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Revolución Industrial L
a revolución industrial fue un periodo que tuvo lugar desde la segunda mitad del siglo XVIII a principios del siglo XIX. En esta etapa ocurrieron cambios sociales, económicos, tecnológicos y culturales. Con esto surgió una nueva clase social, el proletariado.
Miles de trabajadores fueron remplazados por máquinas. Se incrementó en Europa el flujo comercial del combustible y del algodón. Las innovaciones tecnológicas más importantes fueron la máquina de vapor y la denominada Spinning Jenny (primera máquina inventada para producir hilo).
Con la revolución Industrial aumentó la cantidad de productos y por otro lado, disminuyó el tiempo de manufactura, dando paso a la producción en serie. Máquina Watt.
Con la Revolución Industrial aumentó la cantidad de productos y por otro lado, disminuyó el tiempo de manufactura, dando paso a la producción en serie. Henry Cole, funcionario civil inglés, organizó la primera Gran Exposición de Trabajos de la Industria, en Londres, en
el año de 1851 (Great Exhibition of the Works of Industry of all Nations) con patrocinio del príncipe Alberto de Inglaterra. Más de catorce mil expositores participaron con sus productos en el Crystal Palace, construido para este
Crystal Palace
“
El objetivo central es demostrar la unión del mejor arte con la manufactura”
Henry Cole
fin en un tiempo récord de seis meses permitiendo dar a conocer los avances tecnológicos de la época. Cole decía: “el objetivo central es demostrar la unión del mejor arte con la manufactura”. A pesar de la reducida participación de los Estados Unidos en la Gran Exposición, mostró un enorme potencial en el campo científico y tecnológico, destacando su pragmatismo, funcionalidad y la carencia de adornos superfluos en sus productos. Cyrus MacCormik presentó la segadora, que con su eficiencia logró mecanizar rápidamente el campo, a su vez, Isaac M. Singer dio a conocer su máquina de coser doméstica empleando por primera vez la aguja recta y el “prénsatelas”.
Máquina singer
Arts
&Crafts
S
urge en Inglaterra a finales del siglo XIX. Revalorizó las artes y oficios medievales, reivindicando al ser humano frente a la máquina. Su ideario estético y social proponía acabar con la distinción entre el “gran arte” y las “artes menores”, revitalizar el trabajo manual, así como promover y realizar un arte para toda la sociedad y no sólo para las élites. Uno de sus creadores e ideólogo fue William Morris (1834–1896) escritor, reformador social, diseñador y artista inglés que intentó la renovación cultural afín al manifiesto comunista de Karl Marx. Consideraba que la causa de las inhumanas condiciones
de vida de los obreros podía encontrarse en la industria de la Inglaterra victoriana. Esta industria era cada vez más dependiente al combustible, para mover, por mar y tierra a
Revitalizar el trabajo manual, así como promover y realizar un arte para toda la sociedad y no sólo para las élites.
personas y materiales a gran escala. En 1861, Morris y un grupo de amigos, entre ellos: Rossetti y Burne-Jones, fundaron la empresa de decoración Morris, Marshall, Faulkner & Co. Philip Webb (1831-1915) arquitecto inglés, también formo parte de la compañía como del movimiento Arts and Crafts, particularmente conocido como el diseñador de la Red House (ubicada en Londres). Otro diseñador importante fue Charles Robert Ashbee (1863-1942), arquitecto británico, quien fundó el Gremio y
Escuela de Artesanías en el distrito londinense Whitechapel. Mezcló las teorías de Arts and Crafts a la corriente imperante en esos días: el Maquinismo. Ésta tendencia proponía el diseño artesanal, buscando así, diseñar y producir objetos usando todo aquello que tenía a su alcance, y tomando en cuenta a la nueva maquinaria y a la industria moderna como eje. A pesar de esto, Ashbee no consideraba que su nuevo concepto de arte sacrificara al artesano, sino que meramente transformaba al artesano en diseñador industrial: ahora las manos del artesano eran la máquina.
Ashbee no consideraba que su nuevo concepto de arte sacrificara al artesano, sino que meramente transformaba al artesano en diseñador: ahora las manos del artesano eran la máquina.
