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nº 16 abril de 2011
Individuo/colectivo_ alicia moneva misterio bufo_ antonio gallegos otras luces_ patricia gil
aulafoto revista trimestral málaga, abril de 2011 nº16, año IV Depósito legal: MA-1333-2007 I.S.S.N.: 1988-3390
COORDINACIÓN Y REDACCIÓN: Antonio Gallegos SALA DE PRENSA: Inmaculada Quintanilla COLABORADORES: Laura Calvo Javier Carretero Yolanda López TEXTOS: Antonio Agustín Aguilar Consuleo Belmonte Gloria Carvajal Antonio Gallegos Patricia Gil Alicia Moneva Alejandra Sanabria FOTOS: Antonio Agustín Aguilar Consuelo Belmonte Gloria Carvajal Antonio Gallegos Patricia Gil Alicia Moneva Gabriel Rojas
Fotografía de portada: Alicia Moneva
Si quiere colaborar con la revista o enviar artículos, reportajes o portfolios, diríjase a: aulafoto@gmail.com Esta obra está bajo una licencia de Creative Commons. Para ver una copia de esta licencia, visite el siguiente enlace: Licencia Creative Commons, o envíe una carta a Creative Commons, 171 Second Street, Suite 300, San Francisco, California 94105, USA. Los artículos, fotografías y opiniones de los distintos colaboradores son responsabilidad de éstos y su reproducción está prohibida salvo autorización expresa por escrito de sus respectivos autores.
portfolios _ Individuo/colectivo. Alicia Moneva _ Misterio bufo. Antonio Gallegos _ Otras luces. Patricia Gil
fotorelatos _ Vista desde tostadas y zumo. Antonio Agustín Aguilar _ Y en la tormenta más atronadora. Gloria Carvajal _ Mujer con gatos y perro. Gabriel Rojas _ La espera. Consuelo Belmonte
Llegada la semana de Pasión, Aulafoto se une con su propia reinterpretación -iconoclasta, sí- de la crucifixión de Cristo. La colección ‘misterio bufo’ reúne una serie de fotografías, en ocasiones satíricas, en ocasiones simplemente plásticas, de la crucifixión de Cristo, desde la crítica al modo en que la iglesia ha mancillado históricamente su figura. La escenografía se ha tomado del sereno y regio Cristo crucificado de Velázquez, que en esta colección se desacraliza, toma vida, sufre, fuma, grita y se hace mujer. La terna de portfolios se completan con “individuo/colectivo”, de Alicia Moneva, y “otras luces”, de Patricia Gil. En el primero, Alicia reúne una serie de proyectos diferentes, pero que reflexionan todos ellos sobre la idea del colectivo, partiendo del concepto de lo individual. En tercer lugar, Patricia Gil nos presenta una colección de imágenes de paisajes que captan la intimidad y armonía de la naturaleza. Junto a ellos, podemos disfrutar de los fotorelatos “Vista desde tostadas y zumo”, de Antonio Agustín Aguilar, “Y en la tormenta más atronadora”, de Gloria Carvajal, “Mujer con gatos y perro”, de Gabriel Rojas y “La
Antonio Gallegos
espera”, de Consuelo Belmonte.
individuo/colectivo_
alicia moneva
Alicia Moneva nace y vive en Madrid. Autodidacta en la pintura y dedicada a ella de forma profesional, en un principio la fotografía es una herramienta más de trabajo. No fue hasta el 2002 cuando adquirió una importancia relevante. Inicialmente, su interés se centró casi exclusivamente en el retrato y, más tarde, en las series fotográficas (“human landscape”, “vive la diffèrence”, “ S | Cultura”…). A partir del año 2004 expone ya conjuntamente obra pictórica y fotográfica, esto fija sus parámetros de expresión, ahora indistinguibles entre pintura y fotografía. En el 2007, tras la selección en la feria Entrefotos, su trabajo se intensifica casi exclusivamente en la fotografía, participando en muestras colectivas e individuales en distintas ciudades (Madrid, Barcelona, Valencia, Bilbao, Sevilla, Oporto, Roma, Miami…), y su trabajo publicado en distintos medios de comunicación (RTVE, Sunday Times (UK), El Mundo (digital),…
En la actualidad trabaja en la preparación de distintas obras fotográficas y pictóricas para exposiciones ya ultimadas y encargos particulares. En un proyecto que engloba fotografía, pintura y piezas de video con el título "del concepto de lo individual a la idea del colectivo". En un proyecto que indaga sobre la percepción del espacio y del tiempo en enfermos de Parkinson con el título "on/off" También cursa estudios de filosofía y a la vez organiza ciclos de conferencias de esta materia en su estudio particular.
Del concepto de lo individual, la idea del colectivo.
Las primeras obras de este proyecto hablan del yo y su relación con el inconsciente. Personas atrapadas en bañeras, envueltas en líquidos entendidos casi como fluidos primigenios ("human delusion"). Las aguas de colores representando sensaciones que laten en lo más profundo del ser. ("diario de una pérdida").
Estos cubículos dieron lugar a matrices de cajas. En ellas se contaban posibles “selecciones artificiales” e “incubaciones” introducidas en las últimas décadas con la fecundación “in vitro”, la experimentación génica…
La imagen “los no lugares”, que recoge la tesis de Marc Augé sobre los espacios de paso y sin identidad, sugiere la apropiación por parte de estos, de los lugares más íntimos y personales, vaciándolos de la subjetividad individual propia de ellos. Esto abrió un campo de investigación, que se materializa en las obras "superstitiô” y “cupiditas", .sobre los deseos que (des)orientan el pensamiento colectivo cuando se entrelaza con aspectos religiosos y políticos. Estas obras están basadas en los planteamientos elaborados por el filósofo Baruch Spinoza.
