACO en el año 2007 y, fue expuesta durante cuatro años consecutivos.

LEONOR HOCHSCHILD (México, n. 1962) Leonor cuenta con estudios especializados en pintura en la Escuela de Artes Aplicadas Llotja en Barcelona y en técnicas mixtas con el artista Víctor Ceprián Cortés en Madrid. Ha realizado estudios en dibujo con el maestro Gilberto Aceves Navarro en la Ciudad de México y en la Escuela de Artes y Oficios de la Diputación de Barcelona. Además, tiene formación en Diseño Publicitario y un diplomado en Ilustración Artística en el Claustro de Sor Juana. Entre sus principales exposiciones se encuentran: Leonor Hochschild, Utopía Arte Contemporáneo, Ciudad de México, México (2018); Amistad México-Israel, Embajada de Israel, Centro cultural México - Israel; Las monarcas, Museo J. Arcadio Pagaza, Valle de Bravo, México (2018); Rutas Alternas, Galería

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Veracruzana, Ciudad de México, México (2017); Tiempos de Regeneración, Museo Gustavo de Maeztu, Navarra, España (2017); Reacciones, AC. Gallery, Arte y Ciencia, Madrid, España (2013); Sismografía, AC. Gallery, Arte y Ciencia, Madrid, España (2011); entre otras.

MANUEL FELGUÉREZ (México, n. 1928 – m. 2020) Pintor, escultor, muralista, profesor e investigador. Estudió en la Academia de San Carlos de la Escuela Nacional de Artes Plásticas de la Universidad Nacional Autónoma de México (1948) y en la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” INBA (1951). Becario del Gobierno Francés en la Academia de la Grande Chaumier, París (1944 y 1959) y en la Academia Colarossi, París (19541955). Trabajó en los talleres escultóricos de Brancusi y Sadkine. A su regreso de Europa forma parte de la primera generación de artistas abstractos nacionales, abiertamente confrontados con la tradición de la Escuela Mexicana de Pintura encabezada por Diego Rivera, David Alfaro Siqueiros y José Clemente Orozco,

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la llamada Generación de la Ruptura. Su obra ha sido objeto de múltiples exposiciones individuales y colectivas, entre ellas, la retrospectiva de su obra en el homenaje al cumplir 80 años, en el Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México; obra pública de gran formato como: La Fuente y escultura frente a la Lotería Nacional; obra mural en el Museo Nacional de Antropología entre otras. Se ha hecho acreedor a múltiples distinciones como el Premio Nacional de Ciencias y Artes del Gobierno de México, en el área de Bellas Artes (1988); la Beca de la Fundación Guggenheim (1975); el Gran Premio de Honor en la XIII Bienal de Sao Paulo, Brasil (1975), por las obras producto de El Espacio Múltiple (1973), y el Segundo Premio de Pintura en la Primera Trienal de Nueva Delhi, India (1968). Maestro invitado en la Universidad de Cornell, Estados Unidos; investigador huésped en la Universidad de Harvard (1975); imparte la clase de Composición de la Estructura del Cuadro en la Escuela Nacional de Artes Plásticas; a partir de 1977 es miembro como investigador del Instituto de Investigaciones Estéticas de la Universidad Nacional Autónoma de México. MANUEL H. MÁRQUEZ (México, n. 1981) Estudió la maestría en Artes de la Imagen en el Rochester Institute of Technology de Nueva York, es artista y profesor de fotografía y arte en las universidades Centro y American School Foundation. Ha exhibido de forma individual y colectivamente en Estados Unidos y México, destacando muestras en el Centro de la Imagen; Maxon Mills Exhibition Space, Wassaic, Nueva York, Estados Unidos; Segunda Bienal de Arte de Veracruz, Xalapa, México (2014). Fue finalista del Latin American Photobook Award organizado por el Fotomuseo 4 Caminos de la Ciudad de México y becario de la residencia Visual Studies Workshop, Rochester, Nueva York, Estados Unidos. Su obra se encuentra en varias colecciones como los archivos del Centro de la Imagen y la Richard and Ronay Menschel Library, George Eastman Museum, Rochester, Nueva York, Estados Unidos. En 2017 publicó el libro Eres un fantasma realizó una residencia artística en Visual Studies Workshop en Nueva York y publicó un ensayo para Blog de crítica, proyecto coordinado por SOMA y Alumnos 47, México.

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MARCO ROUNTREE (México, n. 1982) Artista visual autodidacta que vive y trabaja en la Ciudad de México. Define su práctica como la libre experimentación del dibujo en cualquier material. Mediante el dibujo, el collage, la pintura, la escultura, la instalación, el video y las intervenciones en el espacio arquitectónico, explora el concepto de ornamento, particularmente en la resignificación de objetos cotidianos a través de su manipulación y representación. Ha realizado exposiciones individuales en Museo Universitario del Chopo, CDMX (2020); Museo Anahuacalli, CDMX (2019); Museo de Arte Querétaro, Querétaro (2010); Ha expuesto de forma colectiva en UNEM, Monterrey (2018); PROXYCO, Nueva York (2017); Museo de Arte Moderno, CDMX (2012); Segunda Trienal Poligráfica, San Juan, Puerto Rico (2009); Fundación Jumex, CDMX (2012, 2009, 2008). Cuenta con un proyecto permanente en el Jardín Botánico Culiacán, Sinaloa (desde 2011) y será parte de la próxima XIV Bienal Femsa, Morelia (2020). MARTÍN LEVÊQUE (Francia, n. 1987) Vive y trabaja en la Ciudad de México. Tras estudiar comunicación y siete años de experiencia en emprendimiento como director de arte, empezó a crear obras visuales de forma autodidacta. Su trabajo explora nuestra relación con los objetos y el espacio. A través de sus instalaciones, esculturas, fotografías y serigrafía, Levêque intenta sembrar la confusión entre los visitantes ofreciendo un momento que rompe las barreras impuestas por nuestra vida cotidiana. Su obra es una búsqueda utópica que transforma lo imposible en realidad. Su daltonismo es el origen de su fascinación por la ilusión. Entre sus principales exhibiciones individuales se encuentran: WSC. Fotografías e instalación, Galería Almanaque, Ciudad de México (2020); Suspended Time, Instalación cinética para 1 Mes 1 Artista, Galería 123, Ciudad de México (2020). Ha participado en varias exposiciones colectivas como: Precipite, Galería Iturbide, Ciudad de México (2020); Cinta, Museo Ex Teresa Arte Actual, Ciudad de