Estudio William Morris
Modernismo C
orriente que nació en Bélgica a principios del siglo XX, conocido de distintas maneras alrededor del mundo: en la versión alemana se denominó Jugendstil, en Austria Secession; en España, floreció a través de Antonio Gaudí, quien se refería al estilo como “Modernismo” término con el cual se le conoce también en América del Sur; en Italia, se utilizó el término Floreale y en el Reino Unido se denominó Modern Style o Style Glasgow. Sus principales características formales fueron: el uso de la línea curva, la asimetría, la inspiración en la naturaleza, el estilo orgánico, una marcada tendencia a la estilización de los detalles, el uso recurrente de figuras femeninas de cierta tonalidad erótica, una libertad inspirada en lo fantástico y lo exótico, e incorporando tendencias de diversas culturas como egipcia, japonesa, árabe y las precolombinas.El Modernismo buscó aproximar las artes Jossef Hoffman
mayores (la arquitectura, la escultura y la pintura) a las artes decorativas (mobiliario, joyería, libros, tapices) aplicándolas a la vida cotidiana. Por ello, el artista del Art Nouveau no sólo se dedica a pintar, esculpir o construir, sino también a diseñar muebles, vajillas, vestuarios, lámparas, etc. Esto significó, de alguna manera, recuperar la idea renacentista del “artista total” en el marco de un nuevo objetivo; unir lo útil al arte de una forma más instintiva que ordenada. Artistas destacados de la época: Bélgica (Art Nouveau): Víctor Horta arquitecto belga, cuyo Hotel Tassel (1893) fuera unas las primeras expresiones de esta corriente. Henry Van de Velde (1863-1957) cuyo concepto mantiene estructuras de buen flujo aunque prescindiendo de la decoración.
Francia (Art Nouveau o Le Style Moderne). En 1901 se creó oficialmente la Escuela de Nancy, también conocida como Alianza Provincial de Arte e Industrias. Representantes destacados: a Émile Gallé, Jacques Majorelle, Eugène Vallin, Jacques Gruber, Jean Prouvé, Héctor Guimard (diseñador de las entradas de hierro fundido del Metro de París en 1900) y Jean Daum. Orbe germánico (jugendistil y Secession). El mundo germánico –Austria y la actual Alemania- tuvieron un avance homogéneo en cierto grado. Principales representantes: Otto Wagner, José María Olbrich (crea el edificio que da el nombre al estilo), Gustav Klimt, Koloman Moser junto con Josef Hoffman creará colectivos de artistas, arquitectos y diseñadores para la elaboración de proyectos
comunes, los Wiener Werkstätte (Talleres vieneses). España (Modernismo). Su mayor exponente fue Antoni Gaudí Cornet, pero no debemos olvidar a los colaboradores de Gaudí y los demás españoles que fueron maravillosos modernistas, Josep M. Jujol Gibert y Rubio i Bellver, Sebastián Ribó, Daniel Zuloaga, Lluis Masriera y Paco Durrío. Reino Unido (Modern Style o Style Glasgow). Charles Rennie Mackintosh escocés, es uno de los más grandes modernistas. Emplea forma prismáticas y ortogonales, se le considera el precursor del racionalismo y Archibald Knox originario de Island of Man, trabajó joyería y objetos de metal.
El Modernismo buscó aproximar las artes mayores (la arquitectura, la escultura y la pintura) a las artes decorativas (mobiliario, joyería, libros, tapices)
Archibald Knox
Jossef Hoffman
Art Déco F
ue un movimiento de diseño popular nacido entre 1920-1930, surgió al término de la Primera Guerra Mundial y finalizó con el inicio de la Segunda Guerra Mundial. Influyó a todas las formas de arte: arquitectura, diseño de interiores, escultura, mobiliario, moda, textiles, joyería, pintura, artes gráficas y cine. Combinó influencias como el neoclásico, constructivismo, Art Nouveau y futurismo. El estilo Art Déco cuenta con un diseño elegante, funcional y moderno. En interiores es tan racional y geométrico que a menudo incluye muebles con frentes curvos, líneas limpias, espejos,
Jean Dunand
La elegancia de este estilo comenzó como respuesta al estilo Art Nouveau. herrajes cromados y cristal. La elegancia de este estilo comenzó como respuesta al estilo Art Nouveau, que fluye en las formas naturales y las imágenes femeninas de las lámparas de Tiffany. Posteriormente, renacería su carácter con la llegada del
diseño gráfico en los 80´s del siglo XX, teniendo una fuerte influencia en los movimientos artísticos como el de Memphis y el Pop Art. Esta corriente celebra la era de la máquina por medio de un uso explícito de los materiales hechos por el hombre (como el vidrio y el acero inoxidable), la simetría y la repetición, formas tomadas de las creaciones del Oriente Medio. Algunos de los mejores ejemplos de arte y arquitectura del Art Déco se encuentran en Cuba, especialmente en La Habana, por ejemplo el edificio Bacardi de los arquitectos Rafael Fernández Ruenes, Esteban Rodríguez Castell y José
Algunos de los mejores ejemplos de arte y arquitectura del Art Déco se encuentran en Cuba Menéndez de 1930. Otros países con muchos ejemplos de la rica arquitectura Art Déco son Brasil -especialmente en Goiania y ciudades como Cipo y Río de Janeiro, en Estados Unidos -South Beach y Miami Beach, Florida, donde se encuentra la mayor colección de arquitectura Art Déco que queda en América del NorteCaracterísticas: Mantiene los motivos de la naturaleza del Art Nouveau, pero desechó sus formas orgánicas (las curvas libres y asimétricas) y se empezaron a usar colores más atrevidos como el cromo y el negro, así como también figuras
André Groult
Influyó a todas las formas de arte: arquitectura, diseño de interiores, escultura, mobiliario, moda, textiles, joyería, pintura, artes gráficas y cine. geométricas. Elementos de diseño: Las secuencias como los patrones o los zig-zags, rectas que hacían alusión a rayos de luz, imágenes estilizadas, figuras femeninas y exuberantes motivos naturales. Los materiales más utilizados fueron el cromo y el vidrio, éste ultimo grabado al “aguafuerte”, con chorro de arena (sandblasting) o esmaltado en lugar de coloreado.
