Índice: El surrealismo • Historia del Surrealismo • Características del Surrealismo
Autores y Obras • Max Ernst Oedipus Rex El ojo del silencio El ángel del hogar Ubu imperator • René Magritte La filosofía del Camarín Las gotas de lluvia La violación El hijo del hombre • Joan Miró Le coq El carnaval del arlequín • Salvador Dalí Muchacha en la ventana Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes de despertar La persistencia de la memoria • Jim Warren
Historia del Surrealismo” El surrealismo es una tendencia artística surgida entre los años 1920 y 1930. Su aparición oficial se concibe en 1924, con la redacción de "El Manifiesto Surrealista" por el poeta y crítico francés André Breton, quien estimaba que la situación histórica de posguerra exigía un arte nuevo que indagara en lo más profundo del ser humano para comprender al hombre en su totalidad.
El surrealismo surgió del movimiento llamado Dadá, que reflejaba tanto en arte como en literatura la protesta nihilista contra todos los aspectos de la cultura occidental. Como el dadaísmo, el surrealismo enfatizaba el papel del inconsciente en la actividad creadora, pero lo utilizaba de una manera mucha más ordenada y seria. El superrealismo, como también se le llama, es el deseo de expresar el mundo del inconsciente como ese mundo en penumbras y del que pocas conocemos. Como todo ser humano, los artistas se sintieron frustrados con las pésimas condiciones en que se encontraba Europa a fines de la Segunda Guerra Mundial, por lo que su inspiración no la buscaban en la realidad, sino en sus sueños y fantasías. Es importante señalar que la aparición del psicoanálisis, creado por el psicólogo alemán Sigmund Freud, influenció enormemente el desarrollo de esta técnica artística, ya que pone un especial énfasis en el inconsciente del hombre.
Los pintores surrealistas intentan plasmar por medio de formas abstractas o figurativas simbólicas las imágenes de la realidad más profunda del ser humano, el subconsciente y el mundo de los sueños. Para lo que utilizan recursos como: animación de lo inanimado, aislamiento de fragmentos anatómicos, elementos incongruentes, metamorfosis, máquinas fantásticas, relaciones entre desnudos y maquinaria, evocación del caos, representación de autómatas, de espasmos y de perspectivas vacías. El pensamiento oculto y prohibido será una fuente de inspiración, en el erotismo descubren realidades oníricas, y el sexo será tratado de forma impúdica. Se interesaron además por el arte de los pueblos primitivos, el arte de los niños y de los dementes. Preferirán los títulos largos, equívocos, misteriosos, lo que significa que importaba más el asunto que la propia realización.
“El Sueño Que Quiere Dormir” Yves Tanguy
“El Gran Masturbador” Salvador Dalí
“Características del Surrealismo” -
Figuración con temática subjetiva de carácter onírico basada en las técnicas del inconsciente de Freud (el carácter figurativo desaparece en el llamado "surrealismo” )
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Interpretación de la realidad desde el sueño, el inconsciente, la magia y la irracionalidad.
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Conjunción de imágenes dispares (reales o irreales), tanto en el tiempo como en el espacio.
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Los objetos y formas son despejados de su significación tradicional (principio de la "desorientación", el observador queda desorientado, sin saber a qué atenerse).
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Creación de imágenes equívocas de manera que una misma cosa puede ser interpretada de varias maneras (principio de la "discordancia", por ejemplo, una nube puede parecer la cabeza de un animal o bien otra cosa).
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Da importancia a lo paradójico, lo absurdo, la caducidad, la destrucción y lo misterioso.
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Además de lo onírico, representación de toda clase de simbologías, especialmente eróticas y sexuales.
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Toca todos los estilos: clásico, barroco, ingenuismo, futurismo, etc.
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Utilización espectacular de la perspectiva cónica, exagerando la sensación de profundidad (creación de grandes espacios y lejanías).
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Creación en el cuadro de juegos perceptivos e ilusionísticos.
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Ejecución pictórica minuciosa, con gran cuidado del dibujo y la figura.
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Utilización del claroscuro y del color modelado.
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Invención de nuevos métodos y técnicas: pintura automática, frottage, técnica pictórica desarrollada por Max Ernst en 1925, que consistía en la realización de dibujos mediante el roce de superficies rugosas contra el papel o el lienzo y grattage, es una técnica de la en la que (por lo general una vez seca) la pintura se desprende de la tela mediante desgarrones, creando un efecto de relieve.