La obra “time is a devil” reflexiona sobre la esclavitud al tiempo. Los antiguos filósofos griegos hablaban de dos clases de hombres, los libres que lo eran por disfrutar y poseer su tiempo, frente a los esclavos que lo medían y vendían a los demás.
En “on/off” se aborda el tema del espacio, comenzando con la enfermedad de Parkinson por ser el símil “caja‐cuerpo” muy adecuado para explorar la usencia de movimiento en los estados OFF de estos enfermos. También porque es una enfermedad exclusivamente humana. Para la fotografía “on / off” trabajé con un paciente parkinsoniano.
Todas estas vías de exploración están en sus comienzos. Se trata de un trabajo no dirigido a obtener un número de imágenes‐resumen finales, sino que estas surgen y (retro)alimentan un proceso de investigación en desarrollo todavía. Alicia Moneva
diario de una perdida I
diario de una perdida II
inconsciente
incubadas
selección artificial
los no lugares I
los no lugares II
supersitio
cupiditas
parkinson on-off
time is the evil
Mujer con gatos y perro. Gabriel Rojas © Texto: Alejandra Sanabria ©
Cruzó la calle rápidamente sin prestar atención a los gritos de los conductores que la esquivaban, buscó las llaves en la mochila, un leve temblor en las manos era la única señal de su nerviosismo. Cuando abrió la puerta, un olor a humedad la invadió y se tranquilizó un poco. Era casi mediodía, las cortinas aun estaban cerradas y unos débiles rayos de sol entraban por la puerta. Se sentó en la silla y cerró los ojos, pero las imágenes no desaparecían, ya no estaban en las pupilas, se habían adherido a los párpados. Iba a borrar todo de su mente como si nunca hubiera pasado. Cuando fuera a recoger a su hija al colegio, sería la madre amorosa de siempre, la esposa de siempre, la mujer de siempre.
Sacó de su pantalón un trozo de papel, lo observó y no pudo evitar sonreír. Corrió las cortinas y dejó que el sol le iluminara la cara, recogió su cabello en una moña alta que la hacía ver más joven. Sus movimientos volvían a ser pausados, como si no esperara nada o como si tuviera más de una vida para hacerlo. De pronto, recordó que no había desayunado, el afán de la mañana no la dejó pensar en nada más que en salir corriendo, sacó de la nevera una manzana y se la comió lenta y voluptuosamente. Luego, le dio comida a los gatos y al perro, los únicos testigos de ese momento y salió a la calle, feliz, sin recuerdos.
Exposición
Botánica. After Humboldt Inauguración: Viernes 11 de marzo a las 19:00 h. 11 de marzo - 22 de mayo Comisaria: Rosa Olivares Artistas: Manel Armengol, Alberto Baraya, Joan Fontcuberta, Juan Carlos Martínez, Rafael Navarro y Juan Urrios.
El estudio de las plantas está directamente ligado al conocimiento del mundo. Al conocimiento exacto y minucioso de un mundo real aunque cambiante, de unos lugares concretos y por lo general marcados por la diferencia con respecto al lugar desde el que se mira. Los primeros estudios naturales sobre botánica surgen por la necesidad del análisis de la naturaleza al detalle. Las plantas, las flores, son lo más inmediato, las partes de la naturaleza más estática que se puede estudiar con cierta facilidad. A partir del momento en el que el primer estudioso traspasa la planta a su representación, en vez de secarla o atraparla en el tiempo como a una mariposa muerta, la dibuja, la reproduce, se da un paso de imposible retroceso. A partir de ahí se sentaran las pautas para la evolución no sólo de los géneros del arte, sino para la interpretación de la naturaleza. El estudio de las plantas y de las flores, junto con el de la fauna autóctona forma parte de las grandes expediciones científicas, exploraciones que tenían una gran importancia en la política colonialista, la expansión fronteriza, la conquista de nuevos mundos y sus pasos posteriores: la dominación y la explotación económica. El nacimiento de la fotografía ha sido esencial para la evolución de la ciencia botánica, si bien es cierto que como simple herramienta de observación no se puede comparar con los dibujos que podemos ver en los archivos botánicos. Sin embargo, es a través de la fotografía como las plantas y las flores reciben un tratamiento único, se convierten en temas esenciales, y en muchos fotógrafos prácticamente únicos. La forma de plantearse la reproducción de la naturaleza botánica ha sido muy variada, pero podríamos dividirla en dos grandes bloques:
realidad y artificio. Si quisiéramos detallar un poco más habría que realizar todo un esquema en el que tendríamos que agrupar a los artistas bajo epígrafes como respeto, humanización de la planta, admiración, análisis, crítica, cinismo, humor... Para algunos fotógrafos, las plantas y las flores son la parte de la naturaleza más cercana con la que poder trabajar. Para otros es un territorio abierto a la manipulación genética, al engaño, a la suplantación, porque entre verdad y mentira apenas hay diferencia, y la poca que haya la fotografía la borra definitivamente. Botánica. After Humboldt es una exposición parcial, como cualquiera de las expediciones científicas que en la historia han sido. Como aquellas expediciones, esta exposición se ha visto mermada por las circunstancias de los tiempos, pero al igual que la historia nos muestra los resultados brillantes de las antiguas expediciones, aquí se muestran los exquisitos especímenes de una nueva botánica basada en una mirada actual, original y diversa. Frutos de una imaginación y de una observación matizada por la cultura y el conocimiento, estos seis artistas basan su trabajo no solamente en ese conocimiento, sino en sus propias ideas y experiencias. De alguna manera, cada uno de ellos ha hecho su propia expedición, su viaje hacia su propio interior. Un viaje conceptual, un viaje místico, un viaje iniciático. Y el resultado de esos viajes particulares y arriesgados es lo que se reúne en este conjunto de obras.