Pierre Chareu
Diseño en América L
os antecedentes del diseño industrial en Latinoamérica se remontan a la producción de objetos y piezas elaboradas en el continente desde la época colonial, aunque hay quienes encuentran gérmenes en los utensilios elaborados por las civilizaciones prehispánicas. Al abordar la historia del diseño industrial en Latinoamérica es posible percatarse de que ha sido una disciplina importada, traída de Europa con una fuerte influencia de la Bauhaus. Los grandes países como, Argentina, Brasil y México y los medianos como Chile, Colombia y Perú, emplearon hasta finales de los sesenta del siglo pasado, un nivel de industrialización con características comunes.
La segunda etapa en la historia del diseño industrial de América Latina inició a partir de 1930 con la influencia de las vanguardias europeas y de la dispersión que se produjo en Alemania, Austria y los países que fueron afectados por la segunda guerra mundial. Artistas, arquitectos y diseñadores europeos cruzaron el océano para reconstruir sus vidas y encontraron campo abierto para desarrollar sus profesiones, entre ellos Martín Eisler, Arnold Hacker, Oscar Kanzenhofer, Fridi y Walter Loos, Frank Möller, Grete Stern, Max Thurm, Paolo Tedeschi en Argentina; Leopoldo Rother en Colombia; Carlos Khon Kagan en Ecuador;
El principio de la industrialización latinoamericana se hizo efectivo con la instalación de infraestructuras y la producción de objetos de uso cotidiano por parte de artesanos y gentes de oficios, con máquinas importadas y algunas materias primas nacionales. Wolfgang Paalen y Hannes Meyer en México; Adolfo Wintermitz en Perú; Lorenzo Siegerist en Uruguay, Gertrudis Goldschmidt (Gego), Nedo Mion Ferrario, Gerd Leufert y Cornelis Zitman en Venezuela.El principio de la industrialización latinoamericana se hizo efectivo con la instalación de infraestructuras y la producción de objetos de uso cotidiano por parte de artesanos y gentes de oficios, con máquinas importadas y algunas materias primas nacionales.Estos productos semi industriales se mostraban en las exposiciones de las grandes capitales del mundo como atractivos exóticos para los ojos de los demás continentes. A la par de las exposiciones, las academias han desempeñado un rol interesante en la formación de artesanos y gentes de oficios. En 1849 se fundó la Escuela de Artes y Oficios en Santiago de Chile. En 1867 fue creada la Escuela Nacional de Bellas Artes de la Academia de San Carlos en México. Ecuador fue testigo
En general los estudios latinoamericanos de diseño copiaban el modelo de la Bauhaus
del nacimiento de la Escuela de Bellas Artes en 1904, mientras que en Argentina se fundó en 1905, la cual derivó en la Comisión Nacional de Bellas Artes que desde 1924 incluyó a la Escuela de Artes Decorativas e Industriales. por lo que más que técnica y producción, los programas se abocaban a la resolución de problemas estéticos, lamentablemente sin tener demasiado contacto con las industrias locales. El arte concreto se enuncia en Argentina, Uruguay y Brasil como una aproximación estético-científica al diseño de objetos. En la década de los 50’ sobresalieron dos figuras: la ítalo-brasileña Lina Bo Bardi y la cubano-mexicana Clara Porset Dumas, quienes hicieron hincapié en el diseño de mobiliario y equipamiento doméstico.La tercera etapa en la historia del diseño industrial en Latinoamérica surge de las nuevas condiciones dadas a partir de la postguerra, marcada por la sustitución de importaciones desde la década de los 50’, lo cual significó un reto para las industrias nacionales que desperdiciaron la oportunidad al reproducir productos, estrategias y modelos de los países de tecnología avanzada. En la segunda mitad del siglo XX se formaron las primeras escuelas universitarias de diseño gráfico e industrial, algunas independientes de las artes y la arquitectura. En 1956 Max Bill propone la creación de la Escuela Superior de la Forma, siete años
En la década de los 50’ sobresalieron dos figuras: la ítalo-brasileña Lina Bo Bardi y la cubano-mexicana Clara Porset Dumas, quienes hicieron hincapié en el diseño de mobiliario y equipamiento doméstico. después se abrieron las aulas de la Escola Superior de Desenho Industrial (ESDI) en Guanabara, con un curriculum elaborado sobre la base de la HfG de Ulm, la cual se había convertido en el nuevo punto de referencia para la profesión. En 1957 dan inicio las clases de diseño industrial en el estado de Minas Gerais. En Chile se inicia la formación profesional del diseño industrial en 1970, en la Pontificia Universidad de Chile y en la Universidad Nacional de Chile. Contó con la colaboración de Gui Bonsiepe, Werner Zemp y Michel Weiss, todos provenientes de la Escuela de Ulm. En Colombia, en 1974, la Universidad Jorge Tadeo Lozano abre los primeros cursos de esta disciplina en Bogotá. El diseño industrial se importó a México a partir de la teoría y práctica de la Bauhaus y la HfG de Ulm. En el año de 1962 se crea la Escuela de Diseño y Artesanías del INBA , posteriormente, en 1963 se crea la carrera de Diseño Industrial en la Universidad Iberoamericana, y en 1969 se funda la carrera en la Universidad Nacional Autónoma de México bajo la dirección de Horacio Durán.
