BALLETIN DANCE 265

ISSN 1850-6275 . Año 24 . Nº 265 . Junio 2017 Revista mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires

L A R E V I S TA A R G E N T I N A D E D A N Z A

ENTREVISTAS Demis Volpi Alejandra Guzzo Katy Arnander Danae Mamet CINE Trabajadores de la Danza Dancer

LA SYLPHIDE Ludmila Paglliero en Argentina

FOUETTE

Una empresa de artistas para artistas

2 .. BALLETIN DANCE .. JUNIO 2017

Nota de Tapa 4 Ludmila Pagliero

Staff

Actualidad 10 Cine. Estructuras y Derechos 10 Dancer 13/37/45/47 Breves

editora general Agustina Llumá editores asociados Diego Llumá Martín Goyburu

Provincias 14 Buenos Aires. Un Quijote Sin Mácula 16 Santa Fe. Tango Junto al Río

escriben en este número Nahuel Aguirre Iratxe de Arantzibia Gustavo Friedenberg Román Ghilotti Marcelo Ghioldi Toni Mas Marcos Nápoli Fátima Nollén Stella Maris Salomon Daniel Sousa Gabriel Vaudagna Arango Jessica Zilberman en nuestra sede Juan Martín Caset corresponsales Mercedes Borges (Cuba) Rosa C. Corral (Holanda) Beatriz Cotello (Austria) Fátima Nollén (Inglaterra) diseño Jorge García jorgeg.dg@gmail.com INTERIOR DEL PAÍS: $ 25

BALLETIN DANCE REDACCIÓN Adolfo Alsina 943 - 4º piso oficina 410 (C1088AAA) Buenos Aires - Argentina Tel/Fax: (# 54 11) 4331-0412 De lunes a viernes de 10 a 17 hs gacetillas@balletindance.com.ar http://balletindance.com Balletin Dance, La Revista Argentina de Danza®, es una publicación mensual de distribución gratuita en Capital Federal y Gran Buenos Aires.

ISSN 1850-6275

Editorial 18 Juan Cruz Guillén: Nueva Presentación

Ludmila Pagliero en La Sylphide Foto: Anna Deniau

Flamenco 24 Danzas Gitanas 20 Agenda

Declarada de Interés Municipal por el Honorable Concejo Deliberante de la Ciudad de Buenos Aires. Ordenanza Nº 49.027/95. Auspiciada por la Secretaría de Cultura del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires. Resolución Nº 12/96. Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura y Comunicación de la Nación.

Resolución Nº 291/97 y 514/01. Auspiciada por la Dirección General de Asuntos Culturales del Ministerio de Relaciones Exteriores, Comercio Internacional y Culto desde 1998. Auspiciada por la Subsecretaría de Cultura de la Provincia de Buenos Aires. Disposición Nº 122/99. Auspiciada por el Instituto Nacional del Teatro (2003/04, 2009/11). Auspiciada y declarada de Interés Cultural por la Secretaría de Cultura de la Presidencia de la Nación.

Resolución Nº 2681/12. Balletin Dance integra la Asociación de Revistas Culturales Independientes de Argentina (AReCIA). Directora y propietaria: Agustina Llumá. Cuit: 27-21765023-8.

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Salud en Danza 26 Antropometría: el Mejor Cuerpo para la Danza

Entrevistas 30 Alejandra Guzzo 54 Demis Volpi

Comentarios 28 Horda 32 Arquitecturas, 34 Hamlet Ruso 36 LA Dance Company 38 El Barco 42 Se Baila el Tango 44 The Rocky Horror Show 46 La Bella Durmiente 48 Premios Hugo

Cartelera 23/41/51 Espectáculos In Memoriam 48 Alfredo Gurquel Internacionales 52 Reino Unido. El Sadler’s Wells, invernáculo de la danza en Londres Balletin informativo 56/57/58 Audiciones, becas, convocatorias, festivales, puntos de venta

Sumario Junio 2017 Año 24 Nº 265

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Nota de tapa Por Daniel Sousa

Ludmila Pagliero “En el Colón hay generaciones perdidas” A pocas semanas de su regreso para ofrecer La Sylphide de Bournonville en Bahía Blanca, Buenos Aires y Chile junto al Ballet del Sur, la artista argentina habla de su trabajo en la Opera de París y de la polémica en la que quedó envuelta en su última visita al Colón. Premios, proyectos y la lesión que le impidió bailar junto al Ballet Sodre

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”

Ludmila Pagliero en una sesión fotográfica especial, vestida por Fred Sathal Couture Foto . Jean Michel Blasco JUNIO 2017 .. BALLETIN DANCE .. 5

“Me da mucho placer volver a bailar en la Argentina. El año pasado cuando estuve disfruté enormemente el trabajo con el Ballet del Sur, y mucho más ahora que estaremos haciendo una pequeña gira. Una de las cosas que más me gusta es pasar tiempo con la gente, conocerla, compartir el día a día, y no tener esa presión de llegar a un lugar, bailar e irme. Poder pasar casi tres semanas juntos va a ser un gusto enorme”.

Desde el otro lado del Atlántico, Ludmila Pagliero no oculta el entusiasmo que la embarga a algo más de un mes de su retorno al país que la vio partir, con 16 años, hacia su consagración internacional. El 10 y el 14 de julio estará bailando La Sylphide de Pierre Lacotte en la Opera de París, y un día después volará rumbo a Buenos Aires, primero, y de inmediato a Bahía Blanca para los últimos ajustes de otra Sylphide, la de Auguste Bournonville, que protagonizará junto a Gregoire Lansier, acompañada por el Ballet del Sur. El tour incluye presentaciones en el Teatro Municipal bahiense (el 22 y 23 de julio), el Coliseo porteño (el 28 y 29) y el Teatro del Lago de Frutillar, en Chile (el 5 y 6 de agosto).

Surgida de las filas del Instituto Superior de Arte del Teatro Colón, el nombre de Pagliero alcanzó escala mundial en París, aunque bien pudo haber sido en Nueva York. Después de un paso de tres años por el Ballet Municipal de Santiago, adonde llegó convocada por Ricardo Bustamante, quien la había conocido

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“…soy una de las nueve étoiles, que representamos la cabeza de la compañía, y asumo esa responsabilidad con mucho orgullo”, aseguró Pagliero Foto . gentileza de prensa

en el Colón, Ludmila se presentó a un concurso en los Estados Unidos, lo ganó y recibió como premio una suma de dinero y un contrato por un año en el American Ballet Theatre. Un sueño cumplido para cualquier bailarín, pero no para su espíritu inquieto, que la llevó a audicionar al poco tiempo para la Opera de París, donde volvió a ser seleccionada y prefirió establecerse, aun cuando el contrato inicial era de apenas tres meses de duración.

El resto de la historia es conocido: trabajo y más trabajo hasta que en 2013 fue ascendida a étoile, el máximo escalafón al que puede aspirar una bailarina del elenco, siendo ella la primera latinoamericana en conseguirlo, con el agregado de que no estudió en su afamada escuela.

Pero volvamos a Bahía Blanca. ¿Con qué compañía se encontró?

El Ballet del Sur me impresionó, verdaderamente, por la buena disposición de los bailarines a pesar de la precariedad con la que deben trabajar. Me refiero a las salas de ensayo, las comodidades mínimas que un bailarín necesita. Y no hablo de tener a disposición 25 salas sino al menos una sala con espejo. Por eso me impresionó la fuerza que tienen de hacer todo con lo que hay.

Evidentemente, las carencias no quitan que haya pasión y voluntad. Espero que las condiciones vayan mejorando de a poco.

TIEMPO DE CAMBIOS Pagliero lleva 14 años viviendo en la capital francesa, trabajando con el Ballet de la Opera. Suman 18 los años desde que partió de la Argentina. “Este es un momento de muchos cambios en la Opera de París, cambios generacionales. Actualmente soy una de las nueve étoiles, que representamos un poco la cabeza de la compañía, y asumo esa responsabilidad con mucho orgullo. Me siento muy bien aquí, es gente que me acepta, me admira y me demuestra su cariño todos los días. Y sigo marcando siempre mi personalidad como bailarina francesa y extranjera al mismo tiempo”, sostiene.

Hace algunos años contó que le pesaba el hecho de que la crítica marcara siempre su origen argentino. Ahora que se ha nacionalizado francesa, ¿sigue ocurriendo eso?

Creo que al principio yo no entendí que no lo decían de forma negativa sino que lo marcaban como una confirmación de que la Opera es una compañía abierta, que admira a los bailarines del extranjero y les abre las puertas cuando siente que la persona puede encajar en su estilo y en todo lo que representa la Opera de París. Hoy mismo hay otras bailarinas que vienen desde afuera, que no han pasado por la escuela del ballet, y son aceptadas y admiradas. Estuve equivocada con respecto a este tema, tal vez era una visión muy personal basada en mi falta de confianza, en la idea de que nunca sería aceptada. No es lo que siento hoy.

¿Cómo es el día a día en la compañía?

Es un ritmo de trabajo muy intenso, con programas que se superponen. Mientras estamos mostrando uno ya estamos preparando el siguiente. Son seis días a la semana, a veces siete, dedicándole al menos seis horas diarias a la danza. Tenemos 150 funciones anuales.

En contraposición, ¿qué opina de la situación del Ballet del Colón?

Paloma [Herrera] recién acaba de empezar. Lo hizo con mucha fuerza, con ganas de impulsar la compañía hacia adelante, de recuperar funciones, una de las cosas más importantes para los bailarines. Espero que tenga mucho cuidado con sus bailarines, que los quiera. Naturalmente, por encima de todo está la institución, la programación, pero los artistas existen y no hay que olvidarlos.

En el Colón hay cosas muy profundas que cambiar. Todo lleva su tiempo y espero que Paloma lo logre y que el Gobierno permita hacer cambios para mejorar la situación y encontrar el Colón que yo conocí cuando estaba en la Argentina. Todo esto lo digo pensando en el artista, por las generaciones que han sufrido, que han sido marginadas. Esas generaciones están perdidas. Ahora vienen otras nuevas, pero también es importante pensar en las grandes que quedan y aún están presentes; y claro, en las generaciones futuras, haciendo todo lo posible por mejorar y que cuando ellas lleguen puedan vivir su carrera como debe ser.

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“Es un placer trabajar con coreógrafos nuevos, hacer con ellos verdaderas creaciones”, dice la argentina Foto . Jean Michel Blasco

El año pasado quedó envuelta en una polémica por haber acaparado, como figura invitada, algunas de las pocas funciones que tienen anualmente las primeras bailarinas del Colón. ¿Cómo vivió aquella situación?

No quedé indiferente, soy un ser humano y no puedo hacer como que nada pasa. De todos modos, nunca sentí odio o sentimientos negativos hacia mí de parte de los bailarines. Para nada.

Lo que sentí fue mucha tristeza de su parte. No podían actuar de otra forma, la situación era complicada. Entiendo bien que cuando uno tiene cinco funciones cada dos o tres meses, valen oro. No poder acceder a ellas es mucha frustración para esos bailarines, lo comprendo. Desde Francia yo escuchaba muchas cosas, las leía en Facebook, en Balletin Dance, pero no pude captar la situación en su verdadera dimensión hasta que llegué a la Argentina y estuve con la compañía algo más de dos semanas.

Viví una sensación dolorosa viniendo de ese teatro y conociendo a muchos de esos bailarines, que son amigos míos y los quiero mucho. No fue una situación agradable.

No volverá al Colón este año, como se rumoreaba…

Tuve una proposición para el mes de diciembre pero no voy a poder ir porque mi agenda está completa. Estuve viendo si era posible, pero no. Tengo mucho trabajo acá.

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LA KITRI QUE NO FUE “Querido Julio Bocca. Te escribo desde París, a pocos días me imagino del estreno de ‘Don Quijote’ en Montevideo.

Quisiera comunicarte lamentablemente que por un desgarro en mi pierna izquierda me encuentro en la obligación de cancelar mis funciones tanto en París, Moscú, y con mucha tristeza las de Uruguay también (…) Me será imposible presentarme junto al Ballet Nacional Sodre sin correr un gran riesgo de agravar mi herida”.

Con estas palabras, difundidas el 23 de mayo a través de la página web de la compañía uruguaya, Ludmila Pagliero dio por cerrada la posibilidad de interpretar el ballet Don Quijote en versión de Silvia Bazilis y Raúl Candal, los días 7 y 9 de junio. Su presencia en el rol de Kitri había sido anunciada un mes antes en conferencia de prensa por Julio Bocca, director del Ballet Sodre, y Paloma Herrera, al frente del Ballet del Colón, y representaba un verdadero acontecimiento para el segundo título de la temporada.

Lejos de lamentarse por el faltazo, a Pagliero la pregunta de Balletin Dance sobre el tema claramente le incomoda. En un primer momento evitó pronunciarse y trató de reenfocar el diálogo hacia las funciones de julio en la Argentina y Chile. Pero ante la insistencia del cronista, ya sobre el final de charla, sorteó el brete con un lacónico “esas funciones no las voy a poder realizar”. Y a otra cosa.

El repertorio de la Opera de París es bien amplio y va de lo académico a lo contemporáneo. ¿En qué se siente más cómoda?

Me encanta esa mixtura que ofrece la compañía. Es un placer trabajar con coreógrafos nuevos, hacer con ellos verdaderas creaciones. Además, esto le permite al bailarín, de acuerdo a su edad y la etapa de la carrera en que se encuentre, ir adaptándose y encontrando movimientos nuevos con su cuerpo, nuevas formas de expresión. Por ejemplo, el año próximo voy a bailar obras de Balanchine, Nureyev, Cranko, Forsythe, de Anne Teresa de Keersmaekere, de Crystal Pite (ver Balletin Dance Nº 264, mayo de 2017). Piezas completamente diferentes que me permiten hablar varios idiomas y que representan un desafío constante y una búsqueda siempre nueva de uno mismo. ¿La sorprendió la nominación al prestigioso premio Benois de la Danse? (La entrega de la distinción se realizó con posterioridad al cierre de esta edición) Claro que sí y, sobre todo, lo que más orgullo me produjo es haber sido nominada por Manuel Legris, actual director de la Opera de Viena, a quien tuve la oportunidad de ver sobre el escenario, en ensayos, en sus clases. Trabajé con él y es uno de los bailarines que admiro enormemente. De manera que haber sido nominada por él para mí ya es un premio.

¿Qué asignatura pendiente le queda en cuanto a obras o personajes?

Uno de los personajes que me encantaría abordar es el de Romeo y Julieta, ya sea el de Nureyev o el de MacMillan. No tuve acceso hasta hoy, pero no pierdo la esperanza porque es una obra que una bailarina puede hacer hasta el último momento de su carrera. Veo a Alessandra Ferri que vuelve a los cincuenta años y pienso ‘nada está perdido’.

Si bien aún es joven, ¿imagina cómo será el momento del retiro?

La vida de un bailarín es tan intensa, esa devoción que en mí se manifestó a los ocho años… No se cómo será ese día. También es cierto que la vida de la mujer se va haciendo más presente cada día, se sienten otros placeres más allá del escenario. Esas dos vidas se han ido mezclando en mí y descubro que cada vez se me van abriendo más puertas. Por otra parte, en la Opera de París esta es una cuestión de resolución muy simple: a los 42 años uno debe retirarse. Después vendrán los encuentros con coreógrafos, con otros bailarines, en la danza o en la danza teatro, quién sabe. __BD

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CINE

Estructuras y Derechos

El 27 de abril se estrenó en el Cine Gaumont de Buenos Aires el largometraje documental Trabajadores de la Danza de Julia Martinez Heimann y Konstantina Bousmpoura.

La película retrata la historia de la Compañía Nacional de Danza Contemporánea El documental, con una combinación de imágenes de archivo, entrevistas, tomas de ensayos y funciones, describe la gestación, funcionamiento y cambios sucedidos en esta década de la Compañía Nacional de Danza, como un colectivo artístico que defiende/reclama sus derechos laborales.

Se muestran en la película la intensión inicial de conseguir seguro de salud, aportes jubilatorios, vacaciones y aguinaldos, apoyados gremialmente como trabajadores, con una novedosa estructura funcional, manejada de manera “horizontal” (sin jerarquías, ni dirección, ni maestros). En sus inicios los mismos bailarines se autogestionaron, en todas las funciones (artística, producción, entrenamiento, creación, administración, técnica de luz y sonido, vestuario) pero bajo las órbitas del Estado Nacional.

Luego determinaron una dirección colegiada, años después una dirección “ortodoxa” pero insistiendo en delegar cada una de sus decisiones a la voluntad de todos sus integrantes a través de reuniones periódicas en las que todos tienen voz y voto.