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México (2019); Eclipse, Edition du Coté, Biarritz, Francia (2019); Ex Materia, instalación para el Abierto Mexicano de Diseño, Museo Nacional de Arte, Ciudad de México (2018); Rouge, Edificio Condesa, Ciudad de México (2018); entre otras. Su trabajo ha merecido premios como el Grand Prize K Design, Shanghái, China (2018); Segundo lugar en el Light, Art & Colors durante la semana del Diseño en Venecia (2019); y ganador del premio Iconic Award de Arquitectura innovadora, Consulado alemán, Frankfurt (2020). MONICA CZUKERBERG (México, n. 1983) Trabaja principalmente con pintura y escultura. Estudió Arquitectura en la Universidad Anáhuac del Norte, ha tomado cursos y diplomados sobre dibujo, diseño y otras disciplinas artísticas en instituciones como la Universidad Iberoamericana, CENTRO y el Instituto di Moda Burgo en Milán, Italia. Actualmente forma parte del taller de la artista plástica Eugenia Orozco. Su obra está enfocada en la búsqueda constante de diferentes técnicas y

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materiales con el fin de expresar sus inquietudes y universo plástico. Su estilo, denominado por ella como “realismo abstracto”, se caracteriza por plasmar elementos de la naturaleza que sitúa en escenarios indefinidos que surgen de sus reflexiones e investigaciones. La utilización de elementos orgánicos, incorpóreos, arquitectónicos, así como tonalidades vibrantes y un dominio impecable de la técnica son elementos constantes en sus composiciones. Ha participado en varios proyectos y exposiciones colectivas en galerías e instituciones culturales de la Ciudad de México y otras ciudades; entre ellas destacan: Extracción del Mundo Interior, Galería Espacio y Lugar, Ciudad de México (2015); Coexistencias, Hotel Live Aqua, Ciudad de México (2016); Diálogos, Galería Pedro Gerson, Ciudad de México (2017); Nostri Maris, Galería Barca, Cancún (2019); This is Epic, Festival Internacional de Mentes Brillantes La Ciudad de las Ideas, Puebla (2019); y su más reciente exposición individual Adamá en la Galería Oscar Román, Ciudad de México (2019).

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OLIVIA STEELE (Estados Unidos, n. 1985) La artista de luz Olivia Steele se ha ganado una reputación internacional por sus instalaciones en neón. Sus frases iluminadas se suspenden en tiempo y movimiento en paisajes de Berlín, Bombai, Roma, Miami, Tulúm, Nueva York y Los Ángeles, utilizando el poder de la luz para crear enunciados simbólicos que impactan y provocan. Las piezas de Steel cargan emociones ocultas y fuerzas invisibles, formando parte de su marco de exploración temas como la conciencia, lo femenino y lo divino. Las frases contenidas en su obra habitan espacios de significados a veces contradictorios, confrontativos o conciliatorios. Ha expuesto de manera individual y colectiva en diferentes partes del mundo, entre las que destacan: Deliciosa Monstera, MAIA Contemporary, Ciudad de México (2018); Looking Forward, Galleria Torbandena Projects, Trieste (2017); Urban Intervention, Zona MACO, Ciudad de México (2017); Faux Real, Circle Culture, Berlín (2016); Hello Darkness and Viva La Muerte, Día de muertos, Oaxaca (2015); Nothing is what it seems, Circle Culture Gallery, Hamburgo (2014); Exhibition of Neon Artworks, Circle Culture Gallery at Corner Store, Berlín (2012); Welcome to Cashville, Private Collection, Nashville (2011); entre muchas otras.

OTTO (México, n. 2000) Artista emergente que tiene una gran pasión por el arte y la arquitectura. Estudió arte en la escuela de Lumen durante un año, para después desarrollar sus ideas en la escuela del Instituto de Arte de Chicago (SAIC). Al terminar estos cursos, se dedicó a crear esculturas de forma didáctica. Siendo acreedor de reconocimientos y exposiciones en diferentes galerías. Proyectos recientes: Exposición Estudio actual (2017); Subasta XCU, donación para los damnificados del temblor del 19 de septiembre (2017). Arte musical, diseño y colaboración con BEZESIE, cover art para producción discográfica.

PABLO DE LABORDE LASCARIS (México, n. 1985) Escultor mexicano radicado entre el Reino Unido y la Ciudad de México. Tiene una Licenciatura en Bellas artes de la Universidad de Falmouth, en el Reino Unido (2011). Es a través de la orquestación de

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diálogos específicos entre dos entidades que el trabajo de Pablo desafía la funcionalidad de los objetos del día a día. Lo hace mediante la creación de artefactos que sugieren un uso reinterpretado u objetos que quedan obsoletos por la alteración de su forma, escala o material. Su acto deliberado de privar a un elemento de su propósito real cuestiona las cualidades tradicionales de la escultura al desestabilizarlas dentro de sus contextos históricos. Entre sus exposiciones individuales destacan: A Blip, ASC Gallery, Londres, Reino Unido (2016); Pitch Galerie Gourvennec Ogor, Marseille, Francia (2013); Tide, Christ’s Hospital, Horsham, Reino Unido (2012); Ha participado en numerosas exposiciones colectivas tales como: Synergia, Museo Federico Silva, SLP, México (2019); El Pabellón de Las Escaleras Guadalajara 90218, CDMX, México (2018); Skinscapes, Unit One Gallery, Londres, Reino Unido (2017); The Artist and the Bricklayer, Pangaea Sculptors’ Center, Rootstein Hopkins Parade Ground, Londres, Reino Unido (2015); y Les disciples d’Actéon, Musée de la Chasse et de la Nature, París, Francia (2014). Pablo de Laborde Lascaris ha expuesto en reco-

244 ———— nocidas ferias de arte como Zona MACO, Centro Citibanamex, México (2018); FIAC! (International Art Fair Paris), In-Process, Paris, Francia (2014); European Capital of Culture, Galerie Gourvenec Ogor, Marseille, Francia (2013). Ha sido acreedor de la Beca FONCA, Jóvenes Creadores en Escultura (2018); y de la Beca Royal British Society of Sculptors Bursary Award (2012). Finalista del Sculpture Shock, Royal British Society of Sculptors (2014) y ganador del International Emerging Artist Award (2013). Obtuvo varias residencias a lo largo de su carrera, entre las que destacan: Residencia Fundación Casa Wabi, Puerto Escondido, Oaxaca, México (2019); Residencia en Bavaria con el artista Hex FRBS, Alemania (2016); Artista-en-Residencia, Christ’s Hospital school, Horsham, Reino Unido (2011-2013).

