BALLETIN DANCE 256

ISSN 1850-6275 . Año 23 . Nº 256. Agosto 2016 Revista mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires

L A R E V I S TA A R G E N T I N A D E D A N Z A

FANATICOS Y DETRACTORES Malambo para el siglo XXI ENTREVISTAS Melania Lenoir Luis Biasotto

GALAS INTERNACIONALES Arriban a Buenos Aires

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Nota de Tapa 4 Galas Internacionales Actualidad 10 Bocca Documental 10 Lorca Flamenco 14 Elencos Nacionales 16 Límites Corridos 16 Festival de tango 23 Noticias Breves

Staff editora general Agustina Llumá editores asociados Diego Llumá Martín Goyburu

Provincias 20 Córdoba. Espacios de Reflexión

escriben en este número Nahuel Aguirre Gustavo Friedenberg Román Ghilotti Juan Cruz Guillén Daniel Sousa Gabriel Vaudagna Arango Susana Zimmermann en nuestra sede Juan Martín Caset corresponsales Mercedes Borges (Cuba) Rosa C. Corral (Holanda) Beatriz Cotello (Austria) Fátima Nollén (Inglaterra) diseño Jorge García jorgeg.dg@gmail.com INTERIOR DEL PAÍS: $ 20

BALLETIN DANCE REDACCIÓN Adolfo Alsina 943 - 4º piso oficina 410 (C1088AAA) Buenos Aires - Argentina Tel/Fax: (# 54 11) 4331-0412 De lunes a viernes de 10 a 17 hs gacetillas@balletindance.com.ar www.balletindance.com.ar Balletin Dance, La Revista Argentina de Danza®, es una publicación mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires.

ISSN 1850-6275

Flamenco 24 Cartelera Cordobesa Folklore 26 Elecciones Informe 28 Malambo para el Siglo XXI Declarada de Interés Municipal por el Honorable Concejo Deliberante de la Ciudad de Buenos Aires. Ordenanza Nº 49.027/95. Auspiciada por la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Resolución Nº 12/96.

Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura y Comunicación de la Nación. Resolución Nº 291/97 y 514/01. Auspiciada por la Dirección General de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores, Comercio Internacional y Culto desde 1998. Auspiciada por la Subsecretaría de Cultura de la Provincia de Buenos Aires. Disposición Nº 122/99.

Auspiciada por el Instituto Nacional del Teatro (2003/04, 2009/11). Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación. Resolución Nº 2681/12.

Balletin Dance integra la Asociación de Revistas Culturales Independientes de Argentina (AReCIA). Directora y propietaria: Agustina Llumá. Cuit: 2721765023-8. Reg. Nac. de la Propiedad Intelectual: Nº 5279010. Fotocromía: Trazos Imagen Digital: 4116-5848.

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Comentarios 32 La Realeza en el Barrio 33 Violencia de Género 34 Pasiones de Fútbol 36 Restos Románticos 38 Contemporáneos 41 Con Molinos 42 Honoris Causa Entrevistas 18 Melania Lenoir 44 Luis Biasotto

Lucio Vidal, este mes en Buenos Aires Foto: Elena San Francisco

Argentinos en el exterior 46 Estados Unidos. Manuel Ruiz 51 Italia. Susana Zimmermann 51 Cuba. Gabriela Fabro Internacionales 52 Italia. Solo la Liviandad 48/53 Noticias Breves Cartelera 13 Espectáculos Balletin informativo 54/55/56/57/58 Audiciones, ayudas económicas, becas, clases gratuitas, concursos, convocatorias, festivales, premio, residencias, clínica gratuita, puntos de venta

Sumario Agosto 2016 Año 23 Nº 256

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Galas Internacionales Siendo meses de vacaciones en el hemisferio norte, agosto y septiembre permiten que arriben a Buenos Aires invitados extranjeros que integran reconocidas compañías de danza y ballet

Lil Buck Reily hará La Muerte del Cisnes con Carolina Basualdo Foto . gentileza de la producción

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Nota de tapa AGOSTO 2016 .. BALLETIN DANCE .. 5

Los días viernes 26 y sábado 27 de agosto se realizará la sexta edición de la Gala Internacional de Ballet de Buenos Aires, en el Teatro Coliseo de Buenos Aires, mientras que el domingo 4 de septiembre será la ofrecida por el Teatro Colón.

En la primera de ellas, la función de este año será ecléctica. La intensión de la curaduría fue “que tenga un balance perfecto entre clásico, neoclásico y contemporáneo; humor y drama, innovación… nuestros programas salen de lo común de las galas”, explicó a esta revista, Liana Vinocur, del Grupo Ars, productora a cargo de este desarrollo. Así, llegarán a Buenos Aires, expresamente, artistas desde Inglaterra, Estados Unidos, Alemania y España, que compartirán el escenario con bailarines argentinos radicados en nuestro país y en el exterior.

Por su parte, en el Teatro Colón, Maximiliano Guerra informó a través de su oficina de prensa, el nombre de los artistas y el repertorio que interpretarán la tarde del domingo 4 de septiembre.

Coliseo Esta gala incluirá las actuaciones de Rebecca Rasmussen y Steven Ezra Marshall, con insólitas coreografías del genial Moses Pendleton, creador de Momix: Tuu de su director junto a Tin Acito y Solveig Olsen y Dream Catcher de Pendleton junto a Craig Berman y Brian Sanders.

Mathew Golding, primer bailarín del Royal Ballet de Londres, junto a Anna Tsygankova, primera bailarina del Dutch National 6 .. BALLETIN DANCE .. AGOSTO 2016

Ingeniosas puestas de Momix, en el Teatro Coliseo Foto . Charles Paul Azzopardi

Ballet, bailarán el pas de deux de Cisne Negro y un dúo de Sinatra Suite de Twyla Tharp.

Lil Buck Reily, estrella del streetdance, convertido en celebridad al ser convocado por Jo Jo Ma y por Madonna, actuará junto a la argentina Carolina Basualdo, primera bailarina del Ballet del Sur de Bahía Blanca, una particular y personal versión de La Muerte del Cisne y el solo Brostjour también de coreografía propia.

Además, se asegura que esa noche sorprenderá al público, el estreno en Argentina de dos coreografías de David Middendorp con Violet Broersma y Antonino Milazzo, bailarines de su troupe, quienes presentarán piezas que requieren extremada ductilidad y sincronicidad: Another Kind of Blue y Flyland 2.

Joseph Gatti (casi confirmado cuando esta edición de Balletin Dance ingresaba a imprenta, en reemplazo del recientemente lesionado Taras Domitrio), junto a la cubana Adiarys Almeida del Boston Ballet, mostrarán dúos de Carmen y Diana y Acteón.

Mientras que el argentino Lucio Vidal residente del Staatsballet Berlín interpretará dos dúos coreografiados por su mecenas, Nacho Duato con su partenaire Kayoko Everhart, del Ballet Nacional de España: Herrumbre y Alien.

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Colón El programa contará con las actuaciones de dos argentinos residentes en el exterior: los geniales Marianela Nuñez y Herman Cornejo, mientras que el Ballet Estable del Teatro Colón cerrará la función de su Gala Internacional con Por Vos Muero de Nacho Duato (que estrenaron a fines de junio en el programa Noche Contemporánea).

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Alessandra Ferri y Herman Cornejo, en septiembre en el Teatro Colón Foto . Lucas Chilczuk

Ana Laudere y Edvin Revazov del Hamburg Ballet, bailarán pas de deux de Hamlet y de La Dama de las Camelias de John Neumeier. Elisa Badenes junto a Pablo von Sternnenfels, del Stuttgart Ballet realizarán un dúo de La Fierecilla Domada de John Cranko, mientras que Laura Becquet y Mathieu Gano de la Opera de París, realizarán el pas de deux Diamante de Joyas de Balanchine.

Marianela Nuñez estará una vez más en el Colón, esta vez junto a su compañero Federico Bonelli del Royal Ballet de Londres para interpretar Tchaicovsky Pas de Deux de George Balanchine y con Alejandro Parente (Ballet Estable Teatro Colon) el pas de deux del Cisne Negro de El Lago de los Cisnes.

Por último, Herman Cornejo (American Ballet Theatre) con Alessandra Ferri, deleitarán a la audiencia con La Chauve Souris de Roland Petit y Le Parc de Angelin Preljocaj.

El siguiente espectáculo programado por el Teatro Colón para su Ballet Estable será Onegin de John Cranko, protagonizado por Marianela Nuñez, del 11 al 16 de septiembre. __BD

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ACTUALIDAD

Lorca Flamenco Desde fines del año pasado, Graciela Ríos Saiz presenta en el marco de Flamenco en el Larreta, el espectáculo en homenaje a Federico García Lorca, los sábados a las 20 hs en el Museo de Arte Español

Intimo flamenco Foto . Silvia Muselli

“Para abordar este espectáculo debemos partir de dos aspectos fundamentales en relación con el genio creador del poeta de Granada: su amor por la tierra española -específicamente Andalucía- y su elevado espíritu poético musical” dice la directora en torno a su pieza.

Lorca armonizó con fina percepción canciones populares españolas para interpretarlas al piano, a la vez de crear nuevas composiciones que hoy pueden encuadrarse en el género llamado cante jondo, “tesoro artístico de la raza”.

Con coreografía de Natalia Bonansea Ríos y Graciela Ríos Saiz, bailan Bonansea Ríos, Luciana Di Lorenzo, Laura Garrido y Eugenia Seijó, acompañadas por Carlos Soto López o Clarisa Di Salvo (cante) y José Ismael Sierra Flores o Sergio Barroso (guitarra). __BD

CINE

Bocca Documental

Este mes en los cines argentinos se podrá ver Avant, la película documental que retrata la llegada de Julio Bocca al frente del Ballet Nacional del Sodre de Montevideo A partir del jueves 18 de agosto, podrá verse en salas cinematográficas de Buenos Aires Avant, el largometraje documental dirigido por el uruguayo Juan Álvarez Neme, producido por Tarkiofilm (Uruguay) y Trivial Media de Pablo Ratto (Argentina).

La película que se estrenó en Uruguay en 2014 y que ya recorrió cantidad de festivales internacionales (ver Balletin Dance Nº 234, agosto de 2014), fue filmada durante un año y medio, dentro del Auditorio y espacios del Sodre (Servicio Oficial de Difusión, Radiotelevisión y Espectáculos) y en la primera gira a España de la era Bocca.

La descripción señala: “una olvidada compañía nacional de ballet que habita un teatro todavía

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Julio Bocca, en una escena de la película que se estrena este mes en Buenos Aires Foto . gentileza de la producción

en construcción se ve revolucionada con la llegada de Julio Bocca, uno de los mejores bailarines de ballet de todas las épocas”. La película narra a través de una cámara “invisible” y sin entrevistas, el instante preciso en que el genial bailarín argentino, inicia una nueva etapa profesional, al asumir el desafío de dirigir este elenco para proyectarlo a un nivel de competencia internacional. Para ello, pone en juego su nombre, su prestigio, para enfrentar los dilemas entre arte y gestión en una estructura estatal altamente burocratizada. __BD

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BALLETIN DDANCE ANCE DID ACTIC O DIDA TICO El área de actualización docente de Balletin Dance, dirigida por Alicia Muñozz, presenta Muño

CURS O A DIS URSO DISTTANCIA E-LEARNING (POR INTERNET)

La eevvaluación de lo endiz aje loss apr aprendiz endizaje ajess Inicia: 19 de ssep ep tiembr eptiembr tiembree · Cómo se planifica una buena enseñanza · El por qué y el para qué de los proyectos · Tipos de proyectos · Cómo establecer metas y objetivos · Cómo organizar los contenidos · Cómo diseñar las estrategias · Cómo establecer los tiempos

PED AGOGIA DE LA D ANZ A PEDA DANZ ANZA Ilustración: Germán Guzik

Dir ec ción: Alicia Muñoz Direc ección: Tut or : utor or: Marcio Chinetti

www .balle tindanc www.balle .balletindanc tindancee.com.ar info@balletindidactico.com.ar 12 .. BALLETIN DANCE .. AGOSTO 2016

Compartí con colegas de diferentes países, esta experiencia enriquecedora, sin moverte de tu casa

Bailá, Vení, Volá

La Chinagueña

Dirección y coreografía: Hugo Mastrolorenzo. Intérpretes: Hugo Mastrolorenzo, Agustina Vignau y Hugo Daniel Gomez. Jueves 21 hs (hasta el 18). El Galpón de Guevara (Guevara 326, Tel: 4554-9877).

O El Rancho De Las Mutaciones. Idea y actuación: Mariela Acosta. Dramaturgia y dirección: Julio Cardoso. Entrenamiento físico: Cecilia Hopkins.

Viernes 21 hs. La Gloria Espacio Teatral (Yatay 890, Tel: 3527-4420).

La Corporación De Ramiro Cortez y Federico Fontán.

Bailan: Abril Lis Varela, Ariel Calderón, Diego M. Gómez, Emanuel Zaldua, Jazmín Cañete, Julieta Ciochi, Juliana González Carreño, Lucila Sol Roberto, Lucía Giannoni, Mauro Podestá, Natalia López Godoy, Paz Masi, Rocío Mercado, Sebastián Reinoso Salinas y Victoria Castelvetri. Jueves 22:15 hs. Timbre 4 (México 3554, Tel: 4932-4395).

Mujer Hermosa Se Ve Por Allá De Diego Brienza. Coreografía: Maia Menajovsky. Actúan: Daniel Aizicovich, Marcelino Bonilla, Diego Brienza, Sofía Ciravegna, Malala González, Claudia Mac Auliffe, Lucila Madeo, Enrique Dumont, Celia Iribarne, Maia Menajovsky, Guillermo Pier y Analía Sánchez. Viernes 21 hs. Anfitrión Teatro (Venezuela 3340, Tel: 4931-2124).

