Mundo del Arte
revista mensual para afisionados al arte
Maestros del Arte Universal
Da Vinci Buonarroti VelĂĄzquez Picasso Van Gogh Rodin
AĂąo 4, No. 23, Septiembre 2010
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INDICE
SUS VIDAS
Leonardo da Vinci . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 6 Leonardo di ser Piero da Vinci . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 6
Miguel Angel . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 8 Michelangelo Buonarroti. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 8
Velázquez. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 10 Diego Rodríguez de Silva Velázquez . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 10
Rodin, Auguste Francois . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 12 Nacionalidad: Francia. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 12
SUS OBRAS La Gioconda. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 15 Leonardo da Vinci. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 15
Creación de Adán, 1510. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 16 Miguel Angel . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 16
Las Meninas. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 17 Velázquez . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 17
Habitación de Vincent en Arlés, (1889). . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 18 Autor: Van Gogh . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 18
Guernica . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 19 Autor: Pablo Picasso. . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . . 19
SUS VIDAS
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Sforza, Duque de Milán; había marchado a Milán como embajador
Leonardo da Vinci
de Florencia, dentro del plan de los Medici de difusión del arte
Leonardo di ser Piero da Vinci
florentino como motivo de prestigio e instrumento de propaganda cultural. En Milán estuvo durante 17 años, trabajando en variados
Nacionalidad: Italia
proyectos de todo tipo, tanto artísticos como científicos, en los
Vinci (1452) - Cloux (1519)
que el deseo de experimentar era su principal objetivo. Esto no
Estilo: Renacimiento Italiano , Cinquecento.
le impedía realizar encargos ocasionales para Florencia, que frecuentemente dejaba inacabados.
Leonardo da Vinci es uno de los grandes genios del Renacimiento,
Tras la invasión de Milán por las tropas francesas, regresa a
destacando como artista, inventor y descubridor. Nació en 1452
Florencia para trabajar como ingeniero militar. Por estos años
en Vinci, siendo hijo ilegítimo de un notario florentino. Se crió en
realizó múltiples disecciones, mejorando y perfeccionando su
Florencia y aprendió en el taller de Verrocchio; con seguridad,
conocimiento de la anatomía. En Florencia recibió el encargo de
Leonardo está en el taller de Verrocchio en 1476, como confirma
decorar una sala de la Cámara del Consejo, que nunca acabó.
una denuncia en la que se le acusaba de homosexualidad. Con
En 1506 regresó a Milán y al año siguiente entró al servicio de
20 años ya es maestro independiente, interesándose mucho por
Luis XIII de Francia, para quien trabajó como pintor e ingeniero.
descubrir nuevas técnicas para trabajar al óleo. Sin embargo, continuó ligado al taller de Verrocchio hasta prácticamente
Entre 1513 y 1516 está en Roma, pero consciente de que
su marcha de Florencia. Su reputación crecía y los encargos
no puede competir con Miguel Ángel acepta la invitación de
aumentaban.
Francisco I de Francia y se traslada allí, falleciendo en el castillo de Cloux, cerca de Amboise, en 1519. Su producción estuvo
En 1482 se traslada a Milán, ofreciendo sus servicios a Ludovico
marcada por el interés hacia el claroscuro y el sfumato, la técnica con la que difumina los contornos, consiguiendo una excelente sensación atmosférica como se aprecia en su obra más famosa, la Gioconda. Su faceta como dibujante también es destacable, conservándose una gran cantidad de apuntes. Al final de su vida sufrió una parálisis en el brazo derecho que le impedía pintar, pero no continuar dibujando y enseñando. Poco se recuerda de los alumnos de Leonardo, cuya maestría se impuso con diferencia a la de aquéllos que trabajaron con él. Entre sus colaboradores destacan los nombres de Francesco Melzi, Boltraffio, Lorenzo de Credi, Ambrogio y Evangelista de Predis, etc. Leonardo representó una ruptura con los modelos universales establecidos durante el Quattrocento. Se opuso al concepto de “belleza” ideal, defendiendo la imitación de la naturaleza con fidelidad, sin tratar de mejorarla. Y así contempla la fealdad y lo grotesco, como en sus dibujos de personajes deformes y cómicos, considerados las primeras caricaturas de la historia del arte. Su dominio del color y la atmósfera le hace también el primero en ser capaz de pintar el aire. La perspectiva aérea o atmosférica, como hoy se conoce, es una característica inconfundible de su obra, en especial de los paisajes. Leonardo fue el primero en considerar que la distancia
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se llenaba con aire y que éste hacía que los objetos lejanos
El proyecto, inacabado, que Leonardo realizó para un “Tratado
perdiesen nitidez y se viesen azulados.