CDAN Centro de Arte y Naturaleza. Fundación Beulas C/ Doctor Artero, s/n Huesca 22004 Tel. 974 239 893 Fax 974 223 762 http://www.cdan.es/ Horario: Mañanas: 11 a 14 h; tardes 17 a 20 h. Domingos y festivos: 11 a 14 h; tardes 17 a 20 h. Lunes cerrado
Imagen: Juan Urrios. Serie Verdes, 1997. Cortesía del artista
misterio bufo_ antonio gallegos
Misterio bufo, reinterpretación iconoclasta de la crucifixión de Cristo
Desde el siglo II después de Cristo, la iglesia viene empleando el término "misterio" con el significado de representación sacra. No mucho después, fue el pueblo quien lo giró e invento el "misterio bufo", como un espectáculo grotesco. El misterio bufo era diversión e ironía, pero era también expresión, provocación y agitación de ideas.
Esta colección es una reinterpretacion bufa, en ocasiones satírica, en ocasiones simplemente plástica, de la crucifixión de Cristo, desde la crítica al modo en que la iglesia ha mancillado históricamente la figura de Jesucristo. Pensado Jesucristo desde el laicismo de la razón, se merece el mismo respeto y admiración que le profesa la iglesia católica, pues si realmente existió, se le debe reconocer su papel revolucionario frente a las jerarquías sociales y eclesiásticas de la época. A partir de aquí, tratar de encontrar alguna analogía entre su mensaje y el mensaje de la iglesia católica es, en si mismo, sátira. Sátira es, también, poner frente a frente la figura revolucionaria y semidesnuda de Jesucristo, siempre contemporánea, y cualquiera de los personajes reaccionarios y fuera de época de la actual jerarquía católica.
La escenografía de la crucifixion se ha tomado del sereno y regio Cristo crucificado de Diego
Velázquez, que en esta colección se desacraliza, toma vida, sufre, fuma, grita, oscurece y se hace mujer.
Jesucristo viaja a Madrid. Imaginemos que Jesúcristo hubiese vuelto a nacer ahora, a finales del siglo XX, en Al-Rayjiyya, una pequeña aldea al sur de Palestina. Imaginémoslo con su aspecto hippie, un poco ido, como en otro mundo (¿fumado, tal vez?), y sus sandalias de esparto. Bueno, de haber nacido ahí, del susto habría muerto al poco de tener razón. O peor aún, lo habrían encarcelado en alguna prisión judía y ya no habría más que imaginar. Reinventemos la historia. Pongamos que ha nacido en un sitio más tranquilo. Por no sacarlo del Mediterráneo, y que no pase frío con sus pies semi-descalzos y su túnica, ese sitio podría ser Riesi, en Sicilia. Sí, de acuerdo, tener a la mafia tan cerca y a Silvio Berlusconi de primer ministro tampoco es muy tranquilizador. Es igual, dejémoslo ya ahí. En cualquier caso, sea en Israel o en Italia o en el Tibet donde hubiese nacido, sin duda lo primero que habría pensado es el buen resultado que le han dado a Su padre el resto de seres vivos de la creación, y lo estúpidos, belicosos y ambientalmente insostenibles que le hemos salido nosotros, los seres humanos. La mayor conmoción seguramente la habría sufrido al visitar por primera vez Roma y el Estado del Vaticano. Es fácil imaginarlo con la boca abierta, atónito del resultado final de su pequeña locura y mensaje de dos mil años antes. Nos cabe la duda de si reaccionaría a carcajadas o se horrorizaría. Es de suponer que es un tipo inteligente, seguramente lo digeriría con humor, pero el amargor no se lo quitaría nadie. Por suerte, alguien le hablaría también de los misioneros cristianos que ayudan en África a levantar escuelas y hospitales, del trabajo de algunos Jesuitas, y le contarían la historia de Fray Dulcino o Jacopone da Todi, y sus mensajes revolucionarios de humildad, pobreza, comunidad e igualdad. Mejor, en cualquier caso, que nadie le cuente el final que tuvieron ambos. Tras concluir la visita al Vaticano, habría vuelto a Riesi con una profunda depresión. Su madre, preocupada por su mal aspecto, le habría conseguido un billete de avión en alguna compañía de bajo coste, para que viajase de turismo a España y dejase de un lado esos pensamientos raros de amor, igualdad y revoluciones pacíficas. Aterrizado en el aeropuerto de Barajas, toma el tren de cercanías y se aloja en un hostal de la calle Fuencarral. Pongamos que una desafortunada recomendación de la chica de la oficina de turismo lo dirige al Monasterio del Valle de los Caídos, y que alguien le cuenta la historia del lugar y la historia reciente de España. ¿Qué le entraría a ese hombre por el cuerpo al verse allí y reconocerse crucificado en sus paredes, como si realmente hubiese tenido algo que ver en todo aquello? Se le quedaría mal cuerpo, sin duda. Y peor se le pondría cuando en la noche estuviese viendo el telediario en el hostal (a Dios gracias que la vetusta tele de su habitación no sintoniza Telemadrid ni Intereconomía), y saliese la imagen de Rouco Varela en la manifestación homófoba del día anterior por las calles de Madrid. ¿Qué diablos han hecho con mi mensaje? –pensaría-, me están tomando el pelo. Y ciertamente, parece que es así. Fuese quien fuese Jesucristo, seguramente no más que un pobre loco judío de mente lúcida e ideario comunista, de Él no queda más que una grotesca caricatura, mancillada y desnuda de todo sentido. Aún así, el párroco de mi barrio, despreocupado de todo esto, siempre terminará la misa diciendo “Amén” (que así sea).
