ALBERTO ROS FLORE ISABEL MUÑOZ LUIS GONZÁLEZ PALMA ÓSCAR MARINÉ
The way of Tao
All the works that make up this series are unique copies.Check with the gallery the possibility of carrying out a unique variation of any of the works. This series gathers images of the trips that the artist has made across Asia, to the very heart of Taoism: the sacred mountain of Wudang, in central China. Everyday images of a way of life that stays away from stress, where humans and nature coexist in a more ancestral and closer way. The Tao is a concept intrinsically linked to nature. The human being has gradually moved away from that Tao, turning his life into an accelerated process of self-destruction: pollution, stress, climate change, obscene capitalism ... The technique used to produce this body of works is based on the photosynthesis of plants, the process by which they transform light energy into stable chemical energy, transferring, through a negative, the image to a sheet (or several) thanks to the chlorophyll of the plant itself. No chemicals, no inks, or any other substance other than the plant itself are used, so it is a 100% natural process. The "chlorophyllotype" is based on antipythia, a process before to photography, which is based on the printing of extracts of plants and vegetables. In this case, since the leaf itself is the final support, it is more correct to call it Chlorophyllotype or Biotype. This is a slow process, which can take several days of exposure, as well as drying and preservation. The result is a unique and irreproducible piece since each leaf is also unique for its characteristics, its age, its quantity of chlorophyll... it is also influenced by the time of the year in which the process is made. Nine out of ten attempts are discarded but when transferred correctly on the appropriate sheet the result is amazing, both for its beauty and its resolution and sharpness. Each original is encased in polyester resine to isolate the plant from oxygen and protect it from ultraviolet rays, stopping the chemical process as long as it is directly not exposed to sunlight.
ALBERTO ROS El camino del Tao Todas las obras que componen esta serie son copias únicas. Consultar con la galería la posibilidad de realizar variaciones, (también únicas) a partir de los negativos originales . El camino del Tao recoge imágenes de los viajes que Alberto Ros ha realizado por el continente asiático, adentrándose en el corazón del taoísmo, la montaña sagrada de Wudang en centro China. Estampas cotidianas de una forma de vida en la que el hombre y la naturaleza coexisten en una relación respetuosa y cercana. El Tao es un concepto de realidad absoluta y mutante, intrínsecamente ligado a la naturaleza. Un camino circular por el que todos transitamos hasta ser reabsorbidos por él. El ser humano ha ido paulatinamente alejándose de ese Tao, convirtiendo su vida en un acelerado proceso de autodestrucción: contaminación, estrés, cambio climático, capitalismo obsceno... La técnica utilizada para producir este cuerpo de obras se basa en la fotosíntesis propia de las plantas, proceso por el cual estas transforman la energía lumínica en energía química estable. La imagen se transfiere a una hoja, o varias, a través de un negativo, gracias a la clorofila del propio vegetal. No se utilizan ni químicos, ni tintas, ni cualquier otra sustancia ajena a la planta, por lo que es un proceso 100% natural. El “clorofilotipo” parte de la antotipia, proceso muy anterior a la fotografía que se basa en la impresión a base de extractos de plantas y vegetales. En este caso, al ser la propia hoja el soporte final, es más correcto denominar a estas obras Clorofilotipos o Biotipos. Se trata de un proceso lento que puede requerir varios días de exposición, al igual que el secado y la conservación. El resultado es una pieza única e irreproducible ya que cada hoja es también única por sus características, su vejez, su cantidad de clorofila… También influye el momento del año en el que se realiza el proceso. Nueve de cada diez intentos son descartados, pero cuando la transferencia se realiza correctamente sobre la hoja adecuada el resultado es asombroso, tanto por su belleza como por su resolución y nitidez. Cada original es resinado para aislar la planta del oxígeno y protegerla de los rayos ultravioletas, deteniendo el proceso químico, siempre y cuando el original no sea expuesto a la luz solar de forma directa.
