Ballet Rambert & The Royal Ballet: "Aisha and Abhaya" - Abendprogramm by Berliner Festspiele

Berliner Festspiele SPIELE – HAUS DER #tanzberlinerfestspiele BERLINER FESTSPI

BALLET RAMBERT & THE ROYAL BALLET

Aisha and Ab haya präsentieren / present

Regie / Director: Kibwe Tavares Choreografie / Choreography: Sharon Eyal Co-Choreografie / Choreography Co-creator: Gai Behar

in Zusammenarbeit mit / in association with BBC Films und / and Robin Saunders

11. – 13.3.2020 20:00

Das Berliner Gastspiel wird ermöglicht durch / The per formances in Berlin are made possible b y Inga Maren Otto.

Willkommen „Aisha and Abhaya“ ist für uns ein Beispiel dafür, was Menschen erreichen können, wenn sie zusammenarbeiten. Wir möchten neuen und ver

schiedenartigen Stimmen Zugang zu unserer Kunstform ermöglichen und uns auf ihre Vorstellungen und Arbeitsweisen einlassen. Wir sind unserem Partner The Royal Ballet sehr dankbar für die Gelegenheit, uns für diese wunderbare Arbeit ganz einem für uns ungewöhnlichen Prozess verschreiben zu können. Die Kompanie ist für vier Wochen nach Tel Aviv gereist, um mit der Choreografin in der Nähe ihrer Familie zu arbeiten, und wir haben an den verregneten Hängen Nordirlands getanzt, um die Vision des Regisseurs zu verwirklichen: Um die Geschichte von Aishas und Abhayas Reise zu erzählen, haben wir uns von ihnen auf eine entführen lassen. 2018 verloren wir Kibwe beinahe an eine ernste Erkrankung. Danke, Kibwe, dass Du uns erhalten geblieben und zu uns zurückgekommen bist. Danke an Sharon, Gai und alle anderen Mitwirkenden dafür, dass sie ihre Pläne zurückgestellt und Raum für unser Projekt geschaffen haben. Danke an Kevin, Emma und The Royal Ballet für ihre sofortige und vollständige Unter stützung. An Rose und Eva von BBC Films und an Robin dafür, dass sie das Potential des Projekts erkannt und geschützt haben. Und Danke an unser Ballet-Rambert-Team dafür, dass sie es niemals aufgegeben haben – was für ein Glück für uns, mit Euch allen arbeiten zu dürfen. Ballet Rambert hat sich der Unterstützung mutiger und brillanter Künstler*innen verpflichtet, denn wir sind überzeugt, dass sie die Kraft haben, die Welt voranzubringen, wenn man ihnen nur eine Bühne gibt und ein Publikum wie Sie. Willkommen bei Ballet Rambert.

Helen Shute

Benoit Swan Pouffer

Geschäftsführerin und leitende Produzentin von Ballet Rambert

Künstlerischer Leiter von Ballet Rambert

„Aisha and Abhaya“ vereint die Bildwelt von Regisseur Kibwe Tavares mit dem Bewegungs- und Sound universum der Choreografin Sharon Eyal sowie ihrer langjährigen Partner Gai Behar und Ori Lichtik und der düsteren Dancehall-Musik von GAIKA. Inspiriert von Hans Christian Andersens „Das kleine Mädchen mit den Schwefelhölzern“ erzählt „Aisha and Abhaya“ eine Überlebensgeschichte um die so schmerzliche wie heilsame Kraft der Erinnerung. Das Stück folgt zwei Schwestern auf ihrer Reise in eine neue Welt und zeigt ihren unterschiedlichen Umgang mit der eigenen Vergangenheit und Zukunft. Ihre Beziehung durchläuft Phasen der Spannung und des Leids, bis sich ihre Erinnerungen schließlich in eine gemeinsame Wahrheit des Verlusts verwandelt. Was wird aus der Heimat, wenn sie nur noch eine Geschichte ist, die man sich selbst erzählt?

SIE SAGEN, DAS MEER BESTEHT AUS TRÄNEN DERER, DIE AUF DER GANZEN WELT AUF DER FLUCHT SIND, AUF DER SUCHE NACH WENIGER ANGST ICH WEISS, WIE SEHR ES SCHMERZT ZU SCHWIMMEN UND ZU KRIECHEN UND ZU LAUFEN UND ZU LEBEN, MIT DER ERINNERUNG AN TRÄNEN AN SCHWIMMEN UND KRIECHEN UND LAUFEN UND LEBEN, MIT DER ERINNERUNG AN HIER GAIKA

Welcome “Aisha and Abhaya” represents for us what people can achieve when they work together. We believe in welcoming

new and different voices to our art form by responding to their vision and ways of working. We’re incredibly grateful to our partner, The Royal Ballet, for allowing Ballet Rambert to commit so fully to a different process for this amazing work. From basing the company in Tel Aviv for four weeks to work with a choreographer close to her family, to dancing on rain-swept hillsides in Northern Ireland to realise the director’s vision – Aisha and Abhaya have taken us on a journey as we set out to tell the story of theirs. In 2018 we nearly lost Kibwe due to serious illness. Thank you Kibwe for staying with us and for coming back; to Sharon, Gai and all the collaborators for postponing plans and keeping a space for us; to Kevin, Emma, Hannah and The Royal Ballet for immediate and complete support; to Rose and Eva at BBC Films and Robin, for understanding the potential and protecting it; and to our Ballet Rambert team who never let it go – we are so lucky to work with you all. At Ballet Rambert we have committed to supporting daring and brilliant artists because we believe they have the power to move the world forward when given the stage and an audience like you. Welcome to Ballet Rambert.

