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ARTERIA. Ed 25
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Informaciones, opiniones y todo lo que necesita saber sobre el arte en Colombia. “El arte es vicio. No te casas con él legítimamente, lo raptas” Édgar Degas.
Versión descargable en PDF www.periodicoarteria.com
Septiembre - Octubre 2010 . Año 6 . Número 25
Cortesía: Universidad Nacional de Colombia.
‘La Revelación del Tiempo Películas y fotografías’
‘La Revelación del tiempo’ representa la ocasión de descubrir a una artista contemporánea, reconocida en el escenario artístico internacional, que expone individualmente por primera vez en Bogotá. Esta exposición ofrece un panorama completo de la trayectoria de Hannah Collins y también la oportunidad al público de participar en un debate alrededor de la exposición. Págs. 8 - 9. Cortesía: María Isabel Rueda.
Bicentenario y artistas, arte e independencia
No es casual que la palabra “bicentenario” se repita una y otra vez. Este año esa conjunción ha sido el “ábrete sésamo” de la gestión cultural: cualquier proyecto parece posible siempre y cuando se le meta “bicentenario”, y además, si a esto se le suma la palabra “artistas”, la gesta parece estar garantizada. Por: Lucas Ospina. Págs. 10 - 11.
Fotografía: Oscar Monsalve.
José Roca “No me gusta el grabado, ni el video, ni la pintura, ni el dibujo, ni la escultura. Me interesa el arte, y los medios son sólo eso, medios que el artista tiene a su disposición”. Págs. 6 - 7.
Cortesía: Museo de Artes Visuales de la Tadeo.
Cortesía: Museo de Arte Moderno de Medellín.
Cortesía: Gustavo Villa.
Primer encuentro Nacional La Imagen y sus Efectos Una Mirada al Museo de Artes Visuales de la Tadeo Reseña de dos exposiciones en Medellín. de Performance Desde su fundación, el Museo de Artes Visuales de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, ha buscado marcar una pauta en la divulgación y promoción de la plástica nacional e internacional. Págs. 18 - 19.
‘Flores para Ethel Gilmour. Homenaje’, en la universidad EAFIT, y la 7ª Bienal. 21 Salón Colombiano de Fotografía 2010, en la Sala de Arte de Suramericana. Por: Lucrecia Piedrahita. Pág. 22.
Entre el 26 y el 28 de agosto la Fundación Calle Bohemia desarrolló este encuentro en la ciudad de Armenia. Evento que rindió un sentido homenaje a la memoria de la artista María Teresa Hincapié. Por: Gustavo Villa. Págs. 4 - 5.
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EDITORIAL I
niciado el sexto año de Arteria a través de esta edición 25, presentamos a nuestros lectores el nuevo formato y diseño del Periódico Arteria, además de la posibilidad de brindar mayor contenido con 4 páginas adicionales, siendo ahora 24 en total, 12 de ellas a color. Luego de una celebración de quinto aniversario muy especial y realizada el pasado 18 de agosto, ARTERIA agradece a las directivas del Gimnasio Moderno su iniciativa y confianza al ser artífices de la celebración, también, agradece la compañía y complicidad de todos los amigos que estuvieron presentes y que han sido testigos del crecimiento y posicionamiento de este proyecto. Anunciamos el inicio de los proyectos de formación por parte de la Fundación a partir del cuarto trimestre en las localidades de Suba, Santa Fe, Usaquén y Chapinero y, para ser ejecutados tras resultar ganadores de los Apoyos Concertados 2010 de la Fundación
Gilberto Alzate Avendaño, y también, a través de los convenios de asociación y alianza realizados recientemente con la Cámara de Comercio de Bogotá y el Gimnasio Moderno respectivamente. Los proyectos han sido diseñados para generar estrategias de facilitación dentro del campo de actividades artísticas a estudiantes y profesionales, así como de acercamiento a nuevos públicos, siendo los habitantes de localidades vulnerables y de menos recursos el público objetivo de las actividades de inclusión y vinculación a través de talleres. De forma anticipada, invitamos a nuestros amigos, lectores y seguidores a reservar la fecha del sábado 23 de octubre, día en el cual y como es habitual, estaremos realizado nuestro evento anual NUSKOOL, en el marco de la Feria Internacional de Arte de Bogotá ArtBo, organizada por la Cámara de Comercio de Bogotá. Esta nueva versión, será realizada en nuestras instalaciones ubicadas en el Barrio La Candelaria.
sus sugerencias y comentarios son importantes. www.periodicoarteria.com www.fundacionarteria.org
Informaciones, opiniones y todo lo que necesita saber sobre el arte en Colombia.
Directora Nelly Peñaranda R. nelly.penaranda@periodicoarteria.com
Diseño Gráfico Manuela Calle L. manuela.calle@periodicoarteria.com
Coordinador Editorial Andrés Cabrera Higuita. andres.cabrera@periodicoarteria.com
Fotografía Óscar Monsalve. oscarmonsalvepino@gmail.com
Consejo Editorial Jaime Cerón, Carlos Andrés Hurtado, José Roca, María Belén Sáez de Ibarra.
Suscripciones: $22.000 Bogotá. $34.000 resto del país. 1 año (5 ejemplares)
Colaboran en esta Edición Carlos Barreiro, Óscar Leone, Ana María Lozano, Lucas Ospina, Lucrecia Piedrahita, María Cristina Pignalosa, Louise Poncet, Luis Fernando Ramírez, Santiago Rueda, Carlos Salas Silva, Elías Sevilla y Gustavo Villa. Asesor Financiero Enrique Narváez Castillo. kke@periodicoarteria.com Asesor Comercial Juan Danilo Zamora. juandanilo.zamora@periodicoarteria.com Concepto Editorial Paulo Ramírez, Manuela Calle L.
CORREO
Por: Nelly Peñaranda
Contactos: info@periodicoarteria.com periodicoarter@periodicoarteria.com periodicoarteria@gmail.com periodicoarteria@yahoo.com
Apreciada Nelly, Quiero felicitarla muy especialmente por la realización de este maravilloso proyecto Arteria; continué con los éxitos! Claudia Hakim Nelly, Esperamos que Arteria siga creciendo y creando el tejido social que necesita Colombia. Su esfuerzo construye país. Jorge Enrique Amaya Querida Nelly, Felicitaciones por un trabajo impecable! Carmen María Jaramillo Felicidades Infinitas! Viva Arteria! Carlos Garzón ¡¡¡Felicitaciones!!! Por e l gran emprendimiento y gestión del arte en Colombia por medio de la excelente publicación “Arteria”. Deseándoles lo mejor siempre. ¡¡¡Éxitos, Éxitos, Éxitos!!! Maribel Rivera Felicitaciones a Arteria, a su maravilloso equipo/familia y a Nelly por su impecable labor, dedicación y empeño! Les deseo lo mejor siempre! Margarita Castro Felicitaciones en los cinco años de Arteria, sin duda es el informativo del Arte para el Arte, aunque suene reduntante. Es el medio informátivo mas completo, con el espacio preferente para los artistas para difundir su obra, para mirar el avance y las posibilidades del medio aplicado a las Artes. Muchas gracias a Arteria, y por supuesto a Nelly Peñaranda que ha hecho posible que el Artista trascienda, por su gran compromiso con el Arte. Enhorabuena. Judith Otalora La labor que ustedes vienen realizando es de lo más urgente en este país, he sido publicado por este medio, lo leo con mucho entusiasmo, y hasta el momento el enfoque y la calidad de los articulistas, lo hacen muy oportuno en el proceso artistico - cultural que vive Colombia. Ángel Almendrales
Carrera 5 # 14 - 85 Edificio ARTERIA Tel. 57 (1) 604 6485 / 71 Cel. (317) 638 6108 Bogotá - Colombia
Periódico Arteria es una publicación de Colombian Art Crafts Ltda. y Fundación Arteria.
Felicitaciones... todo un reconocimento merecido por el esfuerzo de 5 años!!!!!! Sofía Cuestas Rojas Los felicito y gracias por el trabajo que hacen. Muchos exitos. Laura Arango Felicitaciones!! los mejores deseos para el futuro y todo el amor y el orgullo!!! María Antonia Uscategui Ojalá sean los primeros cinco, de cinco a la cinco, felicitaciones. Mauricio Gómez Jaramillo Muchas felicidades por un gran proyecto. Éxitos. Carlos A. Lopez D. A un gran trabajo solo lo sigue el éxito. Mis mejores deseos. Francisco Trujillo ¡Larga vida a Arteria! 1 Carmen Elisa Chaves Soto Me alegra que ese Bebé ya tenga cinco años, muchas Felicitaciones!! Darío Ortiz Robledo Reciban una gran felicitación por la maravillosa labor que vienen adelantando, la verdad, en mucho tiempo no hubo en el país un espacio de comunicacion que atendiera, las necesidades del arte contemporáneo, daré mis votos desde la distancia, para que esta celebración este llena de alegría como se la merece el periódico Arteria, con todos sus gestores y colaboradores. Clara Mónica Zapata J. Gestora Cultural.
Libros
Las opiniones consignadas en los artículos y correos en la presente edición son responsabilidad de cada uno de los autores y no necesariamente expresan el punto de vista del Periódico Arteria.
ARTERIA cuida el medio ambiente. El papel utilizado para la impresión de este periódico es 100 % reciclado.
Arteria llegó a las manos del público en el momento indicado. Llenó un gran vacío y ha sabido guiar a los neófitos e impulsar el arte en el país. Un gran abrazo de felicitación, no sólo a su directora sino a cada una de las personas que ha contribuido a que este medio recorra los rincones de Colombia. María Margarita García
F:otoTK 4: Paul Beer El libro de Paul Beer es el cuarto número de F:otoTK, colección de trabajos de fotografía realizados en Colombia. Este libro fue realizado a partir de una investigación de La Silueta Ediciones y presenta diferentes imágenes de la historia de la fotografía en Colombia.
El trabajo del fotógrafo alemán Paul Beer, se dio entre las décadas de 1930 y 1970, y abarca dos espacios radicalmente distintos: el primero, desconocido y publicado por primera vez en F:otoTK, se centra en las imágenes de los viajes realizados por el fotógrafo a la Orinoquía y Amazonía colombianas, donde convivió con indígenas guahíbos. Este estudio resulta un registro etnográfico de gran valor. El segundo, expone los cambios que se dieron en Bogotá a partir de la década de 1940, Beer se centró en la fotografía arquitectónica, de ingeniería y publicidad, su trabajo lo constituyó como un observador de dos espacios drásticamente distintos pero pertenecientes a un mismo país. 192 páginas. Edición limitada, formato de 22,5 x 24 cms. doble carátula, cosidos con hilo y lomo entelado. Dos clases de papel: satinado importado para las fotografías, y bond canario de 60 grs. para los ensayos.
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NOTICIAS El pasado mes de mayo el Centro Colombo Americano de Medellín invitó como ponente y artista al también gestor cultural y curador Carlos Uribe, a reflexionar en torno al Bicentenario de la Independencia en un proyecto académico y artístico denominado ‘200 centímetros de Bicentenario In Situ’, el cual, se desarrolló entre los meses de julio y agosto, teniendo a la galería del Colombo Americano, corredores y el mural de la calle Maracaibo como espacios de exhibición. Éste último se le otorgó a Uribe. La muestra se inauguró el 9 de julio con los trabajos de 20 artistas de la ciudad, incluido el mural ‘New Horizons’, composición gráfico-digital que planteaba recrear la pintura ´Horizontes´ (1913) del Maestro Francisco Antonio Cano, e incluía la figura de Pablo Escobar con indumentaria informal sobre su jeep, en alusión a la figura masculina del cuadro en mención, señalando el horizonte con su mano. El mural fue borrado sin explicación por funcionarios del Colombo Americano el día 12 de julio, tres días después de ser abierta al público. Sobre el tema Carlos Uribe dice “Los motivos que justifican esta censura no me interesan. Creo que como colombianos y ciudadanos universales tenemos derecho a conocer opiniones diversas y a encontrar señalamientos como los que proporciona el arte, donde no se estigmatiza a ningún sujeto sino que se dejan abiertas las lecturas, donde existen héroes y antihéroes, próceres y mártires, y desde donde cada uno de nosotros connotamos libremente en nuestro papel de espectadores las implicaciones políticas, éticas y estéticas de dichas apropiaciones”. Uribe invitó a Luis Miguel Úsuga, Secretario de Cultura Ciudadana de Medellín, a través de una carta con copia a varias entidades y medios de comunicación a que “como autoridad de la ciudad en el campo de la cultura, (…) tome una postura crítica, pero no pasiva, sobre este acontecimiento. Pienso, con el respeto que Usted me merece, que una amonestación a esta entidad cultural se debe hacer como acción justa y ejemplarizante”. Subasta Conexión Colombia 2010 “Arte Por Una Causa” El próximo 29 de septiembre, en la sede del Centro de Convenciones AR en Bogotá, se llevará a cabo la tercera edición de la Subasta Conexión Colombia 2010 “Arte Por Una Causa”, un evento que contará con obras de 73 artistas. Piezas de Miguel Ángel Rojas, Miguel Bohmer, Johanna Calle, Nicolás Consuegra, Gabriel de la Mora, Víctor Escobar; Marco Mojica, Hugo Zapata, Alejandro Obregón, Carlos Cruz-Diez, Jesús Rafael Soto, Ana Mercedes Hoyos, Carmen Herrera, Feliza Bursztyn y Fernando Botero serán parte de la subasta. En el 2010 las fundaciones beneficiarias de la subasta serán: Notas de Paz en Cali, Carla Cristina en Medellín, y Conexión Colombia a nivel nacional. Mayores informes: www.conexioncolombia.com; subastaconexioncolombia@yahoo.com. La II Cátedra Franco-Colombiana de Altos Estudios: Arte y Política es un proyecto organizado por la Universidad Nacional de Colombia y la Universidad Distrital Francisco José de Caldas. Tiene como principal objetivo generar intercambios académicos con investigadores de alto nivel, jóvenes investigadores en formación y las instituciones participantes; además de reunir una serie artistas que han reflexionado y elaborado su obra a partir del cruce de relaciones entre arte y política. Algunas de las
preguntas fundamentales para esta versión serán: ¿Cuál es la relación existente entre Arte y Política?, ¿cómo se articulan estas nociones y cómo se afectan la una a la otra?, ¿la relación existente entre Arte y Política, fundamental en la modernidad, permanece hoy en la contemporaneidad? Para poder develar estos interrogantes, entre otros, se tratará de abordar la noción de política y la noción de arte a la luz de procesos y análisis artísticos y culturales, que se desprenden de los discursos teóricos, históricos y críticos de las diferentes disciplinas que conforman las Ciencias del Arte: la Antropología, la Psicología, la Filosofía, la Estética, la Sociología, la Historia, la Teoría y la Crítica. Lugares y fechas de realización: Octubre 11 y 12, Auditorio Germán Arciniegas. Biblioteca Nacional. Octubre 13, Auditorio Virginia Gutiérrez, Edificio de Postgrado de Ciencias Humanas, Universidad Nacional. Octubre 14 y 15, en el marco del seminario ‘Arte en el Caribe’ en Cartagena. Mayores informes e inscripciones: gica_farbog@unal.edu.co, gica.un@gmail. com. Responsable: Ricardo Arcos-Palma. Coordinador académico de la Cátedra. Carolina Mayorga en Washington Manteniendo el interés en la multimedia, y en el uso de su propia imagen para jugar con esterotipos raciales y de género, Carolina Mayorga presentó recientemente la obra ´Super-Tina´ durante la recepción ´Art after Dark´ que se realizó en el Museo de Arte de las Américas de la OEA en Washinton, DC. ´Super Tina´, es una heroína que utiliza sus poderes para detectar la apariencia física de los inmigrantes ilegales a los Estados Unidos y ponerlos en manos de la justicia. Pero, contrariamente a lo que se espera, Super-Tina con la ayuda de su anillo mágico, elige como objetivo a los miembros de la población con características físicas no convencionalmente atribuídas a los inmigrantes ilegales. Esta obra intenta hacer una crítica a controversiales leyes aprobadas en algunos estados de los Estados Unidos para identificar, enjuiciar y deportar inmigrantes ilegales. Super-Tina da a la población americana sólo una prueba de lo que puede sentirse al ser perseguido y clasificado como “inmigrante ilegal”. El Seminario Geoestéticas del Caribe desarrollará su segunda versión en Santa Marta los días 21, 22 y 23 de septiembre, como antesala y parte del 42 Salón Nacional de Artistas y que tendrá lugar en la región Caribe. El seminario se centrará en las relaciones de lo visual con el territorio Caribe a partir de planteamientos alrededor del concepto de “Geoestética”, conduciendo dicha noción al campo de lo visual, abriendo un diálogo más amplio entre la cultura del Caribe y otras disciplinas y prácticas artísticas alrededor de la relación de estética y territorio. El 42 Salón Nacional recoge las curadurías y creaciones producidas en las distintas regiones del país a lo largo del 2009; y a final del presente año, el Caribe operará como un anfitrión que desplaza al visitante y se ve desplazado por el accionar de este. El crítico de arte colombiano José Roca –miembro del consejo editorial del Periódico ARTERIA- fue elegido como el nuevo curador general de la octava Bienal del Mercosur, muestra latinoamericana de arte contemporáneo que se celebrará durante los meses de septiembre y noviembre de 2011 en Porto Alegre (Brasil). Roca se formó en Arquitectura en la Universidad Nacional de
Colombia y se especializó en Estudios Críticos en el Whitney Independent Study Program de Nueva York. Creada en 1997, la Bienal de Mercosur se celebra con el objetivo de estrechar, a través del arte, las relaciones entre los países que forman parte de la organización, además de promover el arte latinoamericano como un todo. Desde su creación, la Bienal ha acogido un total de 44 exposiciones con casi 4.000 obras expuestas y ha recibido la visita de casi cuatro millones de espectadores a lo largo de sus siete ediciones. La artista colombiana Clemencia Echeverri participará en la 6ª Bienal de Liverpool, Festival Internacional de Arte Contemporáneo 2010 con su video: ‘Voz’. Este video-proyecto trabaja con los sonidos que existen dentro de las cárceles. Echeverri, evoca la idea de que las voces son el núcleo interno del cuerpo, y sin embargo son separados de los presos, eliminando cualquier sentimiento de identidad y reforzando a la gente olvidada dentro del edificio. La participación de Clemencia Echeverri será desde el 18 de septiembre hasta el 27 de noviembre día del cierre de la Bienal. Otros artistas invitados son: Juan Cruz, Diebes Joe, Jeck Phil, Lee Ray, Nas & Mayke Snoei Wouter, Ted Riederer, Miguel Ángel Ríos, Marina Rosenfeld y Jani Ruscica. La Nueva Galería.com es un espacio generado en Medellín, dedicado a la comercialización de arte por internet y dirigido principalmente a la promoción de artistas jóvenes a nivel nacional e internacional. Después de cumplir un año de actividades renueva sus contenidos, artistas y obras para ofrecer propuestas de vanguardia y participar en exposiciones en galerías y ferias de arte. Este proyecto es coordinado por José David López Amar www.lanuevagaleria.com. 6.500 subsidios en salud para artistas El pasado 19 de agosto, la Alcaldía Mayor de Bogotá, a través de las Secretarías de Cultura, Recreación y Deporte y de Salud, inició el registro de artistas, creadores y gestores culturales de la ciudad, con el fin de entregar un subsidio en salud que les garantice por primera vez una adecuada protección para ellos y sus familias. Para acceder a estos subsidios los artistas tendrán dos meses para inscribirse a través de un formato de registro que estará disponible en 11 puntos de la ciudad en CADES y SUPERCADES, en los Portales Interactivos de la ETB y en el Portal www.culturarecreacionydeporte.gov. co. En el caso específico de Bogotá, la Alcaldía Mayor beneficiará a 6.500 personas, con un presupuesto anual de $2.400 millones, provenientes de recursos del Sistema General de Seguridad Social en Salud, y del 10% de los recursos recaudados por concepto de la estampilla Procultura. El Muzac de Montería, un Museo casi Virtual Por: Carlos Barreiro Ortiz El logotipo del MUZAC, identifica al Museo Zenú de Arte Contemporáneo que en sus primeros cinco años de actividad, se ha convertido en un caso singular en la escena artística del país. Contra todo pronóstico, el 28 de agosto del año 2005 se inauguró el MUZAC con una muestra de Carlos Rojas en el edificio del auditorio del parque Ronda del Río Sinú, que se ha convertido desde entonces en la sede visible de un proyecto que existe de manera casi virtual. Se han organizado 20 exposiciones con cerca de 300 piezas de
artistas nacionales como: Fernando Botero, Eduardo Ramírez Villamizar, Enrique Grau, Débora Arango, Jaime Ávila, José Alejandro Restrepo, Fernando Uhía, entre otros nombres, además de algunas colectivas sobre temas de paisaje, gráfica, retrato y fotografía. El MUZAC está celebrando sus cinco primeros años de actividad con una exposición antológica de Alejandro Obregón a la cual seguirán obras de Beatriz González y de Johanna Calle. Cristo Hoyos habla con énfasis del significado que tiene la educación en el proyecto. Talleres, laboratorios, conferencias, colectivos de creación y visitas guiadas han formado al público de la ciudad y de los pueblos vecinos que cuatro veces al año cumple la cita con una nueva exposición. Desde el 8 de septiembre y hasta el 9 de octubre de 2010, la artista colombiana Adriana Ramírez, presenta la intervención: ‘Sin línea, sin superficie, sin objeto; venga y tómese un café con nosotros’.Exposición diseñada para el espacio del café de la Galería Lucía de la Puente. El proyecto radica en exponer una serie de obras aprovechando el sentido que ya tiene el espacio y hacer de la utilidad del lugar el eje que articula la muestra. Ramírez plantea al público a través de la escultura tres experiencias estéticas: una sobre la línea, otra sobre la superficie y otra sobre el volumen.
