Numero Novembre 2011 Digital Art pro by Bruno BARON

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N° 11/2011 (53)

Mensuel Novembre ISSN 1733-2745

Comment réaliser un portrait personnalisé

Digital Art Découvrez les possibilités de Photoshop

Retouche d’une photo de beauté Créer une brochure pour un photographe

Chers lecteurs, Dans le numéro de novembre nous avons décidé de vous rappeler quelques tutoriels parus dans les anciens numéros. Avant d’en parler, nous vous invitons à lire l’interview de Sébastien Larroude Aka Rainart dont la création se trouve sur la couverture. Il vous dévoilera ses inspirations et il vous parlera un peu de ses travaux. Parmi les tutoriels présentés dans ce numéro, vous trouverez Blocs en harmonie de Christophe Delarsille dans lequel l’auteur explique pas à pas comment réaliser une brochure pour un photographe. Nous vous conseillons aussi à réaliser le tutoriel d’Angel Jeremy Forgotten world. L’exercice est proposé aux lecteurs qui ont déjà l’expérience en matte painting. Le tutoriel vous permettra d’exécuter, à partir d’esquisses simples, des illustrations et des matte painting élaborés. Allez aussi sur la page 22 où nous présentons le tutoriel de Florian Ruocco. Vous découvrirez le procès de création de ce photomontage et vous apprendrez comment transformer la composition en une image noir et blanc. Bonne lecture à tous Équipe .psd Magazine

Le magazine .psd est publié par Software Press Sp. z o.o. SK Président de Software Press Sp. z o.o. SK Paweł Marciniak Directrice de la publication Justyna Książek ISSN : 1733-2745

DTP Graphics & Design Eurodesign www.euro-design.info Photo de couverture Sébastien Larroude Aka Rainart

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Bétatests

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sommaire INTERVIEW

Interview de Sébastien Larroude Aka Rainart

DOSSIER

Forgotten world Angel Jeremy

Medieval Angel K. Florian Ruocco

PRATIQUE

Blocs en harmonie Christophe Delarsille

Contradicting lifestyles Rogier de Boevé

FICHE TECHNIQUE

Portrait personnalisé Alix Poulot

Amour sous-marine Erik Bont

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interview

Cave Probablement l’une de mes plus vieilles images. Typiquement Rainart. Très simple avec des formes relativement abstraites et des plans découpés qui donnent une bonne profondeur, des textures pour les effets de matière et un éclairage réaliste. On est dans la suggestion.

Interview

de Sébastien Larroude aka Rainart POURRIEZ-VOUS S’IL VOUS PLAÎT VOUS PRÉSENTER À NOS LECTEURS? J’ai commencé à travailler comme compositeur et 3D artiste (animation, lighting, un peu de tout en fait). Il y a déjà une quinzaine d’années en France on devait avoir un profil très large. Stratégiquement, être trop spécialisé dans un domaine était un peu difficile et souvent on se retrouver à faire un peu de tout. Naturellement j’ai toujours été plus attiré par les images (donc le rendu, les shaders mais surtout l’éclairage) et rapidement j’ai fais ce qu’on appelle un retour aux sources vers le concept art. J’ai également travaillé plusieurs années dans une agence d’architecture ou j’ai énormément appris. Dans un sens, ces multiples expériences m’ont apporté énormément. C’est une excellente chose de s’intéresser et surtout de pratiquer différentes disciplines et dans le cas présent, elles sont toutes en rapport les une avec les autres. QUELLES ÉTAIENT VOS PREMIERS PAS DANS LE GRAPHISME? AVEZ-VOUS SUIVI UNE FORMATION PARTICULIÈRE? Effectivement j’ai suivi une formation de photographie avec des options cinéma et graphisme à l’ETPA mais véritablement, mes premiers pas dans le graphisme sont plus liés mon éducation et à ma famille. Étant très jeune je me délectais de Mad Movies, Sfx magasine etc. et je me disais que je voulais faire cela: Travailler dans le cinéma et les effet spéciaux, faire des maquettes, de la sculpture etc. donc pas quelque chose uniquement liée au graphisme mais à la réalisation et la création. Par ailleurs, je compris très vite (je devais avoir 10 ans) que je ne resterai pas en France. Mon ambition était déjà grande, je savais ce que je voulais faire et les possibilités en France très limitées. Alors des que j’ai pu je suis parti à l’étranger et je ne suis pas revenu (sauf pour les vacances).

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GreenSwamp J’ai été influencé par des ambiances et diverses références orientales. Le thème du silence et du voyage est présent. C’est un peu mystique aussi !

interview

Interview de Sébastien Larroude Aka Rainart

QU’EST CE QUI EST VOTRE SOURCE D’INSPIRATION? AVEZ-VOUS VOS ARTISTES PRÉFÉRÉS? Je tire principalement mon inspiration d’expériences diverses personnelles et surtout de choses en rapport avec la nature. Je ne m’inspire que très peu d’autres artistes, même si il va de soit qu’ils réussissent toujours m’influencer. Pour mon travail personnel, je réalise juste ce que je ressent. C’est plus simple. Effectivement j’ai une multitude d’artiste que j’apprécie. Artistes contemporains de mon entourage et autres couvrant tout les domaines. Écrivains, peintres, architectes, cinéastes, l’animation Japonaise etc. Je suis cependant en admiration envers les gens qui essaient de faire changer les choses, de les faire évoluer en menant des actions concrètes. Parmi ces gens la il y a beaucoup de femmes. Donc il Chill Sûrement réalisé pendant l’hiver ! Elle représente une architecture simple, minimale qui contrastent avec un ciel azur. Un DJ mixe pendant que les touristes brûlent sous le soleil.

AzukaWhiteArchitecture À l’origine cette image devait être un Flyer. J’en ai fais un concept. L’idée était de réaliser un genre d’architecture minimaliste avec des centres de gravite déplacés et d’incorporer un ou plusieurs personnages sur différents plans. est vrai qu’actuellement il y a plusieurs personnalités féminines qui m’inspire par leur courage et leur prise de position. C’est très connecté à l’art. Nos sociétés changent et évoluent ainsi que notre vision. PARLEZ-NOUS DE VOTRE TECHNIQUE GRAPHIQUE PRÉFÉRÉE? En presque 20 ans j’ai exploré plusieurs techniques ou façon de faire. Je n’ai pas de technique préféré. Je pense que j’utilise ou développe des façons de travailler différentes selon les projets. Donc je reste tres versatile et flexible. On peu faire un parallèle avec la musique ou l’utilisation d’un instrument. Il y a toujours plusieurs techniques. La plus simple et toujours la meilleure car elle souvent efficace. Mais rien ne vous empêche d’en utiliser d’autre et de les mélanger. Si la 3D est un outils qui s’adapte plus à un projet, alors je vais l’utiliser. Si il faut construire quelque chose, je le ferai aussi. La 3D, 2D ou autre ne sont que des façons de faire ou des outils et non une fin en sois et donc, juste un moyen de réaliser. Rien d’autre. Il en a été ainsi quand nos avons développé et lancé les Brushes. Cela a entraîné un véritable mouvement. Cela correspondait à une période de notre vie et une façon de créer à partir d’artéfact. C’était expérimental, même si depuis nous avons énormément développé se procédé. Cela a influencé pas mal de gens, sans pour autant qu’on le veuille. Beaucoup nous ont liées Brushes alors que nous pouvons aussi créer autrement. Revenant à la question, dans ce cadre la, je peux dire que la techniques de brushes est vraiement intéressante et m’a personnellement apporté beaucoup. Certaines créations liées à cette époque étaient vraiement surprenantes. C’est le travail en équipe et le fait de partager des informations et d’échanger qui nous a amené à cela. Finalement, l’outil parfait c’est être en collectif et partager. L’expérimentation ne peut se dissocier de ma façon de travailler.