Bauhaus L
a Staatliche Bauhaus (Casa de la Construcción Estatal) fue una escuela de artesanía, diseño, arte y arquitectura fundada en 1919 por Walter Gropius en Weimar (Alemania). Esta escuela atribuye al color una función de definición espacial. Ejemplos: •Farkas Molnar su proyecto casa “Roter Würfel” 1922- 1923. •Gropius persistió en el uso de formas elementales y los colores primarios. Impuso una estética llamada “estilo Bauhaus”. El manifiesto de la Bauhaus generó muchas ideas que influenciaron en la academia de formación artística de la época. Nueve artistas fueron docentes en la Bauhaus: el escultor Gerhard Marcks (1919), y los pintores Lyonel Feininger (1919), Johannes Itten (1919), Georg Muche (1920), Oskar Schlemmer (1921), Paul Klee (1921), Lothar Schreyer (1921), Vasili Kandinsky (1922) y
László Moholy-Nagy (1923). Con el fin de cumplir la enseñanza exigida, casi todos desarrollaron una teoría. Klee, Kandinsky y Schlemmer insertaron la suya en un tejido teórico de lógica propia. En 1922 se transforma de expresionista a constructivista. Primer indicio: cambio del logotipo, del “hombre de las estrellas” de Karl Peter Röhls (1921) al de Oskar Schlemmer. Oskar Schelemmer Karl Peter Röhls El movimiento holandés De Stijl comenzó a ser popular en la Bauhaus entre 1920-1921, al ser introducido en ella por el cofundador del mismo: Theo van Doesburg. Se Impartieron conferencias, veladas de discusión, cursos de De Stilj, recorridos por los
talleres, exposiciones de trabajos y se creó la revista De Stijl, así como también se realizaron visitas de otros artistas del movimiento como C. van Eesteren y J.P.Oud.Hannes Meyer fue el sucesor de Walter Gropius en la dirección de la Bauhaus, a partir de 1928 y hasta 1930. En este año, el consejo de maestros le exigió su renuncia, nombrando a Mies van der Rohe como el tercer,
El manifiesto lograba que artesanos y artistas trabajaran unidos. y ultimo, director de la institución. Para Gropius, los talleres eran el corazón de la formación en la Bauhaus. Según la concepción inicial, el estudiante podía acceder a la arquitectura después de haber terminado exitosamente una formación de taller. Gropius desarrolló ideas, que fueron plasmadas por el alumno Walter Determann, para crear un barrio de artistas, y tras la fundación de una cooperativa para construir viviendas, Fred Forbat elaboró los primeros planos de lo que se conoció en 1922 como “nido de abeja”. En Dessau desde 1925, Gropius emprendió tres grandes proyectos: el edificio de la escuela, las casas de los maestros y el barrio Törten El único edificio que se considera de la Bauhaus es la casa llamada Haus am Horn de Adolf Mayer, estructura hecha sobre las bases de un proyecto del pintor Georg Muche.
Hannes Meyer fue el sucesor de Walter Gropius en la dirección de la Bauhaus, a partir de 1928 y hasta 1930. La Bauhaus fue catalogada como fuerza de izquierdas. En consecuencia, en 1924 cuando el gobierno de izquierda fue sucedido por una coalición derechista, la clausura de la escuela de Weimar fue inevitable. En el Land Anhalt y en Dessau, donde se mudó la escuela en 1925, imperaron hasta 1932 condiciones políticas favorables y, bajo la dirección de Mies, la escuela volvió a ganar aquella conciencia de valor propio que se había generado en la Bauhaus de Weimar. Sin embargo, a partir de 1929 el clima político se transformó a causa del fortalecimiento del Partido Nacional Socialista. Con una resolución del consejo municipal, la fracción del partido de Dessau logró el cierre de la escuela el 30 de septiembre de 1932. En octubre de ese mismo año, Mies van der Rohe reabrió la Bauhaus en Berlín, como Instituto privado, pero subsistió sólo pocos meses.