PAUL MUGUET (México, n. 1975) Interviene objetos cotidianos y emplea la palabra escrita para redefinir la relación con las cosas que nos rodean así como nuestra manera de nombrarlas. Paralelamente, su trabajo pictórico busca activar nuestra lectura de las obras exponiendo el poder

expresivo del color y empleando deliberadamente una pureza formal para cuestionar la relación entre objeto y pintura. Ha expuesto de forma individual y colectiva en diferentes museos y galerías como Museo Jumex, Ciudad de México; Museo de Arte Carrillo Gil, Ciudad de México; Museo Tamayo, Ciudad de México; Galería RGR+Art, Ciudad de México; Freijo Gallery, Madrid; Carré d’Art Musée d’Art Contemporain, Francia; Espace Escaut, Bruselas; Museo de la Cancillería, Ciudad de México; Association Étant-Donné, Francia; Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca (MACO); Polyforum Siqueiros, Ciudad de México; Celda Contemporánea de la Universidad del Claustro de Sor Juana, Ciudad de México; Galerie SAIDA Contemporary, Marruecos; Museo Franz Mayer, Ciudad de México; Galería Karen Huber, Ciudad de México; Museo de Pintores Oaxaqueños (MUPO); Galería TalCual, Ciudad de México; y en FrontGround, Galería Manolo Rivera, Mérida, Yucatán.

PAUL WEINER (Estados Unidos, n. 1993) Cursó la Licenciatura en Pintura en la Universidad de Syracuse en Nueva York. Ha expuesto de manera individual y colectiva en numerosas ocasiones, entre estas destacan: Socially Distanced Art Exhibition, TZ Projects, Los Ángeles, California (2020); American Amnesia, Krupic Kersting Gallery, Colonia, Alemania (2018); Old Glory, Long Road Projects, Jacksonville, Florida curada por Aaron Levi Garvey (2018); Paul Weiner Alto Gallery, Denver, Colorado (2018); Correspondence / Correspondencia, CTRL+SHFT Oakland, Estados Unidos curada por Á.R. Vázquez-Concepción (2016); Common Language, St. John University, York, Reino Unido (2013); New York to London, HOUSE Gallery curado por Berik Kulmamirov. Londres, Reino Unido (2013). Su trabajo ha sido reconocido con el Premio Augusta Hazard de la Universidad de Syracuse (2015); y con el Premio Roswell Hill de la Universidad de Syracuse (2014).

PEDRO FRIEDEBERG (Italia, n. 1936) Pintor surrealista, grabador, diseñador, ilustrador, muralista y escultor. Estudió tres años de Arquitectura en la Universidad Iberoamericana (1957). Sus mentores fueron Mathías Goeritz, José González Camarena y Gerry Morris. Entre sus exposiciones individuales recien-

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tes se encuentran: Gran retrospectiva, Palacio de Bellas Artes de la Ciudad de México (1953-2009); Galería Drexel, Monterrey; Galerie im Gassla, Nuremberg (2001); Festival del Desierto, La Paz, San Luis Potosí (2002); Museo de Historia, Monterrey (2002); Antiguo Palacio del Arzobispado, Ciudad de México (2003); Studio DVO, Bruselas (2004); Galería Pecannins, Ciudad de México (2004); Instituto Cultural Aguascalientes (2004). Entre sus exposiciones colectivas recientes destacan: Escuela mexicana, de la Ruptura al Geometrismo, Palacio de Bellas Artes, Ciudad de México (2000); De mi colección, exposición itinerante de CONACULTA (2000); Cajas, Casa de la Primera Imprenta, Ciudad de México (2001); Aparentemente Sublime, Museo de Arte Moderno, Ciudad de México (2003). Su obra forma parte de colecciones particulares y públicas, entre ellas: Museo de Arte Moderno, Museo José Luis Cuevas, Museo de Arte Moderno de Nueva York, Museo de Arte Contemporáneo de Chicago, Museo de Arte Contemporáneo de Nueva Orleans, Biblioteca del Congreso de Estados Unidos en Washington D.C., Consejo Nacional

246 ———— de Investigación de Canadá en Ottawa, Museo de Louvre de París, Museo de Israel en Jerusalén, Museo Nacional de Arte Moderno en Bagdad, Museo de Arte de Ponce en Puerto Rico, Museo Franklin Rawson en Argentina, Museo Omar Rayo en Colombia y el Museo Nacional de Historia Natural del Instituto Smithsoniano en Washington, D.C. Su obra mural se encuentra en diversas instituciones de México y el extranjero. Ha ilustrado publicaciones, diseñado portadas de libros de texto y proyectado escenografías y vestuarios. Se ha hecho acreedor a diferentes premios, entre ellos: el 2° lugar de la Bienal de Córdoba, Argentina (1966); 1er lugar en la Exhibición Solar en la Ciudad de México (1967); en la Trienal de Grabado, Buenos Aires (1979); Premio especial en la XI Bienal de Artes Gráficos en Tokio (1984); nombrado Artista Creador por el Sistema Nacional de Creadores Mexicanos y Extranjeros (1993). Su trabajo y vida han sido presentados en ocho libros desde 1972. Su autobiografía De vacaciones por la vida, Memorias no autorizadas, fue editada por Trilce y CONACULTA.