de la Pintura”, fue recogido por Francesco de Melzi. El joven no lo ordenó ni lo supo conservar para su publicación. Al cabo de
Vivió en una época en la que el humanismo y el estudio de los
los años se consiguió una edición provisional, desordenada, sin
clásicos estaban de plena vigencia; sin embargo, parece que
coherencia, pero que progresivamente se trató de completar para
tuvo dificultades intentando aprender latín y griego, los idiomas
dar una orientación general de las ideas de Leonardo acerca
cultos y la llave de acceso a la cultura filosófica neoplatónica que
de la pintura, la arquitectura, el cuerpo humano, la botánica...
dominaba Italia y parte de Europa. Leonardo escribió la mayor
todos los temas, en fin, que ocuparon su mente a lo largo de su
parte de sus escritos en toscano, un dialecto florentino. Pero
vida. El artista que tal vez se mostró más influido por la obra de
escribía al revés, como visto por un espejo. La obra pictórica de
Leonardo fue Durero; al igual que el maestro italiano, Durero trató
Leonardo es muy escasa y discutida. El signo del artista fue el
de demostrar el carácter científico de la pintura.
abandono sistemático de los proyectos que se le encargaban, por muchas medidas que tomaran los clientes mediante contratos,
También supo apreciar el interés de Leonardo por las
cláusulas, etc.
proporciones del cuerpo humano, del caballo y de la arquitectura. Como Leonardo, Durero proyectó un Tratado sobre pintura y
Él mismo no se definía como pintor, sino como ingeniero y
sobre proporciones que, igualmente, no llegó a publicar. Ambos
arquitecto, incluso como escultor. Sin embargo su prestigio en
artistas, cada uno en su país, dieron un vuelco a la pintura tal
vida alcanzó dimensiones prácticamente desconocidas. En
como se empezaba a delimitar tras la eclosión del Renacimiento
Roma fue alojado en el palacio del Belvedere, la residencia de
y la dotaron de un aire de modernidad que se mantuvo vigente
verano del Papa. El rey de Francia le invitó al final de su vida y
hasta el arte contemporáneo.
trató de acaparar sus escasas obras. Isabella d’Este, una de las mujeres más importantes de su época, le persiguió durante años para conseguir que terminara su retrato, del que sólo ha quedado un dibujo en muy mal estado. Tras su muerte, Leonardo se ha convertido en el paradigma de “hombre del Renacimiento”, dedicado a múltiples investigaciones científicas y artísticas. Sus obras han determinado la evolución del arte en los siglos posteriores, independientemente de que se trate de obras realmente del maestro o simples imitaciones o colaboraciones. Su vida personal es en gran parte un misterio; apenas han llegado indicaciones acerca de sus costumbres, gustos o defectos. Se sabe que era estrictamente vegetariano, por sus cartas y escritos sobre anatomía, en los que llama a los omnívoros “devoradores de cadáveres”. También parece bastante probado que Leonardo era homosexual, sufrió persecución por este hecho y estuvo a punto de enfrentarse a la Inquisición. Sus protectores consiguieron siempre que eludiera el juicio público, que en otros casos terminaba con la quema en la hoguera de los supuestamente culpables. En cualquier caso, Leonardo permaneció soltero y sin hijos. Tampoco sus discípulos parecen haber recogido la herencia del maestro, al menos en el terreno pictórico. La obra de los que trabajaron con él es prácticamente desconocida y de escasa calidad. 7
SUS VIDAS
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Miguel Angel Michelangelo Buonarroti
Nacionalidad: Italia
Caprese (1475) - Roma (1564)
Estilo: Renacimiento Italiano , Cinquecento
Miguel Ángel es el artista con mayúsculas; pintor, escultor y
arquitecto, su personalidad es tan fuerte que define los cánones del genio. Michelangelo Buonarroti nació en Caprese, cerca de Arezzo, el 6 de marzo del año 1475. Pertenecía a una familia acomodada - su padre Lodovico di Leonardo di Bounarroto Simone era “podestá” de Florencia en esa localidad - que se trasladó a la capital de Toscana a las pocas semanas de nacer el pequeño. La madre, Francesca di Neri di Miniato del Sera, confió la alimentación del pequeño a una nodriza, hija y mujer de canteros, dato que será considerado por el artista como fundamental para su formación. Cuando Miguel Ángel tiene seis años fallece su madre; en esos momentos conoce al pintor Francesco Granicci, un mozo de 12 años que le anima a pintar, lo que no será del agrado de Lodovico Buonarroto. Tras algunos años de “lucha” entre padre e hijo, Lodovico da su brazo a torcer - él deseaba que su pequeño realizara una carrera administrativa o comercial más satisfactoria