Diseño Alemán L
a Hochschule für Gestaltung (HfG) o Escuela de Ulm, fue una institución universitaria radicada en la ciudad de Ulm, Alemania, considerada la entidad más importante para la formación de profesionales del diseño después de la Segunda Guerra Mundial, ha dejado una profunda huella a nivel internacional. Fundada en 1953, entre otros, por Inge Aicher-Scholl, Olt Aicher y Max Bill -este último, exalumno de la Bauhaus y primer rector de la escuela de Ulm- Además de ser la primera en sistematizar el diseño, integrar la ciencia en él y en desarrollar nuevos métodos de análisis. La Metodología usada en la Escuela de Ulm fue desarrollado por
Hans Gugelot uno de los maestros más importantes para las artes creativas durante los años de 1955 a 1958. Como Hans Gugelot lo postuló, el buen diseño no debía ser simplemente un medio para aumentar las ventas, sino más bien una necesidad cultural. Entre otras cosas, propone una metodología básica para el diseño de productos industriales. La escuela de Ulm tenía un acuerdo con la Braun, ya que esta marca necesitaba distinguirse de la competencia. Gracias a la Escuela Superior de Diseño de Ulm y a los esfuerzos de la Braun en los 60´s se desarrolló el lenguaje formal de diseño, siendo esto la causa de que el diseño alemán se distinga a nivel mundial como práctico, económico y neutro. La universidad de Ulm cerró sus puertas por problemas políticos en 1968, pero dejó como herencia la “metodología del diseño” en
comunicación visual y diseño industrial, así como el concepto de “trabajo en equipos multidisciplinarios”.Con base en los principios de esta metodología se dieron los fundamentos de la “buena forma” (Gute Form). Las etapas de este método, que siguió vigente hasta principio de los 80’s, son: 1. Etapa de información. Recolección de la información, de investigación y de las necesidades del usuario, contexto, funcionalidad y requerimientos de diseño. 2. Estudio tipológico. 3. Apoyo en conocimientos científicos. 4. Estudios de costo/beneficio. 5. Estudio tecnológico fundamentado y de cálculo. 6. Ajuste del diseño a las normas y estándares de materiales y producción. 7. Construcción del prototipo. 8. Pruebas y evaluación. Su principal característica es la tendencia a la creación de piezas únicas o fabricadas en series limitadas, que ha provocado la discontinuidad de la idea de que el diseño industrial únicamente se aplica a la fabricación en grandes volúmenes. El mejor exponente de este movimiento surgió en Alemania Oriental, antes de la caída del Muro de Berlín, bajo el nombre de Kaufhaus des Ostens (la Gran Tienda del Este) que se fundamentaba en los conceptos de sencillez y consciencia.Una figura relevante de esta corriente de diseño es Dieter Rams, quien explica su visión y aproximación al diseño mediante su famoso paradigma expresado por la frase en alemán: “Weniger, aber besser” que traducida al español equivaldría a la frase “menos, pero con mejor ejecución”. Los diez principios fundamentales del “buen diseño”, establecidos por Rams son:
• Innovador. Continuamente se desarrolla a la par de las nuevas tecnologías y, por lo tanto, carece de limitaciones inherentes. • Provee de utilidad a cada producto. El objetivo de un producto es su utilidad. Su diseño es primordialmente práctico y de manera secundaria tiene que satisfacer ciertos criterios de carácter psicológico y estético. • Estético. La calidad estética de un producto forma parte integral de su utilidad ya que los productos utilizados cotidianamente tienden a tener un efecto indirecto en las personas y su bienestar. • Hace un producto comprensible. Un buen diseño simplifica la estructura del producto y lo predispone a expresar claramente su función mediante la intuición del usuario. • Es discreto. Todo producto y su diseño debe ser simultáneamente neutro y sobrio. Un producto correctamente ejecutado es una herramienta estéticamente atractiva que carece de una identidad indefinida. • Honesto. Un diseño nunca trata de manipular al consumidor mediante promesas de una utilidad apócrifa, inexistente o más allá de la realidad física del producto. El movimiento del Nuevo Diseño Alemán se está extinguiendo, pues las nuevas generaciones se concentran en el estudio y desarrollo de los mecanismos de los productos, por lo tanto predominan los cálculos de ensamblaje y construcción.