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interview

Interview de Sébastien Larroude Aka Rainart

Module_B Très proche de Azuka, White Architecture. Un thème qui revient souvent dans mon travail. Des personnages seuls qui errent dans des univers abandonnés, oubliés. Dans ce cas j’ai représenté des gros modules mécaniques. On ne sait pas à quoi ils servent mais ils sont là. On ne sait pas non plus pourquoi un personnage si trouve. Parfois il explore, parfois il cherche à fuir. Cela me laisse beaucoup de liberté.

COMMENT L’AVEZ-VOUS DÉVELOPPÉ? Je répond en partie ans la question précédente. Le travail en équipe, l’effet de groupe, l’expérimentation et surtout de rencontrer des gens extraordinaires. Nous étions tous dans le même état d’esprit et sur la même longueur d’onde. On peut dire que nous avons fait une petite révolution dans le monde du concept art. Mais si je me souviens bien, pour l’anecdote: J’ai commencé à faire un concept et mon ami Sparth (Nicolas Bouvier) en voyant l’image m’a dit (surement dans une étincelle créative): Seb, je vais faire une brushe avec ton image. Résultat nos concepts devenaient des brushes, bref, la boite de pandore était ouverte.

MediterraneanSundance Le genre d’image que j’arrive à faire pendant les long hivers Canadiens. Probablement par manque de soleil ! Trip graphique avec des genres de jeux de perspectives et de lumière découpant les formes.

StopOver Speedpainting d’une scène SciFi. Elle représente une aire sur laquelle des véhicules y font régulièrement escale.

Je ne veux oublier personne mais le groupe se composait de Sparth, Hydropix, Viag, Vyle, Barontieri, Feerik et moi même (Désolé si j’ai omis quelqu’un). Hydropix a lancé le fameux 3CH (un générateur de sujet aléatoire) du genre: un loup-garou poilu enflamme un caméléon dans une dimension parallele. C’est drôle mais le challenge était de faire des minis compétitions et de peindre les sujets le plus rapidement possible, en 10 ou 15 min. Certains sujet était presque impossible, lourds de stupidité et pleins de challenge surtout dans les workshop, car on se mettait en danger en dessinant n’importe quoi devant les gens. Et parfois nos peintures ne ressemblaient à rien, alors on changeait nos images et un autres artistes rattrapait l’image en retravaillant par dessus etc. etc. C’était tres drôle et terriblement génial. L’association Brushes + 3CH était tres logique et évidente. Nous avons énormément progresser durant cette période. C’est aussi à cette époque que nouavons crée notre compagnie STEAMBOT studios. Notre premier ArtBook Exodyssey est née quelques temps après, publié par DSP à Los Angeles.

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interview

Interview de Sébastien Larroude Aka Rainart QUELS SONT VOS PROJETS? J’ai effectivement plusieurs projets. Projets internes dans STEAMBOT qui sont en cours de développement mais je ne peux pas encore m’étendre dessus. Parmi ces projets il y a PLUG diriger par David Levy (Vyle). Il s’agit d’un cours métrage Post/Apo dans la ligne de District 9 (Je vous invite tous à aller voir notre site internet pour plus d’information: www.steambotstudios.com). Nous ferons des énonces sur le net en temps voulu. Et concernant les projets externes, je travaille actuellement sur un film, mais la encore, je ne peu rien dire, il va falloir être patient ! Quoi qu’il en soit pour étoffer ma réponse, STEAMBOT continue à créer des nouvelles IP (propriétés intellectuelles) en tout genre. Les gens vont être très surpris des diverses directions. Nous dirigeons actuellement chacun un projet et Exodyssey et toujours en cours de développement. Donc, un planning très chargé. CONCLUSION Ma conclusion serait de dire aux gens que si ils veulent que les choses se passent ils doivent les provoquer par eux même et non les attendre. C’est en partant de France pour atteindre mes objectifs personnel, mais voyant aussi que les choses empiraient et ne s’amélioraient pas (les 10 dernières années le confirme hélas) que j’ai rencontré des gens venus du monde entier avec lequel j’ai appris, partagé et échangé. Et je leur en suis tous les jours extrêmement reconnaissant. Pour conclure, le seul moyen d’avancer (mais c’est une opinion personnelle) et de partager les choses avec d’autre, même si ce n’est pas toujours facile sur du long terme c’est le plus enrichissant. L’individualisme n’amène jamais très loin et l’ego détruit tout chose. Le pire ennemie et frein et d’être envieux d’où l’enjeu du travail d’équipe. Merci beaucoup!

Sébastien Larroude Aka Rainart STEAMBOT studios / Artistic Director / Concept artist / Foubder http://www.sebastienlarroude.com http://www.steambotstudios.com http://www.leboxshop.com

Port Effet de matière et de formes pour suggérer des bateaux prêt de l’eau entourés de personnages (pécheurs, promeneurs etc.). Je voulais un rendu spécial.

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MIND_ecoSystem MIND renvoie directement à Module_B. D’autre concept viendront. J’ai beaucoup de chose encore à explorer (voir mon blog : http://www.rainartblogus.blogspot.com/).

DOSSIER

Photoshop CS3 | avancé | 5h

Forgotten

world

Il est primordial d’avoir une méthode bien

définie pour construire des images complexes, surtout quand celles-ci sont composées de nombreuses photos retouchées et de digital painting. Dans ce tutoriel nous allons voir, pas à pas, les étapes qui m’ont aidé à réaliser l’image Forgotten world. Le but de cet exercice est de vous permettre d’exécuter, à partir d’esquisses simples, des illustrations et des matte painting élaborés.

Angel Jeremy Illustrateur et concept-artist indépendant, il est diplômé de l’école d’art appliqués de Poitiers. Après avoir enseigné le dessin traditionnel et Photoshop pendant cinq ans à Paris (école Isart Digital), il travaille avec différents studios de production. Il y réalise notamment matte painting, texture painting et concept design. Site : http://www.jeremy-angel.com Contact : email@angel-jeremy.com

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DOSSIER

Forgotten world 1: Dessin préparatoire

Dans un premier temps, scannez le croquis que vous désirez utiliser pour votre image. Vous pouvez également utiliser le fichier dessin.jpg. Une fois numérisé, recadrez correctement votre document à l’aide de l’outil Recadrage (Crop), [C], puis créez un nouveau calque [Ctrl] +[Maj] + [N].

3: Habillage partie droite

Nous pouvons passer à la phase habillage. Aplatissez l’image. Il faut maintenant, choisir attentivement les photographies que vous allez intégrer. Il s’agit d’une étape de dégrossissage. L’intégration finale doit se faire avec tous les éléments positionnés pour unifier correctement l’ensemble. Commencez par la partie droite de notre composition. Positionnez les images suivantes : train162-green-hill-1-medium.jpg, 37470_4098_1.jpg, 2007-06-21-(14-04-04)[1].jpg. Celles-ci vous suffiront à planter le décor pour l’instant. Créez un nouveau groupe de calques et placez toutes ces photos à l’intérieur. Nommez ce groupe végétation partie droite.

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2: Colorisation

Nommez ce calque couleur et choisissez l’option de fusion Superposition (Multiply). Cela permet d’appliquer la couleur tout en visualisant le tracé. Il s’agit maintenant de coloriser le dessin pour définir l’ambiance générale et la lumière. Utilisez des brushes simples dans un premier temps puis, en affinant la colorisation, vous pouvez passer à des formes plus complexes.

DOSSIER

Forgotten world 4: Découpage

5: Habillage partie gauche

La partie gauche de l’image comprend une petite différence, il faut incruster de la roche (Gomme et options de fusion) pour donner à cette zone plus de relief et une certaine impression de stabilité. Créez un nouveau groupe de calque, nommez-le végétation partie gauche. Procédez de la même manière que pour la partie droite, utilisez essentiellement l’image : 5_bears_at_falls[1].jpg pour les arbres et l’image falls2[1].jpg pour les roches.