Convocatorias Hasta el 15 de octubre de 2010, estará abierta la convocatoria para las Becas de Investigación Curatorial de los 14 Salones Regionales de Artistas. A partir de esta convocatoria se seleccionarán los equipos de investigación encargados de desarrollar los proyectos que constituirán los próximos Salones. Las propuestas deberán presentarse en grupos o colectivos de investigación constituidos por 2 o más personas. Por cada Región será elegido un proyecto curatorial que recibirá una beca de treinta y cuatro millones de pesos ($34´000.000) para su realización. Los curadores deberán seleccionar a los artistas a partir de obras en proceso, proyectos u obras realizadas; asesorar a los Comités en actividades encaminadas a dinamizar y socializar el proyecto; e igualmente, acompañar procesos de producción, circulación, realización de programas de formación de públicos y formulación de criterios que faciliten las itinerancias de los salones. Mayores informes: www.salonesdeartistas. com; www.mincultura.gov.co Dirección de Artes - Área de Artes Visuales, Ministerio de Cultura: Carrera 8 # 8 – 42 Tels. 3424100 ext. 1521- 1506. El VI Premio Uniandinos a las Artes se genera desde la Asociación de Egresados de la Universidad de los Andes –Uniandinos-, con la colaboración del Capítulo Profesional de Artes Plásticas y la Galería Espacio Alterno. El tema, la técnica y los medios son libres. El Premio Uniandinos a las Artes cuenta con una bolsa de de cuatro y dos millones de pesos para el primer y segundo puesto respectivamente. Esta sexta versión busca generar una reflexión a través del vasto panorama de posibilidades creativas en el ámbito de las artes plásticas. Fecha límite para la recepción de propuestas es el 11 de octubre. Mayores informes: www.uniandinos.org.co Pbx:6162211. Ext.107 ò 135
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Primer Encuentro Nacional de Performance - ENP
“Entre Fabuladores…” Por: Gustavo Villa
“Probar (goûter) un paisaje, (…) es en él penetrar, en él vagar (errer), sentir lo vivo del aire o el ardor del sol sobre el rostro, escuchar el canto de los pájaros, husmear los olores de la hierba, llegar a una comunión carnal con todas las zonas erógenas de lo sensible” Mikel Dufrenne Entre el 26 y el 28 de agosto la Fundación Calle Bohemia desarrolló el Primer Encuentro Nacional de Performance en la ciudad de Armenia. Evento que rindió un sentido homenaje, por parte de sus organizadores y artistas invitados, a la memoria de María Teresa Hincapié. Se podría decir que un homenaje más, pero lo trascendente e importante de éste, radica en que una buena parte de sus participantes compartimos un vínculo profesional y afectivo con la “Artista de la Vida”, además de ser la primera vez que sus paisanos aúnan esfuerzos y voluntades políticas para mantener viva su memoria y “pensar” el problema del cuerpo desde el Performance y el contexto. Esta fundación con sede en Armenia y a la cabeza del gestor y artista Vladimir Cortés, ha promovido el trabajo de artistas plásticos de la región y ejecutado una labor de formación de públicos a través de exposiciones periódicas, talleres, conversatorios y seminarios de libre acceso, que en esta ocasión, impulsó el primer evento de esta naturaleza en el departamento y en el Eje Cafetero. En el ENP, participaron 11 artistas del performance de todo el país, dándose cita en el céntrico espacio de la Calle Real la 14, Centro comercial de Cielos Abiertos, entre la plaza de Bolívar y el parque Sucre. Anexo al evento de performance en el espacio público, se expusieron imágenes en fotografías y videos de la artista María Teresa Hincapié en la sala Roberto Henao Buriticá de la Gobernación del Quindío, la participación de importantes conferencistas como Ricardo Arcos-Palma (investigador y Coordinador Académico de la Maestría en historia y Teoría del Arte, la Arquitectura y la Ciudad de la Universidad Nacional de Colombia), Juan Alberto Gaviria (Director de la Galería de Arte Contemporáneo Paul Bardwell del Colombo Americano de Medellín) y Felipe González (Editor e investigador en historia del arte colombiano de la Editorial Laguna Libros), todos conocedores e investigadores de la obra de la artista homenajeada, y un taller dirigido por el maestro Dioscórides Pérez. El evento fue moldeado entre otras cosas por la calidez, el respeto y la receptividad de la gente. La mayoría de las propuestas estuvieron constituidas como acciones de estructura abierta, con temporalidades más bien indeterminadas, en las que no se precisaron comienzo ni fin; aportaron elementos sensibles a la definición de un performance que “mina” y cuestiona la cultura del espectáculo. Estas acciones al irrumpir en el espacio público se constituyeron en enunciados de “sutil subversión” dentro del universo cotidiano particular. Se convirtieron en pequeños “rayes” de afectación extraordinaria, generadores de acontecimientos. Vinculó de manera excepcional varias generaciones de performeros entre los que encontramos a: Luis Fernando Arango de Manizales con su obra ‘El peso de los días’, quien presentó un impresionante relato sobre las victimas -en su mayoría del Quindío y la zona cafetera- del violador y asesino Luis Alfredo Garavito. “Yo creo que a Garavito se le metió el demonio…aquí la gente ya se está asustando al ver todas esas cosas que ustedes hacen” (comentaba una vendedora de Bon Ice)
Agency Qualified by PIER (Australia) Qualified Educational Agent Counsellors Number: D162
Cortesía: Gustavo Villa.
Laura Hernández (estudiante de Artes Plásticas de la U.N.) se involucró de la mejor manera con el público, al hacerle entrega de 951 rosarios. Llamaba la atención la actitud de devoción que tomaban los espectadores al rodear a la joven artista en procura del objeto ofrecido; algo así como una participación litúrgica que demandaba hacerse al cuerpo de la obra. Tzizi Barrantes (estudiante de artes plásticas de la U.N) invitaba a los transeúntes a lo largo del recorrido para que le “prestaran” sus dedos con el fin de introducirlos suavemente en una larga cuerda. La imagen resultante de la participación colectiva y espontanea, era una línea de cuerpos dibujada sobre el eje peatonal. “¿Mauricio que es performance? ...performance es el rendimiento de un deportista” (extraido de una conversación entre comerciantes)
De Beuys a Cage Jorge Iván Bermúdez, artista que jugaba de local, se apropió de la paradigmática obra de John Cage para su propuesta, ‘El silencio 4 33’. Para esta ocasión Bermúdez invitó a una banda de músicos de un colegio para rastrear el “silencio” en su nueva versión. “Muy bien Fluxus , Muy bien Fluxus” (gritaba apasionadamente un señor) Álvaro Herrera con su obra ‘I Like Armenia, and Armenia likes me’, compartió con su perro el espacio y el tiempo durante los tres días en que se desarrolló el evento, en un acto de rememorar el famoso performance que Joseph Beuys ejecutó en la galería Block de Nueva York en 1974, ‘I like America and America Likes me’, apropiándose de algunos elementos de la “versión original” para ser contextualizados en Armenia. Según Álvaro, “el juego de palabras del título resulta muy cercano a la traducción, con una pequeña y significativa variación que lo hace local”. El sustituir el coyote por un
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perro entrenado, subvierte la acción de Beuys en relación con el trauma del conflicto americano con el indio y el acercamiento mágico con lo salvaje, al incluir en la acción su propia mascota en un ejercicio de suma resistencia, mediado por la relación de afectos y cuidados mutuos. El crear vínculos con los comerciantes del lugar y especialmente los niños, que se veían atraídos por su tierno cómplice, contrasta visualmente con las implacables condiciones ambientales. Cabe recordar la obra “Punto de Fuga” que María Teresa Hincapié desarrolló durante tres días en jornadas de 12 horas continuas en el Museo de arte de la Universidad Nacional en 1989. Actos y Catarsis Alonso Zuluaga presentó su trabajo ‘Grito a cielo abierto’ que consistió en arrastrar una pequeña “casa” hecha por el artista, sobre un carro con ruedas desde la antigua estación del ferrocarril hasta la arteria peatonal donde se desarrolló el evento. En esta propuesta contrastaba el gran despliegue físico empleado en el arrastre, con la delicadeza en el acto de llevar una pequeña jaula con pájaros en su interior. El temple y el carácter que Zuluaga expresaba en su gestualidad, matizaban los recorridos y nos invocaba la errancia de las familias en constante desplazamiento por lo largo y ancho del territorio. El arrastrar y cargar, el grito, aquello reprimido, es simbólicamente abordado -en una suerte de catarsis- al liberar los pájaros de la jaula, al gritar a “cielo abierto” y al despojarse de su ropa, en un acto de sublime dignidad. Cortesía: Gustavo Villa.
“No hay diferencia entre la carne y el mundo porque el mundo es carne”… citaba Ricardo Arcos-Palma a Merleau-Ponty en su conferencia. Fernando Pertuz presentó el proyecto ‘200 años de Independencia’. En su propuesta escribió con tinta sobre una bandera de Colombia de 200mts de larga, invitando a los distintos transeúntes a escribir los nombres de familiares y conocidos muertos en actos violentos, como un rito de evocación y duelo que incidió en una suerte de catarsis colectiva. La bandera estaba dispuesta en rollo sobre el suelo de la plaza de Bolívar y su extensión dependía de la cantidad de nombres que se iban registrando. Por otro lado, el artista entregaba un pequeño volante en el que se nombraban distintos acontecimientos que han marcado el devenir “violencia” en la historia del país. Pertuz, continúa fiel a su compromiso de vincular el performance con el acto de resistencia política, en procura de despertar el empoderamiento consiente y crítico de su público.
neidad de tiempos, entre un pasado diferido y un presente configurado en la acción en tiempo real. Su trabajo estuvo mediado por la idea del alumbramiento en un contrapunteo entre vida y muerte; lo líquido que fluye -en la imagen proyectada- y el fuego que regenera y transforma. Yorlady Ruiz con ‘Nido’, indagó sobre la pérdida del cuerpo a partir de la canción ‘Las voces de los pájaros de Hiroshima’ un poema musicalizado de Eugene Jebeleanu. Dioscórides Pérez con ‘Mujeres nómadas. Domesticación de un trasteo de nostalgia’ presentó una acción colectiva derivada de un taller que dictó en la sede de la Fundación Calle Bohemia. Involucrando en el proceso pedagógico técnicas de Taichi-shicun, que se reflejaron en los movimientos lentos y controlados de sus participantes. Este montaje se construyó a partir de la exploracion íntima y sensible del universo simbólico particular de cada una de las mujeres que asistió al taller invitado por el artista. Cabe destacar la considerable presencia de público en el parque Sucre, lugar de la presentacion del performance. Celebramos los artistas del performance -“Fabuladores” como nos identificó en su momento Consuelo Pabón- este tipo de iniciativas, que moviliza y promueve, de la mejor manera esta práctica en las regiones y que buscan consolidarse como un importante referente para los interesados en este medio artístico. Ricardo Arcos-Palma investigador del tema, nos da sus impresiones. ¿Qué impresión le ha dejado el evento? R.A: Varias. Entre ellas hay una que resulta bastante alentadora en el sentido que este evento logra reunir a varios exponentes de lo que yo he llamado “La generación de los 90, con otras nuevas figuras. El hecho de reunirlos nos da la posibilidad de entender que hay una consolidación desde el campo performático después de varios años. Estos artistas han venido trabajando ininterrumpidamente durante todos estos años, y sus trabajos han seguido insistiendo desde el cuerpo y en especial en aquello que vincula el cuerpo y el contexto. ¿Cómo encuentra el panorama del performance en este momento: qué lo define, qué lo interconecta?
Cortesía: Gustavo Villa.
Yuri Forero con ‘Alumbramiento’ fue el artista que más involucró recursos audiovisuales en una propuesta multimedíatica. Capturó la atención de un grueso número de espectadores en la noche del sábado, con una proyección sobre la fachada del edificio de la Asamblea departamental del Quindío, una instalación con televisores dispuestos en el espacio e incorporó algunos muebles deteriorados componiendo una imagen limpia y atrayente en la que quería destacar la importancia de la simulta-
R.A: El performance ha venido cambiando bastante, digamos que lo performático podríamos decir que ha irradiado varias prácticas artísticas contemporáneas, y en lo que consiste la performancia en si, como práctica artística, cada vez más se vincula hacia ciertas problemas de interactividad. Digamos que el corazón, el núcleo central sigue siendo el cuerpo, pero se vincula mucho con la acción al mismo tiempo; es decir que así los antecedentes mismos del performance se remontan a la historia del arte, hace ya varias décadas atrás, creo que sigue siendo de mucha actualidad. Por que precisamente el cuerpo es algo activo y me parece que la performancia sigue diciendo algo.
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ENTREVISTA
“Se existe gracias a los
no al r
Fotografía: Oscar Monsalve.
J
osé Roca (Barranquilla, Colombia, 1962). Curador colombiano, actualmente Director Artístico de Philagrafika 2010, un evento trienal de gráfica contemporánea en Filadelfia, y Curador General de la 8a. Bienal de Arte de Mercosur en Porto Alegre, Brasil (2011). Roca manejó por una década el programa de artes del Banco de la República (BRC) en Bogotá. Fue co-curador de la I Trienal Poli/gráfica de San Juan, Puerto Rico (2004); la 27 Bienal de São Paulo, Brasil (2006); el Encuentro de Medellín MDE07 (2007); el proyecto de intervenciones artísticas Cart[ajena] en el marco del IV Congreso de la Lengua Española en Cartagena de Indias, Colombia (2007), y de numerosas exposiciones en América latina, Estados Unidos, Europa y Asia. Fue jurado de la 52 Bienal de Venecia (2007) y desde el 2005 esta vinculado con el Periódico ARTERIA siendo asesor en sus primeros años y miembro del consejo editorial desde el 2009. Vive y trabaja entre Filadelfia y Bogotá.