PILAR GOUTAS (México, n. 1963) Estudió Diseño Gráfico en la Universidad Iberoamericana y Diseño de Modas en el Instituto Marangoni en Milano, Italia. Vivió y trabajó en Europa. Ha trabajado y colaborado en proyectos artísticos, cinematográficos y producción junto con otros artistas y colegas. Ha participado en exposiciones individuales en el Sunshine International Art Museum, en el Beijing China Open, en el Zone Chelsea Center of Arts de Nueva York y en el Sans Filtre de México. Ha participado en la Subasta Arte Vivo desde el año 2004.

RAFAEL URIEGAS (España, n. 1982) Egresado de la Licenciatura en Bellas Artes por la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda”. Cursó estudios de dibujo con el Maestro Gilberto Aceves Navarro y con el Maestro Francisco Castro. Cuenta con una Maestría en Artes por la Universidad Autónoma del Estado de Morelos. Ha sido profesor de pintura en la Facultad de Artes de la Universidad Nacional Autónoma de México. Dentro de sus exposiciones individuales, destacan: Air, Galería Mercado Negro, Cholula, México (2017); Absences, MUSAS Museum of the Arts of Sonora, México (2017); Gizon Zintzoa, MUPO Oaxaca (2015); Lagoon, Galería Karen Huber, México (2015); Pintura Silva, Toca Galería, México (2014); Santa María on Mars, Centro Cultural Border, México (2009). Ha participado en numerosas exhibiciones colectivas entre las cuales destacan: Pintura Reactiva, Carillo Gil Museum, México (2018); Painters, Galería Machete (2017); Straight from Mexico City, Galería Patricia Ruiz Healy, San Antonio Texas (2016); Nadie sabe que revivimos nuestras…, Galería Tiro al Blanco, Guadalajara, México (2016); Bienal de Venecia, Fundación Luciano Benetton, Italia (2015); El Hombre ha Muerto, Universidad de Grime, Holanda (2013); Justina, Co-lab, Copenhaguen, Dinamarca (2009); entre muchas otras. Su trabajo ha sido merecedor del Premio de adquisición XVI Bienal de pintura Rufino Tamayo (2014). Ha sido acreedor de la Beca FONCA de Jóvenes Creadores (2013-2014); la Beca de estudios CONACYT (2011-2013); y obtuvo Mención honorífica Concurso Nacional de Arte Joven (2002). Su obra se encuentra dentro de varias colecciones públicas en México y Nicaragua.

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RAÚL ANGUIANO (México, n. 1915, m. 2006) Pintor, muralista y grabador. A los 12 años se incorpora a la Escuela Libre de Pintura en Guadalajara y a los 19 llega a Ciudad de México, donde estudia en la Escuela Nacional de Escultura, Pintura y Grabado “La Esmeralda” del INBA. Fundador del Taller de la Gráfica Popular (1938), donde principalmente realizó grabados y litografías con la idea básica de solidaridad con los trabajadores y campesinos. El mismo año, presentó su primera exhibición individual en el Palacio de Bellas Artes. En 1941 fue a Estados Unidos donde estudió y enseñó pintura. Ejerció, junto con José Guadalupe Posada, Leopoldo Méndez y los artistas del Taller de Gráfica Popular, una gran influencia sobre otros movimientos artísticos. Fue fundador del Salón de la Plástica Mexicana. Perteneció a la segunda generación de muralistas, integrada también por Jorge González Camarena, Federico Cantú Garza, Juan O’Gorman, entre otros. A lo largo de su vida pintó cerca de 50 murales entre los que destacan los de la Ciudad de México en el Museo de Antropología y el de la Secretaría de Educación Pública; y en Estados Unidos el del Museo Bowers en Santa Ana, California. Su obra como ilustrador incluye libros de la Expedición a Bonampak (1959) y Mawarirra. Un viaje al mundo mágico de los huicholes (1972). Raúl Anguiano enfocó su obra en el México rural e indígena. Por su continuo viajar, también pintó varios países y le gustaba dibujar desnudos. Merecedor del Premio Nacional de Ciencias y Artes en el área de Bellas Artes (2000); la primera distinción de Invierno del Salón de la Plástica Mexicana (1954), y la Condecoración José Clemente Orozco otorgada por el Congreso de Jalisco (1956). Otros reconocimientos son la Medalla de Oro del Salón Panamericana de Porto Alegre, Brasil (1958) y el Premio Jalisco (1988). Desde 1993 fue parte del Sistema Nacional de Creadores. Algunas de las obras del reconocido artista integran colecciones en Argentina, Bélgica, China, Estados Unidos, Francia, Italia, México, Polonia y Suecia.

RICARDO GARDUÑO (México, n. 1988) Artista mexicano, egresado de Arquitectura en la Universidad Nacional Autónoma de México. En 2009 presentó su

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primera exposición colectiva titulada 14 individuales en GB GALLERY, también en ese mismo año realizó su primera exposición individual en una casona sobre la calle de Reforma, en la cual se expusieron más de 40 de sus obras, inspiradas en las distintas personalidades del gremio artístico. Dentro de sus exposiciones más importantes resaltan: Gigantes, que constó de siete retratos arrugados presentados en Barcelona (2012); Agua y emociones, en el espacio galería de El Dorado on the Beach, Puerto Vallarta (2012), y nuevamente en el Centro Libanés (2013); y un trabajo colaborativo con Pedro Friedeberg en la obra Silla-mano para una subasta en la exposición Manos por México en el museo Franz Mayer para la Fundación V. Ferrara. En 2015 presentó para MaxMara la nueva colección de primavera con el diseño de un aparador en la boutique Masaryk en Polanco, además de la realización de obras hiperrealistas y un piano invertido con la textura de dicha temporada. Ese mismo año participó como conferencista para TEDx, presentado por la UNAM y realizó una obra inspirada en la Whitney Bag, misma que fue subastada para la Fundación Rebeca de Alba. En 2016 Trabajó para Calvin Klein con la intervención de un piano, una instalación y el arte musical de temporada.