Sin título #11 (ARO00074) Sin título #27 (ARO00082)
Sin título #26 (ARO00081)
Sin título #12 (ARO00075)
2017 Clorofilotipo resinado / Clorophylotype cased in resin. 30 x 20 cm. Ed.: Única / Unique
Sin título #7 (ARO00071)
Sin título #8 (ARO00072) Sin título #10 (ARO00074) 2017 Clorofilotipo resinado / Clorophylotype cased in resin. 80 x 30 cm. Ed.: Única / Unique
Sin título #24 (ARO00079) 2018 Clorofilotipo resinado / Clorophylotype cased in resin 100 x 90 cm Ed.: Único / Única
(ARO00053)
(ARO00047)
(ARO00051)
(ARO00056)
Sin título 2017 Clorofilotipo resinado / Clorophylotype cased in polyester resin. 43 x 36 x 6 cm. Ed.: Única / Unique
(ARO00057)
SOBRE HIDDEN HUMANITY Siempre he dicho que para mí, yo soy un desconocido… Hay aspectos de mi personalidad en los que no quiero profundizar, aspectos que intento ocultar para “encajar” de alguna forma en la sociedad en la que vivo. Supongo que esto es algo común a la humanidad, buscamos la aceptación y eso conlleva ocultar nuestras pasiones, nuestras miserias, nuestra Alma. Hidden Humanity es una mirada a esos aspectos que conforman nuestra consciencia y nos enfrentan a nosotros mismos y a nuestra realidad social, un paseo por el maravilloso reino de la oscuridad interior. Todas las fotografías de Hidden Humanity están realizadas a partir de una técnica fotográfica del siglo XIX llamada “Colodión húmedo”, un proceso utilizado entre 1850 y 1880. Mediante este proceso se obtienen positivos directos sobre placas de aluminio (ferrotipos) y cristal (ambrotipos) por lo que el original de cada pieza es único. La imagen se forma a partir de la reacción química de las sales metálicas con el nitrato de plata. Un proceso tan extraordinario e imperfecto como el ser humano. También existen copias con edición limitada realizadas en impresión por sublimación sobre ChromaLuxe, proceso de gran durabilidad y perfecta conservación.
ABOUT HIDDEN HUMANITY I have always said that I am an stranger to myself. There are some facets of my personality I don’t want to go in depth; a part of me that I try to hide in order to fit in the society I live. I guess this is something all human beings have in common; we hide our passions, our miseries, our soul, because we all look for the others acceptance. Hidden Humanity is a gaze at this side of ourselves, which also shapes our personalities, our consciousness, our surrounding social environment and all the facts that defines our great dark inner kingdoms. Every one of my photographs has been made with an ancient technique known as “collodium”, an original process of the XIX century which leads to prints directly from either aluminium or glass plates through a chemical process in the dark room. A technique, as imperfect and extraordinary as the human being himself, that gives birth to unique pieces. There are also prints with limited edition produced by sublimation in ChromaLuxe. This printing process is extremely durable a ensures a perfect conservation.
Melancollía II (ARO00024)
Fe (ARO00038)
Originales únicos Ferrotipo (positivo directo por colodión húmedo sobre aluminio) Wet plate collodion Tintype. 50 x 50 cm. Ed. Única
Consejeras (ARO00034)
Beso (ARO00054) Original único ferrotipo (positivo directo por colodión húmedo sobre aluminio) / Wet plate collodion Tintype. 20 x 24 cm. Ed. Única
Melancolía (ARO00004.004) Chromaluxe vitra a partir de / Chromaluxe vitra for Tintype 20 x 25 cm. Ed. 6 + 2 PA
Aquello que vive bajo las sábanas (ARO00062)
Por la arena que mordía (ARO00063)
2018 Ferrotipo. Positivo directo por colodión húmedo sobre aluminio / Wet plate collodion Tintype 80 x 120 cm. Ed.: Única / Unique
Aquello que revienta en labio crudo (ARO00064)
FLORE French-Spanish photographer Flore was born in 1963 and currently lives and works in Paris. She has held solo exhibitions worldwide and is represented by several galleries, with many of her works now forming part of public or private collections. Her most significant works include a "Carte Blanche" assigned by the Municipality of Paris for an art series on Le Petit Palais, Musée des Beaux Arts of the City of Paris, and her photographic project on the Rivesaltes Concentration Camp in Southern France. From 2008 to 2012, she produce the series "Une Femme Française en Orient" published in Postcart editions and exposed to the Mois de la Photo / Paris in 2014. Since 2012 she works in parallel several series including "Les rêveries de Lavinia" which takes place in Italy, "Choses vues au royaume de Siam" and "Nazo" in Japan. Alongside her photographic work, Flore is an acclaimed teacher running regular workshops. She defines her poetic and timeless universe as a political act – her way of making a stand against what Giorgio Agamben calls the "ray of darkness of one’s time".
