33 Muestra Nacional de Teatro, 2012 by Instituto Potosino de Bellas Artes

33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.

EL CONSEJO NACIONAL PARA LA CULTURA Y LAS ARTES, EL INSTITUTO NACIONAL DE BELLAS ARTES, LA COORDINACIÓN NACIONAL DE TEATRO, EL GOBIERNO DEL ESTADO DE SAN LUIS POTOSÍ A TRAVÉS DE LA SECRETARÍA DE CULTURA Y EL INSTITUTO POTOSINO DE BELLAS ARTES.

Consejo Nacional par a la Cultur a y las Ar tes

C o n s u e l o Sá i z a r / P r e si d e n t a

Ins titut o Nacional de Bellas Ar tes

Te re s a V i c e n c i o / D i r e c t o r a Ge n e r a l Se r g i o R a m í re z / Su b d i r e c t o r Ge n e r a l J u a n Me l i á / C o o r d i n a d o r N a c i o n a l d e Te a t r o Jos é L u i s G u t i ér r ez Ra m í re z / D i r e c t o r d e D i fu si ó n y Re l a c i o n e s P ú b l i c a s

Gobierno del Es t ado de San L uis Pot osí

Dr. Fer n a n d o To r a n z o F e r n á n d e z / Go b e r n a d o r d e l E s t a d o I n g . X av i e r To rre s Ar p i / Se c r e t a r i o d e C u l t u r a L i c. L a u r a E l en a G on zá l e z / D i r e c t o r a d e l I n s t i t u t o Po t o si n o d e l a s A r t e s

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ESTADOS PARTICIPANTES: DISTRITO FEDERAL, GUANAJUATO, JALISCO, NUEVO LEÓN, OAXACA, PUEBLA, SAN LUIS POTOSÍ, SONORA, TAMAULIPAS, VERACRUZ, YUCATÁN

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El movimiento teatral de México está de plácemes, al celebrase por tercera ocasión la Muestra Nacional de Teatro en San Luis Potosí, lo que obedece además de nuestra excelente ubicación geográfica, a la amplia infraestructura cultural con la cual contamos para el desarrollo de las más de 70 actividades, entre exposiciones, talleres, mesas de análisis, presentaciones editoriales, seminarios, y la exposición de 32 obras teatrales seleccionadas y 3 invitadas, que brindarán más de 100 funciones de teatro para casi 20 mil espectadores. Entre esas instalaciones, que serán testigos de los trabajos de nuestros 500 invitados provenientes de diversas regiones del país, podemos mencionar al majestuoso Teatro de la Paz; las diversas

Para el Instituto Nacional de Bellas Artes, la Muestra Nacional de Teatro es cada vez más un espacio de encuentro, de confrontación, de intercambio enriquecedor y de aprendizaje, tanto para los profesionales del quehacer teatral como para los públicos de todo el país. La Dirección Artística de la XXXIII Muestra –integrada por los dramaturgos Jaime Chabaud, Cutberto López y Maribel Carrasco, el actor y dramaturgo Antonio Zúñiga, y la productora y promotora cultural Martha Aguilar- y el Comité Organizador –conformado por el Gobierno del Estado de San Luis Potosí y el Instituto Nacional de Bellas Artes- se trazaron una serie de objetivos que se han enriquecido por aportaciones y demandas de la comunidad teatral de la región. La programación -acción toral de la Muestra- incluye un total de 35 obras, la mayor parte de ellas de autores nacionales. Las líneas de reflexión y encuentro por las que aquí se ha apostado son: la necesidad imperiosa de ampliar nuestro esquema de presentación de obras, con el fortalecimiento de las salas independientes, la debida atención a la realidad de las diferentes asociaciones y el acer-

áreas con las que cuenta el Centro de las Artes de San Luis Potosí, Centenario; el Centro Cultural Bicentenario de la Universidad Autónoma de San Luis Potosí, que en su teatro y aulas cuenta con tecnología de última generación; o el Teatro de Difusión Cultural “Raúl Gamboa” del Instituto Potosino de Bellas Artes. También contamos con hermosas plazas públicas y foros alternativos, como los de las compañías teatrales El Rinoceronte Enamorado y La Carrilla, donde también podremos disfrutar de puestas en escena del teatro nacional de vanguardia. Así, durante 9 días, del 9 al 17 de noviembre, San Luis Potosí será el epicentro del movimiento teatral de México, y dará muestra de su voca-

camiento de las compañías con programadores nacionales e internacionales. Esta estrategia la hemos venido probando exitosamente, en el ámbito nacional, con el programa Bellas Artes a todas partes; en tanto que, en lo internacional, hemos conseguido una movilidad histórica para nuestro teatro hacia diferentes regiones de Iberoamérica y Europa. Por otra parte se han abierto -mediante convocatoria pública nacional- mesas de reflexión orientadas a un diálogo cuyo objeto sea mejorar el estado de las artes escénicas en nuestro país. Los once talleres que este año se desarrollarán serán impartidos, por especialistas con una experiencia cimentada en una larga historia de trabajo con grupos. Recibiremos también al ganador del Premio Internacional de Ensayo Teatral, el académico e investigador peruano Jorge Luis Yangali, autor de El teatro de la sierra central peruana o resucitar para re-territorializar. Dentro de las exposiciones que podrán ver los asistentes a la Muestra, destaca la relativa a los creadores nacionales que en la Quadrienal de Praga 2011

ción artístico-cultural, que le distingue, tanto por su calidad como por su diversidad, en disciplinas como la literatura, danza, las artes pláticas, la música, y por supuesto el teatro. Con estas palabras, a nombre del Gobierno del Estado de San Luis Potosí quiero expresar a todos los participantes de esta fiesta el mayor de los éxitos, al tiempo de brindar la más cálida bienvenida a quienes nos visitan de otras latitudes, con el deseo de que su estancia en nuestra ciudad además de agradable, sea pródiga en resultados para bien de teatro mexicano. ING. XAVIER TORRES ARPI

Secretario de Cultura del Gobierno del Estado de San Luis Potosí

obtuvieron medalla de oro por la Mejor Exhibición de Arquitectura Teatral. Por su parte, la artista plástica Rosa María Robles presentará su muestra Navajas, en la que recrea simbólicamente la violencia que nos aqueja hoy en día. Además, Expocarteles compendiará más de treinta años de historia gráfica del Teatro de la Paz, uno de los espacios potosinos de mayor tradición. El que se haya elegido a San Luis Potosí como sede de la XXXIII Muestra Nacional de Teatro significa un reconocimiento al esfuerzo que, desde hace varios años, se ha realizado por dotar a la ciudad con una de las mejores infraestructuras culturales del país, así como en seguir impulsando la labor de los creadores escénicos de la región. Disfrutemos, pues, de esta gran fiesta de la comunidad teatral mexicana, a la vez que de los múltiples atractivos del muy rico patrimonio artístico y cultural del Estado de San Luis Potosí. LIC. TERESA VICENCIO ÁLVAREZ Directora General del Instituto Nacional de Bella Artes

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“Ninguno de nosotros puede hoy decir : he aquí la verdad absoluta. Lo mejor que podemos hacer es analizar y confrontar nuestra verdad personal con las experiencias que hemos hecho, con los problemas que nos rodean, con los acontecimientos y las impresiones que sufrimos cada día.” E U G E N I O B AR B A “MÁS ALLÁ DE LAS ISLAS FLOTANTES”

Se recibieron 293 proyectos, el mayor número en la historia de la Muestra Nacional de Teatro (esto sin contar las obras que se seleccionaron de la sede). 293 montajes de diversos formatos y calidades que reflejan en gran medida, el desarrollo de nuestro teatro, su desarrollo, sus debilidades y también sus logros, como lo son la imperiosa búsqueda de nuevos lenguajes y la utilización de nuevos recursos escénicos, así como la experimentación en espacios no convencionales, el desarrollo de las nuevas estructuras por las que transita la dramaturgia actual, las propuestas de jóvenes directores e intérpretes, los procesos creativos y el riesgo artístico que varios creadores plasman en sus propuestas y que se agradece tanto. Más del 70 % de los proyectos inscritos partían de un texto de autoría mexicana, por ejemplo, lo cual habla de una tendencia. Los formatos presentados a selección transitan desde lo más convencional (dicho sin el prejuicio que suele acompañar el término) a lo más limítrofe o fronterizo. Una sobre abundancia de proyectos nos habla de la imperiosa necesidad que los artistas tenemos por expresar nuestras inquietudes y puntos de vista acerca de la realidad social y política por la que atravesamos como país, y sabemos bien que el arte escénico es una vía muy importante para ello. Con la experiencia de evaluar 293 montajes quisiéramos hacer preguntas: ¿Cuáles siguen siendo las posibilidades de la escena? ¿Cuál es la relación que sostenemos con los públicos, es decir, la sociedad? ¿Cuáles son esas necesidades que como trabajadores de la cultura debemos atender de manera inmediata? ¿Cuál es la importancia y la relación entre espacio independiente y producción? ¿Cuál es la importancia del arte teatral inserto en el cambio social? ¿Cuáles son las experiencias particulares que nutren procesos de cambio en el quehacer teatral? ¿Qué es aquello que la soberbia no nos deja mirar para construir juntos una verdadera comunidad? ¿Qué y cómo puede una muestra seguir siendo un referente nacional, de un teatro nacional? ¿Cómo crecer, como creer? ¿Cómo hacer de la experiencia un espacio libre y total, donde lo que prive sea la convicción de que el teatro es un territorio basto, en el cual pastan ahora, muchas especies en peligro de extinción que debemos preservar? ¿Estamos artísticamente a la altura de las circunstancias y las necesidades que vive el país? Esperemos pues, que los proyectos seleccionados den muestra de esta realidad, pero que además nos refleje cuál es la situación en que se encuentra el teatro en México, pues esto seguramente contribuirá a ubicarnos de manera crítica, en nuestro quehacer como artistas.

DIRECCIÓN ARTÍSTICA

33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO

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Dirección artística ANTONIO ZÚÑIGA

CUTBERTO LÓPEZ

Nacido en 1965 en Parral, Chihuahua. Miembro del Sistema Nacional de Creadores. Obtuvo en 2008 el Premio Nacional de Dramaturgia de la Universidad de Nuevo León, Premio Internacional de Guiones de Cortometraje de la Universidad de la Laguna, Tenerife, España, en 2006. Entre sus obras se encuentran: Sol Blanco, Gol de oro, La zona del silencio, Estrellas enterradas por la cual obtuvo Mención Honorífica de Premio Nacional de Dramaturgia “Manuel Herrera” de Querétaro, Coctel Margarita, El tiradito, Crónica de un santo pecador por la cual obtuvo Premio nacional de Dramaturgia de Nuevo León en 2002. Así como Panóptico con la que obtuvo Mención Honorifica en el Premio Nacional de Dramaturgia de Nuevo León en 2005, entre muchas otras que han montado Sandra Félix, Rodolfo Guerrero, Richard Viqueira, Rocío Belmont, Juan Carrillo, Abraham Jurado, Rafael Covarrubias, entre otros. Algunas de sus obras montadas son Pancho Villa y los niños de la Bola con la antigua compañía Alborde Teatro de Ciudad Juárez, en 2008-2009, Mara o de la Noche sin sueño en 2009, Mamá Corazón de Acero en 2010, Historias Comunes de Anónimos Viajantes en 2010, El Enigma del Serengueti de 2011, Por favor no mande riñones por correspondencia en 2010-2011, Huellas de personajes ficticios a la luz de la luna realista en 2012, Enigma 3D en 2012, De hombres Reyes y Gorilas en 2012. Tiene 15 libros publicados, entre antologías y de su autoría, editados por Libros de Godot, y ediciones El Milagro, además de otras editoriales importantes en el país. Como actor forma parte del proyecto Los Asesinos de David Olguín, obra de gran trascendencia en su vida artística. Actualmente lidera la compañía Carretera 45 Teatro A.C., próxima a estrenar su propio espacio en la colonia Obrera de la ciudad de México.

Originario de Benjamín Hill, Sonora, nació en 1964, proveniente de un pueblo ferrocarrilero. Incursionó en el teatro en 1981, como actor, mimo, técnico e instructor. El dramaturgo y director, algunas de sus obras han sido estrenadas, sobre todo por universitarios de la República Mexicana. Algunos de sus textos han sido publicados por la Revista Tramoya, por el Gobierno del Estado de Sonora, por la Universidad de Sonora, Editorial Tierra Adentro, por la Revista Espacio escénico, la Revista PasoDeGato, Conaculta, Ediciones El Milagro, y por la Sociedad de Medios y Teatro para América Latina de Alemania. Sus obras Durmientes y Desierto han sido traducidas y publicadas en francés y escenificadas en París. Mujer lagartija ha sido traducida al alemán. Tiene entre sus obras: Píntame un sueño, Toque de queda, Calle del oro 1555, De noche, Rosa, Ahí viene la mano peluda, Casa pa´los pastores, Terapia intensiva, Helada Madrina, Una noche de perros y gatos, Yamaha 300, Una mujer en el baño, Muerte cerebral, Durmientes, Mujer Lagartija, La esperanza, Matar al sol. Actualmente es Miembro del Sistema Nacional de Creadores Artísticos del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes.

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JAIME CHABAUD

MARIBEL CARRASCO

MARTHA AGUILAR

Dramaturgo, guionista, pedagogo, periodista e investigador teatral, nacido en 1966 en el Distrito Federal. Estudió Letras Hispánicas y Literatura Dramática y Teatro en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM. Entre sus obras destacan: Tempranito y en ayunas de 1989, ¡Baje la voz! de 1981, El ajedrecista de 1993, En la boca de fuego de 1993, Perder la cabeza de 1995, Y los ojos al revés de 1999, Sin pies ni cabeza de 2005, Pipí de 2000, Otelo sobre la mesa de 2006 y Divino Pastor Góngora de 2001, Lágrimas de agua dulce en 2009 y Érase una vez en 2010. Sus obras han sido traducidas al francés, alemán, inglés, búlgaro, portugués y checo. Entre las distinciones que ha recibido por su trabajo dramatúrgico, destacan: el Premio Nacional de Dramaturgia “Fernando Calderón” otorgado por el gobierno de Jalisco en 1990, por su obra ¡Que viva Cristo Rey!; el Premio Nacional Obra de Teatro otorgada por el INBA en 1999 por su obra Talk Show; el Premio FILIJ de Dramaturgia como Mejor Teatro para Niños en 1999 por la obra Sin pies ni cabeza; y el Premio Nacional de Nacional de Dramaturgia “Víctor Hugo Rascón Banda” en 2006, por su obra Rashid 9/11. Como investigador teatral ha publicado cuatro libros recuperando la dramaturgia mexicana del siglo XIX. Ha colaborado con ensayos y artículos en diarios y revistas especializadas como Latin America Theatre Review, Art Teatral, Conjunto, Revista Galega de Teatro, Theater der Zeit, y Máscara, entre otras. Para televisión coordinó al equipo de escritores de Momento de decisión para ARGOS, TVGlobo y TVAzteca. Como escritor en televisión y editor literario trabajó en El amor de mi vida, Bellezas indomables, y A corazón abierto, entre otras. Guionista de Ópera Prima de Canal 22 y coordinador del Diplomado de Escritores de TVAzteca. Es productor asociado, junto con José Sefami, del programa Paso de Gato que se transmite por Canal 22. Fue coordinador del Área de Investigación del Centro de Investigación Teatral “Rodolfo Usigli” (CITRU-INBA); jefe del Teatro Casa de la Paz de la UAM. El también director de PasoDeGato, Revista Mexicana de Teatro, publicación trimestral especializada que obtuvo el Premio Nacional de Periodismo “José Pagés Llergo” como Mejor Publicación Cultural del Año, en 2005, es becario del Sistema Nacional de Creadores del Artes del FONCA (2011-2013) y Jefe del Departamento de Artes Escénicas de la Universidad Autónoma Metropolitana.

Su trabajo se ha especializado en la creación escénica para niños y jóvenes. La dramaturga, actriz y diseñadora de vestuario, ha participado en diversos festivales nacionales e internacionales. Además ha participado como ponente en distintos foros y conferencias sobre el quehacer teatral para niños y jóvenes, tanto en México como en el extranjero. También imparte talleres de Dramaturgia para Creadores Artísticos especializados en la escena del público joven. Entre sus obras que han viajado al extranjero se encuentran: El pozo de los mil demonios, Morritz y El pequeño Mons, La legión de los enanos, Lacandona o cuando las estrellas caen, Kásperle o las Fantasmagorías del Doctor Fasto. Algunas de sus obras han sido publicadas por la Dirección general de Publicaciones de Conaculta, Revista CITRU, Ediciones El Milagro y en la Revista PasoDeGato, entre otras. Por su ardua trabajo ha sido merecedora al Premio Nacional de la Juventud, CREA en 1987; el Premio al Mejor Teatro Para Niños en la FILIJ en 1997; el Premio Nacional de Dramaturgia en la categoría Teatro Para Niños en 2009; a la Mención Honorífica del Premio Nacional de Dramaturgia como Obra de Teatro para Niños en 2007. Entre los apoyos que ha recibido se encuentra el Apoyo a la Creación Dramatúrgica IBERESCENA 2009-2010. Ha sido becaria del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes y actualmente forma parte del Sistema Nacional de Creadores de Artes.

Actriz, directora, productora, promotora y fundadora de la Asociación Teatral “La Carrilla”, A.C. Ha tomado diferentes cursos relacionados con la investigación actoral y la dirección escénica. Recién egresada de la Licenciatura en Educación Artística por la Escuela Superior de Artes de Yucatán. Entre sus trabajos más reconocidos como directora escénica, se encuentran: Todos tenemos la misma historia de Darío Fo, que se presentó durante la Muestra Nacional de Teatro en 1993; La noche de los asesinos de José Triana, presentada en la Muestra Regional de Teatro en 2002, Niñas de la guerra de Berta Hiriart, puesta en escena presentada dentro del Programa de Teatro Escolar en 2005; Hotel Juárez de Víctor Hugo Rascón Banda, que se presentó en la Muestra Alternativa de la XXVI Muestra Nacional de Teatro, y en 2010 estrenó la obra Pateando Lunas de Roy Berocay para el Festival de San Luis. Además, destaca su trabajo como productora ejecutiva en puestas en escena para el público infantil, entre las cuales se encuentran: El rey Mono contra el demonio del hueso blanco dirigida por Jesús Coronado en 1998; Las tripas gruñonas, un espectáculo de creación colectiva en 2003; El ogrito de Suzanne Lebeau en 2006. Asimismo, al lado de Alejandra Mendoza ha realizado como promotora las 7 ediciones del Encuentro de Creadoras Potosinas. 4Actualmente participa en la puesta en escena Nosotros, un documento escénico dirigido por Eleno Guzmán. Es coordinadora del Área de Teatro en el Centro de las Artes de San Luis Potosí.

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Entrega de Medallas Xavier Villaurrutia

S Á B A D O 10 21 : 0 0 H O R A S G A L E R Í A T E AT R O D E L A PA Z

Edgar Ceballos, por su labor de más de 30 años al frente de Escenología. Nace en Mérida, Yucatán, el año de 1949. Investigador teatral, dramaturgo, director y editor, estudió en México dirección teatral con Héctor Azar y creación dramática con Vicente Leñero. Ha tomado cursos en el extranjero de Dirección escénica y Trazo escénico con Oscar Fessler, académico de la escuela Alexis Granovski en Berlín y Actuación con Andrew O’Neill en Inglaterra. En 1975 escribió y dirigió El traje. Un año después estrenaría Vieja crónica contada de nuevo. Otros montajes estrenados profesionalmente son La puerta (1999) y Mírame… soy actriz (2001). A partir de 1976 participa en el ámbito teatral mexicano e internacional con actividades de dirección, docencia, conferencista, mesas redondas, ponencias, coloquios y encuentros. Años más tarde, en 1986 fundó Escenología A. C., Centro de documentación e investigación teatral no gubernamental. A partir de entonces, dirige la colección Escenología: serie de publicaciones sobre técnica y teoría teatral, dramaturgia, historiografía, danza, ópera y artes circenses. Con un catálogo de más de trscientos títulos, esta institución trasciende como una de las más importantes en Iberoamérica, especializadas en este género. En 1989 funda y dirige la revista Máscara. Cuaderno de reflexión sobre escenología. Tres años después, llevarían su obra Colón al Teatro de la Universidad de Bolonia, Italia. Su fascinación por las letras lo llevó a adentrarse en la investigación y docencia. Como parte de sus estudios es autor entre otros de Las técnicas de actuación en México, Principios de dirección escénica, Principios de construcción dramática, Diccionario enciclopédico básico de teatro mexicano, Enrique Ruelas y el teatro y Teatro de autor, este último en coautoría con José Solé. Es también redactor y editor de Historia del arte escénico de Enrique Ruelas Espinosa.

Entre las obras que ha escrito y permanecen sin estrenar se encuentran Edipo Reyes (1976), Los muchachos terribles (1993), Balada para buitres sentimentales (1994), A la vuelta de la esquina (1995), Doce obras cómicas (2009) y Como Edith (2010). En la colección La historia de México a través del teatro. Un siglo de contrastes, documenta el arte escénico en sus diversas modalidades: ópera, género dramático, género chico, zarzuela y diversiones públicas. En el primer volumen editado reseña la ópera representada en México entre 1901 y 1925. Por su trabajo relevante en la disciplina teatral, Edgar Ceballos ha obtenido el premio Cuauhtémoc de Artes 1987 en el área de Investigación teatral; el Premio Ollantay en 1990 otorgado por el Centro Latinoamericano de Creación e Investigación Teatral de Venezuela; el premio Antonio Mediz Bolio en 1998, otorgado por el Instituto de Cultura de Yucatán, el Premio Nacional de Dramaturgia Manuel Herrera Castañeda por el Consejo Estatal para la Cultura y las Artes del Estado de Querétaro en 1999 y la medalla Una vida en el teatro en 2006. Ha promovido diversos encuentros teatrales, talleres nacionales y ha participado en un sinnúmero de simposios internacionales. Actualmente trabaja en la creación del Museo de las Artes Escénicas de México, proyecto orientado a la preservación y difusión del patrimonio histórico documental de la memoria de las artes escénicas (teatro, danza, ópera y circo) del siglo XX en nuestro país. También en la redacción del Diccionario mexicano de teatro. Siglo XX.

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Ángel Norzagaray, por su trabajo como dramaturgo y director escénico. Nació el 17 de agosto de 1961 en La Trinidad, Sinaloa. Egresado de la Facultad de la Universidad Veracruzana en 1983. Ese mismo año acudió al Festival Internacional del Siglo de Oro en Texas, E.U., como actor. Además, fue director del Taller Universitario de Teatro de la universidad Autónoma de Baja California desde 1985. En 1990 dirigió la puesta en escena El viaje de los Cantores de Hugo Salcedo, para la Compañía Nacional de Teatro, misma que se presentó en el Festival Internacional de Teatro en Cádiz, España. También participó activamente durante la Muestra Nacional de Teatro de 1990, 1991, 1993, 1995 y 1998. Un año después escribió, dirigió y actuó en la obra El Álamo Santo, misma que participó como coproducción de la UABC y el Festival Internacional Cervantino. Ese mismo año recibió el Premio al Mérito Académico en el rubro de Artes por la UABC. Para 1992, fue acreedor también al Premio Estatal de Literatura en la categoría Teatro, con su obra El velorio de los mangos. Un año después viajaría al Festival of American Folklife organizado por el Instituto Smithsonian en Washington, D.C. En 1999 dirigió ¿Tu también Macbeth? que se presentó en la III Bienal Internacional de Teatro Universitario en Valencia, España. Posteriormente, en 2002, presentaría la obra Cartas al pie de un árbol, escrita y dirigida por él mismo, en el marco del Festival Latinoamericano de Teatro de Teatro de Manizales, Colombia. Al año siguiente, en Francia se presentó la edición francesa de este texto. Además, Norzagaray fue conductor de televisión para el programa Culturas en Movimiento, y para el programa de televisión Asaltos. En 2002 condujo el programa radiofónico de humor político Entre calvos y chimuelos. También fue director invitado y creador del espectáculo de danza contemporánea Obsesos en la pancita de la luna con el grupo Paralelo 32. Y ha sido actor de múltiples puestas en escena, cortometrajes y largometrajes. Entre sus puestas en escena destacan: La Madrugada de Juan Tovar, Desierto de Cutberto López, Gracias Querida de Carlos Pons, A buen fin de Héctor Mendoza, Los milagros del desprecio de Lope de Vega, Ayax de Sófocles, Frankenstein de Gabriel Contreras y Chisguete contra los monstruos interplanetarios de su autoría. Ángel Norzagaray ha sido acreedor a múltiples premios, entre los que sobresalen: el Premio Estatal de Literatura en la categoría Teatro por El velorio de los mangos, en 1992; el Premio Estatal de Periodismo Cultural, por el Gobierno de Baja California en 1997; el

Premio de la Asociación Mexicana de Críticos de Teatro por la obra Cartas al pie de un árbol, en 2001; y el Premio estatal de Literatura por la obra Choques, en 2004. El dramaturgo y actor es director del grupo teatral Mexicali a Secas.

Roberto Villarreal, por su labor como Gestor Cultural Nació en Monterrey, N.L., en 1951. Estudió la Licenciatura en Química Industrial en la Universidad Autónoma de Nuevo León y posteriormente la Maestría en Letras Españolas por la misma universidad. Gran impulsor y promotor cultural, en 1980 fue nombrado director de Difusión Cultural en la Universidad de Monterrey (UDEM), institución privada, donde se encargó, aparte de las actividades estudiantiles, de promover todas las variadas disciplinas con miembros de las comunidades artísticas. Durante 17 años inició varias publicaciones, organizó exposiciones, dirigió teatro, fundó cineclubes, entre múltiples actividades. De 1990-1991 fue Presidente del Consejo Cultural de Nuevo León, A.C., organismo conformado por diversas instituciones públicas y privadas que realizaron un esfuerzo independiente por unir voluntades y lograr sinergias para la difusión y promoción de la cultura. En 1997 ocupó brevemente el puesto de director de Cultura del Municipio de San Pedro Garza García, además de ser presidente fundador del Consejo Consultivo de Cineteca Nuevo León, dentro del Consejo para la Cultura y las Artes de Nuevo León (CONARTE). En 1998 inició su labor como director del Teatro de la Ciudad, en Monterrey, donde inició el Festival de Teatro Nuevo León a partir de 1999, y continua fomentando otros eventos, programas y proyectos institucionales dentro de las áreas de danza y teatro, actividades que realiza hasta el momento. Gran impulsor de festivales al norte del país como el I Ciclo de Jóvenes Directores, Teatro a una Sola Voz, Festival Escénico Noreste, así como el Premio Nacional de Dramaturgia Víctor Hugo Rascón Banda a partir de 2005, programa anual de apoyo a producción teatral Puestas en Escena CONARTE, entre muchos otros que han abierto pautas y espacios a las disciplinas artísticas.

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Entrega de Premio Internacional de Ensayo Teatral El Conaculta, el Instituto Nacional de Bellas Artes a través del Centro de Investigación Teatral “Rodolfo Usigli” y la Coordinación Nacional de Teatro en colaboración con ARTEZ: Revista de las Artes Escénicas y Paso de Gato Revista Mexicana de Teatro convocaron.

Homenaje a Ricardo Blume

GA NA DOR : Jorge Luis Yangali (Perú) por su trabajo El teatro de la sierra central peruana o resucitar para reterritorializar Nació en 1974 en la provincia de Huancayo, Perú. Estudió Pedagogía y Humanidades en la Universidad Nacional del Centro de Perú (UNCP). Ha trabajado como profesor de literatura, profesor auxiliar en la UNCP. Con maestría en Literatura Hispanoamericana en la Pontificia Universidad Católica del Perú, titulándose con una tesis que aborda el trabajo poético de José Gamarra Ramos, integrante del grupo Para cantar o morir, poeta que hasta la fecha tiene el estatus de desaparecido. Investigador adscrito al Instituto de Investigación de la Facultad de Pedagogía y Humanidades desde 2002. Autor de la tesis Poesía y libertad en tiempos de violencia: una aproximación a la poesía de José Manuel Gamarra Ramos. Entre sus publicaciones se encuentra el Reporte bibliográfico de la literatura de Junín, Poesía Nuestra. Escritores del Valle del Mantaro de los ochenta y noventa y Nuestra dramaturgia de la misma colección.

Durante la VI Muestra de Teatro Universitario Peruano participó como actor. De 1992 a 1993 fue coordinador del Teatro de la Universidad Nacional del Centro de Perú. Desarrolló el Taller de Teatro durante periodos vacacionales de 1992 a 1996. Actualmente, merecedor de una beca otorgada por la Secretaría de Relaciones Exteriores de México, realiza el doctorado en Letras Modernas en la Universidad Iberoamericana de la ciudad de México. El texto ganador será publicado por ARTEZ: Revista de las Artes Escénicas de España y Paso de Gato: Revista Mexicana de Teatro, bajo el título: “Teatro con genes resurrectos”.

S Á B A D O 17 21 : 0 0 H O R A S T E AT R O D E L A PA Z Al finalizar la función de la obra Ilusiones la Compañía Nacional de Teatro le entregará un reconocimiento al reconocido actor Ricardo Blume, por su gran trayectoria artística.

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SAN LUIS POTOSÍ / DISTRITO FEDERAL

VIERNES 9 21:00 HORAS TEATRO DE LA PAZ DURACIÓN: 90 MINUTOS

Oscuro DE EDGAR CHÍAS DIRECTOR: MARCO VIEYRA COMPAÑÍA DE TEATRO DEL INSTITUTO POTOSINO DE BELLAS ARTES

REPARTO: Otter: Ricardo Esquerra Jako: Plutarco Haza Des: Luciana Silveyra Hombre: Víctor Ortiz Jinete: Claudia Florescano Rejoneador: Enrique Fraga

Diseño de escenografía e iluminación: Philippe Amand Diseño Sonoro: Juan Pablo Villa Diseño de vestuario: Adriana Olivera y Débora Rambal Entrenamiento físico: Jaciel Neri Promoción: Araceli Alvarado e Irma Hermoso Luna Asistencia de producción: Irma Hermoso Luna Fotografía: Aldo Dowerman Diseño gráfico: Felipe Lara Realización de escenografía: Macedonio Cervantes Pintura escénica: Passo de gato Realización de vestuario: Carmita Soria y LN Ecuestre Producción: Instituto Nacional de Bellas Artes – Instituto Potosino de Bellas Artes

C O N TAC T O : LAURA ELEN A GONZÁLEZ SÁNCHEZ

d i re c c i o n . i p b a @ g m a i l . c o m 444 8 22 12 06 444 8 22 01 66

Oscuro no es Otelo, pero se le parece. Es una versión enana, sin poesía y sin sentido. Basada en el Otelo de William Shakespeare, el autor de Nacido de un muslo y Ternura Suite, por mencionar sólo sus obras participantes en esta muestra, Edgar Chías se da a la tarea de proponernos una escritura que aborda la parte más oscura de la personalidad humana. En este ejercicio, Chías va a mostrarnos en la escena algo que nos habla en la misma medida de una realidad isabelina, que de nuestro entorno nacional cotidiano. Oscuro, se presenta como un espacio de juego, arena circense en donde el galope de un caballo empolvará las sofisticadas estrategias de supervivencia de los tres personajes implicados en esta tragedia.