Helen Shute

Benoit Swan Pouffer

Chief Executive / Executive Producer of Ballet Rambert

Artistic Director of Ballet Rambert

“Aisha and Abhaya” unites the imagery of director Kibwe Tavares with the universe of sound and movement of choreographer Sharon Eyal and her long-standing partners Gai Behar and Ori Lichtik, and the sombre dance-hall music of GAIKA. Originally inspired by “The Little Match Girl”, “Aisha and Abhaya” is a story of survival which explores both the painful and restorative nature of memory. It follows the two sister’s fantastical journey to a new land and watches how differently they carry their past and face their future. Their relationship strains, suffers and ultimately soars as personal memory turns into a collective truth of loss. What does home become when it is just a story you tell yourself?

THEY SAY THE OCEAN IS MADE OF TEARS OF THOSE ACROSS THE WORLD RUN IN SEARCH OF LESSER FEARS I KNOW HOW MUCH IT HURTS SWIM AND CRAWL AND WALK AND LIVE WITH MEMORIES OF TEARS SWIM AND CRAWL AND WALK AND LIVE WITH MEMORIES OF HERE GAIKA

Gespräch mit Kibwe Tavares

Heraus aus der Komfortzone Während der Proben zu „Aisha and Abhaya“ sprach Bryony Stone mit Regisseur Kibwe Tavares über den zweijährigen Entwicklungsprozess Kibwe Tavares: der Produktion. 2017 sprach mich Helen Shute (die Geschäftsführerin und leitende Produzentin von Ballet Rambert) an und fragte, ob ich Interesse daran hätte, eine Version eines Märchens zu entwickeln. Es war ein völlig offener Auftrag für ein neues Stück für Ballet Rambert in Koproduktion mit The Royal Ballet; eine Gelegen heit für mich, zu tun, was ich wollte, verschiedene Künstler*innen mit zubringen und ihnen die Türen dort zu öffnen. Ich mag Elitedenken nicht, ebenso wenig wie die Vorstellung, dass bestimmte Orte für gewisse Menschen nicht zugänglich sein sollen. Ich wollte neue Gesichter und andere Menschen im Publikum sehen und mir gefiel der Gedanke, dass meine Freund*innen ins Royal Opera House kommen würden. Was mich an „Aisha and Abhaya“ besonders reizte, war die Vorstellung, mich aus meiner Kom8

fortzone herauszubewegen und etwas für mich ganz Neues zu tun. Als ich mit der Arbeit an „Aisha and Abhaya“ anfing, wusste ich eigentlich gar nichts über zeitgenössischen Tanz. Ich hatte zwar noch nie eine Produktion entwickelt, aber viel Erfahrung damit, Geschichten ohne Worte zu erzählen. Die Menschen lieben Geschichten und ich dachte, das könnte mein persönlicher Beitrag zu einem zeitgenössischen Tanzstück sein. Ich bin kein Choreograf, aber wenn ich dem Stück eine Struktur, ein Gefühl, eine Ästhetik und eine Geschichte geben könnte, dann könnte ich es mir wirklich zu Eigen machen und Menschen ins Theater bringen, die normalerweise keine zeitgenössischen Tanzstücke besuchen.

Gespräch mit Kibwe Tavares

Filme erzählen eher explizite Geschichten. In dieser Hinsicht ist der Film eine manipulativere Kunstform als der Tanz. In meinen früheren Arbeiten gab es immer eine gewisse Abstraktionsebene und ich hatte immer das Gefühl, dass es mir durch diese Abstraktion gestattet war, in mancher Hinsicht direkter zu sein. Ich habe stets versucht, die Menschen mit dem Moment des Fantastischen anzulocken, es aber immer durch die realen Dinge zu erden, die Menschen durchmachen. Als Ausgangpunkt entschied ich mich für „Das kleine Mädchen mit den Schwefelhölzern“. Das Märchen hat ein visuelles Element, ist einfach, emotional und spricht die Menschen unvermittelt an, ohne zu viel erzählen zu müssen. In Hans Christian Andersens Geschichte muss ein Mädchen sich ganz ohne Familie in einer neuen Stadt zurechtfinden. Ich habe dieses Motiv ergänzt, damit es auch im Jahr 2017 wichtig und aktuell wirkt. Sie ist ein Flüchtlingskind, das vor dem Krieg in ihrem Heimatland flieht, auf ihre Vergangenheit zurückblickt und sich zunehmend abgrenzt, bevor sie den Übergang in ihr neues Leben vollzieht. Mir schienen diese Details wichtig, zumal im Jahr 2017, als die Nachrichten jeden Tag über Geflüchtete berichteten. Ich machte aus einer Hauptperson zwei und trennte so die beiden Seiten ihres fiktiven Charakters. Das ermöglichte ein Wechselspiel zwischen zwei Menschen im Tanz. Die Idee, die Geschichte durch zwei Schwestern erzählen zu lassen, basiert darauf, dass ihr Ausgangs9