Solos Con La Danza Coreógrafos e intérpretes: Marcela Chiummiento, Rodrigo Morero, Gustavo Long, Helena Wroblewski, Virginia Moreda, Agustina Páez, Ana González Vañek, Rita García, Marisa Troiano, Yoko Pao y Gustavo Soto.

Viernes 23 hs. Teatro La Mueca (Cabrera 4255, Tel: 4867-2155).

Ciclo de tesinas públicas Tres Coreografías

Presentación de la obra y charla posterior. canSER de Victoria Úbeda, Arde de grupo Boya, DeSer de Micaela Odriozola y Rocío Malleza, Como la Mariposa de Marisa Troiano y Viviana E. Vásquez y A lo Ancho del Tiempo de Sonia Irene Massone. Sábados 20 hs.

Teatro Machado (Antonio Machado 617, Tel: 4982-4922).

Crave (Ansia)

La Guardia Nueva

cartelera

De Sarah Kane. Traducción: Rafael Spregelburd. Dirección: Florencia Tevez y José Molteni. Intérpretes: Florencia Tevez, Milagros Vera, Agustina Malfitano, Lujan Marangos y Agustín Daulte. Sábados 19 hs. Espacio Cultural Urbano (Acevedo 460, Tel: 48542257).

Compañía 360. Dirección: Fabián Carrizo. Bailarines: Guillermo Fabricio Pérez, Federico Carrizo, Inés Torres Cappiello, Julio Arias, Mariana Della Mónica, Leonardo Arellano, Carla Bugiolacchi, María Belén Loiza, Soledad Mangia, Exequiel Etelechea, Eduardo Virasoro y Ángeles Jimena Moar. Domingo 21. Centro Cultural El Escudo (Calle 10 Nº 1373 e/ 60 y 61, La Plata, Tel: 0221-15-590761).

Ballet Contemporáneo del Teatro San Martín. Dirección: Andrea Chinetti. Chopin, número 1 de Mauricio Wainrot y los estrenos Cuál es Quién de Carlos Casella y Vibraciones de Elizabeth de Chapeaurouge. Jueves 19:30 hs, viernes y sábados 20:30 hs (hasta el sábado 3 de septiembre). Auditorio de Belgrano (Virrey Loreto 2348, Tel: 4783-1783), un programa integrado por coreografías de Mauricio Wainrot, Carlos Casella y Elizabeth de Chapeaurouge.

Foto: (Vibraciones) Gustavo Gavotti

Martes de Danza

Danza Sub30 Un día 1 de y por Juan Jesús Guiraldi y Cromática con coreografía de Camila Florines interpretada por Florencia Alonso, Paz Corinaldesi, Sofia Arevalo y Gonzalo Rojas Hoffens. Sábados 21 hs. Centro Cultural Rector Ricardo Rojas (Av. Corrientes 2038, Tel: 49533556).

La Guardia Nueva por la Compañía 360 (tango). Dirección: Fabián Carrizo: 9 y 23 de agosto. Rayuela o el Juego de la Vida por la Compañía en Movimiento de Analía González: 30 de agosto y 6 de septiembre. Martes 20 hs. Centro Nacional de la Música y la Danza (México 564).

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ACTUALIDAD

Elencos Nacionales

Los dos elencos nacionales de danza, anunciaron sus próximas actividades, que serán siempre con entrada libre y gratuita, en la ciudad de Buenos Aires y las provincias argentinas

CNDC La Compañía Nacional de Danza Contemporánea, bajo la dirección de Margarita Fernández, presentará la obra México 564 de Daniel Payero Zaragoza, en su sede del Centro Nacional de Música y Danza de esta ciudad, del 10 al 31 de agosto. Y Materiales de Pierrick Malebranche el sábado 20 y domingo 21 en el Centro Cultural Haroldo Conti (Ex Esma).

En septiembre la compañía partirá de gira nacional con México 564, Río Conmigo de Diego Franco, Tensión Espacial de Kim Jae Duk y 8 Pies de Ramiro Soñez, a Chaco, Corrientes y Tucumán, donde además dictarán seminarios de diversas disciplinas en forma gratuita.

En octubre, el elenco emprenderá una gira latinoamericana que los llevará a actuar en el festival Internacional de Danza de Cali (Colombia) y aún estaba por confirmarse actuaciones en Santa Cruz de la Sierra y La Paz (Bolivia). De regreso en nuestro país, realizarán espectáculos en el Teatro Municipal de Lomas de Zamora y en el Teatro Florencio Constantino de Bragado.

Tensión Espacial, uno de los mayores logros del elenco Foto . Mauro Rico | Ministerio de Cultura de la Nación

En noviembre actuarán en su sede y en el Teatro Nacional Cervantes, de la ciudad de Buenos Aires, y en el Festival Cervantino de Azul. Hasta el 14 de diciembre presentarán el casi tradicional programa Partido y Compartido en el que comparten la función con grupos de gestión privada, seleccionados mediante un concurso abierto. __BD

BFN El Ballet Folklórico Nacional, bajo la dirección de Omar Fiordelmondo, anunció sus próximos meses de intenso accionar, que incluye además de funciones en la Sala Williams del Centro Nacional de la Música, de Buenos Aires, actuaciones en el Colegio Goethe, y giras a las provincias de Salta, Jujuy y Tucumán. Allí llevarán la celebración por sus 25 años de vida, titulada Bodas de Plata con extractos de diferentes piezas emblemáticas para el elenco, y Martín Fierro. Para el próximo mes aún estaban por definirse actuaciones junto al Coro Nacional de Jóvenes, y en el partido de Almirante Brown. __BD El “Folklórico” este mes en el NOA Foto . archivo 14 .. BALLETIN DANCE .. AGOSTO 2016

Estudio de Danzas

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ACTUALIDAD

Límites Corridos

La compañía Nuevo Arte Nativo de Koki y Pajarín Saavedra, estrena este mes Raíz y Flechas, en el Centro Cultural Borges En las funciones que se realizarán todos los sábados de agosto y septiembre, “continuamos el trabajo de ampliar los límites sonoros y visuales ligados al zapateo, la percusión, la danza, la música, las boleadoras y el pulso interior que nos conecta con el mensaje artístico que es ya nuestra forma de comunicarnos en la vida” señalaron los hermanos Saavedra al hablar de su nueva propuesta. La pieza transita un amplio abanico musical que recorre obras de “Pat Metheny a Dino Saluzzi, de Hugo Díaz a Los Incas, desde el canto de las ballenas del sur argentino al bombo legüero”. __BD

Nativos de traidición Foto . gentileza de la producción

Festival de tango Del 18 al 31 de agosto se realizará el Festival y Mundial de Tango, en La Usina del Arte, el Estadio Luna Park y otras sedes porteñas, enmarcado en el área festivales del gobierno de la ciudad de Buenos Aires, la misma que en 2016 suspendió el festival bienal de Danza Contemporánea Tango Buenos Aires dirigido por Gabriel Marcelo Soria, sintetiza una pasión que año tras año incrementa sus seguidores en todo el mundo y que se integra, entre otras actividades, con el Mundial de Baile, considerado el evento tanguero de mayor re-

percusión internacional. Tal es así, que en la edición del año pasado llegaron a esta ciudad unas 600.000 personas según fuentes oficiales.

También habrá espectáculos de música y de danza, milongas, y la tradicional Feria de Productos con venta de discos, libros, ropa y calzado especial, entre otros productos de pequeños y medianos emprendedores. El gobierno señala que con este evento, se “fortalece el compromiso con el patrimonio histórico, el crecimiento y la proyección del tango en todas sus expresiones”. __BD

Ezequiel Jesús Lopez y Camila Alegre, de San Fernando (provincia de Buenos Aires): campeones mundiales de la categoría Tango Escenario, en 2015 Foto . gentileza Festivales de Buenos Aires 16 .. BALLETIN DANCE .. AGOSTO 2016

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E N T R E V I S TA

Una Profesión de Resistencia Por Gustavo Friedenberg

Melania Lenoir es sin duda, una de las figuras más destacadas del teatro musical en Argentina. Lleva casi diez años de trabajo ininterrumpido, interpretando roles que nunca imaginó le podrían tocar. Mientras disfruta del éxito con su personaje de Princesa Fiona en Shrek El Musical, se prepara para el estreno de dos nuevas y diferentes producciones que renovarán la escena porteña: La Ofi y el mítico The Rocky Horror Show

La Ofi ML: La escribieron hace un tiempo Martín Mazzón y Emmanuel De Martino, con un trabajo coreográfico impecable de Alejandro Ibarra, sobre música medio ochentosa, en un lenguaje como de video clip. Es sobre cuatro personas de una oficina que se quedan encerradas, pero lo que está de fondo son sus vínculos y cómo una situación un poco extrema, los enfrenta con su presente. Es una comedia liviana y divertida pero que tiene su profundidad. Mucha gente se va a sentir identificada. Está escrita en formato de sitcom, con elementos nuevos que hasta ahora nadie se animó a hacer. Es muy divertida y el elenco es explosivo, están conmigo Roberto Peloni, Germán Tripel y Alejandra Perlusky. Estrenamos el 6 de agosto en El Picadero.

The Rocky Horror Show Foto . Nacho Lunadei 18 .. BALLETIN DANCE .. AGOSTO 2016

The Rocky Horror Show ML: Es una puesta nueva sobre un musical de culto de los ‘70, con el que sucede algo muy loco: tiene fanáticos en todo el mundo que la sigue, la gente va disfrazada a verla.

Yo la hice hace como diez años en otro formato y en otro rol, y lo que sucedía era increíble. En esta puesta también está Rober Peloni en un personaje que le queda pintado y un elenco increíble. Estrena el 2 de agosto, en el Maipo y lo vamos a hacer en cooperativa, con las complicaciones que eso tiene, los tiempos que podemos dedicarle para armar un musical con quince artistas en escena, es una obra que va a dar que hablar. La estética está buenísima, muy Glam, muy divertida. ¿Cómo llegó al musical?

ML: En mi colegio se hacían producciones musicales a un nivel profesional real y extraordinario; aprendí a laburar ahí. Después entré al Conservatorio de Arte Dramático buscando un teatro más puro, me comí un poco el cuento de que el teatro musical carece de contenido, pero al mismo tiempo estudiaba comedia musical en la Universidad Nacional de las Artes. Quería estar muy formada en todas las ramas, porque siempre tuve mucho miedo de no poder trabajar, pero no tenía una intención hacia la comedia musical, para nada. ¿Tampoco soñó con ser cantante?

ML: La vida me fue llevando, algo entre tener las oportunidades y animarse. Cuando hice Rent pensé “ya me puedo morir tranquila”, porque nunca imaginé que iba a estar en un proyecto comercial y con un musical que me encantaba. Después fui entendiendo que mi techo estaba mucho más alto. Hedwig and the Angry Inch y Avenida Q, fueron una detrás de la otra. Quedar en Chicago fue loco, porque audicioné para ensamble, pero me dieron el papel de Velma. Aunque se canceló, me abrió un montón

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de puertas: a veces es sólo eso, que alguien te dé una oportunidad. Finalmente la hice dos años después y creo que ni llegué a registrar que estaba haciendo un papel con el que todas habíamos soñado.

¿Entre actriz, bailarina y cantante cómo se define?

ML: Me gusta pensarme como una artista versátil que puede hacer de todo, de hecho tuve oportunidad de hacer televisión y cine, con lenguajes totalmente distintos, y me encantó. Ahora, si me tengo que definir en una palabra más concreta, lo hago como actriz, porque mi actriz tiñe a mi bailarina y a mi cantante. Si no tuviese el condimento de ser actriz, no sé qué tipo de cantante o de bailarina sería.

En una entrevista dijo que la diferencia entre las metas y los sueños era una cuestión de tiempos ¿Cuáles son los suyos?

M: Las metas que yo me pongo son siempre realizables; ahora por ejemplo, estrenar estas dos obras. En cuanto a los sueños, me gustaría hacer una experiencia en el exterior, probarme en otro contexto, pero todavía no le puse fecha. Hasta ahora nunca tuve una propuesta concreta para irme y ciertamente tampoco me moví para buscarla.

También es verdad que para las actrices de comedia musical los papeles más interesantes están entre los 30 y los 40 años, entonces en algún momento esto va a comenzar a disiparse y no tengo idea de en qué tipo de artista me voy a convertir, porque ésta es una profesión de resistencia.

Conozco mucha gente que simplemente se hartó y son muy pocos los artistas que realmente tienen la libertad de dedicarse exclusivamente a esto. Básicamente resistimos, porque amamos lo que hacemos, lo que en el fondo también es sumamente conmovedor, porque si no hacemos esto, ¿qué vamos a hacer? __BD

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PROVINCIAS | CÓRDOBA

Espacios de Reflexión Por Gabriel Vaudagna Arango

Del 8 al 10 de julio se llevó a cabo el V Congreso Internacional sobre la danza clásica y el I Congreso sobre la danza contemporánea en la ciudad de Villa Carlos Paz, Córdoba, coordinado por Claudia Chandoha, con el auspicio de la Municipalidad de Villa Carlos Paz El evento incluyó clases prácticas de danzas clásica, contemporánea, estiramiento y entrenamiento para bailarines al que concurrieron un gran número de bailarines de todas las edades.

Por la tarde se ofrecieron talleres de reflexión en danza con una variada propuesta desde la salud, la pedagogía y la teoría sobre la danza, la enseñanza del ballet de repertorio y las diferencias en las prácticas somáticas en la danza académica, por mencionar algunos tópicos.

Al cierre del congreso Chandoha señaló a Balletin Dance, que “esta quinta edición del Congreso Internacional sobre Danza Clásica en el Siglo XXI, mostró que el trabajo de los años anteriores ha servido para marcar un rumbo, una conducta, y ahora el evento marca su ritmo con características propias y únicas en su género en el interior de nuestro país. Se afianza y crece, desde la cantidad como la calidad de las temáticas desarrolladas y el profesionalismo de sus portadores, que logran reconocer a este espacio como favorable para profundizar el aprendizaje, afianzar

Congreso de investigación en Villa Carlos Paz Foto . gentileza de la producción

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conocimientos, dar a conocer sus trabajos, experiencias e investigaciones. Pretendemos impulsar un ciclo de actualización y profesionalización”.