No era fácil seguirle el paso a José Roca por los corredores de la Biblioteca Luis Ángel Arango (BLAA). Literalmente, las personas que trabajábamos con él teníamos que correr a su lado para discutir los montajes en curso. Roca gestionaba más de 20 exposiciones temporales al año, manejaba las colecciones de Arte, Numismática, Filatelia y de Instrumentos Musicales, el Museo Botero, las exposiciones Bibliográficas de la BLAA, las exposiciones itinerantes para más de 28 ciudades del país y programas como ‘Imagen Regional’. Además, asesoraba a diferentes espacios en Bogotá y otras ciudades, curaba exposiciones de la envergadura de la Bienal de São Paulo, la Trienal Poli/gráfica de Puerto Rico o la retrospectiva de Miguel Ángel Rojas. A pesar de todo ese ajetreo las puertas de su oficina estaban siempre abiertas para los artistas, conocidos o desconocidos, maestros o estudiantes. A casi dos años de la renuncia a su cargo como director de la Unidad de Artes del BRC, ha sido recientemente elegido como curador general de la Octava Bienal de Mercosur en Porto Alegre Brasil, acabando de terminar una serie de proyectos en el primer semestre de 2010 entre ellos Philagrafika 2010, festival de artes gráficas en Filadelfia. Esta entrevista fue realizada exclusivamente para ARTERIA. Luis Fernando Ramírez: Hace 18 o 20 años no era tan frecuente en nuestro medio oír palabras como curaduría o museografía. Como actor y testigo de primera línea en estos últimos
años del arte en Colombia ¿cuáles cree que han sido los cambios más importantes dentro del medio? José Roca: Cuando entré al Banco en 1990, mi cargo era el de museógrafo. Hasta entonces la jefe de Artes Plásticas, Carolina Ponce de León, se encargaba de pensar las exposiciones y un montajista de realizarlas. Yo contribuí a la profesionalización de la labor museográfica, disciplina que había aprendido sobre la marcha, teniendo como base mi formación de arquitecto. Hasta finales de los años ochenta un gran porcentaje del arte producido en Colombia era realizado en el taller del artista, primordialmente pintura y escultura. A mi generación le correspondió acompañar el trabajo de artistas que instalaban sus obras en el espacio, o que construían sus propuestas a partir de este. En ese sentido, mi trabajo como museógrafo/montajista me dio una perspectiva privilegiada de los procesos artísticos, y un acceso muy íntimo a los artistas de ese momento. Aprendí de ellos, y muchos son hoy mis mejores amigos. Carolina, que fue muy generosa con su saber y sus contactos, fue instrumental en mi manera de entender el arte. A ella le debo mucho, especialmente al inicio de mi carrera. LFR: Con su partida del BRC terminó un ciclo que sin duda marcó el medio artístico y museístico en el país y que además consolidó a esta institución como uno de los espacios de arte más importantes en Latinoamérica. ¿Dentro de este período de 18 años cuáles cree que fueron los proyectos más significativos? JR: Cuando regresé de Francia a asumir la jefatura de Artes de la BLAA tenía una idea en mente: sacar el área de artes de la BLAA y consolidarla como un museo autónomo. Para ello me propuse trabajar en cuatro frentes paralelos: la arquitectura, la planta de personal, la colección y el programa de exposiciones. En el primer frente fuimos adecuando los diferentes edificios para convertirlos en salas de exposición: la Casa de Moneda, la antigua hemeroteca (hoy Museo Botero), la planta de acuñación (hoy alberga la Colección de Arte) y finalmente en 2004 el edificio para exposiciones temporales, diseñado por Enrique Triana. En el segundo frente fui definiendo los perfiles de los cargos, trayendo personas de fuera o de otras áreas del BRC y definiendo los procesos más adecuados. En el tercer frente se diseñó una política de adquisiciones y se montó la colección de manera permanente por vez primera (ensayamos formas diferentes de contar la historia, y desarrollamos programas como ‘Mirada Transversal’, en la cual artistas como Luis
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os artistas y para ellos,
revés”
Luna, Mauricio Cruz, José Alejandro Restrepo o Rafael Ortiz realizaban lecturas temáticas de la colección). Finalmente, el programa de exposiciones se consolidó en varias líneas de acción, que incluían grandes exposiciones internacionales, exposiciones de artistas latinoamericanos, retrospectivas de artistas colombianos, muestras de artistas emergentes, muestras de artistas regionales, y exposiciones de diseño. Se diseñaba el programa de exposiciones temporales con varios años de anticipación para que quedara balanceado, y se estaba mirando constantemente lo que se hacía en otros museos del mundo y de América Latina para tratar de conseguir muestras relevantes para nuestro medio, como fue el caso de Gego o Julio le Parc, por citar dos exposiciones recientes. Para responder su pregunta, creo que lo más significativo fue haber logrado crear el Museo de Arte del Banco de la República, y haber consolidado su programa localmente y su prestigio internacionalmente. Los proyectos específicos son todos importantes, aunque los que recuerdo con más satisfacción personal fueron las retrospectivas de Carlos Garaicoa, José Alejandro Restrepo y Miguel Ángel Rojas, por las posibilidades que les brindaron a estos artistas de producir obra nueva, y al público de ver cuerpos de trabajo consolidados. LFR: Desde 1998 hasta el 2005 publicó Columna de Arena, espacio que sigue siendo referencia para muchos en el medio artístico. ¿Por qué dejó de publicarla? JR: Creé Columna de Arena porque todo el mundo se quejaba de que nadie escribía sobre las exposiciones, pero nadie hacía nada. Comencé enviando textos por fax, hasta que alguien me hizo caer en cuenta que era más fácil por e-mail. Decidí que no iba a mandar correos de manera indiscriminada, sólo se la enviaría a quienes me hubieran escrito solicitando expresamente que querían recibirla, pues no quería ser una intrusión abusiva. Enviaba mis artículos cada quince días y en ocasiones había quien respondía; yo reenviaba sus respuestas haciendo una breve presentación como contexto. En muchas ocasiones hubo discusiones muy intensas e interesantes, posibilitadas por la organización horizontal de la Internet. Columna de Arena, una columna sin el soporte institucional de un periódico o revista (de allí el nombre, pues es una columna frágil que se sostiene sólo por el poder de la palabra) fue un blog avant la lettre; demandaba mucho esfuerzo personal pues yo tenía un trabajo de tiempo completo y muchas otras actividades, incluyendo una familia. Escribía los artículos en las noches y moderaba las discusiones hasta la madrugada. Luego de algunos años surgió Esfera Pública, que es propiamente un foro público de discusión. En ese momento consideré que la labor de Columna, que era incentivar la escritura sobre arte y la consecuente discusión, ya estaba hecha, y que Esfera Pública lo podía hacer mejor que yo, y no volví a escribir. Nunca la cerré oficialmente, sigue colgada en la red. LFR: Philagrafika es uno de sus proyectos más recientes. Ya antes había trabajado con el tema de las artes gráficas contemporáneas en la Trienal Poli/gráfica en Puerto Rico y en el BRC. ¿Se considera un especialista en artes gráficas en un sentido contemporáneo del término? ¿Es posible definir un área de especialización dentro del arte contemporáneo? JR: No me considero un experto en artes gráficas ni en ningún medio o técnica, aunque luego de todos estos proyectos me he familiarizado con las técnicas del grabado. Pero para mí el grabado es una circunstancia, no un saber precioso que hay que defender a capa y espada. Lo que me ha interesado de la gráfica son las posibilidades que brinda: accesibilidad, multiplicación, diseminación de la información, democratización de la obra de arte, énfasis en el proceso, posibilidad de crear un ambiente inmersivo a partir de la repetición. Como lo dije recientemente en el Congreso del Southern Graphics Council -el foro más importante en el mundo para los practicantes de las artes gráficas-, frente a un auditorio de más de mil grabadores: “antes que nada, debo confesar públicamente que no me gusta el grabado... No me gusta el video tampoco, ni la pintura, ni el dibujo, ni la escultura, si vamos a ello. Me interesa el arte, y los medios son sólo eso, medios que el artista tiene a su disposición”. Luego de este choque inicial, desarrollé el argumento en contra de una especificidad de medio cerrada y excluyente. Pero luego desarrollé el argumento contrario: porqué una Bienal, porqué de grabado, y porqué en Filadelfia. Es una cuestión de establecer marcos de referencia, y luego ejercer la práctica experimental de la libertad dentro de estos parámetros. El texto se puede leer en la página de Philagrafika (www. philagrafika.org), en un programa de textos sobre la gráfica que llamamos Working States. LFR: ¿Podría explicar brevemente el tema central de Philagrafika y los tres componentes en que se dividió? JR: El tema central de Philagrafika es mostrar cómo la gráfica y los conceptos asociados a ella, que evoqué en la pregunta anterior, se manifiestan en la práctica artística contemporánea de
Por: Luis Fernando Ramírez manera inconsciente, sin que sean consideradas formas de “grabado”. Tuve tres componentes: una exposición central de 35 artistas divididos en cinco sedes principales, titulada ‘The Graphic Unconscious’ (el inconsciente de la gráfica); un programa destinado a poner en valor las colecciones históricas de Filadelfia, titulado ‘Out of Print’ -un juego de palabras que se puede traducir como “fuera de impresión” o “a partir del grabado”-, en el cual vinculamos cinco artistas cada uno con una colección histórica diferente. Y un tercer componente, los ‘Proyectos Independientes’, en el cual más de 80 instituciones curaron y organizaron sus propias exposiciones en relación con los postulados centrales de Philagrafika. El modelo fue muy exitoso, y es viable y sostenible. LFR: ‘Muntadas: información, espacio, control’ es una de sus próximas curadurías a inaugurarse en el 2011 en São Paulo ¿Cómo va a ser esta nueva exposición? JR: La exposición reúne tres grandes obras y dos obras “bisagra” que las articulan. Cada obra es paradigmática de una gran familia de trabajos de Muntadas, y de una década diferente: ‘On Subjectivity’ de los años setenta, ‘Stadium’ de los años ochenta, y una obra nueva, ‘Alphaville e outros’, que trata sobre la arquitectura del miedo y la seguridad en los conjuntos cerrados en Brasil. Esa obra viene siendo preparada desde hace un año, y debutará en Brasil, aunque es la condensación de muchas obras anteriores, como es característico en el trabajo de Muntadas. LFR: Recientemente fue nombrado como curador general de la Octava Bienal Mercosur en Porto Alegre, Brasil. Sería ya su quinto proyecto curatorial en ese país. ¿Qué significa Brasil en su carrera? JR: Los proyectos van llegando, no fui trabajando de manera intencional para lograr “penetrar” Brasil. Claro que un proyecto, si es exitoso, sienta las bases para que llegue otro, y esto es lo que ha sucedido para mí en Brasil. Habiendo dicho lo anterior, debo afirmar que adoro trabajar en Brasil: es un medio muy profesional y sofisticado, pero que tal vez por ser una cultura de inmigrantes, valoran lo que les llega de afuera. En Brasil no tienen lo que en Colombia, algo que desgraciadamente, nos define culturalmente: mala leche. En Colombia se sufre cuando al otro le va bien. Por el contrario, en Brasil los artistas se alegran cuando a otro lo invitan a una exposición, se ayudan, son extremadamente solidarios. Es un placer trabajar allí. LFR: Cuál es la propuesta curatorial en esta ocasión para Mercosur? JR: Siempre me intrigó que una bienal llevara el nombre de un tratado de libre comercio. La realidad es que la Bienal y el Mercosur son completamente independientes, no hay financiación ni ningún otro vínculo entre ambos. Lo irónico es que la Bienal ha sido más efectiva en garantizar la circulación de artistas, obras y discursos que el Mercosur en lograr la libre circulación de bienes de capital, a pesar de normativas, liberación de aranceles y zonas francas. Mi proyecto mira el territorio desde la perspectiva de lo geográfico, lo político y lo cultural, analiza las construcciones de país, estado y nación, y las construcciones supranacionales de región. Como en proyectos anteriores, más que un tema, se trata de una estrategia de acción curatorial. Mercosur tiene un gran prestigio en su dimensión educativa, y este será uno de los componentes principales de mi propuesta. LFR: ¿Cuál sería su proyecto de exposición soñado, ideal? JR: Mi proyecto ideal sería formar, desde cero, un espacio de producción de arte contemporáneo que tenga un programa de residencias, una sala de lectura abierta, y un café. Sería un espacio de carácter internacional pero dirigido a un público local. Esto es algo en lo que he venido pensando hace rato, y he utilizado el modelo bienal como una instancia para la creación de infraestructura. Ya intenté hacerlo con mi propuesta para la Casa del Encuentro en Medellín, El Parqueadero en Bogotá, y lo estoy planteando en Porto Alegre como parte de mi proyecto para la Bienal de Mercosur. Pero el problema es que para que esto funcione bien, o por lo menos como yo me imagino que debe funcionar, requiere una persona de tiempo completo que active este espacio como su actividad profesional principal. No puede ser algo accesorio a una institución, ya me he dado cuenta que así no funciona, o funciona a medias. Algún día habrá la oportunidad de realizar este proyecto. No hay afán, en juego largo hay desquite.
* Lea la entrevista completa en www.periodicoarteria.com
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Cortesía: Universidad Nacional de Colombia.
‘La Revelació
Películas y f
Hannah Collins en el Museo de Arte de
N
acida en Londres en 1956, Hannah Collins estudia artes plásticas en la Slade School of Fine Arts. Obtiene la Beca Fullbrigth-Hays en los Estados Unidos en 1978-79. Empieza como pintora y en los años ochenta se acerca a la fotografía, trabajando en particular el gran formato en blanco y negro. Las naturalezas muertas y los espacios físicos son recurrentes en su trabajo. En 1991, obtiene el Premio europeo de la fotografía y en 1993 es nominada para el Premio Turner de la Tate Britain. En sus primeras series como ‘The Hunter’s space’, ‘In the Course of Time’ y ‘Signs of life’, Hannah Collins explora la situación de Polonia después de la caída del Muro de Berlín y se enfoCortesía: Universidad Nacional de Colombia. ca en las migraciones del Este hacia el Oeste. Expone en Europa y en Estados Unidos, en galerías y museos como el Walker Art Center de Minneapolis, el Koldo Mitxelena Kulturunea de San Sebastián y las galerías Joan Prats (Barcelona), Leo Castelli (Nueva York) y Arlogos (París). En 1998, Hannah Collins se muda a Barcelona, conociendo la experiencia de la migración y de la integración a un nuevo país. Los temas de la memoria, del desarraigo y del paso del tiempo son una constante en su obra. Collins define su obra como “un intento por describir el futuro desde el pasado”1.
Siempre se ha interesado por el cine, y sus fotografías gigantes pueden aludir a una pantalla, pero no realiza su primera película antes de los años 2000. Se trata de ‘La Mina’, nombre del barrio donde vive la comunidad gitana de Barcelona. ‘La Mina’ marca un giro en su trabajo dado que “hasta entonces estaba más implicada con sitios que con personas”2. Su trabajo cinematográfico se centra en particular en las personas que son a menudo invisibles –o que no queremos ver- en la sociedad. Sin embargo, no deja de lado la fotografía, sigue trabajando a escala monumental, estableciendo a través de los formatos gigantes de sus obras una relación de intimidad con el espectador. Sus películas, a menudo presentadas en pantallas múltiples, ofrecen una diversidad de puntos de vista, poniendo al visitante en posición de elegir lo que quiere ver y construir su propio entendimiento de la obra: “Una cosa que aprendí sobre mis propias películas es que
es mejor hacer que el espectador trabaje y participe en el proceso de descifrar las imágenes”3, manifiesta la artista. La obra de Hannah Collins está presente en importantes colecciones de arte como las de la Tate Gallery y de la Victoria and Albert Museum de Londres, de la Casa europea de Fotografía de París, de la fundación La Caixa y del Museo de Arte Reina Sofía de Madrid, del Macba de Barcelona y del Albright Knox Museum de Buffalo, entre otras. Hannah Collins presentó en el Museo de Arte de la Universidad Nacional de Colombia la película ‘Historia en curso’ en la exposición colectiva ‘La Memoria del Otro’ (2009) -apoyada por la Fundación ARTERIA-, obra que narra la vida de los habitantes de un pueblo ruso, Beshencevo, que parece ser congelado en su pasado comunista, en contraste con la ciudad cercana de Nižnij Novgorod. Actualmente, la Universidad Nacional organiza su exposición individual titulada ‘La Revelación del Tiempo - Películas y fotografías’. La muestra es producida por la Fundación La Caixa, en colaboración con el Museo de Arte y la Dirección Nacional de Divulgación Cultural de la UN. María Belén Sáez de Ibarra, curadora, crítica de arte y directora de la Dirección Nacional de Divulgación Cultural y David Campany, escritor, fotógrafo y docente de la Universidad de Westminster están a cargo de la curaduría de la exposición. En ‘La Revelación del Tiempo’, fotografías de grande y mediano formatos conviven con video instalaciones. Según María Belén Sáez de Ibarra, la cámara fotográfica y la cámara de video “tienen el saber de capturar el tiempo” y las imágenes de Collins transmiten un sentimiento 4 de melancolía, porque nos recuerdan que “nosotros mismos estamos hechos de tiempo” . En la muestra, el público podrá conocer el universo sensible y nostálgico de Hannah Collins con las video instalaciones ‘La Mina’ y ‘Parallelo’, y la película ‘Soledad y Compañía’. Las películas de Hannah Collins exploran universos muy distintos -la comunidad gitana de Barcelona, las ciudades europeas vistas desde el cotidiano de migrantes africanos o una fábrica abandonada- siempre están organizadas “alrededor de las frágiles conexiones entre los individuos y los grupos sociales”5.
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ón del Tiempo
fotografías’
la Universidad Nacional de Colombia* ‘La Mina’, instalación en cinco pantallas -que también incluye fotografías-, es resultado de una colaboración a largo plazo con los gitanos de Barcelona que participaron en la escritura del guión al sentir la necesidad de ser representados más allá de los clichés habituales. La obra fue filmada entre 2001 y 2004, en la época en que Barcelona disfrutaba de un desarrollo urbano, en parte gracias a las repercusiones de los juegos olímpicos de 1992, pero ‘La Mina’ quedaba al margen, y los gitanos permanecían en una comunidad aislada de su organización social con varios aspectos su cultura tradicional como la justicia, el duelo, el matrimonio y la música. Ciertas escenas han sido preparadas y actuadas mientras otras son espontáneas, lo que hace decir al curador David Campany que la obra se sitúa “a medio camino entre el documental de observación y un enfoque más basado en la actuación y la colaboración”. Con ‘La Mina’, Hannah Collins también quiere abrir una reflexión “sobre nuestra propia sociedad cambiante, en confrontación con una cultura centenaria en la que los cambios resultan mucho menos aparentes”6. En tanto que las fotografías relacionadas a esta obra materializan los espacios de vida y el cotidiano de los gitanos. ‘Parallelo’, rodado en 2007, aborda la temática del movimiento migratorio en Europa. En una instalación de tres pantallas gigantes se siguen los itinerarios de vida de tres migrantes africanos que han llegado a Madrid, Londres y Roma, tres de las ciudades que representan la fortaleza europea, obligándolos a adaptarse a un nuevo entorno. Aunque cada uno está en una situación social diferente, todos tienen que aprender a vivir con el bagaje cultural de su país de origen (Costa de Marfil, Camerún, Uganda). La obra ‘Parallelo’ permite humanizar el concepto de inmigración, mostrando con las historias de los protagonistas Dewa, Pamela y Constantine, dificultades a las que se enfrentan quienes deciden migrar. En esta obra, Hannah Collins rinde homenaje a los desplazados, enfocándose en los encuentros fortuitos y en los pequeños actos que conforman su cotidianidad. La película ‘Soledad y compañía’ fue grabada en 2008 en una fábrica abandonada de Roubaix, ciudad industrial del norte de Francia. Este lugar desolado, hoy en declive, es lo que queda de una actividad industrial que involucraba miles de obreros en la región. La luz va cambiando a medida que pasa el tiempo y escuchamos en banda sonora residentes de Roubaix que cuentan sus sueños. Muchos de los soñadores se relacionan de alguna manera con Argelia, que tiene una fuerte comunidad en Francia, y se proyectan lejos de la realidad, sobrevolando su casa en Argelia o encargándose de la Presidencia de Francia. Con una cámara casi inmóvil, la acción principal de la película es el sonido, mientras que los cambios de luminosidad nos indican el paso del tiempo en la fábrica. Hannah Collins explica que la obra es una “reflexión sobre los espacios prohibidos y su significado para diferentes grupos sociales” dado que la comunidad argelina vive rodeada de estos espacios donde no puede entrar. Los sueños no tienen una relación directa con el sitio de la fábrica pero la artista lo eligió porque “se trataba de un espacio infranqueable, situado en la zona en que vivía esa gente”7. Entre las fotografías que se presentan en la muestra está la serie ‘The Road to Mvezo’ que surgió de un viaje realizado por la artista a Suráfrica, lugar de nacimiento de Nelson Mandela. Trata de fotografías de gran formato en blanco y negro impresas en papel de algodón usando pigmentos y colgadas directamente en la pared.
Cortesía: Universidad Nacional de Colombia.