RICARDO GUZMÁN (México, n. 1979) Estudió Artes Audiovisuales en el Centro de Medios Audiovisuales y Artes Visuales especializadas en Fotografía en la Universidad de Guadalajara, obtuvo la Residencia para Artistas Internacionales de la Academia de Artes Visuales y la School of Visual Arts. En 2012 participó en el programa de residencias de la American Foundation For The Cuban Development. Fue seleccionado del Premio Mexicano de Fotografía Contemporánea de la Fundación Mexicana de Cine y Artes FUMCA. Estuvo a cargo de los proyectos relacionados a la gestión, producción, difusión y exhibición de las Artes Visuales de Cultura UDG, dirigiendo por más de 5 años los espacios de Casa Escorza y Casa Vallarta, y gestionando exhibiciones fuera de México para la Universidad de Guadalajara entre las que destaca una curaduría de la obra de José Hernández-Claire realizada especialmente para

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el Instituto Cultural de la Embajada de México en Los Ángeles y para la Universidad de Texas en Austin. Recientemente fue curador de la muestra Slipping Glimpsers, primera exhibición pública del trabajo actual del fotógrafo y actor ganador del Oscar Gary Oldman, también trabajó en la curaduría de una exhibición del artista inglés George Blacklock en el marco de la FIL Guadalajara, también curó y produjo la exhibición de Sergio Arau para el MUSA de la Universidad de Guadalajara. Su trabajo artístico es representado por Galería Quetzalli, su obra ha sido expuesta en galerías, museos y festivales dentro y fuera del país entre los que destacan: El Palacio Centro Cibeles de Madrid en el marco de PhotoEspaña 15 donde participó dentro de la muestra Develar y Detonar, una selección de fotografía mexicana contemporánea, misma que resulta en un libro del mismo título editado por RM y Fundación Televisa; la muestra TRASLUCIR en el Museo de Arte Contemporáneo de San Luis Potosí, que derribó en la publicación del libro con el mismo título Traslucir, la obra de Ricardo Guzmán. Ha publicado en las revistas Picnic, Tragaluz, La Manzana, Elemento, México Desconocido y Cuartoscuro, entre otras; su obra fotográfica forma parte de colecciones que incluyen varios estados de México, Cuba, Argentina, Italia, España, y los Estados Unidos.

RICARDO PINTO (México, n. 1973) Estudió Arquitectura en la Universidad de Guadalajara, Jalisco, complementando su educación artística con un Taller de Dibujo con el Maestro Gilberto Aceves Navarro en Oaxaca, un Taller de Fresco con el Maestro José Galindo, un Taller de Cerámica en el ITESO en Guadalajara y un Taller de Grabado y otro de Dibujo y Acuarela en el Instituto Cultural Cabañas. Ha participado en más de 60 exposiciones colectivas en México, Canadá, Colombia, Estados Unidos, Marruecos, Egipto, Argelia, Sudáfrica y Brasil. De sus exposiciones individuales destacan: Cultura maya, Museo de Arte Contemporáneo de Yucatán, MACAY (2011); Open Studio, Leighton Artist Colony, Banff Centre, Canadá (2009); Filo Profundo, Museo de Arte Abstracto Manuel Felguérez, Zacatecas (2006) y Branched Path, The Other Gallery, Canadá (2009). En proyectos

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colaborativos participó en: Lost Horizon Naonow, Centro Xu Yuan, Beijing (2014); CIMBRA, Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México (2011) y Things to watch, Turner & Carroll Gallery, Santa Fe (2008). Su trabajo ha sido acreedor de distintos reconocimientos tales como la Beca Creador con trayectoria del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes de Oaxaca (2010 y 2013), residencia en el Xu Yuan Center en Beijing y la Residencia en el Centro Banff Canadá a través del programa de intercambio para residencias artísticas del FONCA (2006 y 2011).

RICARDO SANTOS (México, n. 1983) Egresado de la Facultad de Artes de la Universidad Autónoma de Chihuahua. Su obra ha sido expuesta en espacios de divulgación tales como el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, Museo Franz Mayer, Museo Casa Redonda, Museo del Desierto; en Países Bajos: COBRA Museo, Art House Holland, NDSM Fuse Amsterdam, Museum de Lakenhal, Old School Gallery y NoEsUnaGalería, por mencionar algunos. Hasta el momento ha realizado dos residencias en Art House Holland, Países Bajos. Es Co-fundador de NoEsUnaGalería, plataforma autogestora de difusión, colaboración y residencias para artistas emergentes a nivel nacional e internacional, la cual cuenta con dos sedes, una en Ciudad de México y recientemente otra en Utrecht, Países Bajos. NEUG cuenta con más de 20 ediciones de las cuales, varias de ellas, se llevaron

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a cabo en diversas ciudades a lo largo de los Países Bajos, por mencionar algunas Ámsterdam, Utrech y Leiden. Actualmente trabaja en estrecha colaboración con la embajada de México para llevar a cabo más proyectos que involucren el intercambio cultural entre ambos países.

ROBERTO CORTÁZAR (México, n. 1962) En 1976 comenzó sus estudios en la Escuela Nacional de Iniciación Artística no. 2, INBA-SEP; en 1977 ingresó a la Escuela Nacional de Pintura, Escultura y Grabado “La Esmeralda” del INBA, y en 1980 obtuvo su primera beca en producción, participando en diversos concursos, subrayando su presencia en el Segundo Salón Anual de Artes Plásticas del Museo del Palacio Nacional de Bellas Artes (1980), como finalista en la sección de Nueva figuración y Neoexpresionismo. Así mismo, se presentó en el Segundo Encuentro Nacional de Arte Joven (1981), y obtuvo el premio especial en la Primera Bienal de Dibujo del Salón Nacional de Arte Plásticas del INBA (1982), llamando la atención de la crítica especializada, particularmente la de la Maestra Raquel Tibol,

252 ———— y el legendario museógrafo mexicano Fernando Gamboa. Realiza entonces su primera exposición individual en la Galería Sloanne Racotta, en la Ciudad de México (1983); presenta una exhibición individual en la Galería Reynold Kerr Soho, Nueva York (29184) y en la Galería Misrachi, México. Participa en un sinfín de exposiciones colectivas en diversos museos y galerías, principalmente en México, Centroamérica y Estados Unidos. En 1988 presenta una exposición individual en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México titulada Anatomías, misma que se presentó posteriormente en otros recintos como el Museo de Monterrey y en el Museo Regional de Guadalajara.