“Autores” Max Ernst: Artista alemán nacionalizado francés que fue una figura fundamental tanto en el movimiento Dadá como en el Surrealismo. Se caracterizó por la utilización de una extraordinaria diversidad de técnicas, estilos y materiales. Nacido en Brühl, en 1891 ingresó en la Universidad de Bonn donde estudió filosofía y psiquiatría. Se alistó en el ejército alemán durante la I Guerra Mundial. Cuando Ernst dejó el ejército ya había surgido en Suiza el movimiento Dadá, atraído por la revolución dadaísta contra lo convencional, Ernst se instaló en Colonia y comenzó a trabajar en el collage. En 1922 se trasladó a vivir a París, donde comenzó a pintar obras surrealistas en las que figuras humanas de gran solemnidad y criaturas fantásticas habitan espacios renacentistas realizados con detallada precisión: “L’ eléphant célèbes” (1921, Tate Gallery, Londres). En 1925 inventó el frottage (que transfiere al papel o al lienzo la superficie de un objeto con la ayuda de un sombreado a lápiz), más tarde experimentó con el grattage (técnica por la que se raspan o graban los pigmentos ya secos sobre un lienzo o tabla de madera). Ernst fue encarcelado tras la invasión de Francia por los alemanes durante la II Guerra Mundial, en la prisión trabajó en la decalcomanía, técnica para transferir al cristal o al metal pinturas realizadas sobre un papel especialmente preparado. En 1941 emigró a Estados Unidos con la ayuda de Peggy Guggenheim, que se convertiría en su tercera esposa en 1942. En 1953 regresó a Francia y a partir de entonces sus obras gozaron de una notable revalorización. A lo largo de su variada carrera artística, Ernst se caracterizó por ser un experimentador infatigable. En todas sus obras buscaba los medios ideales para expresar, en dos o tres dimensiones, el mundo extradimensional de los sueños y la imaginación.
Obras:
“Oedipus Rex” 1922 Material: Óleo sobre lienzo. Medidas: 93 x 102 cm. Museo: Colección Privada. París.
“El ojo del silencio”
1944
Material: Óleo sobre tela. Medidas: 108 x 141 cm. Museo: Washington University Art Gallery. Saint Louis
“El ángel del hogar” Material: Óleo sobre lienzo. Medidas: 114 x 146 cm. Museo: Colección particular
1937
“Ubu Imperator”
1923
Material: Óleo sobre lienzo. Medidas: 100 x 81 cm. Museo: Helene Anavi Collection. Paulhiac
Rene Magritte: Magritte nació en la pequeña localidad belga de Lessines, en la región del Hainaut, pero su infancia transcurrió en distintos lugares a los que fue trasladándose la familia. Su padre era sastre y su madre, que de soltera había ejercido como modista y sombrerera, se suicidó en 1912 arrojándose al Sambre en Chatelet. Los ecos del suicidio materno pueden percibirse todavía en algunos cuadros de finales de los años veinte -La historia central (1927), Los amantes (1928)-, en los que aparecen figuras con la cabeza cubierta por una tela evocando la imagen del cadáver de la madre, que fue rescatado del río con la camisa cubriéndole el rostro. Sus primeros pasos como pintor se dan, sin embargo, en la Academia de Bellas Artes de Bruselas, en la que emprende estudios en 1916. Como tantos otros pintores de la época, se inicia bajo la influencia de los impresionistas, aunque pronto le causa gran efecto la obra de los futuristas italianos y, muy especialmente, la de Giorgio de Chirico. A principios de los años veinte Magritte se gana la vida diseñando papeles pintados para la casa Peeters-Lacroix y haciendo dibujos publicitarios; al mismo tiempo, entra en contacto con los distintos personajes que, junto con él, formarán el núcleo surrealista belga. A mediados de esa década, Magritte ya ha decidido renunciar a la complacencia de la pintura tradicional con los contrastes de color y las opciones de estilo para representar escuetamente los objetos según su fría apariencia. Las relaciones insospechadas entre ellos como fuente de efectos poéticos constituirán en adelante la columna vertebral de su obra, de la que no se apartará a lo largo de toda su carrera. La Segunda Guerra Mundial significa un cierto punto muerto en su carrera ascendente. Al término de la misma ingresa en el Partido Comunista de Bélgica, donde ya había militado dos veces en la década anterior, pero las posiciones reaccionarias del partido en materia artística lo apartan pronto de él. A la vez que prosigue su obra pictórica reemprende el activismo surrealista con manifiestos y panfletos en los que sigue colaborando con los viejos compañeros del grupo surrealista belga.