En 2009, Hannah Collins viajó a Colombia y realizó fotografías del lulo en el marco de un proyecto con el chef español Ferran Adrià, sobre el origen de varios ingredientes de su cocina. La serie ‘Lulos’, que incluye obras de mediano formato, indaga el itinerario de esta fruta, desde la cosecha, el acondicionamiento para la exportación y hasta el consumo por el hombre. A partir del descubrimiento del campo colombiano, nace el proyecto ‘Transmigración’, que consiste en resaltar la influencia rural en la ciudad. De hecho, la mayoría de los bogotanos tienen padres o abuelos que vienen del campo. En colaboración con el artista Lesivo, se realizarán murales en el Museo que hablan de esta realidad. ‘La Revelación del tiempo’ representa la ocasión de descubrir a una artista contemporánea ya reconocida en el escenario artístico internacional, que expone individualmente por primera vez en Bogotá. Esta exposición ofrece un panorama completo de la trayectoria de Hannah Collins y también la oportunidad al público de participar en un debate alrededor de la exposición: Hannah Collins y María Belén Sáez de Ibarra presentarán la exposición en el Museo de Arte de la Universidad Nacional el viernes 17 de Septiembre a las 3 pm. David Campany, curador, dará una conferencia el 21 de Octubre. El catálogo de la exposición incluye textos inéditos sobre la obra de Hannah Collins, entrevistas y numerosas imágenes de su trabajo. 1. Hannah Collins habla con Ingrid Swenson, 2009. 2. Experiencia contenida. Las películas de Hannah Collins. Carles Guerra, 2008. 3. Hannah Collins habla con Ingrid Swenson, 2009. 4. Saetosus rures miscere chirographi María Belen Sáez de Ibarra, 2010. 5. Soledad y compañía. Las películas y fotografías de Hannah Collins. David Campany. 2008. 6. Hannah Collins habla con Ingrid Swenson, 2009. 7. Hannah Collins habla con Ingrid Swenson, 2009. * Septiembre 17 - Noviembre 27 de 2010
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Bicentenario y artistas, arte e independencia río Magdalena, el correo oral de los bogas y algunos movimientos de independencia, como el de Cartagena, que actuaron con independencia de la independencia centralista de Santa Fe. Por: Lucas Ospina 1. “¡Usted no sabe quién soy yo!” “¿Quiéres hacer plata conmigo malparido?”, le dice José David, un niño-hombre que flota en medio del río Magdalena al camarógrafo que lo filma a corta distancia; luego, el niño-hombre toma una de esas botellas que recicla entre la basura del río, las mismas que usa para flotar, y se la arroja a la cámara, ahí termina el video. Al comienzo de la filmación, antes de meterse al agua, se oye un diálogo en que el niño y otro compañero hablan de su pueblo ribereño y de cómo ahí todos los visitantes que llegan son “malparidos blancos hijueputas”. El camarógrafo no les filma la cara al par de impúberes, apenas los conoce, escoge filmar el suelo como señal no invasiva de respeto, un humilde gesto de reflexión del que filma. Se meten al agua, la cámara registra por momentos el fondo turbio, los tres personajes flotan con las botellas recicladas y el paseo finaliza antes de llegar al punto donde se vierte la mierda del pueblo al cause del río, es ahí donde el viaje termina y el niño-hombre suelta su rabiosa y aguda proposición. Esto fue ‘José David’, uno de los videos breves que presentó el artista Elkin Calderón el pasado 13 de agosto en la Feria del Libro en el Pabellón del Bicentenario, en una de las tertulias programadas en el ‘Café Bicentenario’ en medio de ese parque temático organizado por la Alcaldía Mayor de Bogotá para estar a tono con el “invitado de honor” de la Cámara del Libro para este año: el ‘Bicentenario de la Independencia’. No es casual que la palabra “bicentenario” se repita una y otra vez. Este año esa conjunción ha sido el “ábrete sésamo” de la gestión cultural: cualquier proyecto parece posible siempre y cuando se le meta “bicentenario”, y además, si a esto se le suma la palabra “artistas”, la gesta parece estar garantizada y ante tan oportuna alegría discursiva la boca de la cueva presupuestal queda jetiabierta, se descubre el tesoro y todo está listo para la ejecución presupuestal. El año pasado ya hubo un abrebocas de esta situación cuando el 20 de julio la Alcaldía Mayor de Bogotá, para celebrar la independencia, se puso a echar globos en la ciudad y el poeta William Ospina, miembro del comité asesor, justificó el acto diciendo que “los globos son suficiente símbolo de fiesta, de lo que pueden el ingenio humano, y su capacidad de superar las limitaciones y de soñar con libertad.” Pero no eran “suficiente símbolo” y tocó invitar a “24 de los más importantes artistas plásticos de hoy” para que fuera suficiente. El resultado fue un fotogénico ballet de globos por algunas zonas de la ciudad, sobre todo del norte y hacia el norte, y unas insuficientes “curitas” donde iban estampadas las imágenes hechas por los artistas: en cinco millones de pesos valoró la Alcaldía la reflexión invisible de cada artista y el costo por los globos, financiados por la empresa pública y privada, fue de 3.500 millones de pesos. Para este año el poeta Ospina había prometido que iban a hacer entrar la Bogotá “al ejército libertador, esculpido en barro”, una emulación de los guerreros de Xian hechos en barro de Ráquira, pero la posible embarrada artesanal se quedó en arte conceptual. Tal vez a la Alcaldía le quedó sonando esto de asesorarse de poetas y por eso la Secretaría de Cultura, Recreación y Deporte (SCRD) contrató, vía la Fundación Gilberto Alzate Avendaño (FGAA), a otra musa, a la poeta Ana Mercedes Vivas y a su empresa Comunicaciones Vivas para que se cranearan algo. Ella salió con una expedición “multimodal” por el Río Magdalena, a bordo de un “barco creativo” cargado de “artistas, seleccionados por convocatoria pública, que desarrollarán un proyecto artístico alrededor el río y la celebración del Bicentenario”. La nave también iría cargada de “historiadores” y “representantes de algunas áreas artísticas que han desarrollado proyectos sobre los procesos de independencia”. A la poeta Vivas se le hizo un contrato inicial de 50 millones que se modificó hasta llegar a 74 millones de pesos para que se encargara de ofrecer los “servicios para realizar el desarrollo del documento de venta, promoción, consecución de asociados, consecución de patrocinadores y proceso de acompañamiento en comunicaciones antes y durante la realización de la Expedición artística del Bicentenario -unir los dos gritos de independencia de Mompox a Bogotá-”. La poeta Vivas fue quien también moderó la tertulia con Elkin Calderón en el Café Bicentenario. Los acompañaba el historiador Giovanni Di Filippo que hizo una larga y atractiva digresión sobre el
La poeta Vivas dijo en su introducción a la tertulia que la expedición era “un símbolo de reflexión multicultural que nos permite trazar la relectura de lo que fue la independencia”, y no dudó en autocalificar su gesta cultural de empresa “titánica”, afirmó que había pasado nueve meses junto al historiador Carlos José Reyes empapándose de historia. Elkin Calderón mostró ese día otro video llamado ‘Perrita Criolla’. Contó que lo había filmado en Barrancabermeja, al atardecer, a solas mientras el resto de la comitiva cultural pasaba la tarde con el Gobernador Horacio Serpa que según la agenda iba a conversar sobre “los gritos sociales y movimientos comuneros”. Calderón, menos gregario, prefirió ir al río y ahí se encontró con otro tipo de gritos y movimientos: en la orilla filmó un grupo de perros, dos de ellos pegados por la cola, que se contoneaban, luego, en la edición, sumó al video un audio escogido para amenizar ese perreo: la canción “Río Magdalena”, interpretada en inglés por Lyda Zamora, una alusión cáustica pero guapachosa a la sodoma imperialista y al vasallaje nacional, una tonada bastante apropiada para una tierra de fálos petroleros y bases militares colombianas y extranjeras. Calderón condimentó sus proyecciones con breves reflexiones sobre el viaje, destacó el orden, la logística, los cronogramas, la organización, pero manifestó dudas sobre la comitiva acompañante donde no solo había artistas junto al historiador Di Filippo sino una serie de personas que daban cuenta de la realidad “multimodal” de la expedición: la directora de la FGAA, su secretaria, el Gerente de Artes Plásticas, el Gerente de Audiovisuales, el encargado de exposiciones, el encargado de literatura, la jefe de prensa, el fotógrafo oficial, dos representantes de la filarmónica, un jurado de selección, una curadora alemana, una documentalista, un recreacionista cultural, un periodista de Canal Capital y su camarógrafo, un costeño que nadie supo quién era o que representaba -tal vez a la costa- y, finalmente, dos asistentes de Comunicaciones Vivas junto a su jefa, la poeta Vivas. Calderón destacó la iniciativa de viajar por el río, la experiencia, la convocatoria abierta para participar, pero señaló que la andanada de eventos sociales y el paracaidismo cultural al que fueron sometidos durante los siete días de la expedición mostraba un escaso conocimiento de las condiciones para crear y hacer pública su producción -además de verle los bigotes a Serpa, asistieron a un homenaje a la fuerza Aérea en la base militar de Palenquero y a un ágape con la alcaldesa de Cartagena-. En vez de cócteles y salpicones culturales con la oficialidad de cada puerto un artista necesita de tiempo para vagar, mirar y comprender; en vez de asistir a eventos coreográficos donde las comunidades hacen gala solemne de su autoexotismo ante los ilustres visitantes, la expedición necesitaba de muestras itinerantes que le mostraran a los habitantes de esos lugares lo que los artistas habían hecho luego de la visita, un contacto posterior, a pesar de nueve meses de planeación y preproducción, se pensó en el rodaje pero poca cabeza se le echó a la posproducción. “¿Quiéres hacer plata conmigo malparido?”, el eco de la pregunta de José David, resaltada por Calderón, molestó a la poeta Vivas, que recurrió al sentimentalismo lírico para menguar la crítica. Ella afirmó que cada comunidad habló, que “las ciudades dijeron”, que por ejemplo todos habían podido ver como Barrancabermeja era “la tierra de la pollera colorá” y concluyó que ellos, todos los miembros de la expedición, habían “pagado la deuda” y que en términos de cumplimiento no había nada más que objetar. Además, ante algunas inquietudes de Jaime Leonardo Comba, uno de los artistas que participó, que estaba entre el público, que dijo haber disfrutado del viaje pero que le faltaron recursos para terminar su proyecto ‘Tras las ondas del Mohán’, la poeta Vivas le pidió que por respeto al público asistente no discutieran esos pormenores del asunto y le dijo: “espero que hayas encontrado al Mohán”. Al final del boletín de prensa de la ‘Expedición del Bicentenario: Gritos que cambiaron la historia’ se afirmaba que el “resultado de esta exploración histórica dará como resultado un conjunto de obras que se expondrán en Bogotá el marco de la celebración del Bicentenario de la Independencia en el 2010. Un regalo de los artistas de Bogotá a esta celebración nacional.” El “regalo” fue una decepción. Calderón y Comba dijeron que el montaje de la exposición era bastante precario y que a pesar que durante la expedición si había recursos para llevar a los acompañantes, al momento de pedir ayudas para terminar sus obras, los artistas recibieron un magro apoyo, apenas un dinero para unas impresiones, el préstamo de unos videoproyectores y unos televisores. Esto hizo que muchos de los participantes se resignaran a mostrar un boceto de lo que pudo haber sido, otros no exhibieron, aparte de la experiencia, no tenían nada que mostrar. Tal vez por eso mostrar el “regalo” que prometía el boletín de prensa o las “obligaciones” que exigía
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Cortesía: Tangrama
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el contrato firmado por los artistas, se volvió opcional, bajo estas condiciones no era mucho lo que la institución podía exigir. La exhibición del “regalo” quedó para más tarde, por cuenta y riesgo de cada uno. En ese momento hizo su intervención en la tertulia un funcionario de la FGAA, el encargado de exposiciones que había estado en la travesía; aceptó que había problemas de coordinación en el montaje pero intentó justificar la abortada exposición, el reguero de propuestas inconclusas en un maltrecho corredor, con el sofisma de que “la indignidad” de las “condiciones museales” hace “que las obras buenas se defiendan solas”, además afirmó que ellos habían cumplido con alquilar los videoproyectores. Alguien entre el público afirmó que eso era lo mínimo, pero la poeta Vivas, micrófono en mano, moderó y repitió que “por respeto al público” dejaran de lado esas discusiones y que lo importante era que la expedición “había pagado la deuda” con todos, con las comunidades y con los artistas convocados. Una vez terminó la charla, alguien del público se acercó a la poeta Vivas y la felicitó comedidamente pero no sin ironía por “haber pagado la deuda”, en ese momento, la contratista del erario público, la que firmó el contrato por los 74 millones de pesos, perdió la compostura y decidió lanzar su grito de independencia. La poeta Vivas salió con una frase que merecía otro video de Elkin Calderón, una expresión que muestra como a pesar del bicentenario y de mucha “reflexión” y “relectura”, es poco lo que ha cambiado en la mentalidad de muchos criollos ilustrados que hace 200 años dependían de la corona real y que ahora son vasallos del clientelismo cultural de la administración de turno. La poeta Vivas le gritó amenazante al miembro del público: “¡Usted no sabe quién soy yo!”, y muy “independiente” se fue. 2. Palabras en juego En el Pabellón de Bicentenario había otras dos exposiciones que merecen ser contrastadas. ‘Palabras que nos cambiaron: lenguaje y poder en la independencia’ organizada por la Biblioteca Luis Ángel Arango (BLAA) y ‘Bandos y proclamas’ organizada por la Biblioteca Nacional. Ambas partían de una plataforma semejante, mirar a conciencia el uso público de las palabras y su influencia política en el periodo de la independencia, además de dar un mirada a los medios de difusión y publicación por donde circularon estos mensajes. A pesar que en el Pabellón del Bicentenario las exposiciones contaron con un montaje de combate bastante apocado, en sus respectivas sedes de origen, ambas exposiciones lucieron una propuesta gráfica como espacial bastante acertada, con varias capas de lectura que iban desde la profundidad conceptual hasta el goce meramente visual, desde la frase contundente hasta un uso cautivador de la anécdota. En ambas se convocó artistas para que inspirados por la plataforma de las exposiciones sopesaran los contenidos a la luz de la actualidad. En ‘Bandos y proclamas’ el artista Hernando Barragán instaló un par de mesas y un sistema digital de navegación que permitía recorrer los contenidos de los documentos de la exposición a partir de palabras clave y dejaba ver gráficamente los términos que motivaron o no motivaron la causa independentista: “sangre”, “patria”, “dios”, “lealtad” o “raza” mostraban resultados luminosos, mientras que “amistad”, “lucro” o “soledad” permanecían en la sombra. Estas dos máquinas discretas pero efectivas de Barragán complementaban muy bien el impecable trabajo de diseño gráfico hecho por Camilo Umaña, un paroxismo visual basado en la tipografía original de los documentos y que fue muy bien aprovechado e integrado al espacio por el museógrafo Carlos Betancourt -los dos ya habían trabajado juntos en la acertada ‘La Vorágine’, expuesta en la misma modesta pero bien aprovechada sala de la Biblioteca Nacional-. El uso de los artistas en ‘Palabras que nos cambiaron’ no resultó tan acertado, y no porque los artistas no hicieran un buen trabajo sino por la forma en que este fue exhibido. Se contrató una imprenta de tipo tradicional, una máquina ya anacrónica atrapada entre ser pieza de museo o bulto de chatarra, para que los artistas hicieran ahí carteles. Uno de los carteles expuestos evidenció la misma dinámica de su producción para hacer su proclama: “La BLAA invita a un grupo de artistas a producir carteles conmemorativos del Bicentenario de la Independencia en los que, se busca darle relevancia a la idea de LIBERTAD DE PRENSA. Sin embargo, los carteles producidos sólo circulan en entornos cerrados, vinculados a distintas instancias de control, promoción y construcción de prestigio institucional. Prohibido fijar carteles aquí. Multa.” El mensaje resultó profético: los carteles no se integraron a la exposición sino que fueron expuestos en una pared a la entrada, una especie de muro de la infamia que emulaba una calle pero donde el masacote los anulaba, no lograban conectar con el resto de la exposición y mostrar con eficacia el siempre en el ahora: “Las palabras: escritas, leídas, dichas o impresas, siguen siendo hoy armas para las nuevas batallas”, rezaba un texto de la curaduría de esta exposición.
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Fue tanta la aprensión con estas obras que, como lo decía el cartel citado, la circulación se limitó a esa área y no salió a la calle, como si pasó con una edición de carteles hechos para la exposición de la Biblioteca Nacional para los que se contrató un pegotero que puso los bandos y proclamas en varios puntos del centro de la ciudad. Incluso los afiches de los artistas convocados por la “BLAA” no fueron meritorios para ser incluidos en el catálogo impreso, una decisión editorial que afeó el jovial y acertado trabajo de diseño gráfico que hizo la compañía Tangrama para toda la exposición. Donde sí se pueden ver los carteles es en la página de Internet de la exposición, un portal impecable que le dará una vida larga a esta muestra (http://www.lablaa.org/palabrasque-nos-cambiaron/carteles.html). Como un eco al cartel profético, otro de los carteles no llegó siquiera a ser exhibido, mostraba la imagen de un mandatario actual mirando una muestra de excrementos enmarcados, la caricatura iba acompañada de un texto irónico sobre las taras atávicas y burocráticas del sector cultural. La curaduría de la exposición prefirió abstenerse de mostrar este cartel a pesar de que todas las obras de los “artistas colombianos jóvenes” estaban enmarcadas bajo la cláusula precautelativa de que “sus contenidos no comprometen al Banco de la República.” 3. Efectos y afectos Otras dos exposiciones se quedan casi al margen de este ejercicio de escritura hecho a partir del uso del arte y los artistas en la bacanal cultural de la independencia. Se trata de ‘Video-Exposición del Bicentenario: Artes Visuales en Colombia desde 1810’ en el Museo de Arte Moderno de Bogotá y de ‘Las historias de un grito: 200 años de ser colombianos’ en el Museo Nacional. La primera promete “seis salas” y “más de mil artistas” en seis videos encargados a diferentes realizadores bajo la batuta y supervisión de Eduardo Serrano. El día siguiente a la inauguración, en tres de las salas no había proyección y en un museo desértico, vacío, con unos tímidos pegotes de prensa y documentos pegados como maltrechas muletillas museográficas, el espectador podía ver tal vez la mitad de los artistas prometidos. La buena iniciativa de encargar y dar libertad a diferentes realizadores para hacer los videos se veía contrastada con unos guiones apenas sumarios, llenos de clichés y generalidades, un vademécum de tendencias, géneros y artistas allanado por su propia inmensidad; tal vez es por la poca inspiración que sugieren los textos que los videos solo logran dar cuenta de un manejo técnico impecable, sirven para conocer todos los trucos hechos y por hacer en un programa de edición, incapaces de generar afectos, se limitan y resignan a descrestar y narrar mediante efectos. El contenido en Internet de esta exposición es nulo, es una imagen estática y pixelada. Todo lo contrario a la exposición del Museo Nacional que cuenta con una campaña autónoma de Internet donde a un creativo de la publicidad de origen argentino “le clavan la campaña” promocional, y le toca hacer uso de su “humildad” y “ausencia de esnobismo” para dar cuenta de la independencia, este ejercicio delirante se limitó a la promoción, a lo virtual y puede ser disfrutado en http://chebicentenario.com/. En cuanto a la exposición física el ejercicio resulta imposible de resumir pero a diferencia de la ampulosa autopromoción del Museo de Arte Moderno de Bogotá (MAMBo) aquí, en el Museo Nacional, la cantidad (tres estaciones, 200 piezas, 130 imágenes de apoyo, 14 videos y 10 audios) se transforma en calidad y a pesar de lo abigarrado del montaje es posible seguir la exposición por muchos caminos diferentes, un libre albedrío que pierde a propósito al espectador y que más que un lector pasivo le pide ser un editor, escoger que trama privilegiar, por ejemplo, decidir si debe encontrar la Patria entre los retratos tradicionales de hidalguía o seguir las tramas menores y corajudas de personajes anónimos que desvirtúan el canon heróico de la imagen de los próceres; escoger entre ver a todas las clases populares sublevadas como una gleba peligrosa y sin control, o encontrar en ellos ejemplos dignos de mención que han sido excluidos porque desvirtúan las memofichas con que los profesores jerárquicos dictan sus clases de historia o lo académicos antediluvianos dictan sus ponencias para ser reconocidos por sus pares criollos ilustrados. El Museo Nacional no escatimó estrategias museográficas y aunque unas de ellas resultan carnavalescas como la de ponerle un afro hirsuto a todos los bustos marmóreos de los próceres, la experiencia demanda más de una visita y promete diferentes exposiciones para los más diversos estados de ánimo. A la vez da gusto ver un Museo habitado, lleno de visitantes, con entrada gratuita; ojala la norma de gratuidad se extienda más allá del 31 de diciembre de 2010, fecha hasta la que dura el encanto, exposiciones como esta son para ver una y otra vez, por moda, de forma instruida y cultural si se quiere pero también con independencia: por ocio, anarquía y azar.
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Circular
BOGOTÁ Alianza Francesa, Sede Angélica Teuta: ‘Nuestro Hasta septiembre 18
PROYECTOS Y EXHIBICIONES INSTITUCIONALES Cortesía: CCBogotá.
BOGOTÁ Sala Artecámara Cámara de Comercio de Bogotá Centro Empresarial Chapinero Jennifer Cano y Jaime Gamboa: ‘Trazos de juego’ Septiembre 8 - Octubre 6 ‘Trazos de juego’, es una muestra compuesta por dos obras individuales de Jennifer Cano y Jaime Gamboa, resultado de una reflexión de los artistas ante las vivencias, experiencias y hábitos del ser humano actual. Cano afirma que su obra, realizada en lápiz y óleo, “propone dibujos que hacen alusión a la infancia y a los sentimientos que se generan una vez se piensa en ella desde la madurez”. Por otro lado, y para Gamboa “los dibujos se componen por un comentario crítico al hábito y la irreflexión que a su vez absorben muchas de las acciones de la época actual, transmitiendo cada pieza por medio de arte contemporáneo”.
Cortesía: Alianza Francesa.
Durante los últimos años Angé blema fotográfico, sin estar, es gías: proyectores de acetato, cám cosas encontradas. En esta opor mente significativo para el luga El cielo, el horizonte y el agua, u cotidiana, configuran más que u
CALI Proartes Gisela Savdie: ‘Carnaval’ Desde Septiembre 22
Para su primera muestra individual en Cali, Savdie ha elegido un su formación artística inicial. Partiendo de la tradicional fiesta an captura de imágenes de los protagonistas anónimos de ese even través del color, los contrastes de luz y el movimiento.
SANTA MARTA Galería Espacio Abierto Muestra Colectiva: ‘Horizontes’ Hasta octubre 10
MONTERÍA Museo Zenú de Arte Contemporáneo - MUZAC Beatriz González: Beatriz González / Anteimagen Hasta septiembre 12
Una visión del paisaje y la Nación en el Bicentenario de la Independencia es la que pretende mostrar la exposición ‘Horizontes’, un espacio para reflexionar sobre los colombianos y sus logros como nación. Esta exhibición, incluye el trabajo de un numeroso grupo de artistas nacionales. Los artistas participantes en esta exhibición son: Alberto Urdaneta, Carmelo Fernandez, Henry Price, Manuel María Paz, Andrés Buitrago, Andrés García La Rota, Carlos Uribe, Cristo Hoyos, Edwin Jimeno, Eulália de Valdenebro, Guadalupe Ruiz, Juan Fernando Herrán, Mario Opazo, Marta Combariza, Miguel Ángel Rojas, Nadín Ospina, Óscar Leone, Rafael Ortiz, Sergio Trujillo Magnenat y Stephen Ferry.