Una figura relevante de esta corriente de diseño es Dieter Rams, quien explica su visión y aproximación al diseño mediante su famoso paradigma expresado por la frase en alemán: “Weniger, aber besser” que traducida al español equivaldría a la frase “menos, pero con mejor ejecución”.
Diseño Italiano I
talia, máxima potencia en el mundo del diseño; diseño de interiores, diseño urbano, diseño de moda, diseño de producto y diseño arquitectónico. El diseño italiano a través de los años ha logrado distinguirse sobre el resto, es por esto que cuando se habla del “Made in Italy”, se puede casi asegurar algo estéticamente atractivo y de excepcional calidad. El principio del diseño italiano. En los inicios del siglo XX el diseño italiano era reconocido como sotisficado y con mucha clase, sin embargo los diseñadores italianos luchan por encontrar un balance entre la elegancia clásica y la creatividad moderna. En el primer cuarto del siglo pasado el diseño italiano era muy similar a la arquitectura art decó francesa, pero logra
su auge con Gio Ponti. En esta época destancan diseños elegantes, modernos, exóticos y creativos. También surge el Racionalismo, y dentro de esta corriente destaca el Gruppo 7, dirigido por Luigi Figini, Gino Pollini y Giuseppe Terragni. Su estilo se caracteriza por utilizar tubos de acero además de ser más un diseño simple. En 1933 La cafetera Moka, diseñada por Alfonso Bialetti, sorprende por su innovación y practicidad. El éxito de este diseño se ve reflejado al paso del tiempo pues se sigue fabricando hasta nuestros días con pocas modificaciones. Olivetti, empresa creada desde 1908. Trasciende no solo por la funcionalidad de sus productos, sino también por el diseño atractivo que lo distingue. Es después de 1930 que esta empresa italiana comienza a ser conocida por el resto del mundo dándole un éxito más al diseño italiano. Después de la Segunda Guerra Mundial es que Italia logra
consolidarse en el diseño de interiores, se produjo un crecimiento de la producción industrial masiva facilitando el crecimiento del diseño automotriz. Diseños como el FIAT 500, la Vespa Piaggio (1946), diseñada por Corradino, se convirtió en uno de los vehículos más populares durante la época de posguerra. Los coches italianos han sido reconocidos mundialmente por su belleza y practicidad. Famosos coches como los Alfa Romeo convertibles de la década de 1950, así como el Ferrari Araña y Ferrari Formula superdeportivo, son íconos de elegancia y exclusividad gracias a su diseño. Surge el movimiento posmodernista, un híbrido del diseño,
A partir de este movimiento surge el grupo Memphis, fundado por Ettore Sottsass en diciembre de 1980. que en el proceso de creación sus formas son extraídas de su contexto temporal y concreto, se combinan al azar y hacen del diseño pura decoración, convirtiéndolo en una
Los coches italianos han sido reconocidos mundialmente por su belleza y practicidad
enciclopedia de materiales. A partir de este movimiento surge el grupo Memphis, fundado por Ettore Sottsass en diciembre de 1980, integrado también por diseñadores italianos militantes del diseño radical, y de otros equipos de diseño como Studio Alchimia. Produjeron monumentales y vistosos diseños “neopop” que causaron gran sensación a nivel mundial desde 1981. Sus diseños mostraban una serie de influencias eclécticas, con motivos atrevidos y formas estrafalarias, como una burla hacia la noción de “buen gusto”.
Diseño escandinavo S
i hablamos de Escandinavia, nos referimos a cuatro grandes naciones de Europa: Dinamarca, Suecia, Noruega y Finlandia. El diseño escandinavo es descrito como un diseño minimalista, con líneas sencillas y limpias, funcional, con estilo eficaz sin necesidad de elementos pesados, unido a una inteligente y racionalizada inclusión de elementos: sólo se utiliza lo necesario, no más. La funcionalidad es el concepto base de esta corriente de diseño. Las cualidades decorativas sutiles, derivadas de los movimientos artísticos de principios del siglo XX, y las líneas simples, influencia del arte de entreguerras, dieron al diseño escandinavo la elegancia que le caracteriza. El concepto de “cosas hermosas que
hacen la vida mejor” era tomado muy en cuenta. Esta corriente estética es considerada, a menudo, como un “diseño democrático”. Su objetivo es atraer a las masas a través de productos accesibles y de calidad. La Asociación Sueca de Diseño Industrial (SVID) se creó en 1845 con el objetivo de mantener y elevar los estándares de calidad, en diversas profesiones relacionadas con las artesanías. El término “diseño escandinavo” se originó a partir de una muestra de diseño que recorrió EE.UU. y Canadá bajo ese nombre desde 1954 hasta 1957. El diseño escandinavo está fuertemente ligado a la Bauhaus, ya que el funcionalismo era frecuente en la arquitectura escandinava.