Utilisez la gomme pour éliminer les zones inutiles, et redimensionnez si besoin, à l’aide de la Transformation manuelle. Vous pouvez dupliquer certaines images ou en incruster de nouvelles, en fonction de vos envies, veillez seulement à garder une certaine unité graphique. N’hésitez pas à utiliser l’outil Tampon pour commencer à lier les différentes photographies. Pour cela il est intéressant de jouer sur les différentes cibles du tampon. Cela change considérablement les effets. Jouez également sur les pressions et les formes du tampon, vous parviendrez plus facilement à estomper les problèmes de liaisons. Unifiez la colorimétrie des photos en travaillant avec Courbes [Ctrl] + [M].

6: Découpage (suite)

Travaillez de la même manière que pour la partie droite. Ne vous acharnez pas sur l’intégration, nous la travaillerons petit à petit. Cependant vous pouvez essayer d’unifier simplement les différentes images en travaillant les courbes.

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DOSSIER

Forgotten world 7: Placement cascade

Placez ensuite la photo de cascade (Victoria Falls, Zimbabwe, Africa – 1600x1200 px – ID 45425 – PREMIUM) dans un nouveau groupe de calques (nommé cascade). Gommez les zones inutiles et corrigez légèrement la couleur et le contraste. Le plan principal est maintenant installé, nous reviendrons plus tard sur la coupole.

9: Travail du ciel (suite)

Composez votre ciel en utilisant principalement l’image 203.jpg. Les autres photos vous serviront à densifier certaines zones un peu trop nues. Utilisez l’outil Transformation manuelle pour placer, tourner et redimensionner chaque image. Jouez sur l’opacité et les options de fusion des calques pour incruster proprement les différents morceaux de ciel entre eux. Il faut également peindre un maximum avec l’outil Pinceau, votre ciel n’en sera que personnel et plus vivant.

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8: Travail du ciel

Il nous faut à présent construire les arriàres plans et le ciel. Pour cela, nous allons créer deux nouveaux groupes de calques juste au-dessus du background. Le premier sera le groupe nommé ciel et le deuxième juste au-dessus sera nommé arrière-plan (le ciel se trouve toujours derrière l’horizon). Placez dans le groupe approprié les images : 57_clouds_in_illinois.jpg, 202.jpg, 203.jpg, always cloudy.jpg.

Forgotten world

DOSSIER

10: Montagnes

Une fois cette opération terminée, nous pouvons nous concentrer sur les montagnes du fond. Servez-vous du dessin pour découper et créer les montagnes d’arrière-plan avec les images suivantes : FatuIva_Tropical RainForest_20061111[1].jpg, Morning%20Haze.jpg. Procédez comme précédemment avec le plan principal. Les photos 206 Cliffs et 208 Cliffs, vous permettront de travailler la texture de roche mêlée aux arbres. Là encore, jouez sur les options de fusion et l’opacité des différents calques.

11 11: Intégration des montagnes

Modifiez les teintes et la saturation pour obtenir un effet de perspective atmosphérique. Les montagnes se trouvant au loin, elles doivent être relativement désaturées et plus claires. Plus elles sont éloignées, plus elles se fondent dans le ciel.

12: Création de la colline intermédiaire

La colline boisée est construite d’une manière légèrement différente. Elle servira de jonction visuelle entre les montagnes du fond et la partie droite de l’image. Utilisez pour cet élément la photographie train162-green-hill-1-medium.jpg. Nous l’avons déjà exploitée dans le plan principal mais nous ne gardons cette fois que l’arrière-plan. De même, copiez la petite zone boisée au-dessus de notre cascade, elle nous servira à intégrer correctement la fin de notre montagne.

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DOSSIER

Forgotten world 13: Création de la colline intermédiaire (suite)

Redimensionnez l’ensemble, redécoupez si nécessaire l’excédent et corrigez la colorimétrie des deux images pour qu’elles se mêlent l’une à l’autre. Utilisez les courbes [Ctrl] + [M] pour plus de précision ou les outils : balance des couleurs et Teinte/Saturation, si vous trouvez les courbes trop ardues à maîtriser. Travaillez leurs liaisons avec l’outil Tampon.

15: Création de la coupole (suite) 02

Utilisez le lasso polygonal pour extraire les deux dômes des photos originales puis faites les se superposer (coupole en verre au dessus) en utilisant l’outil transformation manuelle, et pour plus de facilité de maniement, l’outil Déformation (Edition>Transformation>Déformation). Pour éliminer l’excédent, sélectionnez le calque de la coupole en verre [Ctrl] + clic sur le calque, faites une inversion de sélection [Ctrl] + [Maj] + [I], cliquez sur le calque du dôme et appuyez sur Suppr.

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14: Création de la coupole 01

La construction de la coupole demande de nombreuses étapes bien définies. Il faut d’abord travailler notre effet de matière. Vous utiliserez les images suivantes : Kuppel_gross.jpg, JHS-dome-a.jpg, le_grand_palais.jpg. L’idée est de superposer la coupole de verre sur le dôme pour donner une matière plus opaque à l’ensemble et d’accentuer les détails. Créez un nouveau document et placez les images nécessaires, nous allons y créer notre texture.

DOSSIER

Forgotten world 16: Création de la coupole (suite) 03

Modifiez l’opacité du calque supérieur pour obtenir un mélange des deux images. Pour créer une texture plus opaque et plus dense, tout en gardant l’effet de volume, multipliez maintenant les calques comme sur l’image ci-dessus en jouant sur les opacités et les éléments graphiques (fenêtres de la verrière sélectionnées au lasso, puis dupliquées sur un nouveau claque). Quand vous avez obtenu un effet intéressant, écrasez les calques entre eux [Ctrl] + [E] puis donnez une forme un peu plus allongée à votre coupole.

17: Création de la coupole (suite) 04

Pour arriver à cet effet, nous devons lui apporter de la matière. Pour cela, utilisez celle disponible dans l’image, dupliquez-la (sélection avec Lasso et [Ctrl] + [J]) et transformez-la [Ctrl] + [T] pour qu’elle corresponde parfaitement.

18:Création de la coupole (suite) 05

Fusionnez les calques et travaillez le volume avec l’outil Densité + et Densité -. Travaillez avec des formes douces et des expositions légères pour apporter une rondeur graduelle à l’ensemble. Pour donner un effet plus 1900, il faut construire une structure extérieure en métal. Dessinez un trait vertical et déformez-le avec l’outil Déformation afin obtenir la courbure souhaitée. Incrustez votre armature sur la coupole en jouant sur l’opacité du calque puis créez son ombre : dupliquez-le. Ajoutez un flou gaussien sur le calque d’armature du dessous et baissez progressivement son opacité. Elle doit être visible sans déranger.

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DOSSIER

Forgotten world 19: Création du socle

Notre architecture doit être soutenue par un socle. Pour le réaliser, nous allons utiliser l’image : 08040810_Tour_Eiffel dans laquelle il faut copier l’arc de cercle et quelques formes. Collez le tout dans l’image principale. Modifiez l’orientation de la courbe pour qu’elle s’imbrique bien sous la coupole. Utilisez la Transformation manuelle et la Duplication des calques pour fabriquer la structure métallique. Vous devez peindre les autres éléments avec des formes dures pour arriver à un résultat d’unité convaincant. Utilisez la Pipette, [Alt] + clic, pour capter les couleurs originales.

21: Implantation de bâtiments

Fusionnez puis dupliquez l’ensemble [Ctrl] + [J]. Diminuez la taille de ce nouveau dôme puis placez-le à gauche de la composition et légèrement plus bas que le bâtiment principal. Construisez-lui un nouveau socle ou des pylônes pour l’intégrer dans la jungle. Recommencez plusieurs fois à des endroits différents pour enrichir le décor.