que la pintura - y Miguel Ángel ingresa con trece años en la “bottega”, el estudio, de Domenico Ghirlandaio con quien aprendería las técnicas del fresco y desarrollaría su extraordinaria capacidad como dibujante. Tras una corta estancia en la “bottega” - que parece abandonar por discrepancias con su maestro - inicia estudios de escultura en el Jardín de los Médici, bajo el patronazgo de Lorenzo “Il Magnifico” y la dirección artística del donatelliano Bertoldo di Giovanni. Estos años serán de gran felicidad para el joven ya que es acogido como hijo adoptivo por el Magnífico en el palacio Médici, donde vivía con los más destacados miembros del humanismo: Poliziano, Marsilio Ficino, Pico della Mirandola. Sus primeros trabajos escultóricos se realizan en estos años bajo la protección de los Médici. La caída de la familia gobernante de la ciudad, a la que contribuyó decididamente la actuación del clérigo Girolamo Savonarola, provocó la huida del joven artista, primero hacia Venecia y después a Bolonia, donde estudió las obras de Jacopo
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della Quercia. En el invierno de 1495-1496 regresa a Florencia, donde trabaja para Pierfrancesco de Médici, también simpatizante del gobierno popular dirigido por Savonarola al igual que Miguel Ángel. En estos años juveniles manifiesta ya una profunda admiración hacia la anatomía que le llevará a acudir casi todas las noches al depósito municipal de cadáveres para practicar disecciones que le permitieran conocer mejor la estructura interna del cuerpo humano. En sus obras escultóricas de estos momentos - especialmente la Centauromaquia - muestra un dominio del movimiento y de la anatomía que no había sido conseguido por Donatello. En el mes de julio de 1496 se traslada a Roma por primera vez. En la Ciudad de los Papas recibirá el encargo de su famosa Pietà del Vaticano, mostrando su manera de trabajar en un Baco y un Cupido esculpidos para el banquero Jacopo Galli. De regreso a Florencia realizó el David y la decoración de la Sala del Consejo del Palazzo della Signoria, siendo el encargado de elaborar la Batalla de Cascina que compitiera con la Batalla de Anghiari encargada a Leonardo. En el boceto demuestra una vez más su obsesión por el desnudo, que será modelo de un buen número de artistas jóvenes por aquellas fechas. Ambas obras han desaparecido por desgracia. En 1505 el poderoso papa Julio II reclama a Miguel Ángel que regrese a Roma ya que le va a encargar una tumba con cuarenta figuras, digna de tan elevado personaje. Pero el magno proyecto se vio reducido a la realización del Moisés y los Esclavos. Los caracteres del Papa y del artista eran tan diferentes que los enfrentamientos, a pesar de la mutua y profunda admiración que se manifestaban, no tardaron en aparecer. El propio Miguel Ángel denominará a ese encargo la “Tragedia del Sepulcro”. Será el mismo Julio II quien también le encargue su obra maestra: el techo de la Capilla Sixtina, a cuya decoración dedicará cuatro años, entre 1508 y 1512. El trabajo fue agotador ya que no contaba con ningún ayudante y puso de manifiesto el fuerte carácter del maestro agravado por su insatisfacción característica, la escasez de honorarios y las numerosas demandas de ayuda que recibe de su familia, especialmente de su hermano Buonarroto. Es significativo el texto de una carta que escribe a su padre en enero de 1509: “Hace un año que no recibo un céntimo del papa y no lo pido 9
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porque mi trabajo no va adelante como creo que merece. Esta
Colonna, mujer de místico temperamento que llevará a Miguel
es la dificultad del trabajo y el no ser mi profesión. Pierdo tiempo
Ángel a expresar en sus obras y escritos una dolorosa fe,
sin provecho.
manifestando un ineludible deseo de penitencia. La fama del maestro alcanzó elevadas cotas en los últimos años de su vida,
Dios me asista”. En una nueva carta se reafirma en sus opiniones
siendo nombrado “jefe” de la Academia de Dibujo de Florencia.
al manifestar: “Sigo aquí disgustado y no muy sano, con gran
Vasari, en sus famosas “Vidas”, y Ascanio Condivi, con su
trabajo, sin gobierno y sin dineros”. Tras el fallecimiento de Julio
biografía, le encumbrarán.
II en 1513, sus herederos reducen el proyecto de sepulcro, lo que supondrá un importante varapalo para el maestro. Los viajes
El artista de la “terribilità”, que definiría el último Cinquecento,
son continuos y tienen como punto de destino Carrara, donde se
fallecía en Roma el 18 de febrero de 1564 a la edad de 89 años.
sentía tranquilo y sosegado junto a la familia con la que se crió.