¿Quién es? ¿Quién?... quién es ese de la cruz... ¿Jesús? ¡Ah, Cristo! Jesucristo... Mira mira... caray... vaya pinta... ¡desgraciado! Ahora entiendo por qué le llaman «pobre cristo»... caramba... hay que ver cómo va... ¡Maldición!, vámonos, que me impresiona ver estas cosas...[…] ¿Dices que mejor que me acerque?... que me vea la gente que soy bueno, que me vea mientras le ayudo a llevar la cruz... A lo mejor luego me aplauden todos, y dicen: «Qué bueno es este Bonifacio»... Venga, sí, vamos a darles gusto a esos necios... vamos. […] Jesús, ¿qué tal?... Jesús, ¿no me conoces? Soy Bonifacio... Bonifacio, el papa... ¡Cómo que quién es el papa! […] ¡Que me hagas caso un momento, caray! Cómo es posible, ¿yo te hablo y tú no me escuchas? ¡Pero hombre de Dios, un poco de educación, vamos! Te decía... (Se calla, como si Cristo le hubiera interrumpido.) ¿Yo?... yo... ¿Qué has dicho? ¿Que yo he matado a los frailes?... ¿yo? ¿Que he hecho cosas malas? ¡No es verdad! Son calumnias, mentiras que difunden las malas lenguas, por envidia... que... (Lo señala con el dedo, con ímpetu.) ¡Pues de ti me han dicho cada cosa, querido! ¡Pero yo no me lo creo! Bendito seas, son malos, ya sabes... […] Jesús, deja que te ayude a llevar la cruz, yo soy fuerte, tú te cansas... yo estoy acostumbrado... soy un toro, yo... ¡llevo cada manto que ni te imaginas! déjame... […] Yo te ayudo... no, si no me canso... no... ¡no empujes! Jesús, tranquilo... (Una patada terrible le lanza lejos.) ¡¡Cristo!! ¿Una patada a mí? ¡Bonifacio! ¡El Príncipe! Ah, muy bien... canalla... malnacido... Oh, como se entere tu padre... ¡desgraciado! Jefe de los burros! Oye, no me da miedo decirte que me complace verte crucificado: y que hoy, mira por donde, quiero emborracharme, quiero darme el gusto de bailar... ¡bailar! ¡Ir de putas! Porque soy Bonifacio, yo... ¡Soy Príncipe! Manto, sombrero, bastón, anillos... ¡todo! Mira cómo relucen... canalla... ¡Bonifacio, soy yo!
Darío Fo. “Bonifacio VIII”.
Vista desde tostadas y zumo Antonio Agustín Aguilar ©
Al abrir el periódico sobre sus rodillas leyó con atención los titulares, era la formalidad de siempre, los ritos establecidos, era el derretirse de la mantequilla sobre la tostada y el olor del café humeante en la terraza, era un breve sorbo al zumo de naranja, una servilletita de papel casi transparente y rectangular limpiando la comisura de los labios. Y a veces uno levanta la vista en sus costumbres, mirando alrededor se encuentran más miradas, sensaciones reales no percibidas, sentimientos incapaces de ser transmitidos por palabras. Sonó su móvil y lo puso en silencio, dejándolo vibrar un rato al lado del periódico, mordía la tostada crujiente y desvió del todo la mirada fijándola en ella, estudiándola casi. Aquella mañana ella se levantó temprano, no tenía prisa, como siempre, pero la cama tampoco era lugar propicio, allí asaltaban recuerdos, los huesos seguían allí y los músculos quizás, la cuestión era no seguir tumbada, sólo había que recordar lo mucho que se quería hacer y ya estaba sentada, las piernas colgando por el costado del colchón, las babuchas esperándola. En el cuarto de baño volvía a disgustarse, como cada mañana, por la prisa y el poco disfrute que se daba, ahora que podía, del regazo de las sábanas cuando gustan, en ese momento del despertarse que aún es sueño. Pero había perdido un poco el oído y apenas sentía en sus tímpanos el llegarle la vida con sonidos, quizás por eso despertarse era un suplicio, no sentía el lento entrar de los ruidos de vecinos, pudiera ser que fuera domingo, pudiera ser, pero la cisterna apenas susurra, se mira al espejo y sólo ve manchas, se pone las gafas y es peor, qué blancura nívea del pelo, qué horadar del tiempo en su piel, qué suspiro leve escapándose. Crepitó el café antes de beberlo a lentos sorbos balanceándose en la mecedora, mirando a través de los cristales los saltos de Cardeñosa en su jaula, el día estaba frío y el sol no salía, se ve que hoy no le va a dar por cantar, Puede que esté cantando, qué tonta soy, cuánto hace que no me dejo embaucar por su trinar. El café bien calentito, bebido a sorbos muy cortos, sujetando la taza entre las manos, dándose calor con su calor, de lo mucho que tenía que agradecer, todavía se valía sola y no como Manuela, pobrecita, en uno de esos apila viejos asépticos y revenidos, al menos ella tenía su casa, y su memoria intacta, Manuela no se acordaba ya de casi nada, una vez incluso de ella, pobrecita Manuela. Y ella que tanto me consoló a mí, fíjate ahora, cuando lo de su Pedro fue peor que lo de mi Alfonso, empezó a dejarse venir, no quería ni limpiar y sus hijos, tan desagradecidos todos, y mira que los comprendo, y mira que siempre los justificaba, nunca de ella sabían. Y siempre lo mismo, siempre llorar y llorar a la tarde, cuando se daba cuenta de lo sola que estaba, lo sola que se iba a acostar por la noche en aquel desvencijado colchón.