Hija de la pintora Olga Gimeno, Flore nació en el sur de Francia en 1963. Comenzó su trayectoria fotográfica en 1977 y, tras cursar estudios en Toulouse, se instaló en París, donde vive y trabaja en la actualidad. Recibió la Carte Blanche de la ciudad de París por la creación de una serie sobre el Petit Palais, el Musée de Beaux Arts de Paris y por su proyecto fotográfico en torno al campo de concentración de Rivesaltes. En 2008 recorrió el Mediterráneo para la realización de su serie "Une femme française en Orient" y en 2014 creó la serie “Choses vues au Royaume de Siam”, expuesta anteriormente en la galería. Paralelamente a su actividad artística, dirige un curso de fotografía analógica en París en el seno del colectivo L’OEil de l’Esprit. Flore define su universo poético y atemporal como un acto político, una forma de posicionarse frente a lo que Giorgio Agamben denomina “la oscuridad del presente”. A raíz de un largo viaje que la llevó de Saïgon a Sadec, de los ríos del Mékong a los arrozales del sur de la Cochinchina, surgió esta colección de imágenes, que se presentan por primera vez en España y que constituyen una recreación de la juventud en Indochina de Marguerite Duras. El enmarcado con hilo de plomo y cristal museo es también una realización artesanal de la fotógrafa de origen español.
(ORE00096.2)
(ORE00094.3/5/6) (ORE00098.2/3)
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“Serie De Sadec a Saigón, 2017 Platinotipia virada al té. Marco de plomo y cristal museo hecho por la autora./Platinum with tea treatment. Lead frame and museum glass made by the author. 12 cm. / 10 x 10 cm. / 9 x 11 cm. Ed. 10 30 cm. Ed. 7
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(ORE00104.5/6) (ORE00111.2/3)
(ORE00106.1/2)
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(ORE00014.2)
(ORE00029.3)
(ORE00018.2/5)
(ORE00016.2)
(ORE00058.2)
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(ORE00060.2)
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Serie Choses vues au Royaume de Siam, 2014 8,5 x 8,5 cm. Ed. 7 Gelatina de plata virada al oro y goma bicromatada. Marco artesanal de plomo y cristal de museo./Silver gelatin. Lead frame and museum glass made by the author.
ISABEL MUÑOZ For more than forty years, Isabel Muñoz has toured the world with her camera portraying the feelings of the human being in its purest state, in its most recondite intimacy. From the dignity of the primitive tribes to the disconsolation of the prisons; from the sensuality of dance to the denunciation of oppression; from the ecstasy that overcomes the lacerating pain to the pain that can no longer be overcome. The Catalan author has photographed almost all the feelings and emotions that the human species harbours, including those of our ancestors, primates, whose gestures have been part of our genes for millions of years. The images that are part of the exhibition "Water" have been obtained by Isabel Muñoz in 2016 and 2017 under the Mediterranean waters and in different seas of Japan. In her own words "I started this project attracted by the beauty of marine environments and as a wake-up call to the dangers that threaten their survival. The sea gives us everything without asking us for anything in return. We take for granted that their wealth is inexhaustible, that can cope with our carelessness, our lack of foresight, our excesses. But things are not like that. What are we going to leave to our children and grandchildren if we are not able to take care of their treasures, if we continue throwing into the sea plastics that are deadly traps for the species that inhabit it, if we continue to pour waste that will put an end to marine biodiversity if not react in time? " In the exhibition "Water", all the exposed artworks are platinotypes. Although they are difficult to create, and their cost is high, platinum prints are one of the most illustrious expressions of photographic art. Its beauty and permanence make the platinotype a little jewel for lovers of photography and, of course, for collectors and investors. These prints are characterized by their wide rendition of tones: that part of the warm black and expands in a wide range of grey nuances, with an especially subtle reproduction of lights. Isabel Muñoz is considered one of the great international experts of the platinotype. After more than a decade of research, she has managed to include color in this process, which constitutes a turning point in the history of photography.