Llevada a un terreno en donde los personajes nos demostrarán un panorama que, desde la entraña de un sistema va a impactar a todo nuestro país, esta obra –en palabras de Marco Viera, director de esta propuesta– es: “una sombra, un espectáculo austero en medio del circo de sangre que es la realidad nacional”. Así, la obra de Chías, nos mostrará paisajes de poder en los que la idea de progreso nacional se verá afectada por “errores humanos”. La obra de Shakespeare sirve al dramaturgo para jugar con lo que Vieyra llama “el telón de fondo” ya que la obra es “un eco de Ote-

lo –una lectura social sobre el negro y su función de objeto– y una alusión al sistema económico más poderoso del país.” En esta historia se muestra, como en el escenario de un circo, a “un puñado de bestias, y un caballo” que circunda el desierto desolador rodeado por la violencia en la que, “de a poco”, nos hemos ido acostumbrando. En esta propuesta escénica, el también director de otras obras de Chías como Telefonemas y Circo para bobos, nos habla de algo que en sus propias palabras: “No es una metáfora, porque pesa y porque duele como una piedra en la cara.”

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DISTRITO FEDERAL

SÁBADO 10 12:00 HORAS CINE TEATRO C ARLOS AMADOR DURACIÓN: 55 MINUT OS

La palmera, cuentos y mentiras para todos DE OLIVIER DAUTAIS Y ARNAUD CHARPENTIER DIRECCIÓN: ARNAUD CHARPENTIER COMPAÑÍA: TEATRO ENTRE 2

REPARTO: Mercader, Narrador, Viejo, Señor y Seguin: Arnaud Charpentier Demonio, Viejo, Narrador y Blanquette: Francia Castañeda Viejo, Músico: Axel Tamayo / Omar Medina Viejo, Pintor: Olivier Dautais

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Pintor y creador: Olivier Dautais Dirección y creador: Arnaud Charpentier Dirección musical y música original: Axel Tamayo Asesoría dramatúrgica: Francia Castañeda

…seguir los trazos del pintor y poder observar cómo el dibujo toma forma poco a poco, nos sorprende: ya es, en sí mismo, un gesto fuertemente teatral.

Fundado en 2009 “Teatro entre 2” nace con la intención de crear espectáculos íntimos que permitan un acercamiento con el espectador. Bajo la dirección del creador francés Arnaud Charpentier, la compañía ha logrado presentar obras como J’ai tant rêvé de toi... Tanto soñé de ti..., Nueva York versus el zapotito, y actualmente desarrollan el ciclo “Teâtro Cocktail” dentro de la Alianza Francesa de México–San Ángel, donde cada dos semanas se presentan espectáculos y se plantean debates que abordan problemáticas del ámbito teatral. En esta ocasión “Teatro entre 2”, nos presenta una original propuesta escénica que toma como punto de partida un extracto de Las mil y una noches y otros cuentos populares. Lo importante en este espectáculo es la narración, como afirma el director: “Debajo de una palmera en pleno desierto, tres ancianos evocarán sus montañas lejanas frente a un demonio enfurecido, con el único propósito de salvarle la vida a un pobre marchante. Me gusta esta urgencia de narrar para no morir”. Charpentier, quien dirigió de 2003 a 2009 la compañía “La Biznaga Teatro en México”, y participó en la Muestra Nacional de Teatro de 2008 con la obra Moliere el Hipocondriaco, nos presenta un espectáculo multimedia integrado por un pintor, dos actores y un músico. En este espectáculo, que cuenta con la participación de la talentosa Francia Castañeda, “Los espectadores serán testigos de un cine que se va haciendo lentamente frente a sus ojos: una historia que se va narrando desde la sala, la música que sale de un rincón para inundar los oídos de cada espectador e imágenes que se proyectan en la pantalla al mismo tiempo que se están creando”. De esta forma, esta obra dirigida principalmente a los jóvenes espectadores logra fabricar una especie de cine en estado naciente que debido a su artesanal construcción es eminentemente teatral. En este juego de sombras y proyecciones chinescas, el actor se hace esencial y secundario al mismo tiempo y logra crear una voz que guía al espectador por un mundo de fantasía. Así, la evocación de “cuentos y mentiras para todos” la obra se va develando ante la mirada atenta de los espectadores y va narrando historias provenientes de distintas culturas y tradiciones orales que mezclan la palabra y la música como un medio para envolvernos en una atmósfera de ensueño y literatura.

C O N TAC T O : ARN AUD CHARPENTIER ar nocharpentier@gmail.com teatroentredos@gmail.com 044 55 27 09 13 28 01 55 46 66 65 89 www.teatroentre2.com

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JALISCO

SÁBADO 10 12:00 Y 14:00 HORAS AULA C AJA NEGRA DE LA UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE S AN LUIS PO T OSÍ (UASLP) DURACIÓN: 55 MINUT OS

No Tocar DE ENRIQUE OLMOS DE ITA DIRECCIÓN: LUIS MANUEL AGUILAR “MOSCO” COMPAÑÍA: NO TOCAR JALISCO

REPARTO: María, Liz, Abuelo: Mario Montaño* María, Liz, Mamá, Prima: Claudia Recinos**

* Becario del programa de Estímulos a la Creación y al Desarrollo Artístico Jalisco 2008-2009 ** Becaria Creadores Escénicos del FONCA categoría A 2011 18

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Diseño del espacio escénico y Diseño de iluminación: Luis Manuel Aguilar “Mosco” Asistencia técnica: Gustavo Espinosa García Vestuario: Mireya Contreras Diseño gráfico: Omar V. Delgado Diseño sonoro: Nueve cuartos Realización de espacio escénico: José Reyes Montaño

¿Las caricias duelen?

Liz se pregunta a cada momento ¿Qué hacer? ¿Cómo ayudar? ¿A quién acudir?

No Tocar, es una denuncia en contra de aquello que atente a la integridad de cualquier niño o niña.

Debido al contexto nacional de México en el que el abuso infantil constituye un serio problema de salud pública, el grupo “No tocar Jalisco” se dio a la seria tarea de mostrar al espectador elementos para reconocer este problema y así poder confrontarlo. Originarios de Jalisco, estado que posee el primer lugar en abuso infantil a escala nacional y en donde, de cada caso denunciado, existen al menos otros diez casos ocultos y por tanto sin ser denunciados. Bajo esta circunstancia específica, Enrique Olmos de Ita nos propone un ejercicio de dramaturgia con la vocación de prevenir el abuso sexual infantil. “Escribí No tocar porque quería hacer teatro para niños. Pero hacer un teatro distinto, un teatro con la aspiración de dejar una huella emocional en los espectadores”. De esta forma, la propuesta estética del grupo “No tocar Jalisco”, está enfocada en dar elementos a los niños para que conozcan –de manera clara– de qué se trata el abuso sexual y mostrarles que no se encuentran solos y que es posible dejar de sufrir hablando de lo que les sucede. Para Olmos de Ita, la pregunta de ¿cómo innovar? frente a un público tan complejo, como es el infantil, fue el punto de partida de esta propuesta. Por ello, el lenguaje de la obra es directo, para que los niños lo puedan entender

y asimilar de manera familiar. Debido al objetivo de concientizar a los menores sobre el problema del abuso sexual, la forma de exponer el tema se basa en un juego en el que los actores asumen roles diversos. Durante la representación se hace uso de cuerpos geométricos tridimensionales que, a partir de una forma, dimensión, textura y color definidos, crearán la identidad de cada uno de los personajes. De manera paulatina estas figuras geométricas se irán transformando hasta ser representadas por el cuerpo de los propios actores. En esta dinámica de juego teatral: “El uso de objetos de carácter universal en la construcción de los personajes sobre la escena (esferas, cubos, prismas) y la utilización del objeto resignificado sobre la escena, son utilizados con la finalidad de que las situaciones agresivas de la obra no se desdibujen”. No tocar. Relato escénico para pequeños confidentes está pensada para desarrollarse en espacios no necesariamente escénicos, ya que su vocación es pedagógica y por ello puede ser presentada en cualquier aula de clases. Este obra nos muestra un intento serio por responder a una problemática social que desde la escena teatral puede ser abordado de manera lúdica e incidir en los niños dándoles herramientas para combatir este enorme problema de salud pública.

CONTACT O: CLAUDIA MARÍA RODRÍGUEZ recinos claudia@hotmail.com 045 33 39 54 20 98 01 33 36 33 92 56

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JALISCO

S Á B A D O 1 0 17 : 0 0 Y 1 9 : 0 0 H O R A S A S O C I A C I Ó N T E A T R A L “ L A C A R R I L L A ” , A . C . DURACIÓN:75 MINUTOS CUPO LIMITADO

Todas las Julias del Mundo Intervención actoral al texto Señorita Julia DRAMATURGIA DE FAUSTO RAMÍREZ AL TEXTO DE STRINDBERG DIRECCIÓN: FAUSTO RAMÍREZ * COMPAÑÍA: A LA DERIVA TEATRO

REPARTO: Alejandro Rodríguez Adrián Gaitán Edith Castillo Mely Ortega Viridiana Gómez (Piña)

*Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte FONCA 20

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Asistente de dirección / Bitácora de ensayos: Copatzin Borbón Entrenamiento actoral: Susana Romo Entrenamiento corporal: Gabriela Cuevas Concepto de vestuario: Mireya Contreras Asesoría a la intervención espacial: Carlos Maldonado Espacio e iluminación / Producción ejecutiva: Javier Rodríguez Producción: A la deriva Teatro SC, Coordinación Nacional de Teatro INBA, Cultura UDG

Hacer un teatro para

niños y jóvenes

desde una perspectiva

contemporánea.

Con más de nueve producciones dirigidas al publico infantil, de entre ellas Adiós querido Cuco de Berta Hiriart y Pipí, una obra para niños con complejo de meones de Jaime Chabaud (ambas participantes de las dos anteriores emisiones de la Muestra Nacional de Teatro), “A la deriva Teatro” un grupo conformado en 2002 por creadores de amplia trayectoria y preocupados por la actualización de lenguajes escénicos, así como por ofrecer teatro contemporáneo a nuevos públicos presenta Todas la Julias del mundo. Dirigida por Fausto Ramírez, quien cuenta con una amplia labor teatral en dirección artística, espacio escénico, diseño de producción, etc. y quien es miembro del Sistema Nacional de Creadores, “Todas la Julias del mundo”, es el resultado de un taller realizado en 2010 por Ramírez con profesionales de la Carrera de Artes Escénicas de la Universidad de Guadalajara. Esta iniciativa que buscaba explorar la teatralidad básica del actor, tuvo como resultado la intervención al texto de A. Strindberg Señorita Julia. La propuesta escénica de Ramírez está diseñada para realizarse en espacios alternativos que también puede adaptarse a cajas negras o a espacios experimentales. Lo que se busca en esta producción es “una apuesta por el trabajo del actor como creador de las imágenes que llegan al espectador, una

búsqueda de la destreza de la atención del actor en relación con la ficción y su entorno”. El grupo “A la deriva teatro” ha participado en diversos encuentros internacionales, de entre los que destacan el Shakespeare Festival en Los Ángeles California y el Gran Consejo Mundial de Clown en Francia. La obra Hazme un hijo, falso documental de un suceso imbécil y hormonal es su proyecto teatral más reciente, el cual va dirigido a adolescentes y que conforma actualmente “A la deriva Teatro contemporáneo para niños y jóvenes” cuyo director artístico es el mismo Fausto Ramírez. En esta ocasión, “A la deriva teatro” nos brinda una historia en la que Julia y Juan van a confrontarse dentro de una relación de poder y seducción en un contexto social en el que se muestra “la decadencia moral de un mundo imposibilitado al encuentro amoroso”.

CONTACT O: FAUS T O RAMÍREZ faustorh@hotmail.com 01 33 38 54 55 16 01 33 38 26 06 76 01 33 13 38 95 39 Facebook: a la deriva teatro

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SAN LUIS POTOSÍ

D O M I N G O 11 11 : 0 0 H O R A S C I N E T E AT R O C A R L O S A M A D O R D U R A C I Ó N : 5 0 M I N U T O S

Mía

DE AMARANTA LEYVA DRECCIÓN: LIZANDRO CISNEROS COMPAÑÍA: MADRIGA ESCENIK

REPARTO: Mía: Elizabeth Herrera Sinforoso: Diego Zapata Esquivel

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Dirección: Lizandro Cisneros Productora: Blanca Cervantes Diseño gráfico: Ricardo Anaya Fotografía: Karina Meza Musicalización: Sergio Juárez Torres Vestuario: Liliana Blanco Títere Sinforoso: Mario Rocha Diseño de escenografía: Mario Rocha y Lisandro Cisneros Producción general: Compañía Madriga Escenik y Blanca Cervantes

Mía

encuentra a Sinforoso, su muñeco favorito de cuando era pequeña, de cuando su papá no tomaba, de cuando su mamá no temía por ella

Con el objetivo de llevar a la comunidad postosina el arte teatral, “Madriga Escenik”, es una empresa que fomenta el arte y la cultura en los diversos lugares a los que llega y a los diversos tipos de público del estado de San Luis Potosí. En esta ocasión, y bajo la dirección de Lizandro Raymundo Cisneros, “Madriga Escenik” nos presenta su trabajo Mía, obra de Amaranta Leyva estrenada en 2011 y presentada en varios espacios del estado como El faro del desierto, el Foro luna negra y el teatro del IMSS. En esta obra para jóvenes, que aborda el problema del alcoholismo, encontraremos a Mía, una niña de ocho años, quien en compañía de su muñeco favorito Sinforoso, enfrentará una complicada situación familiar provocada por el alcoholismo de su padre. En este montaje, Cisneros, también actor y docente, nos muestra el mundo de esta niña en el que, de manera rutinaria, los conflictos familiares han ido ganando terreno, logrando situarla en un entorno de soledad y abandono. De esta manera, Amaranta Leyva, autora de la obra, nos comparte la idea de que: “la vida por momentos nos sitúa en la oscuridad, siempre hay un rayo de luz que nos guía… que ese rayo, a veces, lo llevamos dentro”.

CONTACT O: BLANC A ALICIA CER VANTES Madrigescenik@gmail.Com / facebook: madriga escenik 044 44 42 89 08 51 444 12 98 116

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OAXACA

DOMINGO 11 13:30 HORAS CENTRO DE DIFUSIÓN CULTURAL “RAÚL G AMBOA” DEL I.P.B.A . DURACIÓN: 70 MINUT OS

Adictos anónimos (o ¿De cuál fuma usted?) DE LUIS MARIO MONCADA DIRECCIÓN: OMAR C. LEMUS GRUPO DE TEATRO CRISOL

REPARTO: Fumadora: Marycarmen Olivares Alcohólico: Rafael Alfonso Cafeinómana: Rosario Sampablo Farmacodependiente: Ángeles Olivares Fanática: Gabriela González Teleadicto: Joel Bulnes Oradora: Luz de la Rosa

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Escenografía e iluminación: Jorge Luis Castellanos Asistente de dirección: Octavio Lara

Con el fin de generar un espacio de experimentación escénica nace en 1993 el “Grupo de Teatro Crisol.” Este grupo de la ciudad de Oaxaca desarrolla propuestas en espacios convencionales y alternos como departamentos o instalaciones deportivas para mostrar sus trabajos en Comunidades del propio estado –y de muchos otros, como Guerrero y Michoacán. Dentro de los estilos que aborda, se encuentran el realismo y el Clown. Apoyado en varias ocasiones por fondos nacionales y estatales para la cultura y las artes (Fonca, Foesca), el grupo ha formado parte del Programa Nacional de Teatro Escolar. Una de sus metas, es la de combinar la creación teatral con una participación en el ámbito social. Por ello, las temáticas que abordan en sus propuestas van desde la equidad de género, el fenómeno migratorio y la drogadicción hasta temas como la caza ilegal y la prevención de incendios forestales. De esta manera, el grupo ha logrado una vinculación y colaboración con dependencias gubernamentales como la Secretaría del Medio Ambiente y Recursos Naturales (Semarnat), entre muchas otras.

de la obra, se muestra la aceptación o permisibilidad que se establece socialmente en torno a ellas y que termina por afectar tanto al organismo individual, como al resto de la sociedad. Bajo la dirección de Omar C. Lemus (dramaturgo, actor, clown, diseñador de vestuario y estudioso de las letras hispánicas), esta propuesta reúne a una diversidad de personajes que sufren de una u otra forma de distintas adicciones, desde el alcoholismo y la farmacodependencia, hasta el fanatismo religioso y la cada vez más común TVadicción. Así, el espectador encontrará personajes que dan pié a una discusión sobre la despenalización de las drogas, un debate muy actual y necesario en nuestro contexto nacional.

La propuesta teatral Adictos anónimos, además de adecuarse a un tipo de trabajo austero, apoyado en el trabajo actoral, reúne a varios creadores escénicos de la ciudad que, con sus diversas miradas, lograron conformar un espectáculo que confronta “sin velo” a los espectadores. La propuesta nos invita a reflexionar sobre las “buenas” y “malas” adicciones en la población de nuestro país en un contexto de “guerra contra el narcotráfico”. Iniciada en junio de 2011 y beneficiada por el Programa para el Fortalecimiento Artístico y Cultural de los Emprendimientos Ciudadanos 2012, Adictos Anónimos o ¿De cuál fuma usted?, de Luis Mario Moncada, aborda problemáticas provocadas por las conductas adictivas y, más aún, sobre las relaciones que se establecen entre quienes las padecen (aceptándolas, sufriéndolas o rechazándolas). En la representación

CO N TAC T O: O MAR C. LEMUS 044 95 11 18 00 03 01 95 15 13 24 82 gr upodet eat r ocr i sol@gmail.com ht t p://ww w.gr upodet eatrocrisol.mex.tl/ 33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.

SAN LUIS POTOSÍ

D O M I N G O 11 17: 0 0 Y 1 9 : 0 0 H O R A S T E A T R O E L R I N O C E R O N T E E N A M O R A D O DURACIÓN: 60 MINUTOS CUPO LIMITADO

Salvaje Idilio AUTOR Y DIRECTOR: JESÚS CORONADO COMPAÑÍA: EL RINOCERONTE ENAMORADO

REPARTO: Esther: Gabriela Betancourt Manuel: Edén Coronado

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Escenografía e iluminación: Fernando Flores Vestuario: Angustias Lucio Música original y escenofonía: Joaquín López “Chaz” Diseño de imagen: Ricardo Anaya Montaje técnico: Gerardo Pardo Producción ejecutiva: Caín Coronado

La búsqueda de un Teatro que abreva de la tradición y está de cara al tiempo que nos ha tocado vivir, es la apuesta con que plantamos los pies en el mundo del

arte

En esta XXXIII emisión de la Muestra Nacional de Teatro, no podía faltar el trabajo de la compañía “El Rinoceronte Enamorado”, la emblemática compañía potosina que, gracias a su constante labor escénica y al apoyo de varias instituciones, ha logrado consolidar un espacio de creación teatral en la capital potosina. Fundada y dirigida por el maestro Jesús Coronado, y bajo la idea de que: “los teatros son de quienes los trabajan”, la compañía ha pasado por diversas etapas creativas y de gestión cultural, logrando ser en los últimos años comodataria del teatro del IMSS/ SLP (2000-2008), a través de la tercera y quinta convocatoria del Programa Teatros para la Comunidad Teatral IMSSFonca y, posteriormente, a través de la Secretaría de Cultura del Gobierno del Estado y del Programa de Apoyo a la Infraestructura Cultural en los Estados (PAICE), el grupo obtiene en 2010 su propia sede: la “Sala Teatral El Rinoceronte Enamorado”. En esta ocasión, el maestro Coronado nos presenta un trabajo basado en la muy conocida obra de Tennessee Williams, Háblame como la lluvia y déjame escuchar, dándole un carácter de “juguete teatral” y acercándola a la vida del poeta potosino de fin del siglo XIX, Manuel José Othón y de quien su

emblemático poema Salvaje idilio da título a esta obra. Es así, como la vida de Othón va a dar pie “a un encuentro cruel y recurrente: el de dos almas solas que aún se aman pese al extravío; que viajan en los recuerdos de los que la ausencia es la única presencia que los sobrevive y los habita”. En esta propuesta, el director de Consumatum Oxxo y Miembro del Sistema Nacional de Creadores Artísticos nos muestra un teatro que “tiene su dimensión en la figura humana” y que transita por un desértico paisaje de las relaciones amorosas. De esta forma, el maestro Coronado reivindica la idea de tradición, ya que, en sus propias palabras: “Somos, en la medida, un cordón que nos acerca con algo que ya no está o que está lejos o que no se ve. Eso es la tradición.” Para este creador potosino y hombre de teatro, el último poeta de la escena es el espectador, que es quien devela los significados y misterios de su propia experiencia, a través de un teatro en el que “la palabra es reina”.

CONTACT O: EDÉN CORON ADO elrinocerontenamorado@gmail.com 444 23 42 452 444 81 46 434 www.elrino.mx

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YUCATÁN

D O M I N G O 11 18 : 0 0 Y 2 0 : 3 0 H O R A S T E AT R O D E L A PA Z D U R A C I Ó N : 6 0 M I N U T O S CUPO LIMITADO

Manual de cacería DRAMATURGIA: NOÉ MORALES MUÑOZ * DIRECCIÓN: JUAN DE DIOS RATH GRUPO: MURMURANTE TEATRO A.C.

Creación de: Ariadna Medina, Juan de Dios Rath, María José Pool y Josué Abraham. Sobre textos de Murmurante Teatro Producción ejecutiva: Ariadna Medina ** Concepto de dispositivo escénico: Jesús Hernández Diseño de Multimedia: Josué Abraham Diseño sonoro: Manuel Estrella

Asesoría escénica: Jorge Vargas Asesoría psicopedagógica: Paulino Dzib y Psicjurid Asistente de dirección: Ariadna Medina Asistente de producción: María José Pool Jefe de foro: Iván Pacheco Asesoría manejo escorpión: Yamel Correa Fotografía: Josué Abraham Diseño gráfico: Ariadna Medina y Josué Abraham Agradecimientos a Carlos Martín Briceño, Hernán Medina y Roberto Azcorra

* Becario del programa jóvenes creadores Fonca 2011-2012 ** Beneficiaria del programa de Fomento a proyectos y coinversiones culturales del Fonca 2011-2012 28

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El manual de cacería remite a un encuentro con uno mismo y a la posibilidad de habitar el umbral, esa zona liminal que nos descoloca y nos obliga a decidir para

sobrevivir.

A partir de 2009 nace el “Colectivo Murmurante Teatro”. Este grupo, coordinado por Ariadna Medina y Juan de Dios Rath, ha presentado trabajos como Tu ternura Molotov propuesta ganador del programa Prácticas de vuelo 2010 y El viaje inmóvil, estudio en espiral sobre el suicidio en codirección con Jorge A. Vargas y con la que participaron en la pasada XXXII Muestra Nacional de Teatro en la ciudad de Campeche. En esta ocasión, el colectivo nos presenta, bajo la dramaturgia del joven autor Noé Morales, Manual de cacería, obra que surge a partir de una serie de materiales documentales que registran una extensa serie de sucesos en torno a la violencia. Partiendo de la realidad nacional en la que el 47% de la población infantil sufre de algún tipo de violencia y en donde el país, en general, se encuentra inmerso en una espiral de violencia promovida por un sistema que dice combatirla, el grupo intenta formular preguntas para que cada uno logre crear su manual personal en el que es “a veces presa y a veces cazador”. De manera particular, este manual que nos presenta “Murmurante Teatro”, nos muestra un estado de cosas profundamente arraigado en Mérida, ciudad en

la que trabajan, ya que –de acuerdo con el director: “dentro de nuestros entornos más íntimos, la violencia se va incubando en nuestra experiencia como una condición a la que nos acostumbramos tanto, que parece ser necesaria para sobrevivir”. El espacio en el que se desarrolla este Manual de cacería es blanco, aludiendo a un espacio que puede ser cualquiera, un no lugar, pero también remite a una ciudad blanca en la que, en palabras del director, “las aguas corren subterráneas, donde la blancura de sus muros ha sido metáfora histórica de la exclusión hacia los de piel oscura, donde la voz interior se ahoga en una exhalación final que tensa la soga de donde penden las últimas esperanzas o en el amargo y frío líquido dorado que apaga de momento una sed ancestral... eso también, es la blanca Mérida”. Así, “Murmurante Teatro” nos invita a conocer un manual trazado por la violencia, desde el ejercicio de violencia extrema por el que transita nuestro país, hasta aquella muy sutil que se desarrolla de manera imperceptible en nuestra vida de manera cotidiana. Violencia “de la que poco se llega a saber y de la que muchos de nosotros somos meros sobrevivientes”.

CONTACT O: ARIADN A MEDIN A ariadnamedina@gmail.com 01 99 92 32 82 32 www.mur murante.org

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OAXACA

D O M I N G O 11 2 2 : 3 0 H O R A S E S PAC I O A LT E R N AT I VO D U R AC I Ó N : 8 0 M I N U T O S CUPO LIMITADO

Los instantes de luz REPARTO: Luz Divina: Bibaani Betanzos Padre: Antonio Lópeztorres Madre: Gabriela Martínez Luz Divina niña: Sabina Petriz Martínez, Isis Contreras Gutiérrez, Nancy Orduña Cabrera Voz en off (Noticiero): Erick Jiménez Villalobos

Escenografía e iluminación: Jorge Lemus Vestuario y utilería: Sergio Ruiz Entrenamiento físico: Antonio Lópeztorres Asesoría coreográfica: Lisandro Díaz Cabrera Edición sonora: Erick Jiménez Villalobos / Jorge Lemus Fotografía: Marco Petriz Realización de escenografía: Jorge Lemus Leopoldo Reyes García Guillermina Lemus Realización de vestuario: Yolanda V. González B. y Sandra Ríos Peto

* Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte. 30

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AUTOR Y DIRECTOR: MARCO PETRIZ * COMPAÑÍA: EL GRUPO TEATRAL TEHUANTEPEC

Técnico de iluminación: Estela Guadalupe González Apoyo técnico: Alina Mecott, Reyna Mirón, Sabina Petriz, Isis Contreras, Nancy Orduña, Damián Jiménez Asistente de dirección: Alicia Morales Sánchez Producción ejecutiva: Alma Rosa Reyna González Producción: Gabriela Martínez Agradecimientos a Carlos Martín Briceño, Hernán Medina y Roberto Azcorra

Instituciones participantes: CONACULTA-FONCA / INBA / Secretaría de las Culturas y Artes del Edo. de Oaxaca. Proyecto realizado con el apoyo del programa de estímulo a la creación y desarrollo artístico del Fondo Estatal para la Cultura y las Artes de Oaxaca. MÚSICA UTILIZADA: Apatride - Win Mertens Minuette - Dominio público Luto por derecho - Atilano Morales CANCIONES UTILIZADAS: Nos llevamos tan bien - Mariel Mariel Luna, lunita, sol - Jaime Luna (La trova serrana)

Agradecimientos especiales: Israel Franco, Mario Espinosa Ricalde y al Dr. Martín Vásquez Villanueva

…siento que nunca, nunca te voy alcanzar, y justo cuando siento que estoy a punto de tocarte los dedos, todo se rompe, todo estalla, y el río te traga,

te hundes…

Sin lugar a dudas, el trabajo del “Grupo teatral Tehuantepec”, representa hoy en día uno de los más claros ejemplos del poder de comunicación del teatro con su entorno social. De esta manera, el grupo es conformado desde 1987 con personas de diversos oficios que comparten un mismo interés, el de concientizar sobre las posibilidades del arte teatral y su adaptación a un contexto de la comunidad en la que se desarrolla. Es en 2004, después de varios montajes de tipo formal, que la compañía propone un “teatro a partir del entorno” con montajes como La casa de enfrente, La familia, y En el cuarto del fondo, todas de la autoría de Marco Petriz, director del grupo y miembro del Sistema Nacional de Creadores. A lo largo de las últimas muestras nacionales de teatro, el público ha tenido la oportunidad de conocer este trabajo que dialoga siempre con su entorno social, cultural y político. En esta ocasión, el grupo nos presenta Los instantes de luz, una propuesta que aborda la violen-

cia de género, problemática recurrente en la región istmeña. De esta manera, la obra se desarrolla, como es habitual, en un espacio de representación no convencional (casa típica tehuana), con la idea de propiciar un vínculo directo con el espectador, y se compone de varios cuadros que se van entrelazando de manera acrónica y que exigen, en el ejercicio actoral, una serie de cambios de estado de ánimo casi inmediatos. El trabajo del “Grupo Teatral Tehuantepec”, es una propuesta escénica que nos muestra la capacidad que tiene el arte teatral de dialogar con su entorno y de proponer nuevas formas de relación social para contrarrestar el estado de las cosas que, en la mayoría de los casos, se encuentran incrustadas en las prácticas sociales cotidianas. Es ahí en donde el trabajo de Marco Petriz se vuelve necesario para probarnos que la creación artística es también una herramienta con la que podemos proponer nuevas maneras de construir nuestra realidad social.

CONTACT O: MARCO PETRIZ gtt_teatro@yahoo.com.mx 971 715 09 28 045 971 140 99 57 www.elgrupoteatraltehuantepec.com.mx

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DISTRITO FEDERAL

L U N E S 1 2 17: 0 0 H O R A S T E A T R O D E L I M S S D U R A C I Ó N : 110 M I N U T O S

Tom en la Granja

DE MICHEL MARC BOUCHARD DIRECCIÓN: BORIS SCHOEMANN* COMPAÑÍA LOS ENDEBLES

REPARTO: Agathe: Verónica Langer Tom: Pedro de Tavira Egurrola Francis: Leonardo Ortizgris** Sara: Alaciel Molas

*Miembros del Sistema Nacional de Creadores de Arte, FONCA. **Creadores Escénicos Categoría B, 2011-2012 32

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Escenógrafo: Jorge Ballina* Iluminador: Fernando Flores Musicalización: Rodrigo Espinosa Vestuario: Cordelia Dvórak Asistente de escenografía: Laura Frieyro Productora ejecutiva: Anabel Caballero Asistente de dirección y Coreografía: Julio Bautista Diseño de imagen gráfica: Francisco Zeledón Fotografía: Andrea López Traducción: Boris Schoemann Producción: Dirección de Teatro UNAM

la mentira

…esta es una obra que habla sobre , sobre la necesidad que los homosexuales pueden llegar a tener de mentir, para ser aceptados dentro de ciertos núcleos de convivencia, tan inmediatos, como la familia…

Dirigida por el actor y director Boris Schoemann y creada en el año 2000, “Los endebles A.C.” es una compañía que tiene como sede el “Teatro la Capilla” y cuyo objetivo principal es tocar las fibras más sensibles del ser humano, a través de la puesta en escena de dramaturgias contemporáneas nacionales e internacionales. A lo largo de los años, la compañía ha realizado un trabajo contante en la traducción de textos de autores franceses y canadienses. Dentro de su repertorio encontramos veintidós creaciones, entre las cuales se encuentran Los endebles o la repetición de un drama romántico, de Michel Marc Bouchard y que dio nombre a la compañía, El regreso al desierto de B. M. Koltes, El camino de los pasos peligrosos, El canto del dimedime, Un campo, entre otras. El trabajo y administración del “Teatro la capilla” le han permitido a este grupo un espacio de creación e investigación en torno a la dramaturgia contemporánea que actualmente cuenta con su propio Taller de dramaturgia, Laboratorio

de dramaturgia en escena y su propia editorial “Los textos de la capilla” que en los últimos años ha logrado una muy destacada difusión de obras de autores como las del Líbano-canadiense Wajdi Mouawad. En esta ocasión, Boris Schoeman, co-titular de la dirección artística de la Compañía Titular de Teatro de la Universidad Veracruzana, toma una obra que Michel Marc Bouchard, uno de sus autores predilectos escribiera en el año 2010, para estrenarla en nuestro país. En este trabajo, el director apela al trabajo actoral y a la fuerza y concreción del texto. El montaje es apoyado por una escenografía que más que mostrar contundentemente los lugares evocados por el autor, logra sugerirlos con ligeros cambios. Así, el espectador conocerá la historia de Guillaume, a partir de la cual se desarrolla toda la trama. “Tom en la granja habla también del amor, del dolor y de la situación de duelo que enfrenta un hombre al verse despojado del ser al que más ama en el mundo”. CONTACT O: BORIS SCHOEMANN boris choemann@yahoo.com.mx 044 55 13 99 35 31 01 55 56 58 62 85 www.teatrolacapilla.com 33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.