El Museo Zenú de Arte Contemporáneo MUZAC conmemora años con la exposición ‘Beatriz González / Anteimagen’, confor representativas de los diferentes momentos por los que ha pasad décadas se preguntaba “¿Qué cree usted que es un artista? ¿Un im ojos si es pintor, orejas si es músico o una lira en todos los pisos d ta, o incluso, si es un boxeador, únicamente músculos? Muy al co tiempo un ser político, constantemente alerta ante los desgarrad ces acontecimientos del mundo, y amoldándose por completo a
Cortesía: Galería Espacio Abierto.
CARTAGENA Sala de Exposiciones del Centro de Formación de Muestra Colectiva: ‘Ripping, toma, mezcla, quema Hasta septiembre 25
CALI Sala de exposiciones de Lugar a Dudas Proyecto Editorial: ‘Point D’ironie, Publicación de Distribución Gratuita’ Hasta septiembre 24 ‘Point d’ironie’ (punto de ironía) es un proyecto editorial que se basa en la idea de la “dispersión”. Fue concebido por la diseñadora francesa Agnès B en colaboración con el comisario suizo Hans Ulrich Obrist y el artista francés Christian Boltanski en 1997. Su nombre se basa en un particular signo de puntuación, inventado a finales del siglo XIX por el escritor francés Alcanter de Brahm, que debería usarse al final de las frases para indicar los pasajes irónicos y sarcásticos de un texto. Cada número de Point D’ironie, ofrece al artista invitado un espacio en papel tamaño tabloide de 8 páginas para que lo intervenga. Esta intervención o comisión original, tiene un tiraje de 100.000 a 300.000 copias que se distribuyen de manera gratuita en diversos lugares del mundo como almacenes de diseño, museos, galerías, cafés, salas de cine y otras instituciones culturales. MEDELLÍN Cámara de Comercio de Medellín para Antioquia Luis Fernando Escobar: ‘Interior – Exterior’ Septiembre 9 - Octubre 8 Por: Lucrecia Piedrahita. Museóloga. En la producción reciente que nos ofrece Luis Fernando Escobar se encuentra una tensión entre horizontalidades y verticalidades sometidas a un ejercicio compositivo a través de las gradaciones de una paleta densa construye bloques aislados en medio de las avenidas y los muros ciegos de ciudad para otorgar una fluidez espacial de alta estética. Una pintura que establece elementos para dialogar con el paisaje que ella misma contiene, una experiencia que teatraliza las sombras para “añadir a la sombra una dimensión en el sentido de la profundidad”1, unas visualidades que dan cuenta de las frecuencias sonoras y sensoriales, una superficie que recoge la luz y, es precisamente en ese juego de luz y sombra y en esas tensiones visuales de una geometría propia en donde se reconfigura el espacio rigurosamente vacío de las -pinturas negras- de Escobar.
El anglicismo Ripping hace referencia a distintas estrategias de traer/duplicar información de manera forzada de un medio cod cado, asi mismo señala emergencias y tensiones que se dan entre regulación que ejercer el mercado sobre procesos y productos cul rales, y el ingenio que de esta situación se deriva. ‘Ripping’ reun proyectos que asumen la accion de ripear como estrategia creati al dar uso a datos, equipos, formas y productos artísticos y/o c turales preexistentes, recombinándolos para producir algo nue siguiendo la sentencia del filósofo Wittgenstein “No busquen significado, busquen el uso”.
SANTA FE DE ANTIOQUIA La Casa, Residencias Artíst Muestra Colectiva: ‘Herenc Hasta octubre 3
Cortesía: CC Medellín.
1. Tanizaki, Junichiro. El elogio de la sombra , Ed. Siruela (trad. Julia Escobar).
Cortesía: Banasta.
La propuesta de arte contemporán Patrimonio de Colombia en Santa herencias en un sentido amplio. D incluyen obra anterior. Los artista temas indígenas, señalando la imp bajado ampliamente sobre el tema Antioquia, ha realizado una reside su residencia realizó fotografías ex
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centro o Lugar Favorito’
Por: Santiago Rueda élica Teuta ha realizado una serie de instalaciones donde el proel motivo y la motivación. Para ello se vale de las bajas tecnolomaras oscuras, películas, papel, celofán, balso, resortes, cintas y rtunidad, Teuta quiere otorgar un espacio de descanso, esencialar de esta sala de exposiciones, situada en el centro de la ciudad. una referencia a Seurat y Viola y sus observaciones sobre la vida una situación, un espacio y un estado perceptual.
na serie sobre el Carnaval de Barranquilla, ciudad donde recibió nual anterior a la Cuaresma, Gisela Savdie realiza su obra tras la nto, intentando comunicar la energía y potenciar las imágenes a
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a sus primeros cinco rmada por 16 piezas do la artista que hace mbécil que sólo tiene del corazón si es poeontrario, es al mismo dores, ardientes o dulsu imagen”.
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BOGOTÁ Casa de Moneda- Banco de la República Muestra Colectiva: ´Re(cámaras): Espacios para la fotografia extendida´ Hasta octubre 27 Con la curaduría de María Wills, la muestra pretende revisar la Colección de Arte del Banco de la República a partir de una reflexión sobre los desplazamientos que se han visto en el territorio de la fotografía contemporánea. Las obras presentadas intentan poner en evidencia cómo la experiencia artística le permite a lo fotográfico manifestarse con un lenguaje que oscila entre lo documental y lo artificial, lo bidimensional y lo tridimensional, lo instantáneo y lo lento, borrando conceptos antagónicos y categorizaciones tradicionales del medio. ´Re(cámaras)´, incluye las obras de Fernell Franco, Rosario López, Liliana Angulo, Juan Fernando Herrán, María Elvira Escallón, Miguel Angel Rojas, Óscar Muñoz, Fernando Arias, Victor Robledo, Angélica Teuta y Gloria Posada entre otros.
Cortesía: Casa de la Moneda, Banco de la República.
CALI Museo La Tertulia ‘Museo La Tertulia 54 años de historia’ Hasta octubre 24 La muestra es un homenaje a la edificación que con el tiempo se ha convertido en un hito arquitectónico de la región. El recorrido histórico que presenta la exposición ´Museo La Tertulia, 54 años de historia´, enmarca un proceso de crecimiento, adquisición y adecuaciones físicas desde una casa en el barrio San Antonio, pasando por la construcción de la actual sede sobre la Avenida Colombia, hasta el más reciente proyecto Cortesía: Museo La Tertulia. de remodelación y modernización que contempla el montaje de su Colección de manera permanente. La sala didáctica que acompaña la exposición se presenta como un espacio complementario y formativo ofreciendo al publico neófito la oportunidad de enfrentarse a imágenes, obras de arte e historias frente a las cuales no había tanto interés anteriormente.
Cortesía: Museo Zenú.
e la Cooperación Española a’
BOGOTÁ Museo de Arte y Cultura de Colsubsidio Carlos Kravetz: ´Efímero y Permanente´ Desde Septiembre 2
exdifie la ltune 3 iva, culevo, n el Cortesía: Sala Expos. Centro de Formación, Cooperación Española
ticas Banasta cias’.
neo puesta en escena durante el Congreso de la Red de Pueblos Fe de Antioquia, incluye artistas que trabajan o responden a las De los cuatro artistas invitados, dos realizaron residencia y dos as invitados son: Antonio Caro, quien ha trabajado alrededor de portancia del maíz y del achiote. Liliana Angulo, quien ha traa afro en Colombia. Julián Urrego, descendiente de Santa Fe de encia donde explora relaciones familiares y Jorge Ortiz, durante xperimentales que hablan del patrimonio natural y del territorio.
La dualidad entre lo que se mantiene tras el paso del tiempo, y lo que se construye para desaparecer constituye la esencia de la muestra ´Efímero y Permanente´del artista argentino Carlos Kravetz. Tras el uso de técnicas como la pintura y la fotografía –asociadas con la permanencia- y el dibujo y la instalación –en relación con lo efímero-, Kravetz busca narrar diferentes maneras en las que se asume la vida actual. La muestra está conformada por siete series de obras, tres de ellas desarrolladas en pintura: ‘Espacios imaginarios’, ‘Cartografías’ y Cortesía: Museo Colsubsidio. ‘Ensueños urbanos’; una a través del trabajo gráfico digital: ‘El dibujo trotamundo’; dos en fotografía: ‘Suelos y paredes’ y ‘Abstracto y real’ y por último, ‘Permanencia inestable’ como instalación con dibujos de mesa que invita a la participación del público visitante. CALI Centro Cultural Comfandi César García – Coco: ´Los días que nos quedan´ Desde Septiembre 16
Cortesía: Centro Cultural Comfandi.
‘Los días que nos quedan’, es una muestra individual en la que García presenta las obras resultado de su proyecto artístico realizado en los últimos años. A través de pinturas, elaboradas en técnicas mixtas, el artista intenta plasmar sus diferentes intereses creativos, proponiendo al espectador la posibilidad de descubrirlos tras su recorrido.
Artes visuales, música, danza y cine.
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Del 21 al 23 de septiembre Santa Marta Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo
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Ibis Hernández - Curadora de la Bienal de la Habana, Gustavo Chirolla - Filósofo, Roberto Burgos - Escritor, Ciro Guerra - Cineasta
Consulte la programación en www.mincultura.gov.co
INSCRIPCIONES GRATUITAS: eventos@museobolivariano.org.co - Teléfono: (095)4332994 Organizan:
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independientemente
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Desde la antropología del arte
Experiencia Esté Epatismo y Revu o estética. Ahora bien, agrega Goodman, la presencia de algunos de esos indicios no necesariamente indica que se trata de “buen arte” porque hay de todo en este mundo ancho y ajeno. También arte mediocre y arte que apenas si merece el nombre. Este, en términos de la poética hablada se llamaría balbuceo. Otra manera de establecer la universalidad antropológica de las manifestaciones estéticas es usar el retruécano que nos propone Alfred Gell, -un antropólogo británico que murió en plena juventud-. Habló que la experiencia estética, generadora de arte, ocurre cuando en una obra o momento determinados confluyen la tecnología del encantamiento y el encantamiento de la tecnología. El ejemplo que trajo fue la respuesta altamente conmocionada de ciertos pueblos de Nueva Guinea ante los elaborados mascarones de proa de ciertas medianas y pequeñas naves que se mueven en circuitos rituales de intercambio denominados kula. Observen que habla de encantar, un proceso que no pocos estudiosos de la cultura, entre los que sobresalen Pierre Bourdieu, relacionan con la creencia, más aún con la creencia taumatúrgica, aquella que está detrás de los milagros.
“El alma de las cosas”, Interior de tumba prehispánica tallada en piedra, Alto de El Duende, Tierradentro, Cauca, Colombia. Imagen de: Serie Sevilla - Varona 2009.
A
nte la gentil invitación de escribir una nota desde la antropología del arte, comparto un punto de la conferencia con que participé recientemente en la serie de ganadores del Premio Nacional de Crítica. Es posible que lo que aquí propongo aparezca como distante y problemático para los lectores de ARTERIA, porque no compartimos necesariamente paradigmas. Los antropólogos pensamos el arte en modo algo diferente a como piensa, por ejemplo, un curador o artista de los que escriben en este mismo medio. Sin embargo, como de exponer ideas se trata, aquí van unas cuantas para iniciar el diálogo. Coincido plenamente con Nelson Goodman en que es ilusorio definir qué es arte. El filósofo sugirió razonablemente que es mejor preguntarse cuándo hay arte. Para tal fin propuso una serie de indicios formales derivados de su teoría de la creación de versiones de mundos, entre ellos los que por convención denominamos estéticos o artísticos. Los indicios de que en un determinado momento o sitio del planeta puede haber arte son: (1) densidad sintáctica, (2) densidad semántica, (3) com-
pletud relativa, (4) ejemplificación, y (5) referencia compleja y múltiple. No me detengo en explicar estas categorías de indicios por limitaciones de espacio. Se trata de indicios formales, que apuntan a la manera como los productores construyen con símbolos de base material las versiones de mundos en cuestión. Con qué se representa es menos importante. En otras palabras, Goodman no da pie a definiciones esencialistas de lo que es el arte: cualquier cosa, en cualquier momento, puede generar experiencias estéticas si en la obra u ocasión hay alguno o algunos de esos elementos indiciales. No se necesitan por tanto salones y escenarios especializados para que aparezca el arte, pues los indicios pueden darse en todos los puntos del planeta, en todos los tiempos y en todas las culturas. Vista así, la expresión y recepción estética es una manifestación de la condición humana como tal. Se trata entonces de una condición antropológica. Los escenarios (Art-worlds) occidentales con su autonomización e institucionalización, y a pesar de su globalización hegemónica y del enorme poder de su entramado, constituyen apenas uno de los caminos que ha tomado, en la historia de la humanidad, la representación artística y el ejercicio o disfrute de la sensibilidad
ALIANZA Uniendo esfuerzos y compartiéndo objetivos de generar espacios para la introducción a las artes plásticas y visuales, la Agenda Cultural del Gimnasio Moderno y la Fundación Arteria, estarán desarrollando actividades de vinculación a nuevos públicos y de forma gratuita, al interior de la Biblioteca y el Ático del Cocodrilo del Gimnasio Moderno bajo la coordinación de Arteria. www.fundacionarteria.org
www.gimnasiomoderno.edu.co
Obsérvese también que tecnología viene del griego tecné que en latín se dice ars, de donde viene arte, en referencia al virtuosismo, a la habilidad de hacer. Hay ciertas personas que con su virtuosismo en trabajar la materia, sea la física o la social/simbólica, o ambas, hacen obras -incluyendo en ellas las performances varias con el cuerpo, el espacio, la escena…lo que quieran- que causan el milagro de trasladar a las audiencias a otra dimensión. La tecnología del encantamiento, que opera por efecto de creencia, hace que la respuesta sea un encantamiento con el producto de esa tecnología. Se trata de un estado especial en que la sensibilidad humana se pone a flor de piel y con ella uno se adentra en versiones de mundos que están en otra dimensión. Hablo de taumaturgia para referirme a la dupla mágica del productor/receptor, individual o colectivo, anónimo o con nombre, que hace el milagro que ocurran esas experiencias estéticas. Estética viene de aisthesis, sensibilidad, y su antónimo es anestesia, no la neurológica sino la simbólica, la que nos impide hacer el mencionado ejercicio de suspensión de la descreencia. Aquella, por ejemplo, que impide apreciar una obra de teatro callejero porque el interés y atención están en la cartera o en la novia del vecino. Es la anestesia que, con el nombre de hemiplejia o parálisis espiritual, fue una obsesión maldita de James Joyce, quien decía que ocupaba todos los resquicios de la vida ordinaria y turbia de los dublineses de su tiempo. Estética en occidente, a partir de Diderot, Baumgarten, Kant y otros europeos conti-
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tica, Esteticismo, ulsivos Por: Elías Sevilla*
y tantas otras originalidades -aunque algunas no tanto porque son copiadas del internet y traídas al contexto provinciano para “descrestar a calentanos”-. Como los proponentes piensan en la reacción negativa neo-burguesa, actúan como sucedáneos pobres de la genuina generación de experiencias estéticas. No apuntan, o apuntan mal, al alma de las cosas de la que hablaré enseguida aunque para algunos, tal vez, ésta sea la única manera de llegar a esa alma. En resumen picante: el esteticismo es un extremo de la involución de la tradición euro-newyork-centrada. El otro, por reacción, es el epatismo. Y perdonen el neologismo. “La petridad de la piedra”, en arquitectura/escultura inca prehispanica. imagen de: http://www.piotarantino.it/peru/Dett_mura.jpg.
nentales, tomó una significación hegemónica que poco a poco, con el ascenso de la burguesía, fue cerrándose sobre sí misma hasta llegar al esteticismo de los salones refinados, fríos museos, salas de concierto, exposiciones y curadurías. Llevó a imponer la creencia de que sólo en esos templos cerrados, se podía tener experiencias estéticas, concebidas como fruición de lo bello. Sabemos también que, en reacción, desde comienzos del siglo XX hubo desplantes y cargas de fondo contra esta involución esteticista de la estética. Curiosamente, esos desplantes procedían y, por lo general siguen procediendo, de la misma institucionalidad y apuntan a ella como lo hacen las vanguardias que ella genera. Finalmente son absorbidas porque la institucionalidad las coopta, consagrándolas, haciéndolas parte de su sistema. Se amplía así el rango de la involución estética hasta incluir lo feo, lo espeluznante y lo desagradable y lo que linda con los fundamentos éticos que rigen la civilidad, como cuando se utilizan cadáveres como espectáculo o se estetiza la violencia con el pretexto de acusarla. Estos proponentes obran siempre con miras a la institucionalidad en un proceso curioso en que domina, y se considera suficiente, la acción impune de épater les bourgeois, epatar la institucionalidad, como se diría en castellano. Como los niños maleducados que escupen pero sólo cuando la mamá los mira. Epatar y sólo epatar es entonces el otro polo de la involución de esta tradición euro-newyork-centrada: es suficiente epatar, escandalizar, hacer lo inverosímil, lo chocante, lo que hoy llaman, utilizando resignificaciones caché de términos antiguos, lo abyecto y lo obsceno. Ejemplos: comerse los propios excrementos -literalmente volverse comemierdas-, o empacarlos, dejar -aparentemente- morir un perro de hambre, exponer cadáveres plastinados, restregar en una pared la suciedad de un mendigo -con o sin permiso autónomo del “desechable social”-, dibujar o tallar vaginas devoradoras en los muros, teñirlas con sangre menstrual, empacar en una caja acrílica de orines un crucifijo,
James Joyce y la hemiplejia espiritual según el National Post de Dublín. Imagen de: http://arts.nationalpost.com/2010/06/16/ re-joyce-you-could-also-call-it-st-james-day/
Algo distinto tengo en mente cuando desde la antropología hablo de arte y de experiencia estética a través de las culturas. Stephen Dedalus, -el protagonista de la temprana novela de Joyce-, tuvo una experiencia estética a la orilla de un sucio río, y fue tan maravillosa que Joyce, el autor de la novela, no tuvo otra opción que llamarla epifanía. Epifanía es para los que, como Joyce, conocen bien el ritual católico, la manifestación esplendorosa, apabullante, del Jesús ante los Reyes Magos: un bebé de una pobre mujer judía nacido en un establo sucio de boñiga, y tal vez de otras cosas, es tratado como rey. Todo visto a otra luz, en este caso por creencia religiosa, no estética. Epifanía, según Joyce, era la manifestación esplendorosa, en contextos aun vulgares, “del alma de las cosas”, aun de las cosas más prosáicas y feas. Varios pensadores, entre ellos Barthes y Borges, han dicho que el arte genuino nos acerca a la significación genuina de las cosas por sí mismas, a su alma simbólica. Nos saca de lo ordinario y literal para mostrarlas a otra luz. Aunque el término no es original de Joyce en su aplicación al arte, desde su tiempo se hizo común en los medios críticos decir que el arte genera epifanías. Entonces, sin la referencia necesaria al eje del esteticismo y epatismo euronewyork-centrado que he criticado, se dan epifanías individuales y colectivas a lo largo y ancho del planeta, incluso donde y cuando menos lo piensan los dependientes de salones hegemónicos.