Durante más de cuarenta años, Isabel Muñoz ha recorrido el mundo con su cámara retratando los sentimientos del ser humano en su estado más puro, en su intimidad más recóndita. Desde la dignidad de las tribus primitivas hasta el desconsuelo de las cárceles; desde la sensualidad de la danza hasta la denuncia de la opresión; desde el éxtasis que supera el dolor lacerante hasta el dolor que ya no podrá ser superado. La autora catalana ha fotografiado casi todos los sentimientos y emociones que alberga la especie humana, incluso aquellos de nuestros ancestros, los primates, cuyos gestos forman parte de nuestros genes desde hace millones de años. Las imágenes que forman parte de la exposición “Agua” han sido obtenidas por Isabel Muñoz en 2016 y 2017 bajo las aguas mediterráneas y en distintos mares del Japón. En sus propias palabras “Inicié este proyecto atraída por la belleza de los entornos marinos y como llamada de atención ante los peligros que amenazan su supervivencia. El mar nos lo da todo sin pedirnos nada a cambio. Damos por sentado que su riqueza es inagotable, que puede con nuestros descuidos, nuestra falta de previsión, nuestros excesos. Pero las cosas no son así. ¿Qué vamos a dejar a nuestros hijos y nietos si no somos capaces de cuidar de sus tesoros, si seguimos echando al mar plásticos que son trampas mortales para las especies que lo habitan, si continuamos vertiendo residuos que pondrán fin a la biodiversidad marina?”. Todas las obras expuestas en “Agua” son platinotipias. Aunque son difíciles de crear y su coste es alto, las impresiones en platino constituyen una de las expresiones más ilustres del arte fotográfico. Su belleza y permanencia hacen que la platinotipia sea una pequeña joya para los amantes de la fotografía y, como no, para coleccionistas e inversores. Estas copias se caracterizan por su amplia rendición de tonos, que parte del negro cálido y se expande en una amplia gama de matices grises, con una reproducción de luces especialmente sutil. Isabel Muñoz está considerada como una de las grandes expertas internacionales de la platinotipia. Tras más de una década de investigación, ha logrado incluir el color en este proceso, lo que constituye un punto de inflexión en la historia de la fotografía.
CONSULTAR DISPONIBILIDAD EN OTROS TAMAÑOS Y TÈCNICAS
S/T (BEA02586) Bajo el agua (IMU00228.001) 2017 Platinotipia color sobre papel Arches Platine / Colour platinum on Arches Platine 60 x 80 cm. Ed.: 1 / 25
S/T (JAP16793) Japón (IMU00221.001) 2017 Platinotipia color sobre papel Arches Platinum / Colour platinum on Arches Platine 60 x 80 cm. Ed.: 1 / 25
S/T (BEA09059) Bajo el agua (IMU00235.001) 2017 Platinotipia color sobre papel Arches Platinum / Colour platinum on Arches Platine 80 x 60 cm. Ed.: 1 / 25
(IMU00211.001) Platinotipia color sobre papel Arches Platinum / Colour platinum on Arches Platine 60 x 80 cm. Ed.: 1 / 25
S/T Bajo el agua 2017 Platinotipia color sobre papel Arches Platinum / Colour platinum on Arches Platine 60 x 80 cm. Ed.: 1 / 25
S/T (GI2024) Bajo el agua (IMU00223.001) 2013 Platinotipia / Platinum 40 x 40 cm. Ed.: S/E. Control de copia
S/T (BEA00812) Bajo el agua (IMU00224.001) 2017 Platinotipia / Platinum 40 x 40 cm. Ed.: S/E. Control de copia
S/T (BEA08766) Bajo el agua (IMU00225.001) 2017 Platinotipia / Platinum 40 x 40 cm. Ed.: S/E. Control de copia
S/T (BEA00786) Bajo el agua (IMU00237.001) 2017 Platinotipia / Platinum 40 x 40 cm. Ed.: S/E. Control de copia