En 1943 y 1948 se registran los dos únicos atisbos de ruptura en el desarrollo de su obra. Son los conocidos por periodo Renoir y periodo 'Vaché o grosero’; el primero lo integran unos cuantos cuadros realizados en un estilo matérico y pictoricista, muy cercanos al estilo de los desnudos femeninos de Renoir en los últimos años de su carrera; el segundo lo constituyen unas veinticinco obras pintadas de forma elemental, a grandes brochazos y despreciando la pulida y fría factura habitual. Apenas se trata, sin embargo, de un paréntesis, y enseguida vuelve Magritte al inconfundible estilo que hace reconocibles sus telas desde finales de los años veinte.
Obras: “La filosofía del Camarín” 1947
“Las gotas de lluvia”
“La violación” 1934
“El hijo del hombre” 1964
Magritte pintó este cuadro como un autorretrato, aunque el personaje está representado de forma anónima ya que su rostro se tapa con una manzana. El mar y un cielo nublado están a las espaldas del personaje. Aunque Magritte negaba que su pintura tuviera simbolismo, pero se le considera surrealista. Los surrealistas tenían a Freud como referente para expresar los sentimientos ocultos y el inconsciente, como si fuera un sueño. Así, la niebla podría simbolizar el estado anímico del personaje. La manzana, según los teóricos, representa la tentación, siendo el personaje el hijo de Adán, según el título. Son las tentaciones de la vida moderna. Según las propias palabras del artista, hizo este cuadro para denunciar lo fácil que es para nosotros rellenar lo que no conocemos. El hombre para él tiene muchas cosas que no da a conocer, que se tapan, al igual que en el cuadro.
Joan miro: Pintor español cuyas obras recogen motivos extraídos del reino de la memoria y el subconsciente con gran fantasía e imaginación, y que se hallan entre las más originales del siglo XX. Miró nació el 20 de abril de 1893 en Barcelona y allí estudió en la Escuela de Bellas Artes y en la Academia Galí. Su obra se cuenta con los brillantes colores de los fauvistas, las formas fragmentadas del cubismo y las bidimensionales de los frescos románicos catalanes. En 1920 se trasladó a París, encontrándose con Pablo Picasso, donde, bajo la influencia de los poetas y escritores surrealistas, fue madurando su estilo. Miró arranca de la memoria, de la fantasía y de lo irracional para crear obras que son transposiciones visuales de la poesía surrealista. Estas visiones oníricas a menudo comportan una visión humorística o fantástica, conteniendo imágenes distorsionadas de animales jugando con formas orgánicas retorcidas o extrañas construcciones geométricas. Las composiciones de estas obras se organizan sobre neutros fondos planos y están pintadas con una gama limitada de colores brillantes, especialmente azul, rojo, amarillo, verde y negro. En ellas se disponen sobre el lienzo, como de modo arbitrario, siluetas de amebas amorfas alternando con líneas bastante acentuadas, puntos, rizos o plumas. Posteriormente, Miró produjo obras más etéreas en las que las formas y figuras orgánicas se reducen a puntos, líneas y explosiones de colorido abstractos. Miró también experimentó con otros medios artísticos, como grabados y litografías, a los que se dedicó en la década de 1950. También realizó acuarelas, pasteles, collages, pintura sobre cobre, escultura, escenografías teatrales y cartones para tapices. Sin embargo, las creaciones que han tenido una mayor trascendencia, junto con su obra pictórica, son sus esculturas cerámicas.
Obras:
“Le coq” 1940
“El carnaval del arlequín”
1924-1925 La escalera simboliza la huída. Es un elemento que empieza a usar aquí pero que empleará en muchas de sus obras. Los insectos son otros elementos que se repiten en su obra. El globo es la representación del globo terráqueo, idea que le obsesionaba en ese momento a Miró. El triángulo negro representa la Torre Eiffel. Miró observa elementos de la naturaleza pero no los plasma en sus cuadros tal y como son, ni tan siquiera como los ve él. Lo que hace es un proceso de metamorfosis para crear formas diferentes. Por eso sus obras tienen siempre parecidos elementos, que se han convertido en el referente de su arte. Aunque no encontramos una jerarquía establecida en el cuadro, por el título sabemos que Arlequín es el protagonista. Porta sombrero, bigote,... La escena es un carnaval, donde las apariencias pueden transformarse para ver otra que hay debajo. Por eso, las formas tan extrañas tienen un simbolismo concreto.