DISTRITO FEDERAL

LUNES 12 20:00 HORAS CENTRO DE LAS ARTES SAN LUIS POTOSÍ CENTENARIO PLAZA CENTENARIO DURACIÓN: 70 MINUTOS

La máquina de Esquilo REPARTO: José Cremayer Marissa Saavedra Olivia Lagunas Sonia Franco Ricardo Rodríguez Alejandro Morales Guillermo Villegas

Producción ejecutiva y asistencia de dirección: Aura Gómez Arreola Diseño de escenografía: Alberto Lomnitz y Aura Gómez Arreola Diseño de vestuario y utilería: El Pavo Producciones / Rodrigo Sosa Musicalización: Leo Soqui Coreografía: Andrea Seidel

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DE LUIS ENRIQUE GUTIÉRREZ ORTIZ MONASTERIO DIRECCIÓN: ALBERTO LOMNITZ

Construcción de escenografía: Macedonio Cervantes Escultura y pintura escénica: Passo de Gato Realización de vestuario: Israel Ayala y Gabriela Ayala Realización de utilería y atrezzo: Quy Lan Lachino Lachino Realización de peletería y coturnos: Francisco Piña Realización de sombreros: Mariana Villegas Texturización de vestuario: Talya González Buenrostro Producción: Programa de Teatro Escolar en el DF, INBA-CNT

La Máquina de Esquilo

lleva un texto tan lúdico como lo es didáctico al terreno del teatro de calle.

En esta ocasión el director Alberto Lomnitz se da a la tarea de llevar a la calle algunas versiones “abreviadas” de Esquilo. De esta manera, Los siete contra Tebas, Las suplicantes, Prometeo encadenado y Los persas serán presentadas bajo la pluma de Luis Enrique Gutiérrez Ortiz Monasterio, LEGOM. En este proyecto, Lomnitz apuesta por una versión abreviada de estas obras, que logre interesar a los jóvenes espectadores en el arte teatral. De esta manera, el tono fársico que marca la mayor parte de la obra se centra más en la trama y la mitología que en el contenido profundo de la obra de Esquilo. En esta corta pero potente versión, LEGOM intenta mostrarnos el sentido y los orígenes del arte dramático y el papel de la obra de Esquilo en dicho desarrollo. Si bien, las primera tres obras son presentadas en un tono de farsa, la cuarta Los persas se presenta “en serio”, con la intención de compartirle al espectador parte del poder de la tragedia griega. Así, “la obra concluye como un homenaje no sólo al genio de Esquilo, sino al teatro mismo”.

El trabajo del también dramaturgo Alberto Lomnitz, actualmente codirector artístico de la “Compañía Titular de Teatro de la Universidad Veracruzana” en Xalapa, se ha destacado por su fuerte incidencia en actividades educativas y trabajos interesados en la integración de audiencias con capacidades diferentes, montajes como El rey que no oía, pero escuchaba de P. Szuchmacher y ¡¿Quién te entiende?! de autoría propia, realizado con la “Compañía Seña y Verbo: teatro de sordos”, le han permitido la realización de varias giras nacionales e internacionales. La Máquina de Esquilo muestra un trabajo de teatro de calle que es musicalizado en vivo por los propios actores y actrices, quienes a lo largo de la narración-representación van a evocar un sinfín de personajes, para mostrar un recorrido por la historia del teatro griego, guiando al espectador por laberintos que lo llevarán desde los orígenes de la tragedia hasta su consolidación en la obra de Esquilo, contextualizados en el aquí y ahora.

CONTACT O: AURA GÓMEZ ARREOLA aura.gar reola@gmail.com 044 55 14 86 86 51 4427 8558

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SAN LUIS POTOSÍ

LUNES 12 19:00 Y 21:30 HORAS CENTRO DE DIFUSIÓN CULTURAL “ R A Ú L G A M B O A ” D E L I . P. B . A . D U R A C I Ó N : 6 0 M I N U T O S

Fuenteovejuna ACCIÓN COLECTIVA A PARTIR DEL TEXTO DE LOPE DE VEGA DIRECCIÓN: JULIANA FAESLER COMPAÑÍA DE TEATRO DEL INSTITUTO POTOSINO DE BELLAS ARTES

ACTORES: Arely Delgado Víctor Ortiz Antonio Retana BAILARINES: Juan José Parra Ismael Infante

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Dirección: Juliana Faesler Entrenamiento corporal y Movimiento escénico: Tania Solomonoff Director general de la compañía: Marco Vieyra

proyecto escénico

Se trata de un que intenta rescatar, a partir de una serie de acciones colectivas e individuales, nuestro espacio-cuerpo, que es ahora: propiedad de la violencia

territorio

Fuente ovejuna - Acción colectiva a partir de un texto de Lope de vega es el segundo trabajo escénico de la “Compañía de teatro del Instituto Potosino de Bellas Artes”, la cual fue creada con la intención de acuñar una expresión actual de creación vanguardista cercana al espectador. “Somos una compañía que genera su propia estética a partir de un lenguaje original que revela nuestros más profundos sentimientos y ambiciones escénicas.” Después de Puta estación Dinamarca, estrenada en 2010, la compañía se aventura en un proyecto dirigido por la destacada creadora escénica Juliana Faesler. Como su nombre lo indica, esta propuesta está basada en la obra de Lope de Vega Fuenteovejuna y tiene como objetivo la restauración del cuerpo social y su regreso a los espacios públicos que, debido a la guerra contra el narcotráfico que vive nuestro país, ha quedado secuestrada. En ese intento por recuperar el espacio y la memoria, Juliana Faesler plantea una serie de interrogantes sobre lo que es vivir en paz. Una pregunta que dentro del contexto de ciudades como San Luis Potosí se vislumbra cada vez más lejana. En palabras de la creadora en esta propuesta, existe “un impulso de

referir el abuso, el miedo, la impunidad y la violencia; aunque también lo hay de reconstruir los vínculos sociales y el valor de la vida misma. Porque nos mueve el deseo de pensar el cuerpo-ser-nosotros íntegro, no mutilado, ni decapitado o degradado”. En este juego de resistencia social, la creadora de la reciente Trilogía mexicana, logra imaginar estrategias para entender y recuperar la presencia social ante la invisibilidad y el anonimato que un contexto de violencia termina por cifrar en datos y estadísticas. “Se trata de activar la provocación de cada uno consigo mismo, para ver, para estar, para escuchar a manera de eco, de juego, de confesión, de contacto.” En esta propuesta, la anécdota narrada en la obra de Lope de Vega sirve como punto de partida para conformar un contexto en el que las acciones testimoniales de los actores darán cuenta de la situación en la que nos encontramos inmersos como sociedad y en la que el hartazgo frente al estado de los acontecimientos sociales de México hace eco ferozmente en las palabra del pueblo de Fuenteovejuna, que resuenan en cada uno de nosotros: “¡Ya basta, queremos vivir, vivir libres!”

CONTACT O: MARCO VIEYRA cain_mv@yahoo.com 045 55 58 26 53 33 01 55 46 20 38 16

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DISTRITO FEDERAL

L U N E S 1 2 19 : 0 0 Y 2 3 : 0 0 H O R A S A U L A C A J A N E G R A D E L A U N I V E R S I D A D A U T Ó N O M A D E S A N L U I S P O T O S Í ( U A S L P ) D U R A C I Ó N : 10 0 M I N U T O S C U P O L I M I TA D O

Ensayo sobre débiles AUTOR Y DIRECTOR: ALBERTO VILLARREAL COMPAÑÍA: ARTILLERÍA PRODUCCIONES

REPARTO: Mario Balandra Soraya Barraza Rubén Cristiany Regina Flores Rodolfo Blanco / Raúl Villegas

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Diseño de iluminación: Julia Reyes Retana Asistente de dirección: David Jiménez Sánchez

Nuevo y antiguo son linealidades de la crítica y no

acto escénico

de este proceder que sabe que el transcurre en la simultaneidad.

Fundada en 1999 bajo la dirección de Alberto Villarreal “Artillería Producciones A.C.”, ha logrado el reconocimiento por un tipo de trabajo de experimentación (en el profundo sentido de la palabra) escénico. Sus numerosos montajes y radicales estructuras, han procurado a Villarreal una enorme serie de proyectos que han logrado ser financiados por apoyos como México en Escena (2007 y 2008), Fomento a Proyectos y Coinversiones culturales (2005) y le han dado una enorme visibilidad dentro de eventos internacionales como Puerta de la Américas desde 2004. En esta ocasión, “Artillería Producciones A.C.”, nos muestra el resultado de un proceso de montaje que a lo largo de dieciocho meses de desarrollo en su sede “La Madriguera Teatro”, tuvo varias exposiciones al público. Ensayo sobre Débiles es otro de los ensayos sobre los que ha venido trabajando Villarreal, bajo la idea de que “su forma dramática tiene más que ver con las estructuras del ensayo literario que con la dramaturgia clásica”. De esta manera, el ahora miembro del Sistema Nacional de Creadores nos comparte un ensayo compuesto de cuatro elementos: disolución de inicio, en el que los actores son presentados realmente; disolución de final, en la que se solicita al público confesiones personales que serán guardadas por todos aquellos convidados al evento y no serán reveladas; interferencia en una ruptura con las unidades

poéticas, comúnmente utilizadas en la representación teatral; y, finalmente, una osada y real dirección de los acontecimientos por parte del público, que hará que la estructura de la obra se modifique cada vez. Este ensayo se basa en un dispositivo de convivencia no convencional con los espectadores y, en el que, en palabras de Villarreal: “La poética se basa en el enfrentamiento de ‘aporías de cuerda’ o el trabajo sobre las paradojas fundamentales de las convenciones del teatro”. La amplia trayectoria de este joven pensador del teatro consta de más de cuarenta montajes de su autoría que le han permitido obtener varias residencias de especialización en instituciones como las del teatro Royal Court de Londres, la Fundación Carolina de Madrid, o con el Lark Center de Nueva York, además de brindarle una enorme movilidad a escala internacional en el cuadro de festivales, de entre los que destacamos el festival Transamerique de Montreal, el Festival Iberoamericano de Teatro de Cádiz, o el NTH8 en Lyon. Varios de los trabajos de este autor –que en la construcción de su poética recurre a “pequeñas forma de supervivencia casera”– han sido publicados por editoriales como Nick Hern Books (Londres), Cierto Pez (Santiago de Chile) y El Milagro (México).

CONTACT O: ALBER T O VILLARREAL alber tov.ar tilleria@gmail.com 044 55 54 35 53 63 www.alber tovillar real.mx

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SONORA

M A R T E S 1 3 17 : 0 0 H O R A S T E A T R O D E L I M S S D U R A C I Ó N : 1 2 0 M I N U T O S

Alonso del Saguaral

REPARTO: AUTOR Y DIRECTOR: Pánfilo: Francisco Veru SERGIO GALINDO SÁNCHEZ * COMPAÑÍA: TEATRAL DEL NORTE Dorotea y Luscinda: Elizabeth Vargas Cardenio: Osvaldo Sánchez Fernando: Mariano Sosa Martín del Chiltepín: Alejo Saavedra Juana: Lorenia Ojeda Alonso del Saguaral: Sergio Galindo Voz Narrador: Jesús Ochoa Voz Saguaral: Raúl Ortiz

*Miembro del sistema nacional de creadores

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Escenografía y Vestuario: Roberto Méndez, Paula Martins y Osvaldo Sánchez Fotografía: Argentina Santa Cruz Iluminación y Sonido: Hugo Sosa Realización escenográfica: Édgar Zendejas y Christian Pou Realización de vestuario: Alejandro Huerta Música original: Gerardo Peña Asistente de dirección: Beatriz Salas

El alma busca su armonía en el sonido de la palabra dicha Fundada y dirigida desde hace más de diecisiete años por Sergio Galindo Sánchez (ganador del Premio Nacional de Literatura, Carlos Monsivais, 2012), la “Compañía Teatral del Norte” ha realizado diversos montajes de entre los cuales destacan Última llamada, Más encima…el cielo y Güevos rancheros, esta última con más de 2000 representaciones. En esta ocasión, la compañía presenta la primera parte de un trabajo basado en El Quijote de Don Miguel de Cervantes Saavedra. En esta propuesta la obra de Cervantes va a encontrar un eco importante en el personaje central, quien nos irá develando las sorprendentes similitudes que existen entre los paisajes y serranías que enmarcan las aventuras del caballero de la triste figura y la sierra de Sonora. “En este contexto, se puede decir que la puesta privilegia el decir del verso y las imágenes que éste evoca. Significa el intento de amalgamar formas del teatro clásico con el espíritu y [la forma de] ser de los pueblos de la sierra de Sonora.”

En esta obra, el dos veces miembro del Sistema Nacional de Creadores, y figura emblemática del teatro sonorense, a quien la revista Paso de Gato dedica su última edición, busca la preservación de la fonética original, intentando resguardar los significados que ésta agrega a la hora de nombrar las cosas. De esta manera, tanto el sonido, como los giros lingüísticos y el matiz propio del habla de la región de la sierra sonorense, pretenden llevar a la recuperación del verso en lengua romance. Así, en la propuesta de Sergio Galindo Sánchez, Alonso del Saguaral va a recorrer la sierra sonorense acompañado de Pánfilo (su caporal) compartiendo con los espectadores sueño y realidad sobre la escena y mostrando cómo en las nuevas circunstancias, la lengua romance sigue viva en los pueblos de la sierra.

CONTACT O: BEATRIZ ELEN A S ALAS btiboo@hotmail.com 01 66 21 67 97 88 01 66 22 67 11 06

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DISTRITO FEDERAL

M A R T E S 1 3 19 : 0 0 H O R A S C E N T R O D E D I F U S I Ó N C U LT U R A L “ R A Ú L G A M B O A” D E L I . P. B . A 110 M I N U T O S C O N D O S I N T E R M E D I O S D E 5 M I N U T O S

Casa con dos puertas, mala es de guardar DE DON PEDRO CALDERÓN DE LA BARCA DIRECCIÓN: GILBERTO GUERRERO COMPAÑÍA: PERRO TEATRO

REPARTO: Lisardo: Antonio Rojas Félix: Ortos Soyuz Laura: Sonia Franco Marcela: Alhelí Abrego Fabio: Fermín Zúñiga Calabazas: Martín Becerra Silvia: Isabel Almeida Celia / Lelio: Saandra Cobián

*Miembro del sistema nacional de creadores

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Iluminación: Michel Cuvellier Asistente de dirección: Suriday Hugalde Escenografía: Carolina Jiménez Vestuario: Carolina Jiménez y Ana Luisa Alfaro Producción: Ana Luisa Alfaro

Hemos decidido bajar a los clásicos de los pedestales donde aparecen inalcanzables y, al hacerlos nuestros, compartirlos con el público

Fundada en 1985 y con más de veintiocho puesta en escena, como La Ronda, Aristofánica, Antonio y Cleopatra, Sin memoria, Triciclo, Apenas ayer, Señor Quijote mío, Los amantes suicidas de Amijima y El diablo con tetas, entre muchas otras, la compañía “Perro Teatro A.C.”, ha realizado diversas giras internacionales en teatros como el Theater an der Ruhr (Alemania 2001), Muestra Iberoamericana de teatro (España, 2005) y el Festival Iberoamericano en el IV Centenario de El Quijote. Esta compañía, dirigida por el escritor, director, pedagogo y hombre de teatro Gilberto Guerrero, desarrolló un comodato auspiciado por el IMSS y el Fonca en el Teatro Santa Fe durante ocho años. “Perro Teatro, A.C.”, inicialmente llamada “Punto y Raya A.C.”, trabaja en formatos diversos como escuelas, localidades, calles, etc., siempre bajo la idea de volver a empezar ya que “cada nuevo trabajo es una nueva promesa.” Casa con dos puertas, mala es de guardar, de Pedro Calderón de la Barca, fue estrenada por la compañía en el 35ª Festival del Siglo de Oro en el Chamizal Texas y se considera una de las obras más representativas de la comedia

barroca y una de las más festivas de este autor. Esta obra, que trata sobre los celos provocados por el mal de amores, logra alcanzar una comicidad que llega a los límites de lo permitido en la época de su estreno y es considerada por algunos como un “Vodevil de capa y espada.” Para la compañía es importante encontrar un lenguaje escénico que respete la esencia de la obra y que rompa con lo acartonado al mismo tiempo, para poder acercar al espectador con los textos clásicos de la dramaturgia universal “que nos siguen diciendo cosas que necesitamos escuchar… y decir.” Para este montaje, el también autor de las novelas La sonrisa vertical y El taimado partió de dos premisas definidas: la cabal comprensión del texto, basada en la correcta expresión del verso y apoyada en una acción dramática directa y bien desarrollada, y el divertimento. De esta forma, el espacio parte de una economía de medios dejando primacía al trabajo actoral y al verso, “hay un contraste pues, entre modernidad en una concepción muy económica en acción y espacio, con un barroco apuntalado en el lenguaje y vestuario.”

CONTACT O: AN A LUIS A ALFARO per roteatro@yahoo.com 044 55 32 20 28 49 01 55 56 04 73 49 www.per roteatro.org

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DISTRITO FEDERAL

LUNES 12 18:00 HORAS MAR TES 13 21:30 HORAS TEATRO EL RINOCERONTE ENAMORADO CUPO LIMITADO

La tragedia de Macbeth DE WILLIAM SHAKESPEARE DIRECCIÓN: LAURA ALMELA Y DANIEL GIMÉNEZ CACHO COMPAÑÍA: EL MILAGRO

REPARTO: Laura Almela

Iluminación: Gabriel Pascal

Daniel Giménez Cacho

Sonido: Rodrigo Espinosa Agradecimientos: Marisela Criollo Minero, Emilia, Lucía, Lucio, David Juan y María

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Creo que nuestra patria sucumbe bajo el yugo; llora, sangra y cada día añade una llaga a sus heridas.

Bajo la idea de conformar un espacio en el que prevalezca el sentido de comunidad, identidad y pertenencia, surge “Teatro el Milagro”, intento conjunto que a lo largo de los últimos años se ha consolidado como uno de los espacios generadores de nuevos diálogos escénicos. Dicho lo anterior, el grupo de creadores que conforman esta Asociación Cultural Independiente, ha compartido su aspiración por discutir con el espectador, conmoverlo y moverlo a la reflexión política, en el sentido de Polis/Ciudad, ciudadanía y todo lo que el ejercicio de ser espectador crítico implica. Así, actualmente y después de más de 20 años de haberse fundado como asociación, el “Teatro El milagro” es, sin duda, uno de los espacios indispensables para la creación de propuestas diversas y divergentes, que mantienen un diálogo constante con los discursos escénicos actuales. En esta ocasión, toca el turno a La tragedia de Macbeth, un trabajo escénico desarrollado por los estupendos actores Laura Almela y Daniel Giménez Cacho, para ser presentado en el marco de esta XXXIII Muestra Nacional de Teatro. En esta propuesta, realizada por este

dúo de actores/creadores escénicos, no existen decorados, ni vestuarios pomposos, el entorno austero hace que todo el peso de la trama caiga de lleno sobre los dos ejecutantes, quienes a lo largo de la representación irán dando vida a los múltiples personajes. En este juego escénico, nos dice María Teresa Adalid: “se mantiene la naturaleza siniestra de la obra con escenas que se llevan a cabo en la oscuridad del teatro, apenas alumbrado por unas cuantas velas, donde se perciben crujidos, vibraciones de los cuerpos cercanos y susurros que generan pensamientos, imágenes, sentimientos y el placer de coexistir con esos seres imaginarios y sobrenaturales como las brujas”. En esta propuesta, encarnada por estos dos estupendos intérpretes, podremos constatar cómo una tragedia descrita y escrita hace ya tantos siglos, sigue siendo la misma con la que nos enfrentamos todos los días como país. En este juego de ambición por el poder La tragedia de Macbeth es idéntica a la tragedia que persigue a muchos de los hombres de poder que sueñan con dominar sus imperios personales.

CONTACT O: G ABRIEL PASC AL pascalgab@gmail.com 55 92 00 31 / 55 92 03 38 www.elmilagro.org .mx

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NUEVO LEÓN

MAR TES 13 21:30 / 23:00 HORAS AULA C AJA NEGRA DE LA UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE SAN LUIS POTOSÍ (UASLP) DURACIÓN: 60 MINUTOS CUPO LIMITADO

Nacido de un muslo DE ÉDGAR CHÍAS DIRECCIÓN: IVÁN DOMÍNGUEZ-AZDAR GRUPO: AL SON DE TEATRO

REPARTO:

Dave: Juan Luna Sonja: Tere Medellín Lorenza: Liliana Cruz Weson: Luis Escalante Mica: Aglaé Lingow Dave: Eduardo Martínez

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Diseño de iluminación: Jorge Sánchez Espacio escénico: Jeany J. Carrizales Diseño de vestuario: Carlos Guzmán Diseño gráfico: Gracia Zanuttini

dioses

Esto es cosa de , habla de la estatura a la cual el hombre quiere ponerse, negando la muerte como un gesto afirmativo de la vida, errático y desmesurado, pero irónico y jocoso. Interesados en generar redes de trabajo a nivel de gestoría, producción y difusión entre latitudes, “Al son de Teatro” es un grupo de creadores escénicos que colaboran en proyectos que logren establecer un vínculo de trabajo y un intercambio de metodologías alrededor de la República Mexicana. De esta manera buscan que, debido a una relevancia temática, dramatúrgica o de formato, las obras elegidas puedan acceder a distintos espacios como sucede en los festivales. En esta ocasión toca el turno a Nacido de un muslo de Edgar Chías, tercer montaje de Iván Domínguez-Azdar y tercer obra del dramaturgo que participa en esta Muestra Nacional de Teatro. Presentada por vez primera en el marco de la 9ª Semana Internacional de la Nueva Dramaturgia en la ciudad de Querétaro, este montaje ha tenido la oportunidad de mostrarse al público en el Distrito Federal y de Nuevo León. Nacido de un muslo aborda el tema de la clonación, como forma de reproducción serial e idéntica. La propuesta hace un cruce con el mito de Dionisios, quien al ser injertado en el muslo de su padre logra renacer idéntico a quien fue anteriormente. Así, la transgresión del hombre contra el orden divino queda implícito en este intento por alcanzar la infinitud.

En este montaje teatral, el ejercicio escénico busca la contradicción y el desajuste para lograr una especie de caos que intentará captar la atención del espectador y su interés por reconfigurar y dar forma a la historia. “Buscamos generar un impacto, planteando la simultaneidad, la velocidad, la narración de los pensamientos y el contacto con el espectador. Es un desafío en el que los actores tensan con estos elementos de manera lúdica, evidenciando los mecanismos y el carácter representacional de la puesta en escena, sin que se diluya el dramatismo de la misma.” En esta obra del prolífico dramaturgo Édgar Chías, el director DomínguezAzdar intenta llevar parte de la temática de la transgresión a elementos de la composición escénica, rompiendo con aspectos tradicionales de la puesta en escena y abordando la ficción “con irreverencia”. De esta forma, el personaje de Dave, nos invitará a reflexionar sobre nuestra condición como humanos al confrontarnos con ese ineludible final que es la muerte. Aspectos relevantes en nuestro contexto nacional, ya que como afirma el director, el tema “implica un tema trascendental debido a la realidad que atraviesa el país, en donde vida y muerte reconfiguran su proporción como hechos y conceptos”.

CONTACT O: IVÁN DOMÍNGUEZ ivan_dominguez _@hotmail.com 83715701 045 818 253 41 86

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TAMAULIPAS

M I É R C O L E S 14 17: 0 0 H O R A S T E A T R O D E L A P A Z D U R A C I Ó N : 8 0 M I N U T O S

Medea. Antes del viaje AUTOR Y DIRECTOR: MEDARDO TREVIÑO GRUPO: TEQUIO

REPARTO: Autor y Director: Medardo Treviño Grupo: Tequio

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Musicalización: Antonio Rotuno Escenografía e Iluminación: Sonia Flores Adaptación de vehículo: Dante Flores Producción: Grupo Tequio Sonorización y Tramoya: Ernesto Ibarra Imagen de cartel y Programa de mano: Onésimo Gallardo Diseño de cartel y Programa de mano: Omar Lustrial Fotografía y Video: Lisa Gil

La atmósfera en nuestro país remite a las imágenes oscuras y a la vez esclarecedoras de los mitos;… Ahora, en tierras fronterizas, el mito se funde con el horror cotidiano… Integrada por mujeres y hombres comprometidos con su entorno y con la búsqueda de la verdad a través del teatro, la compañía teatral “Tequio” ha difundido los pensamientos y deseos de los habitantes de su región. Originaria del estado de Tamaulipas, actualmente tomado por la violencia, esta compañía busca en la creación teatral un “ejercicio de libertad en renovación constante”. A lo largo de veinticinco años y bajo la dirección del reconocido teatrista Medardo Treviño, la compañía ha estado conformada por más de seiscientos actores, dramaturgos y directores. En el contexto de extrema inseguridad en que se encuentra nuestro país y particularmente el estado de Tamaulipas, “Tequio” reafirma su compromiso con un teatro no evasivo ni enajenante, “un teatro verdadero”. Medea. Antes del viaje retoma la tragedia clásica de Eurípides, adaptándola al contexto cotidiano de nuestras ciudades. En este escenario, la pasión, la sangre, el odio y la venganza se muestran como resultado de una absurda lucha por el poder. “En ese escenario de

violencia: ¿por qué no imaginar a una Medea contemporánea caminando entre fuegos cruzados? entre balaceras e incertidumbres, entre el cruce fronterizo de sangre y fuego.” En esta propuesta, Medardo Treviño, miembro del Sistema Nacional de Creadores y creador emérito de Tamaulipas, nos comparte las pesadillas recurrentes que confunden el sueño –o más bien la pesadilla– y la realidad de los pobladores de ese estado en el que el asesinato masivo de migrantes y las fosas clandestinas se han vuelto la realidad de todos los días. De acuerdo con Treviño, en el contexto de desmesura que vive la frontera norte de México, los ciudadanos: “vemos impotentes la pérdida de ser libres en los actos más cotidianos y dormimos en ciudades fantasma que guardan nuestras cíclicas pesadillas”. De esta manera, el autor y director de la obra, incansable generador de proyectos teatrales, nos invita a reflexionar sobre la vulnerabilidad y el miedo provocados por el desamparo y el horror que invaden todos nuestros viajes, también los de Medea.

CONTACT O: MEDARDO T REVIÑO medardo_trevino@hotmail.com 01 83 43 11 15 00 01 83 43 06 72 31

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DISTRITO FEDERAL

M I É R C O L E S 14 17: 0 0 H O R A S T E A T R O D E L A P A Z D U R A C I Ó N : 8 0 M I N U T O S

Litoral AUTOR: WAJDI MOUWAD TRADUCCIÓN: BORIS SCHOEMANN

DIRECTOR: HUGO ARREVILLAGA * COMPAÑÍA: TAPIOCA INN

REPARTO: Wilfrid: Guillermo Villegas Director / Caballero Guiromelan: Pedro Mira Simone / Vendedora / Tía María / Script: Rebeca Trejo Ismail: Tomás Rojas Sonidista / Encargada / Tía Francisca / Julia / Mujer del pueblo / esposa de Hakim / Josephine: Alejandra Chacón Camarógrafo / Hombre en terminal / Tío Miguel / Wazzan / Jamil / Sabbé: Miguel Romero Iluminador / Carlos / Forense / Tío Emilio / Doctor / Joseph / Padre de Said / Hakim / Amé: Adrián Vázquez Maquillista / Agente funeraria / Tía Lucía / Mujer del pueblo / Issam / Massí: Sonia Franco **

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Diseño de escenografía y Utilería: Auda Caraza*** y Atenea Chávez Diseño de Iluminación: Roberto Paredes Diseño de vestuario: Lisette Barrios Música original: Ariel Cavalieri Musicalización: Hugo Arrevillaga y Ariel Cavalieri Ilustración: Manuel Monroy Diseño gráfico: Miguel Durán Utilería: Auda Caraza y Atenea Chávez Construcción: Jesús Hernández y Elías Cortés

Realización de vestuario: Carmita Soria y Uniformes La Naval Fotografía: Alma Curiel Producción ejecutiva: Tapioca Inn Gestión Derechos de autor: Humberto Pérez Mortera Asistencia de dirección: Anabel Caballero Agencia literaria: Simard Denoncourt

Litoral nació de ese deseo, de esa

necesidad de volver a nombrar juntos nuestros miedos y de volver a encontrar el más pequeño denominador común de nuestra humanidad…

A partir de 2003, “Tapioca Inn” se inicia como compañía estable integrada por miembros del Centro Universitario de Teatro de la UNAM. Bajo la idea de gestar proyectos y desarrollar una voz propia como generación, este grupo iniciará una serie de montajes teatrales –doce hasta la fecha–, los cuales les han permitido “fortalecer su discurso artístico a través de lenguajes escénicos contemporáneos y estéticamente poderosos” todos ellos dirigidos por Hugo Arrevillaga. Canción para un cumpleaños, Sentido y la tetralogía de Wadji Mouawad compuesta por Incendios, Bosques, Cielos y Litoral les han dado la oportunidad de mostrar un trabajo “que reflexione en torno a la necesidad del ser humano por reconstruir su memoria, replantear su lugar en el mundo, encontrar sus raíces y fortalecer su presente”. En esta ocasión toca el turno a Litoral la tercer obra de la tetralogía de Mouawad, representada por “Tapioca Inn”, una tarea que ha ocupado durante ya

varios años a la compañía. Litoral. Se trata de una obra que retoma la voz de las víctimas y los victimarios desde el interior de la guerra. En esta ocasión, y siguiendo la temática de Incendios, el rescate de la memoria, el uso de la imaginación, y el conocimiento serán las herramientas para salir de la miseria y la devastación. En este escenario, la obra es: “una posibilidad para prenderle fuego a mi propia conciencia y entender mi existencia como un incendio permanente”. El trabajo de Mouawad ha cautivado a esta compañía y a su talentoso director, quien además de la tetralogía ha trabajo con otros textos de este autor “libanes de infancia, francés de forma de pensar y quebequá en su teatro”. De entre sus trabajos más representativos se encuentran: Pacamambo, Willy portágoras encerrado en el baño, Ni el sol ni la muerte pueden mirarse de frente (como director residente en el montaje de “Mapa-Teatro”) y la más reciente

Sedientos. Es en la dramaturgia de este multipremiado dramaturgo, que la compañía reconoce “un teatro que nos confronta, que nos emociona y que nos alimenta”. De acuerdo con Arrevillaga, la dramaturgia de Mouawad: “ha recuperado de la tragedia griega la necesidad del ser humano por entender su existencia, al confrontarla con su destino, y ha tomado de Shakespeare su pasión por la palabra y por la indagación en las emociones más oscuras del ser humano, creando historias poderosas y necesarias en un mundo contemporáneo”. Así, en este Litoral encontraremos la búsqueda de un hombre por encontrar en el pueblo natal de su padre, un pedazo de tierra en donde sepultarlo. Una recorrido que lo obligará a vivir la realidad de otros, “Todo lo demás, en el fondo, no es más que teatro.”