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20: La pointe métallique

Une fois l’ensemble réalisé, corrigez la teinte générale avec la Teinte/Saturation et la balance des couleurs. Travaillez sur le volume avec l’outil Densité + et Densité - comme précédemment. Fusionnez à nouveau l’ensemble et importez le dans l’image principale, à l’intérieur du groupe d’un calque que vous nommerez architecture. Corrigez la colorimétrie et le placement. Incorporez la pointe métallique, image : le_grand_palais.jpg, à notre édifice.

DOSSIER

Forgotten world 22: Travail sur les bâtiments

Vous pouvez, comme dans l’image suivante travailler l’architecture pour lui donner un aspect vieilli et abandonné. Prenez soin de choisir et de personnaliser vos brushes. À la manière d’un jeu de construction vous pouvez installer la cité dans la forêt comme bon vous semble, il suffit de dupliquer et d’adapter les éléments architecturaux qui vous intéressent.

23: Construction du premier plan

Attaquez à présent aux premiers plans. Commençons par créer un nouveau groupe de calque : amorce. Celui-ci se compose d’un mélange de photographies de fougères et ainsi que de diverses plantes : AutumnFern.jpg, BlueBell.jpg, HardyHollyFern.jpg, JapanesePaintedFern.jpg, KangarooFern.jpg, RockfordHollyFern.jpg, WhiteRabbitFootFern.jpg. Choisissez les images que ous souhaitez compositer pour l’amorce. Utilisez le premier plan de l’image comme base + : BaruForest.jpg.

24: Extraire les plantes

Il faut maintenant extraire les plantes de leur fond blanc. Pour cela, dans le panneau Channels sélectionnez la couche de bleu et dupliquez-la. Utilisez les courbes [Ctrl] + [M] pour augmenter très fortement le contraste. Faites un [Ctrl] +clic (sélection) sur cette couche, puis un [Ctrl] + [Maj] + [I] pour inverser la sélection. Cliquez sur la couche RVB puis faites un [Ctrl] + [J] (dupliquer calque). Vous obtenez ainsi un calque contenant uniquement la plante, sans le fond blanc.

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DOSSIER

Forgotten world 25: Assembler l’amorce

Faites de même avec les autres plantes et composez votre premier plan de fougères. Il peut rester des contours blancs sur les plantes découpées, pour cela utilisez l’outil Teinte/Saturation et l’option coloriser. Cela vous permettra de modifier la couleur de ce contour pour qu’il se fonde dans la teinte générale de la plante.

26: Placement et intégration de l’amorce I

Retravaillez la colorimétrie de chaque élément puis fusionnez l’ensemble. Assombrissez le tout pour que ce premier plan se découpe franchement sur l’image.

27: Placement et intégration de l’amorce II

Vous pouvez créer de la même manière la branche en haut, en lui dessinant un tronc avec l’outil Pinceau. Voilà l’image complètement composée, il ne manque plus que le travail de compositing à proprement parler.

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DOSSIER

Forgotten world 28: Compositing

29: Finalisation de la cascade I

Continuons nos retouches en apportant plus de personnalisation à la cascade, en effet celle-ci est bien trop lumineuse, les photos suivantes vous aideront à arranger cela : 88086902TKGBFi_fs[1].jpg, BehindtheFalls[1].jpg. En incrustant les images sur notre cascade, nous pouvons en modifier la luminosité et la couleur. Ainsi nous ferons en sorte que le résultat s’intègre parfaitement dans la lumière générale.

Nous devons peaufiner les incrustations, rajouter des détails et du liant à cette image encore beaucoup trop froide et synthétique. Utilisez le tampon à bon escient, cela ne doit pas être votre seul outil, même s’il va énormément vous aider à lier les photos entre elles. Pensez à changer de formes constamment pour vous adapter à la zone que vous travaillez. Vous devez essayer de peindre un maximum de détails sur tous les endroits qui vous paraissent un peu nus.

30: Finalisation de la cascade II

Sur un nouveau calque [dans le meme groupe : cascade] créez la brume et la vapeur que dégage la chute d’eau. les formes simples les plus douces possible [Dureté : 0%] sont les plus efficaces pour ce genre d’effet. Cela vous permettra de lier intimement- cet élément à la composition.

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DOSSIER

Forgotten world 31: Finalisation des montagnes

Les montagnes ont besoin de retouches. Essayez aussi de nouveaux reliefs, à gauche de l’image et derrière la montagne principale, cela donnera plus de profondeur à l’ensemble. Vous pouvez les peindre directement avec le pinceau, en travaillant un peu vos brushes pour obtenir une texture intéressante. Retravaillez l’incrustation des différents arbres et n’hésitez pas à en ajouter de nouveaux pour parfaire votre végétation. Essayez de peindre un effet de brume à l’aide de quelques coups de pinceau blanc. Utilisez une forme très douce pour cela et une opacité très faible, pour produire un effet très vaporeux.

31a

32: Retouches finales

Après enregistrement de cette version, il ne vous reste plus qu’à aplatir l’image et à terminer le travail en corrigeant la colorimétrie une dernière fois. Vous retoucherez également les détails d’éclairage avec le pinceau ou l’outil densité. Renforcez le contraste, cela donnera un peu plus de force à l’image. Ajoutez du détail dans la végétation et sur l’architecture. Cette étape peut prendre beaucoup de temps, car vous pouvez modifier énormément d’éléments (changement d’angle d’éclairage, modifications diverses de couleurs etc.). Il est également temps de donner un peu de vie à l’ensemble en créant par exemple quelques oiseaux volant dans le ciel.

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DOSSIER

Photoshop CS4 | intermédiaire | 60 min

Medieval

Angel K. Le but de se tutoriel est d’abord d’entreprendre un travail en collaboration avec un photographe pro et ainsi avoir une image de base quasiment unique puis d’exploiter une image en N/B. L’essentiel du montage repose sur le respect du travail du photographe, ainsi que sur des calques de réglages, des masques de fusions... Ce montage à été entrepris en collaboration avec Pixil Photographer (http://www.pixil.fr), qui est un photographe professionnel. Nous avons choisi une photographie ensemble. Le modèle nous a donné l’autorisation pour la diffusion. Il nous fallait ensuite décidé l’idée globale pou réaliser ce montage.

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Florian Ruocco alias AKSHOBHYIA Designer graphiste de 21 ans, j’ai commencé l’infographie à l’âge de 9 ans, entièrement autodidacte à la base, j’ai suivi une formation de designer graphique de 2 ans avec spécialisation dans la retouche numérique. J’utilise la plupart du temps Photoshop, Illustrator et NX2 de temps à autre. Je me passionne également pour la photographie, je suis actuellement en freelance et j’ai déjà participé à la création de logo pour différentes entreprises ainsi qu’à l’élaboration de différents supports de communication print et Web. Mon Site: http://www.akshobhyia.fr/

DOSSIER

Medieval Angel K. 1

1: ÉTAPE 1

Tous d’abord ouvrez un nouveau document de la taille 29,7x21cm en 300dpi. Importez maintenant l’image de base de votre choix et appliquez-lui un calque de réglage Luminosité/Contraste de -92 et +52. Importez maintenant votre image Castle_by_VonKalkmann.jpeg, et à l’aide d’un masque de fusion ne détourez que le personnage. Allez chercher ensuite l’image bas.jpeg et réalisez la même opération tout en effaçant le bas à l’aide d’un dégradé de noir appliqué directement sur votre masque de fusion.