Desde las distintas ponencias de este año, el mensaje de que la danza evoluciona y sobre todo desde la enseñanza, fue recurrente. La disertación de Alicia Muñoz, sobre el rol del docente frente a la clase de danza, y cómo las nuevas corrientes metodológicas deben reemplazar a antiguas pedagogías conductistas, fue un ejemplo de ello. También expuso quien escribe, junto a expositores de Venezuela, Brasil y Argentina, ante el Salón Municipal colmado de docentes y alumnos de academias de danzas de todo el país.

La edición de este año, bajo el lema “Danza Clásica, una posibilidad al alcance de todos”, buscó priorizar investigaciones de vanguardia, con los últimos avances del análisis del movimiento, nuevas metodologías como el Neo-bio-ballet, trabajo del manejo de la energía corporal y extra corporal. “A lo largo de estas ediciones se han presentado numerosos ejemplos que afirman que la danza cura al cuerpo y también al alma, por lo que siempre se han incluido temáticas dictadas por profesionales de la salud”, finalizó la directora. __BD

AGOSTO 2016 .. BALLETIN DANCE .. 21

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brevesactualidad

Seleccionado

CLASES REGULARES | TALLERES | SEMINARIOS

Se confirmó el mes pasado la continuidad del programa del Seleccionado Federal de Tango del Ministerio de Cultura de la Nación, que este 2016 estará integrado por 24 parejas de baile -una por provincia- que fueron elegidas por concurso.

El jurado estuvo conformado por Elina Roldán, Leonardo Cuello, Milena Plebs, Alejandra Armenti y Daniel Juárez.

Los integrantes del seleccionado, participarán en exhibiciones y encuentros de tango y accederán a un ciclo de perfeccionamiento, dictado en la región a la que pertenecen, por Gloria y Eduardo Arquimbau, Julio Duplaá y Elsa Quattrocchi, Los Alonso, Carlitos y Rosa Pérez, Analía Vega y Marcelo Varela, Martín Jurado, Coca Cartery, Juan Pablo Güerri, Eduardo Pareja y Laura Grandi, o Florencia Zárate y Guido Palacios. Además, en cada sede se realizarán actividades gratuitas abiertas a la comunidad, entre las que se mencionan clases, charlas y milongas.

La etapa final del Seleccionado tendrá lugar el 11 de diciembre (Día Nacional del Tango) en el Teatro Vera de la ciudad de Corrientes, cuando las 24 parejas suban a escena para mostrar el fruto del trabajo desarrollado a lo largo del año, en un espectáculo sin igual.

Parejas seleccionadas: Marcela Dibon y Walter Amaya (ciudad e Buenos Aires), Patrio Barrios y Carla Rochaiz (Córdoba), Mario López y Silvina Soto (Entre Ríos), Micaela Álvarez y Mauro Duch Blanco (Buenos Aires), Valeria Bravo y Juan Manuel Rodríguez (Santa Fe), María Eva Guerrero y Christian Squeo (La Rioja), Jimena Mansilla Agueda y Maximiliano Tempestti (Mendoza), Fernando Muñoz Zapata y Danila Foroni Langer (San Juan), Laura Cardoso y Matías Molina (San Luis), Jorge Benvenutti y Erika Virasoro (Chaco), Silvia Maidana y Germán Falcón (Corrientes), Carlos Domínguez y Gabriela Pereira (Formosa), Andrea Balbuena y Lucas Blanco (Misiones), Laura Cano y Ale Ocampo (Catamarca), Diego Durán y Mariana Sánchez (Jujuy), Marcela Tolaba y Enrique Patzi (Salta), Daniela Bravo y Emilio Banco (Santiago del Estero), Alba Cobos y Pablo Díaz (Tucumán), Paula Gurini y Claudio Orso (La Pampa), María Victoria Pesci y Javier Roga (Neuquén), Agustina Páez y Sebastián Bolívar (Río Negro), Antonio Carrasco y Tatiana Cherey (Chubut), Adriana Leverone y Maximiliano Moreira (Santa Cruz) y Natalia Couto Leites y Luis Argamonte Vidal (Tierra del Fuego).

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FLAMENCO

Cartelera Cordobesa Por Gabriel Vaudagna Arango

El Encuentro Lorena Acuña, con la Compañía Flamenca Alcántara, presentará los días 20 y 21 de agosto en el Teatro de la Ciudad de las Artes de Córdoba A la Distancia. “Una obra basada en la época de la muerte de Francisco Franco (1975) cuando se produce el reencuentro de una familia que se había separado por la guerra, aunque la muerte sorprende al padre intentado reunir a sus hijos”, expresó la creadora. La dirección teatral está a cargo de Diana Lerma, la puesta es de María José Núñez, con dirección musical de Ezequiel García y coreografías de Acuña, Núñez y Yurentz Bermúdez. Acompañan, Ezequiel García (toque y cante), Raúl Robledo (guitarra) y Franco Bianciotto (percusión).

Balletin Dance dialogó con el bailaor francés invitado Yurentz Bermúdez.

¿Cómo llega desde Sevilla, Yurentz Bermudéz a integrarse a esta obra?

YB: Conocí a Lorena en Sevilla hace unos años, hicimos una gran amistad y teníamos el sueño de hacer un espectáculo juntos. Y lo estamos haciendo. Yo voy a interpretar a Antonio, el hermano que ha emigrado a Francia.

LA: La obra tiene que ver con esto de la distancia y con la ruptura que se muestra en los tres hermanos que se separan. Uno se queda en Sevilla, otro se va a Francia y el otro viene a la Argentina.

Separaciones y reencuentros Foto . Gabriel Arango

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¿Cómo es la mirada de un bailaor francés sobre el flamenco?

YB: Vengo de una familia de españoles y siempre se escuchó flamenco en mi casa, pero aparte vivo en Sevilla hace unos años y ya tengo mi mundo allí, para mí la mirada sobre el flamenco es flamenco.

En la Plaza La compañía Quinta Esencia presentará los días 19 y 27 de agosto, también en la Ciudad de las Artes de la capital mediterránea, una reposición de su última producción Plaza Mayor. La obra transcurre en la plaza de un pueblo español, donde transitan diferentes personajes entre canciones y bailes: un florista que se convierte en el galán que todas las mozas pretenden, una lotera que intenta conquistarlo, una costurera y una niña rica que se lo disputan. Casi como un sainete musical con dirección de Quinta Esencia Flamenco, participan Mariano El Gitano y Marcelo Chiesa (guitarra), Gisella Scopa, Maru Montaña y Charo Fernández (cante), Hebe Asrin (violín), y los bailarines Paula Fernández, Silvia Egea, Vivan Llorens, Antonella Borello, Candela Uberti, y Gabriel Arango como bailaor invitado.

Antihéroe El intérprete y director Gastón Palermo junto a la bailaora y cantaora Maru Montaña presentará Pecho Frío los viernes de agosto a

las 21:30 hs en la Sala Quinto Deva (de la ciudad de Córdoba). Se trata de una comedia dramática antihéroe que narra la historia de un argentino radicado en Madrid, que retorna a su país natal con su socia para montar su propia empresa de liderazgo: “El Toreo de Vacas”. Pero en el esplendor de su negocio, los dueños de la vacas las tienen atadas. Con dirección y dramaturgia del propio Palermo, la coreografía es de Montse González Morales y Carlota Pizarro, la música de Pablo Ignacio Gerez.

Década del ‘40 Los días 3 y 4 de septiembre, la compañía Alma Mora presenta en el Teatro del Libertador San Martín de la ciudad capital, la obra Las Cosas del Querer y Más. Una propuesta basada en las canciones de la mítica película que hace hincapié en la historia de algunos de sus personajes, dentro del contexto histórico y en el marco de una sociedad española en los años ’40. La dirección está a cargo de Nora Rodríguez y Vanesa de Córdoba con colaboraciones coreográficas de Fernanda Oger y Gabriel Arango.

Bailan Carla Cerimelle, Sofia Ramello, Jorgelina Mayor, Ale-

Fernanda Oger Foto . gentileza de la producción

En el pueblo Foto . gentileza de la producción

jandra Caravaca, Pablo Molina, Florencia Capitaine, Fernanda Oger y Gabriel Arango. Los acompañan los músicos Quique de Córdoba (guitarra), Fernando el Sevillano (cante), Marcelo Sarú (teclados) y Nora Rodríguez (cante).

Además, las Cosas del Querer y Más, producida por Identidad Producciones, realizará durante septiembre una gira por el interior de la provincia de Córdoba, enmarcada en el ciclo Danza Pasión (ver Balletin Dance Nº 252, abril de 2016). __BD

El Toreo de Vacas Foto . Santiago Rocchieti

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FOLKLORE

Elecciones Por Juan Cruz Guillén

La Compañía de Danzas Folklóricas Ancestral, dirigida por Manuel Labarraz, busca diseñar una estructura coreográfica con complejidad cuidando que la danza autóctona no pierda su propia autenticidad Todos los bailarines y coreógrafos saben lo que significa formar y mantener una compañía de danza, no solamente desde el punto de vista económico, sino también en cuanto a la creatividad, la rigurosidad de los ensayos, en saber mantener la armonía y el compañerismo, y a veces también, en dejar de ser director para oficiar de psicólogo. La República Argentina está llena de elencos folklóricos en toda su inmensa geografía, en esta entrega, Manuel Labarraz explica los pormenores que hacen a su propia compañía.

Labarraz, joven de 30 años nacido en General Pico, provincia de La Pampa, fundó en 2014 la Compañía de Danzas Folklóricas Ancestral, en Buenos Aires, donde se radicó en 2004.

Coplera, folklóricos mucho antes de ser bailarines Foto . Federico Paleo

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“Decidí comenzar con este proyecto, para dar vida a las necesidades artísticas y espirituales que transitaba. Surgió después de muchos años de danza compartida con cantidad de colegas de todo el país. Venía trabajando en la asistencia de varios ballets de diferentes provincias”, aseguró el director. Secundado en su labor por Candelaria Torres, quien “gracias a Dios, la vida me puso en su camino”, explicó, ella es la encargada de gestionar “muchos caminos que abarco a la hora de trabajar con bailarinas, en cuanto al mapa de movimiento y la interpretación de la danza en el ámbito escénico para mujeres folklóricas”.

Ancestral trabaja como toda compañía independiente (autogestionada) “con fines netamente artísticos” y está conformada por diez bailarines y diez bailarinas de distintos puntos del país, que ensayan siete horas semanales. “Para ser parte del elenco, el bailarín/a tiene que elegir pertenecer al grupo, y no al revés”, explicó Labarraz en esta conversación. “Con el tiempo comprendí que necesito gente que elija de verdad este proyecto, que tenga

interés, compromiso y predisposición para sumarse a este camino. Soy muy exigente en todo, desde la puntualidad hasta la entrega de cada uno de ellos en cada ensayo”.

Una vez seleccionados los objetivos a corto y mediano plazo, Manuel Labarraz se enfoca inmediatamente “en el trabajo, el ensayo, el gran ritual para un bailarín. Siempre fue para mí de mucho interés trabajar al servicio de los bailarines desde el lugar creativo y motivacional. Encuentro allí un espacio de mucha paz y fluidez a la hora de trabajar e intentar potenciar el desarrollo y la superación de ellos mismos”.

Ancestral ha montado dos espectáculos desde su creación, Coplera y Reivindicación, que buscan “llevar a los escenarios obras de danza con temática absolutamente folklórica. Puesto que cuento con bailarines y bailarinas que son folklóricos mucho antes de ser bailarines, mi gran intento es allanar los caminos, optimizar los recursos, diseñar una estructura coreográfica con complejidad y cuidar que nuestra danza no pierda autenticidad. Todo esto para que los intérpretes sean verdaderos protagonistas, para poder encontrarlos genuinos y espontáneos, y por sobre todas las cosas para que cada uno tenga las condiciones dadas para portar en su danza su propio ADN, su esencia, y ser verdaderos representantes de su idiosincrasia folklórica”.

Referentes Algunos de los tantos que tengo son Rubén Suarez, Gabriela Avalos, Marcelo Urquiza, Mabel Palavecino, Adrián Verges, Facundo Mercado, Mechi Porcel y Jorge Caballero, en cuanto a la dirección y formación de bailarines.

Pero sin dudas mis más inmensos referentes son Beatriz Garro (mi mamá), Hugo Labarraz (mi papá) y Agustín Labarraz (mi hermano); mucho de lo aprendido junto a ellos me ha llevado a lograr cosas muy importantes.

Estilo propio Considero que Ancestral tiene una línea propia, con muchísimo por aprender y por crecer, pero cada día analizo cómo trabajar y hacia dónde ir. Soy una persona predispuesta a intentar ser perceptivo ante las situaciones que puedan emocionarme o identificarme, para poder ser creativo desde la vivencia constante. Cada una de las coreografías que plasmé en escena es el producto del conocimiento técnico, de lo creativo y del estado en el que vivía ese momento.

A futuro Me gustaría mucho llevar la compañía al PreCosquín 2017. Pero siempre tengo un proyecto basado en ensayo tras ensayo.