ROBERTO RÉBORA (México, n. 1963) Artista y editor mexicano con una trayectoria de más de treinta años. Roberto Rébora es conocido por sus monotipias de La Niña Precoz y por sus pinturas principalmente elaboradas al temple-óleo, material preparado por él mismo a base de pigmentos naturales. Estéticamente hablando, es considerado como heredero de José Clemente

Orozco por los críticos de arte Berta Taracena, Jorge Juanes, Erik Castillo y Daniel Garza Usabiaga, entre otros. Destacado por lo enérgico de sus trazos y por su economía de medios, así como por sus conocimientos técnicos y la depuración de la materia pictórica que ha logrado, se le reconoce al contenido de sus imágenes una fuerte carga poética y reflexiva, con frecuencia de crítica social. Rébora ha experimentado y roto drásticamente con las características formales de su propio trabajo, lo cual se evidencia en culminaciones sucesivas tales como en la ya mencionada La Niña Precoz y en las series El Medio Inteligente, Suite Cojín, Poetisa, Futura, Multitudes, Monocromáticos, Azules y Rojos, Inmaterial y Media Star. Fue a partir de Media Star, que desarrolló durante el 2013 al 2018, la continúa su búsqueda del hombre inmerso en las redes de comunicación virtual, pero ahora también como ente social diluido en su éxodo a través de la tecnología del internet. Así, a finales de 2018 comenzó la serie Flujo Mundo, en la que se encuentra trabajando actualmente y de la cual realizó una exposición individual, homónima, en la Universidad del Claustro de Sor Juana, Ciudad de México durante marzo - mayo del 2019. A finales de octubre de este mismo año inaugurará Flujo Mundo Oaxaca en el Museo de Arte Contemporáneo de Oaxaca. Como editor, se ha formado en el saber gráfico, el diseño editorial, la bibliofilia y el culto a la poesía. Fundó en 1995 y dirige desde entonces Taller Ditoria, editorial literaria que se distingue por su nómina de autores cuya obra –principalmente poesía– es materializada en bellas ediciones tipográficas, manufacturadas, en libros con diseño único y de tirajes reducidos.

RODRIGO DE LA SIERRA (México, n. 1971) Al finalizar la licenciatura en Arquitectura y un Diplomado de Creatividad en la Universidad del Valle de México y desarrollar durante 12 años su profesión como arquitecto, el artista participó en los talleres Técnica de materiales y patinas y Taller de Escultura en Círculo de Arte y Escultura Pippal. Realizó cursos de modelado, talla en madera, moldes y vaciado y escultura figurativa en la Universidad Iberoamericana. Continuó su desarrollo de forma auto-

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didacta. Con 10 años de trayectoria como escultor, De la Sierra ha logrado exponer en países como Italia, China, Corea del Sur, Estados Unidos y México. Ha sido seleccionado para participar en diferentes prestigiosas bienales en España y Japón. Ha tenido exposiciones en el Museo de la Ciudad Santiago de Querétaro, el Museo de la Secretaría de Hacienda y Crédito Público, el Centro Cultural Isidro Fabela Museo Casa del Risco en la Ciudad de México, el Museo Nacional de Antropología de la Ciudad de México, el Centro Médico Nacional Siglo XXI, Centro Cultural Mexiquense, Museo de Arte Moderno del Estado de México, el Museo Jumex, el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México, el Museo Soumaya, la Universidad Autónoma del Estado de México, entre otros. Ha expuesto en recintos importantes del país como, la Secretaría de Gobernación, la Cámara de Diputados, el Senado de la República, entre otros.

SOFÍA ECHEVERRÍ (México, n. 1971) Licenciada en Artes Visuales por la Universidad de Guadalajara. Estudió dibujo con el Maestro José Fors y, pintura con

254 ———— los Maestros David Birks y Carlos Vargas Pons. Realiza estudios de técnicas antiguas y modernas del dibujo en la ciudad de París, Francia en el año 2000 y un taller de litografía en Leonard Codex, Brooklyn, New York en 2011. Algunas de sus exposiciones individuales son: Mecanismo del cosmos, Museo de la Ciudad, CDMX (2020); PEDIR LA LLUVIA, Gabinete del Museo de Arte Carrillo Gil, CDMX, (2018); Dolorosa belleza, Ex Convento del Carmen, Guadalajara, curada por Mónica Ashida (2014); “sospechosa visión/falsa ceguera”, Museo de Arte Raúl Anguiano, Guadalajara, curada por Francisco Morales (2010). Entre sus exposiciones colectivas destacan: El animal herido, Museo Experimental El Eco, curada por David Miranda, CDMX (2019); El Cordón Umbilical Retiniano, ESPAC, Curada por Willy Kautz, CDMX (2018); Shaped in Mexico, Gallery Ariane Paffrath, Dusseldorf, Alemania (2017); Horror en el Trópico, Museo Universitario del Chopo, Curaduría Daniel Garza Usabiaga, CDMX (2014); entre muchas otras. Su trabajo ha sido merecedor de numerosos premios, tales como el Primer lugar en I Bienal Nacional de

pintura María Izquierdo, Guadalajara (2018); Mención Honorífica de la sección Creadores consolidados en Parámetro 03, Museo de la Ciudad, CDMX, (2018); Ha sido acreedora en dos ocasiones de la Beca FONCA (2004-2005 y 20062007) en Jóvenes Creadores y dos más por el Programa de Estímulo a la Creación Artística del Estado de Jalisco para Creadores con Trayectoria (2004 y 2008). Residencia artística en el Banff Center de Canadá por el FONCA (2013). Ingresa al Sistema Nacional de Creadores en 2019. SR. LASSO (Colombia, n. 1988) Felipe Echeverry, conocido por el nombre de Sr. Lasso, comenzó su carrera como arquitecto en su ciudad natal de Cali en Colombia. En 2015, eligió pasar de una exitosa carrera en diseño arquitectónico a su verdadera pasión: la pintura. Echeverry se mudó a Nueva York y se sumergió en la escena artística de renombre mundial de la ciudad. En sus obras, Sr. Lasso re-invisibiliza motivos, metáforas e imágenes experimentadas a través de diferentes períodos de la vida del artista, combina-

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das con flores y plantas tropicales para crear una extraña integración entre estas fuentes aparentemente dispares. En 2018, Sr. Lasso se asoció con Saks Fifth Avenue y Good Luck Dry Cleaners para exhibir las obras de arte durante la Semana de la Moda de Nueva York. También se exhibió una selección de las obras de Sr. Lasso en los escaparates de Valentino e Issey Miyake.