2: ÉTAPE 2

Nous allons continuer à mettre en place petite à petit notre fond, importez l’image Rock_Skull_Stock_by_moroka.jpeg et détourez-la en ne gardant que ce qui nous intéresse et de manière à ce que le bas de l’image s’intègre parfaitement à notre fond. Pour cela, vous pouvez utiliser la même technique utilisée précédemment. Allez maintenant chercher l’image Bones___1_by_mjranum_stock.jpeg et placez-la à l’endroit voulu en prenant soin de la détourer proprement et de lui ajouter une Ombre portée d’environ 12 px de Distance et 9 px en Taille avec un angle de 120°.

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DOSSIER

Medieval Angel K. 3

3: ÉTAPE 3

Puis dupliquez votre calque et passez-le en mode de fusion Produit avec une Opacité de 89%. Récupérez ensuite l’image d’une tulipe ou d’une fleur et placez-la sur le rocher de la tête de mort. Importez ensuite l’image feu.jpeg, faites [Cmd]/[Ctrl]+[I] pour passez votre calque en mode Négatif. Passez-le ensuite en mode de fusion Superposition, dupliquez-le et appliquez-lui un léger Flou gaussien d’environ 7px et passez-le en Densité couleur +. Effacez ce qui n’est pas utile à l’aide de votre technique de prédilection.

4: ÉTAPE 4

Nous allons maintenant peaufiner notre fond en ajoutant un peu plus d’éléments. Allez chercher l’image colombe.jpeg, détourez-la et placez-la au niveau des colonnes centrales. Prenez ensuite l’image d’un corbeau, et placez-le sur l’épaule du personnage, n’oubliez pas d’ajouter l’ombre du corbeau.

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DOSSIER

Medieval Angel K. 5

5: ÉTAPE 5

Importez ensuite l’image vortex.jpeg et placez-la dans l’eau, appliquez-lui un mode de fusion Produit et Effet de perspective pour l’intégrer parfaitement dans l’eau. Prenez ensuite une image avec des plumes et détourez-la en créant plusieurs calques de chaque plume, placez-les sur le squelette et leur appliquant une Ombre portée de 17 px de Distance et 9 px de Taille avec un angle de 120°. Munissezvous de l’image cailloux1.png et placez-la devant la jambe du personnage, prenez ensuite l’image cailloux2.png et placez-la au niveau de la main du personnage en effaçant l’inutile.

6: ÉTAPE 6

Le fond étant quasiment prêt, nous allons rajouter quelques détails au personnage. Insérez l’image wings.png, ne garder que l’aile droite. Placez-la derrière le personnage en prenant soin d’effacer le surplus, faites-lui une légère rotation pour l’incliner. Prenez ensuite l’image éclair.png et placez-la au niveau de la base de l’épée, effacez légèrement le bas à l’aide d’un dégradé pour faire comme si l’éclair provoqué le vortex dans l’eau.

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DOSSIER

Medieval Angel K. 7

7: ÉTAPE 7

Nous allons maintenant réaliser la pluie, pour cela créez un nouveau calque et à l’aide d’un pinceau à bord dur, tracé des points un peut partout, puis faites Filtre>Atténuation>Flou directionnel avec un angle de -58° et une distance de 166 px.

8: ÉTAPE 8

Nous allons maintenant finaliser le montage, commencez par ajouter un calque de réglage Teinte/Saturation avec une teinte de -31/-100/+9. Prenez ensuite l’image éclair.jpeg et placez-la tout en haut de votre panneau de calques. Passez-le en mode de fusion Lumière tamisée avec une opacité d’environ 80%, dupliquez-le et faites [Cmd]/[Ctrl]+[U]. Changez votre teinte jusqu’à obtenir la couleur désirée, appliquez-lui ensuite un masque de fusion et à l’aide de l’outil Dégradé effacez un côté de l’image. Vous obtenez ainsi 2 teintes pour votre image, vous pouvez reproduire l’opération autant de fois que vous le désirez.

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DOSSIER

Medieval Angel K. 9

9: ÉTAPE 9

Sélectionnez ensuite l’ensemble des calques, dupliquez-les et fusionnez-les. Faites ensuite Filtre>Atténuation>Flou gaussien de 18,3 px et passez-le en mode de fusion Lumière tamisée. Dupliquezle et faites Filtre>Divers>Passe haut de 46,4 px.

Lorsque vous réalisez un photomontage, pensez à bien vérifier la cohérence de vos zones de lumière, ainsi que la profondeur de champs avec le photographe.

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Blocs en harmonie

PRATIQUE

Photoshop CS3 | avancĂŠ | 90 min

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PRATIQUE

Blocs

en harmonie Ce ne sont que des images, ce ne sont que des mots. Mais une fois mis ensemble, c’est poétique. Le plus magique, c’est de pouvoir jouer au chef d’orchestre, d’agencer blocs textes et blocs images pour créer mille et une variantes de mises en page différentes.

1: Le briefing technique

C’est la toute première étape avant de commencer réellement le travail. Qu’allons-nous devoir faire ? Y a-t-il un format imposé ? Un nombre de page imposé ? Des éléments à insérer obligatoirement ? Cette fois, nous allons réaliser une brochure de 8 pages pour un photographe. Pourquoi 8 pages ? Parce qu’une brochure est constituée de feuillets. Chaque feuillet contient 4 pages. Chaque brochure a donc un nombre de pages divisible par 4. Par exemple : 16 pages, 56 pages. Le format sera un A5 fermé (A4 ouvert).

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Christophe Delarsille Créatif publicitaire et graphiste depuis 12 ans, Christophe (34 ans) est amené à créer quotidiennement des projets de ce genre. D’abord sous Quark Xpress lorsque ce logiciel avait le monopole de la mise en page en agence, puis sous Adobe InDesign, qu’il affectionne tout particulièrement. Site : http://www.delarsille.be Merci à Erik Lafontaine pour ses photos http://www.numerik.be

PRATIQUE

Blocs en harmonie 2

2: Le briefing créatif

Le côté technique étant réglé, passons au côté artistique. Nous sommes assez libre sur la mise en page, mais il a été demandé de rester sobre, de privilégier les photos qui doivent être plutôt grandes, mais à la fois, insérer un maximum d’images. La mise en page devra être plutôt classique et aérée pour mettre en valeur les clichés. La brochure devrait ressembler à une mise en page de livre ou de magazine de luxe.

3: Le choix du style

Vous l’aurez compris, le style de la brochure dépend énormément de son contenu. Imaginez une brochure médicale ou une brochure pour un festival de rock alternatif. Chaque sujet à ses codes graphiques. Dans ce cas-ci, j’opte pour un fond neutre, qui ne perturbera pas la lecture des images. Je choisi le blanc. Un fond noir pourrait être très classe mais techniquement, cela impliquerait beaucoup d’encre foncée recto/verso qui sèche moins vite, il faut en tenir compte pour éviter des complications chez l’imprimeur.

4: Réflexion sur la mise en page

Dans le meilleur des cas, vous faites une belle mise en page, et un rédacteur rédige le texte en fonction du nombre de caractères que vous avez prévu. D’autres fois, et c’est notre cas, le client vous fourni le texte, les images, et à vous de vous débrouiller pour tout caser dans 8 pages. Ma technique est de préparer des ébauches sur papier qui me permettent rapidement d’avoir une vue d’ensemble sur l’entièreté de la brochure. Je répartis alors les photos sur la page de façon harmonieuse et différente à chaque fois.

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PRATIQUE

Blocs en harmonie 5

5: Mariage entre photos et texte

Pour répondre aux attentes du client, je prévois de grandes photos mais aussi d’autres plus petites pour arriver à en disposer un maximum. Je souhaite en placer au moins 2 par page, malgré la quantité de texte reçu. Je décide de laisser de grandes marges blanches tout autour de la page (en-tête et pied de page) ainsi qu’une large zone autour des photos pour l’esthétisme. Je m’arrangerai pour ne pas coller du texte trop près des images pour qu’elles respirent.

6: Passons sur l’ordinateur...