En Trabajadores de la Danza, se clarifica la lucha que llevaron a cabo para implementar estas formas de hacer, sus análisis,

Dancer Se estrenó en cines de todo el mundo Dancer, el documental que narra la historia del controvertido ucraniano Sergei Polunin

Sergei Polunin en Take me to the Church Foto . gentileza de prensa 10 .. BALLETIN DANCE .. JUNIO 2017

Una imagen del documental, en al sede de la CNDC Foto . gentileza de prensa

controversias, cambios y las nuevas necesidades surgidas por el ingreso de bailarines a la compañía; y también, la vincula al Movimiento por la Ley de Danza, que ingresaba por primera vez al Congreso de la Nación al terminar de rodarse la película. Por otra parte, se muestra el comienzo de sus labores en búsqueda de una Ley de Jubilación para Bailarines empleados del Estado Nacional (que involucra también al Ballet Folkórico Nacional).

El documental que ya se presentó en festivales especializados en Grecia, Italia y Turquía, continuará su recorrido por el resto de mundo, cuyo itinerario podrá seguirse en internet, en: www.workingdancers.com. __BD

El bailarín reconocido por haber sido el bailarín más joven en ascender a primero, en la historia del Royal Ballet de Londres, renunció a su cargo con gran escándalo mediático en 2012, a sus 22 años.

Dirigido por Steven Cantor, el documental, con material de archivo desde sus primeros años, entrevistas a su familia, maestros y sus propias palabras, permite conocer más a fondo al joven polémico y comprender así algunas de las decisiones que tomó en su vida.

El solo Take me to the Church (https://youtu.be/c-tW0CkvdDI) dirigido por David La Chapelle con coreografía de Jade HaleChristofi, que se viralizó en internet alcanzando más de veinte millones de vistas en youtube, marcaría su retiro definitivo del ballet. Sin embargo, en la película, Polunin admite que: “pensé que dejarlo todo sería fácil”, y que no dejó de llorar durante todo el proceso de filmación de su despedida. Lo cierto es que por el momento continuará bailando, en combinación con otros proyectos que involucran al cine y la moda. __BD

Ludmila Pagliero “Etoile” de la Ópera de París

es

La Sylphide

CON LA PARTICIPACIÓN DEL: DIR: RICARDO ALFONSO PROD. ARTISTICO: JUAN LAVANGA Fotografía: Jorge Fama

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Festival Rojas Danza Como todos los años, el Centro Cultural rector Ricardo Rojas de la Universidad de Buenos Aires, realizará su festival de danza. En esta cuarta edición habrá espectáculos, charlas, una exposición curada por Fabiana Barreda y talleres gratuitos, del 21 de junio al 1º de julio.

Se verán obras firmadas por Cecilia Bolzán, Eugenia Estévez, Leticia Mazur, Carla Rímola, Daniel Goldin, Ramiro Cortez, Romina Simone, Ramiro Soñez, Damián Malvacio, Iván Haidar, Ollantay Rojas y Josefina Gorostiza, actuarán los elencos Danza sin Fronteras dirigido por Mariana Chiliutti, el Taller de Danza Contemporánea del Teatro San Martín bajo la dirección de Norma Binaghi, la compañía de David Señoran, la Compañía Blick de Facundo Domínguez, el grupo Les Cabras de Carmen Pereiro Numer y la Compañía de Danza de la Una dirigida por Roxana Grinstein. Las charlas versarán sobre danza, política y trabajo, habrá un homenaje a Iris Scaccheri y una fiesta de cierre a toda música.

Guilherme Botelho en un ensayo en la UNSAM Foto . gentileza de prensa

La Compañía de Danza de la Universidad Nacional de San Martín, que dirige Oscar Araiz, recibirá este mes al multipremiado coreógrafo Guilherme Botelho quien llegará por primera vez a la Argentina junto a su compañía Alias. El artista brasileño residente en Suiza, ofrecerá una serie de workshops y presentará su trilogía Distancias, interpretada por ambos elencos.

Financiado por la fundación suiza para la cultura Prohelvetia, las obras se verán los miércoles 7, 14 y 21 de junio, en el Centro Cultural 25 de Mayo de la ciudad de Buenos Aires; en el Teatro Auditorium de Mar del Plata (los días 9 y 25) y en el Teatro Municipal 1º de Mayo de Santa Fe (el 23).

Guilherme Botelho nació en 1962 en Sao Paulo (Brasil) e integró el Ballet du Grand Théâtre de Genève (Suiza) de 1982 a 1992, donde bailó coreografías de Jirí Kylián, Christopher Bruce, Mats Ek, Oscar Araiz y Ohad Naharin, entre otros.

Fundó Alias, su propia compañía en 1993, con la que desarrollara un trabajo centrado en la búsqueda de sentido como la fuente del movimiento.

Ley de danza en provincia El Senado de la Provincia de Buenos Aires, dio media sanción al proyecto de Ley de Danza provincial a comienzos de mayo, por lo que a continuación deberá debatirse en la Cámara de Diputados, donde obtendría su promulgación definitiva. La iniciativa fue impulsada por la senadora olavarriense Carolina Szelagowski, quien aseguró sentirse satisfecha “por este primer gran paso que verdaderamente es para los destinatarios de este proyecto: los trabajadores de la Danza”. Justamente en Olavarría se vienen llevando a cabo varias manifestaciones en vía pública, lo que alentó a la funcionaria para avanzar con el proyecto, quien desde hace tiempo mantiene vínculos con los representantes del Movimiento por la Ley Nacional de Danza en su región (Artedanza, Tu Lugar de Expresión).

Además de crear el Registro Provincial de la Danza no Oficial, esta ley “entiende por trabajadores de la danza a aquellos que se encuentren dentro de las siguientes previsiones: a quienes tengan relación directa con el público, en función de una manifestación de danza (intérpretes) y aquellos que tengan relación directa con la actividad de la danza, aunque no con el público (coreógrafos, directores, docentes, ensayadores, investigadores, gestores, productores, críticos y toda otra función a crearse en el futuro)”, detalló la senadora provincial.

Presentación de libro Haichi Akamine en julio en Villa Carlos Paz Foto . Alicia Sanguinetti

brevesactualidad

Colaboración

El libro Reflexiones Acerca de la Educación en Danza, Nuevas Miradas, Nuevos Modelos, de Norma Binaghi y Haichi Akamine, editado por Balletin Dance, se presentará en el Congreso Internacional de Danza conducido por Claudia Chandoha, del 7 al 9 de julio en Villa Carlos Paz, Córdoba.

En esta ocasión, el maestro Akamine, viajará para ofrecer una ponencia respecto de la formación de bailarines profesionales, junto a una clase magistral de ballet seguida por un análisis constitutivo y conceptual.

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PROVINCIAS | BUENOS AIRES

Un Quijote Sin Mácula Por Stella Salomón

Una notable convocatoria concitó la presentación de Don Quijote por el Ballet del Sur, en el Teatro Municipal de Bahía Blanca. Sobre el original de Marius Petipa y música de Ludwig Minkus la obra fue repuesta para el elenco provincial por Bernard Courtot de Boutellier, según versión del director del conjunto, Ricardo Alfonso Las siete escenas, en un prólogo y tres actos, se reeditaron sucesivamente los días 28,29 y 30 de abril y contaron con el marco sonoro de la Orquesta Sinfónica Provincial bajo la batuta del maestro invitado Javier Logioia Orbe. Una de las funciones contó con la presencia de Alejandra Ramírez, Subsecretaria de Políticas Culturales de la Provincia de Buenos Aires.

EL ESPECTÁCULO En el ballet de Marius Petipa, las andanzas del hidalgo son aludidas mediante su comportamiento errante a lo largo de toda la obra; en tanto su estado de ensoñación e irrealidad constante plasman su personalidad y psiquis. Pero los roles protagónicos pertenecen a Kitri y Basilio, personajes de Las Bodas de Camacho (Libro II de El Ingenioso Hidalgo Don Quijote de la Mancha).

El Ballet del Sur se muestra cada vez más superado a nivel técnico: con corrección en giros, baterías y saltos, a lo que se suma la homogeneidad de los grupos, para hacer del espectáculo un deleite. La creatividad de Eduardo Caldirola aportó un diseño colorido y estético en escenografía y vestuario, que fueron totalmente realizados en los talleres del propio ballet.

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El Ballet del Sur, se supera cada temporada Foto . Raúl Lazaro

Mientras que la iluminación fue correcta aunque con aspectos a mejorar. Fue merecedor de mención el veraz maquillaje de Don Quijote (Raúl Scheffer).

La Orquesta Sinfónica guiada por el maestro invitado Javier Logioia Orbe logró mancomunar ampliamente las labores danzante y musical, una tarea compleja, que favorece al espectáculo, porque brinda seguridad a los bailarines en el escenario y preserva la esencia de los climas musicales.

LOS ARTISTAS Estefanía Segovia, joven primera bailarina, compuso una Kitri delicada que sorteó los compromisos eficazmente, al acrecentar su experiencia va afianzándose en escena. Grégoire Lansier personificó a Basilio con expresividad y apropiada técnica. Ambos se destacaron en el brillante pas de deux que corona el tercer acto, uniendo la destreza a la expresión.

Cristian Velazco fue un Torero compenetrado y seguro. Mariana Basualdo y Antonela Silva como las amigas de Kitri resultaron pícaras en armónico dúo, con limpieza de movimientos. Gabriela Pirrone brindó una notable creación merced a su expresividad de cuerpo y alma en el Pas de Trois. Nataliya Gamon, impactó por su compromiso interior con el personaje de la Gitana, que tradujo en movimiento con ductilidad. El trabajo de preparación del grupo de Cupiditos (Escuela de Danza) fue muy acertado, Romina Barbieri fue una brillante Reina de Driades descubriendo un futuro prometedor.

Durante el aplauso final, pudo verse alguna lágrima vertida entre el público, que no hizo más que corroborar la importancia del remanso celestial que significa el arte para los seres sensibles. __BD

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P R O V I N C I A S | S A N TA F E

Tango Junto al Río

Juventud, Divino Tesoro Por Marcos Nápoli / Enviado especial de Balletin Dance Durante más de dos semanas de actividades, espectáculos, milongas, clases abiertas, charlas, debates, talleres, encuentros y conferencias legitimaron esta nueva entrega de un acontecimiento tan distintivo por su propia esencia como de su irrenunciable evolución. Del 11 al 27 de mayo, la Secretaría de Cultura y Educación de la Municipalidad de Rosario, ofreció el Encuentro Metropolitano de Tango, ciclo ininterrumpido que ya lleva trece temporadas Las nuevas generaciones cobran vital importancia en esta apuesta perpetua a la creación de renovados públicos, a la consolidación de proyectos culturales que tienen eje en los jóvenes y al andamiaje de una política inclusiva, participativa y amplia de todo Rosario y localidades cercanas. La ciudad no se detiene un instante. La música y el arte mismo le son característicos desde siempre. Tiene su sello inconfundible y cotidianamente va en busca de alternativas y objetivos de constante superación.

Así quedó reflejado en la edición 2017 del Encuentro Metropolitano de Tango. Con una logística impecable, el desarrollo, con entrada libre y gratuita, contó con una vasta agenda desplegada en forma pausada, amplia en estilos y merecedora de elogios.

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Rosario respira e inspira un crisol de alternativas artísticas de corte casi único. Los bares céntricos, en los tantísimos centros culturales que florecen en viejas casonas o junto al río en los antiguos galpones hoy bellamente reciclados, abren el juego a no detener los emprendimientos creativos.

El Metropolitano se ubicó en el casco céntrico y en los barrios, en la cómoda butaca del teatro y también en las sillas informales de las milongas, en el patinódromo y las escalinatas de un centro cultural. Así de simple, con objetivos claros y también con el apoyo de la Casa del Tango y los medios de comunicación locales que vuelcan sus energías desde hace muchísimos años a la difusión del género, el encuentro tomó impulso decisivo desde su jornada inaugural en el Teatro La Comedia con La Máquina Invisible, la Orquesta de Cámara Municipal y el Quinteto Damián Torres, junto a los bailarines Damián Pérez y Soledad Cantarini.

El viernes 11, en la citada sala, el homenaje estuvo centrado en Milonga en el Galpón de la Juventud Foto . Guillermo Turin Bootello

Mi Noche Triste, el primer tango canción compuesto por Pascual Contursi y Samuel Castriota, grabado por Carlos Gardel en 1917 (que cumple su centenario). Así como este tema resultó un puntapié a la larga tradición del género, lo fue en esta oportunidad como gesto inicial para la propuesta. A la agrupación El Mejunje se le sumaron como invitados el exquisito pianista Joel Tortul, el músico y cantante Leonel Capitano, de férrea personalidad como intérprete, y dos parejas de baile integradas por Juan Amaya, Valentina Garnier, Claudio Rubio y María Verónica Ruggieri, quienes compartieron el escenario nada menos que con dos artistas de jerarquía universal del tango: el bandoneonista Néstor Marconi y el violinista Pablo Agri, artistas íntimamente ligados a la música rosarina y artífices de una noche mágica.

PROGRAMA Algunas de las actividades del Encuentro de Tango rosarino, que además se alternaron con las organizadas en la Casa del Tango, el Centro Cultural Roberto Fontanarrosa y en los distintos barrios, incluyeron: Dos espectáculos en el Teatro La Comedia con la actuación de La Máquina Invisible, Orquesta de Cámara Municipal, Damián Torres Quinteto y los bailarines Diego Pérez y Soledad Cantarini (jueves 11) y la Gala de Mi Noche Triste con Néstor Marconi y Pablo Agri, El Mejunje, Joel Tortul, Leonel Capitano y la danza de Juan Amaya y Valentina Garnier, Claudio Omar Rubio y María Verónica Ruggieri (viernes 12) En el Galpón de la Juventud se realizaron 8 milongas, con orquestas, exhibiciones, clases y baile, entre las que participaron los bailarines Eliseo Morelli y Silvia Lucci, Víctor Barrios y Cristina Benavídez, Marisa Talamoni, Guillermo Ruiz y Laura Santiago, Florencia Albano y Lucho Ra, Alejo Gurrea y Lucía B, Miguel Pires y Natalia Grillo, Natasha Barbará y Alfredo Tosto.

Se replicaron las milongas en los barrios, con actuaciones varias, entre las que se mencionan la participación de los bailarines Nayhara Zeutrager y Alexis González, Daniel Aguinaga, Laureano y Carito, Claudio Omar y María Verónica, Martín Lorenzo, Gabi Cuesta y Diego Marantes, Guido y Carina, Jorge Paladini y Damián Marcos y Diego Perez.

La técnica depurada, expresiva y la sonoridad expuesta por Marconi lo sitúa hoy día en el sitio más privilegiado. Su bandoneón abre y cierra un sentimiento tan genuino, difícil de explicar, simple en su emoción, pleno en perfección. Así, el refinamiento del violín tan académico pero tan tanguero de Agri, que ejecuta con maestría y brillo el espíritu de un estilo que no se agota en la facilidad del 2x4. Con ellos, la plasticidad, la gran capacidad de ensamble y la enorme juventud de El Mejunje certificaron un inicio de tinte excelso.

Balletin Dance también asistió a un debate en la Biblioteca Argentina en el que participaron Alicia Contursi (quien había explicado al público el trabajo de su abuelo Pascual en la noche del viernes en el escenario), Hugo Diz y Lautaro Kaller.

Prosiguió en el Galpón de la Juventud, un lugar increíble a la vera del río, reciclado con buen gusto y funcionalidad y dedicado a cobijar diversas manifestaciones artísticas. Fue el turno allí de La Noche Quilici, con la participación de la gran orquesta de Carlos Quilici, tras lo que Gerardo, su padre, musicalizó la milonga con vinilos originales de su colección. El numeroso público se volcó a la clase y exhibición de baile de Eliseo Morelli y Silvia Lucci. Noche bien tanguera por cierto, con una impronta nostálgica, de sonidos que remitieron a los inicios del género y que recalaron hasta el mismísimo Astor Piazzolla.

La explanada del Centro Cultural Fontanarrosa trajo la actuación de los bailarines Hernán Arellano y Helena Pascuali, en tanto Lucía B y Alejo Gurrea dictaron clases y se presentó la formación local Tango Franco y Compañía y la orquesta Amores Tangos, que llegó desde Buenos Aires.