Detalle de la proa de una canoa del ritual Kula en Nueva Guinea actual. Imagen de: http://www.opticalillusion.net/optical-illusions/aestheticsand-preception-kula-trade-canoes/
Porque fuera de la institucionalidad hay puntos y momentos en que expertos o virtuosos en la tecnología del arte así entendido, encantan con sus obras y performances a otros -y a sí mismos-. Esos medios culturales rara vez necesitan de epatismos porque no están disminuidos por la hemiplejia espiritual joycena, como sí lo está nuestra sociedad mediatizada, la que tal vez sí necesita -al parecer, por lo visto- de revulsivos, es decir de epatismos cada vez más extremos. La operación estética, al decir de Borges, es como la acción maravillosa de los cuentos de las Mil y Una Noches a los que él quiso emular: distraen y conmueven. Una manera bella y simple de hablar de epifanías. *Hizo estudios posgraduados en Italia y Chicago. En esta ciudad obtuvo su título doctoral (PhD) en antropología. Es Profesor Titular de la Universidad del Valle en Cali, de donde se jubiló en 2006. Allí abrió cursos de sociología y antropología del arte para estudiantes de la universidad y artistas de la ciudad. Sigue vinculado a Univalle como asesor e investigador en la Facultad de Artes Integradas. Ha trabajado por décadas con los indígenas nasa de Tierradentro y ahora centra su atención en el arte prehispánico del Parque Arqueológico. En 1994 ganó el Premio Nacional de Antropología (Colcultura), en 1997 el Premio Nacional de Arte-Comunicación (Universidad del Valle), y en 2008 el Premio Nacional de Crítica (Mincultura, Universidad de los Andes). Email: eliasevilla@gmail.com
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Galerías Cortesía: LA Galería
BOGOTÁ Adriana Salazar: ‘Ejercicios de Desaparición’ LA Galería Septiembre 16 - Octubre 14
En esta muestra se trazan tres líneas problemáticas. La primera es la sustancia material inestable del objeto, que es confundida y comparada con la fisicalidad del sujeto; un ejemplo de esta confusión es la Sombrilla Rota: un objeto inútil y abandonado puede adquirir la expresividad de un cuerpo que sufre. La segunda, es la desaparición del sujeto como una presencia corporal diferenciada y única. Mediante esta línea, Salazar intenta acercarse a la falta de conciencia que se tiene sobre la subjetividad propia, debido a la estandardización. La tercera línea está basada en cómo el sujeto y el objeto son considerados iguales bajo la perspectiva del valor del intercambio comercial del capitalismo: en Monedas Borradas y Cincuenta Mil, el dinero se convierte en una metáfora de cómo su propia devaluación determina la naturaleza del sujeto.
Cortesía: Galería El Museo
Cortesía: Estuario Galería
BOGOTÁ Scott Betz: ‘New Experiments’ Estuario Galería Septiembre 16 Octubre 13
BOGOTÁ María Cristina Cortés: ‘Quebrantos’ Galería El Museo Septiembre 18 - Octubre 9 ‘Quebrantos’, cuenta con 28 piezas elaboradas en una técnica mixta. Esta mezcla de imágenes recortadas, impresas, o pintadas, produce como resultado una obra que intenta moverse entre la abstracción y la figuración, de tal forma que la obra final es el resultado de su propia interpretación del paisaje. Como ella misma lo afirma, su trabajo se ha basado en “una permanente búsqueda e interés en la naturaleza, que moviéndose entre los delgados límites que hay entre la figuración y la abstracción, ha creado un lenguaje personal y contemporáneo de representación de los diferentes elementos y símbolos que hacen parte del paisaje”.
Las múltiples instalaciones que Betz ha creado pretenden explorar la relación entre el dibujo estático y la referencia de la elaboración del video dinámico. El proceso transitorio entre lo virtual y lo real con un trazo y un planteamiento conceptual crítico, son las directrices que definen toda su obra, utilizando metáforas de la narrativa del miedo humano en el desafío y la supervivencia de nuestro mundo contemporáneo. Cortesía: Galería El Nogal.
Cortesía: Galería Christopher Paschall s. XX
Cortesía: atGallery.
BOGOTÁ Lorena Espitia y Sair García: ‘Arte Político Decorativo y Lógica Matemática’ Galeria Christopher Paschall s. XX Hasta septiembre 17
REG R AD
http: / /a rte.un infarte@ iandes.edu.co uniande carrera s.edu.co primera # 18A -7 telefax 0 (571) 3 conmuta 32 4450 dor (57 extensió 1) 3 39 n 2626 4 9 4 9 / especia lizacion / 99 es 2636 bogotá, colombia
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UNIVERSIDAD DE LOS ANDES - PERSONERÍA JURÍDICA: RES. No. 28 DEL 23 DE FEBRERO DE 1949, MINJUSTICIA
FA C U LT A
especializ
C R E A C IÓ
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N IV E R S
PRO G R A
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El proyecto ‘Exploraciones’ es un evento que intenta destacar el trabajo realizado por dos de los artistas residentes del taller durante el último año. En esta ocasión los artistas invitados; reúnen 22 piezas litográficas, trabajo en el cual pretenden considerar en varios aspectos: su desarrollo en el lenguaje gráfico de una técnica, de por sí exigente, y de esa búsqueda por nuevas rutas que abran senderos viables para una propuesta plástica enmarcada dentro de las exigencias contemporáneas, siempre llenas de innovación y sorpresa.
La muestra de Sair García se concentra en el error de la operación que desencadenó los falsos positivos en Colombia, enfocando su investigación en torno a la lógica matemática, siempre al servicio de la guerra, haciendo analogías entre las operaciones matemáticas y las operaciones militares. En contraposición, Espitia se pregunta por la posibilidad real de transformación política que una pieza artística puede provocar en la actualidad, cuando el mercado del arte es capaz de dar cabida y asimilar cualquier tipo de enunciado político, transformándolo en un producto sin aristas ni conflictos, listo para el consumo del público.
ID A D D
BOGOTÁ Juan Andrés Guillot y Felipe González: ‘Exploraciones 2010’ atGallery y el Taller de Obra Gráfica González-Cerón Hasta septiembre 24
BOGOTÁ Juan Cárdenas: ‘La Tradición, Fuente Contemporánea’ Galería El Nogal Hasta septiembre 16 Por: Ana María Lozano Juan Cárdenas explora un espacio en el cual, tensiona dos posibilidades de la representación. Por una parte, el receptor puede percibir una ejecución minuciosamente ilusionista, con datos de profundidad de campo, de distancias, de volúmenes, de convincentes descripciones de luces y de sombras; pero, al tiempo, de manera paradójica, debe reconocer la geometría, las líneas estructurales y así, hacerse consciente del artificio de lo pictórico, ante la evidencia de la planitud del lienzo mismo, de su superficie. (...) En sus paisajes y tapias, por ejemplo, la mirada del observador se extiende hacia el horizonte, recorriendo primeros planos, segundos planos, en la expectativa de perderse en un horizonte infinito, imprecisable (...). Territorios en los cuales los límites entre espacio rural y espacio urbano han ido desapareciendo. L o S m E j O r E s C u P c A k E s A r T i S t I c O s
Bogota, Colombia e - mail: cupcakedivas2010@gmail.com
ARTERIA. Ed 25 Cortesía: The Warehouse Art
Una propuesta de arte urbano que reúne la experiencia callejera de once artistas, que trabajan con la intervención del espacio, la instalación, y la memoria de ciudad. Este proyecto, que cuenta con la participación de un colectivo de artistas urbanos bajo la conceptualización y diseño de Orfanato Colectivo, le apuesta a la creación de nuevos lenguajes y expresiones de arte con el fin de crear nexos en el medio artístico global. CIUDAD DE MÉXICO Carlos Bonil: ‘Restos’ El 52 Hasta septiembre 26 Las esculturas de Bonil son ensamblajes fabricados con partes de tarros de plástico, ganchos, motores, cubiertos desechables y otros objetos de uso cotidiano que en el proceso adquieren una nueva dimensión y significación. Las esculturas resultantes de este proceso de reciclaje y de Cortesía: El 52. adaptación son representaciones figurativas y personajes del paisaje personal que él alimenta. Algunas piezas son máquinas artificiosas que generan por sí mismas movimiento y que utilizan principios de mecánica, física, química aproximando el ambiente de taller al de un laboratorio.
BOGOTÁ Ana Mercedes Hoyos, Catalina Ortiz, Lucas Ospina, Adriana Ramírez: ‘En la línea’ Galería Espacio Alterno de Uniandinos Hasta octubre 8
Cortesía: Galería Espacio Alterno.
Cortesía: Galería Mundo.
´En la línea´, se presenta como momento de reunión de cuatro artistas que la abordan desde dos áreas: I. En una relación cotidiana, la línea se familiariza con el dibujo como técnica, sirviendo como su elemento gráfico y por ende, protagónico. Al describir, es ella quien concreta, define y da cuerpo a una idea. II. En su naturaleza delimitadora la línea se refiere a todo; y de manera inconsciente es ella quien posibilita la representación. Las adhesiones espaciales, superficiales y volumétricas se hacen posibles en la sugerencia del contorno que da la línea, pero en sí, su existencia es irreal. La contradicción entre la representación de realidad y la irrealidad del elemento que la representa es un juego mental hacia la síntesis y la ilustración de lo intangible.
Cortesía: Galería Nueveochenta.
BOGOTÁ Nicolás Consuegra: ‘Pasado tiempo futuro’ Galería Nueveochenta Hasta septiembre 30 Interesado por ciertos aspectos visuales y arquitectónicos de las décadas de los 60s y 70s en Bogotá, Consuegra desarrolla su proyecto ‘Pasado tiempo futuro’. A partir de una fotografía de un interior doméstico tomada en Bogotá por el fotógrafo de origen alemán Paul Beer. Consuegra desarrolla un modelo tridimensional con el que pretende “construir” de nuevo la imagen. En este acto, el artista desarrolla un ambiente donde todos los elementos se perciben en blanco y negro. Vinculando la fotografía con la arquitectura, Consuegra manipula una serie de fotografías de interiores arquitectónicos tomadas por el fotógrafo colombiano Manuel H. Rodríguez y las modifica sutilmente para generar una serie de juegos visuales conocidos como “encuentre la diferencia”.
BOGOTÁ Nohemí Pérez: ‘Babilonia’ Alonso Garcés Galería Hasta septiembre 30 Por: Ma. Cristina Pignalosa Cortesía: Alonso Garcés Galería.
Esta exposición es el cierre del ciclo diez por 10 + uno, en el que once artistas realizaron una muestra individual de sus obras y revelaron el panorama actual del arte en Colombia, además de la diversidad de propuestas temáticas y técnicas que existen en el campo del arte. A través de su obra, Salas, pretende dejar sus Marcas del Sentimiento, materializadas en la técnica de construcción de sus pinturas, por capas, por sobre posiciones, en las que en cada uno de los fragmentos de sus lienzos se descubren las huellas de su ser, porque recrean intrínsecamente las inquietudes, las respuestas, las vivencias y los recuerdos del artista. Con Cartografía de la Nada el artista demuestra que nunca ha estado ausente, sino más presente que nunca.
BOGOTÁ Muestra colectiva: ‘Outsiders – exposición de arte urbano’ The Warehouse Art Septiembre 23 Octubre 17
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En su trabajo, dice la artista Nohemí Pérez, “empecé a sentir una necesidad de vuelco hacia afuera, a aproximarme a lo tridimensional”. Decidió entonces experimentar con el grafito, un material que se usa igual para dibujar, una de las técnicas que más ha utilizado. La muestra titulada ‘Babilonia’ se compone de 15 esculturas para pared en pequeño formato y una pieza de grandes dimensiones que incluye formas de 12 edificios ó una docena de nuevas ciudades, con un nuevo orden, que incitan a pensar según dice ella “en el poder inclinado, cansado o hasta pidiendo perdón”. Adicionalmente muestra tres esculturas talladas en carbón y una docena de dibujos sobre edificios emblemáticos del poder en el mundo. Cortesía: Arte Consultores
BOGOTÁ Daniela Mejía: ‘Naturalmente’ Arte Consultores Septiembre 23 - Octubre 14 Como si desafiaran el paso del tiempo, estas obras intentan capturar silenciosamente un momento de paz y tranquilidad en la naturaleza de la tierra. Los paisajes de Mejía pretenden inspirar serenidad, hacer que el espectador se detenga en el tiempo y simplemente, observe. Con 16 nuevas obras de pequeño y mediano formato hechas en óleo sobre lienzo, Mejía quiere percibir los elementos más fundamentales de la naturaleza y traducirlos con una técnica pausada sobre el lienzo, haciendo que la realidad de estos paisajes se encuentre con todas sus complejidades. MADRID - ESPAÑA Germán Gómez: ‘De Padres e Hijos’ Galería Fernando Pradilla Septiembre 15 Octubre 23
Cortesía: Galería Fernando Pradilla
BOGOTÁ Carlos Salas: ‘Cartografía de la nada’ Galería Mundo Hasta Noviembre
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‘De padres y de hijos’ quiere reflexionar sobre lo que fuimos, somos y seremos, sobre la vulnerabilidad e indefensión ante el paso del tiempo; señales sutiles de una transformación inexorable que va acumulando arrugas físicas y emocionales. La constatación de la experiencia, a veces desapercibida, del arribo lento e irremediable del declive. Con este nuevo proyecto Gómez presenta una serie de retratos, con los que pretende indagar en los resortes de la identidad a través de las relaciones filiales padre e hijo, intentando recomponer esa mirada siempre fragmentada y subjetiva de la compleja imagen fotografiada, remachada, perforada, dibujada, herida, suturada.
TRANSFIÉRENOS ENERGÍA Estamos solidificando un cubo de memoria, resultado del proceso de refrigeración del proyecto ´In-Situ´. Realizaremos un libro interactivo de artista que rompe los esquemas editoriales y tu energía es vital! Reserva desde ya el libro que congela la memoria del proyecto ´In-Situ´ y adquiere piezas de los artistas Juan Camilo Arango, Adriana Marmorek, Excusados y Luis CarlosTovar en un evento con mucha memoria. Sábado 25 de Septiembre a partir de la 1 pm. Desde las 9 pm y hasta las 2 am DJ FRESH Sótano Arteria: Carrera 5 # 14 - 85
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Museo de Arte Visuales - MAV
Una mirada
Artes Visuales Contribución efectiva para el obra y señalar la técnica empleada, si es pintura, escultura, dibujo, fotografía, instalación u otro. Debe así mismo hacer una presentación conceptual de lo que quiere transmitir con su obra y describir brevemente el marco teórico de su trabajo, mencionando si es arte tridimensional, video, instalación, video-arte o performancias.
Por: Ma. Cristina Pignalosa
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esde su fundación en noviembre de 2007, el Museo de Artes Visuales (MAV) de la Universidad Jorge Tadeo Lozano, ha buscado marcar una pauta en la divulgación y promoción de la plástica nacional e internacional, manteniendo como objetivo la proyección de jóvenes talentos, el acompañamiento a nuevas propuestas, el apoyo a reconocidos artistas y propiciar reflexiones en torno al arte y sus creadores. Realiza en promedio seis exposiciones temporales anualmente, inauguradas bimenstralmente, con una duración aproximada de 40 días y con espacios especiales reservados denominados ‘Franjas Estudiantiles’, dedicados a los profesores y alumnos de arte y diseño de dicho centro universitario. Cada exposición se acompaña de un catálogo ilustrado o un plegable; en algunas ocasiones se complementa con visitas guiadas y conferencias sobre el artista expositor del momento. Las exhibiciones se programan con dos años de anticipación, de acuerdo con el comité curatorial y evaluador, conformado por la crítica e investigadora de arte Ana María Escallón, quien además ejerce funciones como curadora, la nueva y recién nombrada directora del programa de arte, critica e historiadora de arte Carmen María Jaramillo, el diseñador Dicken Castro, el arquitecto Decano de diseño Alberto Saldarriaga, la directora del programa de diseño gráfico Pastora Correa y el abogado Juan Francisco Hernández. Anteriormente, desde sus inicios, estuvo vinculado al comité el historiador y crítico de arte Germán Rubiano Caballero, ahora retirado. Este comite es quien decide que proyectos y exhibiciones se muestran y marcan su rumbo, que según dice la directora del Museo Isabel Vernaza, está enfocado a ser “un centro de atención del arte, especializado en educación, formación y promoción de las artes, que impulsa el desarrollo artístico”. Hace parte del complejo cultural de la universidad que incluye el Auditorio Fabio Lozano; ambos bajo la dirección de Vernaza, quien dice “promueve la discusión sobre la cultura y las artes, de la misma manera que lo hace el auditorio con su programación musical”. Las bases El anterior director del programa de arte, miembro del comité y artista Víctor Laignelet, quien antes de su retiro de la Universidad dejó sentadas las bases del mencionado comité así: “El proyecto curatorial demanda de quien lo formula la producción de soportes: teóricos, conceptuales, reflexivos y visuales que se convierten en aportes pedagógicos a la academia. La figura de curaduría permite que los proyectos de exposición sean plurales, que no se manejen desde la noción de nombres sino de proyectos que formulados por un curador resultan importantes para los fines de la curaduría, la academia, el ámbito cultural y social. Las curadurías establecen compromisos con el arte contemporáneo o revisiones del orden histórico que son actualizadas a través del pensamiento contemporáneo”. Cualquier artista puede solicitar un espacio para la exhibición de su obra, pero por normas se les dará prioridad a alumnos, ex alumnos y profesores de la universidad. La solicitud debe cumplir con los siguientes criterios. Debe hacer una descripción técnica de su
Se requiere que incluya su propuesta para el montaje de la obra a exhibir, sus dimensiones y número de piezas. Deberá además mencionar que aporte académico hará, conferencias, talleres o visitas guiada y anexar un soporte visual de lo que va a exponer y su hoja de vida. Con los requisitos entregados debe esperar a que el comité evalúe su propuesta y responda. Espacio Físico El museo fue diseñado por el arquitecto Daniel Bermúdez, quien a su vez proyectó el edificio de postgrados y el auditorio de música de dicho centro académico. Está ubicado en la plaza principal de la universidad y tiene una dimensión de 36 metros de largo por 8 metros. de ancho y una altura de 4 metros, con un sistema especial de iluminación modular. Su interior es adaptable para muestras de pequeño, mediano y gran formato de pinturas, dibujos, fotografías, así como para esculturas y medios audiovisuales y la correcta exhibición de cartas, videos, documentos y objetos testimoniales. Tiene un depósito donde se guarda la colección con los cuidados necesarios y aunque no está climatizado, si tiene la temperatura requerida para almacenar debidamente obras de arte de todo tipo. Exposiciones realizadas El MAV abrió sus puertas con la exhibición de la donación hecha por el artista Manuel Hernández, compuesta por 160 dibujos y 80 libretas de apuntes y bocetos. Es una importante colección que resume su línea estética, pues cubre desde 1952, cuando incursionó en la figuración cubista, hasta su interés más reciente por la abstracción. “Hice esta donación porque me interesa la búsqueda del entendimiento del arte -dijo Hernándezen su momento. Es un proceso acertado el que persigue esta universidad, con diálogos abiertos y una escuela de arte que siempre va a la búsqueda de nuevos argumentos y posibilidades para el arte”. Las exhibiciones realizadas hasta la fecha han abarcado distintos temas y diversos intereses de reconocidos artistas como Gustavo Zalamea, Luis Luna, Ana Patricia Palacios, Dicken Castro, Pablo Solano, Claudia Hakim y Jaime Franco, entre otros, así como colectivas de arte y diseño de egresados y docentes de la carrera de Diseño gráfico y tecnología con una realización de audiovisuales y multimedia. Otras muestras destacables fueron la exposición de afiches del diseñador gráfico finlandés Pekka Loiri y la exhibición de la serie completa sobre la violencia del artista Fernando Botero. Un promedio entre 50 a 100 personas lo visitan diariamente y la asistencia sigue creciendo. La programación del MAV para los próximos años incluye exhibiciones de obras recientes de Nadín Ospina, la diseñadora Marta Granados, Santiago Cárdenas, Teresa Sánchez y Fotomuseo, entre otras propuestas aún en estudio. Prioridades y logros La prioridad del Museo no es comercial. Su directora dice “El MAV es un espacio para el arte que fortalece el proyecto institucional, los programas académicos, los proyectos extracurriculares y también se extiende a la ciudad para contribuir en la formación en el campo del arte y fomento de las sensibilidades”. Se ha propuesto ser un estímulo a la
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Actualidad de los Museos
al Museo de
smejor deentendimiento la Tadeo del arte creatividad y el talento y ha logrado, a pesar de su corto tiempo de vida, crear un público fiel. Adicionalmente ha logrado despertar curiosidad y entusiasmo entre la comunidad universitaria, que se ha irradiado fuera de los muros de la universidad, recuperando espacios del sector. Ha creado alianzas con museos nacionales y se propone continuar creando vínculos con museos del exterior para exhibiciones conjuntas.