Born in Guatemala in 1957, he lives and works in Cordoba, Argentina. Among his personal exhibits we can mention: those displaying his personal works are: The Art Institute of Chicago (USA); The Lannan Foundation, Santa Fe (USA); The Australian Centre for Photography, Australia; Palacio de Bellas Artes, México; The Royal Festival Hall, London; Palazzo Ducale di Genova, Italia; MACRO and the Castagnino Museum, Rosario, Argentina, Telefonica Foundation and Centro Gallego de Arte Contemporáneo in Spain; photographic festivals such as Photofest in Houston, and in Bratislava, Slovakia; Les Rencontres de Arles, France; PhotoEspaña, Madrid; Singapur, Bogotá, San Pablo and Caracas, among others. He has participated in collective exhibitions such as the 49 and 51 Biennial in Venecia; Fotobeinal de Vigo, XXIII Biennial in Sao Paulo, Brasil, V Biennial in Habana; in the Ludwig Forum for International Kunst, Aachen, Germany; The Taipei Art Museum, Korea; Museo de Bellas Artes, Buenos Aires, Argentina; Daros Foundation, Zurich, Switzerland; Palacio del Conde Duque, Madrid, Spain; and the Fargfabriken, Stockholm, Sweden. His work is included in various public and private collections, such as The Art Institute of Chicago, USA; The Daros Foundation, Zurich, Sweden; La Maison European de la Photographie, Paris, France; The Houston Museum of Fine Arts, USA; Fondation pour l’Art Contermporain, Paris, France; Fondazione Volume!, Rome, Italy; Biblioteca Luis Ángel Arango, Bogotá, Colombia; The Fogg Museum in Harvard University, Boston, USA; The Minneapolis Institute of Art, USA; Kiyosato Museum of Photographic Arts, Japan. He received the Gran Premio PhotoEspaña “Baume et Mercer” in 1999 and collaborated in the staging of the opera production “The Death and the Maiden” in the Malmö Opera in Sweden in the year 2008. He has three published monographs of his work including “Poems of Sorrow” (Arena Editions, New Mexico, USA), and “The Silence of the Gaze” (Peliti Associati, Roma, Italy) and "Luis González Palma", Ediciones La Fábrica, España, “Tu/Mi placer” in collaboration with Graciela De Oliveira, Editorial Documenta/Escénicas, Córdoba, Argentina.
LUIS G. PALMA Nace en Guatemala 1957, vive y trabaja en Córdoba, Argentina. Entre sus exposiciones personales se pueden mencionar: The Art Institute of Chicago (USA); The Lannan Foundation, Santa Fe, (USA); The Australian Centre for Photography, Australia; Palacio de Bellas Artes de México; The Royal Festival Hall en Londres; Palazzo Ducale di Genova, Italia; Museos MACRO y Castagnino de Rosario, Argentina; Fundación Telefónica en Madrid, Centro Gallego de Arte Contemporáneo, Santiago de Compostela, Museo Universidad de Navarra, España; y en festivales de fotografía como Photofest en Houston, Bratislava en Slovakia, Les Rencontres de Arles en Francia, Singapur, Bogotá; San Pablo y Caracas entre otros. Ha participado en muestras colectivas como la 49 y 51 Bienal de Venecia, Fotobienal de Vigo, XXIII Bienal de Sao Paulo, Brasil, V Bienal de la Habana; en el Ludwig Forum for International Kunst en Aachen, Alemania; The Taipei Art Museum en Corea, Museo de Bellas Artes de Buenos Aires, Argentina; Fundación Daros en Zurich, Suiza; Palacio del Conde Duque en Madrid, España y la Fargfabriken en Estocolmo, Suecia. Su trabajo está incluido en varias colecciones públicas y privadas incluyendo The Art Institute of Chicago, The Daros Fundation en Zurich, Suiza, La Maison European de la Photographie en Paris, The Houston Museum of fine Arts en USA, la Fundation pour l'Art Contermporain en Paris, Francia; la Fondazione Volume! en Roma, Italia; La Biblioteca Luis Angel Arango en Bogotá, Colombia; The Fogg Museum en Harvard University, y The Minneapolis Institute of Art, Minneapolis, USA; Kiyosato Museum of Photographic Arts, Japan. Recibió el Gran Premio Photo España “Baume et Mercier” en 1999 y Colaboró con la puesta en escena de la producción de la Opera “The death and the maiden” en la Opera de Malmö en Suecia en el año 2008. Tiene cuatro monografías de su trabajo publicadas entre las que se puede mencionar “Poems of sorrow” de Arena Ediciones, “El silencio de la mirada” en Ediciones Pelliti en Roma, “Luis González Palma”, Ediciones La Fábrica, España, “Tu/Mi placer” en colaboración con Graciela De Oliveira, Editorial Documenta/Escénicas, Córdoba, Argentina, “Möbius”, Museo Universidad de Navarra, proyecto Tender Puentes, España.