Así transcurrieron las primeras tres jornadas de esta pujante, creativa y destacada iniciativa (ver recuadro de actividades). El Metropolitano de Tango no es un hecho efímero porque trece años consecutivos lo convirtieron no sólo en un puntual para la música ciudadana de Rosario sino que, pensado como un acontecimiento capaz de desarrollarse a través de nuevas generaciones de artistas, acompañados por los exponentes más consagrados, el objetivo participativo de la gente ocupa un rol decisivo. La música, los proyectos y la creatividad, saludablemente agradecidos. __BD

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h tt p : / /w w w.fa ce b o o k .co m /p a g e s/ B a l l e t i n - D a n ce/261 3 1 07928 0 8 JUNIO 2017 .. BALLETIN DANCE .. 17

EDITORIAL

Nueva Presentación

Juan Cruz Guillén, presentó el 12 de mayo, la nueva edición ampliada del libro-homenaje de su autoría Antes y Después, Santiago Ayala El Chúcaro y Norma El acto se celebró en el Teatro Leopoldo Marechal de San Miguel, ante un auditorio que colmó la capacidad de la sala (180 butacas), con organización de Julio Ghío, encargado de la Biblioteca Municipal de la localidad bonaerense.

Se proyectó el documental sobre los geniales maestros, con fragmentos de sus danzas, entrevistas y recuerdos, apoyado con la exhibición de preciosas fotografías ubicadas desde el ingreso a la sala, que se incluyen en el libro.

Pero además, se trató de una fiesta muy emocionante porque se reconoció la trayectoria de profesores de la región con mucha historia en su haber, a quienes nunca se les había realizado un homenaje.

También hubo un momento para disfrutar de la danza, a cargo del Ballet Folklórico Municipal dirigido por Lorena Rodriguez, con asistencia de Pablo Molina (bailarines: Belén Cruz, Natalia Fernandez, Ayelén Antonini, Emiliano Silva, Emiliano Porco y Nicolás Orcajo), Joaquín Antonini (malambo sureño) y Gonzalo Caballero (malambo norteño). __BD

Los grandes homenajeados de la noche. En la foto, de izquierda a derecha: Juan Cruz Guillén, Liliana Escubirón, Teófilo Lencina Leguizamón, Norma Ingrasia de Bhiurret, Ricardo Rojas (en representación de Delia Rojas), Roberto Vogel, Lidia Suarez, Alicia Rivera de Punta y Julio Ghío

18 .. BALLETIN DANCE .. JUNIO 2017

Con el fondo de Santiago Ayala proyectado en el Teatro Leopoldo Marcehal, Juan Cruz Guillén (Fierro) señalaba algunos fragmentos del libro de su autoría Fotos . Pablo del Pozo

NUEVA FECHA La segunda edición ampliada del libro de Juan Cruz Guillén Antes y Después, Santiago Ayala “El Chúcaro” y Norma Viola, se presentará este mes en la Feria del Libro de General Paz, provincia de Buenos Aires.

El evento incluirá la proyección del documental que retrata a los geniales maestros, con una exposición de algunas de las fotografías que se incluyen en el libro, el miércoles 14, a las 15 horas, con entrada gratuita, en el Salón de Jubilados y Pensionados de Ranchos.

LAMBARE 990 (Villa Crespo) * Martes y jueves 10:45 hs * Miércoles 14.30 hs y 16.30 hs *Viernes 14.30 hs y 16.30 hs

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JUNIO 2017 .. BALLETIN DANCE .. 19

agendaflamenca por Gabriel Vaudagna Arango

Torombo en Argentina Entre los meses de junio y julio el bailaor español “El Torombo” hará una gira de cursos y actuaciones por todo el país, visitando las ciudades de Bahía Blanca, General Roca, Mendoza, Córdoba, Rosario y Buenos Aires. La gira sudamericana lleva el nombre La Pasión me Inspira y culminará en la ciudad de Montevideo, Uruguay.

San Juan Flamenco La ciudad de San Juan prepara su 1° Festival Flamenco, que contará con cursos, talleres y actuaciones de distintas agrupaciones flamencas de la zona y traerá como invitada a la bailaora sevillana Manuela Ríos quien además de dictar clases presentará un espectáculo con músicos locales. La organización está a cargo de la profesora sanjuanina Quki Maestro y se realizará del 10 al 21 de julio.

1° Festival Flamenco de Montevideo Se realizará en el mes de noviembre el Primer Festival Internacional de Flamenco de Montevideo, con la organización de María Silvina Garay Zapata y una nutrida programación a cargo de visitantes de España, Costa Rica, Paraguay, Chile, Brasil y Argentina. Durante varios días habrá diferentes actividades entre cursos, charlas y espectáculos.

PEQUEÑOS DIÁLOGOS SOBRE EL FLAMENCO Gabriel Arango Vaudagna publicó su tercer libro, Pequeños Diálogos Sobre el Flamenco que da cuenta del movimiento flamenco en Argentina durante los años 1997 y 2007 a través de una recopilación de escritos publicados en la Revista Contratiempo. Con un texto ágil y emotivo, se suceden notas, reflexiones y entrevistas con varios artistas, que permiten dilucidar la construcción del flamenco, su gestación y posicionamiento de los creadores.

Este mes, su autor comienza una gira nacional para realizar diferentes presentaciones que lo llevarán el 4 de junio a Charata (Chaco), el 10 a Hernando (Córdoba), el 12 a Mendoza, el 16 lo presentará en Cutral Co (Neuquén) y el 19 en Bariloche (Río Negro). En julio se ofrecerá en las ciudades de Rosario y Buenos Aires.

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22 .. BALLETIN DANCE .. JUNIO 2017

Alicia en el País de las Maravillas Ballet Estable del Teatro Colón. Dirección: Paloma Herrera. Instituto Superior de Arte del Teatro Colón. Coreografía: Alejandro Cervera. Sábado 1º y domingo 2 de julio, 11 hs (Teatro Colón (Cerrito 628, Tel: 4378-7100).

Chicos Malos

El Botella

Autor y director: Gabriel Gavila.

Coach físico y coreográfico: Alexis Losada. Viernes 21:30 hs. Espacio Artístico La Sodería (Vidal 2549, Tel: 4543-1728). Foto: María Gutierrez

Dirección: Diego Corán Oria. Coreografía: Seku Faillace. Sábados y domingos 17 hs (En vacaciones de invierno: de martes a domingos). Centro Cultural 25 de Mayo (Av. Triunvirato 4444, Tel: 4524-7997).

El Columpio Amor, pasión, destino

Un Deseo Una Lucha. Colectivo Per Sé. Dirección: Karina Soledad Martínez. Sábados de junio y julio 21 hs.

Casa Temenos Espacio de Arte (Av. Gaona 1880, Tel: 4583-2782).

... sin vuelta atrás. Compañía Urbana de Danzas. Dirección: Rubén Rodríguez. Sábado 24, 18 hs. Espacio Cultural Adán Buenosayres (Av. Eva Perón 1400, dentro del Parque Chacabuco).

Entrada libre y gratuita.

El Lago de los Cisnes

De Joe Kinosian y Kellen Blair. Dirección general: Gonzalo Castagnino. Coreografía: Joli Maglio. Viernes y sábados 20:30 hs. Sala Enrique Muiño del Centro Cultural San Martín (Sarmiento 1551, 4º piso, Tel: 4374-1251).

Foto: fuentes2fernandez

Ciclo en Movimiento 20 trabajos de danza contemporánea y expresión corporal. Coordinación: Gustavo Soto. Jueves 21 hs. Teatro La Mueca (José Antonio Cabrera 4255, Tel: 4867-2155).

Cita a Ciegas Dirección: Sebastián Prada. Libro: Austin Winsberg. Coreografías: Micaela Pierani Méndez. Jueves 21:45 hs.

Teatro Maipo Kabaret (Esmeralda 443, Tel: 5352-8384).

Despertando en Vida Así se Baila el Tango Dramaturgia y dirección: Laura Falcoff. Con Camila Villamil, Daniel Sansotta y Laura Falcoff. Coreografía: Camila Villamil con aportes de Daniel Sansotta. Sábados 18 hs. El Portón de Sánchez (Sánchez de Bustamante 1034, Tel: 4863-2848).

Un Nuevo Musical. Dirección: Raul Gustavo Cejas Tubio. Coreografía: Paula Gomes Anes. Con: Luciana Amoedo, Matias Arangunde, Caro Arellano, Carolina Barreiro, Fernando Cannata, Marianela Impaglione, Belen Iza, Marcos Matto, Diego Oviedo, Juan Ignacio Vila, David Zalazar y Marianela Zapata. Sábados 19:30 hs. Teatro El Vitral (Rodríguez Peña 344, Tel: 4371-0948).

Carmen

Ballet Estable del Teatro Colón. Dirección: Paloma Herrera. Coreografía: Mario Galizzi. Domingos 25 de junio y 2 de julio a las 17 hs, martes 27, miércoles 28, jueves 29 viernes 30 de junio, y sábado 1º de julio 20 hs. Teatro Colón (Cerrito 628, Tel: 4378-7100).

El Paraíso Perdido Idea y dirección: César Brie. Domingos 17 hs. Teatro Santos 4040 (Santos Dumont 4040, Tel: 4554-6353).

El Vestido de Mamá Director: Gustavo Tarrío. Coreografía: Virginia Leanza. Sábados y domingos 17 hs. (en vacaciones de martes a domingos. Centro Cultural 25 de Mayo (Av. Triunvirato 4444, Tel: 4524-7997).

cartelera

Asesinato Para Dos

El Vuelco Este mes coreografías de grupo Lalala, Constanza Copello, Lucía Bargados y Silvina Pérez. Viernes 22 hs (hasta el 23). El Sábato Espacio Cultural de la Facultad de Ciencias Económicas de la UBA (Uriburu 763, Tel: 5285-6595).

Gobernar es Poblar

Una ridícula tragedia. Compañía de Clowns. Dirección: Luis Levy. Entrenamiento corporal: Diego Starosta.

Asesoramiento coreográfico: Nadia Gómez. Viernes 20:15 hs.- Teatro No Avestruz (Humboldt 1857, Tel: 4777-6959).

Desprincesada

Casa Kynodontas

Disparate de Limón

Interpretación y dirección: Daniel Antonio Corres, Abril Lis Varela, Emmanuel Palavecino, Brenda Boote Bidal y Franco Bertolucci. Jueves y viernes de junio y julio (desde el 2 de junio) 21 hs.

Capilla del Centro Cultural Recoleta (Junín 1930, Tel: 4803-1040).

Dirección: Andrea Magnaghi. Coreografía: Denise Font. Asistente: Demian Ledesma Becerra. Con Marisa Ini, Miguel Angel Ludueña, Tuli Caimí, Luján Nölter. Domingos 16 hs (hasta el 27 de agosto). Teatro La Revuelta (Av. Boedo 1014, Tel: 2076-2964).

La Aventura De Ser Yo. Idea y dirección: Luján Zalazar. Coreógrafos: Facundo Mazzei y Nicolás Pérez Costa. Sábados y domingos 17 hs. Teatro Astros (Av. Corrientes 746, Tel: 4325-9991).

Coreógrafo y director: Gustavo Friedenberg. Con Tomás Baillie, Stella Maris Isoldi, Marian Moretti, Gabriela Pastor, Eliana Pereira Rejala y Julieta Sgarlatta.

Martes 21:30 hs. Teatro del Abasto (Humahuaca 3549, Tel: 4865-0014).

Juegos de Amor y de Guerra De Gonzalo Demaría. Dirección, puesta en escena y coreografía: Oscar Barney Finn. Viernes y sábados 22:30 hs, domingos 20 hs. Centro Cultural de la Cooperación (Av. Corrientes 1543, Tel: 5077-8000).

JUNIO 2017 .. BALLETIN DANCE .. 23

FLAMENCO

Danzas Gitanas Por Gabriel Vaudagna Arango

Danae Mamet, es una apasionada en su danza. Baila y cuenta a la vez. Su emoción la desborda al hablar sobre lo vivido y lo aprendido. Estuvo radicada fuera de nuestro país en distintos períodos de tiempo y en países tan disímiles como Egipto, España y Emiratos Árabes Danae Mamet es pianista, profesora de danzas orientales y gitanas, danzas folklóricas argentinas y latinoamericanas. Su ascendencia árabe la acercó a la meditación y a la práctica de las danzas sufíes. Es una enamorada del flamenco, en el que encuentra muchos elementos comunes con lo gitano, e investiga, se arriesga y compone una carrera con estos conocimientos. Dicta talleres en distintas ciudades y prepara una nueva producción que contará con la participación de una bailarina invitada de la India. Balletin Dance dialogó con ella, en su escuela de Rosario.

¿A qué se llama danzas gitanas?

Es la expresión de un pueblo denominado gitano que es una gran incógnita para los historiadores. ¿Quiénes son los gitanos? La teoría más aceptada es que el pueblo gitano es una tribu (varias tribus) originaria del norte de la India que migró por distintas vías y en distintos períodos.

En las sucesivas corrientes migratorias se fueron mezclando con la gente de los lugares donde iban pasando. Los gitanos nacidos en el Rajastán (zona muy desértica), comenzaron a emigrar con las primeras invasiones islámicas porque los Sah de Persia los tomaban como trabajadores (como esclavos) para la construcción, y a las mujeres y los bailarines como encargados de entretenimientos, como sucedió

Danae Mamet, explica que los orígenes de la danza gitana se remontan al norte de la India Foto . gentileza de la artista 24 .. BALLETIN DANCE .. JUNIO 2017

con la tribu de los Manganiyars. Las tribus Bopa (hoy músicos) y los Kalbelia (bailarines), se mezclaron conformando lo que serán los Rom que llegaron hasta Turquía, donde se dividieron en dos corrientes migratorias, unas hacia Europa en dirección a España y otras por el Magreb llegando hasta Andalucía. Las danzas gitanas se fueron gestando en ese período durante todo el proceso migratorio. Incluso llegó mucho después a Latinoamérica en una migración posterior.

Generalmente se asocia a la danza gitana con la de Europa del Este o con el flamenco, pero hay muchas otras danzas gitanas en Turquía, en Rusia (Balcanes), Macedonia e incluso en los Países Árabes.

¿Cuál es entonces la característica de la danza gitana?

Si consideramos su origen al Norte de la India, parte de la danza Kathak (danza del período mongol) y Kalbelia (la de los encantadores de serpientes), una danza donde se gira y se trabaja con las plantas de los pies en una especie de zapateo descalzo. Otra particularidad podría ser la forma en que afinan los instrumentos y el canto, siempre está desfasada con respecto a la “normal” occidental. Trabajan rítmicamente con la síncopa, el zapateado, el palmeo y la percusión corporal que es algo de lo que se traslada al flamenco. ¿Qué relación tiene con lo flamenco?

El cante jondo viene del mawal que es un canto árabe declamatorio profundo. Tiene mucha relación el trabajo con las manos que se cree que deriva de los mudras de la India y el trabajo de los pies, con las plantas, que deriva de la Kathak y trabaja con las distintas formas del pie. Otra particularidad de estas danzas orientales, que se puede ver en el flamenco, es empezar con la energía en los pies e ir trasladándola hacia arriba para rematar con los brazos. El uso de las castañuelas como elemento de la danza española, también proviene de allí, primero como dos maderitas que se tocan que luego se transformaron en chinchines y finalmente en castañuelas.

¿Qué diferencias hay entre el flamenco y las danzas gitanas?

El flamenco creo que va más profundo, permanece más en extremo sobre la pasión y la tierra. En las gitanas oscila más entre los planos medios y altos del cuerpo, incluso con el aire, hay más saltos y sus emociones van más hacia el lado de las alegrías. ¿Qué pasa con las danzas meditativas llevadas al escenario?

Todo depende de la intención del que está danzando, y del que lo recibe. Si la intención está puesta en lo que tiene la danza de original, no pierde: gana. Pero si la intención al danzar está puesta en otro lugar, la danza pierde su esencia. Por eso es importante bailar a conciencia.

Presenta un nuevo espectáculo Sí, ya hice varios espectáculos. El último fue Tiempo de Gitanas, haciendo alusión a la película de Kusturica y con varios invitados y músicos en vivo, una experiencia muy intensa. Ahora estoy preparando una nueva producción para septiembre y octubre con la participación de una famosa bailarina hindú que llegará a nuestro país. __BD

JUNIO 2017 .. BALLETIN DANCE .. 25

SALUD EN DANZA

Antropometría: el Mejor Cuerpo para la Danza Por Marcelo Ghioldi La antropometría es la ciencia que estudia las medidas del cuerpo humano. La cineantropometría es la disciplina que lo estudia en movimiento (tamaño, forma, proporcionalidad, composición, maduración biológica y funciones corporales), con la finalidad de entender los procesos implicados en el crecimiento, el ejercicio, la nutrición y el rendimiento deportivo. Las dimensiones de cada cuerpo dependen de cantidad de variables (sexo, edad, raza, nivel socioeconómico, entre tantas otras), y su medición resulta indispensable para la actividad de la danza El propósito de este escrito es ofrecer un concepto que contribuya a eludir callejones sin salida, y aportar a la necesidad de encontrar un cuerpo útil para la labor que desea desarrollar un bailarín. La palabra encontrar no aparece aquí de manera antojadiza, porque realmente se trata de una búsqueda para descubrir ese cuerpo preciso, en una actividad determinada por la mirada de los otros, por el rigor y por la excelencia para ejecutar movimientos que la enorme mayoría de las personas no puede realizar.