El término "diseño escandinavo" se originó a partir de una muestra de diseño que recorrió EE.UU. y Canadá bajo ese nombre desde 1954 hasta 1957. Éstos adoptaron muchos estilos de los edificios alemanes, haciendo del funkis (el término para el funcionalismo en Escandinavia) uno de los más populares. Los diseños atemporales de Arne Jacobsen en muebles y arquitectura son bien conocidos, y sus contribuciones a otros
El diseño escandinavo es descrito como un diseño minimalista, con líneas sencillas y limpias, funcional, con estilo eficaz sin necesidad de elementos pesados, unido a una inteligente y racional inclusión de elementos: sólo se utiliza lo necesario. campos creativos, han sido influyentes a lo largo de la historia. Diseños de lámparas como los de Poul Henningsen son distintivos de este movimiento. Por su parte, los llamativos estampados de Marimekko hicieron de los productos de la empresa un éxito internacional en la década de los 60´s. Uno de los diseñadores más famosos de Dinamarca, Verner Panton, es conocido en los años 60´s, por su trabajo valiente, abstracto y con mayor enfoque en los materiales. Sus diseños, junto con los del finés Eero Aarnio y el finés-americano Eero Saarinen, se han utilizado en una serie de producciones de cine y en un sin número de sesiones de fotos a causa de sus aspectos futuristas.
Styling S
urge en Estados Unidos a principios del siglo XX, donde la productividad industrial era considerada como parte indisociable entre la organización científica del trabajo en la fábrica y la configuración formal del producto. Henry Ford, empresario norteamericano (1863-1947) estudió la relación entre la cadena de montaje, la funcionalidad y eficacia del producto. Antepuso la belleza y los criterios estéticos en el modelo del automóvil “Ford T”, generando bienes de consumo de larga durabilidad que permanecían en el mercado por largos períodos. En los 20’s General Motors busca aumentar su
productividad, y gana terreno al producir modelos más atractivos, variados y costosos, que resultaron preferidos por el público. Las presiones adicionales surgidas del hundimiento del mercado bursátil en 1929 aumentaron el deseo de las empresas de obtener ventajas en esos mercados tan competitivos. Las empresas empezaron a aprovechar la
Surge en Estados Unidos a principios del siglo XX
En aquel periodo se empleó por primera vez el término “diseño industrial” para describir el trabajo de personas que se centraban en crear productos de consumo experiencia de un grupo de personas con conocimientos de primera mano en el fomento de las ventas de un producto determinado. Entre estas personas figuraban los escaparatistas de los grandes almacenes o los artistas comerciales que dibujaban las ilustraciones de los catálogos de venta por correo. En aquel periodo se empleó por primera vez el término “diseño industrial” para describir el trabajo de personas que se centraban en crear productos de consumo como: vehículos, neveras, cocinas y una amplia gama de productos domésticos, mecánicos y eléctricos. Las ventajas comerciales no sólo procedían del moderno aspecto estilizado de un producto, sino muchas veces también de mejoras claras en la fabricación o el montaje y de ideas inteligentes sobre el empleo de los aparatos. Asimismo, nació el movimiento Styling, modalidad del diseño industrial que buscaba generar productos visualmente atractivos, prestándole menor atención a la calidad y a la función, hecho que fomentaba su obsolescencia artificial, con el propósito de generar mayores ventas. Las características formales generales, por lo regular,
se basaban en cierto “aerodinamismo”, formas redondas que evocaran rapidez o movimiento. La crisis de 1929 llevó a prestigiosos diseñadores a colaborar en forma intensiva con la industria y en estrecha vinculación con el marketing (disciplina que surge también en ese período). Personajes representativos: Raymond Loewy, diseñador francés. El tratamiento superficial y muchas veces engañoso dado por Loewy a sus trabajos, siguiendo la línea del Styling, lo hicieron blanco de las críticas de los diseñadores que, a la manera europea, pugnaban por un diseño que contemplara la creación del producto en forma integral sin subordinar sus funciones a la promoción publicitaria, que empujaba al consumidor a adquirir una mercancía por la pura apariencia. Así en las décadas de los 30’s y 40’s surgió una nueva era de diseñadores que dieron un paso más allá de la forma; Henry Dreyfus fue, de hecho, el primer diseñador de la época que trabajaba “desde el interior, hacia fuera”, oponiéndose totalmente al Styling.
