S J
ebastian Nieto
uan Rodriguez
Jules Chéret Fue un pintor y litógrafo francés que se convertiría en un maestro del arte del cartel.
LOS
PRIMEROS
(carteles artisticos-primeros carteles- ART NOUVEAU )
CARTELES
unque la litografía fue inventada en 1798 por Aloys Senefelder, esta técnica era al principio demasiado lenta y costoso para la producción del carteles. La mayoría de los carteles eran producidos en bloques de madera (xilografía) o grabados del metal con poco color o diseño. El desarrollo del proceso litográfico de tres colores de Cheret abrió una brecha que permitió que los artistas alcanzaran cada color del arco iris con tan sólo tres piedras -generalmente rojas, amarillas y azul - impresas en un registro cuidadoso. Aunque el proceso era difícil, el resultado era una intensidad notable del color y textura, con sublimación de las transparencias y los matices imposibles en otros medios (incluso hoy día). Esta capacidad de combinar palabra e imagen en un formato tan atractivo y económico, finalmente hizo al cartel litográfico, una innovación de gran alcance.
( Toulouse lautrec) MOULIN ROUGE
2
l
Art Nouveau tiene como una de sus influencias al movimiento inglés de Arts and Crafts. Se desarrolló en varios países europeos y en los Estados Unidos, con la característica de ser el estilo más moderno y representativo de principios del siglo XIX, manifestándose tanto en las artes como en el diseño gráfico, arquitectura y el diseño de objetos cotidianos (mobiliario, decoración, etc.). El término "Art Nouveau" fue adoptado en Inglaterra y Estados Unidos; en Alemania se llamó "Jugendstil" (estilo joven); en Austria "Secesión"; en Francia "Le Style moderne"; en España "Modernista". Como característica específica del estilo aparece el ornamento de formas orgánicas, por lo general vegetal muy relacionado con la ilustración y la fantasía. Los ejemplos más conocidos son los carteles franceses de Toulouse-Lautrec (1890) y los de Alphonse Mucha. Con formas inspiradas en la naturaleza a partir de líneas onduladas y ornamentos florales y la influencia de los grabados japoneses, característico por tratar al espacio de la representación visual en forma plana o bidimensiona (sin profundidad espacial).
art
Alphonse Mucha.
nouveau
Alfred Roller
intor, arquitecto, escenógrafo, figurinista y artista visual austríaco. Fue uno de los puntales de la Secesión de Viena - llegó a ser presidente de la asociación - y uno de los reformadores escénicos de la Ópera de Viena bajo la dirección de Gustav Mahler especialmente en las puestas en escena de óperas de Richard Wagner.
PLAKAT (Alfred Roller)
AUSSTELLUNG (Alfred Roller)
Posteriormente trabajó en las primeras producciones de óperas de Richard Strauss como La mujer sin sombra y El caballero de la rosa, cuyos diseños son referenciales para ambas óperas. A partir de 1929 trabajó con Max Reinhardt, dictando seminarios en su escuela. En 1920 fue uno de los fundadores del Festival de Salzburgo junto a Richard Strauss y Max Reinhardt donde estrenaron Jedermann de Hugo von Hofmannsthal. En 1908, el joven aspirante a pintor Adolf Hitler trató infructuosamente de ser su pupilo.[1] En 1934 Hitler pidió al gravemente enfermo Roller diseñara el Parsifal del Festival de Bayreuth.
Koloman Moser
THIRTEENTH VIENNA SECESSION EXHIBITION
SCYLLA DESIGN (Koloman Moser)
fue un artista austriaco que ejerció considerable influencia en el arte gráfico de principios del siglo XX, además de ser unos de los más destacados artistas de la Secesión de Viena Asimismo fue cofundador de los Talleres de Viena[1] (Wiener Werkstätte). A lo largo de su vida, Moser diseñó una amplia gama de trabajos artísticos: libros y gráficos desde estampillas a viñetas para revistas, moda, vitrales, porcelanas y cerámicas, vidrio soplado, vajilla, platería, joyería y mobiliario, entre otros. Estudió en la Academia de Viena y la Escuela de Artes Aplicadas (Kunstgewerbeschule) donde también dio clases a partir de 1899. Sus diseños para arquitectura, mobiliario, joyería, gráfica y tapicería ayudaron a caracterizar los trabajos de su era. Moser trajo las líneas límpias y los motivos repetidos del arte y la arquitectura grecorromano clásico en respuesta a la decadencia de tipo barroca do los alrededores de la Viena de cambio de siglo.