CONTACT O: REBEC A ALEJANDRA TREJO r_trejo77@hotmail.com 044 55 37 07 31 35 01 55 63 04 09 10

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VERACRUZ

MIÉRCOLES 14 19:00/ 22:00 HORAS TEATRO EL RINOCERONTE EN AMORADO DURACIÓN: 100 MINUTOS

El siniestro plan de Vintila Radulezcu AUTOR Y DIRECTOR: MARTÍN ZAPATA *

REPARTO:

Mujer: Adriana Duch Hombre: Manuel Domínguez

*Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte

Diseño de iluminación: Eduardo Mier Hughes Asistente de iluminación: Niza Rendón Diseño sonoro: Joaquín López “Chas” Música: Sleppy lagoon de Harry James; Tonite, Me i lost you y ZHP de Illy Bleeding y los robotes trucosos Entrenamiento corporal: Ernesto Habichayn Diseño gráfico: Sebastian Kunold, Manuel Salgado

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Fotografías: Sebastian Kunold, Miguel Femat, Martín Tadeo Zapata Producción: Área de Artes de la Universidad Veracruzana- CONACULTA Diseño de producción: Blanca Forzán Asistencia de producción: Bawixtabay Torres Jefe de foro: José Sánchez Promoción: Marta Flores, Daniel Acevedo Asistencia de dirección: Marisol Osegueda

Una investigación acerca de ciertos hechos coincidentes que forman un curioso paralelismo en las vidas de Samuel Beckett y de

Eugene Ionesco.

Basada en una serie de hechos reales expuestos en el libro El caos y la nada, de Jonathan MacLean y publicados por la editorial francesa Gauthier-Dunot, El caso de Vintila Radulezcu es una comedia negra que nos adentra en el mundo de las extrañas y sorprendentes coincidencias. En esta serie de anécdotas, también integradas por elementos del teatro del absurdo, conoceremos el resultado de una intrigante historia que dio pie al trabajo de investigación de MacLean realizada bajo el auspicio de la Universidad de Michigan a partir de 1997. La puesta en escena de esta obra propuesta por el ahora director de la Facultad de Teatro de la Universidad Veracruzana, Martín Zapata, se basa principalmente en la creación del espacio escénico y en el trabajo actoral y cuenta una historia policiaca, de amor, suspenso y crimen. Para Martín Zapata, “los actores son el elemento único en el verdadero desarrollo de la trama”. Dentro de esta historia que narra algunos aspectos de la infancia de Eugéne Ionesco y Samuel Beckett “el realismo minimalista escénico crea un contrapeso con la ficción fantástica de la obra”. De esta manera, atraído por la curiosidad entre las coincidencias de los dos autores del teatro del absurdo, el doctor MacLean va a develar algunos aspectos

coincidentes que harán de Vintila Redulezcu un personaje enigmático para los espectadores. El siniestro plan de Vintila Radulezcu, es una obra de Zapata, quien a lo largo de su vasta trayectoria ha recibido premios y reconocimientos y ha logrado ser publicado en varias editoriales. Dentro de sus obras, en las que ha sido dramaturgo y director, se cuentan Orquídeas para un segundo funeral, Los caprichos de la carne, El dolor debajo del sombrero, El insólito caso del señor Morton, El misterio de Abel Brockenhaus, Ik dietrick fon, La cita y Para nosotros el día es eterno, mismas que le han permitido participar en festivales, giras y temporadas en México, Estados Unidos, Guatemala y Canadá. De acuerdo con el director, actualmente miembro del Sistema Nacional de Creadores, en esta propuesta: “Los giros de la obra atrapan al espectador y lo colocan en situaciones inesperadas que son soportadas por las actuaciones de los dos actores”. La inclusión musical de Illy Bleeding y los Robototes Trucosos hacen que este ícono de la cultura punk mexicana de los años 80, logre formar parte de los personajes de la trama.

CONTACT O: MAR TÍN ZAPATA mar tinz apataquiroz @yahoo.com.mx 045 22 81 32 61 83 01 22 88 17 21 34

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Lo único que necesita una gran actriz, es una gran obra y las ganas de triunfar (Creación teatral colectiva a partir de Las Buenas de Genet ) DRAMATURGIA ORIGINAL Y COLECTIVA: VACA 35 TEATRO EN GRUPO DIRECCIÓN: DAMIÁN CERVANTES * VACA 35 TEATRO EN GRUPO

REPARTO: Diana Magallón Mari Carmen Ruiz Productor Ejecutivo: José Rafael Flores

*Miembro del Sistema Nacional de Creadores de Arte 54

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MARTES 13, 21:00 HORAS MIÉRCOLES 14, 23:45 HORAS JUEVES 15, 22:30 HORAS VIERNES 16, 22:00 HORAS SÁBADO 17, 19:00 HORAS ESPACIO ALTERNATIVO DURACIÓN: 55 MINUTOS CUPO LIMITADO

Se vincula la teatralidad con la plástica, con la fonética, con los sonidos; la musicalidad, en un espacio aprisionado en donde el oxígeno es escaso, así como el campo emocional y la cortísima distancia nos involucra con el hecho teatral hasta sus últimas consecuencias. Tras cinco años de iniciado el proyecto teatral de “Grupo Vaca 35” y después de montajes como El loco amor viene y Casualmente…, el grupo nos presenta Lo único que necesita una gran actriz, es una gran obra y las ganas de triunfar. Esta audaz representación, propuesta por Damián Cervantes a partir de Las criadas de Jean Genet, es el resultado de un laboratorio de creación y un largo proceso colectivo en la búsqueda de una dramaturgia que se relaciona de manera directa con el espectador. De esta manera, el grupo logra un trabajo basado en una fuerte convicción en el desarrollo de los métodos de creación, dirección y escenificación, como un proceso inherente al desarrollo de la persona, encontrando así un compromiso con el quehacer teatral que pueda llegar a proponer una visión liberadora y un contacto con la gente. “El teatro hoy en día tiene como constante la de vivir en el exilio, la de ser una de esas artes que se mantiene, no por su vigencia, sino por sus glorias pasadas; es como si se le diera un lugar por lo que fue y no por lo que llega a ser”. Bajo esta premisa, “Grupo Vaca 35” propone una muy auténtica versión de la conocida obra de Genet. Esta vez, la concepción del espacio, en íntimo diálogo con las actrices, va a detonar una relación en la que el espectador

estará inmerso a lo largo de la representación. Aquí se da más importancia a la construcción de personajes –más por sus pensamientos y emociones que por sus palabras y acciones. Presentada inicialmente en un cuarto de servicio de un edificio en la colonia San Pedro de los pinos y posteriormente llevada a un reducido espacio dentro del Teatro El milagro, esta versión de La criadas, busca una fundamental cercanía con el espectador en el donde éste se vuelve parte del entorno de la ficción. En palabras de Damián Cervantes, director y actor formado en “Casa del teatro”, la propuesta: “compacta un espacio y lo vuelve caótico, funcional y agresivamente íntimo con base en la expresión, lleno de detalles para que el lenguaje teatral salga a explorar sus signos”. Para “Grupo Vaca 35”, esta propuesta tiene la intención de acercarse a los espectadores, con el fin de experimentar la escena desde formatos y espacios alternativos; procurar la interacción con el público en un espacio que reavive la experiencia del ritual teatral y en donde suceda el que “las palabras conviven con su origen fonético y el imaginario, por unos instantes, se vuelve realidad, se vuelve carne, tangible y sucede el arte del teatro”.

CONTACT O: DAMIÁN CERVANTES damiancer v@yahoo.com 044 55 20 05 20 92 01 55 56 43 76 29 www.vaca35teatro.com

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VERACRUZ

J U E V E S 1 5 17: 0 0 H O R A S T E A T R O D E L A P A Z D U R A C I Ó N : 9 5 M I N U T O S

El Atentado DE JORGE IBARGÜENGOITIA DIRECCIÓN: ENRIQUE SINGER COMPAÑÍA TITULAR DE TEATRO DE LA UNIVERSIDAD VERACRUZANA

REPARTO: Borges: Héctor Moraz Vidal Sánchez: Félix Lozano El General Suárez: Carlos Ortega Su Ayudante /Bolero / Voceador: Juana María Garza Un Juez: Rosalinda Ulloa El Padre Ramírez /Obispo: Hosmé Israel La Abadesa: Alba Domínguez Juan Valdivia: Freddy Palomec Pepe: Marcos Celis

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Cautela: Karina Meneses Balgañon / Gabaldón: Raúl Santamaría Malagón: Jorge Castillo Agente Secreto: Raúl Pozos Abogado Defensor: Miriam Cházaro Abogado acusador: Rogerio Baruch Bailarina / Mesero: Valeria España Orador: Luz María Ordiales Estenógrafa: Faride J. Beyruti Periodistas / Diputados / Plañideras / Asistentes al Juicio: El Grupo

Dirección adjunta: Daniela Parra Asistente de dirección: Cariño Selene y Marco Rojas Escenografía: Atenea Chávez y Auda Caraza Iluminación: Juliana Faesler Musicalización: Joaquín López “Chas” Música: Silvestre Revueltas Vestuario: Estela Fagoaga* Diseño gráfico: Trigo Verde Promoción: Laura Andrade Producción ejecutiva: Yoruba Romero

Asistentes de vestuario: Adriana Pérez Solís, Gloria Cervantes y Zeneth Domínguez Sastre: Jesús Lobato Realizador de vestuario: Israel Ayala Realización de rotafolio: Carlos Somonte y Pedro Heredia Construcción de escenografía: Florentino Santiago Córdova, Héctor Santiago, Sergio Córdova Martínez e Irving Josed Zamora Ochoa, Jorge Alberto Lara Ledezma

Construcción de mobiliario: Juan Carlos Macías, Aramed Hernández Herrera y Gregorio Dorantes López Forrado de butaquería: Ángela Eguía Apoyo logístico: Pedro Heredia

* Becaria del FONCA Compañía Nacional de Teatro

Después de todo, montar una obra es la mejor manera de conocer a un autor. La “Compañía Titular de Teatro de la Universidad Veracruzana” es la compañía estable más antigua de nuestro país. A lo largo de los años, muchas de las obras canónicas de nuestro teatro han sido dirigidas en esta institución. Así, trabajos de directores como Julio Castillo, Ludwik Margules, Raúl Zermeño, Manuel Montoro, Alberto Lomnitz, Boris Schoemann, entre muchos otros, han dado cuenta de la constante y rigurosa labor teatral de esta compañía afincada en la ciudad de Xalapa. En esta ocasión, la compañía extendió una invitación al director y también actor Enrique Singer, quien se propuso llevar a escena El atentado del destacado literato Jorge Ibargüengoitia. Esta ocasión representó para Singer la oportunidad de montar una obra emblemática del siglo XX, la cual significó “una doble transición: por un lado es el momento en el que México se convierte en el país que somos (de rural y decimonónico, al México urbano e institucional) y por otro lado, coincide con la transición artística del propio Ibargüengoitia, que a despecho nuestro abandona el teatro y se convierte en uno de los más importantes prosistas del México de la segunda parte del siglo pasado”.

La época de oro del cine mexicano sirvió para darle una estética definida a esta producción de gran formato. Para ello, la creación de la iluminación a cargo de la destacada Juliana Faesler y la musicalización de José López Chas, basada en la música que compusiera Silvestre Revueltas para el cine, se unieron a la propuesta de ausencia de color de las escenógrafas Atenea Chávez y Auda Caraza. La propuesta y adaptación de Enrique Singer aborda el clásico contemporáneo de Ibargüengoitia desde la ironía, la cual parte del juicio que se hace a Pepe (León Tora) y la Abadesa (la madre Conchita) para recapitular el asesinato del general Borges (Álvaro Obregón). Esta aproximación es el resultado de un análisis histórico sobre una de las obras de mayor madurez creativa del autor. Esta puesta en escena de la obra recurre a un marcaje y estilo de actuación con una buena dosis de humor para narrar la evolución de la sociedad mexicana del siglo XX. En esta obra, nos advierte Singer: “Cualquier semejanza con la realidad, no es mera casualidad, sino una vergüenza nacional.”

CONTACT O: YORUBA ROMERO producción@organizacionteatral.com.mx 044 22 89 88 41 46 01 22 88 18 38 16 www.organiz acionteatral.com.mx

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JUEVES 15 19:00 HORAS CENTRO CULTURAL UNIVERSITARIO BICENTENARIO DURACIÓN: 90 MINUTOS

El rumor del incendio CREACIÓN DE COMPAÑÍA LAGARTIJAS TIRADAS AL SOL

REPARTO: Luisa Pardo Francisco Barreiro Gabino Rodríguez

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Diseño e investigación: Juan Leduc Video: Yulene Olaizola Iluminación: Marcela Flores y Juan Pablo Avendaño Dirección técnica: Marcela Flores Asistente general: Mariana Villegas Video en giras: Carlos Gamboa Maquetas: Francisco Barreiro Actores en video: Harold Torres, César Ríos y Mariana Villegas Asesoría técnica en video: Emiliano Leyva Coordinación general de texto: Luisa Pardo y Gabino Rodríguez Producción: Dirección de Teatro de la Universidad Nacional Autónoma de México en colaboración con Lagartijas tiradas al sol.

La ficción no es una sustancia, es un contexto, un marco de

interpretación.

Para entender el presente hay que recurrir a la Historia. Los grupos armados que se conformaron en nuestro país a lo largo de las décadas de los años 60 y 70 se pueden contar por decenas. Dentro de esa gran diversidad de grupos subversivos, se distinguen los rurales de los urbanos. Los primeros respondieron a situaciones graves dentro de su contexto de origen, mientras que los segundos buscaban una transformación general del estado de cosas en un país lleno de desigualdad e injusticia social. Las muertes violentas, las desapariciones forzadas que se dieron por miles, marcaron el escenario en el que la disidencia era el único camino para lograr un cambio. Es sobre ese momento histórico que el colectivo “Lagartijas Tiradas al Sol” llama nuestra atención. Su propuesta escénica ofrece una mirada crítica, analítica y sobre todo bien documentada, sobre los acontecimientos guerrilleros de aquellos años, episodios de nuestra historia contemporánea que no dejan de lastimarnos como sociedad y como nación. En esta ocasión, Luisa Pardo y Gabino Rodríguez se han dado a la tarea de desarrollar La rebeldía, proyecto de largo aliento que desde su título nos invita a formar parte de la reflexión y a preguntarnos sobre la pertinencia de hacer memoria y cuestionarnos sobre el contexto nacional actual. Dividido en tres partes, este proyecto se conforma de El rumor del oleaje, blog que contiene la investigación documental de los movimientos armados en México durante la segunda mitad del siglo pasado, El rumor del momento, libro que reúne las voces de 35 personas implicadas con esta temática y, finalmente, El rumor del incendio (2010), documental escénico

que expone los resultados de la investigación elaborada centrada en la vida de Margarita Urías. El rumor del incendio nos muestra la capacidad que tiene la realidad de rebasar a la ficción, al hacer visible una narración sobre acontecimientos de personas que conformaron algunos de los grupos disidentes de la época, una serie de acontecimientos que en lugar de ser literarios son literales. De esta manera, la distinción que se da comúnmente entre ficción y documental es rebasada y tomada como insustancial y falsa. Para los integrantes de la compañía: “El documental es un relato, una construcción narrativa que cumple (en su inmensa mayoría) con todas las características de la ficción: invención, parcialidad, fábula, narrador, personajes, tiempo, espacio, etc.” Así, esta muy pertinente propuesta escénica plantea una serie de preguntas que intentan encontrar un eco en los espectadores y cumplir con la necesaria tarea de reflexión, al posar la mirada sobre nuestra época en el contexto de las anteriores, ya que: “Nos sentimos inmersos en una profunda desazón. Enfermos. En un país en el que nos hemos vuelto insensibles a la desigualdad y a nuestro parecer incapaces de configurar proyectos políticos portadores de esperanza.” En consecuencia, El rumor del incendio pretende ser una invitación al espectador para aventurar algunas ideas sobre nuestro futuro cercano.

CONTACT O: G ABINO RODRÍGUEZ lagar tijastiradasals ol@gmail.com 044 55 16 91 73 51 01 55 54 21 70 15 lagartijastiradasalsol.blogspot.mx

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JUEVES 15 19:00 HORAS CENTRO CULTURAL UNIVERSITARIO BICENTENARIO DURACIÓN: 90 MINUTOS

Fractales DE ALEJANDRO RICAÑO DIRECCIÓN: ADRIÁN VÁZQUEZ COMPAÑÍA: LOS TRISTES TIGRES Y LOS GUGGENHEIM COLECTIVO TEATRAL

REPARTO: Ana: Ana Lucía Ramírez Ana II, Cecilia, Mamá de Ana, Jesús el gordo, Chica del Casting: Guiedana López Ana III, Yesica, Mama de Cecilia, Papá de Ana, Jesús el contador, El tipo del Casting, Campos: Esther “Tete” Espinoza / Estefanía Ahumada 60

Diseño de vestuario: Lisette Barrios Diseño de escenografía e Iluminación: Adrián Vázquez Realización de escenografía: Hojalatería Vago Diseño gráfico: COPO Diseño / Nancy Angulo Fotografía: Amayrani López Asistente de dirección: Álvaro Zúñiga Producción: INBA, Coordinación Nacional de Teatro, Los Tristes Tigres y Los Guggenheim

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CANCIONES: Flume - Bon Iver Langdans Efter - David Lamb/The Kronos Quartet Crazy - Aerosmith My first, my last, my everything - Barry White Beach Baby - Bon Iver Skinny Love - Bon Iver Where were you - Parachutes Sweet Disposition - The temper trap Zingaro - Rene Aubry

El teatro ha sido para mí un lugar menos brutal para expresar mis emociones.

A partir del año 2005, la compañía de teatro “Los Tristes Tigres”, se ha dado a la tarea de crear espectáculos en los que se utilizan los talentos del actor con un mínimo de recursos escenotécnicos. Años más tarde (2009), este grupo se unió a la compañía de teatro “La talacha” y a la “Compañía Teatro Joven” con el fin de conformar el colectivo teatral “Los Guggenheim”, nombre que nace de la creación de la obra Más pequeños que el Guggenheim del mismo autor. En esta ocasión, “Los Tristes Tigres” y “Los Guggenheim colectivo teatral”, nos presentan Fractales, obra de Alejandro Ricaño ganadora del Premio Nacional de Dramaturgia Víctor Hugo Rascón Banda 2012. El concepto de la puesta en escena está basado en una “estética de la pulcritud” que apuesta a una iluminación depurada y a una limpieza escénica que se conforma, de acuerdo

con el colectivo, por una “limpieza de trazo, limpieza de gestualidad actoral y limpieza en los recursos escenotécnicos”. A esto, se une la sutileza estilística en el diseño del vestuario, para lograr una propuesta equilibrada entre forma y contenido. Debido a que el tipo de actuación tiene un fuerte énfasis en técnicas del “Teatro del cuerpo”, se ha integrado a personas con un entrenamiento de este tipo. Así, las tres actrices del elenco nos transportan con pocos recursos escenográficos a un sin fin de lugares propuestos por el autor. Partiendo de una trama sencilla y utilizando los medios inherentes del actor: como son la voz, el cuerpo y la imaginación, Fractales nos dará cuenta de la historia de una mujer que sueña con aparecer en una película de Alejandro González Iñárritu, y quien nos advierte que “Cualquier parecido de esta historia

con la realidad, es mera coincidencia. Especialmente con mis ex novios. Hijos de puta”. Fractales se suma a una larga lista de obras dirigidas por Adrián Vázquez, de entre las cuales mencionamos El hijo de mi padre, Los emperadores, Fragmentos del llano, Juegos de la psique y Los últimos días de Cesar Rubio. En esta obra, nos advierte Alejandro Ricaño, “uno puede hacer como que no es uno” pero si miramos más de cerca nos daremos cuenta que esta es la historia de todos los que forman parte de ella. “Porque todos somos fractales, repitiéndonos y repitiéndonos. Y el teatro es ese lugar donde uno puede expresar lo que siente, exactamente como lo siente, con la esperanza de que la gente no descubra que se trata de nosotros.”

CONTACT O: ADRIÁN VÁZQUEZ vaz quez adrian75@hotmail.com 045 22 81 50 66 45 33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.

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J U E V E S 15 , 2 2 : 3 0 H O R A S V I E R N E S 16 , 2 2 : 0 0 H O R A S S Á B A D O 17 , 19 : 0 0 H O R A S CENTRO DE LAS ARTES DE SAN LUIS POTOSÍ CENTENARIO D U R A C I Ó N : 6 0 M I N U T O S C U P O L I M I TA D O

Ternura suite DE ÉDGAR CHÍAS DIRECCIÓN: RICHARD VIQUEIRA GRUPO: DRAMATURGOS MEXICANOS Y KRAKEN TEATRO

REPARTO: Anfitrión: Beatriz Luna Visitante: Emmanuel Morales

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Adecuación de espacio escénico e Iluminación: Jesús Hernández Producción ejecutiva: Beatriz Luna Asistencia de producción: Mónica Perea Asistencia de iluminación: Ismael Carrasco

Dame una esquina y yo te daré un suceso, un casi teatro. Dame una esquina para que podemos tejer drama como lo haría la araña.

En esta ocasión “Dramaturgos mexicanos” y “Kraken Teatro” se unen para representar el texto de Édgar Chías Ternura Suite, bajo la dirección y visión de Richard Viqueira. En esta historia se necesitan dos sobre la escena y un tercero que observe la acción que se desarrolla en una esquina, en un rincón, ya que “es en los rincones en donde se apila la basura”, de esta manera, la acción de tejer la trama, se desarrolla poco a poco. Ternura Suite es, según sus creadores, una historia triste, como todas las historias de amor entre extraños, en donde “todo acaba –ya se sabe–, cuando se trata de amor, en soledad y violencia –con un poco de pornografía.” En palabras del dramaturgo y actor Antonio Zúñiga: “sólo se necesitan dos para armar una fiesta; aquí tenemos un Anfitrión y su Visitante que nos esperan para que, a través de su mirada convergente y divergente, disfrutemos su

distante cercanía, su poderosa podredumbre amorosa y su fatal condición humana, para que podamos observar, en ese mirador teatral, la contundencia de lo viejo nuevo y tocar de nuevo lo intocable”. En esta obra de Édgar Chías, el espectador podrá constatar –como afirma Zúñiga– que, como si se tratara de un imperativo categórico: en este mundo bastan dos viviendo juntos, para hacerse la vida imposible. Después de una polémica temporada en el sótano del teatro Julio Castillo de la ciudad de México, la propuesta, de Viqueira se presenta en esta XXXIII Muestra Nacional de Teatro y será el espectador quien tendrá la última palabra sobre esta: “historia triste, de corazones rotos y cuerpos despedazados. Es pornografía dura, casi tierna, casi real”.

CONTACT O: BEATRIZ DOL ORES LUN A T ORRES maraz ulinfinito@yahoo.com.mx 57 71 59 39 044 55 20 36 66 80 33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.

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V I E R N E S 16 , 2 2 : 0 0 H O R A S A U L A C A J A N E G R A D E L A U N I V E R S I D A D A U T Ó N O M A D E S A N L U I S P O T O S Í ( U A S L P ) D U R A C I Ó N : 10 0 M I N U T O S C U P O L I M I TA D O

La pequeña habitación al final de la escalera DE CAROLE FRÉCHETTE DIRECCIÓN: MAURICIO GARCÍA LOZANO * COMPAÑÍA: TEATRO DEL FARFULLERO

* Miembro del Sistema Nacional de Creadores ** Creador Escénico con trayectoria 2010 -2013 64

REPARTO: Gracia: Karina Gidi ** Jocelyne: Verónica Langer Enrique: Carlos Corona* Jenny: Gabriela Pérez Negrete Ana: Aileen Hurtado Guitarra en vivo: Carlos Larrauri o Raúl Zambrano

Diseño de escenografía: Jorge Ballina * Diseño de iluminación: Víctor Zapatero* Diseño de vestuario: Jerildy Bosch Música original: Raúl Zambrano

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Producción ejecutiva y Asistente de dirección: Vania Sauer Asistente de producción: Ilitia Sauer Peinados y Maquillaje: Mario Zarazua y Maricela Estrada Realización de escenografía: Alberto Orozco, Román Güitrón González, José Rubio, Omar Figueroa, Miguel Ángel Solís, Juan Solís Instalación eléctrica plataforma: Tomás Cabello, Raúl Mendoza Noriega, René Vargas Lecona Realización de vestuario: Israel Ayala y Jorge Lobato Calzado: Francisco Piña

Se trata de una puesta en escena muy esencial, minimalista y basada, como ya es costumbre en nuestra compañía, en el poder interpretativo del actor y en la potencia del texto… A partir de 1998 y hasta la fecha, la compañía de creación “Teatro del Farfullero” ha logrado realizar trece montajes, de entre los cuales mencionamos Unos cuantos piquetitos, Touché o la erótica del combate, La Ilusión y Las relaciones sexuales de Shakespeare y Marlowe. Bajo la dirección de Mauricio García Lozano, quien ha realizado un destacado trabajo sobre la dramaturgia contemporánea, la compañía ha logrado presentarse en los principales festivales de nuestro país y Europa. La pequeña habitación al final de la escalera de Carole Fréchette, es el décimo tercer montaje de la compañía. Fue estrenada en el XXXIV FIC en octubre del 2011 y coproducida por el INBA, FIC, Centro Cultural Helénico (programa México en Escena, Cenart, Fonca), el Consejo de Artes de Canadá y Teatro del Farfullero. Para García Lozano quien ha realizado varias traducciones del inglés, italiano y francés, llevar a la escena a una de las voces francófonas contemporáneas más influyentes, nos arroja a una reflexión profunda y necesaria: “¿porqué nos duele el mundo?”. Para el director, actor, traductor, diseñador sonoro y docente teatral, la autora quebequá, nos pone frente a esa puerta

y nos abre un viaje hacia lo inexplicable en el que se plantean varias preguntas como saber si...: “¿Es posible que la pregunta sea, en sí misma, una respuesta?” En esta obra, el personaje de Gracia, es encarnado por la magnífica actriz Karina Gidi, quien –como nos cuenta García Lozano–, al leer y tratar de explicar la obra, surgía: “una cascada de frases llenas de emoción y de belleza, pero carentes por completo de sentido. Al darse cuenta de su imposibilidad para explicarse, rompió en llanto. En ese momento supe exactamente de qué trataba la obra”. Inspirada en el cuento de Barba Azul de Charles Perrault, Fréchette nos dice que al final de un pasillo estrecho, frente a una habitación cerrada, encontraremos a Gracia, personaje con el que la autora quisiera permanecer por toda la eternidad “en un momento de suspensión”. ¿Qué es eso que habita en la oscuridad de la habitación? Una pregunta que García Lozano, el brillante joven director de teatro (reconocido así por la revista inglesa Ópera Now) y el teatro del Farfullero nos invitan a descubrir.

CONTACT O: vaniasauer@hotmail.com 044 55 43 71 99 93

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SAN LUIS POTOSÍ

V I E R N E S 16 , 17: 0 0 Y 19 : 3 0 H O R A S A S O C I A C I Ó N T E AT R A L “ L A C A R R I L L A” , A . C . D U R A C I Ó N : 5 0 M I N U T O S C U P O L I M I TA D O

Karkinos DE XÉSAR TENA CODIRECCIÓN: MARCEL MARDEL E ILIANA ANAÍS GRUPO: PROYECTO KARKINOS REPARTO: María: Blanca Cervantes Roberto: Francisco Morán Ana: Sandra Aguilar Aldo: Antonio Winder

Producción ejecutiva y Gestión:

Eloísa Zapata

Asistente de producción y Gestión:

Fernando Cárdenas Herrera Diseño escenográfico:

Arnoldo Picasso Escenografía: Ram Aranda

Diseño y Comunicación Gráfica:

Cynthia Vélez

Diseño de vestuario:

Mariana G. Aguirre “Almendrha” Confección de vestuario: Eva Rodríguez Música: Noé Castro “Monini” Iluminación: Mariana G. Aguirre “Almendrha” Voz en Off: Iliana Anaís / Eloísa Zapata

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EXPOSICIÓN: (IN) certidumbres del cáncer Impartieron taller: Sofía Córdova, Aarón Cadena Sede y Colaboración: Centro Cultural el Faro Expositoras: Elizabeth Alfaro, Berenice Carranco, Yadira de la Torre, Julieta González, Norma Juárez, María del Carmen Navarro y Liliana Rodríguez. Registro Audiovisual: Lumen Flujo Cultural: Rebeca Colunga, Jesús Compean, Juan José Campos

Karkinos surge de la necesidad de contar sobre una realidad latente en miles de personas: el cáncer, abordándolo no sólo como enfermedad, sino como una forma de vida que puede palparse sentirse, coexistirse…

La obra teatral Karkinos, producto del trabajo de Marcel MarDel e Iliana Anaís y apoyado por el FECA 2012, es un proyecto que se desarrolla a partir del deseo por mostrar en escena una problemática vital como lo es el padecimiento del cáncer. De esta manera, todos los implicados en este valioso esfuerzo se dan a la tarea de hacerle frente a una enfermedad que representa la primera causa de muerte en nuestro país (principalmente el cáncer de mama, el cervicouterino y la Leucemia), misma que de ser detectada a tiempo, puede ser combatida y disminuida en un alto porcentaje. Nos cuenta la mitología griega que durante la lucha de Heracles contra Hidra, la diosa Hera mandó a Carcinos (o Cáncer, un cangrejo gigante que habitaba en la laguna de Lerna), para ayudar a exterminar a Heracles (Hércules en la versión romana), hijo bastardo de su esposo Zeus. Sin embargo, en esta tarea que formó parte de los trabajos realizados por el héroe y después de haberlo picado en el pie, Heracles eliminó al monstruo sin problemas. Hera, en recompensa por los servicio del crustáceo Carcinos, a través de un acto denominado catasterismo (colocar entre las estrellas), lo convirtió en una constelación que ahora conocemos como Cáncer y que forma parte del Zodiaco.