Su sobrino Leonardo llevará en secreto el cadáver del genio
El papa León X le encarga la decoración de la fachada de san
hasta Florencia en el mes de marzo, celebrándose solemnes
Lorenzo en Florencia - obra que quedará inconclusa -, realizando
funerales por su alma en la iglesia de San Lorenzo, antes de ser
también los planos de la Biblioteca Laurentina y las Capillas
enterrado en Santa Croce. La ajetreada vida de Miguel Ángel fue
Mediceas, donde se alojarían las tumbas de Giuliano y Lorenzo
llevada a la novela por Irving Stone en “El tormento y el éxtasis”
de Médici con las famosas estatuas de la Aurora y el Crepúsculo
sirviendo de base a una película con el mismo título.
y la Noche y el Día. Estos años trabajará para el gobierno de la República de
Velázquez
Florencia como ingeniero militar, siendo nombrado en 1529 “gobernador general de las fortificaciones” y trasladándose a
Diego Rodríguez de Silva Velázquez
Pisa, Livorno y Ferrara para comprobar el estado de sus murallas.
Nacionalidad: España
En 1534 Miguel Ángel se instala definitivamente en Roma, donde
Sevilla (1599) - Madrid (1660)
realizará el Juicio Final, en la Capilla Sixtina, por encargo del
Estilo: Barroco Español
papa Paulo III, quien le nombra pintor, escultor y arquitecto del Vaticano. En el Juicio Final, Miguel Ángel exhibirá su admiración hacia la anatomía que le llevará a desnudar al propio Cristo, anticipando con sus figuras el Barroco. Pero la reacción moral no se hizo esperar y ya en vida del maestro se empezaron a tapar los cuerpos, siendo Volterra uno de los encargados. Los pleitos con los herederos de Julio II para la ejecución de la tumba se suceden llegando a situaciones límite de las que salió airoso gracias a la ayuda del papa. Llevará a cabo los frescos de la Capilla Paolina inmediatamente después de acabar con el Juicio, una vez resueltos sus problemas con los herederos de Julio II, consintiendo éstos en la renuncia del maestro a la ejecución de los trabajos y admitiendo la colocación del Moisés en el nuevo proyecto. Desde 1546 Miguel Ángel se dedica especialmente a la arquitectura; tras fallecer Antonio da Sangallo asume la dirección de las obras de la basílica de San Pedro del Vaticano, compaginando los trabajos con el diseño de la escalinata del Capitolio y el Palacio de los Conservadores. En estos años mantendrá una encendida amistad con la poetisa Vittoria
SUS VIDAS
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Diego Rodríguez de Silva y Velázquez, pintor barroco español,
retratos de caza. Su pintura se hace más colorista destacando
nació en Sevilla en 1599. A los once años inicia su aprendizaje
sus excelentes retratos, el de Martínez Montañés o La Dama del
en el taller de Francisco Pacheco donde permanecerá hasta
Abanico, obras mitológicas como La Venus del Espejo o escenas
1617, cuando ya es pintor independiente. Al año siguiente, con
religiosas como el Cristo Crucificado. Paralelamente a la carrera
19 años, se casa con Juana Pacheco, hija de su maestro, hecho
de pintor, Velázquez desarrollará una importante labor como
habitual en aquella época, con quien tendrá dos hijas. Entre 1617
cortesano, obteniendo varios cargos: Ayudante de Cámara y
y 1623 se desarrolla la etapa sevillana, caracterizada por el estilo
Aposentador Mayor de Palacio.
tenebrista, influenciado por Caravaggio, destacando como obras
Esta carrera cortesana le restará tiempo a su faceta de pintor, lo
El Aguador de Sevilla o La Adoración de los Magos. Durante
que motiva que su producción artística sea, desgraciadamente,
estos primeros años obtiene bastante éxito con su pintura, lo que
más limitada. En 1649 hace su segundo viaje a Italia, donde
le permite adquirir dos casas destinadas a alquiler.
demuestra sus excelentes cualidades pictóricas, triunfando ante
En 1623 se traslada a Madrid donde obtiene el título de Pintor
el papa Inocencio X, al que hace un excelente retrato, y toda
del Rey Felipe IV, gran amante de la pintura. A partir de ese
la Corte romana. Regresa en 1651 a Madrid con obras de arte
momento, empieza su ascenso en la Corte española, realizando
compradas para Felipe IV.
interesantes retratos del rey y su famoso cuadro Los Borrachos.