Trayectoria Manuel Labarraz comenzó su formación en el Ballet Alma de la Tierra en su ciudad natal, con el que participó en varios certámenes, y en 1999 comenzó su perfeccionamiento en danza clásica y contemporánea. En 2004 se trasladó a Buenos Aires, para comenzar una carrera profesional e ingresó al Ballet Folklórico del Instituto Universitario Nacional del Arte (hoy UNA) dirigido por Rubén Suarez y Jorge García. Integró la compañía De las Trincheras de Rubén Suarez (2005) y participa en el show Madero Tango (desde 2006 a la actualidad). En 2009 montó su primer espectáculo con la Compañía Aires en General Pico, y en 2011 dirigió su primera obra Tierrasabia. __BD AGOSTO 2016 .. BALLETIN DANCE .. 27

INFORME

Malambo para el Siglo XXI Por Daniel Sousa

El suceso obtenido por la compañía Malevo en un reality show estadounidense es sólo la punta del iceberg de un fenómeno artístico de auténtico cuño nacional. ¿Hasta qué punto es posible innovar sin perder la raíz? Opinan Cristian Maldonado, Isaac Gardella y Angel Carabajal En julio del año 2000, en diálogo con la periodista Laura Falcoff, la inolvidable Norma Viola recordaba que para Santiago Ayala, ‘el Chúcaro’, el malambo de lanzas, cuchillos y boleadoras, que él mismo había creado, “no era folklore, para nada”.

Si hasta “estaba avergonzado de lo que había hecho en la época en que trabajaba en el teatro de revista” por el solo hecho de tener “que competir con plumajes, y con lo que había debajo de las plumas”. Eran tiempos aquellos, los de los años ’80, en que números de ese estilo causaban furor en Europa, en templos como el mítico Moulin Rouge, aunque con una estética completamente alejada del gaucho y el aborigen, para quienes el rebenque, el lazo, el facón y las boleadoras eran herramientas de uso cotidiano.

Los años pasaron, la disciplina se desvirtuó hasta límites insospechados y la novedad fue quedando de lado en el plano internacional, hasta que ahora el malambo for export ha vuelto a ganar espacios y los medios lo demandan, además de difundir las hazañas de grupos como Los Potros y la compañía Malevo, de resonante paso por reality shows de la televisión estadounidense.

“Si los que crearon el malambo hace decenas de años hubieran

tenido las posibilidades (técnicas, estéticas) que nosotros tenemos hoy, también las hubieran aprovechado”, entiende Angel Carabajal, con casi veinte años de labor en la docencia y sobre el escenario. Para el creador y director de la Compañía Sentires, radicada en Oncativo, Córdoba, “el público que sigue el malambo tradicional es un grupo muy chico. Por eso cuando pienso un espectáculo trato de expandir el concepto para que llegue a mucha más gente”.

“En la actualidad -aporta Cristian Maldonado, responsable de Los Cuervos del Malambo-, el zapateo tradicional está muy ligado a las competencias. Pasa que en los certámenes uno está atado a reglamentos y parámetros que hacen que el artista no pueda ser libre en su expresión. No siempre se puede crear una mudanza, una figura; no se puede hacer verdaderamente música con los pies en ese ámbito. Por eso yo salí del mundo de las competencias para lograr fusionar el malambo con otros ritmos pudiendo ser libre en mi creación”.

La suya es “una respuesta a pautas demasiado rígidas que pertenecen estrictamente al mundo competitivo”, dice. “El otro mundo, el del show, es totalmente distinto. Pero poder llevar a los bailarines de competencia a un espectáculo teatral ha sido una tarea que me demandó muchos años”, confiesa.

Como en el caso de sus colegas, Isaac Gardella, codirector de Los Potros, mamó el folklore desde la cuna. De familia santiagueña, Malevo, la compañía dirigida por Matías Jaime, brilló en el reality America’s Got Talent Foto . archivo del autor

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Los Potros del Malambo viajan a Chile en octubre, y en diciembre, a Rusia y China Foto . gentileza de la compañía

se crió entre chacareras y zapateos en el patio de la abuela. A instancias de su hermano Javier empezó a formarse académicamente, “hasta que llegué a un punto en que debía decidir si me dedicaba a la danza o elegía otra profesión. Con el folklore pasa eso, muchos lo practican hasta determinada edad y después lo dejan, lo mantienen como un hobby. Yo, en cambio, elegí profesionalizarme, hacer de esto mi vida. Hay toda una generación nueva que empezó a ver y a abrazar el folklore de una forma distinta y es eso lo que ahora emerge y se está mostrando. En-

tiendo que de ahí viene esta evolución que nos plantea siempre el desafío de no perder las raíces de donde se viene”.

For export ¿Cuál es el límite? ¿En qué punto la innovación termina por desvirtuar la esencia de una disciplina artística? Maldonado considera que “si a un bailarín de flamenco, de tap, de chula brasileño o de malambo lo vestís de negro, el punto en común es que hacen música con los pies. Ahí nace el concepto de yo elijo de-

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“Para ser un ‘Cuervo del Malambo’ hay que tener personalidad”, dice Cristian Maldonado. “Cada uno de nosotros interpreta un personaje” Foto . gentileza del artista

De Argentina al mundo La alta demanda que tienen hoy las compañías de malambo en nuestro país y el exterior habla de un fenómeno artístico de enorme dimensión.

La compañía Che Malambo acaba de presentarse en el prestigioso Jacob’s Pillow Dance Festival y encara ahora una gira europea. Malevo, el elenco que dirige Matías Jaime, espera la definición del reality que los lanzó a la popularidad para empezar a cosechar los frutos por el mundo.

La Compañía Sentires prepara una gira por México en octubre y en el verano hará temporada en Villa Carlos Paz, en una cena show de la que participarán también Adabel Guerrero, Marcelo Iripino y Fernando Bertona. Los hermanos Gardella dictarán seminarios en el interior del país este mes y el próximo. En octubre llevan a Chile su espectáculo Pura Sangre y en noviembre retoman las funciones en el porteño Centro Cultural Borges, antes de viajar a China y Rusia.

Los Cuervos del Malambo viajarán a Bolivia y Chile antes de fin de año, y en junio de 2017 iniciarán una extensa gira por varios países de Europa.

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sarrollar, que hunde su raíz en el malambo puro, pero aggiornado con diferentes bases rítmicas”. Partiendo de esa premisa ofrece, pues, a los espectadores “un entretenimiento con base en el zapateo folklórico”.

La diferencia entre malambo y zapateo la señala también Carabajal. “El zapateo se puede llevar hasta cualquier límite; no así el malambo”, sostiene. En su propuesta artística “uso siempre como base los tiempos del malambo tradicional y, en parte, su estética. La innovación la exploro desde el lado de la vestimenta, la puesta de luces, y con el agregado de elementos como el agua o la tierra”, sobre los que los bailarines zapatean en escena. Eso sí, insiste, “detrás siempre suenan una guitarra y un bombo. Esa es mi manera de marcar la evolución sin perder la raíz”.

Puesto a comparar realidades, Gardella abre otra veta de análisis: “Pareciera que el condimento for export está habilitado para el tango, pero hasta ahora no lo estaba para el folklore. El bailarín de tango tiene muchas más posibilidades de vivir de su danza. Con el bailarín de folklore, sin embargo, no pasa lo mismo; el folklore aparece siempre en un segundo plano, acompañando al tango. Con esta revolución que estamos viviendo surge la posibilidad de que el bailarín folklórico se atreva a pensar ‘ahora sí puedo vivir de esto’ y se profesionalice”.

En este punto, Maldonado hace un poco de historia: “El malambo se quedó acá cuando el tango salió a recorrer el mundo, por eso es que está tan arraigado al tradicionalismo. Ahora estamos tratando de acortar los cincuenta o sesenta años de distancia que existen entre el tango y el malambo a nivel internacional. El tiempo dirá si algún día lo logramos; yo creo que vamos bien. En veinte años más el malambo va a ser una disciplina mundialmente aceptada y valorada”.

Un quiebre Por el hecho de romper con lo establecido, las compañías de malambo moderno suman a cada paso fanáticos y detractores.

Ocurrió con Los Potros en 2012, cuando alcanzaron la instancia final del reality Q’Viva. The Chosen, ante la atenta mirada de Jennifer López y Marc Anthony. Y sucede lo mismo ahora con Malevo en America’s Got Talent. Pero si alguien sabe de críticas es Cristian Maldonado, cuya actuación en el conservador Festival de Jesús María en 2014 (luciendo botas de animal print) causó una conmoción que aún hoy se recuerda. “En la competencia, la importancia recae en la opinión del jurado; en el show, lo que cuenta es el público. Hay que saber aceptar y corregir. Aquello marcó un quiebre, pero todo es cuestión de tiempo y de dar a conocer la disciplina. Hoy, a nivel internacional, el malambo necesita de otros complementos que hagan posible su llegada a diferentes públicos”, reafirma.

La Compañía Sentires tiene once años de trayectoria.

En el verano hará temporada en Villa Carlos Paz Foto . gentileza de la compañía

“Casi todos nosotros venimos de algo mucho más tradicional, nos gusta la competencia sana que se da en Cosquín, en Laborde.

Pero, en última instancia, uno hace todo eso por amor al arte y en algún momento siente la necesidad de recibir algo a cambio por tanto esfuerzo. Es entonces cuando empieza a buscar una veta más comercial -explica el menor de los hermanos Gardella-. Yo tengo al folklore muy dentro mío pero en esta instancia es principalmente una fuente de inspiración, que se suma a los conocimientos que vengo adquiriendo en danza clásica, tap y flamenco. No vivo de alpargatas, con bombacha de campo y a caballo. Entonces lo que muestro sobre el escenario es un poco esa mixtura entre lo que traigo dentro mío y lo que hoy me pasa”. __BD

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C O M E N TA R I O

La Realeza en el Barrio Por Agustina Llumá

El 9 de julio, en una gala patriótica y a beneficio, Marianela Núñez comenzó su gira nacional, acompañada por Alejandro Parente y diferentes bailarines argentinos, en la Sociedad Alemana de Gimnasia de Villa Ballester, con entrada gratuita, organización de la Asociación Arte y Cultura y producción de la Municipalidad de San Martín En San Martín, y ante cuatro mil personas, Marianela Núñez desplegó su potencial artístico junto al Ballet Estable del Teatro Argentino de La Plata, dirigido por Maricel De Mitri. El segundo acto de Giselle, la mostró tan etérea como a un espectro, muy bien secundada por Alejandro Parente (Teatro Colón) y por el cuerpo de baile, destacándose Lisandro Casco como Hilarión. El espectáculo además se transmitía en vivo en pantalla gigante, con tomas de primeros planos, que acercaban aún más a los artistas a la mirada del público. Su dominio corporal le permite hacer movimientos técnicamente perfectos. Luego, en el Pas d’Action de La Bayadera con una transformación absoluta y un tutú digno de la realeza, Núñez brindó un cuadro vivo, brillante y altivo.

Excelentes Marianela Núñez y Alejandro Parente en Giselle Foto . Carlos Villamayor

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Con una impecable organización, y la entrega de escarapelas para todos, el show incluyó además la proyección de un breve documental de niñas de la Escuela de Danza de San Martín, El Pericón Nacional a cargo de estudiantes de la localidad, el Himno Nacional a cargo del Coro Polifónico Municipal, dos dúos de tango (Paola Jean Jean y Nicolás Cobos), un cuadro épico por el Ballet Folklórico Nehuén que dirige Fernando Montivero y la siempre poderosa Amelita Baltar cantó Balada para un loco. La gala se ofreció a beneficio de la Asociación Civil M.A.M.A. que recaudó donaciones de empresas, particulares y de los asistentes en urnas instaladas por todo el estadio, y finalizó con unas palabras del intendente Gabriel Katopodis, y de la propia Marianela Núñez que aseguró: “Bailar en San Martín ya está anotado en mi calendario, año tras año, acá estoy, y como siempre digo, tienen toda mi ayuda”.

Marianela Núñez continuó luego, con una gira por diferentes ciudades argentinas y Chile, con dos programas: Giselle en versión completa con los elencos locales y una gala de pas de deux con coordinación artística de Analía Domizzi, como la realizada el 23 de julio en el Teatro Coliseo de Buenos Aires. __BD

C O M E N TA R I O

Violencia de Género Por Agustina Llumá

Del 9 al 30 de junio, pudo verse en el Centro Cultural de la Cooperación, Proyecto Inés, una sumatoria interdisciplinaria sobre la violencia de género, dirigido por Mariela Ruggeri La obra proponía un recorrido por diferentes salas del Centro Cultural que comenzaba con la instalación textil La Hostilidad de Karina Maddoni (prendas femeninas envasadas al vacío y conectadas por medio de sondas hospitalarias a frases alusivas), el videoarte AliciaS en la Madriguera de María Papi (investigación con estadísticas sobre la violencia de género y el femicidio), la exposición fotográfica Bitácora de Máximo Parpagnoli y como cierre Inés!, espectáculo de danza-teatro de Mariela Ruggeri.

Parpagnoli, asegura al público en textos incluidos en la muestra, que esta exposición no tendría sentido sin el resto de las disciplinas que conforman el proyecto. Imágenes a color de los bailarines en ensayos, fueron acompañadas de frases, fragmentos, de los textos que las bailarinas recitaron en escena.

Alba Virgilio, Eva Mazal, Belén Bianchini, Ana Rina Di Laura, Florencia Cagnone y Jesica Saud son las bailarinas que dieron cuerpo a Inés! en el escenario. A modo de crónica, en primera persona, las seis declamaron (bastante acertadamente para ser bailarinas) diferentes vivencias, de relatos cotidianos sobre la temática. Unas, como víctimas directas y otras, por haber presenciado experiencias tormentosas. Así, alternaron escenas actuadas con secuencias de baile puro, acompañadas por una escenografía móvil que permitió ambientar a cada una de ellas en diferentes ámbitos.

La pieza deja un interrogante amargo en el espectador, ¿Cuán habituales resultan estas historias en nuestra sociedad? ¿Cómo reacciona el otro ante estos relatos? El victimario es siempre el más poderoso ¿cómo se podría empoderar a las víctimas? __BD

Arte para concientizar sobre la violencia de género Foto . Máximo Parpagnoli AGOSTO 2016 .. BALLETIN DANCE .. 33

C O M E N TA R I O

Pasiones de Fútbol Por Nahuel Aguirre

La Pelota refleja los comportamientos y actitudes de las personas dentro de los momentos relacionados al gol en el fútbol. A lo largo de una hora, se extrae la mayor cantidad de elementos de la corporalidad de las celebraciones, y la euforia, que a veces, llegan a niveles libertinos. Este trabajo continuará los días 16 y 17 de agosto en el Teatro El Perro y en el festival de La Plata Los cuerpos se tensionan, esperan alertas, y el tiempo transcurre en cámara lenta en los instantes previos al gol. Cuando éste sucede los gritos se hacen oír y los festejos comienzan desaforadamente.