Inspirada en esta narración mitológica y enfocada en la problemática causada por esa enfermedad, la obra teatral Karkinos configura una propuesta escénica que: “es la suma de todos los que orbitan este proyecto, que está ahí para ser desafiada, para ganarle la lucha, e incluso, hasta para compartirse; pero en el peor de los casos para padecerse”. De esta manera, el joven creador recientemente fallecido Marcel Martínez Delgado y la codirectora de la puesta en escena de la obra Iliana Anaís, apuestan por el lenguaje del arte para dar voz a una discriminación “provocada por la poca comprensión de una sociedad sin empatía”. En esta puesta en escena conoceremos, a manera de legado, el trabajo de Marcel MarDel, a quien le fuera dedicado el pasado Encuentro Estatal de Teatro, originado desde una auténtica preocupación por dar a conocer la problemática del cáncer. Un intento que, desde la creación escénica y el esfuerzo compartido, nos muestra una forma de enfrentar la realidad de un mal que se desarrolla en: “una órbita llamada Karkinos”, iluminada por “cuatro latentes y titilantes formas de deseo” que le otorgan un brillo propio, a este ya ausente joven creador.

CONTACT O: ELOIS A ZAPATA karkinos .produccion@hotmail.com 044 40 00 46 15 81 76 103 83 35 061

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Muestra en

cuatro actos

M4A 68

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Este programa se compone de los cuatro espectáculos que a continuación se enlistan y que compartirán el mismo espacio, con un breve intermedio entre uno y otro. La duración total del programa se encuentra alrededor de las seis horas. El cupo es limitado y el público podrá presenciar las 4 propuestas si así lo desea; cuando un espectador decida abandonar la sala, podrá entonces ceder su lugar a otro.

V I E R N E S 16 21 H O R A S C E N T R O D E D I F U S I Ó N C U LT U R A L “ R A Ú L G A M B O A” D E L I . P. B . A .

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DISTRITO FEDERAL

DURACIÓN: 90 MINUTOS

Fragmentos de un discurso express (BASADA EN EL FILM CHUNGKING EXPRESS DE WONG KAR WAI)

DRAMATURGIA Y DIRECCIÓN: LAURA URIBE COMPAÑÍA: TEATRO EN CÓDIGO REPARTO: May aeromoza, May california, Rubia: Marianella Villa * He-Quiwu: Juan Carrillo **

Asistente de dirección: Myrna Moguel Iluminación: Martha Benítez Espacio escénico: Tenzing Ortega Asesoría en vestuario: Mario Marín Asistente de iluminación y Espacio escénico: Daniel Pichardo Diseño Musical: Laura Uribe Escenofonía: Xicoténcatl Reyes Diseño Gráfico: Giancarlo Tinoco Producción ejecutiva: Adela Luna Producción general: Teatro en Código

* Becaria del programa creadores escénicos FONCA 2011-2012 ** Becario del programa jóvenes creadores FONCA 2011-2012 70

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¿Existe algo en el

mundo que no caduque?

Formada en 2007, la compañía “Teatro en código” es un espacio de creación, investigación y formación; compañía residente en México y conformada por las artistas escénicas: Laura Uribe, Marianella Villa y Myrna Moguel. El proyecto de esta compañía forma parte de la “Entidad La Casa Amarilla”, la cual tiene como objetivo consolidar un punto de encuentro para la resignificación escénica, buscando nuevos códigos de acción. Bajo la dirección de Laura Uribe y basada en la película Chungking Express de Wong Kar Wai, Fragmentos de un discurso express encuentra una fuerte influencia en los Fragmentos de un discurso amoroso, escritos por Roland Barthes. De esta manera, la obra presentada por “Teatro en código” explora las relaciones entre dos “sujetos amorosos”, cuyos tránsitos y las múltiples situaciones en las que son colocados los amantes, irán estructurando los fragmentos de un discurso que en este caso se vuelve Express.

Esta obra ganadora del primer lugar a la mejor obra dentro del Festival Nacional e Internacional de Teatro Universitario de la UNAM en el 2011, muestra la complejidad de relacionarse con el otro. Así, el espectador será testigo de cómo He-Quiwu, “un ser que está enamorado del amor, se refugia en la evasión de su soledad intentando encontrar a ese amor perdido en el rostro de cualquier otra mujer, una y otra vez”. De acuerdo con Adela Luna, esta propuesta nos hace “recordar el descubrimiento del amor primero, del “Sí”, que nos cegó, ese que seguimos lánguidamente sin cuestionar, el devenir de nuestras manías en este territorio sentimental, el fracaso del lenguaje al querer nombrar el deseo que se encuentra, la más de las veces, accidentalmente, en la rara forma hereditaria de su oreja, en sus dientes pronunciados, en su cabello rizado que se recarga en el hombro… Nos hace cuestionar la idea de unión total que nos empeñamos en buscar o siquiera seguir soñando.” En esta ocasión, la talentosa creadora Laura Uribe, quien ha podido abordar la técnica de teatro físico con Eugenio Barba, Julia Varley y Roberta Carreri miembros del “Odin Teatret” (Dinamarca), nos comparte una obra en la que los fragmentos de un discurso amoroso se muestran de manera express.

CONTACT O: LAURA URIBE l auenat@hotmai l .com 0 4 4 55 20 66 59 6 4 01 55 49 76 57

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DISTRITO FEDERAL

Taladro DURACIÓN: 70 MINUTOS

AUTOR Y DIRECTOR: JOSÉ ALBERTO GALLARDO* GRUPO: TEATRO DE LA BREVEDAD REPARTO: Él: Damián Cordero Dion: Dionisia Fandiño

Coreografía: Dionisia Fandiño Diseño de Iluminación: Margarita Garrido Espacio: José Alberto Gallardo* Producción: Alejandra Lemus

*Becario FONCA, Jóvenes Creadores 2011-2012 72

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Taladro es una experiencia tremendamente viva, donde las sensaciones encerradas en la realidad, son amplificadas mediante la yuxtaposición de acciones y lenguajes sobre el escenario.

Tras cinco años de trabajo como “La peste teatro”, el grupo “Teatro de la brevedad” se funda en 2007 con la puesta en escena Breve silbido desde el exilio. Con más de seis puestas en escena, el grupo de profesionales de las artes escénicas que se congregan en esta compañía, logran conjuntar temáticas y fines estéticos comunes. Las líneas temáticas que desarrollan son: La dramaturgia de fragmentación, El actor desprovisto de artificios, La noción de que los actores y espectadores comparten el mismo espacio y tiempo, La búsqueda del instante por sobre el gran relato, La búsqueda en la conjunción de lenguajes diversos y la Potencialización de la relación con los espectadores. La obra Taladro es un montaje escrito y dirigido por José Alberto Gallardo (Becario por el Fondo Nacional para la Cultura y las Artes en el programa Jóvenes Creadores 2011-2012), quien a lo largo

de su carrera ha escrito alrededor de trece obras, de entre las cuales ha llevado a escena No Othello, Los últimos días y Peste de Circo para un Payaso. En este trabajo, Gallardo nos ofrece un espectáculo que se vive “a través de, al menos, tres lenguajes: el radiofónico –un radioshow en vivo, transmitido en vivo a través de la web–, el coreográfico –metáforas de movimiento irrumpen la realidad– y el teatral –compuesto de acciones concatenadas dispuestas a potenciar los instantes.” Es así como a partir de estos lenguajes, el espectador conocerá la historia de un hombre que refugiado en un bunker transmite un radio show por Internet, un programa de radio que dará cuenta de una despedida no consumada. Así, Gallardo nos adentra a un espacio en el que “se materializan entonces, fragmentos, escombros de lo que un día lo fue todo en su vida, lo que un día fue su vida, la vida de ellos, quienes se han amado: instantes que van desde esa felicidad que se previó duradera…”

CO N TAC T O: JOSÉ ALB ER T O G ALLARDO t eat r odelhom br ebr e ve@gmai l .com 0 4 4 55 27 28 63 17 01 55 50 51 74 w w w.elt eat r odelabr e vedad.bl ogs pot.mx

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DISTRITO FEDERAL

DURACIÓN: 76 MINUTOS

Esto no es Romeo y Julieta CREACIÓN: LUNA AVANTE COMPAÑÍA: LUNA AVANTE REPARTO: Antonio Salinas Diana Fidelia Marianella Villa Micaela Gramajo Bernardo Gamboa

Productora: Isis García Documentalista y Fotografía: Getsemaní Barajas Diseño gráfico: Sergio Santiago Madariaga

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Julieta está muerta, pero si respiras lo suficientemente fuerte podrías sentir su olor. Romeo también está muerto y esto no es Verona. Es aquí. Y aquí el enamoramiento y la ficción se parecen.

Fundado en 2001, y con el objetivo de realizar proyectos que integren la teoría y la práctica escénica, “Luna Avante” es una de las compañías que discurren sobre el trabajo y la dramaturgia del actor concretando sus investigaciones en la producción y presentación de un espectáculo. A lo largo de estos ya once años, “Luna Avante” ha logrado presentar trabajos como El mercader de Venecia, Zootanos, Cero p. m. y Camino. Con estos trabajos, y gracias a diversos apoyos institucionales, el grupo ha logrado presentar una serie de propuestas “tangenciales a las tendencias teatrales hegemónicas o de moda”. Conformada por destacados intérpretes, investigadores escénicos, directores y dramaturgos, el grupo se ha mantenido siempre atento a diversas temáticas que han sido exploradas a lo largo de cada una de sus aproximaciones escénicas. En esta ocasión, el grupo nos presenta un trabajo en el que el espíritu de W. Shakespeare flota en el aire y condicio-

na parte de la estructura del juego escénico. En este escenario, Julieta y Romeo están muertos y sólo queda el turno a cinco personas de accionar y diseccionar, con voluntad confesional, el sentido del enamoramiento. En este juego enmarcado por un círculo de tiza, la ficción se irá confundiendo con la realidad para encontrar un hilo que nos remite al conflicto de los enamorados de Verona. Si esto no es Romeo y Julieta, entonces ¿qué es? En palabras de los creadores, “esto es la representación de la deconstrucción de conceptos alrededor del amor y la ficción”. ¿Cuánto dura una mentira bien hecha? ¿Cuánto dura un dibujo de gis en el piso? Preguntas recurrentes en esta propuesta en la que el espectador, como en una fiesta, forma parte de las complicidades que en el desarrollo de la obra se van entretejiendo y de las cuales, debido a la cercanía espacial, no podrá permanecer anónimo e indiferente. En este juego que se juega en presente, los amantes de Verona darán paso a otras posibilidades que las cinco personas- jugadores, dentro y fuera del círculo, tienen que relacionarse con sus pasiones amorosas. Ya que: “Es aquí donde la condición del actor y del amante se simbiotizan construyendo paradojas ingeniosas que confundirán a los jugadores –actores -amantes.”

CO N TAC T O: BERN ARD O G AM BOA ber nar dogasu@yahoo.com.mx 0 4 4 55 51 95 80 06 01 55 5 4 40 39 26 ht t p: //lunaavant e.blog spot.mx /

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PUEBLA

DURACIÓN: 55 MINUTOS

¿Encontró lo que buscaba? (PARTITURA COTIDIANA A UNA SOLA NO VOZ) AUTOR Y DIRECTOR: DANIEL HILARIO CAMACHO COMPAÑÍA: SOLILOQUIOS A ESCENA REPARTO: Ella: Edith Pérez Soto

Dirección, Diseño de espacio escénico e Iluminación: Daniel Hilario Camacho

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Renunciamos a la palabra hablada. La partitura transcurre casi en el silencio; y es justamente a través de este silencio que puede surgir una oportunidad. Una oportunidad de descolocar la mirada, de descontextualizar “nuestra percepción” momentáneamente.

Desarrollado en la ciudad de Puebla, el proyecto Soliloquios A ESCENA, promueve el diálogo e intercambio entre jóvenes creadores escénicos. A partir de la convergencia de estos creadores con actividad autónoma, se integran a la experiencia que gracias a la continuidad logran formular planteamientos eficaces para los procesos creativos. En este proyecto, la idea de Taller se entiende como una metodología en constante re-construcción. De esta forma, los integrantes de este proyecto posibilitan un espacio de análisis crítico que les permite reflexionar en torno a sus prácticas teatrales. Bajo la premisa de re-construcción, el trabajo de Daniel Hilario Camacho busca que el espectador tenga un proceso de re-construcción paralelo al de la actriz-persona que interpreta una partitura en la que la repetición es parte del juego escénico y a partir de la cual, el espectador podrá intuir las posibles evoluciones de la acción. La ausencia

de la palabra es parte fundamental de esta propuesta, ya que es en el silencio que el espectador podrá construir sus diálogos. Becario del programa Prácticas de vuelo 2011, desarrollado en la ciudad de Oaxaca, Camacho nos presenta una propuesta que ha venido desarrollando en colaboración con la actriz desde hace un par de años. Ha sido en este periodo en el que el joven director ha podido formular preguntas en torno a su quehacer teatral. “Preguntas que intentamos responder en la praxis: durante el encuentro cuerpo a cuerpo (entre los que asisten, la actriz y los espectadores) mismo que se consuma y se consume en tiempo presente.” En esta partitura repetitiva el espectador podrá configurar su propio diálogo y saber si ¿Encontró lo que buscaba? ante un juego escénico en el que la actriz-persona transita: “entre el despertar y el desayuno; entre el desayuno y el espejo; entre el espejo y la indecisión, entre la indecisión y la fantasía; entre la fantasía y la televisión; entre la televisión y el sueño; entre el sueño y lo real; entre lo real y la búsqueda; entre la búsqueda y la repetición; entre la repetición y el sueño, entre el sueño y la vigilia…”

CO N TAC T O: D aniel Hilar io Cam ac ho 0 4 4 22 23 71 6 4 01 01 22 22 35 17 56 daniloquio7.0@ hot m ail.com

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DISTRITO FEDERAL / CANADÁ

S Á B A D O 17, 1 2 : 0 0 H O R A S C I N E T E A T R O C A R L O S A M A D O R D U R A C I Ó N : 5 0 M I N U T O S

Berrinche AUTORA Y DIRECTORA: HÈLÉNE DUCHARME COMPAÑÍA: FIGURAT / TEATRO MOTUS REPARTO: La Mamá: Lizeth Rondero Ami: Sergio Bátiz Sami: Paola Huitrón

Música original: Omar Guzmán Productor ejecutivo: Felipe de J. Huerta Z. Asistente de dirección: Felipe Rodríguez Traductor: Humberto Pérez Mortera Realización de títeres: Claude Rodríguez Asistente de realización: Mar y Sol Rodríguez / Astillero Teatro Realización de escenografía y Utilería: Astillero Teatro Diseño de escenografía: Marc-André Coulombe Pintura escénica: Cenobia Cervantes Iluminación: Michelsaint-Amand

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Diseño de vestuario: Mar y Sol Rodríguez Títeres de sombra: Jean Cummings Adaptación literaria de la canción final: Ramón De La Cruz Construcción del teatrino de sombras: Arsenio Cruz Bobadilla

En el teatro, la necesidad por encontrar un lenguaje artístico personal, un código para comunicarnos, nos conduce irremediablemente por el camino de la experimentación y el riesgo.

Dedicada a la producción de espectáculos teatrales de diversos estilos (como marionetas, teatro de sombras, cabaret y teatro de calle) y a producir festivales, libros y música, FiguraT S. C. es una empresa que ofrece información artística inicial y especializada de alto nivel. Esta empresa dirigida por Emmanuel Márquez se une en 2001 a Théâtre Motus, compañía quebequense fundada por Hélène Ducharme, presidente de la Asociación Quebequense de Marionetistas (AQM) y Sylvain Massé, para producir Berrinche. Théâtre Motus se concentra principalmente en la creación de espectáculos para público joven que unen el arte titeril con la actuación, el teatro de sombras y la música. Esta compañía ha logrado presentarse en distintos países como Francia, España, Grecia, Mali y ha desarrollado proyectos bajo la modalidad de Residencia de creación en colaboración constante con importantes teatros como el Théâtre de la Ville en París.

Berrinche es el resultado de una colaboración entre creativos y actores México-canadienses y se presenta en dos versiones: español e inglés (Tiger by the tail), ambas dirigidas por Hélène Ducharme y actuadas por el mismo elenco mexicano.

zarse de su enojo; el berrinche es una fuerza que él no cree que venga de su interior.” Es éste un tema muy rico para el teatro de sombras y de títeres, porque permite: “poner en imágenes todas las transformaciones físicas y psicológicas que sufren los personajes”.

Titulada originalmente La crise, y escrita por la misma Ducharme en 2004, Berrinche aborda el tema de la ira dentro de la relación entre madre e hijo y está dirigida principalmente a un espectador de entre 5 y 11 años. La versión en español estuvo a cargo del destacado traductor Humberto Pérez Mortera (Incendios de Wajdi Mouawad y Desorden Público de Evelyne de la Chenelière, entre muchas otras). Los títeres fueron diseñados por Claude Rodríguez y realizados por “Astillero producciones”. En palabras de sus creadores: “El berrinche es un suceso corto e intenso. Muy presente en el niño pequeño, quien debe aprender a controlarse y responsabili-

Berrinche es el resultado de una necesidad de comunicación, experimentación y de riesgo para su creadores, quienes comparten la idea de que la poética y el lenguaje del teatro para niños debe ser aun más comprometida que en el teatro para adultos y que debe buscar un lenguaje visual y metafórico que los haga partícipes del evento teatral. Esta obra pretende reconocerse en el otro y que el joven espectador, al imaginar la historia mitológica de “una diosa de las cóleras y de un cazador de tigres, pueda descubrir un nuevo espacio de armonía”.

CONTACT O: EMMANUEL MÁRQUEZ 0 4 4 55 43 45 06 77 01 55 55 83 18 03 emmanuelmarquezperalta@gmail.com www.f i gur at.ne t 33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.

TAMAULIPAS

S Á B A D O 17, 17: 0 0 / 2 0 : 0 0 H O R A S C E N T R O C U L T U R A L U N I V E R S I T A R I O B I C E N T E N A R I O DUR ACIÓN: 88 MINUTOS

Woyzeck DE GEORG BÜCHNER DIRECCIÓN: SANDRA MUÑOZ COMPAÑÍA DE TEATRO DEL ECM REPARTO: Woyzeck: Orlando Villanueva Andrés: Édgar Zapata María y Abuela ( Alternantes): Carolina Bringas / Iccen García Capitán: Víctor Zavala Vargas Tambor Mayor: Isaac Martínez Doctor: Sergio Aguirre Idiota: Carlos del Castillo

Dueño de Barraca (Alternantes): Guillermo Sosa / Dora Pérez Niñas: Enheide Tovar, Dora Pérez, Carmina Villanueva y Judith Camacho Músicos: David Pesina y Efraín Pérez Soldados: Todos

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Asesoría coreológica: Miriam Huberman Música y montaje de canciones: Marcial Salinas Diseño de escenografía y vestuario: Víctor Zavala Vargas Realización de vestuario: Amador Méndez Guzmán e Iccen García Fotografía: Miguel Ángel Camero Diseño de iluminación: José Guadalupe Herrera “Chore”

Cuando las compañías permanecen juntas por periodos prolongados de tiempo, su injerencia dentro de las sociedades que las acogen es notoria.

Bajo la idea de que el arte teatral fortalece el crecimiento espiritual e intelectual en las personas que lo experimentan y con la misión de brindar al público una experiencia estética se conforma la “Compañía de Teatro del Espacio Cultural Metropolitano, ECM” de Tamaulipas. Este espacio abierto para la cultura da cabida y oportunidad de crecimiento a diversas manifestaciones artísticas de la localidad. De esta manera, a partir del año 2005, el ECM ha permitido el desarrollo de esta compañía teatral. Dirigida y fundada por Sandra Muñoz, licenciada en arte dramático por la UNAM, la compañía desarrolla proyectos de investigación escénica, a través de montajes en donde el manejo extra cotidiano del cuerpo del actor es el elemento más importante.

De esta forma, la promoción del arte teatral como una de las formas esenciales en el desarrollo cultural de nuestro país se vuelve indispensable para la compañía. En esta tarea artística de analizar y entender la realidad, la constancia y el seguimiento de los procesos teatrales es fundamental, ya que en palabras de Muñoz: “Las compañías han resultado ser el medio por el que un grupo de personas, idealmente comprometidas con el quehacer teatral, proponen, investigan, desarrollan, comprueban y muestran los resultados obtenidos, casi como dentro de un laboratorio”. En esta ocasión, Muñoz se interesa por la emblemática obra de Georg Büchner en la que el soldado fusilero Woyzeck, quien “no es un hombre pobre, sino un pobre hombre” se deja arrastrar por su

naturaleza y termina por destruir lo que más ama. Esta es una obra que gira en torno a la opresión y al abandono dentro de una atmósfera fatalista que forma parte de la naturaleza humana y que, según la directora “no acabamos de comprender”. En esta puesta en escena que formó parte del Festival Internacional Tamaulipas 2011, los personajes serán puestos sobre un tablero de juego en la que ese “hombre sin virtud”, que nació para la libertad y la belleza, se deja arrastrar hacia su fatal destino.

CONTACT O: S ANDRA MUÑOZ renat aedi thf@hotmai l .com 01 83 33 02 88 79 01 83 31 26 08 88 01 83 32 15 97 05 33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.

GUANAJUATO

S Á B A D O 17, 16 : 0 0 / 1 9 : 0 0 H O R A S T E A T R O E L R I N O C E R O N T E E N A M O R A D O DUR ACIÓN: 60 MINU TOS CUPO L IMI TADO

Paso de Dos DE EDUARDO PAVLOVSKY DIRECCIÓN: DANIEL GARCÍA BELARDINELLI COMPAÑÍA: LUNA NEGRA

REPARTO: Ella: María Eugenia Jones El: Francisco Márquez

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Producción, Escenografía e Iluminación: Ludwing Van Gallardo Huape Plástica y Pintura: Ángel Ortiz Realización y montaje: Héctor Campos

Paso de dos es un cuerpo a cuerpo, un abrazo de dos cuerpos con matices desde el hasta la muerte.

amor

En esta obra del dramaturgo, actor y médico psiquiatra argentino Eduardo Pavlovsky, el grupo “Luna Negra” aborda un teatro que va en búsqueda de estados de ánimo, diálogos interiores y de preguntas incontestables que incursionan en la complejidad humana de “el represor”. Aquí, dos personajes se enfrentan en un diálogo que desvela los juegos de lucha y amor, en su intento por descubrir las pasiones del otro. Paso de dos, bajo la dirección de Daniel García Belardinelli, director del Teatro el Tablón en la Patagonia argentina y participante de la EITALC, ha tenido una importante temporada en el foro que lleva el mismo nombre del grupo y en “La casa suspendida” del grupo “La nada

teatro” de la ciudad de Guadalajara, así como en otros espacio del estado de Guanajuato. Para García Belardinelli, quien ha trabajado en talleres con el grupo “Luna Negra” como director de obras como La muerte y la doncella, Extraño Juguete y El cruce sobre el Niágara, entre otras, la búsqueda de los personajes por descubrir las pasiones del otro se convierte en el principal eje de interacción y con ello logran abrir todo un abanico de multiplicidades.

CONTACT O: LUDWING VAN G ALLARDO l udwi ngvanm@gmai l .com 0 45 47 71 60 78 98 71 12 876 71 10 080 33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.

DISTRITO FEDERAL

S Á B A D O 17, 21 : 0 0 H O R A S T E A T R O D E L A P A Z D U R A C I Ó N : 11 0 M I N U T O S

Ilusiones REPARTO: Primera Mujer: Adriana Roel Segunda Mujer: Ana Ofelia Murguía Primer Hombre: Farnesio de Bernal Segundo Hombre: Ricardo Blume

DE IVÁN VIRIPAIEV VERSIÓN AL ESPAÑOL: STEFANIE WEISS Y MAURICIO GARCÍA LOZANO DIRECCIÓN: MAURICIO GARCÍA LOZANO COMPAÑÍA NACIONAL DE TEATRO

Violoncelo: Pilar Gadea Escenografía e Iluminación: Fernando Feres Música original: Jacobo Lieberman Vestuario: Estela Fagoaga Asistente de dirección: Paula Watson Asistente de producción: Jaqueline Ramírez Torillo Realización de escenografía: Macedonio Cervantes, Eusebio Cervantes, Jaime Lule, Leonardo Ramírez, Roberto Águila y Tomás Herrera

*Todos los actores de la Compañía Nacional de Teatro son becarios del Fondo Nacional para la Cultura y las Artes 84

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Realización de telones: Vicente Arriaga Pintura escénica: Arturo Durán Ramos, Javier Rodríguez Dionisio y Taller de la ENAP Realización de vestuario: Israel Ayala y Emigdio Fernández Producción ejecutiva: Mariel Ramírez Castillo Compañía Nacional de Teatro Director artístico: Luis de Tavira El maquillaje de los actores para esta obra ha sido posible gracias a la colaboración de MAC Cosmetics.

Llegas al mundo siendo una cosa y te vas totalmente transformado. Esto quiere decir que realmente has vivido, que verdaderamente has vivido. Con un texto contemporáneo del ruso Iván Viripaiev, y la experimentada trayectoria de los actores de número de su elenco estable, la Compañía Nacional de Teatro presenta su montaje número 28, Ilusiones. En esta ocasión, y bajo la dirección de Mauricio García Lozano, esta obra del joven dramaturgo reúne a los primeros actores Ana Ofelia Murguía, Adriana Roel, Farnesio de Bernal y Ricardo Blume. En esta propuesta, el peso escénico está centrado en el poder narrativo de los intérpretes, quienes apoyados en su vasta experiencia nos comparten un historia, en la que “dos parejas de octogenarios se dan cuenta de su metamorfosis e inician un viaje a través de sus deseos y concepciones del amor para descubrir, al final de su vida, que no todo es como parece”.

En este segundo trabajo de Mauricio García Lozano presentado en esta Muestra Nacional de Teatro, los experimentados actores y actrices son apoyados sólo por una escenografía y un vestuario sobrios, básicamente azul y gris, y la música de chelo interpretada por el también muy talentoso Jacobo Lieberman. En esta versión que nos presenta la Compañía Nacional de Teatro, y a diferencia de la propuesta del autor porque los personajes fuesen interpretados por actores jóvenes, tendremos la oportunidad de apreciar un trabajo actoral remarcable que potencializa el impacto del texto. En esta historia, seremos testigos de las complejas relaciones de dos parejas, interpretadas por experimentados actores del teatro mexicano. De acuerdo con

Anaraceli Alvarado: “Los actores exponen al público la crítica de la conducta humana y llevan a cabo el desarrollo de la acción que convierte al espectador en participante activo del fenómeno de comunicación, esta relación produce el fenómeno estético.” De esta manera, el montaje número veintiocho de la Compañía Nacional de Teatro estrenado en la sede de la misma y presentado ahora en el marco de esta XXXIII Muestra Nacional de Teatro, nos muestra un excelente resultado del trabajo entre los actores que conforman su elenco estable y la dramaturgia de un joven autor ruso, quien nos propone que “nada existe sino lo que miramos en el momento en que se mira, porque un segundo después, aquello dejará de existir”. CONTACT O: ALEGRÍA MAR TÍNEZ al egri amtz@gmai l .com 01 55 56 58 09 56 www.cnt eatr o.bel l asar t es .gob.mx

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Año con año, la Muestra Nacional de Teatro logra convocar una gran parte de las propuestas teatrales desarrollas en años recientes por creadores de toda la República Mexicana. Este acontecimiento teatral, representa la ocasión de conocer algunas de las propuestas que pueblan la escena nacional y fomentar el intercambio de miradas y perspectivas sobre el arte del teatro. En cada emisión, preparamos un catálogo con el objetivo de presentar cada una de la obras y generar así un documento que dé testimonio y memoria para nuestro teatro. Para esta ocasión XXXIII hemos intentado hacer énfasis en los aspectos creativos de los creadores escénicos y los grupos, colectivos o compañías teatrales. En este documento que hoy presentamos, nos interesa recuperar la perspectiva de los creadores escénicos que conforman una parte del amplio espectro teatral de nuestro país y que gracias a una serie de interrogantes tuvieron a bien dialogar y formar parte de estas páginas. Debido a la pluralidad de perspectivas, la sensibilidad variable, y la destreza de cada una de sus plumas, hemos decidido incluir de manera íntegra sus reflexiones a lo largo de este catálogo. De esta forma, el diálogo que entablamos con dichos creadores, se basa en las influencias artísticas que han tenido en su tarea artística, las relaciones con otras disciplinas y en particular con disciplinas comúnmente alejadas de la creación artística, los preceptos creativos que conforman su universo de creación y los fundamentos teóricos en los que basan sus intuiciones. De igual forma, se basan también en las metodologías que emplean en sus propuestas y la cercanía e intercambios con otros creadores artísticos. Finalmente, hemos querido conocer su postura crítica sobre el arte teatral en la escena artística actual.

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Como el lector podrá constatar, los textos recogidos y presentados a lo largo de estas páginas, dan cuenta de las inquietudes y certezas de cada uno de los creadores. Así, en algunas ocasiones sus pensamientos van enfocados hacia la creación escénica desde una perspectiva general o desde un posicionamiento que hace de su trabajo escénico un desafío constante. En otros casos, se parte del trabajo específico de las obras que los representan este año dentro de la Muestra Nacional. Con este catálogo, celebramos la inclusión de ideas diversas en torno al arte teatral. Nuestra intención es presentarlo a modo de apuntes para la escena que dialogan entre sí, respondiéndose algunas veces y contradiciéndose en algunas otras, pero siempre enfocados en el quehacer del teatro. Un ejercicio vital para mantener el diálogo sobre la creación teatral en nuestro país.