Estos últimos años de la vida del pintor estarán marcados por su
Tras ponerse en contacto con Peter Paul Rubens, durante
obsesión de conseguir el hábito de la Orden de Santiago, que
la estancia de éste en Madrid, en 1629 viaja a Italia, donde
suponía el ennoblecimiento de su familia, por lo que pinta muy
realizará su segundo aprendizaje al estudiar las obras de Tiziano,
poco, destacando Las Hilanderas y Las Meninas. La famosa cruz
Tintoretto, Miguel Ángel, Rafael y Leonardo.
que exhibe en este cuadro la obtendrá en 1659. Tras participar
En Italia pinta La Fragua de Vulcano y La Túnica de José,
en la organización de la entrega de la infanta María Teresa
regresando a Madrid dos años después. La década de 1630
de Austria al rey Luis XIV de Francia para que se unieran en
es de gran importancia para el pintor, que recibe interesantes
matrimonio, Velázquez muere en Madrid el 6 de agosto de 1660,
encargos para el Palacio del Buen Retiro como Las Lanzas o
a la edad de 61 años.
los retratos ecuestres, y para la Torre de la Parada, como los 11
SUS VIDAS
Mundo del Arte
Congreso .
Rodin, Auguste Francois
A partir del 900, “después de los sesenta años”, la producción de
Nacionalidad: Francia
Rodin no decayó, y se registran hasta el 17, año de su muerte,
París 1840 - Meudon 1917
setenta y cuatro obras más, algunas de las cuales se señalan a
Hijo de Jean-Baptiste Rodin y de Marie Cheffer, Augusto Rodin
continuación:
nació en 1840, en un barrio bajo de París. Su padre era normando,
Del 900, “El secreto de la doncella”. A año siguiente, “El halcón
así como su madre, pero el abuelo materno de Rodin era alemán.
y la paloma”, “Idilio marino”, “La fuente y la montaña”, “Joven
De cuna muy humilde y de niñez y juventud muy pobres, Rodin
arrastrado al abismo por una sirena”, y “El poeta y su musa”
tuvo el apoyo de su madre y de su tía materna Teresa, y la
(inspirada por de Musset). En el 2, busto de la amiga que
oposición sistemática de su padre, frente a sus inclinaciones
escribió un libro sobre Rodin, “Frau Helene von Hindenberg von
artísticas, que se manifestaron desde muy temprana edad. Su
Nostitz”, “Romeo y Julieta” (despedida en el balcón), “La muerte
lucha fue dura y despareja en extremo, y se sobrepuso gracias a
de Atena”, “Las ruinas de Atenas” y “El dolor y el durmiente”.
su voluntad y a la convicción de cual era el camino elegido para
Rodin era un gran coleccionista de antigüedades, y esa pasión
su vida: -”Vi claramente, a los quince años, lo que me esperaba: una vida implacable de sufrimiento y paciencia”.
por la antigüedad le hizo plasmar en el granito y en el bronce su
Augusto Rodin tenía para el 900 una producción de ciento
estrella matutina” y el busto “Mrs. Simpson”.
genio, en las últimas señaladas. También al año 2 pertenecen “La
ochenta y cuatro obras, según su ayudante y después biógrafo,
En el 3 se destacaron “El atleta” y el busto “Mrs. Potter-Palmer”,
Víctor Frisch. Las primeras datan de sus dieciocho años. Entre
que le llevó diez años hacerlo, por la inconstancia de esta dama
las mismas, deben señalarse las famosas “El Pensador” y “La
para posar. Del 4 es notable el bajorrelieve “Otoño”, que es uno
puerta del Infierno”, de 1880; “El beso” de 1886 y el monumental
de los trabajos para un cliente italiano, así como una escultura de
“Balzac”, de 1895. Las cuatro están en el Museo Rodin, de
sirena para una fuente del mismo.
París. Tenía sesenta años y su celebridad era mundial, todo ello acrecentado por la Exposición Universal del 900, que lo proyectó
En el 5, se destacan los bustos “Eve Fairfax”
a las más altas consideraciones de crítica, de demanda de su
“Gustave Geffroy” (amigos de Rodin) y “Georges
obra, y de respeto.
Hecq” (para la tumba de éste). En el 6, “Bernard Shaw”, en bronce, mármol y terracota;
De Rodin, tenemos en Buenos Aires el
el busto “El rey Sisowat de Camboya”,
monumento a Domingo Faustino Sarmiento, de
en
los
Palermo.
después que las trescientas esposas
jardines
del rey Sisowat bailaran para Rodin;
Tenemos
los bustos “Miss Hunter”, “Marcelin
además, en el Museo
Berthelot”, “Lord Howard Walden” y
Santamarina, “El hombre
“Mme. N. De Golubeff”. Pertenece
de la nariz rota”, “La Edad
de
al mismo año la cabeza”Hanako”,
Bronce”,
hecha en homenaje a la mímica
“Escultura”, “Estudio
japonesa del mismo nombre. En el
para los Burgueses de
Calais”
8, los bustos “Duquesa de Choiseul”,
(dos
“Emil Verhaeren”, “Víctor Frisch” (hecho
estudios), “Estudio”
por Rodin mientras Rodin posaba para
y “Estudio para el
Frisch), “Renée Vivien” y “Lady Warwick”.