TOLAR SCHULTZ (Estados Unidos, n. 1966) Estudió Arte en el Abraham Baldwin College en Georgia. Estudió fotografía de las Bellas Artes y Conservación. Ha tomado talleres de impresión litográfica en Fort Myers, Florida. Además, de tener conocimientos en diseño y composición en Ocala, Florida y Daphne, Alabama. Schultz, conoce al simbolista británico Edward Povey, creando una alianza artística y trabajando en la mayoría de las ocasiones juntos. Ha expuesto en diferentes galerías en Estados Unidos e Inglaterra, entre las más importantes se encuentran: Angela King Gallery en Nueva Orleans; Besharat Gallery en Aspen, Kooywood Gallery en Gales. Su obra es parte de las colecciones públicas en el MoMA de

256 ———— Gales, Inglaterra; 3M Corporation, Estados Unidos; Goldman Sachs, Inglaterra; The Citadelle Art Foundation, Estados Unidos, por mencionar algunas. También forma parte de diversas colecciones privadas alrededor del mundo.

VANESSA LODIGIANI (México, n. 1977) Vanessa Lodigiani es una pintora y artista de performance nacida en la Ciudad de México. Estudió Pintura y Grabado en la Facultad de Bellas Artes de la Universidad Complutense de Madrid. Trabajó y asistió al reconocido maestro grabador Giorgio Upliglio en Gráfica Uno en Milán, Italia. Ha expuesto su obra y performances en París, Madrid, Barcelona, Berlín, Leipzig, Ciudad de México, Nápoles, Nueva York y Roma. Ha participado en múltiples exposiciones individuales y colectivas. Ha sido reconocida con varias residencias artísticas entre las que destacan: Galería Arbaca, Artista Residente, París, Francia; Residencia del Programa Internacional de Arte LIA Leipzig en Alemania. Actualmente vive y trabaja en la Ciudad de México donde está trabajando en pinturas de mayor escala con un nuevo medio de tinta sobre lienzo.

VANESSA RIVERO (México, n. 1976) Artista multidisciplinaria, vive y trabaja en Yucatán, México. Maestra en Producción y Enseñanza de las Artes Visuales por la Escuela Superior de Artes de Yucatán. Su investigación se desarrolla a partir del dibujo y el estudio del espacio. Utiliza distintos medios como la escultura, la fotografía, el video y la edición de libros para concebir instalaciones de sitio específico y ensayos visuales. Estudia elementos de culturas diversas y campos de conocimiento relacionados con las formas de percibir la naturaleza desde la experiencia individual y colectiva, las estructuras de poder y las posibilidades de coexistencia entre diversas especies. Ha expuesto su trabajo en México, España, Italia, Austria, Estados Unidos, Taiwán, República Dominicana, Costa Rica, Ecuador, Venezuela y El Salvador. Destacan las intervenciones individuales en sitio: Legado Natural, Salón Gallos, Galería joségarcía,mx (2020); Otros Jardines, otra sangre, Museo Experimental El Eco (2020); Las Bestias, otros mundos y todos ellos, Museo de Historia Natural de la UAZ, Bienal FEMSA, (2018); Límites Baldíos, Ex-Penitenciaria Juárez (2018); El orden, una frágil conquista, Casa del Lago, Museo de la Ciudad de Querétaro, (2017); entre otras. Ha obtenido distintos reconocimientos entre los que destacan: Integrante del Sistema Nacional de Creadores de Arte (2019–2021). Artista comisionada para la XIII Bienal FEMSA, (2018); Fondo para el Arte y el Desarrollo, (2017); Residencias Cruzadas Kulturabeitelung des Landes Salzburg / ESAY, (2016); Fondo Municipal para las Artes Visuales, 2016 y 2013 en Dibujo; Apoyo a proyectos de curaduría y exposiciones del Patronato de Arte Contemporáneo (PAC) (2011); Residencia Fundación Gruber Jez, Viena 2002.

VIRGIL ABLOH (Estados Unidos, n. 1980) Virgil Abloh es un reconocido diseñador de moda, DJ, productor de música y es, desde marzo del 2018, director creativo de la colección para hombres de Louis Vuitton, más en específico de la línea de ropa ready to wear para hombres menswear, siendo la primera persona afrodescendiente en dirigir la línea de hombre y también uno de los pocos diseñadores de color en tener una posición en una casa de moda france-

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sa importante. Se introdujo en el mundo de la moda a través de una pasantía en Fendi en 2009 junto al rapero Kanye West. En el año 2018, la revista Time lo nombró una de las 100 personas más influyentes en el mundo. Para Virgil Abloh la inspiración llega de lo cotidiano, de su experiencia y de la tradición de una marca a la que siempre ha admirado. La referencia que hace con la infancia y las diferentes etapas de la juventud muestra la naturalidad de ese encuentro de los jóvenes con la moda, con una menor influencia de la convención social. A ello suma que la saturación de datos propia de estos tiempos hace que el momento de detenerse a oler unas rosas se convierta en un espacio vital de libertad que se plasma en los diseños de las prendas.