Y yo sabía esa canción, mucho la había yo cantado, difícil olvidar la letra. Ahora apenas la tarareo sin ganas por no haberla olvidado. Manuela se echó a perder tan pronto que sus hijos se la llevaron con la mejor intención, yo ya nada pude hacer y ella no dejaba de lloriquear, insensata, asúmelo un poco, pero la entiendo, en fin, Manuela. Menos mal que a mí Alfonso se me fue yendo poquito a poco, con lo que había disfrutado siempre la calle, alternar, como él decía, tenerlo siempre acostado me daba quehaceres que en su falta me entretienen, no dejé de ir a la plaza ni tomar mis tés en la cafetería de la estación, la compra de siempre y las infusiones de también. Y cuando deje el piso limpito voy a la plaza otra vez, para ver más que para comprar, por saber a cuánto la ternera y los tomates, si es que no puede ser, estirar la pensión es tan difícil y hoy es sólo doce, doce, miércoles. Me pongo el delantal azul de lunares con la rebequita, mira que está tristona ya y tan vieja como una, hay que ver, con lo coqueta que siempre fui, pero con estos pelos que me quedan no me voy a preocupar por lo demás, bien sabes que ya sólo eres este murmullo que escuchas cuando piensas, bueno, pero sigo yendo solita a todos lados, y me dejo embelesar por mí y me siento independiente, ahora, qué bien; toda mi vida queriendo serlo y lo soy cuando no tengo fuerzas para nada, apoyo el bastón en la mesa, contra la pared, al fin independiente, qué bonito, y me siento entre estas tristes sillas metálicas, qué poco pesan y cuánto brillan, al fin una mujer independiente, una mujer, independiente. Claro que hay noticias tristes entre las páginas de mi periódico, pero mi imaginación se pierde a través de mi desayuno, encuentra a esa mujer que a veces me mira, y sin querer, sin poder evitarlo, emana de ella la historia que me duele, aquí mismo, tan cerca que oigo sus suspiros.
Santiago Sierra. NO, GLOBAL TOUR Sala Este Baja, desde el 26 de febrero hasta el 1 de mayo de 2011 Comisario: Francisco Javier San Martín Producida por ARTIUM (Vitoria-Gasteiz) Catálogo de la exposición: textos de Francisco Javier San Martín, Pilar Villela Mascaró y Christian Domínguez
El NO mira a la gente desde su pedestal escultórico y muestra la alienación de las personas, la trivialidad de los lugares, la tragedia del sistema económico, la farsa del organismo social. (...) Cuando pasa o se detiene junto a entidades financieras, edificios gubernamentales, estadios deportivos, museos, sedes de multinacionales, hospitales o iglesisas, su campo semántico parece especificarse en las imágenes como negación del dinero, del gobierno, del deporte... y aparece como una sombra negra de desobediencia civil... (...) Sombra negra que ante la obscenidad del terror inducido por las industrias de la información, dibuja un NO al miedo, o que ante el sórdido destino humano perfila su negación como un NO a la muerte. (Francisco Javier San Martín, Escultura negra sobre camión, en el catálogo de NO; Global Tour)
ARTIUM presenta la exposición de Santiago Sierra NO, GLOBAL TOUR La muestra acoge el proyecto que el artista madrileño residente en México ha desarrollado desde que en el verano de 2009 un NO negro de grandes dimensiones subido en la plataforma de un camión iniciara un viaje que le llevó a los grandes centros de poder y a zonas residenciales e industriales urbanas degradadas del mundo desarrollado, en concreto Europa, Estados Unidos, Canadá y Japón. La muestra cuenta con la edición de un catálogo en el que han participado Francisco Javier San Martín, comisario de la exposición, Pilar Villela Mascaró y Christian Domínguez.
Santiago Sierra (Madrid, 1966) inició su proyecto NO, GLOBAL TOUR en verano de 2009: saliendo de la localidad italiana de Lucca, una enorme NO de color negro, de cuatro metros de anchura y más de tres de altura, recorrería durante más de un año decenas de ciudades del llamado mundo desarrollado emplazada sobre la plataforma de un camión. El NO global de Sierra es, como indica Javier San Martín en el catálogo de la exposición, "un rechazo profundo, más difícil de expresar e imposible de especificar: un rechazo a la propia idea de mejora, a la ilusión vana de la esperanza; un colapso de las creencias. (...) Sierra (...) ha llegado con el NO a una estética de esperanza cero, que le permite denunciar todo ese ejército de pequeños sueños, de brotes de futuro, con el que el poder del Estado intoxica a la población...". El NO de Santiago Sierra ha viajado durante prácticamente año y medio a distintas ciudades de Europa, Estados Unidos, Canadá y Japón. En ellas ha recorrido centros de poder económico, como Wall Street y el Rockefeller Center, y político como el edificio de la ONU o la sede de la Unión Europea en Maastricht; áreas industriales y residenciales degradadas como las zonas mineras de la antigua República Democrática Alemana o al antaño próspera Detroit; iconos del poder religioso como el Santuario de Lourdes y del turismo de lujo como el Palacio y el Casino de Montecarlo; refinerías de petróleo y fábricas de armamento... Sierra dijo NO también en eventos culturales o artísticos, como la Nuite Blanche de Toronto, el Katzen Arts Center de Washington, el festival Performa 09 de Nueva York, la feria ARCO 2010 en Madrid, la trienal de Aichi en Japón y la Bienal Internacional de Escultura de Carrara de 2010, para la que creó un NO distinto, en mármol blanco, que desde este año forma parte de la Colección ARTIUM. Horario del centro-museo Martes, miércoles y jueves: de 11.00 a 14.00 y de 17.00 a 20.00 horas Viernes, sábado y domingo: de 11.00 a 14.00 y de 16.00 a 21.00 horas Lunes no festivos, cerrado Horario de la Biblioteca y Centro de Documentación De lunes a viernes: de 11.00 a 14.00 horas y de 16.00 a 19.30 horas Sábados de 10:00 a 14:00 horas Domingos, cerrado Entrada libre