Puede apreciarse cómo en clases, ensayos y funciones, por momentos, con mayor o menor sigilo, se intenta modificar la imagen que tiene un cuerpo ¿Qué mostrar? ¿Qué ocultar? La vestimenta puede ser un elemento para distorsionar una mirada o también para completar un conjunto que forma parte indispensable de un espectáculo. La psicología del vestir, la conformación del autoconcepto y la autoestima son cuestiones muy importantes a tratar, pero exceden esta nota. Lo cierto es que la brillantez de una carrera, y su longevidad, no se obtienen con una buena decoración, por eso es importante confiar en una metodología de acciones médicas de sostén para bailar saluda-

blemente y con excelencia, que a su vez permita disfrutarlo. Es más sencillo mantenerse sano.

Existen distintos diseños corporales y sus necesidades, lógicamente, son diferentes. ¡Claro! ¡En la danza hay que ocuparse del cuerpo!, el equipo de salud debe intervenir entendienJORNADAS SALUD EN DANZA Hasta agosto de este año, se realizarán las jornadas Salud en Danza en la ciudad de Buenos Aires, destinadas a profesores, estudiantes y profesionales de la danza. Organizadas por Eidan (Equipo de Investigación en Danza, ver Balletin Dance Nº 242, mayo de 2015) y Balletin Dance, con el auspicio del Área Programática del Hospital Ramos Mejía, del Ministerio de Salud de la Ciudad de Buenos Aires.

Dirección: Marcelo Ghioldi (Médico especialista en Medicina del Deporte, Coordinador del equipo Eidan, Médico de la Sección Medicina del Deporte del Hospital Ramos Mejía de la ciudad de Buenos) y Claudia Valenti (Médica Pediatra, especialista en Medicina del Deporte y Nutrición, Directora del Curso de Postgrado Actividad Física y Salud del Ministerio de Salud del Gobierno de la Ciudad de Buenos Aires).

Al cierre de la presente edición de Balletin Dance, la inscripción se encontraba cerrada, pues se completó el cupo de asistencia con suma anticipación. Se ha creado una “Lista de espera” para aquellos interesados en asistir, que no pudieron inscribirse a tiempo, y que serán contactados en caso de producirse alguna vacante, enviar nombre y apellido y DNI a: saludendanza@balletindance.com. Debido al interés suscitado se programarán nuevas fechas en 2018.

A través de una gestión de Mauricio Wainrot, Director de Cultura del Ministerio de Relaciones Exteriores y Culto de la República Argentina, Balletin Dance llega en formato impreso a todo el mundo.

26 .. BALLETIN DANCE .. JUNIO 2017

La antropometría clasifica diseños corporales, cuyo análisis resulta fundamental para la tarea del bailarín. A veces solo es cuestión de esperar, para cambiar ciertas proporciones

do las características personales de cada uno. Felizmente existe una certeza: en la multiplicidad de bailes y niveles de exigencia, todos los cuerpos tienen su espacio en la danza. El tema del diseño, refiere a una cuestión genética, a la estatura, al desarrollo óseo, a la potencialidad de contar con mayor o menor masa muscular, a la distribución adiposa, simetría, largo de piernas, caderas. En medicina las llamamos: talla sentada, diámetro biacromial, diámetro biileocrestíleo, sumatoria de pliegues, índice musculo/óseo, kg de masa ósea muscular, adiposa, biotipo.

Hay que comprender que para cada estructura hay una función y, dando vuelta este concepto, para cada función es necesaria una estructura. A partir de allí se pueden realizar algunos cambios, para efectuar exitosamente una determinada exigencia corporal.

Para esto, resulta muy importante conocer la composición corporal, y la antropometría es una herramienta imprescindible, que provee datos fundamentales a nutricionistas, preparadores físicos, kinesiólogos, psicólogos, sin dudas también para los coreógrafos y por supuesto, para los maestros de danza y los propios bailarines. La información volcada en tablas de referencia,

permite planificar, con solidez científica, una estrategia para obtener las propiedades requeridas. A veces hay que saber esperar, ir despacio, para poder conquistar estos logros.

Entonces: conseguir ese cuerpo ¿cómo es posible? Si bien por ahora no se puede volver a nacer (para cambiar de cuerpo), es posible dar nacimiento a una nueva manera de pensar el cuerpo, conocerlo, aceptarse y trabajar rigurosamente para alcanzar el potencial, para transformar lo modificable (que científicamente es mucho más de lo que los bailarines creen), sin perder tiempo, ni vida, en cuestiones dañinas o nocivas para el futuro. Es un esfuerzo, claro que sí. Habrá que entender, ensayar y crear hábitos para nutrirse saludablemente, y ejercitar las distintas cualidades físicas con la sabiduría de una mente en sintonía en pos de conseguir un objetivo (un cuerpo útil para la labor que desea desarrollar).

Con este conocimiento, hoy se puede remodelar un cuerpo, acercándolo a lo mejor que puede ser. ¿Finalmente, no se trata de eso? ¿De buscar los límites, para expandirlos? ¿De intentar ir siempre un poco más allá? Pero con la convicción de que la perfección es sólo una meta inalcanzable y que lo esencial en este laberinto que es la vida, es cómo caminarlo, donde adaptarse es otro jardín de senderos bifurcados. No sería correcto darle oxígeno a esa creencia errónea de pensar que ser alguien en la vida es ser “el” mejor ¿en nombre de la eficacia y la productividad, de las habilidades competitivas? ¡Avancemos sin cadenas en los pies!

Estar en condiciones para encarar dificultades técnicas (un salto, una pirueta, una variación) y simultáneamente emocionado, significa encontrarte con tu mejor cuerpo posible, para ayudarte a desparramar felicidad bailando. No se trata de lo que la danza hace con vos, se trata de lo que vos haces con la danza. __BD

JUNIO 2017 .. BALLETIN DANCE .. 27

C O M E N TA R I O

De Raíz Por Román Ghilotti

En la Ciudad Cultural Konex, en una única función, se presentó el mes pasado Horda, espectáculo con dirección y coreografía de Rhea Volij, que anunció su reestreno para el mes de agosto Como raíces de naciones, los puntos de partida suelen ser oscuros o, más bien, suelen oscurecerse para dar luz a aquello que lo hegemónico decide como fundacional. En nuestro caso, y haciendo caso omiso a las naciones que había, lo que pasó a llamarse República Argentina e instalarse como “la Nación”, arrasó oscureciendo lo que se estigmatizó como salvaje: la indiada.

Sabemos que, en nuestro país, se instituyó una noción de nación oponiendo una, así llamada, barbarie a una, también así llamada, civilización (que no era otra cosa que engancharse al furgón de cola del concepto civilización occidental, eufemismo por dominación de potencias europeas y de Estados Unidos).

La dicotomía sarmientina (que viajaba en aquel furgón de cola), la dualidad irreconciliable postulada como civilización-barbarie en el Facundo, echó raíces en nuestros vaivenes culturales. Extrañamente, lo otro estaba en medio de nosotros. Las indiadas, esas comunidades que se caracterizaron como salvajes, ya que no eran civilizados al uso de la postulación llamada occidental. Y, concomitante con la hegemonía local, y para nada extrañamente, lo otro fue aniquilado. Las campañas al desierto argentino, desierto poblado por esas naciones indias, por esos pueblos originarios, ganaban tierras eliminando lo otro, unificaban territorio a la vez que abolían al diferente. Sabemos que los batallones de frontera de esas campañas estaban integrados, en su mayoría, por morenos. En un mismo acto se desaparecían indios y negros y se “conquistaban” leguas.

28 .. BALLETIN DANCE .. JUNIO 2017

La horda en su intemperie Foto . Paula Zacharías

Esa raíz, aquello que se llama autóctono, fue sometida, segregada, quebrada, destruida. Todo tipo de “armas civilizatorias”, balas y bayonetas, penetraciones religiosas e idiomáticas, espinillo, enfermedades, sirvieron a los fines de hacer la república.

Y, esa raíz, padeció.

Ese padecimiento, eso es Horda. Rhea Volij reunió imágenes y construcciones de cuerpos y movimientos para dar cuenta de esos sufrimientos, especialmente ahondando en las huellas que nos tocan. En la obra se ve, sin que se muestre como anecdótico, el arrasamiento. Secuencias que remiten al malón y su extinción, al dominio que se impone a esos grupos, a la enfermedad y el hostigamiento, se suceden, sin solución de continuidad.

Fragmentos de dolor y el enfrentar estoicamente el sino aciago componen una panoplia coherente: esos cuerpos, esos indios, estuvieron ahí y ahí quedaron como polvo en la tierra.

En función, sobre la contundencia de la apoyatura musical en vivo (Jazmín Ortiz Ares), los intérpretes (Daniel Daverio, Malena Giaquinta, Ignacio Litvac, Ana Laura Ossés y Tamia Rivero) ofrecieron tramos de acción y de baile con variaciones de esfuerzos, máscaras en la gestualidad, construcciones ricas en matices, contrastes y cadencias que plasmaron un fresco que, sin jugar a un relato histórico, sintetizó e iluminó zonas oscuras de nuestros orígenes.

Horda, poniendo en danza una muestra de lo que fue, alcanza el valor de lectura crítica del trabajo hegemónico de políticas económicas y militaristas que se instalaron para la invención de nuestra Argentina negando raíces, negando lo otro aquí. __BD

BALLET ESTUDIO María Cecilia Díaz

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1º Premio: Beca de estudio de un año en el Taller de Danza Contemporánea del TGSM (alojamiento y alimentación)

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JUNIO 2017 .. BALLETIN DANCE .. 29

E N T R E V I S TA

Cuba Santa: Cuba Danza Por Toni Más

Cada uno da lo que recibe y luego recibe lo que da, nada es más simple, no hay otra norma: nada se pierde todo se transforma.

Todo se Transforma (canción), Álbum Eco, de Jorge Drexler Cuba Santa, es el título del documental de la realizadora uruguaya Alejandra Guzzo, estrenado el 23 de marzo en el cine Gaumont, del Instituto Nacional de Cine y Artes Audiovisuales de Argentina (INCAA), de la ciudad de Buenos Aires.

El largometraje producido por el Grupo de Cine Insurgente, impacta por su estilo autobiográfico que (en yuxtaposición con

“Decido filmar un material sobre la Revolución Cubana y me encontré con una experiencia sociopolítica y sociocultural atravesada por el fenómeno de lo real maravilloso o mágico de esa Isla. No entendía cómo el Marxismo podía convivir con la religión, específicamente el culto a los orishas de la cultura afrocubana”, dice Alejandra Guzzo Fotos . gentileza de la artista

30 .. BALLETIN DANCE .. JUNIO 2017

invalorables testimonios de artistas, intelectuales y religiosos) cautiva, además, por esa constante de la Isla que es el baile que emana con naturalidad y frescura a lo largo de esta cinta.

Balletin Dance dialogó con Alejandra Guzzo, directora y guionista, quien, además, es Presidenta de la Asociación de Documentalistas Argentinos (DOCA).

¿Cómo surgió la idea del documental?

La idea definitiva nació en Cuba, cuando trabajaba en la Escuela Internacional de Cine y Televisión de San Antonio de los Baños. Allí viví casi tres años y me embargó esa impronta religiosa del pueblo. Al inicio fue extraño, porque por mi filiación política a la izquierda (con excepción de la Iglesia del Tercer Mundo o la Teología de la Liberación), las confesiones católicas, o no católicas, dudo que tengan un compromiso social real con la emancipación de los históricamente oprimidos y desclasados. En la Isla me topé con gentes, que practican la religión yoruba, muy activas políticamente, que

eran perfectamente orgánicos a los Orishas y a la Revolución. Es cultura de resistencia, aunque parezca delirante.

¿Por qué siempre aparecen la danza y la música en vivo, como espontáneamente?

En toda el área del Caribe y, particularmente, en Cuba el fenómeno de la danza es único, como una marca identitaria.

Son como la punta del iceberg de un proceso, infinitamente más rico y complejo

CICLO CON DEBATES Cuba Santa abrirá el ciclo audiovisual El Cine que Canta y Baila, con coordinación de Toni Más, a fines de junio en la academia Cubarte de Buenos Aires.

Enmarcado en el proyecto cultural docente Mi Cubanía, seguirán los documentales Historia de la Salsa, Cachao...

Como su Ritmo no hay Dos y Yo Soy del Son a la Salsa. Luego de cada proyección se ofrecerán charlas y debates abiertos al público.

que tiene gran parte de sus cimientos en la cultura africana. Yo, que soy militante, descubrí un sistema filosófico, un universo trascendental que condensa mitos capaces de descifrar y explicitar los sentidos más profundos de nuestra existencia.

¿Puede ahondar más sobre ese tema?

Es simple. Yo me consagré haciéndome Obatalá. Y es fabuloso cómo en cada ceremonia, ya sea a los ancestros religiosos, o a los difuntos familiares, las liturgias contienen rezos, cantos y bailes. Se sale de la realidad ordinaria y se abre otro plano que evidencia que cada quien danza según el Orisha que rige su cabeza. Esto se aprecia en los toques de cajón y con los tambores batá. Yo he experimentado ese trance, es una energía brutal que pone de manifiesto dimensiones imposibles de ver o palpar, pero que cohabitan con nosotros.

En el documental hay imágenes de Fidel Castro vestido de blanco en África Mientras investigaba, colegas cubanos me facilitaron el acceso a los archivos que recogen ese viaje al África. Ahí aparece vestido de blanco el comandante Fidel Castro. Se hicieron conjeturas sobre una posible iniciación dentro de cultos de origen africano. No conocí a nadie que pudiera dar fe de ese suceso y si lo hubiera encontrado dudo que revelara tal afirmación. Es un rumor popular. __BD EN AFRICA Cuba Santa retoma imágenes del primer viaje al África del extinto líder, Fidel Castro Ruz, cuando visitó Guinea-Conakry, el 3 de mayo de 1972, hace 45 años. Se hace referencia a la primera ocasión en que el mandatario, abandona su característico traje verde olivo y aparece vestido completamente de blanco, según particular protocolo o una costumbre local. Constituyen imágenes de archivo tomadas por el genial documentalista Santiago Álvarez, y conservan, también, actuaciones del famoso Ballet Nacional de Guinea y de la célebre cantante y activista sudafricana Miriam Makeba “Mamá África”, en el Palais du Peuple.

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C O M E N TA R I O

De Construcciones y Entropías Por Román Ghilotti

En el Centro Cultural Sábato se ofreció Arquitecturas, de Jazmín Ferrari y Laila Gelerstein, espectáculo que apunta a recorrer, trazar y expandir ese tipo de armado, aparentemente trivial, que constituye la continuidad vital Armar algo supone relaciones y engarces entre sus partes, estructuraciones y regímenes de organización, todo ello para dar con un todo que es ese algo que se arma. Aunque todo lo que armamos, directa, indirecta o al menos tangencialmente, remite a la vida, no siempre se alcanza a notar el encadenamiento de tramos de vida que se dan en simultáneo en cualquier construcción La obra se sustenta, fundamentalmente, en la insistencia y repetición de actos nimios, de variaciones sobre lo mismo. Lo que la vuelve muy interesante es que Ferrari y Gelerstein apuntaron a seleccionar faces aparentemente inconexas de la cotidianeidad.

Un relato trivial que se repite, dicho en vivo o escuchado en grabación, acciones simples sobre las que se insiste (caminatas, corridas, saltos, estiramientos, equilibrios), se integran a un dispositivo escénico que se complejiza a medida que avanza la pieza. A estos juegos que aluden a la memoria presente (el relato “recuerda” una y otra vez lo mismo), por superposición de marcas en el espacio (con cuerdas y cintas adhesivas), se le imponen giros de corte onírico, si se quiere, o de sesgo de abstracciones para dar cuenta de la confusión en aumento.