Opiniones de expertos El historiador, investigador y crítico de arte Eduardo Serrano dice: “Los Museos son el complemento por excelencia de los campus universitarios puesto que su principal propósito es didáctico. Los museos universitarios son de diversa índole, pero un Museo como el de la Universidad Jorge Tadeo Lozano está dedicado primordialmente al estudio y deleite de obras de arte y complementa las funciones universitarias en cuanto se dedica a la transmisión, valorización y transferencia de conocimiento al servicio de la cultura. La Directora del MAMBo Gloria Zea dice: “Desde su apertura en Noviembre de 2007, el MAV ha realizado una serie de exposiciones que se han caracterizado por una profunda seriedad y una alta calidad artística, permitiendo que todo el público tenga acceso al trabajo de los excelentes artistas y diseñadores que han pasado por sus salas. Entre ellos están, Dicken Castro, Pablo Solano, Claudia Hakim, Luis Luna, Jaime Franco, Fernando Botero, Gustavo Zalamea, todos artistas del más alto nivel cuyos nombres hacen parte de la Historia del Arte Colombiano”. El escritor, comentarista cultural y editorialista Fernando Toledo dice: “Creo que es una de las mejores salas de exposiciones de la ciudad. Un espacio en realidad significativo y acogedor que se adapta de manera extraordinaria a grandes formatos o que permite exponer pequeños formatos con el aire que a veces necesita el arte. El edificio, además, a pesar del espacio limitado, fue diseñado como parte de un centro cultural excepcional que incluye una gran biblioteca, una librería, un café, un auditorio con todos sus anexos y la sala de exposiciones propiamente dicha. Un lugar que honra a Bogotá y que contribuye a mejorar el centro de la ciudad.” El semiólogo e investigador sobre cuidades, creador del proyecto ‘Ciudades Imaginadas’ y profesor de la Universidad Externado de Colombia Armando Silva dice: “Las instalaciones del MAV, son muy buenas; creo que puede mejorar en luces y en ambientación. Su funcionamiento y exhibiciones son cumplidas, pero podría estimular más participación de jóvenes artistas como programa, no ocasional y que se perfile como galería de arte por venir. Es muy importante para el medio universitario y para la ciudad, pero podría ser más impactante para la ciudad dada su ubicación central y de ser centro universitario. Pueden programarse eventos mas populares como cine, hacer debates teóricos de arte actual y atraer otros públicos distintos a los del arte, incluso eventos paralelos atractivos como graffiti o performances a medio día. Necesitaría que las exhibiciones que se han realizado logren sorprender un tanto más y que se convierta en un laboratorio de nuevas propuestas de arte público” La Directora del Museo Nacional de Colombia María Victoria de Robayo dice: “Creo que el MAV es un aporte importante a la vida cultural de la ciudad, ya que no hay suficientes espacios institucionales donde se pueda apreciar la vastísima producción de nuestros artistas. Desde su inicio ha ofrecido una programación de excelente calidad. Junto con la sala de música se configura en ese sector de la ciudad, un espacio de encuentro que permite a estudiantes y ciudadanos integrarse en torno a la oferta cultural.”
Cortesía: Museo de Artes Visuales de la Tadeo.
Algunos expositores El artista y Director del Instituto- Taller de Creación, Facultad de Artes, Universidad Nacional Gustavo Zalamea dice: “El MAV es un excelente espacio – cubo blanco moderno – para exponer obras y proyectos de los artistas. Su neutralidad permite al espectador un recorrido tranquilo y una contemplación centrada. Sus programas tienen interés y relevancia, y la curaduría de Ana María Escallón ha sido acertada, lo mismo que el apoyo en la producción del catálogo y del montaje de las exposiciones”. La artista Ana Patricia Palacios dice: ”Haber exhibido en el MAV para mi tuvo una gran significación, no sólo por el valor afectivo que la Universidad representa pues soy egresada en Artes, sino también por la importancia de este espacio, que permite desarrollar proyectos personales de envergadura. En mi exposición ‘La dulce e irremediable locura de la fatalidad’, teniendo en cuenta que era proyecto sobrio e intenso, fue un lugar perfecto por sus espacios neutrales, de gran altura y una excelente atmósfera; pues era un tema sensible en nuestra sociedad. Además pude mostrar las diferentes facetas que el proyecto requería en instalación, video, pintura y dibujo. El MAV a mi modo de ver, está perfectamente inscrito dentro de los parámetros establecidos de lo que es un buen lugar para exhibiciones y proyectos de arte contemporáneo, que llena cabalmente las expectativas, además es uno de los muy escasos lugares en Bogotá, donde se puede ver retrospectivas o las obras recientes de artistas de trayectoria”. El pintor Luis Luna dice: “Me parece que el Museo de la Tadeo cumple y muy bien la labor de enriquecer el medio plástico, cultural no solo del centro de la ciudad como del país. Las exposiciones que han habido se han caracterizado por una alta calidad no solo en la curaduría sino en el montaje y logística. Personalmente quedé muy satisfecho con mi exposición ‘Ciudades de la Noche Roja’, en agosto del 2008. El trabajo hombro a hombro con Ana María Escallón no solo iluminó aspectos de mi carrera que no había visto antes, como creó un ambiente mejor para reconocer las obras en un contexto rico, dinámico, ecléctico. El espacio que armó Daniel Bermúdez es excelente, la iluminación y las proporciones están pensadas en mostrar obras y destacarlas. La labor de difusión, reflexión, descubrimiento de obras importantes que no han tenido la suficiente difusión, así como las muestras de consagrados, hacen una programación ágil e inteligente”.
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Un Sueño
Museo de Arte del Tolima - MAT
en desarrollo
Por: Carlos Salas Cortesía: Museo de Artes del Tolima.
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ará dos años que emprendimos viaje en carro con Álvaro Medina y su esposa Doris a Ibagué. Fueron cuatro horas de ameno viaje plagado de anécdotas, historias y diálogos en una carretera que nos sumergía en un paisaje variable. Era pasar del frío bogotano a las cálidas regiones del Tolima. Nuestra meta era llegar a la inauguración de la exposición dedicada a Fernando Botero y su obra de la violencia. Estábamos invitados a dicho evento por el Museo del Tolima (MAT). Ya en 2006 había hecho ese mismo recorrido para montar una exposición de mi obra que tenía por título ‘El retorno’. Muy pocas veces he hecho este tipo de peregrinación. Admiro a John Berger quien aún ahora con más de ochenta años, recorre muchos kilómetros en su moto para ir a ver una obra que le interesa en cualquier lugar de Europa. Pero no es mi caso. Puede influir que no contamos en Colombia o en los países vecinos con obras o exposiciones que nos puedan atraer con la suficiente fuerza para hacer un largo viaje, como si ocurre en Europa. O tal vez que no he adquirido esa pasión tan característica en Berger o que no hemos entendido en Colombia que como él dice: “El arte sale de apuros mucho más rápido que la política”. Ver a Botero y especialmente sus obras dedicadas al tema de la violencia en Colombia en un marco diferente al que estamos acostumbrados con las salas de la Luis Ángel Arango o del Museo Nacional, tenía un atractivo especial. Por una parte recordé que la violencia de los últimos años en Colombia tuvo sus inicios en el Tolima. Por otra, poder contemplar las pinturas de Botero con otra mirada en compañía de un público diferente, menos radicalizado, más abierto y sin tantos prejuicios, me llenaba de entusiasmo. Vale la pena hacer aquí un paréntesis y recordar que las FARC nacieron en el Tolima y que el último pueblo en pacificarse en Colombia fue el de los Pijaos. Dicen que las mujeres Pijaos comían una hierba que no permitía que quedaran embarazadas de los españoles. Este aguerrido pueblo fue diezmado y no quedaron de ellos sino vestigios arqueológicos. Al llegar al Museo después de haber descansado una hora en el hotel quedé estupefacto ante el espectáculo de cientos de personas ansiosas por entrar a ver las pinturas expuestas. Como es de suponer antes de abrir el Museo al público se tenía preparado en la plaza de entrada un acto protocolario con políticos y personalidades de la región. A veces me pre-
gunto si no hace falta introducir en Bogotá un poco de formalidad a las inauguraciones que dignifiquen este tipo de acontecimientos. O, darles un carácter especial donde se incluya una preparación del público antes de enfrentarse a lo exhibido. En algunos museos importantes del mundo se están proponiendo inauguraciones donde se separa el acto social y se hace otro tipo de inauguración donde se introducen elementos para una mejor lectura y asimilación de la obra exhibida. Se sabe que el acto social es para rendir homenaje no sólo al artista si no también a los patrocinadores, pero ¿qué pasa con el público que debería tener un papel protagónico al ser quien abre el diálogo con la obra? La gestión del Museo con la exposición Botero logró obtener muy buenos recursos con los organismos municipales y departamentales y también con distintas empresas. Eso permitió hacer un muy buen catálogo, contar con todos los seguros, pagar el costo de la exposición y junto con la venta de entradas, 67.000 visitantes en los dos meses de la exposición, obtener utilidades que ayudaron a financiar posteriores proyectos. Recientemente un proyecto que se desarrolló durante meses en la Galería Mundo, ‘Diez por 10 + uno’, culminó con una gran exposición en el MAT. Para su inauguración viajaron Tamara Zukierbraum y Paola González -colaboradoras de la galería-. Me llamó mucho la atención el entusiasmo lleno de asombro de ellas cuando me relataron su experiencia del evento de inauguración. Me hablaron de una gran cantidad de público en la entrada del Museo esperando para la apertura de la muestra, mostrándome así que no era sólo Botero quien atraía multitudes, si no el Museo mismo. Cuando escucho hablar del MAT inmediatamente lo asocio con el artista Darío Ortiz. No podría escribir sobre el Museo sin refrescar mi memoria con tantas cosas que él me ha contado, por lo tanto decidí pasar por su taller. En varias ocasiones he visitado el taller de Ortiz. Está ubicado en una casa de un piso sin nada en particular en un barrio al norte de Bogotá. En su interior, en lo que vendría a ser el salón, se encuentra un lugar en donde habitan muchas historias. Un cuadro en preparación lo muestra a él semidesnudo con vestimentas de obispo y acompañado de jóvenes. “Es sobre la pedofilia” me dice con sarcasmo. Recuerdo una vez que encontré al Doctor Patarroyo con una sábana encima y un bastón posando como si fuese Hipócrates. Darío hace muchos años después de una
corta incursión en la abstracción descubrió un talento particular para la figuración que ha encontrado en el público admiradores y detractores. En el momento de mi visita se encontraba pintando con afán una serie de cuadros que llevará en pocos meses a China. Le comenté que me invitaron a escribir en ARTERIA acerca del Museo del Tolima. Darío es el alma del Museo y su memoria viva. Comenzó por relatarme cómo hace unos años alrededor de las siete de la noche vagabundeando por Ibagué se encontró frente a la Casa Mutis, pequeño centro cultural en el Barrio Belén, y sintió una especie de inspiración. Con paso veloz hizo el camino hasta la gobernación y de una manera mágica encontró todas las puertas abiertas hasta la oficina del gobernador. Sin titubear le propuso que se hiciera un museo de arte. “Estoy en junta decidiendo sobre la quiebra del departamento. ¿Cómo se le ocurre?” fue la respuesta del gobernador.
nes técnicas si no con la intención de recibir exposiciones internacionales.
Era abril de 2001 y no sólo el departamento del Tolima sino todo el país se hallaban sumidos en una crisis sin precedentes. Hablar de construir museos era inaudito. A pesar de la respuesta del gobernador, Darío expuso su idea con tranquilidad y siguiendo el hilo de esa curiosa noche llena de cosas inesperadas, el gobernador cambió de actitud. Inmediatamente pidió a sus asesores ponerse encima del tema. Así se dio inicio a uno de los proyectos más exitosos que se hayan realizado en Colombia en el campo de la cultura. Escuchando a Darío entendí que no es raro que los dos museos regionales más importantes de Colombia hayan surgido de la imaginación creativa de dos artistas. Esta pequeña historia me trajo el recuerdo de cómo mi ilusión de que un centro cultural diseñado por Rogelio Salmona se construyera en Pitalito, mi pueblo natal. Contando ya con el visto bueno de este genio de la arquitectura el proyecto se estrelló con la poca visión del alcalde del momento que no tuvo la iluminación que vivió esa noche de abril el gobernador del Tolima.
Desde la aparición del Museo Guggenhaim en Bilbao se considera a los museos generadores de desarrollo y de riqueza en las ciudades. Lo que ha ocurrido con el MAT es de otra naturaleza. A quien está dirigido el Museo originalmente es a los habitantes de Ibagué y a los tolimenses que habitan en Bogotá pero por la cercanía entre estas dos ciudades tienen la oportunidad de ir a Ibagué los fines de semana. A partir de ahí su interés está en ser un Museo regional que abarque lo que antes se llamaba el “Tolima Grande” y luego con la consecución de importantes exposiciones de las cuales está en proyecto una de dibujos de Francis Bacon, sea un Museo de atracción Nacional.
El diseño arquitectónico del MAT se decidió por concurso público organizado por la Sociedad Colombiana de Arquitectos, seccional Tolima. Ya que se decidió que un arquitecto de la región fuese el designado. José Roberto Buenaventura ganó el concurso de lo que originalmente era un proyecto ambicioso cuyo programa en el transcurso del diseño se fue reduciendo hasta hacerse factible. Se siguieron las recomendaciones de la Unesco en cuestiones como alturas de los espacios, iluminación, bodegaje y seguridad, no solo para lograr un Museo con todas las condicio-
Muchas veces las buenas decisiones se dan súbitamente, como por inspiración y no por el resultado de largos y costosos estudios. Hace unos días hablando con personas cercanas al tema del metro, me comentaron que el arquitecto español encargado de trazar el metro, en cuestión de minutos decidió el trazado de la primera línea del metro para Bogotá y que éste es considerado el más acertado de los que se han hecho hasta este momento. Algo similar le ocurrió a Darío al encontrarse frente a la Casa Mutis ya que la ubicación del Museo decidida en ese momento es claramente estratégica, tanto así que desde ahí se ha proyectado un plan urbanístico que estructurará la ciudad. Un eje cultural que unirá la Catedral, el Conservatorio, el Panóptico y el Museo a través de un sendero peatonal y un parque de esculturas.
No es coincidencia que el MAT se conozca por su sigla MAT y nos haga recordar el MET (Museo Metropolitano de Nueva York). En pequeña escala se ha querido que el MAT cuente con las mismas áreas de servicio que el MET. Margaret Bonilla dirige un entusiasta equipo en el cual cada área de trabajo cuenta con una persona encargada de tal forma que a la manera del MET no hay aspecto museístico que no se tenga en cuenta. Para finalizar esta breve reseña quiero resaltar que de su colección de más de 400 obras, la mitad fueron donadas por Darío Ortiz en un gesto de generosidad que me llena de asombro. Gracias a esto el MAT cuenta con una interesante colección de arte de comienzos del siglo XX. Al preguntarle a Darío sobre qué lo motivó, respondió: “Es una manera de impulsar a que surjan más artistas del Tolima, ya que considero que el arte es la mejor vacuna contra la violencia.”
ARTERIA. Ed 25
Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo - MBAC
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Actualidad de los Museos
…Un Recorrido Cortesía: Juan Bonilla.
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onstruir una reflexión en torno al Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo (MBAC), implica hablar del proyecto histórico, cultural y ambiental Quinta de San Pedro Alejandrino.
Emplazada en lo que otrora fuera en tiempos de la colonia un ingenio azucarero, la Quinta de San Pedro Alejandrino privilegia la convivencia de tres proyectos museales en un solo espacio: la Antigua Hacienda, morada de Simón Bolívar durante sus últimos días, el Museo Bolivariano de Arte Contemporáneo y el Jardín Botánico. A la Colección Histórica no me referiré por dos razones, una porque en términos identitarios es muy conocida y no exige presentación alguna y la otra porque guarda relación estrecha con la visión tradicional del concepto de Museo, de la cual no he venido a hablarles. Prefiero en cambio dar un salto hacia el Jardín Botánico. Fundado desde hace apenas unos cinco años, el Jardín alberga una colección que ha querido favorecer la presencia de algunos ecosistemas propios del Caribe colombiano, para promover su conservación entre el público que anualmente lo visita. Como artista inmerso en la temática ambiental, pienso que a este capítulo de la Quinta le augura un gran porvenir no sólo como atractivo para el público que queda fascinado ante su exuberancia, sino también porque constituye un pequeño y rico escenario que catapulta la oferta sostenible de la región norte de Colombia en el ámbito internacional. En los próximos años, el Jardín Botánico Quinta de San Pedro Alejandrino, aspira consolidar su colección, proceso que ha comenzado a articularse con algunas instituciones de carácter científico, además
de la empresa privada y el sector público, pero que depende de una gestión eficiente y estratégica que sea capaz de garantizarle real sostenibilidad, así como el desarrollo de una mirada que trascienda lo temático y sea acorde a las realidades y los imaginarios del paisaje cultural donde está inmerso. Una de esas miradas es precisamente la puesta en marcha de una estrategia curatorial desde el MBAC en cabeza de su Directora Zarita Abelló y de su curador Javier Mejía, quienes le han apostado a la idea de integrar arte, ecología y sociedad a través de algunos proyectos realizados durante los últimos años. ‘Hábitat’ (2006) es una de las primeras grandes apuestas que ratifica esta intensión, donde se comisiona a Piedad Casas para curar una muestra in situ que contó con la participación de los artistas Germán Botero, Teresa Sánchez, José Antonio Suárez, Marta Combariza, Olga Lucia Jordán y Carlos Chacín. En la misma ruta, durante el 2007 tendría lugar la exposición ‘Itinerarios’, que contó entre sus nombres con la participación especial del artista internacional Kcho, con dos obras de la serie ‘Archipiélago’, traídas especialmente a Colombia para la muestra. En el 2008, en el Altar de la Patria se gesta el proyecto ‘Casa Tomada’ de Rafael Gómezbarros y durante el 2009, el artista Miguel Ángel Rojas es comisionado por la institución, para desarrollar su proyecto ‘Pueblito 09’ que tendría como lugar de producción la zona arqueológica del mismo nombre, ubicada dentro del Parque Nacional Natural Tayrona. Cabe mencionar también el proyecto ‘Mito y Realidad’, curado por Alicia Crivé y Javier Mejía, quienes reunieron a un grupo de artistas de Colombia y Cuba, en una muestra que sería inaugurada en la Casa de Bolívar (la
Habana, Cuba) en octubre de 2008 y luego seguiría su itinerancia al Museo Bolivariano en Santa Marta durante el 2009. Actualmente en el marco de las celebraciones del Bicentenario, las salas del MBAC acogen la exposición ‘Horizontes’ curada por Ana María Lozano, quien intenta generar una reflexión en torno al concepto de Nación desde la mirada del paisaje, que no alude ya a una visión espontánea del territorio, sino a un proyecto político, social y cultural generado por toda una serie de tensiones, alimentadas desde su gestación en el siglo XIX. Esta visión de paisaje es develada cuando entran en diálogo obras disímiles tanto en sus contextos como en sus abordajes, como es el caso de una muestra de las ilustraciones de la Comisión Corográfica y tres fotografías de la serie ‘Campo Santo’ del artista bogotano Juan Fernando Herrán. Además de estos trabajos, la exposición contó con la participación de Miguel Ángel Rojas, Nadin Ospina, Edwin Jimeno, Eulalia de Valdenebro, Mario Opazo, Stephen Ferry, Rafael Ortiz, entre otros. Ahora bien, quise enunciar algunas de estos proyectos curatoriales, para hablar del camino que ha emprendido la Fundación Museo Bolivariano en los últimos años -con los retos que esto implica- hacia la consolidación de un escenario que alimente desde las artes visuales un cruce de miradas. Uno de estos retos es la internacionalización. La Trienal Internacional de Acuarela, liderada por la directora del museo Zarita Abelló y que en su 3ª Edición (2009) contó con la participación de 18 países, constituye hasta ahora la más esmerada iniciativa en ese sentido. Por otro lado, en el campo de las nuevas prácticas artísticas, el MBAC ha comisionado durante
Por: Oscar Leone
el 2009 a las artistas norteamericanas Lynne Hull y Andrea Sutton, para desarrollar algunos experiencias de tipo relacional, dentro del marco de dos proyectos curatoriales, ambos en proceso de ejecución. La venida de estas artistas, además de tener por objeto la producción de obra site specific, busca ayudar a fortalecer las prácticas artísticas locales, en especial la experiencia que se gestó con los ‘Laboratorios de Creación e Investigación’ del Ministerio de Cultura desde el 2005 a través del Colectivo Espacios Alternativos. No obstante, el reto de la internacionalización de cara a un proyecto de arte contemporáneo realmente ambicioso, implica hacer unos ajustes como mejorar los equipamientos y la infraestructura instalada, así como un mayor direccionamiento en los procesos de formación de públicos. En el caso de la infraestructura, al ser construido por etapas, siguiendo una lógica tal vez más espontánea que planificada, el Museo adolece de problemas en el diseño de sus espacios expositivos, así como de una estructura arquitectónica más bien laberíntica, que dificulta la conexión del guión museográfico, a través de las salas que albergan sus colecciones. En el caso de la colección, de carácter más moderno que contemporáneo, se evidencia un proyecto de adquisición acorde a los tiempos en los que fue fundado el Museo, más no al espíritu de estos tiempos que acoge la posibilidad de construir un gran archivo con proyectos efímeros y de proceso, así como documentos diversos, maquetas y video-registros. En ese sentido hay que resaltar que se han dado los primeros pasos, en especial con la adquisición de una donación de video arte del Banco Interamericano de Desarrollo (BID) y del acopio de documentación digital, a través de la plataforma web www.espaciosalternativos.org, la cual este año lanzó el Sistema de Información de Arte del Caribe.