Cada gesto y movimiento dentro de la celebración del hincha y/o del jugador de fútbol es un rito infinito, con bailes y aspectos teatrales que Lucia Di Salvo supo aprovechar para montar La Pelota. Esta obra pone en escena diferentes aspectos de una victoria dentro de la cancha, desde un simple abrazo hasta aquellos que rozan la pasión.

La propuesta empezó a gestarse hace dos años. Partió de un solo de Martina Cobán, una de sus bailarinas, creado en una residencia brindada por el Instituto para el Fomento de la Actividad de la Danza no Oficial de la ciudad de Buenos Aires (Prodanza) con tutoría de Silvina Duna.

Poco después, el equipo de ocho intérpretes comenzó un proceso de ensayos en base a los comportamientos que brinda ese instante del gol. Según la directora: “Dentro de los momentos relacionados al gol hay diferentes instancias, que incluso llegan a la violencia dentro de la alegría.

Compusimos a partir de ahí, del cero al cien, desde ese lugar donde el ser humano se libera poniendo todo su cuerpo. A veces con resultados no deseados.”

Así, algunos personajes que aparecieron luego de un golazo, fueron retratados sutilmente tomando rasgos gestuales y corporales. Excelente fue el trabajo desarrollado 34 .. BALLETIN DANCE .. AGOSTO 2016

La alegría de un gol Foto . Julián Reynoso

por Pablo Fontdevila, quien con repeticiones y palmadas logró un estado que reflejaba al fanático cargoso. Ese hincha eufórico, que incluso molestaba a sus compañeros, despertó carcajadas en el público.

Otra escena mostró algunas situaciones dentro de las tribunas. Las intérpretes despertaban pasiones seduciendo a dos hombres que reaccionaban de diferentes maneras: uno de forma más “canchera” y otro enredándose con sus ademanes y palabras, incapaz de anotar un gol con Laila Gelerstein, quien mostró un buen

trabajo interpretativo en este coqueteo con el fan desesperado.

En síntesis, La Pelota se sumerge en las celebraciones de la cancha (incluso imita bailes y festejos reales de jugadores de fútbol), emulando los comportamientos y el amor que muchos argentinos sienten hacia sus clubes favoritos. Esa energía, que por momentos llegó a ser desprolija en escena, llevó a los intérpretes a cerrar la pieza con enfrentamientos, cumbias, saltos y murgas, en esta obra, donde se pone todo en la cancha. __BD

GABRIELA PUCCI Ex 1era. Bailarina del Teatro Colón Ganadora del Premio a la Maestría Artística - Moscú 1977 Ex Maestra y Ensayista del Ballet del Mercosur Ex Coach personal de Maximiliano Guerra

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C O M E N TA R I O

Restos Románticos Por Román Ghilotti

En las relaciones amorosas los cambios súbitos suelen tener algo inexplicable, a pesar de que en las relaciones amorosas, los comienzos suelen ser inexplicables. En El Camarín de las Musas se presenta Anatomía de una Relación, con dirección e interpretación de Gabriela Prado y Jorge Martínez La propuesta de Prado-Martínez ofrece ingredientes de sentimentalismo explícitos para lo esperable de poner en juego una relación amorosa. El dispositivo escénico, un bucólico paisaje campestre (Alicia Leloutre a partir de un dibujo de Germán Parsons), enmarca románticamente a la pareja y da fondo al relato de su encuentro y desencuentro. Al comienzo, el hombre echado, intentando acomodarse o sostenerse con ayuda de un hueso, un fémur que porta en sus manos. Ella, entretanto, lejana, en el solitario horizonte, transita su pasar como un ideal en sombras. Se encontrarán y habrá sonrisas, encuentro, comienzo de amor. Pero juntos no será todo rosas: rupturas mínimas como el simple no poder tomarse de las manos, rupturas máximas como desprecios que castigan hasta la aniquilación. Siempre recorriendo una tensión que cambia de a dos, con sus ratos en solitario, sus tramos de intentos de reunión, sus broncas o peleas, sus asociaciones tiernas.

En la obra no faltan los componentes de cómo andar con alguien en lo del amor en pareja: acompañamientos con simbiosis, otros con mucho esfuerzo seguidos, otros soportados apenas; distanciamientos helados, cínicos, violentos; deferencias cruzadas con indiferencias, cuidados entremezclados con descuidos; algunas contenciones; algunas sañas.

Hay sucesos que aparecen como caprichosos o antojadizos. No se espera que ocurra algo que rompa la línea de lo romántico pero, en rigor, esto hace ver también que no hay razones para que se inicie lo romántico. Lo cierto es que, las más de las veces, en la vida, no es explicable porqué comienza el amor por alguien: se sabe cuando ya es.

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Prado erguida sobre Martínez Foto . Ana Carolina Naranjo Rojo

En Anatomía de una Relación “hay amor” de modos a la vez amables y furiosos: él, que inicia tratando de estar completo con un fémur ajeno, es ayudado con cierto maltrato por ella para estarse en pie con sus zapatos. Ella, que incluso recibirá su sortija, es tratada tanto con cuidados como con la máxima violencia por él. Hay un desquicio de comedia negra en la pieza que, por vía de un humor seco, potente, da cuenta, a veces hiperbólica, de vaivenes de la relación.

En Anatomía…, resaltando la ironía y acentuando lo romántico a ultranza, no faltan Frédéric Chopin, Erik Satie ni The Beatles.

Tampoco, en la misma tesitura, recorridos en secuencias que pasan por el ballet, por el contemporáneo, por algo de acción frenética y, en contraste, de gesto sutil.

La excelente performance de los intérpretes en escena hicieron de la función un sólido relato en el que anécdotas directas, simples, sintetizadas en formas bailadas y con pocas palabras, mostraron con rigor disímiles tránsitos de lo amoroso de a dos. __BD

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C O M E N TA R I O

Contemporáneos Por Agustina Llumá

Cammertoni, recurrió a una composición estudiada que cumple con todas las reglas de la coreografía, y permitió el lucimiento de varios bailarines. Filas, diagonales, duos, solos, grupales, caminatas y ruidos sonoros alternados con efectos lumínicos, contribuyeron a crear diferentes climas, en una pieza contemporánea pero de base clásica. Macras (ver Balletin Dance Nº 254, junio de 2016) utilizó en su creación a los bailarines de edad avanzada del elenco, bien protagonizada por Norma Molina y Ricardo Ale, junto a unos pocos jóvenes. Ellos hablaban en escena, sus textos (Michel Foucault) fueron demasiado complejos y sin la preparación necesaria para recitar (a pesar de tener micrófonos) la audiencia no pudo captar el significado profundo de lo que estaba sucediendo. La muerte de los bailarines en el ballet clásico, con referencias sutiles -la mayoría de las veces- a diferentes obras, también dejaron al público no habitué fuera de la trama. Con una ingeniosa escenografía

Norma Molina y Ricardo Ale protagonizaron la obra de Macras

El Ballet del Teatro Colón que dirige Maximiliano Guerra, ofreció Noche Contemporánea con los estrenos de Amor, el Miedo Desaparecerá de Walter Cammertoni, Bosque de Espejos de Constanza Macras y por primera vez en la compañía Por vos Muero de Nacho Duato, e In the Middle Somewhat Elevated de William Forsythe

y músicos en vivo, la pieza requiere un análisis exhaustivo que el público no estuvo dispuesto a hacer.

Luego llegó el turno de Duato, con una obra creada para la Compañía Nacional de Danza de España en 1996, que fue en la que los bailarines del Teatro Colón se

expresaron de manera más orgánica. Una obra de arte que resulta atemporal, sobre la magnífica poesía de Garcilaso de la Vega (en la nítida voz de Miguel Bosé) con música antigua española que permite abarcar la importancia de la danza para el pueblo de la península ibérica. Resultó el mayor logro de los bailarines en esa noche. Para finalizar: Forsythe. Una pieza creada en 1987, para virtuosos bailarines, que porque poseían un dominio técnico impresionante podían ir más allá de las difíciles posiciones en velocidad, para transmitir un algo más. In The Middle no se detiene ni un segundo, es difícil, agotadora, con movimientos muy propios de la estética del coreógrafo, que utiliza las destrezas de la técnica clásica, pero ‘desfasada’. Los bailarines supieron sortear las exigencias, pero necesitarán más tiempo para capturar la estética y hacerla propia. __BD

Por Vos Muero, el mayor logro de los bailarines en esa noche Fotos . Arnaldo Colombaroli 38 .. BALLETIN DANCE .. AGOSTO 2016

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C O M E N TA R I O S

Con Molinos Por Agustina Llumá

El Ballet del Teatro Argentino de La Plata dirigido por Maricel De Mitri, estrenó Don Quijote en versión de Víctor Filimonov, quien fuera primer bailarín del elenco en las últimas décadas, del 10 al 19 de junio (las funciones programadas en julio fueron canceladas por medidas de fuerza de algunos trabajadores) Con preciosa y cuidada escenografía de Enrique Bordolini, vestuario de Eduardo Caldirola e iluminación de Rubén Conde, la versión de Filimonov se ajusta en un todo a la tradicional que ha llegado a nuestros días. El relato extenso, permite reconocer cada una de las escenas, en los diferentes ámbitos en que se desarrollan, la historia de amor, las bromas, las desilusiones, los gitanos, el mundo encantado y la pelea con los molinos de viento, con cantidades de artilugios simpatiquísimos. Con mucha gente en escena, mucha pantomima, y muchas varicaicones para los solistas.

Jolgorio en la plaza catalana Foto: Pérez de Eulate | Teatro Argentino

En el papel de Kitri alternaron Julieta Paul y Marianela Bidondo y en el rol de Basilio, Bautista Parada y Esteban Schenone.

Quien escribe vio al segundo reparto, jóvenes los dos, supieron imprimirle el clima alegre y festivo que la obra propone.

El cuerpo de baile se mostró prolijo, con escenas grupales muy bien sincronizadas. La escena de las Dríadas fue muy mágica, con diseños espaciales extremadamente cuidados y prolijos, allí Agustina Verde fue preciosa como Cupido. Se destacaron también Emanuel Gómez, Martín Quintana y Devid Gómez como piratas, Darío Lesnik como Don Quijote, Leonardo Ferreira Morais como Sancho Panza, y Romina Panelo y Melisa Heredia como las amigas de Kitri.

La Orquesta Estable fue dirigida correctamente por Gustavo Fontana. En la última función se homenajeó a Leticia Latrónico, Federico Fleitas y José María Vázquez, miembros importantes en la historia de la compañía. __BD

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C O M E N TA R I O

Honoris Causa Por Agustina Llumá

Oscar Araiz, recibió el doctorado Honoris Causa de la Universidad Nacional de San Martín, el 24 de junio en una encantadora ceremonia en el Teatro Tornavía del Campus Miguelete de la UNSAM Así, Oscar Araiz, se transforma en la primera figura del mundo de la danza, en recibir un título de tal envergadura en nuestro país. En el acto, frente a docentes, estudiantes y personalidades de la danza y la cultura, Germán Farías interpretó el solo Ahí Viene el Rey de Ana Itelman, disertaron Carlos Ruta y Beatriz Lábatte, para finalizar el laureado expresó su agradecimiento y recibió como ofrenda, una obra pictórica titulada Luces y Sombras de Ricardo Abella.

El rector de la Universidad Nacional de San Martín, Dr. Carlos Ruta, se dirigió mayoritariamente a los estudiantes para explicar el significado de “la más alta distinción que una universidad puede dar”. Desde el Medioevo, cuando nacieron las universidades, se llama doctor al “que tiene la más lograda aptitud para enseñar, que supone talento, pero también trabajo”. Trabajo entendido como esfuerzo, que también es entrega, generosidad y sacrificio. “En Oscar Araiz, honramos el doctor”, que para la UNSAM “no es un punto de llegada, sino un compromiso, una responsabilidad, de cultivar esa más madura aptitud para enseñar. Festejamos y celebramos en Oscar la docencia hecha obra y vida, la maestría hecha obra y vida, la docencia de un doctor en su más genuina autenticidad”, dijo Ruta ante un auditorio que rebosaba de asistentes. “¿Qué sentido tiene para nosotros, para estos jóvenes que están hoy aquí, hablar de honor, en un mundo signado por el cinismo, por la mentira, por la crueldad, por la traición, por el desparpajo de la incoherencia celebrada como necesaria o como inteligencia?”, se preguntó el rector a continuación. “Entregamos este título Honoris Causa porque aún creemos intensamente en el honor. Es decir, en la dignidad”. Los antiguos decían que el honor es testimonio de excelencia, considerándolo como uno de los bienes fundamentales de la vida social, un premio a la rectitud y a la virtud, asociado a la magnanimidad (la grandeza de algo).

Entonces, la magnanimidad estaba asociada con la sabiduría, por lo que un hombre grande de espíritu es un hombre sabio, que puede dedicar su vida a la enseñanza y a la búsqueda de la verdad y la belleza. “Pero la magnanimidad también es una virtud propia de los guerreros, que lleva en sí la inclinación al combate, al coraje. La pregunta que surge aquí para nosotros y los jóvenes, es si se puede buscar la verdad de la belleza, y enseñar

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Oscar Araiz: la danza como revelación, “una inmensidad” Fotos . Pablo Carrera Oser

esa verdad, sin coraje en este mundo ¿Se puede tener coraje, sin convicciones? ¿Puede un hombre o una mujer, dedicarse al arte, a la danza, sin coraje?”, consultó Ruta a la platea. “El hombre de honor es aquel que se sabe digno en tanto hombre que aspira a grandes cosas y que sabe que parte de esa dignidad es la esperanza. No como una ilusión vaga, sino como un convite a la lucha, desde la entereza en las convicciones del espíritu. Ese testimonio que es la vida de Oscar y que debemos cultivar en nosotros, es lo mejor que le podemos dar a nuestros estudiantes”.