buscaba generar productos visualmente atractivos, prest谩ndole menor atenci贸n a la calidad y a la funci贸n, hecho que fomentaba su obsolescencia artificial, con el prop贸sito de generar mayores ventas
3ª Revolución Industrial
o 2ª Revolución Científico-Técnica
La expresión “Revolución tecnológica” o “Revolución científico-técnica” se refiere a las transformaciones técnicas y sus implicaciones económicas y sociales de la llamada “tercera Revolución Industrial” acaecida desde la segunda mitad del siglo XX. Aunque también se utiliza frecuentemente la expresión para referirse a la Revolución Neolítica, primera transformación radical de la forma de vida de la humanidad, que pasa de ser nómada a sedentaria y de economía recolectora (caza, pesca y recolección) a productora (agricultura y ganadería). Es así como se designa a la Revolución Neolítica como la primera Revolución científico-técnica, dejando a la tercera
Revolución Industrial el nombre de segunda Revolución científico-técnica. La primera y segunda Revolución Industrial en la época moderna, se enlazan con el paso de la máquina de vapor al ferrocarril y la multiplicación y sistematización del conocimiento científico para uso industrial. La segunda Revolución Industrial tuvo lugar en Estados Unidos y fue muy diferente de la primera, ya que las industrias más destacadas no surgieron de la agricultura, las fibras y los minerales sino de los avances de la comunicación como el teléfono, el alumbrado en la electricidad y la fuerza motriz en el motor eléctrico, y de los bienes de consumo
como la mercadotecnia y publicidad, la cinematografía, el transporte en el automóvil y la aparición de nuevos materiales, por ejemplo el caucho, aluminio y productos químicosLa filosofía que impulsó a estas industrias fue la denominada de “precios bajos”, que consiste en la producción en masa de bienes de alta calidad y de consumo masivo. Los aspectos positivos de esta segunda Revolución fueron la alta producción empresarial a precios bajos, en relación con el ingreso real, las mejoras en la educación y la innovación social, representada en los programas de atención médica a la población de escasos recursos, inválidos o ancianos. Los aspectos negativos fueron un legado de discriminación, pobreza, mala vivienda y un daño irremediable al medio ambiente (principalmente los océanos) donde la primera y segunda revolución industrial depositaron todos sus desechos. En occidente se presentaron las inversiones más fuertes, mismas que encendieron la explosión económica y abrieron el período más impresionante de cambio económico: la tercera Revolución Industrial. Esta nació lentamente en los laboratorios de investigación, donde el primer logro fue la fabricación de la primera computadora “ENIAC”
para uso militar en 1940, construida en la Universidad de Pennsylvania. Pesaba 30 toneladas, llenaba un espacio equivalente a un garaje para dos automóviles y contenía 18,000 bulbos que tendían a fallar uno cada siete minutos; más adelante se vincula la automatización con la robótica y las computadoras, surge la idea de la energía nuclear, los alimentos transgénicos y su influencia en la salud mental del ser humano. Hoy, la misma cantidad de poder de cómputo se encuentra contenido en un pequeño circuito integrado de silicio, o en un microprocesador. Actualmente, casi cualquier computadora personal, costando alrededor de 100 dólares, es capaz de sobrepasar por mucho el desempeño de la ENIAC. Esto resulta sorprendente, ya que si otras industrias -por ejemplo la automotriz o aeronáutica-, se hubieran desarrollado en forma similar a la industria de la computación, un Rolls-Royce costaría 2.75 dólares y recorrería 3 millones de millas con un galón de gasolina. Y un Boeing 767 costaría sólo 500 dólares y podría dar la vuelta al mundo en 20 minutos con 5 galones de combustible. El resultado ha sido una convergencia de innovaciones tecnológicas en electrónica, computación y
La primera y segunda Revolución Industrial en la época moderna, se enlazan con el paso de la máquina de vapor al ferrocarril y la multiplicación y sistematización del conocimiento científico para uso industrial.
telecomunicaciones, llamada por algunos científicos la ``Revolución Informática''. Esta revolución no se encuentra restringida únicamente al mundo de la ciencia y tecnología, sino que trae consigo sorprendentes cambios en la forma en que vivimos y trabajamos, y quizá, hasta en cómo pensamos. La informática es, en el sentido más estricto, la nueva ciencia de recolectar, almacenar, procesar y transmitir información. Al igual que la informática, la revolución digital también es llamada a veces la tercera Revolución Industrial. Por ella se entiende el cambio de lo analógico, mecánico y electrónico a la tecnología digital que ha tenido lugar desde 1980 y continúa hasta el presente. Implícitamente, el término se refiere a los cambios provocados por la informática digital y la comunicación tecnológica durante la segunda mitad del siglo xx. Semejante a la revolución agrícola y la revolución industrial, la revolución digital marcó el comienzo de la era de la información.
Al igual que la informática, la revolución digital también es llamada a veces la tercera Revolución Industrial
Colaboración David Cervantes Manriquez Loera Alvarez Lorena Isabel Flores Cruz Carlos Ramírez Palomares Josue Bonilla Barillas Melisa Rivera Gámez Cecilia D. Sanchez Espinosa Marco Antonio Osornio Manzano Mario Alberto Gael Albarran Velazquez