monumento a Balzac”. Hay una copia de “El pensador” Aires,
en
en la
Buenos
Plaza
En el 9, el busto “Gustav Mahler”, que
del 12
y
Mundo del Arte
Rodin llamó “Mozart” y “El Mozart que dura” y “Torso”, una obra
nada
debería
maestra. En el 10, la serie “Los paraísos artificiales”, inspirados en
dejarse al azar,
Baudelaire, llamados “Mujeres enlazadas”, “Ninfas abrazadas”,
nada
“Oceánidas”, “Ninfas jugando”, “Éxtasis y rapto” y “Bacantes
suceder
enlazadas”. En el 11, la novedad fue la realizaciín de cabezas
a c c i d e n t e ...
en vidrio, como las de la mujer del escultor, Rose Beuret, y las
La luz es lo
de la artista mímica japonesa, Hanako, ya mencionada. También
que
realizó bustos en vidrio.
Una estatua vive;
debería
da
cambia
A partir del 14 se observó el principio del fin del genio, (no en la
por
vida. con
el día y la
calidad del trabajo sino en su estado de melancolía con respecto
hora,
a la vida) en la pequeña figura llamada “Espíritu de inquietud
el
eterna” y en la cabeza “Lady Sackville-West”, que fue su último
juego
de
mármol.
por las
sombras y la luz”. L e c t o r :
En el 15, intentó la cabeza del papa Benedicto XV, pero éste
seguramente
suspendió el trabajo después de posar tres veces. En el 16,
la
luz interior que había
mientras trabajaba en el busto “Étienne Clémentel”, “la arcilla
en Rodin buscaba la luz
se le cayó de las manos”, por una parálisis cerebral a la que
exterior, que está en toda su
sobrevivió entonces, y de la que no se repuso.
obra, a la que da vida, fuerza
Rodin murió el 17 de noviembre del 17, y fue enterrado en
y eternidad. Esas dos luces,
Meudon, junto a Rose Mouret, su esposa. Sobre su tumba se
la
encuentra una réplica de “El pensador”, su escultura más famosa.
que
“Propiedad del genio es provocar la sorpresa, crear la confusión, despertar la envidia, inspirar negaciones, hasta la hora en que, por fin reconocido y aceptado, se eleva para siempre por encima de las querellas de camarillas y de escuelas”, escribió Geoffroy, al referirse a Rodin. “Los franceses tienen la costumbre de dejar que los genios se mueran de hambre, hasta que llega el momento de esparcir discursos sobre sus tumbas”, sentenció Víctor Frisch. “Rodin es el más grande escultor de los tiempos modernos (...) Este hombre supo legarnos otra vida, a la manera de
tenía
Miguel Angel (...) El mármol prodigioso que representa “El
adentro y
beso” es indudablemente la consagración más poderosa que
la que buscó
el arte haya hecho del amor; y “El Pensador”, ese pensador
siempre
miguelangelesco, que parece roerse el puño para buscar
afuera,
hicieron el genio.
la verdad; en su frente anidan todos los pensamientos que la humanidad ha pensado (...)” afirmó Manuel Toussaint. Para terminar, dijo el mismo Rodin lo siguiente, para reflexionar parte por parte y de una a cien veces: “En la obra de un artista 13
SUS VIDAS
SUS OBRAS
Mundo del Arte
el empleo del sfumato, esa técnica que difumina suavemente los
La Gioconda
rasgos hasta hacer indefinibles los contornos; el hermoso paisaje
Leonardo da Vinci
del fondo, agreste, salvaje y de un matizado tono azul que lo
Museo Nacional del Louvre (París)
hace desaparecer en un degradado invisible; la ambigüedad
Renacimiento Italiano
del rostro, la indefinición sexual que la hace parecer una mujer,
Es difícil tratar de hacer comentarios a la Gioconda. La
un adolescente... un mito de androginia que tiene referencias
fascinación que ha ejercido a lo largo de los siglos y el poder
inacabables con teorías filosóficas y religiosas; y, por encima de
que tiene sobre la mirada del espectador obstaculizan un análisis
todo, la sonrisa más melancólica y misteriosa de la historia del
objetivo, dado el icono en que se ha convertido para la cultura del
hombre.
mundo moderno y contemporáneo.