Carlos Ruta, se refirió también al significado de ser maestro, citó a algunos magníficos poetas, para ejemplificarlo y recordó que los jóvenes son nuestra esperanza. “Un maestro rehúsa la facilidad, se atreve al rigor, al rigor de la disciplina, cree en eso. En un mundo que celebra estúpidamente el arte porque es comercio, porque lo ha convertido en comercio, nosotros tenemos que demostrar ante nuestros estudiantes, con este testimonio, el valor del arte por sí mismo”, analizó el doctor. “La esperanza no es la convicción de que las cosas saldrán bien, sino la certidumbre de que algo tiene sentido, sin importar el resultado. Para nosotros es la convicción, la certidumbre, de que lo que hacemos tiene sentido, lo que hacemos en la Universidad, lo que hacemos en el Instituto de Artes enseñando y formando artistas, tiene sentido.

Y transmitirle a ellos, en sus corazones, esa convicción: que el arte tiene sentido”.

Beatriz Lábatte, por su parte, sintetizó la trayectoria de Oscar Araiz, “de caminar paso a paso siguiendo la potencia del deseo”, a la vez de sentirse honrada por haber sido invitada para ponderar los méritos del maestro en el marco de esta ceremonia de concesión del doctorado Honoris Causa. “Una figura sobresaliente que resplandece con poderosa luz propia en el campo

Dr. Carlos Ruta: “aún creemos intensamente en el honor”

Beatriz Lábatte: “Hoy aquí, y ante nosotros, la danza se ha doctorado”

artístico de la danza de nuestro tiempo”. Fue ella quien señaló que esa ceremonia era “emblemática”, tanto por la figura del maestro “como por el enorme significado que este noble gesto de la Universidad de San Martín adquiere para la danza, en su siempre difícil relación con los campos del saber académico”, pues la propia investigadora no logró encontrar “datos de alguna universidad argentina que tenga a un ser de danza entre sus académicos doctorados por esta noble tradición universitaria”.

Lábatte además, anticipó la pronta aparición del libro autobiográfico de Araiz, que acompañó en el proceso de edición. “Hoy aquí, y ante nosotros, la danza se ha doctorado”, sentenció.

Por último, realmente conmovido por el momento, y con la voz entrecortada Araiz agradeció la distinción. “Es muy grato sentirse parte de este cuerpo. Un cuerpo orgánico. Es impresionante esto de ser Doctor en la danza. Se reconoce que va más allá de mi persona, es algo que seguramente represento o significo.

Pienso ¿qué hice yo para merecer esto? Creo que lo mejor que pude haber hecho es haber creado mi propia sobrevivencia, a través del juego, a través de la fiesta, que son cruciales para mi.

Yo abuso un poco de esas palabras, porque el juego es parte de la

creación, que es como una alquimia, y el tiempo de fiesta que es un término antropológico, pero que es ese tiempo que cuando se está bailando no puede ser registrado por el reloj. Es un tiempo aparte, es una densidad aparte, es un sentido de la materia, del cuerpo, de otra forma”. Para el maestro, en su carrera no hubo disciplina ni voluntad, hubo algo más orgánico como el apetito, imparable, “ese apetito me llevó en toda esta carrera tan feliz para mi, tan plena, tan llena de gratificaciones. Gracias a ella pude comunicarme, encontrar gente con códigos similares, pude encontrar mi independencia económica, desde muy joven, cierto sentido de libertad”. Y finalizó: “…en la danza se juntan mundos que tienen que ver con lo más físico hasta lo más poético o sutil, son momentos como epifanías para todos. Ese famoso tiempo de fiesta, es el que vivo cada día, cuando llego aquí y se me pasan las horas volando, ensayando con el grupo o con los alumnos. No hay medida, no hay hora, es una intensidad de un placer infinito, una inmensidad”. __BD

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Por Gustavo Friedenberg

Esconder los Misterios del Bosque E N T R E V I S TA

Para muchos la muerte -igual que la vida- resulta un hecho dramático. Para otros, se trata simplemente de Cosas que Pasan. Así el nombre del último trabajo de Luis Biasotto que se presenta durante el mes de agosto los días viernes y sábado a las 22 hs, en la sala B, del Centro Cultural San Martín Balletin Dance dialogó con el artista acerca de su más reciente creación, cuyo proceso creativo atravesó diferentes etapas que incluyeron una residencia creativa en La Villette Paris (Francia). “Empezamos el trabajo en el Cultural San Martín y surgió la posibilidad de la residencia. Viajamos todos y los veinte días que estuvimos allá valieron más que los cinco meses que llevábamos trabajando acá”, confesó Biasotto.

En palabras del artista “Yo tenía dos ideas en mente, la primera era la imagen de un bosque, sólo una imagen, pero fuerte y caprichosa. La otra era la transformación. Finalmente, en el proceso, ese elemento se nos agotó pero fuimos viendo cómo una puesta superaba otra puesta acerca de lo mismo, y apareció la idea de duplicar. Tenés objetos que funcionan solos pero a la vez se parecen al relato que se cuenta, o ese relato es parecido a las acciones físicas. Aparece un tema medio criminal, algo que podría ser o no, como si hubiera un doble”.

En efecto, el juego del doble se percibe como una constante de la pieza; un relato que se reedita proponiendo, siempre desde el humor, nuevos puntos de vista; un discurso que se va construyendo mientras se lo evoca, como quien va recordando de a poco y se confunde o inventa. Aparece cierta reminiscencia a una estética cinematográfica, e incluso a un ´detrás de escena´: la posibilidad de retroceder y volver a reproducir, cambiar el final, jugar con los efectos sonoros y hasta recrear el misterio de un crimen o lo absurdo de un drama épico.

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“Quizá sea más el gesto que la palabra”, señala Biasotto

“Mostrar los mecanismos tiene que ver con un metalenguaje, pero lo que busco es alcanzar un territorio más inaprensible: que el arte vuelva a tener misterio”, reflexiona Luis Biasotto.

Sucede que la obra constantemente enfrenta al espectador con el hecho al que asiste, como si su director buscara enfatizar que lo que hay en escena, no es más que teatro. Pero siguiendo esta lógica de construcción duplicada, al mismo tiempo que evidencia todo lo que el teatro se preocupa por ocultar, consigue dejar en claro que también se trata de un juego apasionante y misterioso y que podría o debería trascender cualquier tipo de interpretación; atravesarnos como una bala que nos líquida antes de que podamos comprender.

Precisamente Biasotto comenta que otro elemento que se volvió referencial es una frase en un grabado de Goya: El sueño de la razón produce monstruos. “Es como el efecto del shock que usaba la vanguardia -señala- cuando uno no puede reaccionar, sino simplemente puede recibir, donde la palabra ya no tiene lugar, algo que no se puede explicar con palabras”.

Biasotto y Krapp - Krapp y Biasotto El grupo Krapp fundado por Luis Biasotto y Luciana Acuña en 1998, ha trascendido con tal impronta, que parece difícil nombrar a uno sin asociarlo con el otro. Por eso el director se ocupa

de dejar en claro que si bien en éste trabajo todos los artistas involucrados (en escena: Gabriel Chwojnik, Gabriela Gobbi, Agustina Sario, Matthieu Perpoint, además de los propios Acuña y Biasotto) participaron de una manera u otra en el grupo, sólo son Krapp cuando están todos sus miembros. En cualquier caso, ya sea en solitario o de la mano de Krapp, Biasotto ha ido construyendo un lenguaje propio y un tipo de dramaturgia tan sólida, que no parece dejar espacio para preguntas acerca del modo de definir sus producciones.

Los límites son difusos, y esto no parece ser ni una preocupación ni un problema. Lo que interesa ya no es, si esto es, o no, danza, en todo caso algo más parecido a ¿Para qué vamos a utilizar el cuerpo entrenado del bailarín?

LB: Siempre me preocupa el cuerpo y el movimiento, aunque desde otro lugar, pero para mí lo más fuerte y referencial, lo que siempre estoy buscando es el formato estructural. A veces me peleo con algo que no entiendo, y me peleo mucho cuando me pierdo. Pero a la vez me gusta un montón esa sensación de estar perdido.

¿Cómo fue perderse en el proceso de ésta obra?

LB: No había un concepto previo como en otros procesos, se fue formando. Siempre trato de encontrar un código común, una personalidad como un yo-ellos. Por momentos se ponían incómodos, aparecieron preguntas como ¿yo soy bailarín o utilero?

Parecen tonteras, un bailarín que sólo es bailarín tal vez no se

El hecho escénico, un juego apasionante y misterioso Fotos . Néstor Barbitta

pregunta nada, hace lo que le dicen, pero cuando quiere actuar o meter un extra se preocupa. En realidad en escena jugamos ´roles´. Después empiezan a aparecer lógicas en relación al resto de los elementos: iluminación, escenografía, se empieza a organizar de una forma rarísima el espectáculo, por sí solo empieza a querer hablar.

¿Cómo llegaron a Cosas que Pasan?

LB: Tiene que ver con cosas terribles que nos pasaron durante el proceso y al mismo tiempo me acordaba de lo que me decía mi vieja cuando estaba mal por algo: “son cosas que pasan”: es una frase que no te dice nada y a la vez te tranquiliza… pero quizá sea más el gesto que la palabra, esa caricia de la que viene acompañada la frase.

Efectivamente, si algo nos demuestra Biasotto, es que la palabra dicha no necesariamente viene a echar luz sobre los acontecimientos ni tampoco a contradecirlos, en todo caso pueden dialogar y construir nuevos sentidos. Pero esto no debe inquietarnos, son cosas que pasan. __BD

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A R G E N T I N O S E N E L E X T E R I O R | E S TA D O S U N I D O S

Sueños que se cumplen

Manuel Ruiz, oriundo de Misiones, fue cumpliendo sueños, escalón por escalón. Hoy emprende un proyecto con sede en Nueva York, en búsqueda de talentos latinoamericanos “Soy bailarín folklórico y ballerino” aseguró en comunicación con Balletin Dance, Participó en cantidad de festivales argentinos como La Fiesta del Chamame y Del Litoral, bailando roles principales “autóctonos, de mi tierra natal” explicó orgulloso, así fue El Colibri de La Leyenda Mbya Guarani, el génesis, y en numerosas obras de repertorio clásico coreografiadas “por el gran Luis Marinoni”, actual director del Ballet Folklórico de la provincia de Misiones.

“Hace ya cinco años recibí de la mano de Enrique Lommi una beca completa que

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me llevó a mudarme a la querida Buenos Aires. Allí me formé como bailarín clásico (Instituto Superior de Arte del Teatro Colón) y como actor de teatro musical.

Fui parte de Los Miserables y de varias obras en el Paseo la Plaza”, recordó. “Fui de la última generación de alumnos de Olga Ferri, que me preparó para bailar Paquita con Gisella Munch”.

El misionero, inquieto, fue por más. “Mi sueño fue mucho más grande todavía y apliqué con un video como Solor de La Bayadera para Joffrey Ballet School de Chicago. Gané beca completa”, rememoró contento. Pronto fue transferido a New York para el Programa de Ballet en el que bailó Nutcracker (versión 2014/2015) y al poco tiempo conoció a Andrei Vassiliev “quien cambió mi vida para siempre”, confesó Manuel Ruiz, al hablar de su mecenas y colaborador incondicional. “Al conocerme me otorgó la posibilidad de trabajar con él y se convirtió en mi padrino en esta carrera”.

En julio, junto a la chaqueña Bianca Stella el argentino bailó el pas de deux de Don Quijote en Creative Cultural Center Manhattan de Nueva York, transformándose en “una experiencia única e irrepetible”.

De Misiones a Nueva York Foto . gentileza del artista

Andrei Vassiliev, se formó en la Academia de Ballet de Perm, fue laureado del Prix de Lausanne (1997), integró el Hamburg Ballet, el Leipziger Ballet (Alemania) y el English National Ballet (2001). Se radicó en Estados Unidos en 2004 y en 2014 fundó su escuela Vassiliev Academy of Classical Ballet en el histórico barrio de Tribeca, junto a su compañía de bailarines. “Hace cuatro meses comenzamos el proyecto de concretar un tour latinoamericano en busca de talentos, que serán becados para realizar el Summer Intensive en su escuela. Algunas de las experiencias que los estudiantes, como yo -hace un tiempo atrás- con sueños por delante, puedan realizar internacionalmente.

Entrenarán bajo la dirección de Andrei, Ludmila Raianova, Tatiana Berinova y Maina Gielgud, entre otros”.

La gira comenzó el 26 de julio en Bogotá, seguirá en Brasil y finalizará en seis ciudades argentinas este mes. __BD

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AGOSTO 2016 .. BALLETIN DANCE .. 47

Montevideo proyecta el nuevo edificio de la Escuela Nacional de Danza de Uruguay, en un predio cercano al Auditorio del Sodre, sede del Ballet Nacional que dirige Julio Bocca.

Desde que asumió a su cargo al frente de la compañía, el argentino se ha preocupado especialmente por la escuela, para mejorar la formación allí impartida, que le permita lograr egresados de nivel internacional. El nuevo proyecto educativo contempla una escuela integral, que suma la escolaridad curricular (primaria y secundaria) a la formación artística.