Nous passons à la phase B. Appliquer dans le software de mise en page ce que nous avons imaginé sur papier. Dans ce cas, il s’agit d’InDesign, mais ça peut très bien être un programme similaire. La première étape est de préparer tous les éléments. Pensez à convertir sous Photoshop toutes vos images en CMYK à 300 dpi. Si l’imprimeur recommande un profil particulier, convertissez vos images sous ce profil. La seconde étape utile (mais pas toujours nécessaire) est de préparer ses feuilles de styles pour les différents caractères typographiques que nous utiliserons.

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PRATIQUE

Blocs en harmonie 7: Création du document

Commençons par créer un nouveau document au format A4. Ajoutez-y 7 nouvelles pages. Sur le plan de montage, définissez vos marges de page : 35 mm à gauche et à droite et 30mm en haut et en bas. Définissez 2 colonnes et une gouttière de 8 mm. Créez une grille avec un pas de 3mm (voir ci-dessus). Cette grille permet d’aligner correctement vos blocs de textes et vos blocs d’images. Mais elle vous oblige aussi à garder le même interlignage partout, ce qui rend la mise en page plus belle.

8: La place que prend le texte

Mon petit truc est d’importer tout le texte fourni sans photo et voir sur quelle page il s’arrêtera. A partir de là, je connais l’espace que devront combler les photos. Dans notre cas, il reste 1 page 1/2 à remplir. Cette étape suppose que le texte reçu soit définitif. D’expérience, ce n’est jamais le cas. C’est toujours quand le travail est terminé que le client décide de rajouter un paragraphe ou de supprimer du texte. Et ça remet tout notre équilibre en question. Essayez donc d’obtenir un texte validé qui ne changera plus.notre équilibre en question. Essayez donc d’obtenir un texte validé qui ne changera plus.

9: Combler le vide

Maintenant, plaçons les photos comme décidé sur notre projet papier. Chaque bloc photo a un habillage qui déplacera automatiquement le texte se trouvant à cette place. Si j’agrandi mon bloc image, le texte est poussé par l’image et glisse plus bas dans la colonne. D’une colonne à l’autre, d’une page à l’autre. Afin que le texte se termine en bas de la page 5 comme prévu, je vais jouer avec la hauteur des photos 4, 5, 6, 7 et 11.

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PRATIQUE

Blocs en harmonie 10

10: Choix des photos

Nous n’avons pas abordé cet aspect, mais il est temps à présent de choisir les clichés. Pensez aux gammes de couleur et aux lignes directrices sur les photos pour que la page soit agréable à l’oeil. S’agissant d’œuvres photographiques, nous ne pouvons pas les recadrer à notre guise. Nous devons respecter le cadrage du photographe. Ainsi, en page 7, nous avons prévu une photo panoramique. S’il n’y en a pas, nous devons revoir quelque peu la mise en page.

11: Choix des couleurs

C’est une habitude chez moi, aussi bien en logo qu’en mise en page, je prévois toujours mes projets en noir et blanc. Cela permet de na pas se poser des questions de couleur trop tôt et se concentrer sur les masses des éléments. Je réfléchis aux formes des éléments (carrés, rectangulaires, grands, petits) et à l’équilibre entre eux. Quand je suis satisfait, je choisis les couleurs. Dans ce cas-ci, la star étant la photo, la couleur des textes et des blocs vont servir à valoriser les photos se trouvant à proximité.

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PRATIQUE

Blocs en harmonie 12

12: Finalisation et détails

Maintenant que chaque élément a trouvé sa place, c’est le moment des finitions. Evitez d’importer des images à plus de 130% de leur taille initiale sous peine d’obtenir un rendu pixellisé à l’impression. Vérifiez que les blocs soient bien alignés entre eux, que les colonnes aient les mêmes longueurs. Vérifiez la césure de certains mots. Évitez les veuves (une ligne de texte isolée du reste de son paragraphe situé sur une autre page). N’oubliez pas de penser au style de papier et son grammage.

13: Validation client

Cette étape peut être faites avant la 12, tout dépend de votre client. Certains veulent avoir sous les yeux un document nickel, d’autres préfèrent le suivre tout le long de son élaboration. Généralement, je discute du projet sur papier. Une fois d’accord, je commence la mise en page sur ordinateur. Un peu comme le ferait un architecte. On valide d’abord le projet de la maison, puis les plans. Ensuite on construit et enfin on décore. Mais on ne donne pas son avis sur une maison finie. C’est un peu tard.

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PRATIQUE

Blocs en harmonie 14: Relecture

C’est la dernière vérification. Lorsque client et créatif sont d’accord, mieux vaut refaire relire le tout par une personne n’ayant pas suivi le projet. Une faute de frappe est vite arrivée. Ou d’autres erreurs plus importantes que nous n’aurions pas vu tellement nous avons le nez dans le guidon.

15: Préparer le fichier pour impression

Il est temps à présent de préparer le fichier pour l’imprimeur. Vérifiez que les images soient bien converties, que le format est bon. Si vous êtes méthodique, tout cela est déjà fait. Mais il arrive de travailler à plusieurs sur un projet. Mieux vaut vérifier que tout soit en ordre. Ajoutez de la fausse coupe aux blocs à bord perdus (voir ci-dessus). Enfin, créez un PDF haute résolution contenant des traits de coupe. Contactez votre imprimeur pour connaître les réglages techniques à la réalisation de ce PDF.

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Contradicting lifestyles

PRATIQUE

Photoshop CS3 | avancĂŠ | 90 min

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PRATIQUE

Contradicting

lifestyles Dans ce tutoriel vous apprendrez Rogier de Boevé Il a 23 ans et habite à Gelrode, Belgium. Regardez son portfolio sur: http://chemical-nos.deviantart.com

ma façon de créer des travaux numériques. J’espère que cela contribuera à votre apprentissage de Photoshop.

1: Esquisse I

La meilleure façon pour s’assurer de la qualité est le stylo et le papier. La première et la plus importante étape au-delà du concept ou de l’idée dans la création d’une affiche c’est le dessin. Le dessin devrait toujours être la base de la création. Mais ne laissez pas le dessin gouverner l’affiche. N’oubliez pas que vous pouvez toujours ajuster votre dessin dans Photoshop.

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PRATIQUE

Contradicting lifestyles 2

2: Esquisse II

Je dessine à la fois à la main et numériquement. Je dessine à la main pour réaliser des formes, et le numérique pour la colorisation parce que je ne suis pas un bon peintre. Dans photoshop vous pouvez peindre avec chaque couleur que vous aimez et inverser, changer les dimensions, effacer certaines parties de votre dessin si vous le desirez.

3: Esquisse III

Vous pouvez constater que j’ai modifié mon dessin. J’ai tourné mon dessin (Edition/Transformation/Rotation) et j’ai sélectionné la partie de couleur blanche autour des boites pour l’effacer. J’ai utilisé l’outil Baguette Magique (W). Ce n’est pas le meilleur outil pour ce travail mais c’est rapide et la qualité de mon dessin n’est pas importante dans cette affiche.

4: Esquisse IV

La meilleure façon de faire une sélection est de faire un tracé de la zone que vous souhaitez effacer. C’est une façon de faire lorsque vous souhaitez réaliser une sélection précise, dans les détails et ne pas perdre la qualité d’image. C’est pour cela que j’ai utilisé cette technique pour les personnages que j’ai déssinés et importés dans mon affiche.

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PRATIQUE

Contradicting lifestyles 5

5: Esquisse V

Assurez vous aussi que chaque élément que vous utilisez corresponde à l’autre. C’est la raison pour laquelle j’ai donné à chaque croquis le même GRADIENT. Vous pouvez faire ça en allant dans le menu Image / Réglages / Gradient Map. J’ai laissé de coté beaucoup de croquis de coté parce que je voulais d’abord finir les boites.