Gabriel Yépez

Cómo se hizo La Palmera Arnaud Charpentier

La elaboración de La Palmera se hizo a partir de la experiencia de un primer espectáculo realizado juntos: Tanto soñé de ti (2010), el encuentro de una actriz con un pintor. Teníamos un fuerte deseo de vivir aventuras creativas y de llevar lo más lejos posible nuestras proyecciones hechas en vivo. En un principio, pensábamos en un espectáculo dónde el actor iba a contar historias desde la sala, en la oscuridad, en medio de los espectadores, mientras el pintor, instalado también en medio de la sala, proyectaría las imágenes en la pantalla. No teníamos texto. Lo único que sabíamos con certeza era que íbamos a trabajar sobre unos cuentos de libras y zorros de África Occidental. Como suele suceder, no quedó nada de la idea inicial. Lo más difícil de solucionar en la creación de imágenes en vivo es el ritmo de elaboración de dichas imágenes. Tener buen ojo y mucha práctica del dibujo y de todo tipo de técnicas, es oficio del pintor. Pero hacer las cosas en ritmo con un texto que a veces dice mucho en pocas palabras, y otras veces dice poco en muchas, lograr efectos que caen perfectamente a tiempo con la voz del actor, es algo totalmente desconocido para un artista plástico, y eso nos llevó a inventar todas la soluciones. Durante los ensayos, sentado en la oscuridad en medio de un indescriptible desorden de pinturas, trapos, papelitos, filtros, cartones, micas, solventes, etc., manchado de pintura de los pies a la cabeza, el pintor retomaba una y otra vez cada secuencia de gestos, tal cómo un actor o un bailarín. El director vigilaba los resultados en la pantalla, primero seleccionando las imágenes hechas por el pintor, y luego coreografiando la mano de éste, vuelta actriz principal del montaje. Probamos una gran cantidad de textos, y de los que se quedaron, hay una gran variedad de registros literarios. Del cuento de la Cabrita del Sr. Seguin, que es una obra maestra de la literatura francesa, se han podido respetar hasta las comas. El primer cuento de Shahrazad, que es una obra de la que existen varias versiones originales y muchas traducciones, fue ligeramente adaptado para nuestro propósito. El cuento Lis-

sou, del que se conoce sólo una transcripción de lo que es una tradición oral, fue ampliamente rescrito. La historia de la Caguama Macho fue totalmente escrita por Olivier Dautais a partir de un antiguo mito de creación y de una mentira contemporánea (los peces que se roban elotes), ambos de tradición oral y de cultura Yaqui. Si en un principio las imágenes ilustran los relatos, con el avance del espectáculo se van enriqueciendo y cobrando cada vez más autonomía, hasta representar aspectos ignorados por el relato en está última narración. Las imágenes se conciben más como comentarios visuales de un relato que como su ilustración. Las últimas soluciones fueron encontradas en un ensayo donde la actriz improvisó con el pintor. Así fue como todo nació del experimento. Muy lógicamente, la dinámica del espectáculo nos llevó a solucionar todo en vivo y artesanalmente: se incorporó a un músico (Axel Tamayo) y a una actriz (Francia Castañeda). Con el tiempo y a lo largo de las funciones, todos nos hicimos músicos: el pintor aprendió la flauta, el actor el mosquito y el acordeón, la actriz percusiones, jarana, canto. Y de no ser por la posición aislada de los proyectores en medio de la sala, todos hubieran terminado colaborando en la elaboración de las imágenes. Hoy en día, estamos acostumbrados a ver espectáculos en dónde se lanza video, tracks de música, efectos multimedia. Sin embargo, pensamos en Teatro Entre2, que el único riesgo real es el riesgo poético: es el de hacer las cosas en vivo, lealmente, con su talento propio. La decisión de teatralizar la luz y el sonido como se hace en La Palmera responde a una alta exigencia artística. En este cine artesanal, efímero y cálido que estamos reinventando, apantallar no significa valerse impropia y vanidosamente de algo: lo que en La Palmera se apantalla es talento propio, compromiso real, tiempo vivo.

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Mía Blanca y

Amaranta Leyva La puesta en escena de la obra Mía de Amaranta Leyva, responde a la inquietud de un equipo que, sin haber trabajado de manera colectiva anteriormente, coinciden en un punto de necesidad de exploración en un terreno difícil: el teatro para niños. Difícil, porque se esperaría un texto y una propuesta con colorido, música y personajes simpáticos… y al presentar este trabajo, la respuesta de los asistentes resulta contrastante: mientras a algunos les incomoda, incluso les aturde el texto y su resolución, a otros les resulta gratamente recibido. La actitud desde la dirección fue firme: no cambiar o suavizar escenas. De hecho, las observaciones hechas por los jurados en la Muestra Estatal de Teatro de San Luis Potosí, no pedían que suavizara, sino que enfatizara la violencia ocurrida fuera de la habitación en que ocurre la acción. Personalmente, con esos comentarios sí estoy de acuerdo. Egresado de la “Escuela Estatal de Teatro” de San Luis Potosí, fui alumno durante tres años en la materia de actuación del maestro Jesús Coronado y posteriormente trabajé otros 3 o 4 años más con él, de manera consecutiva –ya que intermitentemente he seguido trabajando con la compañía que él dirige: “El Rinoceronte Enamorado”. Durante ese lapso, tuve la fortuna de asistir a cursos con el maestro Francisco Beverido Duhalt, además de recibir asesorías para el programa de “Teatro Escolar” con el cuerpo docente de “Casa del teatro”, encabezada por el maestro Luis de Tavira, mismos que reforzaron, tanto mi actitud frente a los alumnos y actores, como las consignas del trabajo a seguir. Principalmente, la apuesta como director se basa en el rigor y la disciplina con el actor –y con uno mismo–, las 90

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imágenes mentales, ir hasta las últimas consecuencias y en que “todo está en el texto”, de esta manera busco el respeto y respondo a lo aprendido por los maestros antes citados de manera directa e indirecta. Y sé que me quedo corto… ¡por supuesto que les aprehendí mucho más! En los procesos, amén de los elementos técnicos a aplicar para una puesta en escena (análisis de texto, tono, comprensión de la situación, análisis de personaje, relación con los personajes, contexto histórico, lecturas afines, música, etc.) me interesa, o más bien me preocupa mucho, el contacto entre los participantes. Considero que el encuentro en este espacio tan privilegiado es una oportunidad para conocerse, compartir y, de esa manera, crecer (sin pretenderlo) como personas y como equipo creativo.

Murmurante Teatro Juan de

Dios Rath

1. Influencias artísticas (directas e indirectas) Han sido varias las influencias artísticas que hemos tenido. Las más directas, desde mi formación con Marcela Ruiz Lugo y luego con Héctor Mendoza y Rodolfo Valencia en la Facultad de Filosofía y Letras de la UNAM, hasta los cursos de formación y perfeccionamiento con Luis de Tavira, Larry Silberman y Patrice Pavis. Más adelante, vino el trabajo con Raquel Araujo y Óscar Urrutia, Óscar López y el Mosco; pero más recientemente, la influencia que hemos recibido ha sido el trabajo con Jorge Vargas a partir del proceso de puesta en escena de El viaje inmóvil y con Noé Morales Muñoz en Manual de cacería. Por otra parte, las influencias indirectas, pues son muchas, y corresponden en gran parte a lo que hemos leído o visto de teatro. “Teatro Línea de Sombra”, Yuyachkani, “Malayerba”, Martín Acosta y Luis Mario Moncada, Édgar Chías, Richard Viqueira, Noé Morales, Luis Martín Solís, “Akhe Group”, “Rimini Protokoll”, Lola Arias y “Lagartijas tiradas al sol”.

2. Influencias y relaciones con otras disciplinas del conocimiento (ciencias sociales, humanas, del lenguaje, etc.)

Debido a nuestro reciente interés con temas como el suicidio, hemos trabajado con el psiquiatra y antropólogo Gaspar Baquedano, quien nos ha mostrado su práctica de terapia de grupo en el Hospital Psiquiátrico de Yucatán con el Programa Integral de Atención al Suicidio. Por otra parte, la práctica de buceo en cenotes, así como la espeleología han jugado también un papel importante en El viaje inmóvil, donde además uno de nuestros actores es también psicólogo. Asimismo, en Manual de cacería contamos con el apoyo y asesoría del colectivo de investigadores de Psicjurid, que dirige el criminólogo Paulino Dzib, quien es investigador y docente en la Universidad Autónoma de Yucatán y junto con sus colegas nos han asesorado respecto a casos que ellos han documentado e investigado sobre conducta criminal.

3. Preceptos creativos y/o fundamentos teóricos

Debido a la influencia del trabajo con Jorge Vargas, hemos adoptado la idea de que el artista no puede ignorar el contexto social en el que se desenvuelve y que lo pone en contacto con una realidad compleja. Trabajar con materiales de la realidad, buscar en el arte escénico mecanismos para que lo real irrumpa en la escena, buscar una actoralidad que construya y muestre imágenes más que una que “ficcionalice” y represente, son objetivos que intentamos materializar en el proceso de laboratorio para trasladarlos a la escena y compartirlos con el público. En cuanto a la teoría, aparte de releer a los grandes maestros de la teoría escénica, hemos estado explorando filósofos contemporáneos como Walter Benjamín, Michael Foucault y Gilles Deleuze, que mucha influencia tienen en las artes escénicas contemporáneas.

4. Metodologías de creación

Venimos de procesos de trabajo con textos y adaptaciones textuales. Trabajo de mesa previo, etc. Sin embargo, últimamente hemos pasado a trabajar procesos de laboratorio con objetos y elementos multimedia en los que el texto se convierte en una consecuencia de improvisaciones y acciones escénicas que se van acotando en el laboratorio. Igualmente tratamos de investigar más, de acceder a otras áreas y disciplinas del conocimiento.

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5. Diálogos e intercambios con otros creadores artísticos

El trabajo con Jorge Vargas y Noé Morales Muñoz ha sido enriquecedor, así como los intercambios que hacen posibles los festivales (como el más reciente festival de “La Rendija” en Mérida, que reunió a creadores que trabajan con objetos y con los cuales hemos compartido puntos de vista en mesas de reflexión sobre nuestro trabajo con personalidades como Shaday Larios, Xavi Bobés, Manuel Parra, por mencionar algunos.

6. Perspectiva crítica sobre el arte teatral en la escena artística actual

En general, el trabajo escénico y los festivales que realizan grupos como “Teatro Línea de Sombra”, es un ejemplo de cómo un colectivo puede crecer y encontrar sus espacios de producción. El teatro independiente y el trabajo de grupo, son caminos que hemos querido transitar aquí en Mérida. La intención es captar o crear un público que aprecie nuestro trabajo y siga nuestras actividades. La necesidad de contar con espacios para crear y producir es una constante en los procesos de laboratorio y es también una lucha que los grupos independientes libran en cada región. Las políticas culturales del Estado generan algunos recursos a los que es posible aspirar (como los apoyos del FONCA), pero su instrumentación en el interior del país se enfrenta a serias dificultades porque en los estados las instituciones homólogas no siempre funcionan en concordancia o existen proyectos oficiales que promueven condiciones adversas a la autogestión, tales como la gratuidad en los festivales y la muy escasa visión para programarlos.

En Mérida, la pertinencia de un teatro que aborde temáticas sociales y que busque una calidad artística, todavía no es justamente valorada en un medio en el que otras propuestas de teatro de entretenimiento suelen ser mejor apoyadas con los recursos oficiales. Por otra parte, creemos que el teatro independiente genera una mayor libertad de discurso y promueve una más enfocada interlocución con los públicos a los que llega. Es un trabajo de resistencia y de perseverancia que se da en muchas regiones del país y que –considero– tiene un valor también como fenómeno social, en el que los colectivos artísticos, tanto de teatro como de danza y performance, generan discursos críticos, así como posibilidades de reflexión acerca de la realidad que les ha tocado vivir. El trabajo artístico de grupos como “Lagartijas tiradas al sol”, “Carretera 45”, “Inverso Teatro”, “Tumáka’t, danza contemporánea”, “Mákina de turing”, “Murmurante teatro”, “La Rendija”, “Teatro ojo”, “Grupo teatral Tehuantepec”, “Microscopía teatro”, entre muchos otros grupos de las distintas regiones del país, propone discursos escénicos que bordean los límites de las distintas disciplinas escénicas tales como la danza, el performance, el documental, el teatro, la multimedia y la investigación social. También han logrado interesar a nuevos públicos con sus propuestas y son una respuesta al anquilosamiento que ha caracterizado a la mayor parte de los proyectos que absorben los grandes presupuestos oficiales. En cada edición de la Muestra Nacional de Teatro vemos una gran diversidad de propuestas, tanto de grupos emergentes como de teatristas consolidados, y es –además– una muestra de la visión crítica de quienes la organizan al programar espectáculos escénicos representativos a nivel nacional. Las actividades académicas y las mesas de reflexión son también un foro en el que artistas de muy diversas regiones se reúnen para intercambiar ideas y entramar las redes que vinculan los núcleos teatrales de todo el país.

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“Pasos” a la MNT Alberto Villarreal

El escenario es una válvula de compresión donde las materias son puestas a guillotina de mirada. Su trabajo es artesanal, crudo y violento. Martilleo y horno, urdimbre y telar. Nada debe quedar de los intereses de sus participantes; es cuando ellos han desaparecido, que la maquinaria escénica se mueve por sí misma. Trabajo de pelar, de hacer hueso, que los que lo presencien ensamblen sus cabezas y piernas; que cada cual obtenga sus monstruos y animalarios. Así que se está al servicio de lo informe, del permitir que suceda. Es la humildad de saber que pasaremos y que sólo dejamos rastros, la huella de la que se derivan los pasos de un provocador. Es la soberbia de mantener esto corrupto, en sus buenos y malos sentidos, para no caer en tironeos de buenas conciencias, en las sublimaciones “museísticas” y “festivaleras”; operar al nivel del gesto, de la mueca, del que va llegando y es aún sombrío. Camino esta confesión desde la imaginación. Una sin la otra son vanidades de los que vociferan que quieren salvar a este mundo y sus manías. El contrato es que proponemos otra realidad, pero no la ponemos en ningún lado. Sarcasmo, ironía y tragedia. Así el mundo reinserta sus misterios. Vagabundeo estas notas desde el cuerpo, creo más en él que en intelectualizadas lonjas de las que en el teatro se saca poco drama y mucha paja. Prefiero, profeso, esta orfebrería del cuerpo que se sabe que pesa, que está metido de polizón en este mundo de animales y vegetales. Llevo la teatralidad como un órgano exterior, de transfusión reiterada, donado –presentación a presentación– por sus vasos comunicantes de actores, bailarines, escritores y todos los metidos en esto, sin necesidad de “calificativos” y nomenclaturas de programa de mano. Aquí hay que repercutir en lo contrario a un molde, lo adverso al ripio civilizatorio, lo otro que no es lo que se acostumbra, la usanza, la dictadura de nuestros tiempos. Lo explico en términos negativos, porque este es el oficio de la pérdida, por algún lado debe oficiarse el vaciamiento, de lo que las cosas y los seres están llenos de definiciones y habladurías poco relevantes. Pero sobre todo, sacar del cuerpo ese nervio nervioso y panfletario que es considerarse una arte. También ese concepto es un corral y pide sus vestuarios de oveja.

Algo así, como lo sujetado párrafos arriba, creo haberlo oído de Ludwik Margules, de Rodolfo Valencia, de Arturo Ripstein, hartazgo del ornamento pretencioso en erigirse como salvador y consuelo de una existencia humana que para muchos es fraudulenta y reiterativa. Lo he visto en los que vieron a los que yo no vi, los que pasaron días con Grotowsky, con Pina Baush, con Kantor. O a los que he leído y de los que acepto sus iluminaciones como propias, como Witkiewicz, Castellucci o Bergman. O aquellos teatreros lúcidos puestos en ediciones de viejo con el rótulo de “presocráticos”, que han facturado manifiestos teatrales tan exactos que ni siquiera requirieron nombrarlos como tal. Quizá en la médula de todas estas manifestaciones, de estos no nombramientos, leo un desprecio por la idea de innovación, hay más un temperamento que pretende recobrar la lucidez perdida, un oficio que no se deja engañar por la línea del tiempo; porque nuevo y antiguo son linealidades de la crítica y no de este proceder que sabe que el acto escénico transcurre en la simultaneidad, en pedacerías de intentos por encarnar a lo que en este mundo, no se le ha dado forma.

Así que aquí se desmiente todo, se hace caminar a todos de manos y se les ponen orejas de burro en el rabo. Se le da vuelta al calcetín y se pone la piel como órgano íntimo de contracciones involuntarias. El mismo oficio tiene que ser puesto a patíbulo de escarnio. Cuando vuelve a nuestro rostro un poco de vergüenza, un poco de escrúpulos ante cómo nos rizamos las mentiras, ahí nace este arte del hacer sin repercusión, tan desinteresado por sus consecuencias de lo no pensable, lo no traducible.

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Una práctica celebrada desde la angustia Edgar Chías

La mía es una práctica celebrada desde la angustia: la de las influencias. Confieso que cierta literatura, la filosofía y las artes plásticas, al igual que algunos procesos escénicos recientes, me han dado pretexto para dialogar, para recuperar y apropiarme de estrategias expresivas. No hay fuentes únicas, ni los momentos permanecen, con lo que quiero decir que constantemente encuentro en procesos y materiales que conozco y reconozco, la posibilidad de la contaminación y la influencia. El doble de Dostoievski, y las versiones escénicas de Pedro Páramo (Germán Castillo), Las mil noches y una noche (Rodolfo Obregón), y Carta al artista adolescente (Luis Mario Moncada y Martín Acosta) fueron decisivos para la producción de mi pieza Telefonemas (2001). Tratar de proponer una textualidad menos afincada en la literatura, confeccionada desde el dominio de técnicas circenses específicas (Circo para bobos, 2001) o desde la danza, atravesadas por el material narrativo de Paul Auster (La mirada del sordo, 2002), me llevó a concebir el proceso de escritura de una forma más activa y menos distante de los escenarios. El trabajo escénico de la performer brasileña Denise Stoklos (Vozes Dissonantes), el del director francés Adel Hakim (Executor 14) y algunas notas periodísticas (el caso Chevron –2003– y la creciente ola de asesinatos de mujeres), y una perspectiva poco edificante de mi país, misma que no podía compartir con entusiasmo a estudiantes franceses de nivel bachillerato, me animaron a proponer El cielo en la piel (2004). La lectura del libro Rizoma (Deleuze, Guattari, 1972), algunas proposiciones técnicas en torno a la adaptación de textos literarios por parte de José Sanchis Sinisterra y mis lecturas de Thomas Bernhard me llevaron a la escritura de De insomnio y media noche (2005). La lectura del libro de ensayos La ilusión vital (Baudrillard, 2002) me inquietó al punto de querer escribir Nacido de un muslo (2009). Suelo partir de proposiciones conjuntas: un eje temático definido (o más o menos definido) y una proposición formal concreta derivada de preguntas vinculadas a las prácticas escénicas en la ciudad de México –que es donde vivo y desde donde produzco. La finalidad quizá sea decepcionantemente simple: responder a la pregunta: ¿cómo puede ser la teatralidad hoy, aquí, y qué podría decir para decir otra cosa? El diálogo con otros creadores ha sido nutritivo y contaminante. Me parece –incluso– que fue determinante para un grupo de autores de mi franja generacional haber confluido en el colectivo “Telón de Aquiles” (2002) y en la Muestra Nacional de la Joven Dramaturgia (2003). Nos hemos leído, hemos charlado, producido intercambios y fricciones, de modo que las influencias –evidentes y no tanto– se produjeron y se siguen desarrollando hoy en día.

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Respecto a la escena, siempre que he tenido oportunidad de acompañar los procesos, lo hago. La escritura del texto siempre varía y se replantea a partir de la co-escritura, es decir, de la producción del texto del director –escrito en y soportado por la escena–, la del actor –proceso similar al del director– y al de los otros creadores participantes. Para mí, mi propuesta textual no está cerrada nunca. Siempre es posible alterarla, se cuelan modificaciones mínimas de versión en versión, cada revisión que se propone posibilita añadidos y transformaciones. El teatro es un campo en expansión (tal como lo sugiere José Antonio Sánchez), por lo que desde hace unos años me he propuesto, al comienzo, no necesariamente al abrigo del pensamiento de los investigadores y teóricos, señalar ese desplazamiento, los procesos contaminantes, la des teatralización de la escena y la re teatralización de ciertos procesos sociales para mejor entenderlos y exponerlos. Me parece que el teatro es un espacio de privilegio para la producción de pensamiento en colectivo, y para desmontar algunos de nuestros gestus sociales más inconscientes y más asumidos. Al mismo tiempo, creo que la teatralidad, en su expansión imprevista, puede recuperar la vida y el mundo como asuntos, y plantearse otras estrategias de construcción, que no sólo las del simulacro y el transe. Ante una era de farsa política, de actuaciones lamentables por parte de nuestras figuras públicas, de simulacro y explotación del lugar común y de las llamadas al sentimiento, de espectacularización –asunción e indiferencia– de la miseria y la violencia, la teatralidad puede construir otros discursos menos estables, menos densos, incluso menos congruentes –respecto al eje de congruencia incongruente del discurso oficial.

asumidos de discriminación, esos que son epidérmicos, que no son del todo explícitos y que se ocultan muy bien en las formulaciones lingüísticas corrientes, y de la invención de la verdad periodística: una mirada parcial e inducida a partir de la exposición en masa y en soportes que concretan el discurso (la construcción de una imagen o de un video). Es un experimento textual, una especie de conferencia chocarrera, de exposición abierta de una hipótesis que parte de la pregunta: ¿Qué pasaría si en el teatro, hoy, no contáramos la historia de siempre, sino una historia bastarda, apurada, negativa y personal? ¿Qué pasaría si nosotros contásemos una historia sobre la Historia, o sobre sus mecanismos? En Crack (2003) y en Ternura suite (2009) me propuse en general hablar de que la escalada de violencia no es un problema achacable al individuo o a la familia, sino una consecuencia del desgarramiento del tejido social producido por intereses ajenos a ciertas capas en las que recae la responsabilidad de la mano de obra. En el caso de la primera, el sistema de exposición renunció al código realista. Hay una deformación –creo yo– esperpéntica a partir de la elaboración del lenguaje. La intención era –es– que no se produzcan vínculos personales ni procesos de identificación psicológica, porque no se trata de compadecer esas conductas, sino de preguntarnos, ¿qué o quién las produce? En la segunda, el sistema de exposición buscaba señalar la naturaleza construida de la violencia: como una conducta sistémica en la que los responsables no aparecen de forma evidente. Y luego, exhibir la violencia, dentro del espectáculo, como una construcción, como un montaje capaz de plantearle preguntas a los procedimientos de la teatralidad.

En Una merienda de negros (2008, estrenada solamente en Buenos Aires), me propuse hablar de los mecanismos 33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.

Tiradas al Sol

Lagartijas

Luisa Pardo y Gabino Rodríguez

En el siglo 1 d.C., Séneca empezó su libro De Vita Beata con la siguiente frase: “Todos quieren vivir felices”. Bastante actual parece esta idea, en una sociedad en la que la búsqueda de la felicidad se ha constituido como un derecho desde la declaración de independencia americana en 1776. ¿Qué es la felicidad? ¿Qué entendemos por esta palabra? ¿Para qué la buscamos? Según Wilhelm Schmid, y ésta es la acepción que nos interesa de entre muchas otras, la búsqueda de la felicidad no es otra cosa que la búsqueda de sentido. Se dice que algo tiene sentido cuando se pueden reconocer conexiones, cuando las cosas, las experiencias o los sucesos concretos no se presentan aislados, sino que de alguna manera están relacionados unos con otros. Es conexión, coherencia. La narrativa produce conexiones mentales, es decir, sentido. No importa si son reales o ficticias: en ambos casos nos protegen de la experiencia inescrutable de la falta de sentido. Nuestro trabajo trata de generar maneras de relatarnos la vida. Nuevas formas que den cabida a los contenidos, que den espacio a nuevas ideas. Se trata de generar marcos de percepción y de multiplicar puntos de vista sobre la vida. De abrir-nos el abanico de sentidos. Porque cuando ya conocemos unas conexiones, ¿qué ganamos volviendo a mostrarlas? ¿Qué sentido tiene? ¿El sentido reiterado sigue produciendo felicidad o es simplemente una forma de acomodarse en la realidad? La historia nos atrae como relato. Nos gusta contarnos cuentos de nuestro pasado y del pasado de nuestra sociedad. Porque creemos que en la medida en que nos contemos distintos cuentos, o los mismos de distintas maneras, podremos imaginarnos nuestras vidas de maneras más felices. Abrir posibilidades. Diría Silva Herzog: “La historia se hace con fragmentos del pasado, la angustia del presente y anhelos colectivos de superación.” Para nosotros, el teatro es una actividad que tiene que producir y dislocar sentidos, activar el pensamiento y generar una pulsión vital. El trabajo puede ser presentado de muchas distintas formas. De manera gratuita o con costo, en una institución o un lugar especializado independiente, en un lugar alternativo. En el espacio público o en el privado. De manera formal o informal. Pero siempre pensando que el arte no debe ser presentado de manera que se dé importancia a sí mismo. No debe hacer sentir menos al espectador que lo contempla. Estamos todos a nivel de cancha. En principio hacemos el trabajo para nosotros. No aceptamos comisiones, no hacemos proyectos en los que no estemos profundamente interesados. Y como consecuencia, imaginamos –sólo imaginamos– que a los demás les puede interesar. No nos sentimos excepcionales, al contrario, hacemos cosas para personas como nosotros: comunes y corrientes, con énfasis en lo segundo. El trabajo es para cualquier persona que tenga interés en reflexionar con nosotros. Desde aquí, sólo proponemos.

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Es difícil decir de dónde provienen las ideas. Estamos influenciados por todo lo que nos rodea: artistas, familiares, comerciantes, científicos. Todo lo incorporamos a nuestra práctica, todo cabe en las obras, todo forma parte del proyecto. A la vez hay muchos artistas que nos han influenciado, mexicanos y extranjeros. De alguna manera, el teatro para nosotros es el espacio donde conectamos todo lo que nos sucede y lo analizamos y lo expresamos y lo cuestionamos y lo transformamos. El teatro, para nosotros, se volvió el lugar que da sentido a nuestras experiencias. En última instancia el arte debería abonar a nuestra aspiración para ser felices. Ver a otros viviendo nos ayuda a vivir. Hoy, desde aquí, queremos inventar a unas personas y a un país para vivir en él. Nos interesa la práctica artística, como marco de desarrollo personal. Nos interesa la práctica artística, como forma de conocimiento de un tema. Nos interesa la práctica artística, como forma de conocimiento del arte mismo. Nos interesa la práctica artística, como mecanismo de relación con las personas: es a través de la ejecución o el planteamiento de un proyecto en común, como podemos dar y recibir lo mejor. Nos interesa como memoria y como residuo de la vida. Es a través de los proyectos realizados, como podemos trazar un mapa de nuestros intereses y de nuestras ideas. Nos interesa el arte, como territorio impune desde donde experimentar. Nos interesa que las cosas cambien. Nos interesa el estado mediante el cual afrontamos nuestras vidas, un estado de expectación íntimamente ligado a la producción.

No nos interesa el arte como mercancía. No nos interesa el arte como oficio. No nos interesa el arte como mecanismo para conservar o perpetuar una serie de estados de cosas. No nos interesan muchas cosas más. ¿Cuánto tiempo vamos a trabajar en esto? Normalmente pensamos que no demasiado. Es muy importante reformular todo el tiempo los puertos desde los que parte la práctica. Es fácil aburrirse al trabajar en procesos y escalas parecidas. Trabajar a diferentes escalas nos permite seguir encontrando intereses. No nos imaginamos haciendo las cosas de la misma manera que hace uno o dos años. Uno no se baña dos veces en el mismo río –y qué bueno, porque si sí, significaría que ya se estancó el agua.

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Ternura Suite Richard Viqueira En zoología, hay ciertos depredadores que gustan de re-presentar el momento de la caza. Los felinos continúan jugando con el cadáver de su presa, como dotándola de vida por unos instantes para re-crear el momento de su captura. De igual modo las orcas, que aun habiendo matado ya a la foca, la siguen lanzando por encima de la marea para revivir el evento. En estos ejemplos están contenidos los principios dramáticos elementales: representación, conflicto y personajes (asumidos como cazador y presa en estos casos). Uno de ellos se convierte en involuntario títere y el otro, en titiritero. Alimentarse parece volverse algo secundario, es más importante la acción y, todavía más que ésta, su cualidad exponencial. El hambre no es fisiológica, sino chamánica. Se revive lo que se mata y se repite lo que ya en sí se ha vuelto invariable. ¿Contiene la teatralidad la recóndita fe de que los actos se vuelvan así más significativos? Si el eco es un sonido que se rehusa a desaparecer, el drama es una acción que requiere perpetuarse para encontrar su sentido último, o mejor dicho: su Sinsentido final. Que todo lo que ocurre es innecesario. Y por ello, y principalmente, es siempre intransferible. Ahí funda su mayúscula importancia. El Teatro es la Atlántida. Una ciudad mítica, que Existe y No. Cimentada más en la memoria que en la geografía. El Teatro –como la Atlántida– es un evento sumergido. Acallado. Arquitectura del desastre. Y los actores pertenecen a una rama menospreciada de la biología: la criptozoología. Aquella que pregona que aún existen especies por descubrir en este mundo natural. Que no todo lo que percibimos es todo lo que hay. Que existen seres microscópicos u ocultos que aún no se han revelado. Y que habitan. 98

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Y cumplen un ciclo de vida, semejante al nuestro, pero imposible. Que hay vida contrapuesta a la nuestra. Más salvaje y más intrigante. Los actores son esos críptidos necesarios. Criaturas insospechadas. Bestias infinitas. Algunos creerán en ellos, otros creerán que sólo son leyendas rurales o urbanas. Y estas leyendas constituyen un núcleo de la memoria; confirman lo humano en el tiempo.

¿QUÉ HACER EN CASO DE TEATRO? ¿El mejor manual para aprender a escribir drama? Los letreros de emergencia. ¿Qué hacer en caso de sismo, tornado o maremoto? En esos básicos dibujitos y precisas órdenes están las instrucciones necesarias para mantener la vida en el peor de los escenarios. Cuando uno los mira, se mira uno dentro del siniestro. Son ensayos para experimentar la cercanía de tu muerte. La vulnerabilidad de tus intentos. Por ello su lenguaje es urgente e inmediato. Rupestre. El drama es esencial porque conserva su condición primitiva en medio de tanto progreso ilusorio. Sujeto y acción lo es todo en esos letreros. No hay tiempo que perder, porque ya todo el tiempo se consumió. “No grito, no empujo, no corro.” De ello dependió la preservación mínima de lo social. Después de eso sólo queda el Caos y el Origen. Y el drama es siempre hacer pensar que todo está fuera de control, porque quizá, siempre lo estuvo y fingimos que no. Y así se ve el teatro desde donde estamos hoy. Uno va a dejar en el escenario, no la vida, sino su propia muerte. Y eso es todavía más irrenunciable. Un acto trasparente.