“Sería muy bueno que los bailarines se formen en una institución que también integre la educación formal”, dijo el director del BNS en entrevista con el periódico Búsqueda. “Y el Sodre ya tiene el edificio para eso, acá a la vuelta [la ex sede del Instituto Nacional de Alimentación en la calle Uruguay], un lugar enorme, incendiado y abandonado. Tenemos un anteproyecto que le pedimos al arquitecto uruguayo Carlos Ott, que con su Ópera de la Bastilla en París demostró que sabe mucho de teatros y de arte. Hemos ido varias veces con él y el arquitecto del Sodre. Es un proyecto de diez pisos que integra la danza clásica, contemporánea, la escuela de canto lírico, primaria, secundaria y habitaciones para los estudiantes del interior”.

La nueva Escuela Nacional de Danza “permitirá alimentar al Auditorio. Si no, siempre vendrán más bailarines de afuera -continuó Julio Bocca-. La inversión rondará los 12 millones de dólares, pero hay herramientas posibles como las PPP [Proyectos de financiación Público-Privada]. Sería un maravilloso referente de la región. Una escuela completa como esta no existe en Argentina, ni en Chile, ni en Brasil”.

Carlos Ott, encargado del anteproyecto de la Escuela Nacional de Danzas de Urguay Foto . prensa

brevesinternacionales

Nueva Escuela

Comunicar En otro orden de cosas, también en Montevideo, Martín Inthamoussú, Director General de las Escuelas de Formación Artística del SODRE se explayó en relación a la danza y la comunicación, en entrevista con Brunella Tedesco, poco antes de estrenar con su propia compañía Irresponsables de la española Carmen Werner.

El licenciado en artes escénicas, con una amplia lista de premios, becas y colaboraciones en su haber, traspasó el ámbito de la danza al participar en programas televisivos y mantener una fuerte presencia en redes sociales. “Creo que el coreógrafo es comunicador, para mí cualquier artista comunica. La diferencia es el medio que uso para comunicar. Y ese es otro debate que se tiene que dar en la danza: ¿el arte comunica o no comunica. Si comunica, ¿cuál es la responsabilidad que tenés como comunicador? Tiene que valer la pena el momento de atención que te están dando, y estar muy agradecido con eso”.

Para Inthamoussú la danza contemporánea, debe mediatizarse para acercarla a otros ojos. De otra manera, “nos seguimos viendo entre la gente de danza”, explicó.

También expresó la necesidad de armar equipos profesionales de comunicación y de optimizar los discursos de las gacetillas de prensa, “estoy obsesionado, estoy escribiendo mi tesis de maestría sobre eso”. Por último explicó que si bien tiene contrato con dos marcas para generar contenido en las redes sociales para ellas, y preguntarse si “En otro tiempo ¿te hubieras imaginado que un bailarín fuera embajador de una marca?”, no ha todo ha dicho que sí, porque él mismo es una marca “que yo construyo con esas decisiones”.

Martín Inthamoussú: “el coreógrafo es comunicador” Foto . prensa 48 .. BALLETIN DANCE .. AGOSTO 2016

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A R G E N T I N O S E N E L E X T E R I O R | I TA L I A

El Florence Dance Festival homenajeó el mes pasado a Susana Zimmermann Portraits of Dance fue el tema de la vigésimo séptima edición del Festival Internacional de Danza fiorentino, que incluyó cantidad de espectáculos, encuentros y stages. Allí, el miércoles 6 de julio, se realizó un encuentro con la coreógrafa argentina Susana Zimmermann en conmemoración de los 40 años de su carrera en Italia.

Se trató de una entrevista pública guiada por la periodista, artista plástica y escenógrafa Laura Lodigiani, mientras se proyectaban en pantalla fotos, y fragmentos en video de espectáculos y laboratorios conducidos por Zimmermann, fundamentalmente aquellos realizados en la península itálica. “Hablamos especialmente

CUBA

Reconocimiento

de los grandes maestros que tuve como Kurt Joos, Mary Wigman, Dore Hoyer y Maurice Béjart”, comentó la coreógrafa a esta revista.

La charla recorrió su carrera en Italia, “la participación en el Laboratorio Teatral sobre Edipo de Vittorio Gasmann para la Rai (1976)”, algunos seminarios y la creación de espectáculos en cantidad de ciudades y algunos recuerdos “como las comidas en la Trattoria da Benvenuto de Florencia donde nos reuníamos con varios exilados, artistas y periodistas latinoamericanos para conocer algo de lo que sucedía en nuestro país”. Zimmermann regresa cada año a Italia, “que representa tanto en mi historia”, donde ha recibido variadas distinciones, invitada por varios festivales y encuentros, en los que participa con renovada frecuencia. __BD

Con fotos de Alicia Sanguinetti el Festival difundió la entrevista pública

Estreno y Homenaje

La Compañía de Danza Proyecto Mestizo dirigida por Gabriela Fabro, realizará este mes actuaciones en Santiago de Cuba Invitados por la cartera de Artes Escénicas de la provincia de Santiago de Cuba, sede de la Compañía Teatro de la Danza del Caribe fundada por Eduardo Rivero Walker, y su actual direc-

Proyecto Mestizo lleva este mes Ominira a Cuba Foto . gentileza de la compañía

tora Bárbara Ramos, el elenco argentino viajará para desarrollar el montaje de Ominira, una de las últimas creaciones de Fabro.

Ambos colectivos trabajarán con la idea de fusionar a las dos compañías en un trabajo conjunto y el estreno cubano de la pieza, se ofrecerá en homenaje al ya fallecido Rivero y al maestro Ramiro Guerra, considerado el padre de la danza cubana, del 18 al 21 de agosto en el Teatro Marx, joya arquitectónica y artística de Santiago de Cuba.

Para Fabro, el acontecimiento que se avecina “es un placer y un honor”. Viajarán junto a ella Cecilia Cavallero, Ezequiel Barrios y Karol Cowan Junco, tres miembros de la compañía Proyecto Mestizo que la maestra dirige en Buenos Aires.

La coreógrafa Gabriela Fabro, emplea la técnica cubana de danza en sus composiciones, con el estilo Eduardo Rivero a quien conoció en 2001. En Ominira realizada en homenaje al maestro cubano en 2015, destacan movimientos pélvicos y ondulaciones de torso, es una obra de danza afro moderna, montada sobre una variedad musical (integrada por temas afrocubanos, tangos y música instrumental, con poesía del poeta cubano Rogelio Martínez Furé). La pieza pasará a integrar el repertorio de Teatro de la Danza del Caribe, junto a sus anteriores aportes: Los Hermanos y Almas Mariposas. __BD AGOSTO 2016 .. BALLETIN DANCE .. 51

I N T E R N A C I O N A L E S | I TA L I A

Solo la Liviandad Por Susana Zimmermann

La 27ª edición del Festival de Danza de Florencia titulada Retratos de la Danza, fue anfitriona durante julio, de importantes compañías internacionales que ofrecieron espectáculos inspirados en grandes personajes de la historia. Además del maravilloso patio del Museo Bargello, Florence Dance Festival amenizó sus actividades en el histórico Teatro Verdi, el antiguo teatro romano de Fiesole, y cantidad de eventos paralelos en la Piazza del Carmine.

“El arte en general, pero más aún la danza, goza de la capacidad comunicativa universal que brinda al coreógrafo la oportunidad de dialogar con el público sobre el estado actual de nuestra humanidad, inspirado en la historia y los grandes personajes que hoy son los baluartes fundamentales de nuestro destino”, explicaron los directores artísticos del encuentro.

De los espectáculos propuestos en esta edición, fue sin lugar a dudas Sankai Juku quien presentó la propuesta más interesante, que regresaba al Festival después de 25 años. La compañía japonesa de butoh, mostró Utsushi (Entre Dos Espejos) el 9 de julio en Fiesole, con dirección, coreografía y diseño de Ushio Amagatsu, sobre música de Yas-Kaz y Yoichiro Yoshikawa.

Su presentación contó con el apoyo de la Agencia de Cultura del gobierno japonés con motivo del 150º aniversario de las relaciones bilaterales entre Italia y Japón.

La pieza está conformada por extractos reorganizados del repertorio de la compañía, síntesis del coreógrafo Amagatsu, de los últimos 40 años.

La función fue realizada en el Anfiteatro Romano de Fiesole, que ofreció un marco bellísimo para el espectáculo. Muy bien conservado, con un clima más fresco que el que caracteriza a la ciudad y bajo un cielo maravilloso que permite ver las colinas toscanas, el colorido atardecer fue 52 .. BALLETIN DANCE .. AGOSTO 2016

Utsushi perfección física y espiritual Foto . gentileza Florence Dance Festival

llenándose de estrellas con la luna plena.

Utsushi es un espectáculo de butoh muy profundo, muy interior, de una gran poesía, desde la ambientación escénica, el vestuario, la música, los movimientos y la perfección de los bailarines física y espiritualmente. El sonido y el cuerpo es-

piritualizado, penetran en el espectador, que asiste a un ritual antiguo y contemporáneo a la vez, con fuerte influencia expresionista.

Simultáneamente, los movimientos de los bailarines fueron de una ligereza que vencía la ley de gravedad, mostrándolos por momentos como si volaran, sin aparatos, ni cuerdas, sus cuerpos no tenían peso, no se veía ningún esfuerzo, ninguna acrobacia, solo la liviandad. __BD

brevesinternacionales

Novedades españolas Mientras los directores de los elencos nacionales de España renovaban sus contratos para los próximos tres años: Antonio Najarro al frente del Ballet Nacional de España (BNE), José Carlos Martínez en la Compañía Nacional de Danza (CND), y Helena Pimenta en la Compañía Nacional de Teatro Clásico (CNTC), los bailarines del BNE deberán audicionar para conservar sus puestos de trabajo.

De esta manera el INAEM cerró la discusión con los bailarines que reclamaban, con diferentes medidas de fuerza, la conversión de sus contratos de manera automática a indefinidos. El Ministerio de Educación, Cultura y Deporte aseguró que la administración pública no contempla otra posibilidad para tomarlos en forma estable que la de realizar un concurso. Muchos de ellos, que habían realizado paros con cancelación de funciones, finalizan sus contratos en agosto y las audiciones fueron planeadas para septiembre. Por ello se han suspendido las actuaciones programadas los primeros días de septiembre.

Nueva Directora La coreógrafa canadiense Marie Chouinard es la nueva directora del área danza de la Bienal de Venezia (20172020), como sucesora de Virgilio Sieni. Desde la Bienal aseguraron que la artista vanguardista se unió al proyecto con entusiasmo, para coordinar de manera conjunta los espectáculos y las clases. Marie Chouinard ha participado en el festival italiano desde 1999 en diferentes oportunidades, como bailarina, maestra y coreógrafa. “Tendré oportunidad de presentar prácticas, maestros, obras y artistas en los que creo, capaces de abrir nuestros patrones de pensamiento y la percepción de otras dimensiones, estimulando el diálogo entre nuestros hábitos y nosotros, entre nuestros patrones de pensamiento y nuestra libertad, hacia el renacer de la belleza, con mayor inclusión y amor sin límites. La vida es siempre sorprendente y Venecia siempre canta”, dijo la nueva directora.

Los bailarines del BNE deberán rendir una audición para conservar sus trabajos Foto . Sergio Barrenechea

Ballet para el Estrés Algunos soldados surcoreanos que vigilan la frontera con Corea del Norte en la Zona Desmilitarizada, practican danza clásica una vez a la semana para aliviar el estrés. “A través del ballet, soy capaz de mantener la calma y encontrar el equilibrio, así como construir lazos de amistad con mis compañeros”, dijo uno de los sargentos de 23 años, que casi ha cumplido con los dos años de servicio militar obligatorio y tiene previsto seguir bailando cuando finalice. La maestra, Lee Hyang-jo, que integra el Ballet Nacional de Corea, inició este proyecto el año pasado, que finalizó con una actuación de los uniformados en El Lago de los Cisnes de Tchaikovsky.

El ballet llegó a la moda La moda europea presentó su próxima temporada de otoño, inspirada en su mayoría, en la estética que utilizan habitualmente las bailarinas, sean clásicas o contemporáneas, para salir a la calle. Tules, vestidos sinuosos, mallas y superposición de artículos, con predominio de colores nude, negro y rojo será la moda para nuestra próxima temporada. El calzado también presentará referencias a las zapatillas de mediapunta, de raso o cuero, en combinación con peinados y maquillaje del mundo del ballet.

Miuccia Prada y su colección de primavera de Miu Miu, fue la precursora que siguieron luego John Galliano o Mary Katrantzouhan (estilo cuadros de Degas), Hermès o Stella McCartney (con menos transparencias), Proenza Schouler (amplios escotes y mangas largas) y Valentino (vestidos con forma de tutú). A los desfiles de alta costura siguieron pronto firmas de bajo costo, con varias versiones de bailarinas con saquitos cruzados, tops, polleras de tul y calzas.

Marie Chouinard: “La vida es siempre sorprendente” Foto . Laurence Labat AGOSTO 2016 .. BALLETIN DANCE .. 53

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54 .. BALLETIN DANCE .. AGOSTO 2016

Alemania. La Tanztheater Wuppertal Pina Bausch convoca a audiciones para bailarines de ambos sexos con experiencia, del 1º al 3 de octubre de 2016 (solo por invitación).

Podrán participar artistas con un alto nivel y destreza en danza y con experiencia demostrable. Se ofrecen contratos con duración determinada y de bailarín invitado, a partir de octubre de 2016. La inscripción cierra el 15 de agosto, sólo se aceptarán solicitudes recibidas a través de MyNetwork (en internet), en idioma inglés, con un retrato y un link a internet de un video reciente. Informes: info@pina-bausch.de.

Alemania. Christoph Winkler está buscando bailarines y artistas, de formación contemporánea para su nuevo proyecto en Alemania. Los ensayos comenzarán el 12 de diciembre de 2016 y el estreno está previsto para el 2 de febrero de 2017. La inscripción para participar de la audición (solo por invitación y de forma individual) cierra el 30 de de agosto. Los interesados deben enviar Cv, con foto y un link a un video corto en internet (solo improvisación, pura y orgullosa, sin showreel y sin edición) a: audition@christoph-winkler.info.