6: Colorier I

j’ai rapidement colorié les boites pour avoir une idée du style vers lequel j’allais tendre. Tout d’abord, j’ai passé le croquis en négatif parce que je voulais une base foncée pour faire ressortir les zones colorées des boites.

7: Colorier II

Vous pouvez passer une imageen négatif en utilisant le raccouci [CTRL] + [I]. Ensuite, j’ai crée une palette de couleurs dans un nouveau calque. J’ai utilisé ce calque pour trouver quelles couleurs se mariaient le mieux entre elles. Si vous vous demandez comment faire avec la palette de couleurs je vais vous expliquer.

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PRATIQUE

Contradicting lifestyles 8

8: Colorier III

J’ai toujours passé des heures à trouver de nouvelles couleurs sur la palette. Ce n’est pas quelque chose d’évident pour moi. Oui, c’est une question de goût et de sentiment, mais si vous ne travaillez pas sur la recherche de la combinaison de couleur parfaite, vous n’allez pas loin avec cela.

9: Colorier IV

Si vous avez vraiment des difficultés à trouver la bonne palette de couleurs, vous pouvez en trouver sur internet. Tapez palette de couleurs sur google et vous verrez ce que je veux dire. Ensuite, j’ai coloré les boites avec l’outil dégradé (G). (screenshot4). Cet outil est ideal si vous voulez colorier quelque chose rapidement, mais pas lorsque vous souhaitez colorier quelque chose de précis. Mais j’ai remarqué lorsque j’ai utilisé cet outil directement sur le dessin que j’obtenais un joli effet vieilli. Donc, j’utilise ma texture de dessin pour finaliser un effet.

10: Effets I

Utilisation de Contours et ombres pour améliorer la qualité. Bien sur la qualité de ses boites coloriées n’est pas terrible mais nous allons arranger ça maintenant. Premièrement, allez au-dessous des coins de boîtes et à l’aide de Plume (P) de 5 px faites le Contour de tracé. Effectuez cette étape sur un nouveau calque au cas où vous feriez une erreur, il sera plus facile d’effacer ou de recommencer. Quand vous terminez à créer les lignes dans tous les coins de chaque boîte, vous allez mieux voir les contours géométriques bien dessinés.

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PRATIQUE

Contradicting lifestyles 11

11: Effets II

J’ai supprimé tous les restes de l’esquisse en dehors de l’épaisseur des lignes en les sélectionnant avec l’outil de Sélection rapide (W), puis appuyez sur [Suppr]. Dans cette étape, j’ai fait quelques retouches sur les boîtes pour leur donner leur aspect final. Tout d’abord, j’ai ajouté un contour beige aux lignes créées en utilisant l’Option de fusion Contour, avec les paramètres suivats : Taille 3 px, Position – Extérieur, Mode de fusion – Normal, Opacité 50%.

12: Effets III

À ce stade, la couleur des zones sur les boîtes sont encore un peu à plat. J’ai donc élargi ma palette de couleurs avec des couleurs légèrement différentes de celles choisies à l’origine. J’ai ajouté plus de couleur jaune orangée et plus de couleur bleu verdâtre à ma palette de couleurs.

13: Effets IV

Avec les couleurs sur l’une des nouvelles palettes de couleurs, j’ai sélectionné l’une des zones de couleur avec l’outil Baguette magique (W) et j’ai commencé à peindre avec les pinceaux viellis (que vous pouvez télécharger sur Internet) (screenshot7). Vous voyez sur le résultat final qu’il y a plus de boîtes, que je crée en ce moment.

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PRATIQUE

Contradicting lifestyles 14

14: Effets V

Avant d’ajouter le fond, j’ai dupliqué plusieurs fois les calques avec les boîtes (Calque>Dupliquer le calque) et ensuite, j’ai modifié quelques couleurs. Je ne peux pas vous montrer la progression des étapes car je fait tout sur une seule couche. Ce que je peux vous dire, c’est que j’ai téléchargé une texture de l’arrière-plan sur www.sxc.hu.

15: Personnages Maintenant nous allons ajouter les personnages à notre affiche. Vous pouvez voir dans l’image que j’ai mis a gradient map sur chaque dessin. Découpez-les avec l’outil Plume (P). Donc dans cette étape mes personnages sont déjà découpés. Je les dispose tous sur mon affiche. Assurez vous à cette étape de mettre vos personnages debout sur quelque chose. C’est à dire que quand vous positionnez mal un personnage ça ne va pas coller avec l’atmosphère et le personnage va sembler flotter.

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FICHE TECHNIQUE

Photoshop CS3 | débutant | 120 min

Portrait

personnalisé Ce tutoriel a pour objectif de réaliser un auto-portrait sous forme d’une composition graphique originale et stylisée. En partant d’une photo, un portrait de vous ou d’une autre personne, on cherchera à ajouter des éléments qui reflètent votre personnalité. Vous pourrez reproduire cette réalisation à partir de vos propres photos pour obtenir une composition réellement personnelle.

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Alix Poulot l est un jeune créateur numérique d’origine réunionnaise dont la formation pluridisciplinaire a démarré à l’Institut de L’image de l’Océan Indien et s’est achevée à la filière infographie de l’Institut de la Communication de l’Université de Lyon. Il aime aussi créer des illustrations, des animations, vidéos, sites et applications web. Site : www.profilcreatif.fr Contact : info@profilcreatif.fr

FICHE TECHNIQUE

Portrait personnalisé 1: CRÉATION, RÉCOLTE DES PHOTOS

Choisissez une photo de face de vous ou de la personne dont vous souhaitez réaliser le portrait. Pour obtenir un bon effet, le mieux est de prendre soit même des photos d’objets qui vous entourent. Pour ma part j’ai choisi de prendre des photos de mes figurines, cd, livres, chaussures, etc (bref, mon petit bordel bien à moi). J’ai également utilisé quelques photos de la banque sxc.ch. Essayez de prendre des photos avec la même orientation des ombres et lumières. Cela facilitera le travail d’intégration des éléments.

2: DÉTOURAGE DES PHOTOS

Détourez chaque élément à intégrer à la composition avec l’outil de votre choix. Personnellement, j’utilise l’outil Plume pour créer et mémoriser les tracés. Une fois le tracé réalisé, faites un [Ctrl] + clic sur le tracé pour le transformer en sélection. Ensuite sélectionnez le calque à détourer et cliquez sur l’icône Ajoutez un calque de fusion en bas de la palette des calques. Avec cette méthode, vous pourrez retoucher à tout moment le détourage de chaque élément.

3: DISPOSITION DES ÉLÉMENTS

Créez un nouveau fichier photoshop au format A4 paysage. Importez les différents éléments dans ce nouveau fichier puis disposez et redimensionnez-les selon vos goûts. Pour ma réalisation, j’ai choisi de former une sorte de casque dans le genre des couronnes de plumes des indiens d’Amérique.

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FICHE TECHNIQUE

Portrait personnalisé 4

4: AJOUT DES OMBRES

À l’aide de l’outil Densité +, rajoutez des ombres là où les éléments se chevauchent. Pensez à rester cohérent dans la manière de placer vos ombres.

5: TRAITEMENT DES IMAGES

Cette étape consiste à uniformiser l’ensemble des images de la composition. Retouchez la colorimétrie grâce à l’outil Teinte/Saturation [Ctrl]+[U] et l’outil Balance des Couleurs [Ctrl]+[B]. Pour cette réalisation j’ai voulu donné un effet vieilli et assez brut. J’ai donc eu recours à l’utilisation du plugin Topaz Adjust qui permet d’obtenir un effet se rapprochant des rendus photographiques HDR (version de démonstration disponible à http://www.topazlabs.com/adjust/).