Teatro en Código Laura Uribe

Pienso que México es, hoy en día, un lugar absolutamente rico en oferta de productos artísticos de calidad. Al regreso de una gira por Europa, y después de ver algunos espectáculos por allá, reafirmo que la escena mexicana adquiere cada vez mayor fuerza en el terreno de la escena contemporánea. Los jóvenes creadores mexicanos vamos empoderándonos de nuestra obra; se nos ha quitado el miedo, hemos arrebatado la palabra, nos hemos tropezado, sí, pero también nos hemos levantado. Lo que ha direccionado nuestra creación es la necesidad de decir algo; buscar un teatro esencial. Es fundamental el peso que ha adquirido el contenido en nuestras creaciones, las formas han sido el resultado de esa necesidad de decir, de preguntarnos, de inventar y convocar a la reflexión de un tema o situación determinada. Esas formas no se han mostrado como primer arribo, y pienso entonces que esa es la diferencia sustancial con respecto a otros países, en donde se pondera la forma sobre el contenido, no estoy en contra de ello, sólo que sí creo que el orden de los factores sí altera el producto. Si nos academizamos recordaremos: forma es contenido y viceversa, pero creo que el desde dónde se abordan las cosas –inicialmente– sí altera el producto. En este sentido, creo que este enfoque –llamémosle– del decir, ha favorecido el impacto de las puestas en escena en el espectador actual. Este enfoque es característico, principalmente, de grupos independientes que versan su trabajo en la investigación y experimentación de diversos lenguajes para la escena, no hablo del teatro que apela por las producciones costosísimas, en donde pareciera que el contenido y la esencia se esfuma a través de los grandes muros de sus escenografías, en donde es infinito el sonido del vacío, en las grandes salas en donde se presentan esas producciones, correspondiente al vacío del hueco de las butacas ¡¡¡ya nadie quiere ver ese teatro!!! Este nuevo aire creativo ha tomado su poder desde diversos ángulos de la escena; la dramaturgia, la dirección, la actuación y la gestión. Dentro del terreno de la dramaturgia encontramos a diversos jóvenes creadores entre los que destaco a Alejandro Ricaño, Noé Morales, Enrique Olmos de Ita, Gibrán Portela, David Gaitán y Xavier Villanova, sólo por mencionar a algunos que nacieron en los años 80 (y los nombro a ellos, porque yo también soy ochentera y este escrito habla principalmente de esta generación) y son quienes que han expandido sus obras en todos los sentidos; sus metáforas nos han exaltado los sentidos, nos seduce su concreción y nos atrapan con su irreverencia. Por otro lado, también quiero resaltar algo que llama mi atención: que cada vez más creadores nos atrevemos a escribir sin la necesidad de ser acreditados como dramaturgos, lo hemos hecho sin temer al fracaso estructural; y cuando lo hemos hecho con temor, lo hemos hecho; y aunque, si bien algunas veces son fallidos estos ensayos, por otro lado pienso, que si el impulso es el deseo de decir algo, muy posiblemente esos intentos puedan resultar seductores. Esta necesidad se ha dado, por lo menos en mí, porque no encuentro una vía para tomar un texto y escenificarlo, ya que mi método de creación desde hace ya varios años se ha basado en el texto performativo, el cual es inseparable de su representación escénica y no existe más que en, y por, la representación. Parto siempre del conocimiento de la capacidad de los actores para crear mundos y organizarlos. Es por ello que juntos vamos creando nuestras estructuras, por lo que la horizontalidad entre director-actor-escenógrafo-iluminador-espacio-texto-movimiento escénicopublicidad y mercadotecnia, adquieren el mismo peso (bueno, siendo sincera los últimos dos: publicidad y mercadotecnia menos). 33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.

Por otra parte, la dirección de escena mexicana también ha dado frutos con propuestas bastante interesantes, sobre todo –nuevamente lo resalto– en el teatro de grupo, que aun teniendo o no a un director, han sabido plantear sus propuestas con una estética fundamentada y con convenciones que llaman la atención por el planteamiento de sistemas que invitan a una nueva percepción para un nuevo espectador. Aunque si bien nada es nuevo se apuesta por la originalidad: provenir del origen; y esas propuestas escénicas son las que refuerzan la escena mexicana (por lo menos esas son las obras que a mis colegas y a mí nos gusta hacer. Esto lo he visto reflejado en los diálogos creativos (tan en boga hoy en día) que tenemos entre grupos, entre colegas, con el fin de abrir los procesos y no sólo mostrar los resultados. De esta manera, evolucionamos como creadores escénicos, el diálogo crece y los muros se difuminan. En el campo de la actuación, cada vez más actores tomamos las riendas de nuestra creatividad escénica, ya no nos conformamos con que nos dirijan, tomamos la opción del dialogo y la creación en conjunto (de nuevo apelo por la horizontalidad para el enriquecimiento de las propuestas). Son cada vez más los actores que no se conforman con la interpretación, que si bien eso también es creación, cito a Daniel Giménez Cacho en una entrevista que le hicieron con motivo del Homenaje que le brindó el Festival Internacional de Cine Guanajuato 2012: “…un actor, ¿es autor o es intérprete? Si eres un actor-creador, ¿cobras como autor? En México se nos considera intérpretes salvo que hayas escrito la historia y la actúes tú mismo…” Existen diversos grupos formados por creadores actores-autores, como “Luna Avante”, “Lagartijas Tiradas al Sol”, “Festinatio”, “Teatro en Código” o creadores actores-directores, como Laura Almela y Giménez Cacho en su Macbeth y también solistas como Antonio Salinas, Marianella Villa, Mariana Villegas y yo misma, que nos hemos adentrado en la creación y estructuración de nuestras propias obras, por mencionar sólo a algunos que conozco muy de cerca. 1

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En cuanto a la gestión, cabe destacar la capacidad organizativa de ciertos grupos independientes, que han generado festivales, encuentros y espacios para la reflexión del arte escénico, por ejemplo, el Encuentro de Creadores Teatrales Independientes (ECTI) el cual se inició el año 2007 y se celebró hasta el 2011, dirigido por Miguel Ortiz y Anick Pérez (La Comuna); así como el Encuentro del Teatro y sus Autores, que se desarrolló en León, Guanajuato, este 2012 a cargo del “Colectivo Alebrije” dirigido por Sara Pinedo y Nacho Ponce. Para concluir sobre este asunto de perspectiva sobre el arte teatral en la escena artística actual, pienso que son los modos de producción los que nos han arrojado a ser todólogos, pero, sobre todo, es la necesidad de decir desde distintos lugares. Los jóvenes creadores actuales, buscamos otros medios de expresión, por lo que poco a poco vamos tendiendo puentes cada vez más sólidos con artistas de diversas áreas, así como con especialistas de otras disciplinas del conocimiento, porque nuestra necesidad de comprendernos es cada vez más amplia y compleja. Persistirán los gustos personales por unas propuestas u otras, pero la indagación y el cuestionamiento hacia la resignificación de la escena se potenciará e intensificará cada vez más. Los paradigmas se han roto, somos nosotros los que tenemos que trazar las nuevas rutas.

Me refiero con “desde donde” a la perspectiva con que se aborda algo.

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Esto no es Romeo y Julieta Luna Avante Esta puesta en escena no es más que la representación de una presentación, que habla del enamoramiento y la deconstrucción de la ficción. También puede verse como la presentación de una representación. Jugamos con esa contradicción. Un juego donde los roles de los enamorados, que cinco jugadores están dispuestos a representar, pueden o no existir plenamente. Es una trampa. Al desnudar la incapacidad del encuentro 100% verosímil, pretendemos desnudar la fragilidad del actor que ejecuta y desnudar una convención de continuidad. Con ello queremos mostrar la vida “real de ese ejecutor de acciones”. No por eso subrayamos con artificialidad acciones de un personaje. Así sería fácil de entender el juego. No. Los actores realmente están dispuestos a dar todo de sí por enamorarse del otro en un mínimo umbral de ficción. Paradojas desquiciantes. Por ello, la obra se ubica en un puente de influencias entre desarrollos artísticos del trabajo actoral en el siglo 20 y corrientes propias del arte contemporáneo. Al desnudar las convenciones del actor y convertirlo en hombre o mujer que ejecuta acciones, nos descubrimos influidos por artistas como Vivi Tellas, y damos una respuesta al biodrama, pero sin dejar de ser actores. Jugamos con una paradoja que permite la apariencia de la deconstrucción de la ficción. Por otro lado, procurando lograr esto nos damos cuenta de que debemos estirar la liga del trabajo stanislavskiano hasta sus últimas consecuencias. Esto nos invita a crear ligaduras lo más cercanas posibles, entre nuestra vida real y las situaciones de Romeo y Julieta. Adaptamos el texto para que tuviera tintes muy realistas. Descubrimos en ficciones cerradas de Veronese, un trabajo actoral que se acercaba a los procesos de pensamiento que permitían una sensación en el espectador, de que aquello que ves es casi idéntico a la realidad. Buscamos distintas vías para lograrlo: 1- Que el pensamiento realmente precediera a la acción aunque casi sucedan al mismo tiempo. 2- Documentar en video discusiones reales sobre el enamoramiento y luego reproducir tanto esos procesos mentales como esas palabras. Escribirlas y actuarlas. 3- Utilizar los conflictos de nuestras relaciones reales para abordar las adaptaciones shakespearianas sin ser literales. Se trabajó mucho en la apertura semántica del texto para que esto fuera posible in situ. Esto se volvió un juego peligroso que ha herido más o menos a los actores. Surge a través de la representación, la pregunta de ¿dónde está el drama? ¿Afuera o adentro? Hasta sus últimas consecuencias. ¿Performance o representación? Un juego al fin. Por otro lado debimos usar el concepto de distanciamiento y tuvimos que hacerlo literal a través de un círculo de gis pintado en el piso, donde los actores se comprometen adentro o se distancian narrando cierta situación afuera. En este caso Brecht jugó para decirnos que había una diferencia importante entre ser y parecer. La apariencia sin embargo la buscamos desde el trabajo actoral muy natural. Aparentar no aparentar. Y luego decir que somos conscientes de aparentar no aparentar. Un juego. Por otro lado el trabajo debería lograr una reunión con el espectador, la comunión tan buscada en el teatro. Trabajamos con el concepto de “sitio específico”, popular hoy en día, y con un espectador que habita la ficción desde adentro; la ficción que envuelve otra ficción. Esto se logra sin forzar su participación, pero lo coloca en un lugar en donde se involucra como sujeto en relación con todos los que habitamos la sala y no sólo como lector anónimo de un espectáculo. También le ablanda los procesos de percepción tradicional de identificación con el protagónico, para empezar a sentir una relación real con el ejecutor. Si por ejemplo, en una puesta tradicional admiramos a un antipático Macbeth y gozamos de ese proceso estético de doblaje, podemos decir que se nos dobla la percepción misma. En esta puesta en cambio,

el mínimo umbral de ficción provocará que el marco referencial sobre el actor mismo influya como signo importante. Su simpatía o antipatía afectarán realmente al espectador, incluso con riesgo de “perder” el espectáculo. Así bien, la propuesta estética nos ubica cerca de lo performático sin evadir nunca las implicaciones dramáticas del tema. Puentea tendencias. La actuación de tintes hiperrealistas, acerca tanto a los actores como a los espectadores, logrando que todos los presentes se hagan responsables de su vinculación con el tema del amor y del sentido de la ficción. El tema del enamoramiento fue influido por teorías neurológicas, en donde todo se reduce a la química interior. También trabajamos con los preceptos de Jung, donde el ánima y el ánimus como componentes de la psique arquetípica son los responsables del dichoso enamoramiento por efecto de proyección. Traducimos esta condición del ego proyectivo en la posibilidad de romear o julietear con distintos cuerpos, cuestionando así, la exclusividad de la pasión amorosa. Si está dentro de ti entonces tú decides a dónde lo proyectas cada vez. Influidos estamos también por las teorías de actuación del maestro Héctor Mendoza. Hay guiños en la obra. El espectáculo funciona como un cúmulo de preguntas para jugadores activos e invitados, que pretenden desarmar o incitar a la reflexión sobre preconcepciones relacionadas con la temática; un foro donde la pasión y la reflexión se encuentran mezcladas. Con la intención de huir del lugar común o del onanismo hablamos de amor y ficción. Consideramos que el primer tema es un grito agresivo y político en contra de la violencia, pero nuestro espíritu autocrítico nos obliga a cuestionar desde la ficción misma el sentido o el poder de ese grito. ¿Cuánto dura una mentira bien hecha? ¿Cuánto dura un dibujo de gis en el piso? juega a decir uno de los personajes. Cada precepto teórico aquí descrito no es para mostrarse, sino para sostener una experiencia viva.

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¿Encontró lo que buscaba? Daniel Hilario Camacho

¿Encontró lo que buscaba? (Partitura escénica a una sola NO VOZ). Como su nombre lo sugiere, esta obra de teatro es una interrogación que intenta provocar otra interrogación; no sobre algún tema en particular; más bien, aquel tipo de interrogación que puede provocar el teatro; una interrogación que intenta responderse en la praxis: durante el encuentro cuerpo a cuerpo (de actores y/o espectadores) que se consuma y se consume en tiempo presente. Este ejercicio teatral aventura un principio de trabajo: re-construir. Siempre re-construir. Así es como construye y re-construye (en cada función y ensayo) una partitura de acciones. Esto me ha permitido pensar que es posible construir a través de ese tejido de signos que es la puesta en escena, algo más. Hacer de la puesta en escena, algo así como un puente. Para ello, me parece necesario problematizar la puesta en escena. Problematizar la puesta en escena implica producir interrogaciones apelando a la producción de presencia durante el encuentro teatral. Entonces es necesario buscar y producir presencia. Buscar (y producir) presencia es producir (y buscar) espacios de contemplación; espacios alternativos desde donde mirar este mundo; espacios que permitan imaginar otros mundos. Articulada como una partitura escénica, ¿Encontró lo que buscaba? intenta producir un espacio de contemplación; producir una oportunidad de diálogo. Una oportunidad de descolocar la mirada, de descontextualizar nuestra percepción momentáneamente. Renunciamos a la palabra hablada. La partitura transcurre casi en el silencio; y es justamente a través de este silencio que

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puede surgir un diálogo. Y es que, paradójicamente, una de las posibilidades de diálogo contemporáneo está en el terreno de lo indecible; de lo indecible que surge y se mueve a partir de ese choque de alteridades irreductibles que somos cada uno; de lo indecible que aparece (parafraseando a Brook) mientras una(s) persona(s) contempla(n) a otra(s) a través de un espacio – representacional o no. La puesta en escena, se vuelve así productora de diálogo. Entendiendo diálogo, como una relación abierta y multidimensional; una relación que sucede a partir y más allá de los cuerpos. Un diálogo que devenga en dramaturgia. Dramaturgia que se construye durante el encuentro teatral. Dramaturgia que es inasible e inconmensurable porque no es textual; y que a diferencia del discurso (que ostenta la puesta en escena) no puede capitalizarse porque se da en el encuentro físico y efímero de los cuerpos. De allí su valor. Tejer esa dramaturgia, es uno de los objetivos de este ejercicio teatral. En este sentido, este proyecto apela a lo que para Octavio Paz es uno de los desenlaces del arte contemporáneo: el arte de la contemplación. “… El arte de la contemplación produce objetos pero no los considera cosas sino signos: puntos de partida hacia el descubrimiento de otra realidad, sea esta la presencia o la vacuidad. Escribo hacia el descubrimiento porque en una sociedad como la nuestra el arte no nos ofrece significados ni representaciones: es un arte en busca del significado. Un arte en busca de la presencia o la vacuidad donde se disuelven los significados. Este arte de la contemplación

rescataría la noción de obra sólo que en lugar de ver en ella un objeto, una cosa, le devolvería su verdadera función: la de ser un puente entre el espectador y esa presencia a la que el arte alude siempre sin jamás nombrar del todo.” (1991, 1994: 54. Subrayado mío). De allí la idea de hacer de la puesta en escena, algo así como un puente. Llegado a este punto me parece pertinente anotar que hay una tendencia a pensar en la contemplación como un ejercicio pasivo, retrogrado, reaccionario e incluso indeseable para una actividad (el teatro) que tiene como principio el movimiento (la acción). Sin embargo, según Alcántara: “Hacer teatro, contemplar, teorizar son todos parte del mismo proceso...” (2002: 41). Una anotación más: conviene evitar la tendencia a relegar la teoría al ámbito de la razón, o reducir la actividad de teorizar a un ejercicio meramente intelectual. El mismo Alcántara hace una interesante re-visión del concepto de teoría y demuestra que: “… La palabra teatro está relacionada con la palabra teoría, la cual a su vez significa contemplar con todo el ser para percibir el significado […] de aquello que se contempla…” (2002: 23.). Al respecto, argumenta: “… El teatro, por definición, es teoría en el sentido más amplio de la palabra. No sólo es un hecho que la palabra teatro viene de la misma raíz que la palabra teoría, sino que, siendo contemplación el significado de la palabra teoría, teorizar en teatro sólo puede ser, entonces, primariamente, contemplar el despliegue de acciones humanas que se crean en el espacio…”

Para los fines de esta reflexión, me refiero al diálogo, no como ese recurso textual de la literatura dramática o a esa forma de expresión característica de la comunicación oral; sino como un fenómeno inherente al pensamiento, que está más allá de cualquier objetivo estético. 3 Apelo a la definición que José A. Sánchez hace de dramaturgia como “Una interrogación que se resuelve momentáneamente en una composición efímera, que no se puede fijar en un texto: la dramaturgia está más allá o más acá del texto, se resuelve siempre en el encuentro inestable de los elementos que componen la experiencia escénica”. (2010: 19-20) 2

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Luego entonces, contemplar es “…ver con el intelecto, ver con los sentimientos y emociones, ver con el cuerpo mismo…” (2002: 31. El subrayado es mío) Desde esta perspectiva, se puede afirmar que la contemplación es un fenómeno corporal, activo, complejo; y por supuesto, inherente al teatro. Olvidar esto equivale a mutilar el sentido del fenómeno teatral; equivale a hacer de la puesta en escena el objetivo último de la actividad llamada teatro; equivale a olvidar el sentido de teatro como actividad que construye un lugar desde donde se mira el mundo. Como un hacer, desde donde se puede crear contexto, desarticulando (aunque sea de manera efímera) el discurso dominante que –cotidianamente– sustenta la mirada. Quizá, en ¿Encontró lo que buscaba?, no hay una concepción redonda y acabada de puesta en escena. Me gusta pensar que se trata, más bien, de una puesta en escena a la deriva. Hemos intentado producir, a partir de este ejercicio escénico, un dispositivo teatral eficaz. No sé si lo hemos conseguido; pero hemos privilegiado el proceso antes que la pretensión de una obra terminada. Nuestro proceso ha sido un taller. Entendemos el taller como metodología en constante re-construcción. La producción de este trabajo escénico me ha permitido entender de a poco los límites del teatro en tanto ejercicio de representación. Replantearme la noción y la vigencia del personaje; la noción y la pertinencia de construir una ficción; el papel de las emociones (a partir de Sartre) en el actor contemporáneo.

BIBLIOGRAFÍA - Alcántara Mejía, José Ramón. Teatralidad y cultura: hacia una estética de la representación. México: Universidad Iberoamericana, 2002. - Paz, Octavio. “Presencia y presente: Baudelaire crítico de arte” (pp. 43-55) en Los privilegios de la vista I (en obras completas). México: Fondo de Cultura Económica, 1994. - Sánchez, José A. “Dramaturgia en el campo expandido” (pp. 19-37) en Repensar la dramaturgia. Murcia: Centro Párraga, 2010. 104

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Reconociéndose en el otro Lizeth Rondero 5

y Felipe Huerta 6

En el teatro, la necesidad por encontrar un lenguaje artístico personal, un código para comunicarnos, nos conduce irremediablemente por el camino de la experimentación y el riesgo. Arriesgamos desde lo más contable en términos de producción, hasta aquello íntimo y sutil como lo es nuestra forma de ver el mundo. Es deseable no ser los mismos después de cada creación. En cada puesta en escena, emprendemos en compañía –cofradía, complicidad con los otros– un viaje para comunicarnos todos juntos con otros más, ¡qué afán de encontrar en los demás la razón de nuestro quehacer! Supongo que en los otros nos reconocemos a nosotros mismos y en ese primitivo acto antropológico surge la razón más pura de nuestro arte. La puesta en escena que es pretexto para esta reflexión surge como esa necesidad de comunicación y riesgo de dos compañías de distintos países. BerrRRinche fue el proyecto que unió las formas de hacer teatro de la compañía mexicana FiguraT S. C. de Emmanuel Márquez y la compañía quebecquá Théâtre Motus de Hélène Ducharme. Ambas compañías son reconocidas por su trabajo en la construcción de un teatro sólido para jóvenes audiencias, sin embargo, más allá de sus respectivas trayectorias y cartas de presentación, hubo determinados parámetros artísticos, ideas y nociones de cómo hacer teatro para niños que nos hicieron reconocernos en el otro y decidir así emprender este proyecto en coproducción. La primera coincidencia es que tanto

Héléne como Emmanuel comparten la idea de que la poética y el lenguaje del teatro para niños deben ser tan iguales y comprometidos como el teatro para adultos –incluso más. En lugar de escribir muchas palabras, ellos se tomaron el tiempo para buscar la parte visual y metafórica, con el fin de comunicarnos en un lenguaje más cercano al de los niños, para que no encuentren nuestros temas demasiados adultos y aburridos “Con las imágenes que construimos, ellos van a ver cosas que incluso nosotros los creativos no podemos ver.” Por lo tanto, Hélène Ducharme nos propuso un reto: remontar su obra tanto en español como en inglés y con un mismo elenco mexicano para estrenarla en Austin, Texas, y acceder de este modo a ese mercado, para luego hacer temporada en México. BerrRRinche y Tiger by the Tail fueron los nombres que se decidieron para las dos nuevas versiones dirigidas por Hélène, sumándose a la versión en francés La Crise, que ya se había presentado con éxito en Montreal. El tema que se trata en BerrRRinche, nos pareció no sólo pertinente sino necesario para los escenarios mexicanos, y el reto de montar la obra en dos idiomas con la infraestructura de FiguraT S. C., un riesgo que no podíamos dejar de tomar. Recrear la puesta en escena de una obra que se ha presentado con éxito es una gran responsabilidad, porque el resultado final de la plástica escénica siempre será medido en función de la propuesta original y su éxito.

Ver: Bosquejo de una Teoría de Las Emociones de Jean Paul Sartre. 5 Lizeth Rondero. Actriz de la puesta en escena BerrRRinche y de la compañía FiguraT S. C. 6 Felipe de Jesús Huerta Zavala. Productor ejectivo de BerrRRinche y productor general de la compañía FiguraT S. C. 4

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Para nuestra versión de La Crise, el primer acierto fue plantearla desde el punto de vista de nuestra cultura, de tal manera que el lenguaje y los elementos plásticos buscaban acercar al espectador a situaciones muy parecidas a las de la obra original, pero inmersas en nuestro contexto social. Detalles como colores y formas de la utilería, mobiliario y vestuario fueron conjuntados con gran cuidado para lograr un ambiente “mexicano”, sin caer en excesos y extremos cliché. Dentro de otros elementos que ayudaron al éxito de nuestra recreación, destaca el importante trabajo de composición musical que la obra tiene. La música original de Omar Guzmán otorga la pincelada final para que BerrRRinche y Tiger by the Tail sean una propuesta nueva, pero sin dejar de ser La Crise, que originalmente escribió Hélène Ducharme.

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La realización de los títeres se llevó a cabo en México por “Astillero Teatro” con la guía y diseño de Claude Rodríguez. Aprovechamos la oportunidad para generar un taller de realización de títeres que nos permitiera a los realizadores mexicanos, no solamente aportar nuestros conocimientos en la construcción de los títeres, sino también aprender nuevas técnicas de diseño y de manejo de materiales. Fue tremendamente enriquecedor para ambos. Hélène profundizó en el trabajo con los actores, conduciéndolos para ir más allá del manejo depurado de los objetos y los títeres en escena. Fue un arduo trabajo para ellos, pues dentro del proceso de montaje, realizaron un taller de manipulación de teatro de sombras, además del coaching de idioma para presentar la obra en inglés. Para ello buscamos actores que hablaran ambos idiomas, además de que tuvieran

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la sensibilidad y técnica necesarias en el manejo de objetos, con las cuales pudieran desarrollar una profunda interpretación, que era lo que básicamente buscaba Hélène en ellos. De esta forma, tanto actores como creativos y el equipo de producción de ambos países, emprendimos este reconocimiento en el otro, aprendiendo aquello que nos faltaba y aportando todo aquello que sí sabíamos. Fue una amalgama creativa indispensable en la trayectoria individual de cada compañía, pues nos permitió no sólo experimentar y arriesgar, sino concretar una obra de arte hecha de multiplicidades. Fue, como Hélène dice: “Amor a primera vista”.

Compañía de teatro del Espacio

Cultural Metropolitano Sandra Muñoz

I. La Compañía: “Según las leyes naturales, la vida creativa de una Compañía no dura mucho tiempo. Diez o catorce años nomás. Después la Compañía se deseca a menos que se introduzcan nuevas fuerzas; de otra manera, morirá” JERZY GROTOWSKI

La compañía de teatro del Espacio Cultural Metropolitano fue fundada en febrero del 2005. Sólo 7 de los 14 integrantes originales permanecen en la compañía. En estos casi ocho años, hemos tratado de construir, mediante un trabajo sistemático y sólido sobre el oficio con base en la disciplina, la experimentación y el riesgo, la construcción de “un cuerpo emocionalmente vivo de personaje” que habite la escena; lograr la organicidad dentro de una forma específica; y cuando digo “organicidad”, me refiero al cuerpo que posee propiedades vitales, a todo aquello que tiene aptitud y disposición para vivir y cuando digo “forma específica” me refiero a que, si bien es cierto que los actores construimos formas externas tratando de amoldarnos a un personaje determinado, a veces esta forma no está del todo equilibrada entre la forma propia personal y la forma propia del personaje y de la estilística planteada. Últimamente, cuando voy al teatro, me quedo con la sensación de que éste, en el mejor de los casos, está plagado de formas específicas impresionantes, pero inanimadas, muertas, y nuestro trabajo como constructores de realidades debería ser dotar de pulso vital a esas formas presentadas. Para mí, el actor debe estar SIEMPRE en riesgo, tanto sobre el escenario, como en el salón de ensayo. Riesgo es una palabra que me gusta mucho, no entendida como peligro, sino como

situaciones que involucran incertidumbre, porque dentro de la incertidumbre, el rango de posibles resultados para una determinada acción es inagotable. Por otro lado, cuando se ha optado por una posible opción, el actor debe ser capaz de encontrar una composición espacial satisfactoria en la cual sus impulsos internos puedan hallar una forma visible, conveniente y justa. Pero una acción visible y comprensible implica, casi siempre, una acción coreográfica. Parece paradójico, y en realidad, lo es. En el teatro que hacemos en la compañía del METRO, perseguimos procedimientos físicos que en primera instancia aparecen fundamentados en la realidad que conocemos, pero que encaminados en el riesgo, estos procedimientos físicos adoptan una lógica que no es inmediatamente reconocible (nuestra propia reinterpretación de Barba, Grotowski y Meyerhold nos guían); buscamos con necedad, y a veces con violencia que se manifiesta en rasgos insospechados durante los ensayos, ver los cambios importantes e invisibles que se producen en el interior de los cuerpos, ver emerger los milagros que a veces son capaces de crear los actores. En las compañías existe la posibilidad de renovar los descubrimientos artísticos, y eso tratamos de hacer con la Compañía del METRO: provocar contar con el tiempo y con las condiciones necesarias para seguir arriesgándonos; hemos aprendido que el desarrollo de los ensayos es un proceso en crecimiento… el peligro es siempre que la Compañía se convierta en un lugar seguro, porque entonces la zona de confort provoca estancamiento.

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II. Mi contexto: “¿Por qué se pone una obra en escena?... Para reunir a nuestros contemporáneos. En ese sentido, el teatro es un acto de fe. La gente va a al teatro por razones que no puede formular. El teatro abre en su espíritu una fuente de disensión, de debate personal consigo mismo que cada cual interpreta diferentemente.” LOUIS JOUVET

LA PROFESIÓN DEL DIRECTOR

Hace 15 meses –¿cómo olvidarlo?– tiraron afuera de mi casa, en mi propia banqueta, en mi propia calle, invadiendo con impunidad y descerrajo el espacio que habito, dos cuerpos mutilados. El paquete era de mediano tamaño –yo aún no entiendo cómo pudo ocurrir la disgregación de cuerpos ¿en qué tamaños en cuántos pedazos? para hacerlos caber en ese espacio. El paquete era de mediano tamaño, decía, y estaba envuelto en una camisa de cuadros rojos amarrada por las mangas con dos nudos tenues. Tiraron el paquete justo en la línea que divide mi casa y la del vecino, debajo del árbol de piñones, que por la lluvia de julio estaba radiante de verde; aún sin saber –se presentía, pero no se sabía– lo que había dentro, era una imagen poderosa y las imágenes poderosas alteran los universos emocionales de quien las contempla. ¿Cómo se construye una imagen poética? Ese paquete, en ese espacio, era una imagen reconstruida, puesta en escena. El realismo trae a escena segmentos separados del mundo. Realidades percibidas por los sentidos, que la mente humana normalmente evoca sólo en la imaginación. El teatro percibe la realidad circundante y la filtra, siempre la filtra, simboliza territorios semánticos. Construye imaginarios poéticos. Yo no quiero que mi imaginario poético esté lleno de cuerpos mutilados, yo quiero contar la historia de la soledad del hombre, de los amantes que en el verano se buscan y se desencuentran, de las mujeres que en mi infancia ahuyentaban coreográficamente los moscos sentadas en una mecedora en medio de la banqueta y de la lluvia que provoca risa y del agua que libe108

ra las tentaciones del cuerpo y de los hombres que saben amar y tocar a las mujeres. ¿Cómo construir mi espacio ficcional cuando el espacio de mi realidad y la de mis contemporáneos está inmersa en este escenario de cuerpos fragmentados que ocurre como una puesta en escena violenta e irremediable, obligando a la ficción a reconstruirse, a poetizarse de otra manera? En este último año la charla constante con creadores a los que admiro y respeto como Fausto Ramírez, Raquel Araujo, More Barret o Richard Viqueira, me ha permitido reencaminar mis preguntas y contrastar mi voz con otras voces. Si se lanza la voz en el desierto, no hay respuesta y el eco siempre termina por complacer. Hacer teatro, y no sólo en Tamaulipas, es un acto de resistencia en muchas dimensiones: por la permanencia, por no permitirnos el autosecuestro en nuestras propias ciudades, por el reto que significa construir ficciones tanto o más contundentes que la realidad misma. Dice André Villiers que la obra espera la escena para hallar su verdadera significación, su esencia dramática, y en este sentido no podemos permitirnos separar el texto del contexto, por más doloroso que sea. No quiero decir con esto que haya obligación ética de realizar un teatro donde la violencia permee literalmente, pero sí tratar de habitar espacios ficcionales más conscientes de nuestra realidad y tomar actos resolutivos; tal vez no solucionemos nada, pero seguiremos con ello construyendo actos de resistencia para conspirar con nuestros espectadores, para –como Jouvet– ser capaces de reunir a nuestros contemporáneos. Eso quisiera.