Como al comienzo no hay cuerdas ni cintas recortando el ámbito, tras cada repetición y abundamiento de aquellas, se asiste a una profundización de lo mismo como si se expandiera la mirada de cuánto se arma en el mismo armado. Se puede considerar casi un acto de deconstrucción el comienzo ya que, a medida que discurre la obra, por sus repeticiones puede asociarse que el inicio es una muestra o limpieza de ese origen difuso de lo que se arma. Bien, lo que se arma, en su simpleza, resulta así un recorte, una auténtica abstracción de factores y elementos que participan de organizarse. Se trataría de un organizarse en el mundo, en ese mundo que se dispone, que se erige y que señala, insistimos, en su llaneza, lo que es armar/organizar/se en la vida.

También, y con cierto rasgo de humor absurdo y capricho, aparece otra repetición tan trivial como las caminatas o el relato pero más antojadiza: se transporta un huevo, varias veces, en equilibrio. Esto puede comprenderse como un efecto de abstracción más riguroso: el recorte alude a una acción realizable casi por cualquiera aunque casi nadie la haga. Lo que es equivalente

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Ferrari organizando cuerdas Foto . Pablo Burset y Carolina Weiger

a aquellos actos privados, propios, que todos hacemos y que, aunque sencillos, no son de todos. Y eso es también tramo de vida que nos organizamos.

El impacto más potente del trabajo se da en su final en el que se termina por construir una destrucción del hábitat (cosa que, además, se replica en el hall de la sala al abandonarla, multiplicando el efecto). Como si se intentara dar cuenta de que en cada armado de la vida, en cada tramo que significamos por estructuraciones, en el fondo siempre subyace un desorden, un fenómeno entrópico en lo vital. Por más que se insista siempre hay más variaciones no controlables en lo mismo que tratamos de organizar.

En función, Ferrari (intérprete además de creadora), sostuvo con notable eficacia y una expresividad hierática el transcurso.

Sus dinámicas y variaciones, precisas y potentes, mantuvieron un tempo que parecía no acontecer mientras ocurría. Acompañada en escena por Manon Lila Marie Cotte y Pablo Hernández, una dupla técnica que colaboraba en lo sonoro y el armado del dispositivo escénico, quedaba expreso que todo cambio o toda complejidad sumada se daban sobre la repetición de un igual despliegue de la acción.

Arquitecturas, como maneras de hacer, armar, organizar y sostener el acto de estar con lo propio, por vía de abstracciones en recortes de situaciones, imágenes, secuencias y operatorias, propuso un estudio de la complejidad del acontecer. __BD

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C O M E N TA R I O

Calidad Correspondida Por Agustina Llumá

El Ballet Nacional de Uruguay (BNS, Sodre de Montevideo) que dirige Julio Bocca ofreció Hamlet Ruso de Boris Eifman, del 10 al 13 de mayo en el Teatro Opera de Buenos Aires Sin lugar a dudas, las presentaciones de la compañía oriental, fueron uno de los acontecimientos más importantes de este año para el ballet en la Argentina. Hamlet Ruso contiene todos los ingredientes que permiten el lucimiento de sus bailarines, desde el aspecto dramático, la construcción de múltiples personajes y una técnica no académica (aunque de base fuertemente clásica y de difícil resolución). Por supuesto que una obra de esta envergadura hubiese sido mejor apreciada en el escenario del Teatro Colón, tal como estaba previsto originalmente, cancelado por las anteriores autoridades del coliseo, con esas resoluciones que exceden a la compresión de quien escribe (vale recordar los espectáculos que se pusieron sobre el mítico escenario en la temporada anterior).

La obra de Eifman no se limita a representar una historia, la de los Romanov, sino que aborda la psiquis de sus protagonistas.

La coreografía, que llegó a Buenos Aires aceitada por el cuerpo de baile, mostró unísonos prolijos y compromiso entusiasta de todos sus integrantes. La puesta, con escenografía y vestuario original (Viacheslav Okunev), lució imponente y la banda sonora que acompaña a la acción (extrañas combinaciones de Gustav Mahler y Ludwig van Beethoven) resultó conmovedora.

María Ricceto como Catalina la Grande, sin descanso en las dos horas del ballet, mostró todas las variantes que el personaje de-

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manda: sensualidad, amor, despotismo, dominio, pero también tristeza e incertidumbre. Ciro Tamayo maravilloso como Pablo I, con una combinación naiff + esquizofrénico, técnica cuidada y físico envidiable. Gustavo Carvalho fue convincente en su papel, y seguro partenaire, mientras que Careliz Povea fue una ingenua y joven aparentemente enamorada.

En síntesis, el BNS pudo dotar honestamente a Hamlet Ruso de su propia identidad, un acto que desde la platea se agradece, en un indicio de que se está yendo por el camino correcto. Y para finalizar, más allá del excelente espectáculo que ofreció el Sodre en Buenos Aires, el público, que siempre ha querido a Julio Bocca en nuestro país (su país), lo demostró con creces en sus aplausos teledirigidos, cuando salió a saludar al final de la función.

HOMENAJES Considerado internacionalmente como uno de los más importantes bailarines de ballet del siglo XX, Julio Bocca ha recibido premios, reconocimientos y distinciones en diferentes ciudades del mundo. En la Argentina, en mayo, recibió el mayor reconocimiento que otorga el Senado de la Nación Argentina, la Mención de Honor “Senador Domingo F. Sarmiento”.__BD

La actuación del BNS en Buenos Aires, con Hamlet Ruso fue uno de los acontecimientos más importantes de este año para el ballet en la Argentina Foto . Carlos Villamayor

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JUNIO 2017 .. BALLETIN DANCE .. 35

C O M E N TA R I O

A Pura Piel Por Nahuel Aguirre

La embajada de Estados Unidos en nuestro país ejecutó un programa de intercambio cultural en conjunto con la compañía LA Dance Company, dirigida por Genevive Carson.

En ese marco dictaron seis workshops y dos funciones en las que sus bailarines pusieron en marcha cuatro piezas a pura piel El sábado 13 de mayo Los Ángeles Dance Company, elenco de amplio repertorio y de cuarenta bailarines, se presentó en el Centro Cultural Kirchner de Buenos Aires con un programa integrado por cuatro piezas coreográficas: Delicate Skins de Christian Denice, Sporty de Micaela Taylor, EBBA de Genevive Carson, y Beautyfear de Gregory Dolbashian. Cada una mostró cuerpos hipersensibles, calidades de movimiento exactas que por lo general partían desde la piel.

Además, durante su estadía en nuestro país, la compañía dictó seis seminarios para bailarines, docentes y estudiantes, en el marco del programa de la embajada estadounidense, replicando una experiencia realizada en Nueva Zelanda.

En diálogo con Balletin Dance Eva Angeloff (manager) señaló que “logramos superar las dificultades” en sus actuaciones porteñas, debido a que los once bailarines que vinieron ninguno habla español. “Los técnicos del centro cultural tampoco hablaban inglés”. En los seminarios a los que asistieron estudiantes, docentes y bailarines profesionales, Angeloff los encontró “bue-

nísimos. Vi gente de todo tipo, jóvenes de 17 años hasta gente de 50 años o más. El sentir que tienen es muy real, crudo. Para los bailarines argentinos es muy fácil conectar entre sí. Nosotros tardamos más en compartir energías con nuestros partenaires, aquí esto es diferente”.

Por su parte, Genevive Carson (directora del elenco) explicó que sus bailarines “tienen como base la danza contemporánea y además entrenan en técnica clásica”. Pero además, muchos de ellos “hacen hip- hop, jazz y moderno. Son muy versátiles”. Resulta muy grato para el espectador la variedad que presentan todos ellos en escena, en cuanto a su nivel físico, a la hora de seleccionar nuevos aspirantes, ellos buscan “la singularidad de los bailarines. No me interesan bailarines que sean iguales, me gusta ver personas únicas, de presencia y versátiles. Que logren adaptarse a diferentes estilos con fuerza”.

Carson también explicó que la selección de las piezas que presentaron en nuestro país, tuvieron mucho que ver con la sala en donde iban a presentarse. Al enterarse de que era “pequeña”, resolvieron poner en escena los trabajos más íntimos y cercanos al público. “Queríamos que el espectador logre sentir la energía de los bailarines.”

El cometido fue exitoso y los bailarines de la LA Dance Company lograron conmover a los espectadores con diferentes y múltiples calidades de movimiento, manejo de la técnica, presencia escénica y una energía que se sintió en la piel de muchos. __BD Cuerpos receptivos en la LA Dance Company Foto . gentileza de la Embajada de Estados Unidos

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brevesactualidad

Inundación El mes pasado luego de intensas lluvias, las instalaciones del Taller del San Martín quedaron en estado inutilizable.

La sala donada por Ana Itelman para llevar a cabo la tarea de formación de bailarines profesionales como semillero del Ballet Contemporáneo, está ubicada en el sótano de un edificio céntrico descuidado por sus propios vecinos.

El azar quiso que los arreglos linderos de una pared, contribuyeran a tapar caños de desagüe pluviales provocando una inundación interior que arruinó completamente las diferentes capas del piso del salón.

La situación provocó angustias e incertidumbres en la comunidad educativa, que sin embargo y paliativamente, consiguieron continuar sus labores, divididos en espacios cedidos solidariamente, hasta tanto se consiga un ámbito acorde a las necesidades (Estudio Gurquel-Lederer, Centro Nacional de la Música y La Casona del Teatro). Esto no hizo más que volver a poner sobre la mesa, la necesidad imperiosa de que la escuela de danza contemporánea más importante del país posea un espacio acorde a la enseñanza allí brindada.

Momix La compañía dirigida por Moses Pendleton presentará Momix Forever, del 15 al 18 de junio en el Teatro Coliseo de Buenos Aires, celebrando su 35º aniversario. La pieza reúne sus mejores producciones de “danza ilusionismo” junto a cuatro coreografías estrenadas para esta ocasión, que revelan la identidad del grupo.

Desde 1981 Momix ha sabido combinar diferentes técnicas de danza y acrobacia, junto a efectos lumínicos, proyecciones, elementos de escenografía, música y vestuario para crear innovadoras e imaginativas obras, basadas en la inspiración de Pendleton que surge del mundo natural (plantas, animales y minerales).

Momix Forever este mes en Buenos Aires Foto . gentileza de prensa

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C O M E N TA R I O

“El Barco no se Hunde” Por Jessica Zilberman

Debutó la Compañía Viceversa con El Barco, dirigida por Soledad Pérez Tranmar. El grupo que trabaja de manera cooperativa, está encabezado por Marcela Avila e integrado por egresados del Taller de Formación de Bailarines de la escuela Viceversa Arte en Convivencia La nueva Compañía Viceversa integrada por egresados del Taller de Formación de Bailarines de Viceversa Arte en Convivencia, presentó El Barco su primera obra. El equipo, dirigido formalmente por Marcela Avila, convocará para cada proyecto a un director diferente, que podrá ser, o no, uno de sus miembros. El primer resultado de este proceso fue plasmado en cuatro únicas funciones (tres en mayo y una en junio) en el espacio teatral de la escuela.

La improvisación fue la protagonista del espectáculo. Los cinco intérpretes, cuatro mujeres y un hombre, emplearon sus herramientas de danza contemporánea y contact, principalmente, para realizar su performance. Si bien la ubicación en el espacio y algunas figuras dejaron entrever la existencia de ciertas pautas, la espontaneidad fue notoria. “Todo el tiempo están tomando decisiones. Es un desafío enorme, están en el borde”, comentó Pérez Tranmar a Balletin Dance.

Además, los protagonistas fueron los encargados de musicalizar la escena. Como si estuvieran solos, se dirigían hacia una esquina para cambiar las canciones. Bailaron con sonido y en silencio.

También lo hicieron todos juntos, separados o a dúo. El deseo fue representado por el accionar de una pareja que se abrazó, se

mordió y transpiró frente al público. ¿Pero dónde estaba el barco? Recién al final se pudo visualizar la imagen del “barco humano” navegando, como lo definió la directora de la pieza, quien reveló que a partir de esa escena surgió su nombre. En uno de los ensayos los participantes improvisaron tomando como disparadores algunas consignas y estímulos que, según Pérez Tranmar, derivaron en que empezaran a “dejarse llevar por el otro”. En ese sentido, detalló: “yo miraba y decía ‘esto es una ola, una marea’ y, de repente, descubrí: ‘parece un barco de personas’ ”.

El Barco es el resultado de un proceso de investigación que comenzó hace un año y medio. Unos meses antes, los bailarines habían tenido una serie de encuentros solos. Es que ellos son los protagonistas, los encargados de convocar a más artistas si es necesario o de decidir qué papel van a desempeñar en cada proyecto. “No queríamos que la identidad de la compañía fuera de una persona que los dirigiera”, dijo Marcela Avila a Balletin Dance y aclaró que lo que pretendían era que fueran sus integrantes quienes pudieran encontrarla.

Para eso, sus miembros, Agustina Annan, Luciana Brugal, Lucas Minhondo, Giselle Popik y María Emilia Prono se subieron a un barco que recién está saliendo del puerto y que va en busca de su marca registrada. En esta ocasión, estuvieron acompañados por Natalie Popik (diseño de luces), Valentín Piñeyro (realización de luces), Matías Corrías (trabajo audiovisual) y Milena Montaner (asistencia de dirección). Como sugiere el programa de la obra, “el barco no se hunde”. La Compañía Viceversa está zarpando. __BD Resultado de una investigación que demandó año y medio Foto . Lautaro Luna

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Ilustración: Germán Guzik

Inicia: 5 de julio

La Alegría

La Wagner

Mimí y Mini

Dramaturgia y dirección: Ignacio Apolo. Coreografía: Rosario Ruete. Jueves 21 hs. Teatro: El Extranjero (Valentín Gómez 3378, Tel: 4862-7400).

Dirección: Pablo Rotemberg. Con Ayelén Clavin, Carla Di Grazia, Josefina Gorostiza y Carla Rímola. Sábados 20 hs. Espacio Callejón (Humahuaca 3759, Tel: 4862-1167).

Una aventura ecológica. Dirección: Carla Andretto. Puesta en escena y dirección de actores: Carlos Silveyra. Vacaciones de invierno: todos los días 11 hs. Centro Cultural 25 de Mayo (Av. Triunvirato 4444, Tel: 4524-7997).

La Bella Durmiente y las Hadas Encantadas. Versión infantil. Ballet Metropolitano de Buenos Aires. Coreografía: Leonardo Reale.

Adaptación: Juan Lavanga. Domingos 11 hs. Ciudad Cultural Konex (Sarmiento 3131, Tel: 4864-3200).

Las Noches Blancas Dramaturgia y dirección: Ariel Gurevich. Coreografía: Mecha Fernández.

Con Nelson Rueda, Esteban Masturini y Silvana Tomé. Lunes 21 hs. El Extranjero (Valentín Gómez 3378, Tel: 4862-7400).

La Guiada Espectáculo visita guiada. Escrita por Gustavo Tarrío y Aldana Cal. Coreografía y colaboración artística: Virginia Leanza.

Sábados a las 11 hs (desde el 24 de junio hasta el 29 de julio. Teatro Nacional Cervantes (Libertad 815, Tel: 4815-8883).

Foto: G. Gorrini | M. Cáceres

Mis días sin Victoria Autoría: Belén Arena. Puesta en escena: Marina Otero. Sábados 21 hs. Centro Cultural Recoleta (Junín 1930, Tel: 4803-1040).

Momix Forever Masha y el Oso Dirección y Puesta en Escena: Javier Pironi (Exim Ent Argentina). Sábados y domingos 14:30 y 16:30 hs (desde el 8 de julio, en vacaciones todos los días). Teatro El Nacional (Av. Corrientes 960, Tel: 4326-4218).

Me olvide de vivir Autoría e interpretación: Bárbara di Paola. Dirección: Lila Monti. Miércoles 21 hs. No Avestruz Espacio Cultura (Humboldt 1857, Tel: 4777-6956).

Grupo Momix de Moses Pendleton, 35º aniversario. Del jueves 15 al domingo 18, 20:30 hs. Teatro Coliseo (Marcelo T. de Alvear 1125, Tel: 4816-3789).

Noche Corta De Ricky Pashkus. Con Bruno Delucchi, Cecilia Figaredo, Facundo Mazzei, Alejandro Paker, Luna Perez Lening, Lili Popovich, Juan Sak. Lunes 21 hs. El Galpón de Guevara (Guevara 326, Tel: 4554-4588).

Menea para mí

De Lucía Disalvo. Lunes 19, 21 hs.

Cafe Müller en Teatro Timbre 4 (Av. Boedo 640, Tel: 4932-4395).

La Shikse De Sebastián Kirszner. Coreografía: Fabiana Maler. Con Mariela Kantor, Sebastián Marino e Ignacio Goya. Sábados 21 hs. La Pausa Teatral (Av. Corrientes 4521).