WHITNEY LEWIS-SMITH (Canadá, n. 1985) Artista y fotógrafa canadiense, actualmente trabaja en la Ciudad de México. Estudió Artes en la Universidad de Concordia concentrándose en dibujo y escultura. Ha sido acreedora de la residencia de un mes de la Fundación Arquetopia en México, en conjunto con el Museo Natural de Historia. Su trabajo es parte de colecciones tanto públi-

258 ———— cas como privadas en Canadá y en el otros países del mundo, entre las que destacan: Global Affairs Canadá; la colección del Primer Ministro canadiense Justin Trudeau; colección permanente SUMMA Art Fair, Madrid; la Galería de Arte Beaverbrook; la colección de Maison Simon y la colección de Arte Público de la ciudad de Ottawa.

YOJE DONDICH (México, n. 1952) Cuenta con estudios en Psicología, Diseño, Logoterapia y Diseño de Interiores. Realizó su formación plástica con distintos artistas mexicanos y extranjeros como Rolando Belfai, Isaac Stavans y Manuel Guillén. El vocabulario de Yoje es complejo, no se puede establecer en una sola dirección, su alfabeto es figurativo y abstracto, surrealista y onírico. La pluralidad de su obra se debe en gran medida a su constante búsqueda por expresar las interrogantes que surgen en su mundo interior y creativo. En 1986 tuvo lugar su primera exposición individual en el Museo de la Ciudad de México y a partir de esa fecha ha participado en numerosas muestras colectivas en galerías y espacios artísticos. La sinestesia de las formas, su más reciente exposición

individual, se inauguró con gran éxito en Madrid, después viajó a Milán y el recorrido de itinerancia finalizó en Venecia, donde formó parte de los eventos paralelos en el marco de la 58ª Exposición de Arte, la Biennale di Venecia.

YURI ZATARAIN (México, n. 1972) Pintor y escultor. Cursó la Licenciatura de Diseño Industrial en la Universidad Autónoma de Guadalajara. Desde pequeño se sintió atraído por el arte, a los 6 años ganó su primer concurso de pintura, lo que despertó el inicio de una apasionante carrera internacional. Yuri se ha convertido en un icono del arte a nivel mundial. Ha participado en más de 250 exposiciones alrededor del mundo en ciudades como; Nueva York, París, Londres, Milán, Moscú, Dubái, Atenas, Verona, San Francisco, Miami, Dallas, Washington, Los Ángeles, Las Vegas, Río de Janeiro, Bogotá, Santiago y Ciudad de México, entre otros. Su trabajo ha sido merecedor de numerosos reconocimientos tales como, el Homenaje por los 15 años de Trayectoria Artística por la Universidad Autónoma de Guadalajara (2009); el Premio de Sinaloense ejemplar en el mundo como mejor artista (2013). Ha sido acreedor de la Beca Mex-Am Cultural Foundation Fellowshio Competition para estudios de pintura en Vermont Studio Center.

YVONNE DOMENGE (México n. 1946 – m. 2019) Realizó estudios de Artes Plásticas en Outremont School, Montreal, Canadá; Corcoran School of Art, Washington D.C., Estados Unidos, y en México. Ha participado en talleres de pintura, escultura y técnicas de materiales, así como impartido cursos de apreciación estética y terapia de arte. En el Consejo Nacional para la Cultura y las Artes ha sido miembro de la Comisión Consultiva en Escultura y fue miembro de la Comisión de Artes y Letras de París, Francia; miembro de la Academia de Ciencias y Artes de Bélgica. Fue miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte. Desarrolló el proyecto “Esculturas Realizadas por la Comunidad de la Col. Buenos Aires” (1999 a 2002), con el apoyo de esta institución. Obtuvo la Beca de Residencia Discovery en el programa de intercambio México-Canadá FONCA, Centro Banff paras las Artes, Alberta, Canadá. Ha participado en más de 50 exposiciones indivi-

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duales y 165 colectivas en México, Estados Unidos, Canadá, Europa y Asia, incluyendo el Museo de Louvre en París y una retrospectiva de su trayectoria en el Museo de Arte Moderno de la Ciudad de México. Realizó la exposición “Interconnected” que exhibió 6 piezas monumentales en las galerías Boeing de Millennium Park, Chicago, Estados Unidos. Dichas piezas monumentales están dentro de los Estados Unidos, como son el McNichols Building, Denver, Colorado; Nathan Manilow Sculpture Park, Chicago, Illinois, Freedom Park, Atlanta, Georgia. Ha obtenido reconocimientos en México y en el extranjero, como el reciente premio Phoenix en Freedom Park de Atlanta (2013) y el premio Sorel Etrog de por su trayectoria en escultura y arte público en Vancouver, Canadá (2012). Galardonada por la Academia de Medicina en México, por la pieza VIRUS AH1N1, en la Facultad de Ciencias Biomédicas, Universidad Nacional Autónoma de México, Ciudad de México, México (2010). Fue miembro honorario y medalla dorada de las Academias de Ciencias, Letras y Artes de Francia y de Bélgica y miembro de la Academia de Artes de México. Recibió la medalla de oro por el Concurso de escultura para

260 ———— paisaje olímpico, Beijing, China (2008); fue seleccionada en la Segunda Bienal de Arte de Beijing, China (2006); y ganadora de la Bienal de Escultura Toyomura, Hokkaido, Japón (1997); Primer lugar de Artes Plásticas de CNN, Nueva York, Estados Unidos (1994); Premio de adquisición en Euro Escultura en Bardonecchia, Italia (1993); Premio de adquisición Camille, La Bresse, Francia (1991).

ZHIVAGO DUNCAN (Estados Unidos, n. 1980) Realizó sus estudios en el Chelsea College of Art and Design de Londres, Reino Unido. Ha expuesto de manera individual en varias ocasiones, entre las que destacan: Soulmate / Cellmate, Galería Poggiali, Italia (2019); Beauty Blocked my view, Meem Gallery, Emiratos Árabes Unidos (2016); Dick Flash’s Souvenirs of Thought, Contemporary Fine Arts, Berlín, Alemania (2011); For the Overeyes of the Underviewed, Loft Privado de Shelley Von Strunckel, Londres (2009); entre muchas otras. De manera colectiva, ha expuesto en diversos países como Alemania, Bélgica, China, Emiratos Árabes Unidos, Italia, Reino Unido y Venezuela.