ARTIUM. Centro-Museo Vasco de Arte Contemporáneo Francia 24, 01002 Vitoria-Gasteiz www.artium.org · +34 945 20 90 00 museo@artium.org
Imagen: NO, Global Tour. Livorno-Madrid. Santiago Sierra
La espera. Consuelo Belmonte©
Otro día más estoy aquí, a la espera de que ocurra lo que toda mi vida he estado esperando, eso que no llega y que, en lo más profundo de mí, sé que no llegará nunca. Y aunque no puedo describir con palabras exactas lo que espero, puedo asegurar con absoluta rotundidad que lo espero. Siempre lo estoy esperando. O quizás sí pueda describirlo, pero…, me asusta decirlo, en realidad, me avergüenza decirlo. Por las mañanas, cuando me levanto y me miro al espejo, espero encontrarme con otra, espero dejar de sentirme como un monstruo del que todos huyen, incluida yo misma, espero dejar de ser “eso”, al lado de quien nadie quiere sentarse, quizás por miedo a contagiarse de aquello que a mí me atormenta, de aquello que, a mí, me mata. Espero con ansia poder un día tocar mi cuerpo sin que nada me lo impida. Espero una mirada, pero que no sea de asco o reproche, espero una mirada gentil, una mirada de comprensión quizás, una mirada de amistad. Espero mirarme con otros ojos. Espero, pero nada llega. Y entre tanta espera, es la desesperanza, la desconfianza, la que me envuelve. Quizás haya tanto de ella en mí, que se ha tornado visible. Y ya que ambas son negativas, ya que ambas son desagradables, quizás sean ellas las que den forma a esa masa que me rodea y me asfixia, y de la que deseo huir con desesperación. Sigo esperando día tras día, semana tras semana, año tras año. Me siento aquí, en este mismo banco, en este mismo lugar, cada tarde de mi vida, viendo a las mujeres de mi edad pasear y reír.
Realizan lo que se podría llamar una
“danza de
apareamiento” en la que esperan la llegada de los machos para concluir así el ritual. Su espera siempre concluye; satisfactoriamente o no, pero concluye. En cambio la mía, no. La mía es una eterna espera, una infructuosa espera que me está matando, que me ahoga y me desespera. Esa espera que, aviesamente, se torna esperanza, dando un sentido falso a la enorme pérdida que supone seguir día tras día esperando algo que no llegará. La esperanza no se agota; la esperanza es el sentimiento más insistente que posee al ser humano y, quizás por ello, el más terrible, el más cruel, el más irreal. Siempre está ahí, incansable, inagotable, imposible. La esperanza es esa inútil amiga que finge escucharte cuando le intentas contar algo importante, pero que en realidad está
pensando en sus historias, y las tuyas no le importan una mierda. La esperanza es desesperante. ¿Por qué digo todo esto? ¿Por qué pienso en estas cosas? ¿Qué es lo que espero obtener de todo este dolor? ¿Es que realmente espero algo? Quizás sea este mi destino, mi objetivo: esperar, esperar y esperar. Y mientras espero, se me pasa la vida sin haberla vivido, sin haberla sentido ni experimentado. Pero, ¿qué puedo esperar si nada ha de cambiar? ¿Por qué sigo esperando entonces? De niña me decía a mí misma: “espera a tener 20 años, todo cambiará”. Al cumplir los 20 me dije: “aún es pronto, ya verás a los 30”. Y así sucesivamente sin que nada haya cambiado. Nada, excepto la espera. Yo sigo esperando, y sigo, y sigo, y creo que en algún momento todo cambiará, que una mañana me levantaré y todo lo que rodea mi cuerpo habrá desaparecido pudiendo así, por fin, verme tal cual soy. Espero dejar de sentir que estoy metida dentro de un disfraz y que miro la vida detrás de una máscara. Espero, tal vez, que al fin comprenderá la gente lo que significan las palabras compasión o amistad, y actuarán en consecuencia. Y sigo esperando, y sigo esperando… …y sigo aquí, todavía sigo aquí. Esperando.
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JUEVES, 17 DE MARZO, A LAS 20:30h Inauguración de la exposición Poéticas de destrucción Marina Núñez Kepa Garraza Del 17 de marzo al 21 de mayo de 2011 Poéticas de destrucción es un diálogo construido a partir de dos visiones muy diferentes de la cultura en tanto que expresión de lo humano, de la comprensión de la creación como techné y como poiesis. Un proyecto en que Marina Núñez y Kepa Garraza enfrentan sus universos narrativos para articular una reflexión sobre la transgresión de la identidad, el símbolo y el mito. Cuando Marina Núñez abre las puertas de un mundo futuro devastado por la acción del hombre, lo que en realidad abre son las puertas del nuestro, disponiendo un espejo que nos refleja deformados por nuestras fobias y despojados de nuestras certezas. Un escenario de duda, la cara B del tecnorracionalismo, que exige un lenguaje propio, capaz de generar en nosotros extrañamiento, percepción exógena.