Exilio #4 (LGP00169)
Exilio #5 (LGP00170)
Exilio #6 (LGP00171)
Exilio #8 (LGP00172)
Exilio #11 (LGP00173)
Exilio #13 (LGP00174)
2013-2018 Collage, fotografía sobre papel cebolla y dibujo a lápiz. / Collage. Photography on onion paper and pencil drawing. 100 x 70 cm. Ed.: Único / Unique
Exilio #13 (LGP00175)
Sin título, 2018 (LGP00166.002) Fotografía más técnica mixta / Photography and mixed media 55 x 50 cm Ed.: 2 / 5
Sin título, 2018 (LGP00167.002) Fotografía más técnica mixta / Photography and mixed media 55 x 50 cm Ed.: 2 / 5
Sin título, 2018 (LGP00168.002) Fotografía más técnica mixta / Photography and mixed media 55 x 50 cm Ed.: 2 / 5
Sin título (LGP00156.002)
Sin título (LGP00162.002)
Sin título (LGP00158.002)
Sin título (LGP00160.002)
Sin título (LGP00161.002)
Sin título (LGP00163.002)
Película ortocromática láminas de oro / Orthochromatic film and gold leaf 30 x 30 cm Ed.: 2 / 5
Sin título (LGP00159.002)
Sin título (LGP00157.002)
Sin título (LGP00164.002)
Sin título (LGP00165.002)
Película ortocromática láminas de oro / Orthochromatic film and gold leaf 30 x 30 cm Ed.: 2 / 5
En el instante que nada pasaba Película ortocromática láminas de oro / Orthochromatic film and gold leaf 50 x 70 cm. Ed.: 11/15
Escena 11, 2011 (LGP00002.003) Papel fotográfico pintado a mano, película orthocromática, collage papel / Hand painted photographic paper, orthocromatic film, paper collage 30 x 61 cm. Ed. 3/7+3PA.
Escena 12, 2011 Papel fotográfico pintado a mano, película orthocromática, collage papel / Hand painted photographic paper, orthocromatic film, paper collage 30 x 61 cm. Ed. 3/7+3PA.
ÓSCAR MARINÉ Óscar Mariné is a tireless image maker, educated to the rhythm of the music of the sixties and seventies, who knows and uses in his work the visual strategies of cinema, comics, advertising, television and illustrated magazines. At the same time, Mariné does not reject the references of his local culture, which he takes as a starting point to develop a language that integrates the street elements of the emerging culture of the eighties, with others associated with high graphic and conceptual culture. A peculiar fusion of elements that makes his work unique and recognizable. Mariné is a pioneer in the renewal of design in Spain. His work has illustrated the work of renowned filmmakers, musicians, editors, architecture studios, etc. What is presented here is not, however, an anthological sample of the work of Oscar Mariné, but a set of diverse materials that show his work as an independent author. National Design Award 2010, Mariné poses a reflection on the work of the designer in which he shows a series of works that deal with each of the elements of this discipline: the generation of images, typography, color and composition. The reflection he proposes is not academic or theoretical, but visual. As a creator of images, his goal is to obtain works with enough power to withstand the passage of time and be significant beyond the local context or the specific order from which they arose. Gathered in the same room, in this exhibition you can see the works at a different rhythm than the usual one, or even relate to each other, acquiring, in this way, a more reflective character. King For A Day is part of the Apertura Madrid Gallery Weekend 2018 festival, during which the forty-nine galleries that make up the Arte Madrid association come together to inaugurate the art season in the Spanish capital. Óscar Mariné has received numerous awards throughout his career, recently highlighting the Laus de Honor Award in recognition of his career. (Extract text catalog "Big Bang", by Javier Ortiz Echagüe)
Óscar Mariné es un incansable fabricante de imágenes, educado al ritmo de la música de los años sesenta y setenta, que conoce y emplea en su trabajo las estrategias visuales del cine, el cómic, la publicidad, la televisión y las revistas ilustradas. Al mismo tiempo, Mariné no rechaza las referencias de su cultura local, que toma como punto de partida para desarrollar un lenguaje que integra los elementos callejeros de la cultura emergente de los ochenta, con otros asociados a la alta cultura gráfica y conceptual. Una peculiar fusión de elementos que hace que su obra sea única y reconocible. Mariné es un pionero en la renovación del diseño en España. Su trabajo ha