Informes: christoph-winkler.info.

Países Bajos. El Nederlands Dans Theater convoca a bailarines de 17 a 21 años, que hayan finalizado una formación completa en ballet clásico, a participar en una audición para su elenco NDT 2, el 22 de enero de 2017 en su sede de La Haya, Holanda. La inscripción cierra el 15 de agosto de 2016 (registro) y el 15 de noviembre de 2016 (para la presentación del material).

Informes e inscripción: www.ndt.nl/en/participate/auditions.html.

Polonia. La Opera Wroclaw de Polonia busca bailarines solistas y cuerpo de baile, para la temporada 2016/2017, con habilidades en técnicas de danza clásica y contemporánea. La audición será el 12 de septiembre de 2016 en su sede: la Wroclaw Opera. Los interesados en ser admitidos deben enviar sus solicitudes, con CV, retrato, foto de danza y enlace de video a internet, antes del 5 de septiembre de 2016, a: bozena.klimczak@opera. wroclaw.pl. Informes: www.opera.wroclaw.pl/1/index.php?lang=_en.

Reino Unido. La compañía británica Neon Dance, dirigida por Adrienne Hart, busca bailarines/as altamente calificados para un recasting de su último montaje Empathy, con actuaciones en giras nacionales e internacionales. La audición será el 3 de septiembre, solamente por invitación y los interesados en asistir deben enviar Cv, con un retrato una foto de danza, y un video a: info@neondance.org, antes del 31 de agosto de 2016. Informes: www. neondance.org/news/2016/6/20/neon-dance-are-seeking-female-and-male-dancers.

República Checa. El Ballet del National Moravian Silesian Theatre busca bailarines/as solistas y cuerpo de baile, con excelente técnica, para la temporada 2016/2017 (para incorporarse el 25 de agosto de 2016). La audición será el 21 de de agosto (sólo por invitación) en el Teatro Antonin Dvorak. La inscripción cierra el 17 de agosto: http://balletcompanies.com/Countries/Auditions.php.

Reino Unido. La Hofesh Shechter Company tomará audiciones (solo por invitación) para seleccionar bailarines/as con significativa experiencia profesional (de nivel internacional) para unirse a la compañía a tiempo completo, de 12 a 18 meses, a partir de enero de 2017. ¿Usted siempre ha querido bailar con nosotros?

Informes: www.hofesh.co.uk/the-company/opportunities.

Uruguay. El Ballet Nacional del Sodre, dirigido por Julio Bocca y Sofía Sajac, realizará su audición ordinaria anual el 15 de octubre. Podrán postularse bailarines/as de danza clásica, de cualquier nacionalidad, desde los 18 años, hasta 26 (mujeres) y hasta 29 (varones), con una altura mínima de 1.62 m (mujeres) y de 1.73 (varones). Se ofrece contrato del 1º de febrero al 31 de diciembre de 2017. La inscripción cierra el 30 de septiembre y se realiza por internet www.balletnacionalsodre.gub.uy/#contenidos/es/audicion.php.

Informes: audiciones@bns.gub.uy.

balletin informativo Ayudas económicas Pice A La Movilidad 2016. Las ayudas a la Movilidad de AC/E Acción Cultural Española tienen como objetivo apoyar la capacidad del sector cultural y sus industrias creativas para operar a nivel internacional, promoviendo la circulación y movilidad de obras, producciones, artistas, creadores, agentes y profesionales culturales y creativos.

Incentivan a entidades extranjeras para que programen la presencia de españoles en el exterior (artistas, profesionales y creadores culturales). Las ayudas pueden solicitarse exclusivamente por entidades e instituciones culturales extranjeras en dos plazos sucesivos, entre el 1 y el 31 de marzo, y entre el 1 y el 30 de septiembre, a través de la aplicación informática PICE: www.accioncultural.es/es/programa_movilidad.

Iberescena. El Fondo Iberoamericano de ayuda Iberescena ejecuta un programa de fomento, intercambio e integración de la actividad de las artes escénicas iberoamericanas, con el objetivo de promover en los Estados miembros y por medio de ayudas financieras, la creación de un espacio de integración de las Artes Escénicas. Este año podrán postularse proyectos en tres líneas: Ayudas a redes, festivales y espacios escénicos para la programación de espectáculos, Ayudas a la coproducción de espectáculos iberoamericanos de artes escénicas y Ayudas a procesos de creación escénica iberoamericana en residencia. La presentación de solicitudes cierra el 30 de septiembre de 2016 y puede realizarse por internet.

Informes: www.iberescena.org/es/bases-convocatorias.

Becas Becar Cultura. El Ministerio de Cultura de la Nación a través de la Secretaría de Integración Federal y Cooperación Internacional, por medio de la Dirección Nacional de Cooperación Internacional, abrió la convocatoria 2016 del Programa de Cooperación para la Formación, Investigación y Creación Artística en el exterior, que brinda apoyo por medio de dos modalidades: Pasajes para creadores e investigadores del arte y la cultura, y Becas de intercambio para residencia artística, mediante convenios de reciprocidad con otros países.

En esta primera instancia se ofrecerán 30 pasajes aéreos para viajar entre octubre de este año y mayo de 2017. Podrán postularse quienes hayan sido invitados, o becados, para realizar actividades de formación o perfeccionamiento en instituciones especializadas del exterior. La inscripción se realiza on-line, enviando Cv, programa de la actividad a realizar en el exterior y un proyecto de transferencia de los conocimientos adquiridos en el ámbito nacional, en: convocatorias.cultura.gob.ar/becar.

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Prix de Lausanne. Preselección Argentina 2016. Del 7 al 9 de octubre de 2016, Teatro Argentino de La Plata. Para estudiantes de danza clásica de todas las nacionalidades, nacidos entre el 1º de enero de 1998 y el 31 de diciembre de 2001.

Inscripción on-line: www.prixdelausanne.org. Consultas: pdlpreseleccionargentina@gmail.com.

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balletin informativo Convocatorias Escena Pública. Dirección de Formación Nacional del Ministerio de Cultura de la Nación en articulación con organismos culturales locales. Convocatoria para artistas emergentes, de 18 a 35 años (música, artes visuales, artes audiovisuales, artes escénicas y editorial), de las regiones NOA, NEA, CUYO y Patagonia interesados en participar de las etapas de formación, producción y circulación de obras, bajo la consigna “Todas las Artes, Todo el País”. Los seleccionados participarán en encuentros de formación, talleres interdisciplinarios y transdisciplinarios, una instancia de diseño y postulación de ante-proyectos que aspiren a ser incubados, tutoriados y producidos el año próximo en el marco de la tercera etapa del programa (circulación y exhibición en circuitos regionales). El Programa cubre gastos de traslados, hospedajes y producción de obra. Cierre de inscripción: 12 de agosto. Informes e inscripción on-line: http://convocatorias.cultura.gob.ar/escenapublica.

Consultas: escena.publica@cultura.gob.ar.

Teatro Nacional Cervantes. Convocatoria de proyectos teatrales no estrenados para integrar la programación de sus salas en la temporada 2017. Las propuestas se recibirán únicamente en formato digital, antes del 19 de agosto.

Bases y formularios de inscripción: www.teatrocervantes.gob.ar.

Sub30. La Asociación de Coreógrafos Cocoa y el Centro Cultural Recoleta invitan a coreógrafos menores de 30 años, a participar del ciclo 24 Coreógrafos, que se realizará en la sala Aleph durante septiembre y octubre de 2016, con entrada gratuita, compartiendo función con reconocidos coreógrafos de otras generaciones. La organización ofrece un cachet para cada coreógrafo de 1.600 pesos para los socios de la entidad y de mil pesos para el resto. La inscripción cierra el 20 de agosto.

Descargar el formulario de internet: www.cocoadatei.com.ar y enviarlo completo por e-mail, a: info@cocoadatei.com.ar.

Festivales Videomovimiento 2016, Festival Internacional de Videodanza. 10º edición. Del 27 al 30 de septiembre en Bogotá, Colombia. Organiza: Fundación Imagen en Movimiento. Podrán participar realizadores y artistas con obras en formato videodanza (creación de un montaje coreográfico realizado especialmente para la cámara) de cualquier

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nacionalidad y residencia. Debe tener una duración máxima de diez minutos, haber sido realizados después del 1º de enero de 2015, y si tuvieran diálogos o textos en otro idioma deben contar con subtítulos traducidos al español. La inscripción cierra el 5 de septiembre de 2016 y debe descargarse la ficha de internet: www.videomovimiento.com, o solicitarla por e-mail: videomovimiento@yahoo.com.

Premio Emiratos Arabes. Premio Internacional de Fotografía Hamdan, Dubai, para creadores de todas las nacionalidades que hayan alcanzado la mayoría de edad. Las imágenes no pueden haber sido premiadas en otros certámenes, ni haber sido usadas con fines comerciales. El tema de esta convocatoria es The Challenge (El Desafío) que tiene una interpretación amplia, pudiendo referirse al desafío que implica sacar una determinada foto en un momento preciso o referirse a su contenido o tema abordado. Los premios van de 109.000 a 5.500 euros. El cierre de inscripción es el 31 de octubre de 2016 y se puede obtener mayores informes en: www.hipa.ae.

Residencias Alemania. Residencias en K3 Zentrum für Choreographie Tanzplan. Se ofrecen tres residencias en Hamburgo, de ocho meses (comenzando en agosto), a coreógrafos que se encuentran en el inicio de su carrera, pero que ya hayan producido algunos trabajos coreográficos propios. La inscripción cierra el 14 de agosto de 2016 y se realiza por internet: http://k3-hamburg.de/en/ausschreibungen/.

Informes: tanzplan@kampnagel.de.

Chile. Convocatoria Internacional de Artes Vivas en NAVE, recibe propuestas de creación, investigación y exhibición en el campo de las artes vivas (danza, performance, música, teatro y todos sus cruces imaginables) para integrar la programación de marzo de 2017 a enero de 2018. La residencia incluye el uso de la sala de ensayo, alojamiento en habitaciones compartidas, espacio de exhibición (hasta 6 funciones), difusión en redes sociales, acompañamiento de parte del equipo de NAVE (no incluye gastos de producción, traslado ni per diems).

Podrán postularse artistas individuales, compañías o colectivos, que experimenten con formas híbridas, y que innoven en sus prácticas y

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balletin informativo modos de producciĂłn. Cierre de inscripciĂłn: 14 de octubre de 2016.

Email: convocatorias@nave.io, web: http://nave.io/convocatorias/convocatoria-internacional-artes-vivas-2017/.

Alemania. DAAD. Becas para programa de residencias. Se otorgan alrededor de 20 becas anuales, para realizar el Programa Berlin Artistsin-Residence, Berliner KĂźnstlerprogramm, en artes visuales, literatura, mĂşsica, cine y danza, a estudiantes extraordinarios extranjeros (que ya demostraron su calidad), para una estancia en BerlĂ­n, que suele ser de un aĂąo. PodrĂĄn postularse artistas de cualquier edad. El programa prevĂŠ un estilo de vida adecuado, con alojamiento en apartamentos amoblados y ĂĄreas de trabajo, incluye una mensualidad para gastos de manutenciĂłn y alquiler (de 650 a 1000 euros para estudiantes, de 2000 a 2150 para profesores universitarios), posibilidad de acceder a un trabajo part-time (450 euros al mes), gastos de viaje y de equipaje (tambiĂŠn para el cĂłnyuge y los hijos, si se encuentran alojados en BerlĂ­n para todo el perĂ­odo de la invitaciĂłn), seguro de salud y accidentes (los extras serĂĄn deducidos de la beca) y cursos de alemĂĄn. Cierre de inscripciĂłn: 1 de diciembre de 2016. Informes: Email: bkp.berlin@daad.de, web: www.daad.de/deutschland/stipendium/musik-kunst/en/8590daad-berlin-artists-in-residence-programme/.

Alemania. Bauhaus Residence 2017. Desde febrero de 2016 y por primera vez desde su fundaciĂłn, la Bauhaus invita a jĂłvenes artistas de todas las nacionalidades a vivir y trabajar en la casa-duplex Muche/ Schlemmer durante tres meses, interesados en alguna de las ĂĄreas que

histĂłricamente han sido representadas por la Bauhaus: pintura, diseĂąo de producto, diseĂąo textil, performance, mĂşsica, artes escĂŠnicas, arquitectura y fotografĂ­a. Al finalizar su residencia, los seleccionados podrĂĄn ver su trabajo expuesto en the Gropius House, hasta el 90Âş aniversario de la Bauhaus en 2019. La residencia incluye espacio de trabajo y alojamiento, asignaciĂłn mensual de 1.200 euros, presentaciones, actuaciones y participaciones en debates durante la estancia, apoyo en la investigaciĂłn, asistencia tĂŠcnica y promociĂłn, presentaciĂłn pĂşblica del trabajo resultante de la estancia en the Gropius House. Las postulaciones podrĂĄn ser en alemĂĄn o inglĂŠs y deberĂĄn enviarse por e-mail, antes del 5 de septiembre, a: pooth@bauhaus-dessau.de: Cv actualizado, una carta de motivaciĂłn, catĂĄlogo de obras y un proyecto concreto para completar durante el periodo de la residencia que haga referencia a la Bauhaus. El tema establecido para esta primera ediciĂłn es “Substanceâ€?.

Mayor informaciĂłn: www.bauhaus-dessau.de.

Clínica gratuita El proyecto llevado adelante por Iùaki Urlezaga con su Compaùía Nacional Danza, a travÊs del Ministerio de Desarrollo de la Nación junto a la Municipalidad de Almirante Brown, dictarå una clínica en la Escuela DanzaSur, el martes 16 de agosto, a las 14 hs. La participación es gratuita y requiere inscripción previa. Informes: E. de Burzaco 653, Burzaco, provincia de Buenos Aires. Tel: 4238-8886, E-Mail: danzasur.danza@gmail.com.

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