Mi Perro López Dirección: Gastón Cerana y Omar Calicchio. Coreografía: Verónica Pécollo.

Sábados y domingos 14 hs (en vacaciones martes a jueves). Centro Cultural 25 De Mayo (Av. Triunvirato 4444, Tel: 4524-7997).

Foto: Matías Sanchez de Bustamante

cartelera

La Pelota

De Mariana Cumbi Bustinza. Domingos 21 hs. Teatro El Extranjero (Valentín Gómez 3380, Tel: 4862-7400).

Once Hijos

La Vida de Ella

Dirección: Federico Ponce. Traducción: Pablo Caramelo. Coreografías: Verónica Litvak. Domingos 21 hs.

Elkafka Espacio Teatral (Lambaré 866, Tel: 4862-5439).

De Mariana Blutrach y Daniel Böhm.

Con Romina Pedroli, Federico Ottavianelli “Vruma”, Gustavo Lesgart, Valentín Jarach, Catalina Godoy D´Orta y Alina Keselman. Sábados 21 hs (hasta el 24). El Portón de Sánchez (Sánchez de Bustamante 1034, Tel: 4863-2848).

Peppa Pig

Miembro del jurado La Vuelta al mundo en 80 días Dirección: Claudio Hochman. Intérprete: Fernán Cardama. Sábados y domingos 16:30 hs (en vacaciones de martes a domingos). Teatro Maipo Kabaret (Esmeralda 443, Tel: 5352-8384).

De Roberto Perinelli. Dirección: Corina Fiorillo. Coreografía: Mecha Fernández. Actúan: Silvina Bosco, Ernesto Claudio y Roberto Vallejos. Lunes 20 hs. Teatro Del Pueblo (Av. Roque Sáenz Peña 942, Tel: 4326-3606).

Jugando a lo Grande. Dirección y puesta en escena: Javier Pironi (Exim Ent Argentina). Funciones diarias del 15 al 30 de julio a las 12 hs. Teatro Gran Rex (Av. Corrientes 857, Tel: 4322-8000).

JUNIO 2017 .. BALLETIN DANCE .. 41

C O M E N TA R I O

Todo lo que Siempre quiso Saber del Tango Por Gustavo Friedenberg A la cartelera porteña nunca le ha faltado el tango.

Curiosamente, la mayoría de los tangueros no suelen ir a ver estos espectáculos y el público no experto, los observa a la distancia temiendo que se trate de producciones for export. Con una perspectiva completamente alterna, en un horario y locación que resultan ajenos al universo tangueril, Laura Falcoff ha sabido construir una propuesta sumamente interesante para curiosos y profesionales: Así se Baila el Tango Si la creadora (directora e intérprete en este caso), es además docente, coreógrafa y gestora de sus propios espectáculos, no dejará de llamar la atención, que Laura Falcoff sea reconocida por su labor periodística en el diario más leído de nuestro país y posiblemente, una de las personas en esta ciudad que más danza haya visto.

Todo comenzó con una invitación de Gustavo Mozzi para el Festival Internacional de Tango en 2011. “Yo ya venía pensando en esta idea, tener una pareja de bailarines y a partir de ellos

42 .. BALLETIN DANCE .. JUNIO 2017

ilustrar algunos aspectos del tango -recuerda Falcoff- Finalmente la desarrollamos en algo que denominamos Conferencia Bailada, junto a Camila Villamil y Julio Bazán”.

Tuvo que pasar mucha agua bajo el puente de aquel primer trabajo que llamaron Mitos y Verdades del Baile del Tango, para que en ese discurrir que incluye festivales, giras por Europa, y la incorporación al esquipo de Daniel Sansotta, sus creadores se dieran cuenta que estaban desaprovechando un muy buen material o, por lo menos, para que comenzaran a entusiasmarse con la idea de convertirlo en un espectáculo escénico -lo que para mi verdaderamente era un reto, porque no soy actriz -aclara su directora.

Finalmente, fue en 2015 que Así se Baila el Tango, vio la luz tal y como podemos apreciarlo cada sábado a las 18 horas en El PorEquilibrio adecuado para sostenerse en un abrazo recíproco Foto . Carlos Villamayor

tón de Sánchez. Y en efecto, se trata de un espectáculo singular que destaca por lo original de su formato, posiblemente gracias a que en ningún momento se percibe una búsqueda deliberada por esta originalidad, sino más bien una intención y un amor por lo lúdico, por el buen gusto y por supuesto por el tango.

Con pocos pero bastos elementos, jugando en los bordes entre teatro y realidad, la obra permite que el espectador se traslade rápidamente a este mundo. Apenas tres mesas con sus sillas y copas son suficientes para comenzar a transitar e imaginar de la mano de una correctísima anfitriona (no por ello falta de picardía), cómo es y cómo se vive el mundo de las milongas.

Y ese viaje lo emprende por un camino sutil y divertido, que no dejará de arrancar carcajadas tanto de un público principiante, como de aquellos tangueros aficionados y experimentados -hombres y mujeres en el rol que toque- que seguramente más de una vez habrán padecido las distintas situaciones que los artistas en escena plantean con humor y dramática angustia.

El público visitante se llevará no sólo el placer de ver una pareja bailando con gracia y excelencia, sino un muestreo de los diferentes estilos y un breve recorrido por la historia y evolución del tango y las orquestas, acompañado por una exquisita selección musical.

De algún modo, la propuesta se las ingenia para proponer además conmovedoras y actuales reflexiones a partir de este arte popular. No parecen ser muchos los géneros que comprenden entre sus bases, que bailar correctamente supone una profunda conexión entre los implicados; esto es, un verdadero trabajo en equipo sintetizado en el encuentro de un honesto y sensible abrazo. En cuanto a las frecuentes acusaciones respecto del machismo en el tango, los creadores del espectáculo sostienen una postura determinante. Daniel Sansotta es un varón bajito al lado de una espigada Camila Villamil. Por alguna razón este tipo de duplas nos causan gracia, pero al mismo tiempo se prestan a la construcción de un símbolo interesante en relación a los prejuicios acerca de lo femenino y lo masculino. Sobre todo si se lo pone a cuenta de un factor que la pieza señala con claridad: para ser un buen conductor, parece imprescindible haber pasado antes por la experiencia de ser conducido. Será preciso considerar entonces, cuántas veces en la vida se le enseña a los hombres que para estar (bailar) con una mujer, es preciso primero ponerse en su lugar, “subirse a sus tacos”.

Por lo demás, la obra plantea cuestiones que de tan básicas resultan profundamente conmovedoras: el tango puede evolucionar, convertirse en un hecho escénico, en un cliché del amor apasionado o aggiornarse a la modernidad, pero en su esencia es siempre lo mismo: un baile de a dos, hay uno que lleva, y es improvisado. Que lo que importa no es encontrar una pareja de nuestra estatura, sino el equilibrio adecuado para sostenerse en un abrazo recíproco. Que compartir es un regalo, y que como en la vida, no dará lo mismo estar bailando con uno u otro cuando La Cumparsita nos anuncie que la milonga está llegando al final. __BD JUNIO 2017 .. BALLETIN DANCE .. 43

C O M E N TA R I O

El Genio Capitalino Por Agustina Llumá

Buenos Aires es una usina de creación, de cultura, de arte.

Cientos de propuestas mensuales pueden abarcarse en su cartelera. Con aptitudes dispares, mejores o peores ideas, con diferente calidad de resolución. Pero de vez en cuando, uno vuelve a sorprenderse con el talento que se encuentra, por ejemplo, en The Rocky Horror Show, los martes en el Teatro Maipo, hasta fines de agosto El icónico musical se estrenó en el Royal Court Theatre de Londres el 19 de junio de 1973 y dos años más tarde ya estaba en la Argentina, mientras se estrenaba la película homónima (otra puesta se dio aquí en 1994). The Rocky Horror Show es un homenaje a las películas de terror clase B de comienzos del siglo pasado, y durante más de 40 años se ha mostrado en 30 países, traducida a 20 idiomas.

La renovada versión que se muestra ahora en el Teatro Maipo, cumple con todas las características que se viven a nivel internacional: algunos en el público llegan caracterizados como los personajes, todos realizan acciones de acuerdo a lo que sucede en escena (las instrucciones también se incluyen en el programa de mano para los neófitos) y algunas famosas canciones de aquella época son cantadas por todos.

En el argumento, según el guión original de Richard O’Brien, conviven extraterrestres, travestis, científicos locos, una criatura nacida como Frankenstein, algo de La Guerra de las Galaxias, y una pareja “normal” norteamericana de clase media de la década del ’70. Todo ello no es más que una excusa para descubrir la genialidad de sus intérpretes, dirigidos por el joven Andie Say, con una banda en vivo (a cargo de Mariano Cantarini) ubicada en algunos de los palcos.

La coreografía firmada por Alejandro Lavallén, cuenta con asistencia de Antonella Campaniello, y resultó interesantemente compleja para el ensamble (Luli Muiño, Lucas Gentili, Facundo Magrané, Mariano Condoluci, Ana De Vicentiis y Julia Tozzi).

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Magnífica actuación de Roberto Peloni Foto . Nacho Lunadei

El multipremiado Roberto Peloni como el Dr. Frank-N-Furter, simplemente imponente; sacrcástico, erótico y maléfico. Lo acompañan en escena la encantadora Florencia Benitez (como Magenta en mayo y junio, luego sigue Melania Lenoir), Sofía Rangone (Jannet) y Walter Bruno (Brad) como la parejita modelo, Ignacio Perez Cortes (Rocky) de cuerpo escultórico, Federico Coates (Riff Raff) hace a un jorobado de excelente voz, Mica Pierani Méndez (Columbia) que además baila muy bien tap, Maia Contreras (como Eddie y Dr. Scott) y elenco. El narrador de la historia (criminólogo) cambia en cada función, con invitados especiales entre los que ya estuvieron Moria Casán, Marcos Mundstock, Florencia Otero y German Tripel, entre otros.

Con buenas luces e ingeniosa escenografía, se trata de un divertido espectáculo de alta calidad, donde todos cantan, actúan y bailan a la perfección. __BD

brevesactualidad

Distrito de las Artes Con el objetivo de impulsar y desarrollar actividades culturales en una zona específica de la ciudad de Buenos Aires, el gobierno creó en el año 2012 el Distrito de las Artes que comprende los barrios de La Boca en su totalidad, parte de Barracas (hasta calle Azara) y parte de San Telmo (hasta Av. San Juan).

Desde entonces, se fue conformando un polo artístico que integra a artistas e instituciones (artes escénicas, musicales, literarias y visuales de todo tipo) algunos ya establecidos en la zona y otros nuevos que se asentaron allí seducidos por la propuesta. El gobierno ofrece un equipo multidisciplinario de servicios para ayudar a los artistas en las áreas de comunicación, comunidad (actividades en conjunto), asesoramiento para la inscripción y contacto con empresas en la línea Mecenazgo Cultural del Ministerio de Cultura, exención en impuestos de la ciudad: los artistas radicados en este distrito no pagan ABL (Alumbrado Barrido y Limpieza), IIBB (Ingresos Brutos), derechos de Delineación y Construcción (en caso de comprar un terreno o modificar los planos de un inmueble), ni el impuesto de Sellos en caso de comprar una propiedad, y además, líneas de crédito específicas del Banco Ciudad con una tasa más baja que la habitual.

Informes completos en internet: http://www.buenosaires.gob.ar/distritodelasartes.

Premio Ruanova El Premio María Ruanova 2017 que otorga anualmente el Consejo Argentino de la Danza recaló este año en Lidia Segni, debido a su trayectoria artística. La entrega de la distinción tuvo lugar el miércoles 7 de junio en el Salón Dorado del Teatro Colón de Buenos Aires, con una mesa integrada por Cecilia Figaredo, Nadia Muzyca, Magali Paz y Ricardo Rivas, coordinada por Agustina Llumá.

El Premio que ha logrado permanecer en la agenda nacional desde 1986 en forma ininterrumpida, se ha consolidado como el único reconocimiento argentino a la labor de la danza argentina y consiste en una estatuilla original del escultor Leonardo Rodríguez que evoca la figura de María Ruanova.

Además se distinguió a los maestros Andrés Cejas, Analía Domizzi, Rodolfo Ferrer, Mónica Fracchia, Magenia Mugica y Carina Odisio, formadores de varias generaciones de bailarines y se designó socio honorario de la institución a Alejandro Totto.

Meses eternos El Teatro Argentino de La Plata continúa cerrado. Las obras de remodelación y puesta en valor se demoraron mucho más de lo planeado. Supuestamente se reabrirá a comienzos de este mes, con la ópera Lucia di Lammermoor (del 2 al 11 de junio), y supuestamente el Ballet haría una función de inicio de temporada a mediados de mes.

Pero paralelamente, el coliseo anuncia una nueva temporada (ya han cambiado varias veces) para el Ballet Estable, que dirigido por Maricel De Mitri, celebra en 2017 su 70º aniversario y que comenzaría recién en agosto; y a su vez, señalan que se volvería a cerrar el teatro en noviembre y que existe una posibilidad de que no se contemple una temporada 2018… la información es confusa.

Lo cierto es que desde el cierre del año pasado, los artistas están prácticamente sin trabajar pues no se contemplaron actuaciones en otros recintos. En este contexto, en mayo se reabrió la Sala Ginastera, para ofrecer una sinfonía y los artistas del coliseo aprovecharon para explicar a los vecinos de la ciudad su situación. El Ballet realizó una clase en las escalinatas de acceso, con un cartel que señalaba que carecen de salas en condiciones mínimas para poder realizar clases y ensayos, mientras que el coro, en estado de alerta con quite de colaboración no participó del espectáculo.

Es decir: los bailarines no están ensayando, pero así y todo el 1º de junio se realizó una selección de bailarines para participar en las próximas producciones. También preocupa que varios de sus integrantes se jubilarán pronto, pero por el decreto provincial Nº 618 no se podrán contratar nuevos postulantes.

De acuerdo al nuevo cronograma, el Ballet Estable ofrecerá Giselle (del 4 al 13 de agosto), Raymonda (del 22 de septiembre al 1º de octubre) y como cierre de temporada Daphnis et Chloé (del 1º al 10 de diciembre) junto a la Orquesta y el Coro.

ESTUDIO DE DANZAS

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C O M E N TA R I O

Excelente Ballet Para Niños Por Agustina Llumá

La Bella Durmiente y las Hadas Encantadas es la nueva propuesta del Ballet Metropolitano, presentado en el ciclo Vamos al Ballet de la Fundación Konex, que acerca la platea infantil al mundo de la danza académica Los domingos a la mañana, la calle Sarmiento, entrada de la Ciudad Cultural Konex, se llena de pequeños acompañados por sus familias (muchos abuelos en la platea) para conocer este súper clásico del ballet, en una puesta genialmente pensada para ellos. Las adaptaciones de los grandes clásicos para el público infantil ya es una marca registrada de la dupla Leonardo RealeJuan Lavanga, que cumple con su objetivo central: interesar a debutantes para convertirlos en futuros espectadores.

Más allá de lo que dispondrá el destino, lo cierto es que los chicos permanecen magnetizados durante los dos actos de la puesta, que por primera vez incluye escenografías combinadas entre proyecciones y enormes pantallas led (sin cuerpos físicos), con imágenes en base a una estética naif.

Al colorido vestuario, los múltiples personajes del final, la presentadora/Hada Lila (Agustina Ipiña), la preciosa música de Piotr Ilich Tchaikovsky, se suma el argumento: una historia conocida por todos. La princesa se pinchará con un uso al cumplir 15 años, y permanecerá dormida hasta que la despierte un príncipe, el amor de su vida.

La propuesta se completa con un programa de mano multicolor, con información sobre el ballet, su historia, su técnica, una página destinada expresamente para los autógrafos y una encuesta que los niños completan antes de retirarse del teatro. Allí, Luis

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Ovsejevich, presidente de la Fundación Konex, señala que lleva ya 27 años abocado a la presentación de espectáculos para niños, y que desea contribuir a que alguno de los asistentes descubra su vocación artística, o bien que aspiren ir a ver otro ballet, concierto u ópera. En ambos casos, les agradece hacérselo saber.

En el intervalo los pequeños imitan a los artistas en pasillos, patios y halles y luego de la firma de autógrafos, juegan sobre el mismo escenario, copiando algunas posturas, corridas, saltos y gestos que acaban de descubrir.