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El grupo Luna Negra

El teatro en “Luna Negra” nace del grupo. A través de los años, la experiencia y la convivencia que se crea con los integrantes, hace de éste una familia, donde el principio y fin de cualquier dialogo, discusión o confrontación tienen lugar en el escenario. Lo que nos evoca es la creación, y en este punto, las opiniones de los integrantes se ponen en la mesa con el objetivo de escenificar la vida misma, en cualquier expresión humana, en todo lo que observamos en la gente y los movimientos sociales, el aprendizaje escénico y de vida, provoca la evolución lógica de nuestro lenguaje grupal, la creación a partir de nuestra experiencia. Ponemos todo el material de vida personal, cultural, familiar y ancestral, no somos ajenos al estudio de nuestra historia y es con base en esa historia que la creación se convierte en un hecho escénico único e irrepetible que sucede en tiempo presente. Las herramientas de trabajo siempre abren el abanico de posibilidades creativas, y las principales herramientas en el teatro somos nosotros. En este punto, cada artista, de cualquier parte del mundo, trae consigo un bagaje cultural que lo significa en el escenario. Nosotros, como grupo, hemos trabajado con Daniel García Belardinelli de Argentina, hemos dialogado y compartido distintas formas de ver y concebir el teatro, coincidiendo en la formación y estructura metodológica y de lenguaje que genera un grupo. Hace 8 años fuimos a Perú y tomamos un taller con el grupo “Yuyachkany” con Rebeca Rally, la experiencia de la necesidad de lo grupal se hizo presente en los compañeros que seguimos adelante con el proyecto de vida que llamamos “Luna Negra”; también en los talleres con Casa del Teatro y con el “Grupo 55”. En estos tiempos, las influencias artísticas de otros países nos enriquecen y no somos ajenos a sus enseñanzas; el artista tiene que convertirse en un ser universal sin olvidar sus orígenes, pero siempre con la convicción de aprender de la belleza de otras culturas, retribuyendo el intercambio con la nuestra. El grupo ha generado en nosotros una necesidad de encontrar nuestras propias formas de hacer teatro. Creamos nuestra metodología a partir del autoconocimiento y del entrenamiento constante, pues creemos que el trabajo de todos los días hace la diferencia en el escenario y que el entrenamiento es una herramienta de trabajo que se tiene que usar; la observación, la autocrítica, el autoconocimiento y una conciencia cada vez más clara de lo que queremos mostrar. La formula real es el trabajo sobre el error dentro del entrenamiento y en los ensayos, perder totalmente el miedo a equivocarse. Hay mucho por hacer, el trabajo es inagotable y la creación requiere de 24 horas al día, el teatro siempre nos provoca y nos motiva al reto de lo no vivido, y en este punto, el escenario siempre nos posibilita a ser otro del que somos, no dejamos de ser nosotros para ser otro, porque al final siempre somos. En nuestros

últimos montajes, hemos utilizado todo nuestro material al servicio de la escena; la metodología se modifica según las personas que se involucran en cada proyecto. No queremos inventar el hilo negro, pero nos gusta caminar sobre él, vernos siempre en el riesgo de la caída, buscar el equilibrio a cada paso de lo que queremos y lo que de verdad es. El movimiento artístico nacional se está convirtiendo en algo necesario para la sociedad; vemos en todo el país una gran cantidad de personas que quieren involucrarse en las artes escénicas. Para nosotros es muy importante dignificar el arte y que el artista pueda vivir de su labor, estamos en el camino y sabemos que es para toda la vida, así es que seguiremos andando en este camino aprendiendo a cada paso. Creemos que la multidisciplina es fundamental en el entrenamiento del actor, pero como grupo somos respetuosos de todas las disciplinas artísticas. Nosotros integramos la danza, el canto y la música dentro de nuestro entrenamiento; esto también hace que el grupo tome el trabajo desde diferentes lugares, el del actor, escenógrafo o director, lo cual nos enriquece al evaluar los resultados, ya que buscamos el crecimiento integral de cada miembro del grupo.

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Actividades especiales ENCUENTRO DE ASOCIACIONES DE ARTES ESCÉNICAS MEXICANAS.*

C E N TRO DE LA S A R T ES S A N L UI S P O T OS Í CE NT E N A RI O

* Sólo para involucrados en la actividad ** Previa inscripción 110

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El mundo del teatro en México Reuniones de trabajo para consolidar a la Embajada del Teatro con los representantes de las asociaciones internacionales que confirman al Centro Mexicano de Teatro A.C. representante legal de cada una de ellas.

PARTICIPAN:

Marisa Giménez Cacho – ASSITEJ Medardo Treviño – VICEPRESIDENTE DEL CEMEX Lorena Salazar-PRESIDENTA DE SOGEM – COMITÉ DE DRAMATURGOS ITI UNESCO Arturo Nava – OISTAT Gilberto Guerrero – DIRECTOR ENAT – CHAIR ITI UNESCO Althair Naholy – EDUCACIÓN ITI UNESCO Raymundo Nolasco y Adriana Reséndiz – COMITÉ JÓVENES CREADORES- COMITÉ NEW PROJECT Rodolfo Obregón- AICT Alejandro Ortiz Bulle Goyri – PRESIDENTE AMIT

Alonso Hernández – SRIO. GRAL. DELEGACIÓN EDO. DE MÉXICO ITI UNESCO Germán Espíritu – COORDINADOR UNIMA Arq. Francisco Peredo – PRESIDENTE AITA /IATA Tito Dreinhuffer – PRESIDENTE ASOCIACIÓN PRODUCTORES DE MÉXICO Belelm Liceaga – COMITÉ DE TEATRO MUSICAL Y COMITÉ DE DANZA Moisés Miranda – PRESIDENTE ASOCIACIÓN A CIELO ABIERTO Mariano Jano – AICT Y PÁGINA WEB ITI UNESCO

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Encuentro de salas independientes* Se convoca al 1er. Encuentro de las Salas Independientes con programación estable con el objetivo de generar un análisis del estado actual de las salas independientes en el país, generar procesos de reflexión de manera conjunta impulsando modelos de cooperación y relación entre salas independientes, y su relación con instituciones, así como potenciar el papel de las Salas Independientes en el desarrollo profesional del Teatro Nacional.

* Sólo para involucrados en la actividad ** Previa inscripción 112

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Encuentro de Programadores Nacionales e Internacionales* En el marco de la 33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO, se invita a participar en las SESIONES DE ASESORÍAS Y SESIONES DE PRESENTACIÓN Y PROMOCIÓN, las cuales buscan fomentar una interacción más dinámica y relajada entre la comunidad teatral (especialistas, programadores nacionales e internacionales y compañías con repertorio).

Sesión de Asesoría

Estas sesiones buscan facilitar la comunicación e interacción entre especialistas, programadores y compañías, a través de conversaciones directas de máximo 15 minutos, previa cita, en las cuales se plantean consultas a los especialistas y programadores nacionales e internacionales sobre cuestiones concretas en el ámbito de acción profesional, con el fin de obtener consejos, asesorías y/o estrategias para alcanzar objetivos o líneas de acción específicas.

Sesión de Presentación y Promoción Estas sesiones consisten en realizar una presentación verbal y visual en máximo 10 minutos del repertorio o un montaje en particular, con el objetivo de brindar a los programadores nacionales e internacionales las características claves en una forma concisa y general sobre lo que se busca promocionar, con la idea de encontrar una oportunidad de mercado.

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MESAS, CONFERENCIAS Y PRESENTACIONES DE LIBROS. CENTRO DE LAS ARTES SAN LUIS POTOSÍ CENTENARIO

* Sólo para involucrados en la actividad ** Previa inscripción

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SÁBADO 10

MARTES 13

9:00 HORAS

11:30 HORAS

ENCUENTRO DE SALAS INDEPENDIENTES * Teatro El Rinoceronte Enamorado

10:00 Y 16:00 HORAS

ENCUENTRO DE ASOCIACIONES * Sala de Cronistas del Centro Cultural Municipal

DOMINGO 11

LAS PRÁCTICAS TEATRALES Y SU INCIDENCIA SOCIAL Coordinador: Gabriel Yépez En los últimos años, el arte teatral ha tenido un fuerte desarrollo en la vinculación con aspectos sociales. Con la intención de mostrar un trabajo que va más allá de la creación artística, en esta ocasión revisaremos algunas de las prácticas teatrales que inciden en aspectos específicos para el desarrollo de nuestra sociedad. Participan:

ENCUENTRO DE ASOCIACIONES * Sala de Cronistas del Centro Cultural Municipal

Edgar Maldonado Colis - Procesos teatrales en acompañamientos de reinserción social para menores delincuentes. Sonia Enríquez - Dramaturgias comunitarias; tradición oral, identidad y preservación de la memoria. Ireli Vázquez- El teatro sin memoria. Teatroterapia aplicada en adultos mayores con Alzheimer. Carmen Ramos - Procesos teatrales en reclusorios femenil y varonil de Santa Martha Acatitla. Sala de Música del Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario

LUNES 12

13:00 HORAS

9:00 HORAS

ENCUENTRO DE SALAS INDEPENDIENTES * Asociación Teatral “La Carrilla”, A.C.

10:00 Y 16:00 HORAS

10:00 HORAS

EVALUACIÓN DEL ENCUENTRO DE SALAS INDEPENDIENTES Sala de Música del Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario

11:30 HORAS

RESULTADOS DEL ENCUENTRO DE ASOCIACIONES Sala de Música del Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario

13:00 horas

SESIÓN DE ASESORÍA ** Biblioteca del Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario

13:00 horas

PRESENTACIÓN DEL DOCUMENTAL LOS TRABAJOS Y LOS DÍAS DE ÁNGEL NORZAGARAY Por Felipe Parra

Documental en referencia al entorno de su niñez, que definió su destino de vida y artístico, la vida del Norza se presenta como una gesta del adolescente que va de Sinaloa hacia el norte (Baja California) llevando consigo su cultura, tradiciones y lengua que somete a la batalla cotidiana de la frontera para articular un habla dura con ecos poéticos. Describe su formación académica y literaria, que va configurando su estilo rabioso y de profundos toques dramáticos que da el leer y re leer a Shakespeare y Cervantes, en puestas en escena de gran impacto visual. La figura de Norzagaray en el contexto nacional a través de la mirada de Jaime Chabaud, Armando Partida, Jesús Ochoa, Sergio Galindo, Mario Bojórquez, Rodolfo Arriaga y los actores de Mexicali a secas.

SESIÓN DE ASESORÍA ** Biblioteca del Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario

MIÉRCOLES 14 10:00 HORAS

CONFERENCIA MODELO SECS – SP Danilo Santos de Miranda (Brasil)

Licenciado en Filosofía y Ciencias Sociales. Ha realizado estudios complementarios en diferentes universidades brasileñas y en el Management Development Institute de Lausanne (Suiza). Experto en políticas culturales, es director del SESC (Servico Social do Comercio) del Estado de São Paulo desde 1984. Fue presidente del Fórum cultural Mundial de São Paulo en el año 2004; presidente del comité brasileño del Año de Francia en Brasil – Franca.Br2009 en 2008 y 2009. Desde el año 2008 y hasta finales de 2010 es presidente del ICSW (International Council of Social Welfare). También es consultor de varias instituciones culturales brasileñas como: Itau Cultura, Museu de Arte de São Paulo (MASP) y Movimento Nossa São Paulo. Miembro del Comité Art for the World (Suiza), vice-presidente de FEPADET (Federación Panamericana de deporte), presidente regional del International Council of Social Welfare y miembro de ISPA (International Society for Performing Arts) de Estados Unidos. Ponente en innumerables conferencias nacionales e internacionales cada año, ha sido reconocido y premiado en todo el país por su labor en la cultura.

Sala de Música del Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario

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11:30 horas

CENTRO DE INVESTIGACIÓN, DOCUMENTACIÓN E INFORMACIÓN TEATRAL RODOLFO USIGLI CITRU

MESA 1

INICIATIVAS DE GESTIÓN DE LA COMUNIDAD TEATRAL

PONENTES Édgar Álvarez Estrada - Distrito Federal

Todos los foros, el foro. Hacia la gestión de espacios independientes. Propuesta del Instituto Nacional del Teatro, indagando en la experiencia del teatro en Argentina Derechos y obligaciones Red de espacios alternativos

Jenny González - Chiapas

El teatro en Chiapas a la reforma educativa y la descentralización de las políticas culturales. Reforma educativa y descentralización de las políticas culturales.

Margarita Marín - Jalisco

Y cuando miramos a otros países? Exposición de tres ejemplos de organización del campo artístico en Bélgica. Ejemplo Cities on Stage Circo contemporáneo y SMART, institución mediadora entre cliente y artista.

Teatro sin dependencias. En busca de un modelo mexicano basados en los modelos sudamericanos. Propuesta basada en el modelo argentino. Sala de Música del Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario.

13:00 horas

SESIÓN DE ASESORÍA ** Biblioteca del Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario

JUEVES 15

PRESENTACIONES EDITORIALES: 10:00 horas

SIETE AÑOS EN ENSAYOS Y 3 AÑOS EN DES-APRENDIZAJES De Alberto Villarreal Editorial TeatroSinParedes Presentadores: David Olguín, Luis Mario Moncada, Alberto Villarreal y David Psalmon. Casa Rosa del Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario

11:00 horas

CENTRO DE INVESTIGACIÓN, DOCUMENTACIÓN E INFORMACIÓN TEATRAL RODOLFO USIGLI CITRU

TEATRO Y PERFORMATIVIDAD EN TIEMPOS DE DESMESURA. LAS ARTES ESCÉNICAS Y SU INCIDENCIA EN EL CONTEXTO EN QUE SE DESARROLLAN. Compilación de Gabriel Yépez Libros de Godot Presentan: Gabriel Yépez y Maricela de la Torre Casa Rosa del Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario

MESA 2

11:30 horas

Sala de Música del Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario.

13:00 horas

ORGANIZACIÓN INSTITUCIONAL Anthar Santos - Distrito Federal Empresas culturales como modelo de producción escénica. El desconocimiento sobre la aplicación de las áreas económico-administrativas dificulta el entendimiento del arte como sector productivo y de su relación con el ciclo de consumo público. Enrique Olmos de Ita - Hidalgo La necesidad de un circuito nacional de artes escénicas. Indagar la posibilidad de crear un fondo tripartita que involucre a los tres niveles de gobierno y que sirva para la creación de un circuito nacional de artes escénicas en el país.

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Édgar Castelán - Distrito Federal

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ARTE Y CULTURA EN LAS SOCIEDADES LATINOAMERICANAS CONTEMPORÁNEAS. Compilación de Patricia Chavero Libros de Godot / Contigo América / CITRU Presenta: Fernando de Ita Casa Rosa del Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario.

12:00 horas

EDICIONES CITRU TEATRALIDAD Y PODER EN EL MÉXICO ANTIGUO. LA FIESTA DE TÓXCATL CELEBRADA POR LOS MEXICAS. Martha Toriz Presentan: Guillermina Fuentes, Socorro Merlín y Ricardo García

RODOLFO USIGLI. ITINERARIO DEL INTELECTUAL Y ARTISTA DRAMÁTICO. De Ramón Layera Presentan: Guillermina Fuentes, Socorro Merlín y Ricardo García Arteaga

12:00 HORAS

ACTORES Y COMPAÑÍAS EN LA NUEVA ESPAÑA: SIGLOS XVI Y XVII. De Maya Ramos Smith Presentan: Guillermina Fuentes, Socorro Merlín y Ricardo García Arteaga

BALA POR MÍ EL CORDERO QUE ME OLVIDA. SEGUIDO DE LAS MUJERES DE LA BRISA. De Joaquín Cosío Edición Poesía. Taberna Librería Editores / Nod Editores. Presentan: David Ojeda y Juan José Macías Casa Rosa del Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario

UNA PIEZA A TIENTAS “4 CHEMIS 4” DE RODOLFO USIGLI. De Ramón Layera y Octavio Rivera Presentan: Guillermina Fuentes, Socorro Merlín y Ricardo García Arteaga

SESIÓN DE PRESENTACIÓN Y PROMOCIÓN ** Sala de Música del Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario

12:30 HORAS

13:30 HORAS

EL TEATRO DE AHORA: UN PRIMER ENSAYO DE TEATRO POLÍTICO EN MÉXICO. De Antonio Escobar e Israel Franco Presentan: Guillermina Fuentes, Socorro Merlín y Ricardo García Arteaga

EL AMOR DE LAS LUCIÉRNAGAS / MÁS PEQUEÑOS QUE EL GUGGENHEIM De Alejandro Ricaño LIBROS DE GODOT/ INBA. Presentan: Alejandro Ricaño y LIBROS DE GODOT

TEATRO Y POLÍTICA EN EL TEATRO DE MARCELINO DÁVALOS. De Socorro Merlín Presentan: Guillermina Fuentes, Socorro Merlín y Ricardo García Arteaga

TIMBOCTOU De Alejandro Ricaño Fondo Editorial Tierra Adentro Casa Rosa del Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario

COLECCIÓN DE LIBROS ELECTRÓNICOS Presentan: Guillermina Fuentes, Socorro Merlín y Ricardo García Arteaga

14:00 HORAS

CAMBIOS PARADIGMÁTICOS DEL TEATRO MEXICANO SIGLO XX Y XXI. De Arturo Díaz y Gabriel Yépez HISTORIA Y TEATRO EN EL CONCURSO XAVIER ROJAS. De Socorro Merlín

BRUJAS, APARECIDOS Y LEYENDAS. ANTOLOGÍA DE OBRAS DE DRAMATURGOS COMUNITARIOS. Compilación de Sonia Enríquez LIBROS DE GODOT Presenta: Maricela de la Torre Casa Rosa del Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario

REVISIÓN DEL GASTO PÚBLICO De Patricia Chavero RESEÑA HISTÓRICA DEL TEATRO EN MÉXICO 2.0 – 2.1. De Israel Franco y Sergio Honey Casa Rosa del Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario

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VIERNES 16

PRESENTACIONES EDITORIALES: 11:00 HORAS

TEATRO PARA EL FIN DEL MUNDO; LA ESCENA EN ESTADO DE EMERGENCIA. Presentación del documental Teatro para el fin del mundo; la escena del estado de emergencia. Presenta: Ángel Hernández Proyecto apoyado por el programa IBERESCENA, festival que presentó compañías de Costa Rica, Chila, El Salvador, España, Uruguay y México, interviniendo quince espacios en condiciones de ruina y ofreciendo además de conferencias, talleres, mesa de discusión, un laboratorio iberoamericano de creación colectiva. Casa Rosa del Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario

12:00 HORAS

TEATRO PARA PÚBLICOS JÓVENES. PERSPECTIVAS INTERNACIONALES. De Manon Van Water INBA-El Milagro. Presentan: Otto Minera y Marisa Giménez Cacho Las ponencias reunidas en este libro son ilustrativas del amplio campo de investigación que ofrece el teatro para públicos jóvenes. Abarcan cinco continentes; incluyen métodos evaluativos, etnográficos e historiográficos , así como teoría crítica, reflexión filosófica, análisis de textos dramáticos y otros enfoques; tratan una amplia gama de asuntos: representaciones escénicas, contextos culturales, temas de identidad, raza, clases sociales, teorías de género, nociones de niño y niñez, estética, así como la influencia de los medios y las ideologías dominantes. Son tiempos de entusiasmo: estamos trabajando en el terreno del teatro para públicos jóvenes, ya sea como practicantes o como estudiosos, o como ambos. Los invitamos a compartir todo esto. Casa Rosa del Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario

12:00 HORAS

SESIÓN DE PRESENTACIÓN Y PROMOCIÓN ** Sala de Música del Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario

12:30 HORAS

LOS TÍTERES DE ROSETE ARANDA / ESPINAL COLECCIÓN DEL INSTITUTO NACIONAL DE BELLAS ARTES - INBA Presenta: Marisa Giménez Cacho. La historia de estas compañías es rica y fascinante, abarca muchos años y en ella intervienen una gran cantidad de personas; todo se ve reflejado en los títeres —protagonistas de este libro— que hablan por sí mismos. La selección busca mostrar, por un lado; su fascinante belleza, producto del trabajo de maestros de la escultura en madera que supieron imprimirles una sensible expresión, y por otro; los espectáculos más significativos de los que formaron parte. La mayoría están agrupados por repartos en obras en las que se distinguen dos grupos: las que dan continuidad al repertorio de los hermanos Rosete Aranda y las originales de Carlos V. Espinal que culminan con la Ópera en Miniatura. En ciertos casos tuvimos información precisa que nos dio certeza sobre los personajes que intervienen en el reparto, en otros, nos tomamos la libertad de agruparlos buscando un conjunto coherente. Casa Rosa del Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario.

13:00 HORAS

REVISTA TRAMOYA, CUADERNO DE TEATRO Universidad Veracruzana Presentan: Francisco Beverido, Laura Jayme y Carolina Marín Casa Rosa del Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario.

14:00 HORAS

NOVEDADES EDITORIALES DE PASO DE GATO. Editorial Paso de Gato Casa Rosa del Centro de las Artes San Luis Potosí Centenario.

EXHIBICIÓN Y VENTA DE EDICIONES ESPECIALIZADAS EN ARTES ESCÉNICAS Participan: Editorial Paso de Gato Libros de GODOT - TeatroSinParedes Escenología – Tramoya Lobby del Teatro de la Paz / Centro de Difusión Raúl Gamboa. 118

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EXPOSICIONES QUADRIENAL DE PRAGA

Inauguración Viernes 9, 17:00 horas

Retrata la participación de México en la Cuadrienal de Praga 2011, por la cual se hizo merecedor a una medalla de oro por la mejor exhibición de arquitectura teatral. Se exhibirá el trabajo de los creadores mexicanos que desarrollaron sus propuestas pensando en la mirada cambiante y dinámica del espectador y la manera en que las nuevas tecnologías electrónicas han alterado nuestro entendimiento del espacio, el detalle y su imagen. Curador Sergio Villegas. Galerías del Centro Cultural Palacio Municipal

NAVAJAS I, II

De Rosa María Robles

Inauguración Viernes 9, 18:00 horas

Las piezas que conforman la exposición Navajas no son un documento de la violencia social actual, son una interpretación de ésa violencia y pretendo que sean consideradas simples piezas de arte, las cuales no alcanzan a reproducir el sentido de podredumbre y decadencia que caracterizan a nuestra realidad. Galería Centro de Difusión Cultural “Raúl Gamboa” del I. P. B. A.

EXPO CARTELES

Inauguración Viernes 9, 19:00 horas

Más de 30 años de historia gráfica serán expuestos durante la 33 Muestra Nacional de Teatro. Esta exposición pretende exhibir las imágenes gráficas de las puestas en escena que han tenido lugar en uno de los espacios más representativos de la ciudad potosina: Teatro de la Paz Vestíbulo del Teatro de la Paz

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Muestra

interviene la Ciudad

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El teatro se encuentra de fiesta. El evento más grande dentro de esta industria está a punto de iniciar. En esta ocasión, la Muestra Nacional de Teatro, espacio en el cual año tras año, actores, directores y creadores convergen para reunirse a apreciar lo que está sucediendo en el panorama teatral actual se realizará en la ciudad de San Luis Potosí. Si bien la Muestra Nacional de Teatro es el más importante escaparate del que hacer teatral, esto no implica que no exista un espacio para unirse con otras expresiones artísticas. Se ha buscado fortalecer e incorporar nuevas formas de acercar a la sociedad mediante el aprovechamiento de las nuevas tecnologías, las redes sociales y los movimientos urbanos emergentes que tanta fuerza han cobrado en los últimos años. La promoción de la 33MNT ha sido planeada para romper con ideas y esquemas tradicionales. Como primer paso se buscó involucrar al nuevo talento potosino, que no necesariamente está relacionado con el teatro, cuyas propuestas artísticas ofrecen nuevas y dinámicas formas de acercar al público al arte escénico. Una de estas propuestas fue realizar intervenciones, es decir, una serie de performances en lugares públicos en los que se realizarían montajes escénicos de manera espontánea, en los cuales se mostraría de el número 33 con el fin de crear incertidumbre en el público y, a la vez, dar a conocer la MNT conjuntándola con otro tipo de arte, como la danza. Con el apoyo de varios artistas gráficos, se realizaron diseños de imágenes alusivas al teatro, las cuales posteriormente fueron plasmados en forma de stickers, banderillas o cubre bocas para utilizar en los performances o pegar en lugares específicos. Inclusive, se ha buscado el apoyo de los graffiteros para realizar murales para que llamen la atención y transmitan la festividad que esta actividad trae consigo. Otra forma con la cual también se busca dar a conocer el evento fue por medio de la Rodada Urbana Nocturna, del colectivo Vida Sobre Ruedas, un grupo de jóvenes potosinos preocupados por la ecología y movilidad urbana. Dicho colectivo ha ganado un importante número de seguidores desde su creación. Accedieron a realizar una “Rodada por el Teatro”. Las estrategias de comunicación tradicionales no se quedarán de lado. Se ha recurrido a spots, carteles o espectaculares. Todo lo anterior persigue un único fin: acercar al mayor número de personas a este gran festejo teatral, al cual todos están invitados.

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SEDES

E S P A C I O S

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TEATRO DE LA PAZ

VILLERÍAS #105, CENTRO HISTÓRICO, C.P. 78000

CENTRO CULTURAL UNIVERSITARIO BICENTENARIO SIERRA LEONA #550 LOMAS SEGUNDA (ZONA DE POSGRADOS)

CENTRO DE DIFUSIÓN CULTURAL “RAÚL GAMBOA” DEL I. P. B. A. UNIVERSIDAD ESQ. NEGRETE, ZONA CENTRO

TEATRO DEL IMSS

TOMASA ESTÉVEZ #800, ESQ. CUAUHTÉMOC.

CINE TEATRO CARLOS AMADOR

AV. DE LOS POTOSINOS ILUSTRES S/N INTERIOR PARQUE TANGAMANGA I

ASOCIACIÓN TEATRAL “LA CARRILLA”, A.C. HIMNO NACIONAL #4000-A COL. INDEPENDENCIA

TEATRO EL RINOCERONTE ENAMORADO CARLOS TOVAR #315 ZONA CENTRO

AULA CAJA NEGRA DE LA UNIVERSIDAD AUTÓNOMA DE SAN LUIS POTOSÍ (UASLP) DOCTOR MANUEL NAVA #8, ZONA UNIVERSITARIA

CENTRO DE LAS ARTES SAN LUIS POTOSÍ CENTENARIO CALZADA DE GUADALUPE 705, COL. JULIÁN CARRILLO

CENTRO CULTURAL DEL PALACIO MUNICIPAL JARDÍN GUERRERO #5 CENTRO

ESPACIO ALTERNATIVO

AVENIDA VENUSTIANO CARRANZA #774, BARRIO DE TEQUISQUIAPAN

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EQUIPO DE TRABAJO COORDINACIÓN GENERAL Juan Meliá - Laura Elena González COORDINACIÓN OPERATIVA César Tapia COORDINACIÓN LOGÍSTICA Alma Rosa Castillo - Cecilia Padrón COORDINACIÓN DE DIFUSIÓN Alicia Martínez - Araceli Alvarado COORDINACIÓN GENERAL TÉCNICA Mario Eduardo de León COORDINACIÓN DE PRODUCCIÓN Patricia Bear COORDINACIÓN ACADÉMICA Cedric Barba - Irma Hermoso “Luna” COORDINACIÓN EDITORIAL CATÁLOGO ESPECIAL Gabriel Yépez COORDINACIÓN ADMINISTRATIVA Eloísa Sáenz - José de Jesús García COORDINACIÓN DE CARGAS Ernesto Acosta - David Reyna COORDINACIÓN ENCUENTRO DE PROGRAMADORES Haydé Zavala

REDES SOCIALES Pedro Alfonso González Ramírez REVISIÓN DE TEXTOS Mariana Alatorre

COORDINACIÓN DE EXPOSICIONES David Reyna

FOTOGRAFÍA Fernando Moguel – José Jorge Carreón – Raúl Ramírez “Kigra” – Enrique Gorostieta

DISEÑO GRÁFICO Angélica Sánchez

MEMORIA EN VIDEO Félix Barbosa

PÁGINA WEB Y FOTOGRAFÍA WEB Transeúnte – La Mirada no Solicitada Sara Pinedo – Nacho Ponce – Daniel Padrón

PATROCINIOS Carolina Jayme Foyo – Adriana Camarena

PRODUCCIÓN ENCUENTRO DE PROGRAMADORES David Bear Macías

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COLABORACIÓN EN DIFUSIÓN Angélica Moyfa García OPERACIÓN ENCUENTRO PROGRAMADORES Emma Mosqueira, Irma Hermoso, Iraís Avilés, Julie Hernández

TRANSPORTACIÓN Susana Pérez García

DIARIO DE LA MUESTRA Deborah Chenillo Alazraki

COORDINACIÓN DE ALIMENTACIÓN Y APOYO LOGÍSTICO Rosa María Gallegos

COORDINACIÓN DE LAS MESAS: INICIATIVAS DE GESTIÓN DE LA COMUNIDAD TEATRAL Y ORGANIZACIÓN INSTITUCIONAL Centro de Investigación, Documentación e Información Teatral Rodolfo Usigli CITRU

COORDINADORES DE ESPACIOS Luis Esquivel, Raúl Pedro Torres, Jair Gómez, Pueblo Pineda, Gustavo Betancourt, Oscar Sánchez, Caín Coronado, Ángel Portilla, David Grimaldy, Mario Rocha

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PERSONAL TÉCNICO Alejandro Carrasco, Ramón Aceves, Marco Antonio Cervantes, Sergio Galarza Salazar, Valente Ibarra, Jorge Ernesto Rivera Jaramillo, José Luis Chávez Juárez, Jorge Nesme Martínez, Víctor Ramírez Cuellar, Jorge Silva, Severiano Martínez, Jair Gómez Rodríguez, Gustavo Chávez, Gilberto Galarza, Antonio Chávez, Juan Pedro Huerta Rangel, Erick Daniel Díaz de León Torres, Daniel Gustavo Chávez, Gerardo Pardo, Caín Coronado, Alberto Villaseñor, Alberto Ybarra, Henoc Grimaldy, Odeb Hiram García APOYO LOGÍSTICO María de la Luz Chávez Torres - David Gallegos González

AGRADECIMIENTOS ESPECIALES Cynthia Valle Meade, Deborah Chenillo Alazraki, Gerardo García Hurtado, Víctor Hugo Cabrera, Ximena Ocejo Mendizábal, Bethsabé Guzmán, Marisa Giménez Cacho, Mónica Juárez, José Luis Ortiz, Paloma Caballero, Eleno Guzmán, Montserrat Morales, Javier López Estrada, Ismael Vargas, Paola Muñoz, Félix Barbosa, Jessica González Fuentes, Martin Dávalos, Omar Méndez, Ángel Regil Rocha, Rodrigo Meneses, Antonio Tercero, Cesar Domínguez, Jaime Godoy, Antonio Retana / Colapso - Intervenciones Urbanas, Roberto Méndez, Noemí Torres, Lucía Andrade, UPAV / SECUL, Instituto Mexicano del Seguro Social IMSS, Asociación Teatral “La Carrilla”, A.C., Rinoceronte Enamorado 33 MUESTRA NACIONAL DE TEATRO SAN LUIS POTOSÍ, S. L. P., MX.

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