El retrato es el de Madonna Lisa, la señora Lisa, la esposa de
En ella se citan todas las características de la pintura de Leonardo:
15
SUS OBRAS
Mundo del Arte
vida. Adán está totalmente pegado a la tierra, como surgiendo
Creación de Adán, 1510
de ella: su mano se levanta débilmente, sin fuerza propia, sin
Miguel Angel
objetivo. Y en ese punto el dedo de Dios concentra toda la fuerza terrible de la creación para transmitirla a su criatura y convertirla
Capilla Sixtina
en lo que es. El detalle aislado de las dos manos resume en
Fresco
sí mismo el misterio de la creación, de la vida humana. Es una
Renacimiento Italiano
interpretación conmovedora de Miguel Ángel, que ha hecho de
La Creación de Adán ha marcado la mirada del hombre desde
esta imagen un auténtico patrimonio de la Humanidad.
el momento en que se pintó hasta nuestros días. Esta imagen ha sido determinante en la formación del arte tal y como hoy lo entendemos, y es considerada la alegoría más sugerente y poética del origen del ser humano como ser que participa en la divinidad, sea cual sea ésta. La Creación de Adán sigue el mismo método de representación que la Creación de Eva, fingiendo dos planos de realidad, uno de los cuales es la misma realidad del espectador. Dios, tras haber creado luz y agua, fuego y tierra, a todos los animales y seres vivos, decide crear un ser a su imagen y semejanza, crearse de nuevo a sí mismo. Dios llega a la tierra en una nube, rodeado de ángeles y envuelto en turbulencias que crea su mismo poder irresistible. En tierra, la figura de Adán ya está modelada, esperando ser insuflada de
SUS OBRAS
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Mundo del Arte
Las Meninas
siempre ha sido denominada “La Familia de Felipe IV” aunque
Velázquez
desde el siglo XIX se la conoce como “Las Meninas”, que eran
Museo del Prado (Madrid)
las muchachas que acompañaban a los niños de la familia real.
Obra maestra de Velázquez realizada en el año 1656. En la
Esta obra estaría destinada al despacho de verano de Felipe IV
pintura aparecen, en primer plano y de izquierda a derecha:
en el Alcázar de Madrid, lo que indica la estrecha relación entre
Velázquez, María Agustina Sarmiento, una de las meninas, la
soberano y pintor. Artísticamente, hay que destacar el interés del
infanta Doña Margarita, Isabel de Velasco, la otra menina, y
pintor por conseguir la perspectiva aérea, la sensación de que
los enanos Maribárbola y Nicolás Pertusato; en segundo plano,
entre las figuras hay aire, así como la creación del espacio en
Marcela de Ulloa y un Guardadamas; en el espejo se reflejan
profundidad a través de la luz que penetra por las ventanas de
los reyes Felipe IV y Mariana de Austria, y al fondo aparece
la derecha. La situación del cuadro en el Museo del Prado, en la
José Nieto, aposentador de palacio. La escena representaría el
sala oval de la planta alta del edificio, refuerza de una manera
momento en que el artista está pintando en su taller y la infanta,
sorprendente la sensación de perspectiva. También llama la
con su pequeña corte, se ha acercado para ver cómo trabaja
atención la pincelada suelta, que anticipa el Impresionismo. La
Velázquez, costumbre habitual en palacio.
obra está considerada como una de las mejores pinturas del
En este instante aparecen los reyes que van de paso, hecho que
mundo, tanto por artistas como por críticos. Cuando en el siglo
se constata por la presencia del aposentador, cuya función era
XVII el pintor Lucas Jordán tuvo la oportunidad de ver el cuadro
abrir las puertas a sus majestades, al fondo de la escena. Esta
manifestó que era la Teología de la pintura, queriendo dar a
irrupción provoca diferentes actitudes en los personajes: unos
entender que así como la Teología era la superior de las ciencias,
saludan y otros permanecen ajenos a la aparición. La pintura
aquel cuadro era lo superior de la pintura. 17
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Mundo del Arte
Sin embargo, un ligero defecto de perspectiva crea una impresión de desequilibrio: el cabezal de la cama no está en ángulo recto con la pared. Las silla están representadas desde arriba, cosa que no ocurre con los demás muebles. El suelo, que no está recto, parece huidizo, como si fuera a desaparecer en cualquier momento. Las puertas cerradas y la ventana apenas entreabierta refuerzan la sensación de claustrofobia. Van Gogh le explicó a su hermana que había pintado este cuadro para probar sus cualidades como colorista. según dijo a Théo, el color “debía dar la impresión de descanso o de sueño en general. En definitiva, la vista del cuadro debía calmar la cabeza y sobre todo la
Habitación de Vincent en Arlés, (1889) Autor: Van Gogh
Museo: Chicago Art Institute
Caract.: Óleo sobre lienzo 73 x 92 cm. Estilo: Neo-Impresionismo
La habitación de Van Gogh en Arles simboliza un remanso de paz tras el desorden de su vida anterior. Es esa impresión de quietud lo que el pintor quiso reflejar en esta célebre obra.
imaginación”.