EN ESCENA Esta puesta en escena cuenta con idea, guión y adaptación de Juan Lavanga, coreografía de Leonardo Reale y sus principales intérpretes son Mercedes Calderón (Princesa Aurora), Rodrigo Villaverde (Príncipe Florimond), Yanina Toneatto (Reina de las Hadas), Agustina Ipiña (Hada Lila), Rodolfo Romero (Catalabutte), Julieta Bidegain (Reina) y los bailarines invitados del Teatro Colón Paula Argüelles (Carabosse) y Daniel Negroni (Rey Florestán).

Los acompañan Ana Murias, Camila Muraki, Tamara Rocca, Brenda Arana, Emmanuel Yunes, Jesús Arrechedera, Johannan Barraza, Rodrigo Malpezzi, Araceli Chijani, Arianna Vallone, Florencia Campo, Jessica Najmanovich y las mellizas Celeste y Noellia Díaz. __BD

Cautivante puesta para acercar a los infantes al mundo del ballet Foto . Mariano M. Ureta

La Fundación Amigos del Teatro San Martín viene realizando el programa de becas Ana Itelman, para los estudiantes del Taller de Danza Contemporánea del coliseo, desde hace diez años. En 2017 la prueba de selección, entre aquellos alumnos interesados en postularse para recibir un dinero mensual simbólico, se realizó el 2 de mayo en el escenario de la Sala Argentina del Centro Cultural Kirchner ante un jurado integrado por Leonardo Reale, Mauricio Wainrot y Andrea Chinetti.

También asistieron invitados especiales como Paloma Herrera (directora del Ballet Estable del Teatro Colón), Jorge Telerman (director del Complejo Teatral de Buenos Aires), Norma Binaghi (directora del Taller), docentes de la institución, Eva Soldati (presidenta de la Fundación Amigos del Teatro San Martín), socios de la entidad y periodistas especializados.

Se seleccionaron cuatro estudiantes, entre los 37 candidatos de segundo y tercer año de la carrera, oriundos de la ciudad de Buenos Aires, provincias argentinas y del extranjero: Jonas Michel Grassi, Daniela Pérez Ibarra, María Eugenia Pommorsky y Elisa Michel.

Fuerza Bruta, la propuesta teatral argentina con mayor expansión mundial Foto . gentileza de prensa

Jurado y premiados al cierre de la audición Foto . PLZPhoto

brevesactualidad

Programa de becas

Socio global Fuerza Bruta se transformó en uno de los 157 socios globales de la Escuela de Negocios de la Universidad de Harvard y el mes pasado un grupo de sus estudiantes arribó a Buenos Aires para trabajar durante una semana junto al equipo de marketing del elenco nacional.

Obtuvo este mérito por su proyección internacional y el desarrollo de espectáculos en tres continentes, en más de cincuenta ciudades, durante los últimos diez años, transformándolos en la propuesta teatral argentina con mayor expansión mundial.

Los jóvenes llegaron en el marco del curso Field Global Immersion, diseñado para fortalecer y desarrollar la inteligencia global de los estudiantes que les permita operar eficazmente a través de diferentes culturas y contextos de negocios. Luego de una investigación de campo, deberán proponer novedosas ideas al equipo argentino.

Fuerza Bruta estrenará el 1º de agosto en Tokio un show pensado especialmente para Japón, con el que ya tienen confirmadas funciones hasta mediados de 2018 y continúan con sus funciones en el Centro Cultural Recoleta de miércoles a domingos.

Centro Superior de Arte SYLVIA

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IN MEMORIAM

Alfredo Gurquel Buenos Aires, 7 de mayo de 1926 - 26 de junio de 2014 Se cumplen tres años de la desaparición física del maestro Alfredo Gurquel, creador del revolucionario método Elongación x Elongación, que se basa en el estudio de la biomecánica y cuya premisa principal sostiene que todo movimiento corporal debe hacerse a partir de la elongación. Sus preceptos se desarrollaron durante casi 50 años, en los que obsesivamente, investigó al cuerpo humano con el objetivo de mejorar sus capacidades de acción.

Fue primer bailarín en compañías de la Argentina, Francia y Alemania, director del Ballet Estable de la Provincia de Tucumán, del Ballet del Teatro Argentino de La Plata, de la Escuela Nacional de Danza de Buenos Aires, del Ballet Municipal Norma Fontenla de Mar del Plata y de sus propias compañías en Buenos Aires y Tucumán. Por su trayectoria fue galardonado por el Centro de Investigación, Experimentación y Estudio de la Danza (CIEEDA, 2003) por el Consejo Argentino de la Danza (CAD, 2004) y por la Fundación Arte y Movimiento (2004). Además varias salas de clase y ensayo de nuestro país llevan su nombre.

Continuó dictando clases hasta su última semana, siempre con la ayuda y colaboración de su gran compañera de vida, la maestra Juana Lederer (el cuerpo que sirvió de modelo para sus investigaciones), quien avanza en el desarrollo y evolución de sus conocimientos. Su método ha quedado plasmado para las próximas generaciones en obras ya publicadas (libros y DVD).

C O M E N TA R I O

Premios Hugo

Con más de medio centenar de obras musicales que se están presentando en este momento, se llevó a cabo en la Avenida Corrientes el espectáculo previo a la entrega de los Premios Hugo al Teatro Musical Los reconocimientos ideados por Ricky Pashkus y Pablo Gorlero, crecen en su propuesta año a año. En esta edición, en que se premiarán los shows presentados en las temporadas 2016/17, el espectáculo al aire libre realizado por quinto año consecutivo, se inició con el estreno de la canción oficial de los Premios, seleccionada mediante un concurso abierto y firmada por Marcelo Andino. Unas seis mil personas, se dieron cita de 14 a 19 hs, con el Obelisco de fondo, para conocer además, obras pasadas, algunos próximos reestrenos y otras aún sin estrenar. Hubo un homenaje a Hugo Midón e invitados sorpresa, para celebrar al teatro musical en el hemisferio sur. __BD 48 .. BALLETIN DANCE .. JUNIO 2017

Pablo Gorlero y Ricky Pashkus, presentaron el espectáculo, al inicio, todavía con luz diurna

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JUNIO 2017 .. BALLETIN DANCE .. 49

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24 AL 28 DE JULIO DE 2017

SEMINARIO INTENSIVO "ELONGACION X ELONGACION" Método ALFREDO GURQUEL

GURQUEL-LEDERER & BALLETIN DANCE DICTADO POR: JUANA LEDERER · AGUSTINA LLUMÁ · LORENA SABENA ESTUDIO GURQUEL-LEDERER: PASTEUR 170 (BUENOS AIRES) CU POS LIM ITADOS - SOLO CON INSCRIPCIÓN PREVIA- ENTREGA DE CERTIFICADOS INFORMES: elongacion@balletindance.com.ar 50 .. BALLETIN DANCE .. JUNIO 2017

Satori

Todos podemos volar. Dirección: Ariel Del Mastro. Versión de Marisé Monteiro. Coreografía: Gustavo Carrizo. Sábados y domingos 15:30 hs y 18 hs (desde el 7 de julio, en vacaciones de miércoles a domingos). Teatro Gran Rex (Av. Corrientes 857, Tel: 4322-8000).

Nada es real. Dirección: Julieta Vallina. Coreografía: Ayelén Clavin. Sábados 17 hs, domingos 21 hs (hasta el 12 de agosto). Centro Cultural Recoleta (Junín 1930, Tel: 4803-1040).

Peter Pan Y las Aventuras del Nunca Jamás. Dirección: Ariel Osiris y Alejandro Borgatello. Coreografía: Nancy Mansilla.

Sábados y domingos 15:30 hs. Paseo La Plaza (Av. Corrientes 1660, Tel: 6320-5300).

Programa mixto Compañía Nacional de Danza Contemporánea. Dirección: Margarita Fernández. Gira a Santa fe (Villa Mugueta: 12 y 13 de junio, Acebal: 14, Ibarlucea: 15), Teatro del Libertador de Córdoba: 27 de junio. Obras: 8 Pies, El Tiempo es lo Perdido, Tensión Espacial. Seminarios.

Puto De y por Ezequiel Barrios. Miércoles 21:30 hs. El Portón de Sánchez (Sánchez de Bustamante 1034, Tel: 48632848). Foto: Diego Carrizo

Saturno Un musical contemporáneo en 3D. De Daniela García. Con Stella Birchmeyer y Salomé Bazán Rochaix. Jueves 6 y 20, viernes 14 de julio, 20:30 hs. Club Cultural Matienzo (Pringles 1249, Tel: 3311-4530).

Sin Despertar aRiesgo compañía de teatro, danza y circo. Dirección General: Juan Cruz Berecoechea. Domingos a las 17 hs.

Ciudad Cultural Konex (Sarmiento 3131, Tel: 4864-3200).

Tatan Compañía Coco Liso. Creada y dirigida por Ana Barletta y Jesica Josiowicz.

Danza-teatro para bebés. Domingos 15 hs. El Método Kairos Teatro (El Salvador 4530, Tel: 4831-9663).

Thriller Compañía Tempotango. Dirección: Ignacio González Cano Coreografía: Soledad Andrea Fernandez, Manuco Firmani, Ignacio Gonzalez Cano. Sábados 20 trasnoche (00.30 hs). Teatro Hasta Trilce (Maza 177, Tel: 4862-1758).

Título del Show

cartelera

Peter Pan

De Hunter Bell y Jeff Bowen. Dirección: Malcom March. Coreografía: Milagros Polledo. Sábados de junio y julio, 20:30 hs. Teatro Método Kairós (El Salvador 4530, Tel: 4831-9663).

Foto: fuentes2fernandez

Villa Villa Fuerza Bruta. Miércoles a viernes 20:30 hs, viernes 23:30 hs, sábados 19 y 22 hs, domingos 19:30 hs. Sala Villa Villa. Centro Cultural Recoleta (Junín 1930, Tel: 4803-1040).

Vivitos y Coleando 2 De Hugo Midón. Dirección: Manuel Gonzalez Gil. Coreografía: Doris Petroni. Con Roberto Catarineu, Laura Oliva, Carlos March, Julián Pucheta, Flavia Pereda, Rodrigo Cecere y Vicky Barnfather. Sábados y domingos 16 hs.

Teatro El Picadero (Pasaje Santos Discépolo 1857, Tel: 5199-5793).

PROVINCIAS Cinco. Ficción física Dirección: Marcelo Díaz y Alejandra Anselmo. Con Mauro Cappadoro, Ulises Fernández, Maxi Arana, Charly Fiocatti y Juan Orol. Domingos 20 hs.

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INTERNACIONALES | REINO UNIDO

El Sadler’s Wells, invernáculo de la danza en Londres Por Fátima Nollén desde Londres De alguna forma, Sadler’s Wells fue siempre sinónimo de danza. El teatro va por su sexto edificio desde 1683, al Norte de Londres, cuando Richard Sadler abrió la Musick House. Pero su conexión con la danza quedó sellada cuando su benefactora Lilian Baylis decidió en 1931 mostrar allí producciones de ballet El primer conjunto que trabajó en el Sadler’s Wells pasó a ser el Royal Ballet de Covent Garden y el ballet que volvió a crearse, se convirtió en el Birmingham Royal Ballet. En 1994, Ian Albery decidió convertirlo en un centro especializado en danza, reconstruyéndolo con aporte del Arts Council England.

Saltando la historia, Sadler’s Wells es reconocido hoy como el espacio líder de la danza actual en todas sus variantes y géneros, abierto casi todas las noches del año. Del contemporáneo al hiphop, de la danza-teatro al bollywood, del tango al flamenco. En números, la temporada 2015-2016 atrajo 650 mil personas a más de 860 funciones. El teatro cuenta con una sala para 1500 personas, el nuevo Lilian Baylis Studio (más íntimo) y el teatro

52 .. BALLETIN DANCE .. JUNIO 2017

Peacock en el West End (para shows más comerciales). 131 artistas (coreógrafos, compositores y diseñadores) fueron comisionados y se produjeron o encargaron 20 nuevos trabajos de danza, 10 de los cuales se presentaron en 40 teatros en 21 países, en el mismo período.

Según el director de la revista inglesa Dancing Times, Jonathan Gray, el Sadler’s Wells es ya parte del establishment de la danza. “La gran transformación del teatro comenzó cuando Alistair Spalding asumió su dirección artística (2005), convirtiéndolo de un “teatro anfitrión o receptor de espectáculos, en una casa de producciones propias, que ayudó a mostrar la danza contemporánea británica en Londres e internacionalmente”.

Una escena de m¡longa de Sidi Larbi Cherkaoui con producción del Sadler’s Wells. En la foto, en el Teatro Jorat de Suiza Foto . Tristram Kenton

Katy Arnander, explicó los lineamientos de su labor de programación “…lo que la audiencia piensa es muy importante para nosotros porque queremos que sigan viniendo…”

Foto . Alicia Clarke

Balletin Dance conversó con Katy Arnander, directora de programación artística del teatro.

“Nuestro objetivo es abarcar el espectro total de la danza, y programamos pensando en la calidad, sin importar el género. Lo que la audiencia piensa es muy importante para nosotros porque queremos que sigan viniendo y dependemos de las ventas para sobrevivir”, explica.

Se trabaja mucho a sala llena y el 75 % de sus ingresos provienen de la venta de entradas.

La diversidad de espectáculos es muy grande ¿cómo elige lo que se muestra?

Tenemos un gran equipo de especialistas, por ejemplo uno en hip-hop que maneja el festival Breaking Conventions, y está al tanto exactamente de las compañías del momento en el rubro; otro, dedicado a artistas emergentes o compañías pequeñas; otro, a shows más comerciales. También están nuestros 16 artistas asociados, a quienes pedimos trabajos nuevos cada uno o dos años. También programamos las grandes compañías de ballet nacionales como el Birmingham Royal Ballet, el Northern Ballet de Leeds y el English National Ballet. Cuando vienen a Londres somos su casa aquí. Es verdaderamente un trabajo colectivo.

Entre los artistas asociados se cuentan Matthew Bourne, Wayne McGRegor, Ballet Boyz, Akram Khan, Hofesh Shechter, Russell Maliphant, Christopher Wheeldon y Crystal Pite. Las compañías internacionales asociadas son Acosta Danza (que debuta en Londres en septiembre), Rosas y Tanztheater Wuppertal Pina Bausch.

Su programación incluye tango, no sólo espectáculos tradicionales, sino aquellos que utilizan el género como inspiración, caso de Sidi Larbi Cherkaoui y su obra m¡longa.

go): tomamos una danza popular como el tango y pensamos de qué forma uno de nuestros artistas puede explorarla más profundamente y darle vida diferente. Sidi, fue a Argentina con un equipo de trabajo e investigó varias semanas en contacto con gente del tango. m¡longa es una obra de danza cuyo lenguaje es el contemporáneo, pero cuando la ves, los pasos y las piernas son tango. Rompimos barreras de una danza tradicional y se la presenta de forma nueva.

Creado en 2013, m¡longa tiene asesoría artística de la bailarina y coreógrafa argentina Nélida Rodriguez de Aura (mitad de Nélida y Nelson), quien trabajó con el coreógrafo belga aún en la selección de las cinco parejas argentinas que junto a una de danza contemporánea son parte de la obra que el Sadler’s presentó en mayo. Irónicamente, nunca se vio en Argentina.

Arnander sostiene que siempre escucha opciones y confirma sus programaciones con entre uno y tres años de anticipación.

¿Cree que la danza está en un buen momento?

Sí, muy bueno. Tal vez, gracias a que encontró un espacio muy importante en televisión con programas como Strictly come Dancing, que ayudó a hacerla más popular y accesible, generando más interés. Para nosotros es importante que la gente participe de la danza y por eso Sadler’s Wells también provee oportunidades educativas a través de varios programas de extensión.

El famoso teatro trabaja durante el verano londinense con una vasta oferta que incluye en julio, Tanguera (de Mora Godoy) en el Peacock, flamenco con Paco Peña y Les Ballets C de la B. Y en otoño, la reposición de Giselle de Akram Khan del English National Ballet, Autobiografía de la compañía Wayne McGregor, el Darbar Festival de música de la India, Ballet Rambert con A Linha Curva de Itzik Galli, Cenicienta de Mathew Bourne, y el Ballet de la Opera de Lyon. Estas son sólo algunas de las opciones en danza hasta fin de año. __BD

¿Cómo surgió la idea?