Óscar Monsalve FOTOGRAFÍA
Arte y Retrato
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La Imagen y
sus Efectos
Geoimaginación El arte conlleva una categoría experiencial. La obra de Ethel Gilmour expuesta en el Museo de Arte Moderno de Medellín (MAMM) permite reconstruir un diario íntimo en donde la artista ofrece la iconografía de lo privado resuelto en sus objetos domésticos cargados de recuerdos, en la observación precisa sobre sus emociones, en la persistencia por las imágenes irrevocables de la política y en la singularidad poética con que vivió y comunicó la realidad. La obra de esta artista constituye un manifiesto sobre la invención de lo cotidiano1. Es Michel de Certeau quien contribuye a construir una teoría del consumo y una teoría de la vida cotidiana y, es en la pintura y en los objetos desarrollados por Ethel Gilmour en donde se evidencian las dimensiones de la cotidianidad: la dimensión pública, la dimensión doméstica, la dimensión familiar y la dimensión tecnológica… “todas ellas atravesadas por procesos de rutinización y de memoria sin los cuales la cotidianidad no tendría existencia”2.
En Medellín Por: Lucrecia Piedrahita
tigador es un creador altamente reflexivo, un observador que nunca pierde detalle de lo que le sucede a su interior y de lo que acontece en su exterior”4. Su obra propone desde las subjetividades y este es precisamente el espacio de las micropolíticas cuyo lema es: lo personal es lo político. Relaciones familiares, identidades locales, consciencia sobre su propia cotidianidad, son características presentes en la producción plástica de esta artista que levantó sus cartografías para identificar territorios en donde tuviera cabida un contramapa de la geopolítica a partir de las micropolíticas para llegar al tránsito de la imaginación, entendida esta última, en términos de Hannah Arendt, como la facultad de hacer presente aquello que está ausente. Tanto Arendt como Kant plantean una interpretación de la imaginación como facultad política, es decir, la imaginación es el puente entre la estética y la ética. (…) “la imaginación es la facultad de tener intuiciones sin la presencia del objeto”. Es “la condición de la memoria”. De ahí el concepto que acuño de la geoimaginación al referenciarla temporal y espacialmente para otorgarle sus múltiples sentidos y de materializarla como facultad que tiene de dar cuerpo a lo que está ausente. Por ello la geoimaginación es un aporte definitivo a la imagen en el arte de Ethel Gilmour cuya obra es una mirada al mundo mismo, un ensayo visual que recoge las locaciones de su intimidad.
Imagen: Nora Múnera. Cortesía: Museo de Arte Moderno de Medellín
Nora Elena Múnera nos ofrece la arquitectura como paisaje al fotografiar lugares amplios y desolados que adquieren espesor sensorial y perceptivo a través de la mirada. La casa se instala en un plano central y retorna de manera fantasmal para reconvertirse –visualmente- en una maqueta proyectual de lo real.
Taxonomía visual En la Sala de Arte de Suramericana se expone la 7ª Bienal. 21 Salón Colombiano de Fotografía 20105. En esta muestra, las obras de Camilo Restrepo, Andrés Sierra, Lina María Vélez y Nora Elena Múnera constituyen un ejercicio de taxonomía visual. En sus fotografías la obra de arte aparece como un pensamiento actual desde el proceso creativo del artista, desde el análisis formal de la obra y desde “las alternativas de atención”6, modos que involucran lo reflexivo, lo interpretativo, lo analítico y lo meramente visual.
Imagen: Ethel Gilmour. Cortesía: Museo de Arte Moderno de Medellín
La exposición ‘Flores para Ethel Gilmour. Homenaje’3, que se realiza como parte del proyecto de investigación del Grupo Estudios Culturales de la Universidad EAFIT titulado ‘La obra de Ethel Gilmour y sus públicos’ permite levantar un mapa de visualidades éticas. La producción de la artista está constituida de duelos por el dolor del –otro-, de irrupciones estéticas encontradas en los gestos mínimos de una señora de pueblo y su vida en medio de los paisajes rurales, en la poética inscrita en el objeto encontrado o recuperado, en sus recuerdos escritos en pintura para definir así la imagen como un escenario de reflexión, para hacer pensar visualmente al espectador y llevarlo a un ejercicio de opinión pública porque por entre su obra, Ethel Gilmour nos hace andar sobre imágenes acústicas, planimétricas, profundas, rotundas, enclavadas en la memoria colectiva y política de la historia reciente del país y así nunca pasar inadvertidos. Ethel Gilmour afirmó: “Matisse no puede pintar en ninguna parte de la tierra” y ella, la mujer que sólo pintó en el cielo, fue una investigadora minuciosa de las prácticas cotidianas. Parafraseando a Jesús Galindo, “El reto básico de la investigación es la creatividad, la capacidad de configurar posibilidades a partir de posibilidades… El inves-
Camilo Restrepo con su obra ‘Esto es una pipa’ se instala en la producción de significados para reabrir fronteras a la imagen que es en sí misma verosimilitud, engaño, ficción, modelo de maquetación y a su vez realidad objetivable escenificada en un fondo vacío para otorgarle validez documental y subrayar una mirada aguda a sus objetosretratos.
Imagen: Lina Ma. Vélez. Cortesía: Museo de Arte Moderno de Medellín
‘Dos Duelos’, de Lina María Vélez plantea una relación binaria entre maquetas y juegos de escala a través del manejo de la fotografía en segundo plano que remite a la memoria, a la temporalidad y a la ubicación en primer plano de maquetas para buscar soluciones visuales en la representación de los tiempos, en la simultaneidad que ofrece la cámara cinematográfica, en la mirada que se desplaza.
Imagen: Andrés Sierra. Cortesía: Museo de Arte Moderno de Medellín
Andrés Sierra Siegert presenta dos series. Un tríptico de narración polivalente en donde el retrato doble está presente en los fragmentos de un cuerpo que aparece en planos secuenciales y la presencia constante del retrato que se asocia al documento de identidad adherido a la pared que observa con desdén su propio cuerpo mutilado. El resultado es una –naturaleza muerta- cuya emergencia estética está cargada de potencia conceptual y formal. Así mismo presenta una orgía de retratos colectivos dibujados y desdibujados por la luz en donde ésta no redime la miseria contenida en la mirada de quienes son protagonistas de folios precarios que determinan su existencia. 1. Parafraseando la obra de Michel de Certeau. Michel de Certeau, Luce Girad y Pierre Mayol, La invención de lo cotidiano. En Relecturas de Michel de Certeau, Carmen Rico de Sotelo, coordinación e introducción. En La puesta en relato de lo cotidiano, Por Mónica Maronna – Rosario Sánchez Vilela. Universidad iberoamericana. Universidad Católica de Uruguay, Pontificia Universidad Javeriana – Instituto de Estudios Sociales y Culturales PENSAR. Universidad Iberoamericana, A.C. 2006 Págs. 9-126 2. La puesta en relato de lo cotidiano, Mónica Maronna – Rosario Sánchez Vilela. Universidad iberoamericana. Universidad Católica de Uruguay. Investigación, aún en curso, se desarrolla en el Programa de Investigación Medios y Vida Cotidiana, en la Universidad Católica de Uruguay. 2006 Págs. 9-126. En Relecturas de Michel de Certeau, Carmen Rico de Sotelo, coordinación e introducción. Universidad iberoamericana. Universidad Católica de Uruguay, Pontificia Universidad Javeriana – Instituto de Estudios Sociales y Culturales PENSAR. Universidad Iberoamericana, A.C. 2006 Págs. 9-126 3. La exposición ‘Flores para Ethel Gilmour. Homenaje’. 18 de agosto - 31 de octubre de 2010. Lugar: MAMM 4. [2]. Galindo, Jesús. Técnicas de investigación en sociedad, cultura y comunicación. Consejo Nacional para las Artes. Addison Wesley Logma. México, 1998. Pág. 11. 5. 7ª Bienal. 21 Salón Colombiano de Fotografía. Exposición del 3 al 28 de agosto. Sala Suramericana. Medellín 6. Ver Galindo, Jesús. Técnicas de investigación en sociedad, cultura y comunicación. Consejo Nacional para las Artes. Addison Wesley Logman. México, 1998.
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GUÍA NACIONAL BOGOTÁ ACADEMIA DE ARTES GUERRERO Calle 45 # 18 A - 25 Tel. (1) 6094792 - 6094795 Fax. (1) 2852627 artsguerrero@yahoo.com www.artesguerrero.edu.co ALONSO GARCÉS GALERÍA Carrera 5 # 26 - 92 Tel. (1) 3375827 - 3375832 agarces@cable.net.co www.alonsogarcesgaleria.com - Hasta septiembre 30. ‘Babilonia’: Nohemí Pérez. CENTRO COLOMBO AMERICANO Sede centro. Avenida 19 # 2 - 49 Tel. (1) 3447640 ext. 235 cblanco@colombobogota.edu.co www.colombobogota.edu.co - Octubre 1 - 14. ‘Volver allá’: Kamel Llián. CU4RTO NIVEL ARTE CONTEMPORÁNEO Calle 93B # 11A - 44 Of. 402 Tel. (1) 6355153 Fax. (1) 6355235 cu4rtonivel@cu4rtonivel.com ccultural@cu4rtonivel.com www.cu4rtonivel.com Conozca nuestra colección de arte contemporáneo en nuestro website. Adquiera el libro: ‘Cu4rto Nivel Arte Contemporáneo 2003–2007’ que contiene las imágenes y textos curatoriales de nuestras exposiciones. GALERÍA EL MUSEO Carrera 11 # 93A - 43 Tel. (1) 6107301 - 6107451 Fax. (1) 2570329 info@galeriaelmuseo.com www.galeriaelmuseo.com - Hasta octubre 9. ‘Quebrantos’: María Cristina Cortés. LA GALERÍA Calle 77 # 12 - 03 Tel. (1) 6009795 info@la-galeria.com.co www.la-galeria.com.co - Septiembre 16 - Octubre 14. ‘Ejercicios de Desaparición’: Adriana Salazar.
GALERÍA ESPACIO ALTERNO, UNIANDINOS Calle 92 # 16-11 Tel. (1) 6162211 Ext. 107, 135 asistentegaleria@uniandinos.org.co www.uniandinos.org.co -Hasta octubre 8. ‘En la línea’: Ana Mercedes Hoyos, Catalina Ortiz, Lucas Ospina, Adriana Ramírez. GALERÍA LA COMETA Carrera 10 # 94A-25 Telefax. (1) 6019494. Ext 113 Cel. (310) 3290990 galerialacometa@gmail.com www.galerialacometa.com - Desde septiembre 24. ‘Lux Feminae’: Luis Luna. Pinturas: Juan Jaramillo. LA PARED GALERÍA Carrera 13 # 93 - 40 piso 3 Nº 311 Tels. 2185382 / 6233208 / 6233241 laparedgaleria2@yahoo.com.mx Hasta noviembre 13. ‘Arte para coleccionistas’. Pinturas: Santiago Cárdenas, David Manzur, Édgar Correal, Carlos Rojas, Ana Mercedes Hoyos. Dibujos: Manuel Hernández y Darío Morales. Esculturas: Nadín Ospina, Hugo Zapata, Edgar Negret y Beatriz Echeverri. MONTEALEGRE GALERÍA DE ARTE E.U Carrera 17A # 100 - 15 Tel. (1) 6917007 Fax. (1) 6917006 montealegregaleriadearte@yahoo.com www.montealegregaleriadearte.com.co -Hasta octubre 16. ‘Reflexiones filosófico - estéticas en arte contemporáneo’: Wilson J. Bernal. GALERÍA MUNDO Carrera 5 # 26A - 19 Torres del Parque Tel. (1) 2322408 - 2322467 revistamundo@hotmail.com – galeriamundo@gmail.com www.galeria-mundo.com Septiembre 20 – Octubre 19. ‘Diez por 10 + uno’. Nohemí Perez, Ivan Rickenmann, Carolina Convers, Claudia Hakim, Eduard Moreno, Leydi Chavez y Fernando Pareja, Gonzalo Fuenmayor, Eva Celín, Germán Botero, Darío Ortiz y Carlos Salas.
MUSEO DE ARTE MODERNO DE BOGOTÁ - MAMBO Calle 24 No. 6-00 Tel. (1) 2860466 www.mambogota.com Hasta octubre 10. ‘Sonare. Arte Sonoro’. Sebastian Bejarano, Ricardo Arias, Pilar Torres, Mauricio Bejarano, Leonel Vásquez, Juan Suanca, Juan Reyes, Jaicy A. Díaz B, Héctor Rojas, Hamilton Mestizo, Gustavo Zalamea, Fabián Cano, Esteban Sánchez, Beatriz Eugenia Díaz, Andrés Ñañez.
MEDELLÍN CENTRO COLOMBO AMERICANO Carrera 45 (El Palo) No. 53-24 Tel. (4) 513 4444 gallery@colomboworld.com comunicacolombo@colomboworld.com www.colomboworld.com - Hasta septiembre 30. ‘Meridiano (Long Oeste 66° 50´54´´)’: Alejandro Jaramillo. SANTA MARTA
SALA DE EXPOSICIONES ASAB Carrera 13 # 14 – 69 piso dos Tel. (1) 2821645 saladexposiciones.asab@gmail.com - Septiembre 9 - 30. ‘Salón Interuniversitario ASAB 2010’: Decxy Yurany Andrade, Alejandra Castañeda, Andrés Balamba y Camilo Colmenares, Felipe Barreiro, Camilo Cuervo, Colectivo Copieyreproduzca, Milton Figueredo, Luisa López, Diana Quintana, Jairo Ruiz, Marcela Varela, Esteban Ocampo. GALERÍA SEXTANTE Carrera 14 # 75 - 29 Tel. (1) 2494755 sextante@artedos.com, luisangelparra@artedos.com Desde septiembre 2. ‘Pinturas o Paisajes’: Antonio Samudio. CALI CENTRO CULTURAL COMFANDI Calle 8 # 6 - 23. Tel. (2) 3340000, ext. 1302, 1303 Fax. (2) 3340000, ext. 1326 centro_cultural@comfandi.com.co www.comfandi.com.co Desde septiembre 16 – hasta octubre. 29 ‘Los días que nos quedan’: César García - Coco LUGAR A DUDAS Calle 15 N # 8 N - 41 Tel. (2) 6882335 Cel. (310) 3970010 lugaradudas@lugaradudas.org -Hasta septiembre 29. ’De piedra en piedra’: Adriana García Galán.
MUSEO BOLIVARIANO DE ARTE CONTEMPORÁNEO Galería Espacio Abierto-Sala Hernando Del Villar y Sala Alejandro Obregón Tels. (5) 4332994 - 4331021 Fax. (5) 4332994 curaduría@museobolivariano.org.co prensalab@espaciosalternativos.org www.museobolivariano.org.co Hasta octubre 10. ‘Horizontes, una visión del paisaje y la nación en el Bicentenario de la Independencia’: Colectivo de artistas integrado por: Alberto Urdaneta, Carmelo Fernandez, Henry Price y Manuel María Paz, Andrés Buitrago, Andrés García La Rota, Carlos Uribe, Cristo Hoyos, Edwin Jimeno, Eulália de Valdenebro, Guadalupe Ruiz, Juan Fernando Herrán, Mario Opazo, Marta Combariza, Miguel Ángel Rojas, Nadín Ospina, Óscar Leone, Rafael Ortiz, Sergio Trujillo Magnenat y Stephen Ferry. Curaduría: Ana María Lozano OTROS PAÍSES MADRID – ESPAÑA GALERÍA FERNANDO PRADILLA C/. Claudio Coello 20. Madrid, 28001 Tel. 34 (91) 5754804 Fax. 34 (91) 5776907 gfp@galeriafernandopradilla.es www.galeriafernandopradilla.com Desde Septiembre 15. ‘(in)visibilidad y (des)control: Varios artistas. Hasta octubre .23. ‘De Padres e Hijos’. Germán Gómez.
Colección de Arte ARTERIA - Entrega # 14 Humberto Junca Casas ‘Escribir es dibujar’, 2010 Cuando comencé a escribir de niño, mis letras eran puros garabatos. No tenían cara de letra. No se podían leer. Pero eran dibujos. Trazos hechos a mano. Líneas que indicaban un recorrido con un principio y un fin. Huellas de mi presencia, de una acción y de una intención. Algunas letras del alfabeto que empleamos provienen de Sumeria y tienen su origen en dibujos simplificados de elementos básicos dentro de aquella antigua cultura. La letra “A”, por ejemplo, representa la cabeza de un buey. Si usted le da la vuelta a la letra “A”, si la pone “patas arriba”, comprueba fácilmente que parece una cabeza con cuernos. Aunque en occidente lo hemos olvidado, el origen de la letra es el dibujo. Teniendo o no en cuenta ese brinco que llevó a la letra del ícono al símbolo, lo que está claro es que cuando uno escribe dibuja. Dibuja ideas, sensaciones, épocas, ilusiones, objetos, personas, ciudades, acciones, pensamientos concatenados con otros pensamientos, rutas, caminos, posibilidades para ver, para percibir el mundo: lo que somos y lo que hacemos. Sí. Escribir es dibujar. La obra que ofrece hoy el periódico ARTERIA a sus lectores será firmada y numerada por el artista a todo aquel que la envíe a las oficinas de Arteria (Carrera 5 # 14 - 85, Bogotá - Colombia) no más tarde del 30 de Octubre. El impreso deberá estar debidamente empacado en un sobre con el nombre, teléfono y dirección del interesado. Las obras se regresarán seis semanas después por correo y el importe deberá ser pagado por el destinatario contra entrega.
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Septiembre - Octubre 2010
Sábado Octubre 23. 8:30pm
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la feria de Arte de Bogotá ArtBo 2010
Cuarto trimestre de 2010
Formación Artística en Dos Dimensiones: Talleres y Seminarios para Bogotá Proyecto Ganador de los Apoyos Concertados 2010 Fundación Gilberto Alzate Avendaño, entidad adscrita a la Secretaría de Cultura de Bogotá