SIMBOLISMO l Simbolismo fue uno de los movimientos artísticos más importantes de finales del siglo XIX, originado en Francia y en Bélgica. En un manifiesto literario, publicado en 1886, Jean Moréas definió este nuevo estilo como «enemigo de la enseñanza, la declamación, la falsa sensibilidad y la descripción objetiva». El movimiento tiene sus orígenes en Las flores del mal, libro emblema de Charles Baudelaire. Los escritos de Edgar Allan Poe, a quien Baudelaire apreciaba en gran medida, fueron también un gran influyente en el movimiento, concediéndole la mayoría de imágenes y figuras literarias que utilizaría. La estética del Simbolismo fue desarrollada por Stéphane Mallarmé y Paul Verlaine en la década de 1870. Ya para 1880, el movimiento había atraído toda una generación de jóvenes escritores cansados de los movimientos realistas. Fue definido en su momento como un movimiento oscuro y enigmático debido al uso exagerado de metáforas que buscaban evocar afinidades ocultas por medio de la sinestesia.
LA ESPERANZA (Pierre Puvis de Chavannes)
PINTURA En el ámbito de la pintura, el simbolismo encuentra exponentes como Gustave Moreau (francés que nace en 1826 y muere en 1898). Sus pinturas más destacadas son "Júpiter y Semele", "Europa y el toro" y "los unicornios". También está el artista Odilon Redon, otro francés que nace en 1840 y fallece en 1915. Como obras importantes, hay que destacar "El carro de Apolo", "Druida" y "viejo alado con larga barba". Hay que destacar también a "Los Nabis", un grupo de tres artistas que son Félix Valloton ( suizo, 1865-1925) (obra: "la pelota"), Pierre Bonnard (francés, 1867-1947) (obra: "Mujeres en el jardín") y Edouard Vuillard (francés 1868-1940) (obras: "jardines publicos" y "los dos escolares") y finalmente con Néstor Martín-Fernández de la Torre desaparece el simbolismo tras su muerte, ya que él lo representaba siempre en todos sus pinturas.
EDWARD BURNE JONES (Amor entre las ruinas)
ODILON REDON (El carro de Apolo)
MUERTE DEL SEPULTERO Carlos schwabe
e llama a un movimiento contracultural nacido en los años 60 en Estados Unidos, así como también a los seguidores de dicho movimiento. La palabra hippie deriva del inglés hipster que solía usarse para describir a la subcultura previa de los beatniks (no confundir con Generación Beat), que también tuvo como base importante a la ciudad estadounidense de San Francisco (California) y su distrito Haight-Ashbury. Esta nueva subcultura heredó algunos valores contraculturales de la Generación Beat y en menor grado del naturismo alemán, y en determinados casos crearon sus propias comunidades intencionales. Escuchaban rock psicodélico groove y folk contestatario, abrazaban la revolución sexual y creían en el amor libre. Algunos participaron en activismo radical y en el uso de estupefacientes como la marihuana, el LSD y otros alucinógenos con la intención de alcanzar estados alterados de conciencia, en realidad una forma de rebelarse por la homogeneidad de conceptos que ofrece el Sistema. También buscaron formas de experiencia poco usuales, como la meditación. Debido a su rechazo al consumismo solían optar por la simplicidad voluntaria, ya sea por motivaciones hedonistas, espirituales-religiosas, artísticas, políticas, o ecologistas. A finales de los años sesenta en EE. UU. los hippies constituyeron una corriente juvenil masificada, para después quedar pasada de moda (anticuada), pero las siguientes generaciones llamados neo-hippies mantendrían vivo al movimiento como una subcultura establecida en muchas formas y con nuevas generaciones hasta hoy. Así pues han erguido fenómenos como la Rainbow Family, la escena psytrance y goa trance o los deadheads y phishheads. En tanto pequeños enclaves de hippies originales y neo-hippies continúan desarrollando en parte este estilo de vida, aunque con algunas modificaciones, bien en la ciudad o en el campo.