Trabajamos cerca y junto a nuestros artistas. Hacemos lo que llamamos “game changing shows” (shows que cambien el jueJUNIO 2017 .. BALLETIN DANCE .. 53

E N T R E V I S TA

La Nueva Promesa Argentina de la Coreografía Por Iratxe de Arantzibia Mientras sus obras cosechan éxitos por compañías de todo el mundo, a sus 31 años, Demis Volpi ha sido nominado por su Salomé, en los prestigiosos Premios Benois de la danza, cuyo resultado se anunció el 30 de mayo en el Teatro Bolshoi de Moscú La precocidad guía sus pasos en la danza. Con cuatro años, Demis Volpi (Buenos Aires, 1984) tomó su primera clase de ballet con Nancy Bocca, la madre de Julio. Formado por Andrea Candela, Mario Galizzi y Wilhelm Burmann, tras un efímero paso por la escuela del Teatro Colón, terminó sus estudios en las escuelas del Ballet Nacional de Canadá y en la alemana de John Cranko. A los diecinueve años, debutó como aprendiz en el Stuttgart Ballet, pero su camino estaría en la creación y no en la interpretación. Desde su ópera prima estrenada en 2006, su repertorio incluye más de treinta piezas y fue coreógrafo residente del Stuttgart Ballet hasta el mes pasado, mientras crea obras

para compañías de todo el mundo. En Sudamérica ha trabajado para el Ballet del Teatro Municipal de Santiago (Chile) y para el Sodre de Montevideo (Uruguay). Obtuvo el premio futuro de Alemania en 2014 y ahora ha sido nominado al prestigioso Benois de la Danse por su ballet Salomé.

A sus 31 años, Demis Volpi disfruta de un gran momento profesional mientras se consolida como “uno de los coreógrafos más interesantes del momento”, en palabras de Marcia Haydée. Días antes de ir a la ceremonia de los Benois en el Teatro Bolshoi de Moscú, recibió con “alegría” el llamado de Balletin Dance, y reconoció haber sido un lector asiduo de la misma “cuando era chico”.

¿En qué momento profesional se encuentra?

Siento que ha habido un avance importante en los últimos años a nivel artístico y profesional. Empecé a coreografiar muy joven.

Siempre tuve esa necesidad de contar con mi trabajo bailado a través de otras personas. Ahora estoy parado sobre mis pies, sé lo que está bien dentro de mi trabajo y puedo mirarlo críticamente. Obviamente, cada vez que empiezo una obra hay un miedo importante, cuesta mucha valentía iniciar algo nuevo cada vez, pero tengo confianza en mi experiencia, en mi inspiración y en mi creatividad.

Tan joven y nominado al premio Benois, ¿cambiaría algo ganarlo?

Los premios son una cosa rara. La nominación en sí ya es un honor muy grande. Pero lo que más alegría me da es poder ver el pas de deux de Salomé bailado en el Bolshoi. Después las cosas no se pueden calcular ni planear, porque siempre la vida se va dando de alguna forma inesperada. ¿Se siente bailarín o coreógrafo?

Te voy a decir la verdad: yo me siento teatro. Siempre me he sentido teatro. Tenía diez años y organizaba el show de magia en el jardín de mi casa, para toda la familia y trataba de hacer desaparecer a mi hermana [recuerda mientras ríe]. Para mí, la danza es teatro. Dentro de un teatro me siento en casa. En cada ciudad del mundo a la que voy, llego al teatro y ya está. Todo lo que necesito está ahí dentro. Soy un bicho de teatro y estoy convencido de que fue el primer lenguaje que tuvimos: la empatía.

“Soy un bicho de teatro”, dice Demis Volpi Foto . Roman Novitzky 54 .. BALLETIN DANCE .. JUNIO 2017

Krabat de Demis Volpi, con Marijn Rademaker (Meister) y ensemble Foto . Stuttgarter Ballett

¿Por qué se ha decantado por la coreografía en lugar de bailar?

Dejé de bailar en 2013, en un momento en el que estaba creando Krabat, mi primer ballet de noche completa. Un día me di cuenta de que no podía más. Fui a hablar con el director del Stuttgart Ballet, Reid Anderson: “¿qué tienes que cambiar?”. Y le respondí: “no puedo bailar más”. Cuando se me escapó, me sorprendí a mí mismo, pero sentí un alivio muy fuerte y muy, muy grande. Tuve la suerte de tener talento, de tener buenos maestros y llegué hasta ser bailarín del Stuttgart Ballet. Tuve una carrera muy bonita bailando. Me di cuenta de que si no me concentraba en coreografiar, los ballets que yo quería hacer, no los iba a hacer nunca, porque no los iba a hacer otra persona. ¿Cómo define su estilo coreográfico?

Mi escuela es la danza clásica y parto de esa base para desarrollar mi lenguaje. A su vez, creo que cada uno tiene que tener una identidad propia que va más allá de mi identidad como artista.

Sería muy fácil decir que porque la gente hace tal paso, o se mueve de tal forma, o tiene el traje de tal color, es la obra de Demis Volpi, como hacen muchos coreógrafos. Pero para mí, lo realmente importante es que cada pieza tenga sus propios estilo, lenguaje e identidad. Mis obras son muy distintas unas de otras, por esa razón siempre busco qué es lo importante, dónde está el núcleo, la esencia de esa pieza, y trato de dejarme llevar por la obra, más que por mi propio interés.

METAS A FUTURO Quiero poder seguir viviendo y teniendo la oportunidad de crear. Crear es lo más hermoso que existe. Algún día, sí, me gustaría tener mi propia compañía. Sería interesante poder dirigir un grupo de bailarines. Como coreógrafo, como artista, no tengo un objetivo final. Me encantaría poder crear un día una obra en la luna. Yo tengo sueños así. Que cada día sea una aventura y la chance de descubrir algo nuevo.

¿Es conocido en su tierra?

No lo sé. No me han invitado a trabajar allí y todavía no se ha dado la oportunidad de presentar mi trabajo. Ahora está Paloma Herrera como directora del Ballet del Teatro Colón, que conoce mi trabajo de cuando creé para el American Ballet Theatre, a lo mejor se le ocurre invitarme. Con la experiencia que he tenido, sería lindo poder volver y compartirlo con los bailarines en Argentina, pero no depende de mí.

Si tuviera que elegir un momento de su carrera, ¿cuál sería?

Ese momento para mí es el que estoy viviendo ahora, que estoy empezando una nueva obra. Si alguien me pregunta cuál es tu obra favorita, es la que estoy haciendo ahora. Estoy preparando un proyecto para una compañía juvenil en Dortmund (Alemania), que va a ser una cooperación con otros coreógrafos. Estamos viendo cómo colaborar y estamos empezando a buscar una forma de poder crear una noche juntos, en la que cada uno tenga su espacio para desarrollar sus propias ideas y tener su propia libertad. __BD

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balletin informativo balletin informativo Audiciones Alemania. Wee Dance Company (Danza CO. de la GerhartHauptmann-Theater Görlitz-Zittau) busca bailarines varones con sólidas técnica de danza contemporánea y habilidades para la improvisación, para su próxima temporada del 24 de agosto de 2017 hasta mediados de julio de 2018. La inscripción cierra el 16 de junio de 2017 y solamente se podrá participar de las audiciones (25 y 26 de junio) por invitación. Los interesados deben enviar un E-mail con links a videos en internet, a Marko E. Weigert: marko@wee-dance-company.de.

Antes de postularse la pequeña compañía solicita informarse sobre su actividad: los salarios -dicen- son los más bajos de los teatros estatales alemanes (€ 2000 por mes antes de descontar impuestos), no realizan clase de ballet matutina sino una sesión de investigación contemporánea, su medio artístico central es la danza coreografiada, con músicas algo complicadas que requieren cuentas concretas, los bailarines deben aprender material coreográfico muy preciso y detallado, a veces se genera cierto estrés en el día a día, y tienen obligación de participar en óperas, musicales y obras de teatro de la GHT. Mayores informes: https://www.g-h-t.de/ España. València Dancing Forward busca bailarines de 17 a 23 años que hayan terminado su formación en técnica clásica y contemporánea, con disponibilidad del 1º de septiembre al 4 de diciembre de 2017, para participar de una gira con coreografías de Marcos Morau, Francesco Curci, Joan Crespo y Marius Petipa. Los interesados deben enviar Cv y Showreel reciente a: auditionvdf2017@gmail.com, antes del 30 de junio. Informes: http://vdfdancing.com.

Polonia. Weiss Tanztheater busca bailarines profesionales de danza moderna, para el proyecto Eros & Thanatos de la coreógrafa Izadora Weiss. Los ensayos comenzarán el 28 de julio de 2017 y durarán hasta su estreno el 15 de septiembre en Varsovia. Los interesados en ser admitidos para audicionar (el 19 de junio) deben enviar un correo electrónico conCv y fotos (retrato y en movimiento) a izadoraweiss@gmail. com. Informes: http://izadoraweiss.com.

Becas Becas a la Creación del Fondo Nacional de las Artes (Argentina), destinadas a todos los artistas del país. Las postulaciones pueden ser individuales o grupales, y se ofrecen para contribuir al desarrollo e in-

TANGO Olga Besio

CLASES ADULTOS Martes 20.30 hs Sábados 17 hs SEMINARIOS ESPECIALES

Mail: olgabesio@yahoo.com.ar 56 .. BALLETIN DANCE .. JUNIO 2017

vestigación de obras. El jurado está integrado por Luciano Suardi, Diana Szeinblum y Guillermo Cacace (escénicas), Eduardo Naso, Fabián Carreras y Hugo Legaria (diseño), Paula Vázquez Prieto, Lorena Muñoz y Rodrigo Moreno (audiovisuales), Mercedes Casanegra, Diego Figueroa y Rafael Cippolini (visuales), José D´Angelo, Carmen Olaechea y Silvia Bucari (transformación social), Matías Gigli, Gerardo Montarulli y Fabián de la Fuente (arquitectura), Emilio de Alvear, Luján Cambariere y Paz Caradonti (artesanías), Gabriel Romero, Juan Pablo Vacas y Segio Kiernan (patrimonio), César Lerner, Exequiel Mantega, Marcelo Katz (música) y Mariana Enriquez, Hernán Ronsino y Santiago Llach (letras). Se otorgarán 200 becas de 50.000 pesos cada una. La inscripción se realiza exclusivamente on line en http://fnartes.gob.ar/ y cierra el 23 de junio de 2017. Informes: Tel: 0800-333-4131, E-mail: fnartes@fnartes.gob.arc.

Convocatorias El Teatro Machado y Barbados Artes Escénicas de la ciudad de Buenos Aires, convoca a artistas para postularse al segundo ciclo Tesinas Públicas de Teatro, Danza y Música. Podrán presentarse trabajos finales de graduación con carácter de obra terminada. Los seleccionados mostrarán sus obras ante el público en el Teatro Machado, en el segundo semestre de este año y se realizará un conversatorio del creador con los asistentes. Se ofrecen doce horas de ensayo en la sala, gestión y difusión en internet del ciclo. Cierre de inscripción: 15 de junio. Informes: Tel: 4982-4922, E-mail: machado617@gmail.com, web: http://machadoteatro.com.ar/.

Festivales Festival Nacional de Arte Transformista (FENAT). 2º edición.

Del 6 al 8 de octubre de 2017, Buenos Aires. Organiza: Facundo Suárez y Cecilia Wierzba. Convocatoria destinada a grupos artísticos de todo el territorio nacional cuya producción contenga el transformismo como eje temático, con obras estrenadas, cuyos integrantes sean mayores de 18 años (teatro, danza, performances, música, fotografía y arte audiovisual). Charlas, mesas de trabajo, talleres y exhibición de obras. Los grupos seleccionados recibirán un pago simbólico de $ 850. Inscripción on-line, hasta el 31 de julio: www.festivalfenat.com.

balletin informativo Chile. Bestias Danzantes. Festival de cine. 3º edición. Podrán postularse films de danza (cortos de danza, danza para la cámara, video danza), de cualquier estilo, de uno a quince minutos de duración. La inscripción cierra el 8 de julio, y se realiza on-line: https://filmfreeway.com/festival/BestiasDanzantesDanceFilmFestival.

Informes: bestiasdanzantes@gmail.com.

México. Camp_In 2017, Acciones escénicas urbanas. 5° edición. Organiza: Moving Borders-Arte Escénico Sin Fronteras, en el marco de la Plataforma_In. Del 13 al 17 de diciembre de 2017, San Luis Potosí, México. Podrán presentarse obras escénicas para espacios públicos que capturen la atención del espectador, de 8 a 12 minutos de duración, para ser mostradas en una explanada declarada Patrimonio Histórico (por lo que no puede dañarse), con luz natural, cuyo discurso sea transversal desde lo social, lo multicultural, la raza, la edad y el género; con claridad de su postura ante la actualidad de nuestro contexto. Las siete propuestas seleccionadas contarán con “visibilidad”, hospedaje de 2 noches en habitaciones compartidas, apoyo para transporte nacional, alimentación del mediodía, acceso al registro videográfico de su participación y a todas las actividades de Camp_In como observadores. También están abiertas las inscripciones para participar con una ponencia, o taller práctico. La inscripción cierra el 25 de junio. Informes: E-mail: info.camp.in@gmail. com, web: https://www.camp-in.org/acciones-escenicas-urbanas.

Chile. Festival Internacional Santiago Off. 7º edición. Organiza: Santiago Off (compañía La Fulana Teatro, Lafamiliateatro y Norte Producciones). Del 18 al 27 de enero de 2018. Podrán postularse espectáculos ya estrenados de teatro, danza y música, enfocados en la revalorización y renovación artística, de calidad, tanto en formato de sala como de calle, con un máximo de diez integrantes (incluyendo a los técnicos de iluminación y sonido), dirigidos a mayores de 14 años.

Las obras seleccionadas ofrecerán dos funciones, y el Festival cubrirá gastos de alojamiento, alimentación, traslados internos, entregará cartas de invitación, los grupos obtendrán el 50 % de la recaudación obtenida por venta de entradas, entrada liberada a todos los espectáculos, actividades de extensión y eventos. En caso de adjudicación de fondos públicos el Festival realizará un pago único por participación para cada agrupación. Cierre de inscripción: 30 de junio (extranjeros) y 15 de octubre (chilenos). Informes: E-mail: contacto@santiagooff.com, web: http://www.santiagooff.com.

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En la ciudad de Buenos Aires y alrededores, Balletin Dance es de distribución gratuita. La conseguís en las direcciones de todos los avisos publicitarios que encontrás en nuestras páginas (estudios, locales de venta de artículos de danza, teatros y en nuestra sede: A. Alsina 943, 4o piso, oficina 410, de lunes a viernes de 10 a 17 hs).

En el interior de la Argentina, podés comprar Balletin Dance, La Revista Argentina de Danza en tu propio estudio y en los siguientes locales, a $ 25.

Ver las direcciones en el mapa de internet del Directorio de Balletin Dance: http://balletindance.com/directorio/web-category/revista/

Concordia. Entre Ríos Terpsícore. Av. San Lorenzo Este 185

Firmat. Santa Fe Estudio de Danza Marcela Arrieta: Miguel de Azcuénaga 1799 Tel: (3465) 49-2457, E-mail: maraarrieta@hotmail.com

Formosa Estudio de Danzas e Indumentaria para bailarines Ballare. Padre Patino 264 Tel: (0370) 44-26518. E-mail: ballareformosa@gmail.com

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Olavarría. Buenos Aires Arte Danza. Tu Lugar de Expresión. Valeria Potes. Rivadavia 2644 Tel: (02284) 15-57-4741. E-mail: martinsoler_olav@hotmail.com

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Rosario. Santa Fe Koi Ballet, Carina Odisio, Club Espanol: Rioja 1052 E-mail: odisiocarina@hotmail.com

San Juan Instituto Ballerinas. María Soledad Lloveras. 25 de Mayo oeste 165.

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Santa Fe ExpresArte Estudio de Danzas y Arte: 25 de Mayo 3310.

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Viedma. Río Negro Magali Canosa Flamenco Viedma. Gallardo 96 Tel: (02920) 15-40-5888. E-mail: magalicanosafl amenco@gmail.com

Villa María. Córdoba Danza Vida de Andrea Valfre. Hipólito Yrigoyen 329 E-mail: danzavida@live.com.ar

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Hudson. Buenos Aires Aldana Mentoni Escuela de Danzas. Calle 53 Nº 2952, e/129 y 130 Tel: 15 6523-5260.

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La Plata. Buenos Aires Balletsaal García Millán. Calle 521, esq. 13 (1900) Tolosa Tel: 0221-15-5378373. E-mail: balletsaal@gmail.com

Lomas Del Mirador. Buenos Aires Estudio Danzarte, Sargento Cabral 2572 Tel: 15-5641-2096. E-mail: navadanza15@yahoo.com.ar

Mendoza Jimena Tomba Casuccio. Pueyrredón 401 Tel: (0261) 15-467-8146. E-mail: jimenatomba@hotmail.com

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