No es el sueño, sino la vigilia de la razón la que produce monstruos. Algunos, ángeles caídos, víctimas de la ambigüedad, de la reflexión de nuestro pensamiento sobre sí mismo; otros, sirenas, atrapados en este mecanismo de apariencia y engaño que nos hace ver lo propio como ajeno. Se trata, en cierto modo, de la distancia insalvable que establece la imagen como representación, la propia creación artística, que exige nuestra presencia siquiera sea, como en el caso de Narciso, para hacer posible el reflejo y completar el proceso. En este singular imaginario entrópico, la obra de Kepa Garraza emerge desde coordenadas muy diferentes. A través del polisémico discurso metapictórico de sus Brigadas Internacionales para la Destrucción del Arte, Garraza trata de subvertir el carácter icónico de ciertos referentes de la cultura "universal" mediante el uso irónico de la violencia: un grupo terrorista atenta contra artistas, galeristas, museos... Contra la institución-arte, en suma, reducida a su condición fetichista. Este proceso de desacralización de lo artístico opera simultáneamente sobre la Obra, el Artista y el Museo; fetiche, chamán y templo respectivamente. Una intervención simulada que cuestiona el establishment artístico como espacio de legitimación, de autoafirmación de un discurso monomáquico y etnocéntrico. Las propuestas de Núñez y Garraza aspiran a descubrir la tramoya del juego de mitos fundacionales -ficciones legitimadoras-, que estructura la historia del arte, exhibiendo el código de convenciones en que se asienta todo proceso -por definición ilusorio- de (auto)representación. Adrián Hiebra
Imagen: Kepa Garraza. Acción de Asalto al Arte Nº19, Madrid, 2010. Óleo sobre lienzo, 170 x 300 cm.
Y en la tormenta más atronadora Gloria Carvajal ©
Siente y lee palabras de delirio..., de deseo...,de olvido...,de esperanza...y anhelo. Versos de besos,de vanaglorias y partituras... Versos de la historia una sorda y tambien muda… loca por un rio ciego que desembocó en fuente de aguas turbias de olvido. Versos de fantasia...y recuerdos… versos de mares de duda y jardines tapiados de un reloj parado y una melodía eterna… Miralos,piensalos,recuerdalos,sientelos,vivelos… “Para luego estamparlos todos contra el suelo” Si cada verso tornara escalon de una escalera , la cual guiara a la oscuridad de un pozo. Yo bajaria la escalera y a cada peldaño ke pisara con dolor... con rabia,mas fuerte pisaria el escalon que le sucede. Por arrebatar el significado y el sentimiento que puse en ellos Bajaria a lo mas profundo..hasta pisar el punto final. Y alli entre aguas oscuras de soledad sin fondo, donde solo rompe el silencio un eco que se sucede. El eco que brota de cada lagrima cristalina hija de mi tristeza al fundirse en aguas de pozo de pena negra se tiñen. En el reflejo de tu olvido… Nadando en mis negras lagrimas,morira tu recuerdo. Como quien a su paso va apagando los candiles que lo guian, porque no piensa volver a pasar por cierto lugar jamas. Prefiriendo perecer perdido,antes que caminar sobre sus pasos.
Vuelve MADRID FOTO 3, una apuesta por la fotografía contemporánea en estado puro MADRID FOTO afronta su tercera edición del 5 al 8 de mayo en el Pabellón Número 1 de IFEMA, un espacio diáfano con más de 5.000 m2 de exposición. Hasta setenta galerías, editoriales y revistas internacionales participarán en MADRIDFOTO3, la única feria de fotografía contemporánea internacional que se celebra en España. Tras la buena acogida de sus dos primeras ediciones, en 2011 MADRIDFOTO contará con la presencia de unas setenta galerías, editoriales y revistas de corte internacional. La feria, destinada a promover la fotografía con especial énfasis en lo contemporáneo, apuesta por fomentar un nuevo coleccionismo privado, corporativo e institucional en nuestro país. En la presente edición, la feria recupera la sede que ya ocupara el año de su lanzamiento, el Pabellón 1 de IFEMA, un espacio que estará diseñado especialmente para la ocasión por el arquitecto Andrés Jaque. Stands, pasillos, zonas de descanso y áreas VIP buscarán resaltar las piezas expuestas y de hacer de la visita una experiencia cómoda y agradable para el espectador. MADRIDFOTO3 cuenta para su promoción con tres embajadores de lujo: Timothy Persons (promotor de la Escuela de Helsinki de Fotografía y director artístico de TAIK Gallery de Helsinki/Berlín), Baudoin Lebon (dueño de la Galerie Baudoin Lebon de París) y Pilar Citoler (coleccionista y patrona del Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía de Madrid). MADRIDFOTO3 acercará por tercer año consecutivo a Madrid lo más destacado de la fotografía contemporánea internacional y algunas joyas de la foto vintage que en ningún otro
momento pueden verse en la ciudad. La feria apuesta por la calidad y el equilibrio de las propuestas expuestas, y busca descubrir nuevas formas y técnicas, convirtiéndose en un espejo de lo que actualmente sucede en el mundo de la creación fotográfica contemporánea. En 2011, la feria premiará a artistas y galerías teniendo en cuenta dos categorías: sostenibilidad (Premio Acciona - MADRID FOTO) y jóvenes fotógrafos (Premio Comunidad de Madrid - MADRID FOTO). Paralelamente, siguiendo la estela abierta en 2010, se organizarán tertulias y encuentros para que comisarios, programadores, directores de museos y otros profesionales puedan participar de forma activa en la feria. Además, MADRIDFOTO3 pondrá en marcha un programa especial para coleccionistas, que incluirá actividades, visitas guiadas y eventos sociales, así como un espacio VIP para reunirse e intercambiar ideas dentro del marco de la feria. En su última edición, la feria contó con la participación de veinticinco expositores extranjeros procedentes de Estados Unidos, Reino Unido, Portugal, Italia, Luxemburgo, Francia, Alemania, Holanda, Dinamarca, Canadá y México. En el terreno nacional, MADRIDFOTO3 reunió a veintidós galerías madrileñas, ocho catalanas y doce del resto de España. MADRIDFOTO es la única feria internacional especializada en fotografía contemporánea de España, destinada a un nuevo coleccionismo privado, corporativo e institucional. Se trata de una iniciativa dirigida por Giulietta Speranza y organizada por ARTFAIRS, cuyo presidente es Enrique Polanco. MADRIDFOTO contará en 2011 con la colaboración del Ministerio de Cultura, la Comunidad de Madrid y el Ayuntamiento de Madrid, así como de empresas colaboradoras interesadas en la fotografía de autor. A ellas se suma el apoyo de profesionales como Sofía Barroso (Around Art), Carral Asociados, Andrés Jaque o Celda y Asociados.