punkt in einer gemeinsamen Erfahrung liegt. Zwischen Geschwistern besteht von Geburt an eine Verbindung, und auch wenn sie die gleichen Erfahrungen machen, können sie ganz unterschiedlich auf diese Erfahrungen reagieren. Das war der Ausgangspunkt von „ Aisha and Abhaya“: zwei Menschen, die die gleiche DNA haben, aber ganz unterschiedlich mit ihren Erinnerungen umgehen und auf entgegengesetzte Weise auf das Konzept von Heimat reagieren. Aisha bedeutet Hoffnung. Abhaya bedeutet Furchtlosigkeit. Abhaya, die furchtlosere der beiden Schwestern, möchte die Vergangenheit hinter sich lassen und ein neues Leben in der Stadt beginnen. Sie weiß, dass sie nach vorne schauen muss. Aisha dagegen steckt fest in ihren Erinnerungen an die Heimat und die Vergangenheit. Wir wussten zunächst nicht, ob wir einen Film machen würden: Der Arbeitsauftrag war sehr offen. Zuerst tat ich mich schwer. Ich wusste, in welche Art von Welt ich mich begeben wollte, aber ich wusste nicht recht, wie ich sie festhalten sollte. Ich verließ mich auf meine gewohnte Arbeitsweise und wandte die gleichen Techniken an, mit denen ich auch Filme vorbereite: Moodboards, Diagramme, jede Menge Storyboards. Schließlich beschloss ich, einen Film in „Aisha and Abhaya“ hineinzuschreiben. Ich wollte auf keinen Fall zu viele Handlungsdetails in der LivePerformance zeigen, denn so etwas kann schnell zu einer Art Pantomime werden. Ich wollte der Freiheit des Tanzes keinesfalls Grenzen setzen.

Gespräch mit Kibwe Tavares

Nachdem ich die Geschichte ganz aufgeschrieben und damit fixiert hatte, mussten wir entscheiden, welche Technik die richtige für die einzelnen Komponenten war. Ich schrieb zwei Erzählstrukturen, eine für Film und eine für Performance. Dann legte ich einen Fahrplan für das Ganze fest, mit Hinweisen auf die jeweiligen Techniken, auf die Handlung und die Ästhetik. Dieser Fahrplan wurde zur Grundlage für das Gesamtstück. „Aisha and Abhaya“ hat fünf Kapitel: Reise, Stadt, Vorher, Tod, Reise. Sie reisen weiter. Das Leben geht weiter. Das Leben nach dem Tod. In dem Stück liegt Traurigkeit. Es beginnt geheimnisvoll und wird beklemmend, als die Schwestern in die Stadt kommen. Wir sehen ihre traurige Vergangenheit. Das Ende ist nicht nur einfach Hoffnung; ich finde es melancholisch. Bittersüß. Als Zuschauer*in soll man das Gefühl haben, dass man gemeinsam mit ihnen auf dieser Reise war. Es hat eine gewisse Intensität. Besonders schön an diesem Projekt war, dass wir so viele verschiedene, wirklich talentierte Künstler*innen zusammengebracht haben. Meine Aufgabe war es, diesen vielseitigen künstlerischen Input zusammenzuführen und darauf zu achten, dass alles zu einem Ganzen zusammenkam. Ich habe im vergangenen Jahr viel Zeit in Tel Aviv verbracht. Zunächst habe ich mir Sharon Eyals Arbeit angesehen und mit Sharon und Gai Behar geredet. Ich habe viel Zeit mit ihrer Familie und ihrem Kollektiv verbracht und 10

wir haben darüber gesprochen, was ihnen wichtig ist. Ich musste mich wirklich darauf einlassen, was Sharons Standpunkte sind. Ich sehe mich selbst in ihren Bewegungen. Etwas Luftiges hätte sich falsch angefühlt: Ich brauchte etwas, das wirklich aus dem Bauch kam. Es ging nicht darum, dass ich Körper im Raum hin und her bewegte. Es ging darum, den Prozess so zu strukturieren, dass sie den Raum hatte, den sie zur Entwicklung des Stücks brauchte und gleichzeitig dafür zu sorgen, dass das Stück in einer einzigen, gemeinsamen Idee wurzelte. Neben Sharon und Gai, den Komponisten Ori Lichtik und Gaika, meinem Bruder, hat mich die Kostüm- bildnerin Uldus Bakhtiozina sehr beeinflusst. Ich wollte schon seit Jahren mit ihr zusammenarbeiten. Sie war von Anfang an dabei und hatte einen enormen Einfluss auf die Gestaltung der Welt von „Aisha and Abhaya“. Es war eine Ehre, mit ihr zu arbeiten. Während der Arbeit an diesem Projekt hatte ich ein lebensveränderndes Erlebnis. Im vergangenen September erlitt ich einen Schlag anfall. Ich war nie zuvor so verletzlich gewesen. Manches hat sich seitdem verändert und ich musste mit „Aisha and Abhaya“ mein Zutrauen in meine Arbeit ganz neu wiederherstellen. Es hat mir in diesem Jahr sehr geholfen, ein Ziel zu haben, etwas, das ich mir vornehmen konnte. Die Konzentration auf „Aisha and Abhaya“ gab mir den Antrieb, etwas zu schaffen, auf das ich stolz sein konnte.