Van Gogh había amueblado su alcoba con una simplicidad casi espartana. Pero para él suponía un remanso de paz porque, después de haber vivido en pensiones astrosas, por fin podía poner su sello personal. En especial, la cama tenía el aspecto de solidez, estabilidad y tranquilidad que tanto necesitaba.
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El artista envió el cuadro a su madre y su hermana, a Holanda, en1889. Fue xpuesto en el Louvre y en el Jeu de Paume, actualmente se encuentra en el museo de Orsay.
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Mundo del Arte
ausencia de otros colores consigue un intenso dramatismo y
Guernica
compone un poema doloroso, una elegía que pretende describir
Autor: Pablo Picasso
el horror del suceso. Un toro, que parece representar a España; una madre que llora con el cuerpo inerte de su hijo en brazos, un
Museo Reina Santa Sofía (Madrid)
guerrero destrozado cuyo brazo conserva un trozo de espada,
Cubismo
deformadas figuras, rostros contraídos, trozos de miembros,
Guernica es el nombre de una población situada a 30 kms.
rodean la figura central de un caballo, desorbitado y retorcido,
de Bilbao, que constituye el símbolo de las libertades vascas.
con un mudo relincho de dolor.
Ante su famoso roble se reunía el parlamento y cerca de él se juraban los fueros. El 26 de abril de 1937, con la pequeña
El cuadro se hallaba en el Museo de Arte Contemporáneo de
población repleta de refugiados y soldados en retirada, los
Nueva York, y fue voluntad expresa del pintor que volviera a
Heinkel y Junkers de la alemana “Legión Cóndor” bombardearon
España cuando hubiera en el país un sistema democrático. El
la villa y ametrallaron a sus habitantes durante tres horas. La
gobierno español ha realizado laboriosas y dilatadas gestiones,
población quedó parcialmente destruida y murieron centenares
que dieron fruto finalmente en 1981. El cuadro fue trasladado
de personas.
con excepcionales precauciones y expuesto, junto a 63 dibujos y óleos previos, en el Casón del Buen Retiro, de Madrid, a partir
El incendio y la “masacre” de la población vasca obraron para
del 24 de octubre de 1981, en una instalación especial diseñada
que el gobierno de la República encargara a Picasso, que pese
para la salvaguarda de una obra que es la más famosa y la que
a vivir en París, era director honorario del Museo del Prado, la
mejor representa la tragedia que supuso la guerra civil española.
realización de una obra que constituyera un reflejo gráfico de la tragedia. El pintor llevó a cabo el encargo y cobró su importe, de cuyo pago existe documentación fehaciente, que ha sido uno de los más importantes argumentos para la vuelta a España de la importante obra. Es ésta un enorme cuadro de 7,5 x 3,5 metros, en el que el autor se erige en intérprete del horror que supuso el bombardeo. Sobre el blanco y el negro sólo existe una gama infinita de grises; la 19
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L a s
M a r a v i l l a s
d e l
MUNDO MAYA Introducción La civilización maya se extendió por el sur de Yucatán, parte de Guatemala y Honduras. entre los siglos III y XV. Los mayas no constituían un estado unificado, sino que se organizaban en varias ciudades-estado independientes entre si que controlaban un territorio más o menos amplio. Tampoco hablaban una única lengua.
Arquitectura Las construcciones mayas se hicieron de madera y piedra básicamente. Entre las maderas se prefirieron la coba y el zapote, por ser muy resistentes a los ataques de las termitas. Entre las piedras se usaron caliza, arenisca, mármol, etc. Realizaron todo tipo de construcciones: palacios rectangulares y alargados, templos, juegos de pelota, calzadas (sacbeob) que unían las ciudades principales, fortificaciones, baños de vapor (temazcal). Se conservan importantes pirámides escalonadas en piedra. En lo alto de éstas se colocaba el templo. Estaban decoradas con pinturas de una variada gama de colores, y relieves. Algunos de estos son inscripciones de la escritura jeroglífica maya, aun no descifrada completamente. Las construcciones más importantes de esta época fueron Copán, Quiriguá, Piedras Negras, Palenque y Tikal.
Sociedad La elite social la constituían los sacerdotes y los nobles, que residían en la ciudad (que era también el centro religioso). Los campesinos vivían en las zonas rurales cercanas a la ciudad.La base de la economía era la agricultura y frecuentemente se desbrozaban trozos de selva para realizar nuevos cultivos. Los principales fueron el maíz, el algodón y el cacao.Este último tuvo tanta importancia que llegó a ser utilizado como moneda.
Existía la esclavitud. Se supone que esos esclavos serían la mano de obra para la construcción de las pirámides colosales, pero ayudados por los campesinos. También debieron existir grupos de artesanos especializados.
A G R A D E C E M O S
A L
E S TA D O
D E
Q U I N TA N A
R O O