6: CRÉATION DU FOND : CHOIX ET IMPORTATION DES ÉLÉMENTS

Pour achever cette composition, il nous faut créer une image de fond. Étant un grand fan de Manga j’ai décideé de créer un genre de collage planche de Manga. Pour votre composition vous pourriez par exemple scanner des pages de magazine, ou des pochettes d’album CD ou de DVD. Une fois scannées, intégrez et disposez les différentes planches dans un nouveau fichier Photoshop au même format que celui contenant le portrait.

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FICHE TECHNIQUE

Portrait personnalisé 7

7: AJOUT D’OMBRE PORTÉE

Double cliquez sur un des calques. La fenêtre des paramètres de style de calque apparaît. Activez l’effet Ombre portée. Pour les paramètres de l’effet, réduisez la distance à 0, laissez le paramètre Dégrossi à 0 et Taille à 5.

8: TRAITEMENT DES IMAGES

8 9

9: FUSION DE CALQUE

Créez un nouveau calque, remplissez-le de blanc et placez-le en bas de la pile des calques. Changez le mode de fusion du calque en premier plan, choisissez Lumière tamisée. Pour le calque en second plan, changez son opacité pour environ 80%.

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Pour appliquer l’effet voulu nous allons devoir fusionner l’ensemble des calques Calque>Aplatir l’image. Dupliquez le calque résultant. Changer le mode couleur du fichier Image>Mode>Niveaux de gris. Sur le calque supérieur appliquez l’effet Filtre>Pixellisation>DemiTeinte Couleur. Pour les paramètres, changez juste le Diamètre maxi à 6 px.

FICHE TECHNIQUE

Portrait personnalisé 10

10: INTÉGRATION DU FOND

Groupez l’ensemble des calques et faites glisser le tout dans le fichier Photoshop contenant le portrait. Déplacez le groupe en arrière-plan.

11: AJOUT D’UNE OMBRE PORTÉE GLOBALE

Groupez l’ensemble des calques constituant le portrait (sans le fond) et dupliquezle. Aplatissez le groupe inférieur en le sélectionnant et en faisant Calque>Fusionnez le groupe. Appliquez un effet au groupe aplati en double cliquant dessus. Activez l’ombre portée, réduisez l’opacité de l’ombre à 50%, sa distance à 0 et augmentez sa taille aux alentours de 30 px. La composition est maintenant achevée.

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Amour sous-marine

FICHE TECHNIQUE

Photoshop CS3 | avancé | 90 min

Erik Bont Pour Erik Bont la présentation des émotions est décisif. Le spectateur a la possibilité de se déplacer dans une émotion qu’il n’a pas peut-être connue avant.

J’ai pris cette photo dans un salon d’un célèbre coiffeur (schenk austria) pour un Concours de coiffure 2007 en Autriche. Nous avons utilisé un rideau violet comme l’arrière-plan. La modèle a été exposée avec une lumière flash (500 Watt de Richter Studioequipment) depuis l’avant. J’ai utilisé un appareil Canon 1Ds Mark III pour prendre la photo. J’ai travaillé sur Windows PC pour la retoucher avec Adope Photoshop CS3.

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FICHE TECHNIQUE

Amour sous-marine 1

1: Courbes, éclaircir et assombrir

J’ai optimisé ici le contraste de la photo à l’aide des Courbes de Graduation (tons moyens plus élevés et tons bas plus sombres). J’ai assombri ici l’arrière-plan au moyen de l’outil Assombrir et j’ai éclairci la modèle à l’aide de l’outil Éclaircir afin de rendre le contraste plus important entre l’arrière-plan et le personnage. Je sais à présent que la meilleure alternative consiste à utiliser les calques de réglage avec les courbes au lieu de l’outil Éclaircir et assombrir !

2: Couleurs et exposition

J’ai amélioré les couleurs sur ce calque au moyen de l’outil Couleurs sélectives (j’ai déplacé quelques points jaunes et j’ai mis du rouge dessus). J’ai utilisé ici l’outil Exposition (+1,10) afin d’apporter davantage d’exposition à l’image.

3: Latin headline

Tantas malorum sensibus id per, id omnis contentiones consectetuer qui. Qui eu ignota altera dissentiet, est ad percipit iracundia, albucius intellegam voluptatibus ut has. Graece vocent praesent has eu, ius inermis platonem ne, ut meis simul salutandi eum. Te soluta persius adipisci mel, quo id nulla iusto impetus. Mea augue everti fuisset et. Ex persius saperet quaerendum eam, illud splendide scripserit id mea.

3: Courbes 2 et équilibre de couleurs

J’ai optimisé ici le contraste de l’image en utilisant de nouveau les Courbes de graduation. J’ai également utilisé l’outil d’équilibre de couleurs afin d’apporter à l’image moins de tons magenta et plus de tons vert et bleu. Ces opérations vous permettent à la fin d’obtenir un effet sous-marin.

4: Saturation

J’ai utilisé dans ce calque l’outil Teinte-Saturation. La Saturation a été retirée des images de -5 afin de leur apporter une touche lisse.

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FICHE TECHNIQUE

Amour sous-marine 5

5: Retouche de la peau

J’ai effectué des retouches de la peau dans ce calque en me servant des outils Patch et Correcteur. J’ai également éclairé le front et les yeux avec l’outil Éclaircir afin d’obtenir l’effet de fond de teint poudré dessus.

6: Sourcils, yeux

Ici, j’ai assombri les sourcils à l’aide de l’outil Assombrir. À l’aide de même outil, j’ai assombri ici les yeux afin d’y apporter davantage de contraste. J’ai utilisé ici l’outil Liquéfier : Filtre>Liquéfier afin de faire avancer la forme de sa tête, les cheveux et de petits points sur son visage (les cheveux ont demandé le plus de travail !).

3: Latin headline

7: Reflet de lentille

J’ai réalisé quelques effets d’éclairage dans les papillons. J’ai utilisé le menu Filtre>Rendue>Reflet de lentille avec 105 mm prime du reflet de lentille plus puissant d’environ 10 %. Le calque a été doublement copié auparavant et j’ai utilisé le filtre sur le second calque. Ensuite, j’ai effacé dans le premier calque les points où devaient se trouver des effets d’éclairage. Après ces opérations, j’ai fusionné les deux calques.

8: Retouche de l’épaule

J’ai modifié ici son épaule en raison de sa peau. Pour ce faire, j’ai utilisé l’outil Patch. J’ai réutilisé l’outil Teinte-Saturation dans ce calque. La Saturation a été retirée des images de -10 afin d’y apporter une touche lisse.

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FICHE TECHNIQUE

Amour sous-marine 9

9: Saturation 2

10: Courbes et Options de remplissage

J’ai réutilisé l’outil Teinte-Saturation dans ce calque. La Saturation a été retirée des images de -10 afin d’y apporter une touche lisse. J’ai modifié les couleurs dans ce calque à l’aide de l’outil Couleurs sélectives (j’y ai mis du rouge).

J’ai de nouveau optimisé ici le contraste de l’image au moyen de l’outil Courbes de graduation. J’ai également réalisé quelques options de fusion dans les images (clic droit de la souris sur Image>Options de fusion>Satin, Mode de fusion : Lumière tamisée, Opacité 10%, couleur #030000).

3: Latin headline

11: Retouche du corps

J’ai de nouveau retouché sa peau afin de corriger quelques erreurs y présentes que je venais de remarquer, après avoir modifié les calques en entier. Pour ce faire, j’ai utilisé l’outil Correcteur. J’ai également utilisé l’outil Tampon de clonage sur son chemisier.

12: Netteté

J’ai utilisé le filtre Netteté dans ce calque avec la fonction Filtre>Netteté>Masque de flou>Quantité 50 %, Rayon 3, Seuil 3. (remarque : les valeurs dépendent de l’appareil que vous utilisez. Dans de nombreux appareils, ces valeurs sont trop élevées. Essayez d’obtenir vous-mêmes une bonne netteté).

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