Para más información www.madridfoto.es
otras luces_ patricia gil
¿Qué significado tiene para mí la fotografía?
Mi afición a la fotografía y al arte en general emerge a partir de una necesidad de expresar y compartir mis sentimientos, experiéncias y pensamientos. Soy una mujer enormemente curiosa y muy observadora, disfruto impregnándome y aprendiendo constantemente de todo lo que me rodea, paisajes, personas, momentos...y, de alguna manera con mi cámara inmortalizo y retengo todo lo que mi pupila y mi corazón ven y sienten con el deseo de dar a conocer a los demás y a mí misma mi manera de ver el mundo. Pienso que una fotografía no sólo habla de lo que se muestra a través de la imagen, sinó que, si uno es un poco observador, puede adivinar también la manera de ser y el carácter de la persona que hay detrás de la cámara. Me gusta especialmente la fotografía de paisaje, captar la intimidad y la armonía de la naturaleza con todas sus formas suaves, sinuosas y caprichosas... De este ejercicio de observación en silencio del paisaje, fluyen de mi cámara imágenes que en su mayoría transmiten soledad, tranquilidad, calma... Cuando hago mis fotografías me convierto en una parte integrante del entorno que espera pacientemente el instante y la luz adecuada. Me encanta ese momento, esa paz interior... Soy una eterna soñadora ilusionada con la fotografía de la vida.
Patricia Gil
Patricia PpPat
EXPOSICIÓN "Yinka Shonibare, MBE. El futuro del pasado" Del 10 de febrero al 15 de mayo de 2011 Sala Alcalá 31 Vicepresidencia, Consejería de Cultura y Deporte de la Comunidad de Madrid con la colaboración del British Council Comisario: Octavio Zaya Entrada gratuita www.madrid.org
Del 10 de febrero al 15 de mayo de 2011 se podrá ver en la Sala Alcalá 31 la exposición Yinka Shonibare, MBE. El futuro del pasado, organizada por la Comunidad de Madrid en colaboración con el British Council. El comisario, Octavio Zaya, ha seleccionado para este proyecto 22 obras creadas en su mayoría desde el 2008, en donde destacan sus series fotográficas, como la basada en el grabado de Francisco de Goya El sueño de la razón produce monstruos, así como sus instalaciones escultóricas. La muestra comprende un conjunto de obras recientes del artista británico-nigeriano Yinka Shonibare, MBE (Londres, 1962), reconocido internacionalmente en el contexto del arte contemporáneo por una obra cargada de símbolos visuales. Desde los estampados coloristas de los tejidos africanos que utiliza en sus creaciones hasta las elaboradas escenas con maniquíes descabezados, y ataviados con esas telas, las obras de Shonibare evocan temas de historia, arte, lliteratura y referencias culturales que se proyectan en el presente y el futuro. El comisario Octavio Zaya ha seleccionado para este proyecto 22 obras creadas en su mayoría desde el 2008. El artista retoma en estas obras -salvo excepciones- los métodos, símbolos y características de sus obras más reconocidas, pero esta vez hace mayor hincapié en la historia, el arte, la literatura y el teatro para discutir metafóricamente el clima político global de nuestro tiempo y su legado. El punto de partida viene dado a través de la serie fotográfica basada en el grabado de Francisco de Goya El sueño de la razón produce monstruos perteneciente a la serie Los caprichos del gran maestro español. El centro de esta selección se articula en torno a una instalación escultórica y una serie fotográfica que se inspira en el Infierno de Dante y en Willy Loman -el trágico personaje de la mítica "Muerte de un viajante" (1949) de Arthur Miller, en la que el reconocido dramaturgo norteamericano denuncia el carácter ilusorio del sueño americano-.
En ese mismo espíritu habría que entender The Big Three (Los tres grandes), el grupo de esculturas que representa a los directivos de las tres compañías importantes de automóviles americanos: Chrysler, General Motors y Ford. La muestra se completa con el film Un Ballo in Maschera (2004), el primer grupo de collages realizados por Shonibare y Cannonball Heaven, una instalación producida especialmente para esta primera muestra de Yinka Shonibare en España. Organiza: Vicepresidencia, Consejería de Cultura y Deporte de la Comunidad de Madrid en colaboración con el British Council Comisario: Octavio Zaya Dirección: Sala Alcalá 31 C/ Alcalá, 31 28014 Madrid Teléfono 91 720 82 51 Horario: De martes a sábados: de 11:00 h. a 20:30 h. Domingos y 21 de abril: de 11:00 h. a 14:00 h. Cerrado los lunes, 22 de abril y 1 de mayo Visitas guiadas gratuitas: Miércoles: 12:00 h. Sábados: 12:00 h. y 13:00 h. / 18:00 h. y 19:00 h. Domingos: 12:00 h. y 13:00 h. El 23, 24 y 30 de abril y el 1 de mayo no se realizarán visitas guiadas. Entrada gratuita
Imagen: The Sleep of Reason Produces Monsters (Africa), 2008. C-print montado sobre aluminio © el artista. Cortesía de Yinka Shonibare, MBE, Galería Stephen Friedman, Londres y Galería James Cohan, Nueva York/Shangai.
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