ilustrado la labor de reconocidos cineastas, músicos, editores, estudios de arquitectura, etc. Lo que aquí se presenta no es, sin embargo, una muestra antológica de los trabajos de estudio de Óscar Mariné, sino un conjunto de materiales diversos que muestran su trabajo como autor independiente. Premio Nacional de Diseño 2010, Mariné se plantea una reflexión sobre el trabajo del diseñador en la que se muestra una serie de obras que tratan sobre cada uno de los elementos de esta disciplina: la generación de imágenes, la tipografía, el color y la composición. La reflexión que propone no es académica ni teórica, sino visual. Como creador de imágenes, su objetivo es conseguir obras con la potencia suficiente para resistir el paso del tiempo y resultar significativas más allá del contexto local o el encargo concreto del que surgieron. Reunidas en una misma sala, en esta exposición pueden verse las obras a otro ritmo distinto al acostumbrado, o, incluso, relacionarse entre sí, adquiriendo, de este modo, un carácter más reflexivo. King For A Day se muestra en el marco del festival Apertura Madrid Gallery Weekend 2018, durante el cual las cuarenta y nueve galerías que integran la asociación Arte Madrid se unen para inaugurar conjuntamente la temporada del arte en la capital española. Óscar Mariné ha recibido numerosos galardones a lo largo de su carrera, destacando recientemente el Premio Laus de Honor en reconocimiento a su trayectoria. (Extracto texto catálogo “Big Bang”, de Javier Ortiz Echagüe)
La Woman #1 (OMA00001)
La Woman #2 (OMA00003)
The brave Ulysses(OMA00002)
La Woman #4 (OMA00005)
La Woman #3 (OMA00004)
La Woman #5 (OMA00006)
Todas las obras de gran formato están disponibles, también en los siguientes tamaños: The biggest size artworks are also available in the following measures: 120 x 170 cm. –3 u. 100 x 140 cm. – 3 u 70 x 100 cm. – 3 u 59,4 × 42 cm. – Ed. 10
La Woman #6 (OMA00007)
King for a day (OMA00008)
Diamond dogs 11 (OMA00015)
Pluto (OMA00009)
El rey del barrio (OMA00023)
She’s like a rainbow (OMA00012)
El amante(OMA00031)
Todas las obras de gran formato están disponibles, también en los siguientes tamaños: The biggest size artworks are also available in the following measures: 120 x 170 cm. –3 u 100 x 140 cm. – 3 u 70 x 100 cm. – 3 u 59,4 × 42 cm. – Ed. 10
Who do you love (OMA00013) 2017 Letrero de tubo de neรณn / Neon sign 180 x 35 cm. Ed.: ร nica/Unique
Neรณn Hotel (OMA00014) 2017 Neรณn y metal / Neon and metal 30 x 120 cm. Ed.: 3 u.
Technicolor #1 (OMA00016)
Technicolor #12 (OMA00023)
Technicolor #15 (OMA00017)
Technicolor #14 (OMA00022)
Technicolor #10 (OMA00018)
Technicolor #18 (OMA00024)
Las obras de la serie “Technicolor”están disponibles, también en los siguientes tamaños: “Technicolor” serie artworks are also available in the following measures: 59.4 x 84.1 cm. – Ed. 10 29.7 x 42 cm. – Ed. 10 Technicolor #13 (OMA00019)
SOBRE BLANCA BERLÍN GALERÍA
Especializada en fotografía y artes visuales, la apuesta de Blanca Berlín se centra en las tendencias más innovadoras de la fotografía española e internacional
contemporánea,
representadas
tanto
por
artistas
consagrados como por prometedores talentos. Ocasionalmente, también acoge otras disciplinas artísticas. Además del ciclo de exposiciones, la galería, que abrió sus puertas en Madrid en enero de 2007, dedica especial atención a la creación de un escogido fondo a la vista del público, que se puede consultar también en la página web. La galería está presente en las principales ferias internacionales de arte contemporáneo.
ABOUT THE GALLERY
Located in the heart of Madrid, Blanca Berlin maintains a generous selection of photographs, promoting and presenting both established and emerging international artists to the art market in Spain and abroad. Additionally, the gallery has a wide selection of images which may be viewed in the many changing exhibitions programmed annually, as well as on the gallery’s website. The gallery, opened since 2007 and directed by Blanca Berlín, also takes part in main international art fairs.
Galería Blanca Berlín C/ Limón, 28. 28015 Madrid, Spain T./ +34 91 5429313 E./ galeria@blancaberlingaleria.com W./ blancaberlingaleria.com
Horario / Opening times: Mié. – Vier / Wed. – Fri.: 10.30 – 14.30h | 16.30 - 21h Sáb. / Sat.: 11 - 14.30h | 17 - 20.30h