Gespräch mit Kibwe Tavares

Ich habe mir schon immer Gedanken über den Begriff „Talent“ gemacht und darüber, was Talent eigentlich ausmacht. Kann man Talent verlieren? Früher hätte ich gedacht, dass Erfolg bedeutet, etwas sehr Kompliziertes zu tun, das nicht viele andere Menschen tun können. Ich bin heute nicht mehr sicher, ob das noch Grund genug ist, etwas zu tun und suche nun den Sinn der Dinge. Die Krankheit hat mich dazu gebracht, die Dinge offener zu hinterfragen und mehr darüber zu reden, was mich bewegt. Früher habe ich dazu tendiert, zu beobachten und abzuwarten. Ich habe mich nie für besonders selbstsicher gehalten; ich habe erst festgestellt, dass ich selbstsicher bin, als meine Selbstsicherheit erschüttert wurde. Ich bin dabei, herauszufinden, inwiefern ich anders bin und was genau sich geändert hat. Bin ich eine andere Version meiner selbst? Tief innen fühle ich mich immer noch wie derselbe Mensch.

Bryony Stone ist Autorin und Redakteurin. Sie schreibt unter anderem für It’s Nice That, Dazed, A nOther, Riposte, Man About Town, Vice, B roadly, i-D, Refinery29, Wonderland und Rollacoaster.

Dieser Artikel erschien erstmals im Programmheft des Royal Opera House, London. 11

Conversation with Kibwe Tavares

Out of the comfort zone During rehearsals for “Aisha and Abhaya”, Bryony Stone spoke to Kibwe Tavares, as the director reflected on the two year-long process behind the production. Kibwe Tavares: Back in 2017, Helen Shute [Chief Executive and Executive Producer of Ballet Rambert] approached me and asked if I would be interested in creating a version of a fairytale. It was an open brief to make a new piece for Ballet Rambert in coproduction with The Royal Ballet; the chance to do what I wanted and bring in different creatives to help open their doors up. I don’t like elitism or the thought that certain places aren’t for certain people. I wanted to see new faces and people in the audience, and I liked the idea of my mates coming to the Royal Opera House. Part of the big draw of creating “Aisha and Abhaya” was the experience of moving out of my comfort zone and doing something which I’d never done before. I didn’t really know anything about contemporary dance when I started work on “Aisha 12

and Abhaya”; I hadn’t created a performance before but I tell a lot of stories without words. People are drawn to stories – it felt like something I could add to a contemporary dance piece. I’m not a choreographer, but if I could give the work a structure, a feeling, an aesthetic and a story, I could make it my own and draw into the piece people who don’t normally go to see contemporary dance. Films are of a more explicit nature, in terms of story. It’s a more manipulative art form than dance in that way. In my previous work, there’s always been a level of abstraction and I always felt that with abstraction, I was allowed to be more direct in some ways. I’ve always tried to draw people in with

Conversation with Kibwe Tavares

stuck in her memories of home and the fantastical, while tethering it to the past. the real, human things that people We didn’t know we were defigo through. nitely going to make a film: the I settled on “The Little Match brief was really open. At first I was Girl” as a starting off point. It was quite stuck. I knew the sort of world simple, visual, emotional and visI wanted to enter, but I didn’t necceral: it didn’t need to try to tell too essarily know how to put it down. much. In Hans Christian Andersen’s I took my process — applying the original short story, a girl finds hersame techniques through which I’d self in a new city with no family. I normally make films — mood boards, enhanced this, so that it felt impordiagrams, lots of storyboards. In the tant and present in 2017 – she is a refugee child who flees an imaginary end, I decided to write a film into “Aisha and Abhaya”. I didn’t want to war-torn country, looking back into put too much of the story’s detail her past and slowly becoming more into the live performance because isolated before passing on to the it would risk becoming mime-like. I next life. These details felt relevant, didn’t want to limit the freedom of particularly back in 2017, when refthe dance. ugees featured permanently in the Once I’d got the whole story by news. writing it out in text, the process I changed the protagonist from became about which techniques one character to two, separating we would use for each element. I the two sides of her imagined perwrote the story using dual narrative sonality. In dance, you can have an structures for film and performance. interplay between two people. The I made a road map of the whole idea of using sisters to drive the thing, with references to techniques story was that they’d start with a we were going to use, what was shared experience. Siblings are born happening in the story, references with a connection, and although to the aesthetic. That became the they see and share experiences, they basis for the overall piece. can respond to those experiences in “Aisha and Abhaya” takes place completely different ways. “Aisha and Abhaya” started from across five chapters: journey, city, before, death, journey. They jourthat point: with two people who ney on. Life carries on. Life after share the same DNA but have difdeath. There is sadness in the piece. ferent approaches to a memory and It starts mysterious, then becomes contrasting reactions to the idea of oppressive when the sisters enter home. Aisha means hope. Abhaya into the city. We see their past, means fearlessness. Abhaya, the which is sad. The ending is not as more fearless one, wants to forget simple as hope; it’s melancholic, I the past and move on to find a new think. Bittersweet. You’re meant to life in the city. She knows that she feel like you’ve gone on this journey has to move forward. But Aisha is 13

Conversation with Kibwe Tavares

with them. There is an intensity to it. One of the cool things about this project has been bringing together all these really talented different artists. It’s been my job to pull together lots of different artistic inputs and make sure that everything sits together as a whole. I went to Tel Aviv a lot last year. Initially, I was watching and downloading Sharon Eyal’s work, talking to Sharon and Gai Behar. I spent time with their family and collective and talked about what was important for them. I had to really understand where Sharon was coming from. I see myself within her movements. Something floaty wouldn’t have felt right: I needed something really visceral. It wasn’t about me trying to move bodies around in space, it was about me structuring the process to give her the space that she needs to create and at the same time make sure the piece was anchored by one idea. Along with Sharon and Gai, composers Ori Lichtik and my brother Gaika, the other huge influence on me was the costume designer Uldus Bakhtiozina. I’ve wanted to work with her for years. She was there from the inception, and she massively influenced how the world of “Aisha and Abhaya” was formed. It was an honour to work together. I experienced a massive life change while making this production. Last September, I had a stroke. I’ve never been that vulnerable before. Certain things are different from when I started, and I’ve had 14

to use “Aisha and Abhaya” to rebuild my confidence at work. It’s been beneficial to have a goal, something to aim at this year. I had to go up there, shoot and be uncomfortable again. Focusing on “Aisha and Abhaya” pushed me to make something of which I was proud. I’ve always questioned the idea of talent and what talent is. Can you lose talent? Before, I would have thought success was doing something very complicated that not many people can do. I don’t know whether that’s a good enough reason to do something anymore and I search more for meaning in things now. Being sick has made me outwardly question things and talk more about what’s going through my mind. I’ve always been someone who observes a bit more and then waits. I never saw myself as super confident before; I didn’t realize I was confident until my confidence was knocked. I’m working out how different I am and what is different. Am I a different version of me? I still feel like the same person, deep down. Bryony Stone is a writer and editor. She has written for publications including It’s Nice That, Dazed, AnOther, Riposte, Man About Town, Vice, Broadly, i-D, Refinery29, Wonderland and Rollacoaster.

This article was first printed in the programme book of the Royal Opera House, London.

Motion-Capture-Animation für / Motion capture animation for „Aisha and Abhaya“

Biografien / Biographies

Tänzer*innen von Ballet Rambert bei einer Motion-Capture-Probe für / Ballet Rambert dancers in motion capture session for „Aisha and Abhaya“

Kibwe Tavares begann noch während seines Studiums an der Bartlett School of Architecture, Filme zu machen. Sein erster Kurzfilm, „Robots of Brixton“, gewann 2012 den Sundance Sonderpreis der Jury für Animation. Er wurde beim New Directors Showcase von Saatchi & Saatchi als einer der 20 besten jungen Regisseur*innen genannt. Starting out in architecture, Kibwe Tavares was still studying at the Bartlett School when he began making films. His first short, “Robots of Brixton”, won the Sundance Special Jury Award for Animation in 2012. He has been named as one of Saatchi & Saatchi’s top 20 young directors at their New Directors Showcase. Sharon Eyal war von 2003 bis 2004 zunächst als Associate Artistic Director, von 2005 bis 2012 dann als Haus-Choreo grafin der Bastheva Dance Company tätig. Inzwischen ist sie als Gastchoreografin international gefragt. Gemeinsam mit Gai Behar gründete sie 2013 in Tel Aviv ihr eigenes Ensemble L-E-V. Sharon Eyal was Associate Artistic Director at Bastheva Dance Company from 2003 to 2004, prior to becoming House Choreographer from 2005 to 2012. Today she is a sought-after guest choreographer. In 2013, she founded her own company L-E-V in Tel Aviv with Gai Behar. Gai Behar war als Party-Veranstalter ein wichtiger Akteur im Nachtleben von Tel Aviv sowie Kurator multidisziplinärer Kunst-Events. 2005 entwickelte er „Bertolina“ gemeinsam mit Sharon Eyal, seitdem arbeitet er an ihren Stücken mit. As a party producer, Gai Behar was a big part of Tel Aviv nightlife scene as well as a curator of multidisciplinary art events. Gai Behar joined Sharon Eyal in co-creating “Bertolina” in 2005 and has collaborated on her creation ever since. 16

Ori Lichtik ist einer der Gründungsväter der israelischen Technoszene. Der vielseitige Musiker, Schlagzeuger und kreative DJ hat an sämtlichen Arbeiten von Gai Behar und Sharon Eyal bis heute mitgewirkt. Ori Lichtik is one of the founding fathers of the techno scene in Israel. The multifaceted musician, drummer and creative DJ has collaborated on all of Gai Behar and Sharon Eyal’s works to date. Der Londoner Sänger und Produzent GAIKA ist bekannt für seine düsteren, Dancehall-gefärbten Songs für urbane Landschaften. Seine Musik ist geprägt durch Garage, Grime, Trip-Hop und Grunge, hat aber ihren ganz eigenen Klang. GAIKA is a vocalist and producer from London, who makes murky dancehalltinged songs for city landscapes. He’s influenced by garage, grime, trip-hop, and grunge, but his music doesn’t sound like anything else. Die Künstlerin und Filmemacherin Uldus Bakhtiozina lebt und arbeitet in Russland. In Sankt Petersburg geboren, studierte und arbeitete sie im Bereich Grafikdesign in London, bevor sie ihren einzigartigen Stil entwickelte, einen Mix aus Folklore, Geschichte, Mode und der Hinterfragung von Stereotypen. Uldus Bakhtiozina is an artist and filmmaker who lives and works in Russia. Born in St. Petersburg, Uldus Bakhtiozina studied and worked in London in graphic design and photography before settling on her unique style which mixes folklore, history, fashion and challenging stereotypes.

Ballet Rambert ist überzeugt, dass man die Welt weiterbringt, wenn man sich große Ziele setzt. Als Tanzkompanie unterstützen wir geniale und wagemutige Menschen dabei, unglaubliche Dinge zu vollbringen. Darunter unser Tanzensemble mit der weltweit größten Diversität und Künstler*innen, die wir zur Umsetzung besonderer Projekte einladen. Darunter sind aber auch unsere Zuschauer*innen und Teilnehmer*innen, denn alles, was wir entwickeln, findet mit ihnen und für sie statt. Unsere Arbeit kann sich auf den großen Bühnen der Welt abspielen, in Gemeinschaften vor Ort, an unserem Hauptsitz in London oder auch online – überall dort, wo wir unsere Inspiration, unsere Ziele und unsere Überzeugungen mit anderen teilen können. In der Spielzeit 2020/21 arbeiten wir mit über 60 professionellen Tänzer*innen zusammen und treten in mehr als 18 Ländern auf. Unsere Leitung besteht aus der leitenden Geschäftsführerin und Produzentin Helen Shute und dem künstlerischen Leiter Benoit Swan Pouffer, und wir werden von Einzelpersonen und Organisationen unterstützt (darunter auch der Arts Council England), die unsere Vision einer radikal inklusiven Tanzkompanie im 21. Jahrhunderts teilen. 17

Ballet Rambert believes if you push yourself, you can move the world forward. We’re a dance company that supports brilliant and daring people to do amazing things. That includes the world’s most diverse ensembles of dancers, and artists we invite to realise special projects. It also includes our audiences and participants, everything we create is with and for them. Our work can take place on the great stages of the world, in local communities, at our London home, or online – anywhere we can share inspiration, ambition and belief. In 2020/21, we’re working with more than 60 professional dancers and performing in 18 different countries. We’re led by Chief Executive/Executive Producer Helen Shute and Artistic Director Benoit Swan Pouffer, and supported by organisations and individuals who share their vision for a radically inclusive, 21st century dance company, including Arts Council England.

Die kompletten Biografien finden Sie auf berlinerfestspiele.de / Please find the complete biographies at berlinerfestspiele.de

Ballet Rambert & The Royal Ballet präsentieren / present

Aisha and Abhaya

Visuelle Effekte & Projektionen produziert von / Visual Effects & Projections produced by

Factory Fifteen

11. – 13.3.2020, 20:00

Aufgeführt von / Performed by

Deutschlandpremiere / German premiere 1 h, ohne Pause / no interval 12.3., im Anschluss an die Vor stellung, Oberes Foyer / following the performance, Upper Foyer: Artist Talk mit / with Kibwe Tavares, Matthew Rich, Arnd Wesemann und / and

Dorion Weickmann

Regie / Director Kibwe Tavares Choreografie / Choreography Sharon Eyal Co-Choreografie / Choreography Co-creator

Gai Behar

Soundtrack & Originalmusik / Soundtrack design & original music

Ori Lichtik

Zusätzliche Originalmusik / Additional original music

GAIKA

Kostüme & Style Supervisor / Costume Designer & Style Supervisor

Uldus Bakhtiozina

Animationen-Design / Animation Designer

Paul Nicholls

Ballet Rambert: Miguel Altunaga, Adél Bálint, Soojin Choi, Simone Damberg Würtz, Daniel Davidson, Max Day, Joaquim de Santana, Edit Domoszlai, Liam Francis, Juan Gil, Brenda Lee Grech, Conor Kerrigan, Nancy Nerantzi, Salomé Pressac, Guillaume Quéau, Aishwarya Raut, Hannah Rudd, Antonello Sangirardi, Kym Sojourna, Alex Soulliere, Jacob Wye „Aisha and Abhaya“ wird präsentiert in Zusammenarbeit mit / is presented in association with BBC Films und / and Robin Saunders. Mit großzügiger philantropischer Unterstützung von / With generous philanthropic support from The Royal Opera House, Endowment Fund, Sir Michael and Lady Heller. Die Produktion wird unterstützt durch / The production is supported by The Open Fund der PRS Foundation, Cockayne – Grants for the Arts und / and The London Community Foundation. Sie wurde ermöglicht durch die Unterstützung der Mitglieder des / It was possible thanks to the support of members of the Rambert Commissioning Council. Uraufführung / World premiere 23.1.2020, Linbury Theatre, London Assistant to the choreographer

Rebecca Hytting Assistants

Keren Lurie Pardes, Darren Davaney Assistant Director & Additional Writing

Amy Baty

Projektionen-Design / Projection Designer

Producers

Francesca Moseley (Ballet Rambert), Hannah Mayhew (The Royal Ballet)

Gillian Tan

Licht-Design / Lighting Designer

Natasha Chivers

Assistenz Licht-Design / Associate Lighting Designer

Production Managers

Vivienne Clavering (The Royal Ballet), Ed Trotter (Ballet Rambert) Stage Manager

Lynne Otto (The Royal Ballet), Amy Steadman (Ballet Rambert)

Peter Harrison

Production Designer Set Construction & Scenic Art

Royal Opera House Construction and Scenic Workshops Draughtsperson Sarah Vowels Lighting Programmer Liam Tranter Video Programmer George Jarvis Sound Engineer Francis Gardner Stage crew Clarence Gorton, Julio Romero

Costume Supervisors Mark Lewitt (The Royal Ballet), Kinnetia Isidore (Ballet Rambert) Costume Department

Stevie Stewart, Paivi Salo, Amanda Barrow, Sasha Keir, Royal Opera House Production Departments Dyeing Gabrielle Firth Embroidery

Vilija Dzerviene, Francesca Duvall, Dianne Kelly Hair and Make-up

Melanie Bouvet, Florien Zeughan, Orsyola Gestezi Special thanks to

Blue-I Event Technology and Disguise Film Die Filme wurden produziert in Zusammenarbeit mit / Films produced in association with

Fruit Tree Media

Produzentin / Producer Fiona Lamptey Koproduzentin / Associate Producer

Samira Musa Casting Aisha Bywaters

Laura Ellis Cricks, Simon Baxter Director of Photography Luke Jacobs First Assitant Camera

Robert Hilier, Eve Carreño Second Assistant Camera

Dan Jenner, Angela Garcia Gaffer Roy Winfield, Jon Tanner Spark Jason Kruk Movie Technician Micah Doye Location Sound David Crane Digital Imaging Technician

John Miguel King, Moose Kruizenga

Stunt Coordinator Dominic Kinnard Armourer Steve Iles Script Supervisor / Continuity

Ciara McIntyre Wardrobe Richard Gellar Costume Assistant Natalie Khoo Make-up Artist

Naomi Serene, Tytti Vaaleri Catering Dezi (Rye Deli) VFX Supervisors

Amelie Guyot, Peregrine McCafferty, Mark Pinheiro Production Designer Simon Baxter Northern Ireland Unit Local Line Producer

Chris Patterson, Margaret McGoldrick Location Manager John Vaughan Driver / Runner Dean Crumlish First Assistant Camera Jamie Jackson Second Assistant Camera Erin O’Rawe Digital Imaging Technician Alex Cheung First Assistant Director Theo Herron Third Assistant Director

Film Cast Aisha Salomé Pressac Abhaya Maëva Berthelot Großmutter / Grandmother Angela Wynter Soldat*innen / Soldiers

Tristan Adams, Ashley Dark Wood Waisen / Orphans

Daniel Davidson, Edit Domoszlai, Liam Francis, Juan Gil, Guillaume Quéau, Hannah Rudd England Unit First Assitant Director George Batch Editor Mdhaniri Á Nkemi Production Runners

Ken Stone, Tusma Awil, Charles Meunier 19

Breandan McKeever Wardrobe Josie Thomas Costume Assistant

Orla Market, SFX, Ryan McNeil VFX Supervisor Mark Pinheiro Grip Donavan Gallagher Make-up Artist Tytti Vaaleri, Joanna Nixon Production Designer Simon Baxter Art Department Assistant James Masters Camera Van Driver Tim Lee Crew Bus Driver Steven Heron Catering Bus Jonny Lee Medic Stuart Ferguson Water Safety

Eammon McKenna, Conor Fitzgerald

Spark Dwayne Douglas

Factory Fifteen 3D / Comp Artists

Development Assistant Gloria Rowe Physiotherapie / Physiotherapy team Company Physiotherapist

3D Artists

Osteopath & Massage Therapist

Benedetto Bertozzi, Tom Goodliffe, Alexey Marfin Isaac Eluwole, Ares Simone Monzio Compagnoni 3D Animator Ricardo David Visual Effects Supervisor

Peregrine McCafferty, Mark Pinheiro Film Producers

Heidi Stephenson, Lauren Fenner Tracking Peanut 3D Screening Sample & Hold Ltd Motion Capture The Imaginarium Studios Grade Time Based Arts

Ballet Rambert Chief Executive & Executive Producer

Helen Shute

Artistic Director Benoit Swan Pouffer Programme Director & Deputy Chief Executive

Tim Wood

Development Director Helen Searl Chief Financial Officer Edward Halshaw Executive Assistant Candice MacAllister Senior Producer Francesca Moseley Senior Rehearsal Director Matthew Rich Producer Julia Valentini Music Producer Charlotte Sandford Productions Assistant Louise Farnall Technical Team Technical Director Malcolm Glanville Head of Production Ed Trotter Company Stage Manager Amy Steadman Company Manager Linda Peterkopa Audio Engineer Francis Gardner Costume Manager Kinnetia Isidore

Stephanie O’Neill Andrew Creevy

The Royal Opera House Patron HM The Queen President HRH The Prince of Wales Vice-President The Lady Sarah Chatto Director Kevin O’Hare CBE Music Director Koen Kessels Resident Choreographer Wayne McGregor CBE Artistic Associate Christopher Wheeldon OBE Artist in Residence Liam Scarlett Administrative Director Heather Baxter Creative Producer Emma Southworth Senior Producer Amanda Skoog Producer Hannah Mayhew Assistant Producer Adrienne Miller Technical Manager Thomas Thompson Production Manager Vivienne Clavering Head of Stage Tom Arnold Head of Lighting Danny Cunningham Head of Sound and Video Nick Manning Costume Manager Leila Ransley

Das Berliner Gastspiel wird ermöglicht durch / The Berlin perfomances are made possible by Inga Maren Otto. Partner / Partners

Communications team Head of Marketing (Interim)

Kym Bartlett

PR & Content Manager

Alexandra Desvignes

Marketing Coordinator Rebecca Horrell Communications Assistant Tiah Parsan Development team Head of Trusts (on maternity leave)

Katya Evans

Development Manager Rosie Hebb 20

Make-up for this production has been generously supplied by

Dreharbeiten für / Filming on location for „Aisha and Abhaya“

Impressum / Imprint Berliner Festspiele / Tanz / Dance Programmleitung Tanz / Programme Manager

Beleuchtung / Lighting

Julian Georg Schulz, Mathilda Kruschel, Friedrich Schmidt, Jens Tuch, Sachiko Zimmermann Tajima

Andrea Bauer

Organisationsleitung / Head of Organisation

Ton / Sound

Hélène Philippot

Jörn Groß, Stefan Höhne, Tilo Lips, Fernando Quartana

Künstler*innenbetreuung / Artist Liaison

Garderobe / Costume

Juliane Spence

Monique van Den Bulck, Laetitia Tshombe

Spielstättenleitung / Venue Management

Maske / Make-up

Karsten Neßler

Manuela Jacob

Technische Leitung / Technical Director

Florian Schneider

Beleuchtungsmeister*innen / Head of Lighting Andreas Harder, Kathrin Kausche,

Thomas Schmidt

Leitung Ton / Video / Head of Sound / Video Department

Manfred Tiesler

Abendprogramm / Evening Programme Herausgeber / Published by

Berliner Festspiele

Redaktion / Editors

Organisationsassistenz Technische Leitung / Assistant of the Technical Director

Bettina Neugart

Andrea Bauer, Anne Phillips-Krug Visuelles Konzept & Design / Visual Concept & Design

Eps51

Bühnenmeister*innen / Stage Managers

Grafik / Graphic Design

Christine Berkenhoff

Harald „Dutsch“ Adams Juliane Schüler

nach einem Entuwrf von / using a template by Eps51

Bühnentechnik / Stage Technicians

Übersetzung / Translation

Pierre Joel Becker, Oliver Dahlitz, Victor Haberkorn, Karin Hornemann, Ivan Jovanovic, Christine Kobsarew, Frederick Langkau, Ricardo Lashley, Anne le Lievre, Amelie Meier-Faust, Mirko Neugart, Manuel Solms, Martin Zimmermann

Elena Krüskemper Druck / Print

Berliner Festspiele Gefördert durch / Funded by

Ein Geschäftsbereich der / A Division of

Kulturveranstaltungen des Bundes in Berlin GmbH Intendant / Director

Dr. Thomas Oberender Kaufmännische Geschäftsführung / Managing Director

Charlotte Sieben

Leitung Kommunikation / Head of Communications

Claudia Nola

Ticket Office Ingo Franke (Leitung / Head),

Maike Dietrich, Simone Erlein, Frano Ivić, Torsten Sommer, Sibylle Steffen, Alexa Stümpke, Marc Völz Vertrieb / Distribution

Assistenz Team Kommunikation / Assistant of the Communications team

Susanne Held

Grafik / Graphics Department

Christine Berkenhoff, Nafi Mirzaii Internetredaktion / Internet Editorial Department

Uwe Krey

Gebäudemanagement / Facility Management Ulrike Johnson (Leitung / Head),

Frank Choschzick, Olaf Jüngling, Georg Mikulla, Sven Reinisch

Hotelbüro / Hotel Reservation Department Caroline Döring (Leitung / Head),

Frank Giesker, Jan Köhler

Frauke Nissen

Marketing

Gerlind Fichte, Julie Göllner, Jan Heberlein, Anna Neubauer

Logistik / Logistics I-Chin Liu (Leitung / Head),

Sven Altmann

Presse / Press Department

Sara Franke, Anna-Lina Hinz, Patricia Hofmann, Jasmin Takim

Technik / Technical Team Matthias Schäfer (Leitung / Head),

Protokoll / Protocol

Jeruna Tiemann

Redaktion / Editorial Department

Dr. Barbara Barthelmes, Andrea Berger, Thilo Fischer, Anne Phillips-Krug

Birte Dördelmann, Lotte Grenz, Carsten Meyer, Bettina Neugart, Thomas Schmidt, Andreas von Schroeter-Kiwitt, Manfred Tiesler

Berliner Festspiele Schaperstraße 24, 10719 Berlin + 49 30 254 89 0 info@berlinerfestspiele.de berlinerfestspiele.de

Studentische Mitarbeit / Student Assistants

Amadé Hölzinger, Leonard Pelz

Vorschau / Preview ANNE TERESA DE KEERSMAEKER / ROSAS präsentieren / present

Rain (Live)

Musik: Ictus Ensemble

2.– 4.4.2020, 20:00

Haus der Berliner Festspiele Choreografie / Choreography

Anne Teresa De Keersmaeker Musik / Music Steve Reich

(Music for 18 Musicians) Musikalische Leitung / Conductor

Georges-Elie Octors

Kostüme / Costume Department

Dries Van Noten

Licht / Lighting Jan Versweyveld

Achterland 7.– 9.4.2020, 20:00

Haus der Berliner Festspiele Choreografie / Choreography Anne Teresa De Keersmaeker Musik / Music György Ligeti (8 Études for piano solo),

Eugène-Auguste Ysaÿe

(Sonaten 2, 3 & 4 für Violine solo) Bühne / Stage

Herman Sorgeloos

Kostüme / Costume Department Ann Weckx Licht / Lighting Jean Luc Ducourt

Musiker*innen / Musicians Ictus

Musiker*innen / Musicians Wilhem Latchoumia Klavier / Piano Juan María Braceras Violine / Violin

Tänzer*innen / Dancers Rosas

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