Salvador Dali: "...el que yo no sepa cual es el significado de mi arte, no significa que no lo tenga...“ Pintor español. Salvador Dalí nació en una madrugada de la primavera de 1904 en una familia burguesa, hijo de un notario bienpensante y de una dama aficionada a los pájaros. Más tarde escribiría: "A los tres años quería ser cocinero. A los cinco quería ser Napoleón. Mi ambición no ha hecho más que crecer y ahora es la de llegar a ser Salvador Dalí y nada más. Por otra parte, esto es muy difícil, ya que, a medida que me acerco a Salvador Dalí, él se aleja de mí". Su precocidad es sorprendente: a los doce años descubre el estilo de los impresionistas franceses y se hace impresionista, a los catorce ya ha trabado conocimiento con el arte de Picasso y se ha hecho cubista y a los quince se ha convertido en editor de la revista “Studium”, donde dibuja brillantes pastiches para la sección titulada "Los grandes maestros de la Pintura". En 1919 abandona su Cataluña natal y se traslada a Madrid, ingresa en la Academia de Bellas Artes y se hace amigo del gran poeta granadino Federico García Lorca y del futuro cineasta surrealista Luís Buñuel, de quien sin embargo se distanciará irreversiblemente en 1930. En 1927 Dalí viaja por primera vez a París, pero es al año siguiente cuando se instala en la capital francesa y se une al grupo surrealista que lidera el poeta André Breton. Salvador se enamoró de Gala en el verano de 1929 y con ella gozó por primera vez de las mieles del erotismo. Es la época en que pinta “Adecuación del deseo”, “Placeres iluminados” y “El gran masturbador”, pintura esta última que fue atacada y desgarrada por el fanático grupo puritano los Camelots du Roy. En 1934 viaja con su ya inseparable Gala a Estados Unidos, donde desembarca y se presenta ante los periodistas con un enorme pan cocido por el cocinero del trasatlántico que les ha transportado. En sus erráticas manifestaciones no duda en asociar el mito hitleriano con el teléfono y a Lenin con el béisbol. Son todas bromas absurdas que tratan de quitar hierro a una situación política amenazante.
En 1938 conoce por fin, gracias al escritor vienés Stefan Zweig, a Sigmund Freud, quien había sido el gran inspirador de la estética surrealista, de la que Dalí no se siente marginado pese a las bravatas de Breton, sino que por el contrario se considera el único y más genuino exponente. Instalado otra vez en Nueva York en 1939, Dalí acepta un encargo para decorar unos escaparates comerciales. El tema que elige es el del Día y la Noche, el primero evocado por un maniquí que se mete en una bañera peluda y la segunda, por medio de brasas y paños negros extendidos, pero la dirección modifica el decorado sin consultar al autor. Dalí, iracundo, vuelca la bañera de astracán llena de agua y la lanza contra los cristales del escaparate produciendo un gran estrépito y un notable destrozo. Durante los años setenta, Dalí, que había declarado que la pintura era "una fotografía hecha a mano", fue el avalador del estilo hiperrealista internacional que, saliendo de su paleta, no resultó menos inquietante que su prolija indagación anterior sobre el ilimitado y equívoco universo onírico. Místico y narciso, Salvador Dalí, quizás uno de los mayores pintores del siglo XX, convirtió la irresponsabilidad provocativa no en una ética, pero sí en una estética, una lúgubre estética donde lo bello ya no se concibe sin que contenga el inquietante fulgor de lo siniestro. Dalí exhibió de forma provocativa todas las circunstancias íntimas de su vida y su pensamiento.
Obras:
“Muchacha en la ventana”
(1925)
Descripción: Óleo sobre lienzo. 105 x 74,5 cm. Localización: Museo Reina Sofía. Madrid
“Sueño causado por el vuelo de una abeja alrededor de una granada un segundo antes del despertar” 1944 Descripción: Óleo sobre tabla. 51 x 41 cm Localización: Museo Thyssen-Bornemisza, Madrid
“La persistencia de la memoria”
1931
Dalí, de carácter ambiguo y gran personalidad artística, es uno de los representantes del surrealismo más cercano a lo objetivo. Las formas que utiliza son perfectamente reconocidas, no usa abstracción ni geometrización de las formas. En primer término, casi como protagonista, vemos una forma sinuosa con un gran ojo. Algunos teóricos afirman que podría ser un autorretrato del propio Dalí asemejando las formas de un pájaro. Los relojes blandos, tema arquetípico de Dalí que ya había usado con anterioridad, parecen los verdaderos protagonistas de la escena. Los relojes simbólicos representan cómo pasa el tiempo y cómo estamos doblegados a él. Como siempre, los insectos hacen acto de presencia en la obra de Dalí. Como ocurriera en muchas de sus obras, El cuadro en general sugiere la sensación de ansiedad, de que algo no está bien. Como ocurre con el árbol, que no es frondoso sino terrorífico, medio muerto, sin hojas y seco. Así, es un paisaje extraño, con una luz mediterránea al fondo mientras que en primer término es todo penumbra.
Jim Warren: