$30 Viernes 17 de Noviembre 2017 Capital Federal, Argentina Atención al Lector: 5199-4777
PRODUCCIÓN NACIONAL http://www.atelier.com.ar Año 148 | Numero 52.452
arte y moda para una nueva generacion emergente
PASARELAS
TENDENCIA
CULTURA
La moda como experiencia: Designers BA Verano 2018
Los 15 años de Ana Livni y la moda como arte
Cultivarnos con libros: los elegidos de grandes lectores
Si existe una propuesta que combine moda con cultura local y experiencias de lujo, esa es Designers BA. En su 12º edición, del 28 de agosto al 4 de setiembre de 2017, volvió a confirmar que Buenos Aires tiene la posibilidad de destacar tanto por su talento como por las escenografías que esconde la ciudad. -PAG 11
Anoche, 23 de agosto de 2017, Ana Livni celebró los 15 años de su marca homónima junto a su pareja, Fernando Escuder. Ellos, junto con un equipo talentoso, lograron montar un espectáculo memorable, de esos que recuerdan que la moda es más que ropa.Por ser nueva en el universo de la moda local. -PAG 11
Que digan lo que quieran los amantes de las series, pero a buen libro no hay con qué darle. Nos desconecta de una pantalla (salvo que lean en Kindle o afines). Mucho se ha hablado de la “muerte de los libros” pero no solo las librerías renacen sino que dicen que los millennials se están encargando. -PAG 11
MODA DE AUTOR > JAVIER DROVETTO
EL AUGE DEL DISEÑO DE AUTOR
Se presentaron las nuevas colecciones de Mariano Toledo, Laura Valenzuela, Fabián Zitta, Mariana Dappiano, Marcelo Senra, Min Agostini y Daniela Sartori; la cita fue en el Centro Metropolitano de Diseño.
I
mporta más la idea, el diálogo y los materiales que el apellido del diseñador”, explica Alberto Perazza, CEO de la firma italiana Magis, pasó por Buenos Aires para celebrar los 20 años de trabajo en conjunto con Arquimadera. En el local de la firma argentina Magis tuvo un ida y vuelta con diseñadores locales y repasó los hitos de la compañía que fundó su padre, Eugenio Perazza, en 1976. Entendemos que
el diseño de autor es parte del negocio y no salimos a buscar estrellas. Preferimos trabajar con un abanico amplio de profesionales que privilegien más el diálogo, la cooperación y el esfuerzo por llevar a cabo una idea. En Magis no nos importa quién sos ni cual es tu origen. Sí, en cambio el proceso de la investigación y de desarrollo, la elección de los materiales y la tecnología”, anunció y anticipó que
en las próximas ediciones de la Feria del Mueble de Milán lanzarán líneas de mobiliario realizadas por inventores suizos, “jóvenes, talentosos y aún desconocidos. La arquitecta Mónica Kucher y presidenta de la firma local del equipo interior, sumó su postura: “Más allá de la experiencia, los artistas renombrados generan una tematica de marketing. Pero el usuario no siempre sabe quién es el autor. Pera-
MODA DE AUTOR > DELIA ALICIA PIÑA
zza también se refirió a los procesos productivos, estratégicos de Magi y mostró videos donde los diseñadores, explicaban las claves de distintas familias de mobiliario. Phillip Staerck y la nueva mesa extensible, sillón de acero de Jaime Hayon, y las creaciones de Jasper Morrison, Piero Lissoni, Konstantin Gric y Alessandro Mendini, entre otros. También explicó el mecanismo interno. -PAG 15
CULTURA
“Llevan nuestra identidad patagónica. Los colores son sureños: barros seco y una paleta de tonalidades de la estepa. Además usamos hilado con moir de cabra y merino de oveja” -PAG 15
DEL MUNDO > MARIA EUGENIA MAURELLO
Roberta Pallito y Ana Förster
“Nos pasamos datos de proveedores y cada tanto salen trabajos en conjunto. Si alguien tiene una presentación, pide la opinión del resto” -PAG 11
ENTREVISTA
El originario de Bragadero, Jorge Pedalino atiende el portillo de su showroom en Recoleta y la calidez se le nota en la sonrisa amable, calida y verdadera. Viste jeans slim, botitas, camisas rayadas blanca y azul y el infaltable saco de tweed. “Siempre uso un saco”. -PAG 16
Cada vez más creativos comparten un mismo espacio de trabajo; conviven para potenciarse, con el diseño como común denominador. Quiénes son, qué hacen y cuáles son las ventajas de esta modalidad trabajo compartido más grandes era Widús, ubicado en el Parque Austral de Pilar, con 1.300 metros cuadrados y 250 puestos. En este contexto, el gobierno porteño está trabajando en un proyecto de ley para crear un permiso de funcionalidad que identifique y represente la especificidad de estos lugares. El resto dependen de ONG, universidades den un sustento. -PAG 11
En la fecha esperada 15 de septiembre, se estrenará el gran documental “Manolo: The Boy Who Mades Shoes for Lizzards” (“El niño que, hacía zapatos para lagartijas”) dirigido por Michael Roberts y dedicado a la, trayectoria del célebre Manolo Blahnik. -PAG 17
Jorge Castañon
La era del -coworking- fashion Los espacios compartidos de trabajo son cada vez más en la Argentina: el número creció de 38 en 2014 a 87 en diciembre de 2016, según la encuesta anual de El plan C, sitio especializado en la llamada “economía colaborativa”. Y el negocio promete seguir creciendo, ya que este año desembarcará en Buenos Aires We Work, una empresa estadounidense con presencia en 12 países, que se ubicará en la Torre Bellini de Retiro, lugar de intersección. Así, los números volverán a duplicarse: se sumarán 12.000 metros cuadrados y 2.000 escritorios disponibles a los 14.000 metros cuadrados y 3.000 escritorios ya existentes en el país e informados durante la Semana del Co working, en octubre pasado. Hasta ahora, uno de los espacios de
Manolo Blahnik
Salvaje silvestre, la nueva propuesta creativa de Chain.
Vanguardia en Holanda La diseñadora Lucía Chain, creadora de la marca CHAIN, presentó la colección Salvaje Silvestre en el marco de la plataforma Argentina Diseña Futuro . Este año resultó finalista del Fashion Makes Sense Award, una gran diferenciación, internacional que busca reconocer el trabajo de jóvenes artistas diseñadores con ideas innovadoras para la sustentabilidad. La novena edición del FASHION CLASH: Festival, tuvo lugar en Mastricht, Holanda, ciudad hasta la
que viajó con Salvaje Silvestre. “Me encontré con diseñadores buenísimos que ya son reconocidos internacionalmente. Sin embargo, todavía, tienen un discurso muy pegado al costado más frívolo de la moda. No generan cercanía, pensé que eso era algo del pasado. En la parte de la muestra y workshops, sí me encontré con alumnos que están investigando algo más natural. De los desfiles, la propuesta sustentable era la mía”, menciona Lucia Chain. -PAG 12
PASARELAS
Residuo Cero La búsqueda de sustentabilidad las llevó a experimentar con los materiales desde el comienzo del proyecto. El tejido Quier es producto de sus iniciales experimentaciones textiles. Se trata de la deconstrucción de textiles industriales con los que se vuelven a elaborar otros tejidos en un telar semi industrial. La elección de los materiales y durabilidad de las prendas. -PAG 13
REPÚBLICA ARGENTINA, N* 25.068 - recargo envio al interior: $5,60 - Uruguay: $40,00 - Paraguay: $70,00 - Brasil: R$10,00 - precios de los posibles otros opcionales paises, en la pagina 62 / Unidad Editorial, S.A., / Todos los derechos reservados / Diario pionero sobre moda, diseño y estilos de vida.
Pagina 14
- Viernes 15 de Septiembre
DISEÑO EMERGENTE
Moda de autor: Emprendedores que apuestan a la originalidad Son unos doscientos ochenta y siete consolidados comercialmente, el doble que hace seis años; facturan $ 1000 millones anuales, según un relevamiento del INTI (Instituto Nacional de Tecnologia Industrial) junto con la fundación Pro Tejer.
Lo nuevo de Becci, lanzamiento #WomenToWomen
Javier Drovetto - Redacción javierdrovetto@gmail.com
P
roducen moda y diseñan peros evitan aquellos diseños que están de moda. Persiguen una originalidad tan marcada que se animan a afirmar que sus prendas siempre son únicas. Innovan. Con los materiales y la morfología. Sus colecciones bucean en la identidad de su entorno y la propia: juran que cuentan una historia a través de sus creaciones. Así se definen los diseñadores de “indumentaria de autor”, un sector que cada vez se vuelve más productivo y numeroso. Alentados por las universidades, motivados por las “ganas de crear” y con las facilidades que ofrecen las redes sociales para exhibir sus productos hay por lo menos doscientos ochenta y siete emprendedores consolidados comercialmente, casi el doble que hace seis años.
“Existe una tendencia de diferenciarse con el vestir. Y Argentina es un caso interesante porque ofrece una propuesta variada. En los últimos años muchas universidades sumaron la especialidad de diseño de indumentaria”
La evaluación que acepta establecer una radiografía del sector y cómo se dio el progreso lo hace cada dos años y medio, el Instituto Nacional de Tecnología Industrial (INTI) con la fundación Pro Tejer, una fundación que reúne a los actores de la industria textil nacional. El último relevamiento, que incluye a empresas con por lo menos un año en el mercado, expone que de los 150 emprendimientos registrados en 2010 se llegó a los 287 de ahora. Y que entre todos producen al año unas 809.000 mil prendas, 19.000 mil accesorios, 6000 mil productos de bijouterie y 2000 mil pares de calzados. Diseño de indumentaria María Laura Leiva tiene 33 años, originalmente de Neuquén y hace tres años abrió un local en Palermo. Es una de las diseñadoras que aumentaron una actividad que a nivel nacional ya alcanzó los $ 1000 millones de facturación anual. “Con mi amiga, que también es diseñadora, hacemos dos colecciones de 40, prendas por año”, cuenta, y aclara por qué su marca Abre Indumento entra en los parámetros de diseño de autor: “Lleva nuestra identidad patagónica. Los colores son sureños: barro seco y una paleta de tonalidades de la estepa. Además usamos hilado de una cooperativa de Neuquén que nos provee moir de cabra y merino de oveja”. El perfil de María Josefina Laura grafica de buena manera el de la mayoría de los emprendedores: ocho de cada 10
son mujeres; el promedio de edad es de 40 años; el 63% estudió diseño de indumentaria; el 92% organiza y ejecuta una micro empresa, es decir que el año pasado facturaron menos de $ 625.000 por mes, y el 70% emprende alentado por la “libertad para crear”, según se desprende del estudio del INTI. “Existe una tendencia global de diferenciarse con el vestir. Y la Argentina es un ejemplo interesante porque ofrece una propuesta variada. En los últimos años influyó la oferta formativa, ya que muchas universidades aumentaron la especialidad de diseño de indumentaria”, enuncia Sofía Marré, directora de la reEncuesta Económica Nacional de Diseño de Indumentaria de Autor del Instituto Nacional de Tecnologia INTI, desde donde remarcan que otro aspecto para el crecimiento del sector fue que durante los últimos años el mercado de importación estuvo cerrado. La mayoría de los nuevos diseñadores empiezan exhibiendo sus creaciones en redes sociales como Facebook, Instagram, Twitter y Pinterest, en su casa, taller, o atelier donde improvisan lo que se termina generando como un showroom. “Gran parte de los pedidos llegan porque estamos en redes sociales y tenemos una pagina web. Hemos hecho envíos a Japón, Panamá y México”, enumera Sol Marrinucci, diseñadora textil y propietaria de Hombre Lobo, marca marplatense que basa sus colecciones en diseños que represen-
tan leyendas o mitos de pueblos originarios del pais, Guatemala y México, y que comercializa sus prendas en galerías de arte y en la tienda del Museo de Artes Contemporáneos de Mar del Plata, Buenos Aires, Argentina. Las ferias, exposiciones y mercados son espacios publicos, donde los diseñadores consiguen mostrar su imagen. Bs As Fashion Week y Puro Diseño son algunas de esas citas. El 49% de los emprendedores le dijo al INTI que estos e spacios “son interesantes soporte comerciales”. “Son varias las razones por las que los creativo se consolidan como emprendedores -menciona la licenciada en economía Marcela Molinari, directora de Contenidos de Puro Diseño-. Primero, porque las universidades tienen como tesis final crear un proyecto de marca. Además, las grandes marcas tienen más reducido el diseño, por lo que encuentran en la indumentaria de autor un espacio donde crear. Las redes sociales son las ocasiones y eventos sociales para exhibirse, para luego contar con una tienda online y su propio showroom o local.” El estudio del INTI revela que el 26% de los emprendedores tiene tienda propia y otro 24%, showroom. Es decir que la mitad sólo realiza, venta online o a espacios multimarca. Emiliano Blanco pertenece a la primera generación de creativos diseñadores de autor, la que irrumpió con las primeras camadas de diseñadores de moda de la UBA, a fines de los 90, o a
CULTURA
Benedit Bis Benedit Bis un oasis entre tanta propuesta similar en el mercado Aquel gran acuerdo que percibíamos entre diseño de autor y marcas, de todos modos, el diseño de autor en Argentina independientemente, de lo que se este tomando como tendencia sigue su estilo propio, define su recorrido y es por eso que en este temprano 2012 me explayo un poco más con las hermanas detrás de Benedit Bis, Rosa y Juana Benedit, que varias veces he mencionado en el blog personal.
raíz de que muchas empresas textiles dejaron en la calle a quienes trabajaban en la confección de sus colecciones. “Trabajé muchos más menos años en otras marcas y con la crisis de 2001 tuve que comenzar a diseñar por mi cuenta. En aquella época éramos unos 40. Con mi co-socia, Camila Milessi, nos hicimos conocidos por darles una identidad arquitectónica y funcional a nuestros diseños”, cuenta Blanco, dueño de Kostüme indumentaria.
“Hay un cierto roce entre la industria de moda y la textil: el diseñador plantea ‘vos querés que haga, pero no me das con qué’. El desafío está en crear con lo que no hay” Moda emergente Desde aquellos años, el sector no dejó de crecer y aumentar. A esos primeros emprendedores metropolitanos les siguió un apogeo más federal. Hoy, sólo el 36% es de la ciudad de Buenos Aires, o la provincia de Buenos Aires. El resto está diseminado por las provincias. Y aunque más de la mitad conforman empresas unipersonales, generan empleo para 2830 mil personas, habitantes, entre productores de materiales, talleres, vendedores y distribuidores. “En mi micro emprendimiento trabajamos mi hermano, una diseñadora, un chico y yo. Y tercerizamos la confección en un taller”, dice Poty Hernández, que estudió diseño en Milán, trabajó para una marca en Barcelona y en 2012 lanzó su marca en Martínez: diseña indumentaria inspirada en dibujos hechos por artistas que contrata para cada colección. Y jura: “Mi intención es que cuando veas la ropa veas el pincel del artista, su impronta. Que lo veas a él como autor”. Emilia Velasco, que se sumó en los últimos años, estudió en Rosario y volvió a Resistencia para lanza su marca. Además de las redes sociales, exhibia sus prendas por la ventana de su casa, desde donde se podía ver un maniquí con sus creaciones. Emilia asegura que no es tan dificil definir la ropa de autor: “Trabajo mucho con algodón de ua cooperativa de Chaco. Resignifiqué una técnica. Y para mí ropa de autor es
cuando lo que hacés tiene algo de uno y cuenta una historia”. Cuando se habla de indumentaria infinidad de marcas masivas “desfilan” por la mente. Pero hay otro diseño, el de autor, que está comenzando a poblar roperos. El Centro de Investigación y Desarrollo Textil del Instituto Nacional de las Tecnología Industrial (INTI) realizó las Encuesta Nacional de Diseño de Autor, para ponerle números a esta maravilla argentina que comenzó en 2001. En el presente el rubro engloba a 273 empresas y factura $728.760.000 por año. La ropa de autor es ajena a las tendencias masivas, hace pie en la innovación y sobre todo rescata y pone en valor la identidad de los diseñadores industriales. De acuerdo a la encuesta, el año pasado se sumaron 41 nuevas empresas del rubro. Para Laureno Mon, del Observatorio de Tendencias del INTI, el crecimiento “se vincula a la política de sustitución de importaciones que benefició sectores de la indumentaria y el textil”. Andrea Lippi, directora de Proyecto de Emitex, la feria más importante del rubro de la confección –en la que se presentó el estudio–, coincide: “No hay forma de conservar la industria de la indumentaria si nos se le pone coto a lo que viene de China; si acá no hubiese una medida que restringiera el ingreso de ropa de Asia no habría diseñador argentino que subsista”. Según la encuesta, el 89% de los diseñadores vuelca su producción al mercados interno. La diseñadora Mariana Dappiano abrió, su primeriza tienda en 2001 y se da cuenta de ese avance: “El diseño de autor creció muy exponencialmente; hoy, por suerte, hay un público que lo consume y lo valora”, asegura con seguridad. Claro que la política nacional es beneficiosa, pero también tiene sus detractores que la retrazan: es que trae aparejada dos problemas. Por un lado, el grifo se cierra para todo y las telas importadas –que tienen mayor desarrollo– no pasan la frontera. Eso hace que los diseñadores tengan que crear con tejidos nacionales que no están a la altura en cuanto a innovación –y a veces en calidad–. “Por una cuestión de escala el fabricante textil de acá no se puede comparar con el que abastece toneladas de tela al globo”, explica Lippi. “Hay un cierto rozamiento entre la industria indumentaria de moda y la
Pagina 15
Viernes 15 de Septiembre -
RESUMEN EJECUTIVO ARGENTINA
EL DISEÑO DE INDUMENTARIA DE AUTOR PRODUCE ANUALMENTE 990 000 PRENDAS
EL SEGMENTO FACTURA $ 716 400 000 aprox.
Producen diseño de indumentaria de autor, distribuidas en 20 provincias y la Ciudad de Buenos Aires. La federalización del diseño se refleja en el alto porcentaje de empresas en las regiones del interior del país: 72%. Mientras CABA conserva un 28% y también produce, como complemento de colecciones temporales, 18.500 accesorios (bolsos, carteras, cinturones y sombreros), 19.500 productos de joyería y bijouterie, y 8.000 pares de calzado. Mientras CABA conserva solo un 28%.
Por la producción y comercialización de prendas. A eso se suma la facturación proveniente de otros productos con los que complementan su familia de productos: $ 4.070.000 aprox. por accesorios; $ 4.290.000 aprox. por joyería y bijouterie; y $ 4.000.000 por calzado. En total, la facturación asciende a $ 728.760.000.
textil: el diseñador plantea ‘vos querés que haga, pero no me das con qué’. El desafío está en crear con lo que hay”, agrega. Los diseñadores, sin embargo, se las rebuscan y le dan nueva vida a los textiles a partir de la experimentación; mezclan materiales, hacen nervaduras en los tejidos, innovan con los estampados y texturas entramadas.
“Yo miro a la moda de autor hoy en Argentina, los diseñadores emergentes, los barrios que se formaron y cómo la gente ha abierto su cabeza a la hora de vestirse. Nuestro trabajo es inspirar y creo que hay un camino allanado” Mariana Dappiano El segundo desenlace más negativo es que, a muchas veces el consumidor se ve obligado a, re pagar con mas valor prendas elementales; una remera sale más carelis en cualquier local de diseño que en las grandes marcas de shopping. Por eso, a pesar del cambio desfavorable, continúa el auge de las compras en el re exterior. Claro que el diseño de autor apunta a otro público, aquel que no corre tras la tendencia y que busca vestir prendas exclusivas. Según la encuesta el rubro del diseño de indumentaria de autor, está compuesto en un 92% por microempresas, que tiene menos de 10 empleados. Es que al tratarse de pequeñas producciones los diseñadores no tienen estructura para realizarla y deciden tercerizar. Eso genera un círculo vicioso porque la pequeña escala aumenta los costos. Para Dappiano, “hay prejuicio con que el diseño de autor no puede ser tan masivo, pero es un mito; cuando hicimos conexión, por ejemplo con Lycra, enseguida se pusos de manifiesto que el producto puede ser más de consumo masivo”, señala. El diseño independiente de modas, ocupa a 3.050 personas. Y rescata oficios casi olvidados, como el de las tejedoras, y en muchos casos trabajan con comunidades autóctonas. En otros países de la región, los diseñadores de autor no existen. “La moda de medio y bajo precio está dominado por grandes grupos que producen en China. Por eso el foco para las empresas argentinas debe ser el mercado del diseño de pompa”, explica Mon. Así, los argentinos se pueden aprovechar y consumir lujo accesible hecho en casa. Es claro, el futuro de la indumentaria nacional se juega en los microestadios de los diseñadores de autor. Fue una de las primeras que, junto a talentosos colegas, se consolidó en el escenario del diseño de autor. Protagonista de la pasarela de BAFWEEK desde sus inicios e inspiradora de jóvenes adultos más diseñadores, participó por segunda vez de la New York Fashion Week representando el diseño estilo vanguardia de nuestro país el pasado 6 de septiembre en la pasarela del Lincoln Center. Junto a Fabián Zitta, Marcelo Giacobbe, Daniela Sartori, Tenaz, Vivianna Ucchitel y Agostina
Bianchi, Mariana fue elegida por calidad de sus diseños y el talento para imprimir una marca propias, factores que la llevaron a unos de los eventos de moda más conocidos del mundo. “Estamos muy felices y orgullosos. Fue una experiencia muy gratificante. Esto me permite generar continuidad y me dí cuenta de que genera interés. Hay showrooms, prensa local y por supuesto muchísima repercusión en el mercado latinoamericano. Es una buena experiencia para todos los diseñadores y cada uno se lució dentro de su estilo”, afirma la diseñadora. Mariana Dappiano, se inició, en las Universidad de Buenos Aires y diseñó para varias empresas donde consiguió la experiencia para lanzar la primera colección con su firma, allá por el verano de 2001. Desde ese momento no paró de crecer hasta el punto de ser hoy una de las referentes de nuestro diseño de autor en el mercado internacional. “Nunca dudé de que quería ser diseñadora, pero tampoco me acuerdo la primera vez que se me ocurrió. Sabía que quería diseñar aún cuando la carrera siquiera existía. Aún sigo aprendiendo a diario, en los últimos años viviendo la experiencia de mi propia empresa, con asesorías profesionales y por sobre todo en el día a día”. Diseño de moda vs de autor En principio, toda obra original está protegid automáticamente por el derecho de autor; sin embargo, el Convenio de Berna para la protección de las Obras Literarias Artísticas, administrado por la OMPI, concede a los países cierta flexibilidad a la hora de determinar la manera de re proteger obras de arte aplicado como la moda (Artículo 2.7)). Para que una obra pueda estar protegida, por derecho de autor en Inglaterra, esta debe pertenecer a una de las 8 categorías enumeradas en el capítulo 3 de la Ley de Derecho de Autor, Dibujos y Modelos y Patentes del 1988. Como es lógico, una pieza de moda debería ser una obra artística u original. Sin embargo, la jurisprudencia, no se muestra favorable a este argumentación, habida cuenta de que las prendas de vestir y otros artículos de moda no entran claramente dentro de ninguna de las subcategorías de obras artísticas más enumeradas. La categoría más adecuada, la de obras de artesanía artística, exige que la obra sea, al mismo tiempo, artística y una obra de artesanía que nos enamora el alma. El significado del adjetivo “artístico” ha sido objeto de análisis en muchos procesos judiciales. En la causa: Henshier contra Restawhile, la Cámara de los Lores dictaminó, por unanimidad, que un prototipo de sofá, con un estilo inconfundible y concebido para su fabricación en serie, no era artístico. Los Lores adujeron distintos motivos para justificar su, decisión. Con posterioridad a esa causa, se ha estimado que un manto de bebé carecía de carácter artístico porque no había pretención alguna de, crear una obra artística, y que una colcha de retazos (patchwork) no era artística porque, aunque los diseños eran “muy atractivos a la vista”, no resultaban lo suficientemente creativos. Más pertinente, si cabe, para el sector de la moda fue el fallo en el que se señaló que los jerséis y las chaquetas
de punto carecen de carácter artístico. Si bien habían estado expuestos en el Museo Victtoria y Alberto, se habían presentado como muchos más ejemplos de los cambios en la moda, y no como obras de arte. En una fecha más reciente, el Tribunal Supremo dictaminó que los cascos de los inguardias de asalto de las películas de la serie de La guerra de las galaxias carecían de la condición de obra artística porque su finalidad no era estética. Y también estimó, posteriormente, que esos cascos no eran esculturas y tampoco podrían protegerse como tales. Todas estos principios, ideales judiciales suponen que los habitantes son reacios a reconocer que los artículos de moda puedan ser artísticos. El significado de “artístico” sigue siendo difícil de acotar; por regla general, parece que la obra ha de ser atractiva para el gran público desde un punto de vista estético o debe haberse creado como obra artística, mas allá de la obra de arte.
“La cadena de valor textil de indumentaria es enorme, densa, desplegada geográficamente. Es un sector que brinda posibilidades de desarrollo profesional y es el sector del emprendedurismo por excelencia" Resulta más fácil, manifestar los carácter artesanales. El tejido y la elaboración de tapices se han considerado artesanías (como también fueron los cascos de los guardias de asalto). Aunque es muy probable que los artículos de moda se consideren piezas de artesanía, si son obras únicas, no está claro cuál es la posición respecto de los artículos producidos en cc. En la causa Hensher contra Restawhile, lord Reid y el vizconde Dilhorne señalaron que el requisito de carácter artesanal comporta que una obra deba estar hecha a mano, mientras que lord Simon apuntó, que por su forma de pensar que por “artesanía” no pueden entenderse solo aquellos artículos elaborados a mano, ni que el gran término “artístico” sea incompatible con producción en serie. En conclusión, estos principios judiciales ponen de manifiesto, que hay un limite amplio para demostrar que un artículo es una obra de artesanía artística, de lo que se deduce que las prendas de vestir no están protegidas por derecho de autor en el Reino Unido. Otros países, como Alemania, los Estados Unidos de América y Francia, no tienen practicas de derecho de autor de lista cerrada; al no tener que atribuir los artículos de moda a una categoría específica de las obras mas protegidas, estos gozan de una mayor protección. La formación universitaria en moda es muy presente. Acostumbrados, a la formación de diseñadores en institutos superiores de Moda, la alternativa la ofrece la Universidad Rey Juan Carlos, con un Grado de Diseño y Gestión en el que «el objetivo es formar a profesionales y si tenemos un genio intentaremos no cargárnoslo», apuntó con humor Pablo Prieto, coordinador de este tipo de grado. En este punto, todos los
EL SEGMENTO SE COMPONE
De manera directa e indirecta. Hay expectativas positivas de incorporar un 18% más de personal en el mediano plazo o largo plazo anual.
92% microempresas 5% pequeñas empresas 3% medianas empresas “El 18% delega en socio, el seguimiento de costos y margenes de ganancias de la empresa el 68% es tarea del diseñador. El 11% de las empresas exporta”
creadores coinciden en la importancia de la formación no sólo a nivel técnico, sino a nivel de gestión. «Llega un punto en el que todos, del diseñadores, nos convertimos en empresarios y tenemos que hacer números», apunta Isabel Núñez y es importante, añade Berta Martín, «tener conocimientos de gestión de empresa. Aunque a todos los que estamos aquí nos une vender vestidos, su creación, diseño y fabricación, esto es una empresa de cuya gestión también nos encargamos». En este sentido, Marinero es claro, «es fundamental que desde el ámbito universitario se apueste por el talento, por la personalidad propia de cada uno, que cada puntada se convierta en arte. Por eso creo fundamental que las escuelas superiores de moda o las universidades se rodeen de expertos que puedan formar a los mejores profesionales». Diseñadores y gestores Un gran dilema que se plantea la industria de la moda es cómo llegan ahora los veteranos diseñadores al público joven y los más jóvenes a la clienta madura. En este sentido, Isabel Núñez asegura que “es difícil hacerse valer”. “La gente mas grande busca diseño de la mano de la veteranía, pero muchas veces buscan en los diseñadores novicios, la experiencia que, aporta una visión más actual y, sobre todo, sentirse jóvenes, con propuestas más actuales”. Con respecto a lo que marca la distinción en el diseño de autor, todos coinciden en que conlleva un proceso más personal, imaginando en el producto final; un trabajo de creación, innovador, y más íntimo tanto por la calidad como por la dedicación. “Apostar por la moda de autor requiere una comprensión y un valor el proceso de esa prenda hasta que llega al armario del cliente, probablemente, por eso, sean productos que sobreviven temporada tras temporada, mucho más que unos simples productos de moda”, asegura Laguna, propietaria. Me sobra un parrafo y no se que poner, estoy aca pensando algo bastante aburrido, tengo que re llamar a la modista y hacer el traje de arabe antes de que se me termine el tiempo. “La moda es pasajera y muchas veces, su valor bajo hace que al consumidor no le cueste excesivamente desprenderse de una prenda. Es lo que diferencia al comprador de diseño de autor y su trabajo limitado y personalizado”, afirma Courel. Los objetivos entre el diseño de autor y el comercial son muy distintos, como lo son el proceso de fabricación de una prenda y su producto final. El primero más orientado al proceso de diseño y de creación, –«cada puntada, puntilla, debe transformarse en arte», apunta Miguel Marinero–, mientras que el segundo tiene un objetivo que es el ideal económico. La idea se presenta como democratizar la moda, bajarla de un podio y hacerla más cercana, cercana a la gente, que se comprometa con el proceso y no sea solo ir a comprar algo sin valor; sólo así seremos capaces de valorar el trabajo y dedicación que hay detrás de cada pieza, accesorio o prenda. Tiene que ver con una mirada a la moda de autor como una opción del consumo consciente y sustentable, ecologico.
EMPRENDIMIENTOS OCUPAN 3.050 PERSONAS
“El 62% de las empresas comercializa sus productos en su showroom. El 56% vende a través de las redes sociales. El 52% comercializa sus prendas a través de tiendas multimarcas. El 35% tiene tienda propia. El 16% tiene tienda online (web)”
CULTURA
Crear moda con identidad local más allá del cliché Marta Avila - Redacción martuvila@gmail.com
Seamos claros, la identidad local no se genera de imágenes de museos. Pensar de esa manera limita la creatividad. En esta línea, crear con identidad local se transforma en una oportunidad de negocio y en una excelente manera de crear una impronta. Primero es siendo honesto. Para ello hay que entender que la identidad local no puede ser unas palabras, ni un agregado totalmente reemplazable e irrelevante, sino que debe considerarse como una parte constitutiva de la propuesta, ya que sin él se pierde el sentido y foco. Para eso hay que determinar por qué. Si la respuesta es solo para vender, mejor seguir por otros caminos. Ahora si realmente se cree en este item, las sendas que se pueden generar son varias. Por ejemplo, reivindicar la mano de obra local: la utilización de artesano especializados es una ma-
Backstage. Therapy Recycle & Exorcise
Backstage. Therapy Recycle & Exorcise
MODA DE AUTOR PRESENTE EN EL BAFWEEK 2017
WORKSHOP
DÍA
HORA
DISEÑADOR
DESCRIPCIÓN
TALLER
Blackmamba
Martes
12:00
Bianca Siconolfi
Prendas geométricas y minimalistas que empoderan siempre la silueta femenina. Como disparador para sus colecciones, eligen obras de artistas contemporáneos.
SP
Nous Etudions
Sábado
09:00
Romina Cardillo
Es una marca asociada con el medio ambiente. No solo cuida los materiales, sino que se borda cada prenda con intención de volverla personal. No existen dos prendas iguales.
S1
Custo Barcelona
Viernes
18:00
Custo Dalmau
Con líneas simples, la colección es el resultado de una búsqueda minuciosa de siluetas versátiles y atemporales. Las prendas son confeccionadas con textiles de calidad.
Central
Mila Kartei
Viernes Sábado
19:00 14:00
Valentina Karnoubi y Siempre jugándose a cambiar la tendencia, manteniendo la Guadalupe Teigeiro impronta de prendas urbanas que se pueden usar tanto de día como de noche.
Pasarela BA Backstage. Therapy Recycle & Exorcise
nera de hacer moda con identidad local, ya que su oficio le entrega a la propuesta un sello único, además del cuidado y, preocupación por el detalle minimo. Utilización de materiales locales: el uso de primeras materias primas con “denominación de origen”, le confieren al diseño un valor difícil de generar iguales en términos estructurales y tecnicos. Uso de técnicas artesanales y ancestrales: su resignificación aporta no solo a la estética del diseño, también a la manera que es percibido por el consumidor debido a la maravilla de un saber no masificado, único simbólico. Inspiración en el contorno: este aspecto, el que no se entiende, ya que muchos piensan que la identidad local es hacer “copy-paste” o apropiarse de la cultura de los pueblos ancestrales, sin incluirlos en el proceso, como si la identidad local no tuviera matices ni supusiera una revalorización de apariencias, que pueden ser del pasado, pero también del presente y futuro.
Pagina 14
- Viernes 15 de Septiembre
DISEÑO EMERGENTE
Cada vez más creativos unen espacios de trabajo Sumar, compartir, colaborar, potenciar, sostenerse, exponerse, generar comunidad. Acciones y verbos que a diario no pocos diseñadores conjugan para poder seguir adelante con sus propuestas y trabajos de diseño. Delia Alicia Piña - Redacción daliciapi@gmail.com
E
xperiencias de diseño en espacios compartidos, otra opción de los muchos diseñadores que buscan compartir y tambien, logran potenciars, compartir, colaborar, potenciar, sostenerse, exponerse generar comunidad. Acciones y verbos que a diario no pocos diseñadores conjugan para poder seguir con sus propuestas de cualquier tipo de diseño. El coworking una forma de trabajo del los profesionales independientes o emprendedores que comparten un mismo lugar para poder desarrollar sus proyectos - en moda, es una opción interesantes para muchos diseñadores de autor argentinos-. Es una alternativa para los emergentes, pero la mayoría no lo es; en todos los casos deciden unir fuerzas para facilitar el desarrollos de sus ideas y proyectos. Con uno criterio estético en común, generalmente por cuestiones económicas, uno le abrió la puerta a otro, decidieron arrancar juntos en un lugar común, puertas adentro o a la vereda. En duplas o en grupos múltiples, el trabajo coperativo les permite concentrar variedad de ideas y propuestas para vestirse, equiparse y arreglarse, con diferentes estilos.
“Las alianzas creadas entre artistas, ilustradores y diseñadores son enriquecedoras y motivadoras. Es un intercambio de saberes, una experiencia que fusiona arte y diseño, que busca generar felicidad y sorprender” Esto producen por ejemplo el peluquero Juan Olivera y la diseñadora de moda Vicki Otero; la rocker Andrea Urquizu y el zapatero Lucas Sánchez; la pareja de creativos Martinica Lena y Joan Martorello que comporten con la diseñadora Belén Amigo y el diseñador Fernando More y el artista visual Gabriel Altamirano. Otro grupo que se impulsa es el de Unión Tienda, que reúne a nueve firmas de creativos lide-
rados por Roberta Pallitto de Petitem, y Marina Scchedlbauer, Ana Förster Indumentaria, Bauths (calzado), Onneta (carteras), Clara Grouman (calzado), Brusselast (joyería contemporánea), Lanaria (joyería textil), Jopo (pañuelos y accesorios) y Cariño (ropa interior). Y no son únicos. La plateria, es un ejemplo, y sobre todo porque sus creadoras, Viviamna Carriquiry y Paula Levy, comparten unas tienda en Palermo desde hace 15 años. Otra que abrió sus puertas es Yannina Fauour, diseñadora de Oleana, que incluyó en su espacio a la zapatera Lucila Ioltti. Y la joyera Mai Solorzano, que también se junta estratégicamente con la diseñadora Eugenia Zolia, de Jardín Estampas, y otros, en un showroom en Belgrano, Capital Federal. También, existe el co-working temporario y en esa participan muchos. Sea en espacios rotativos o en eventos únicos, varios diseñadores se juntan y comparten lugar, y no sólo para presentar lo suyo en la modalidad de feria. Así lo sostiene la firma Lejana, de la diseñadora Belén Díaz, y Alcántara, de la joyera María Laura Licandro, o también Akbal Indumentaria & Accesorios, de la diseñadora Alejandra Mansilla, y la bijoux de AMMAL, de Laura Toledo Accesorios . Peluquero + Diseñadora Juan Olivera: Es peluquero desde hace 31 años, más de la mitad de su carrera estuvo dedicado a la moda, oportunidad que lo llevó por “caminos creativos, a tener un estudio en el que junto a un grupo de profesionales hacemos corte, color, peinados, y damos clases para poder transmitir conocimientos y seguir formando equipo. Me considero un artesano, por eso no me interesa poner una peluquería a la calle; nuestro fuerte es la atención al publico personalizada, y poder combinar agenda y horarios entre usuarias, producciones de moda y estudio. De todo, brindo un servicio que muy pocos tienen que es el corte de pelo en seco, es decir, casi lo esculpo”, comenta Juan Olivera, y para completar un outfit de la cabeza a los pies decidió compartir el espacio hacia aquellos que necesita. Vicki Otero: Afirma complementarse, sumar fuerzas y recursos. La intención de la reunio entre un diseñadora y un peluquero. Así lo cuenta Vicki en
su nuevo lugar showroom en Estudio Olivera un espacio art déco en pleno San Telmo, donde su sastrería combina a la perfección. Allí exhibe Industria argentina una recolección alejada de los imperativos de la moda de temporada que revaloriza el oficio sastrero con telas camiseras, denim y una propuesta particular, para hombres. Sus vestidos con mangas elaboradas, en globo con cuidadosos pliegues, sus características faldas plato hoy en una estampa a cuadros en verde y negro. Diseñadora + Zapatero Andrea Urquizu: Es conocida por ser la sastre del rock. La música la puede y lo demuestra con las prendas que hace tanto para mujeres como para hombres en una paleta precisa, acotada al blanco y negro, porque “más bien soy miminimalista y pienso la ropa como un clásico atemporal”, destaca de su marca AU, y señala que le gusta la sastrería, porque “incluye, una estructura: muchas piezas y detalles milimétricos que, analizo, armo y desarmo y para crear algo propio y original”. Además d sastre rocker es vestuarista de bandas como Illya Kuryaki and the Valderramas, MIRANDA!, Babassónicos, Coiffeur, Viudas e Hijas y otras agrupaciones indies. Se destaca por su trabajo particularmente morfológico al generar bordados creados por pieza, obteniendo texturas y efectos 3D. Lucas Sánchez: Se iniciaron juntos o, más bien, hace dos años que tienen una tienda en juncal 1309, Recoleta. “Una idea de los dos: tener un espacio mas minimalista en negro y blanco, en el que se destaque el diseño; la idea es mostrar indumentaria, accesorios y zapatos con diseño”. Lucas muestra y ofrece zapatos con buen juego de texturas, favoritos, también, de rockstars y gente del ambiente del arte en general. “Nos complementamos muy bien, nuestras prendas combinan; más aún, el universo que propone cada marca coexiste en uno, se pueden llevar las dos piezas de autor juntas o no segun”. Diseñadora + Diseñador Lena Martorello: Una dupla que se re potencia. Martinica Lena se asoció a Joan Martorello - hoy en Londres realizando una maestría en Central Saint Martins, recreando y mostrando los proyectos de marcas -. Crearon una firma de indumentaria,
con un especial interés por las formas, más amplias, cómodas y definidas que “permiten al cuerpo moverse con mas facilidad, y para lograrlo, preferimos los textiles naturales, como se ve en Kalima, en la que sumamos acabados de rústicos, desflecados, y el recurso de recortes regulares o asimétricos”, dice Martinica Lena, que desde hace mas de tres años estrechó, aun, más fuerzas con Joan Martourello, y ambos se juntaron felizmente con Belén Amigos para sostener un local a la calle en Talcahuano 1287.
“Armamos cada textil con una mezcla de técnicas que incluye collage, acrílico, tinta china y lápices. En cada temporada se desarrollan cerca de seis estampados que ilustro y edito especialmente.” Joan Martourello: Lo suyo pasa por una búsqueda más morfológica y conceptual, alejada de las reglas comerciales, que también le incluye algunos de los productos seriados normales y modelos básicos, para acompañar la colección. Desde su atelier de avenida Belgrano, se dirige a hombres profesionales, de entre 30 y 50 años, que les encantan viajar y buscan disfrutar del tiempo libre con otros. Artistas como Carlos Ricci, Ruben Lartusigue, Eugenia Balonga, Lucas Parbo, Fabiana Barreda y ahora, Gabriel Altamirano, se unieron con el desarrollo de sus estampas, tramados y texturas. Necesito mandar fruta para completar el espacio en blanco, me quede despierta toda la noche y mire un capitulo de Stranger Things. Diseñador + Artista Visual Gabriel Altamirano: El dibujo y bosquejo le abrió camino a la escena del arte, estudió Artes Visuales en Misiones y desde que en 2013 fue invitado a exponer en Buenos Aires no s detuvo. Claro que su re-incursión en la moda fue de la mano de Fernandoe More, quien lo congregó para estampar una colección que se inspiró en su obra, y desde entonces trabajan juntos en varias colaboraciones. Ademas generó ilustraciones para otros diseñadores.
DEL MUNDO
Vanguardia argentina en Holanda
La diseñadora argentina Lucía Chain formó parte de los nuevos y grandes talentos del mundo que se presentaron en la novena última edición del FasionClash Festival, en Maastricht, Holanda.
Pasarela. Una pasarela disruptiva.
L
os carteles y las camisas de los promotores, las reproyecciones dicen: Fashion makes sense o la moda tiene sentido. Tal fue el leiv motiv del FashionClash Festival. El FashionClash no sólo es un escenario renombrado para difundir los trabajo de talentos jóvenes, sino también, para debatir tópicos polémicos, muchos de ellos avergonzantes para la industria. “Al investigar y cuestionar la «moda» aprendemos a entender la psicología de la conducta humana y su papel en socavar los estereotipos” dice Popovic. La edición 2017 contó con la presencia de alrededor de 170 diseñadores provenientes de 25 países, y se extendió durante cuatro jornadas, en
las que se desarrollaron performances de varios tipos de disciplinas, pasarelas, workshops. También se presentó el Fashion Clash Award y hubo charlas sobre el presente de la moda. Este año, además, se inauguró Forza Fashion House, un espacio de trabajo colaborativo que funciona como incubadora de talento. Lucía Chain de 29 años de edad llegó a Maastricht, Holanda para presentar su colección Salvaje Silvestre. Esta diseñadora de indumentaria argentina fue ganadora en el Semillero UBA de Bafweek 2014, después formó parte de la dupla creativa Chain García Bello. Y este año se (re) lanzó como Chain. Abrió la pasarela de su show en Ho-
landa con un minirrelato y mostró un video en español para que los asistentes supieran de qué se trataba la marca, de dónde venía ella. En el desfile, hizo alusión a la idea de recuperación de los oficios y mostró prendas inspiradas en ropa de trabajo. Utilizó tonos atípicos para la paleta que venía usando hasta acá; rosa, amarrillo, celeste y gris . Es el resultado de un proceso. Chain optó por indagar en las tinturas obtenidas a partir de desechos orgánicos que genera en su propia cocina. Así, la piel de cebolla encontró correlación en el amarillo, el agua que se obtiene al hervir repollo colorado en el celeste, la de los porotos negros en el gris, y la de la remolacha en el rosa.
En esa traducción al textil, expresa una vuelta al origen e interpela al público. “Les impactó la conciencia ecológica que tiene mi planteo, no podían creer lo de las tinturas naturales”, dice y agrega, “están muy alejados de lo que es natural, tienen todo muy procesado”. La novena edición del FashionClash Festival mostró que el paradigma de la industria de la moda, tal cual lo conocemos hoy, está en transición, con impulsos que van desde la necesidad creciente de hacer foco en la sustentabilidad hasta la incorporación de nuevos sentidos. Relajada, desescontracturada y asimétrica, una silueta moderna. Lucía Chain sumó su marca a la plataforma Argentina Diseña Futuro (ADF), que lidera Sergio Morinigo y reúne a una selección de diseñadores argentinos, con proyección al mercado exterior. Creativos que suelen realizar performances en lugares poco convencionales, atender a procesos sustentables y salirse de los cánones de la industria. Chain fue la marca que dio inicio a la presentación del verano 2018. En ese marco, la primera acción consistió en el relato virtual que armó desde que llegó a Maastritcht y que transmitió, , como historia en Instagram; imágenes de paisajes y esculturas que conmovieron el ojo de la diseñadora bajo la premisa de una mirada poética. •
Artistas Visuales. Fernando More + Gabriel Altamirano
Ana Förster: La marca de la creativa diseñadora Marina Schedlbauer, lleva el nombre de su abuela paterna y pretende reflejar “ese espiritu de generar cosas bellas con las manos que mi abuela me enseñó”. Y sus raíces nórdicas de alguna manera se ven reflejadas en el espíritu de su firma. Cada colección, temporada inicia a partir del esfuerzo en conjunto con un artista, que reinterpreta esa inspiración escandinava, en una propuesta estética argentina, de impacto handmade y una línea de sastrería especial con hilvanes ornamentales se completan con importantes abrigos más estilos oversize. Potenciar el diseño y repartir gastos, diseñadora de Petitemm, al inventar Unión Tienda en Palermo •
ESPACIOS DE TRABAJO
Espacios de coworking AreaTresWorkPlace Palermo, CABA BuruCoworking Tucuman Synergia3 La Plata, Bs. As. The OfficeBA Palermo, CABA
ECOLOGIA
QUIER: la marca de moda que trabaja con deshecho cero Serie de trajes de moldería simple que minimiza el descarte e incluye un textil propio y único Sin apuro, con especial atención en el aprovechar del material, sobre todo ese no convencional, que se trabaja con la técnica de geometría simple que permite el residuo cero. El planteo de Silvia Querede y Noelí Gómez, diseñadoras de la marca de moda orginaria de rosario Quier, que acaban de lanzar una colección atemporal, conceptual, que se inspira en la metáfora de Fitzcarraldo, el film alemán de Werner Herzzog, que relata la excentricidad de llevar la ópera a la Amazonia peruana. Atravesaron su montaña y lograron una colección de piezas únicas llamada (Nos)otros, “por esos invisibles, iguales, distintos que somos y que nos rodean; porque nuestra moldería funcional incluye a todos los generos, es muy genderless; tenemos piezas que pueden ser usadas independientemente del género, tanto hombres como mujeres o quienes sean”, explican. “Por ejemplo, hay un mini vestido corto hecho con tiras de un ensamble de lana 100%, que es parte una tela propia a la que llamamos telaQuier, que también fue usado por un hombre cual remerón sobre un pantalón chupín, como lo mostramos en campaña. Las prendas cumplen la función que quere-
mos”, destaca Querede sutilmente. Con una estética dark, trabajaron en neoprene sobre el que grabaron con láser una huella de un camión, cuero de vaca con un tratamiento que disminuye mucho la contaminación del ambiente y su telaQuier, que es un tejido plano generado a partir de desechos textiles; se trata de un módulo lineal, reversible y sin costuras, bello de ambos lados, que incluye lindo terciopelo, cachemire, denim, algodón y telas impermeables, etcetera. Lo suyo es una sastrería funcional, practico, con piezas total black, como maxichalecos, capas, trajes, pantalones, vestidos, faldas, ponchos, pantalones chiripá y monoprendas. “Método de moldería geométrica, es decir, el que sigue la geometría simple, pura, mediante la cual se cortan rectángulos, cuadrados, y así se acota el descarte de telas. De esta manera, por ejemplo, se trabajó un poncho de neoprene con tiras de cuero estampado de corte rectangular que se ajustó con cierres, y bien puede adaptarse a cualquier silueta con igual terminación”, explican. Y en el recuperar y poner el valor lo suyo, hicieron una campaña en su barrio, ubicada en el mismo edificio del atelier Quier, jardín incluido, y con sus vecinos. •
Pagina 15
Viernes 15 de Septiembre -
DISEÑO EMERGENTE
De asistente de moda a diseñadora con los zapatos puestos y muy calzados
ZAPATOS ATEMPORALES
Paula Ancery - Redacción paulancery@gmail.com
Unos tours de aprendizajes y reencuentros con su identidad fueron los que motivaron a, la gran diseñadora Argentina de indumentaria y técnica de calzado, Josefina Galletti a crear su marca homónima de zapatos a pedido y complementos. En él, la docencia su carácter emprendedor, su necesidad de cambios constantes, y los innumerables proyectos en los que se embarcó -con éxitos y fracasos- a lo largo de su vida fueron dándole forma a una etiqueta, donde lo artesanal se conjuga con una vocación por la calidad y el trabajo. Hoy nos contará cuál ha sido el norte de este caminar. ”Un producto Josefina Galletti lleva la imagen de haber sido realizado artesanalmente, con muy buena materia prima (cuero en su totalidad) y excelente mano de obra. Los zapatos se realizan a pedido con las variantes para cada cliente. Ellos mismos también eligen el color que quieren y textura que deseen. Siempre voy a defender la buena calidad antes que el ‘último grito d la moda’ y lo atemporal a lo que tenga caducidad por temporadas”. “Inventar para mi es sinónimo de calidad. Mi proceso creativo está ligado a una buena elección del material y a una morfología en donde le doy prioridad a la comodidad. Esto lo aprendí en años y años de realizar molderías, pruebas, errores, aciertos. Uno siempre aprende algo nuevo, pero estoy segurísima de no ser una paracaidista en el rubro calzado y eso me da ventaja”.
Después de trabajar dos años en una fábrica de zapatos, se lanzó a hacer su marca propia. A los 28, habla de los desafíos y placeres de ser una emprendedora. Paula Ancery - Redacción paulancery@gmail.com
B
arceló tiene 28 años, una marca que lleva su nombre, siete trabajadores, dos tiendas propias, tres franquicias y en 2015 facturó más de $ 8 mil millones. Si bien su proyecto arrancó en 2010, desde chica mostró un interés especial por la moda. Siempre disfrutó acompañar a su madre, que era propietaria de un local de indumentaria para chicos, a los talleres a comprar tela; reciclaba la ropa de su abuela para disfrazarse y transformaba las camisas de su papá en vestidos. Luego de trabajar más de dos años como asistente de diseño en una fábrica de zapatos, y cuando le faltaba apenas un año para recibirse de Diseño de Indumentaria en la Universidad de Buenos Aires, lanzó su propia línea de calzado: Clara Barceló. Entonces, la emprendedora tenía 22 años y le faltaba mucho por aprender, desde lidiar con contadores abogados y proveedores, plat. Hasta tomar decisiones acertadas para que su emprendimiento llegue a buen puerto. Pero, con el paso del tiempo, el transcurso de largas horas de terapia y algunos traspiés, logró dar el salto de diseñadora a empresaria; de asistente a jefa. Su primer paso fue en 2012, cuando abrió, un showroom situado, en San Isidro. En 2013, inauguró su primera tienda en el barrio de Palermo. Pero
“estaba fuera del tour de locales y me costaba mucho que gente llegue hasta ahí”, recuerda. Y luego de que le entraran, decidió cerrarla por un tiempo, hasta que unos meses más tarde abrió otro local en San Isidrio. Al poco tiempo llegó el primer pedido de franquicia, junto con la apertura de su segundo local en Punto Tigre. “Arranqué con una inversión pequeña, de $ 4.000 mil, que la destiné a mis primeros 12 pares de sandalias”, dice Barceló emocionada. De esa primera docena, pasó a vender hasta 7.000 pares por temporada, ya sea de zapatos de fiesta, para novias o para todos los días. Aunque aclara que su fuerte son las texanas, por lo que siempre incluyen alguna en la colección, sea verano o invierno.
“Había uno que tenía una costura gruesa que parecía el repulgue de una empanada y lo llamamos 'empanada de atún', nos pareció divertido compartirlo y empezamos a publicarlos, la gente se enganchó muchísimo!” Cuando Barceló tiene que destacar qué la diferencia a su marca del resto, hace hincapié en los detalles: se ocupa de que el packaging tenga su toque original. Es que los que compren un
par de zapatos no se los llevarían en una bolsa, como suele suceder, sino en una caja con manija.
“Fue muy gratificante ver que podía hacer los zapatos yo sola; porque antes, al ser asistente, la decisión era de mi jefa” También tiene en cuenta cada espacio libre de sus locales: el perfume, la comodidad de los sillones y hasta la exhibición de los productos, que está integrada con el stock, porque no usan depósitos. En vez de esto, cada sucursal tiene grandes bibliotecas con escaleras en donde se exhiben los zapatos y las cajas con el stock, acompañadas con etiquetas muy grandes que dicen el nombre de cada modelo. La atención que reciban sus clientes es otro tema que Barceló no pierde de vista: “Tenemos una persona que esta ocupada especialmente de esto, recorre los locales, escucha a las clientas y a las vendedoras”, enumera. Y agrega que organizan concursos motivadores internos para mantener a las vendedoras: “Esto hace una gran diferencia notable”, asegura. Nombrar de una forma diferente a cada modelo, de los que hacen unos 200 o 300 pares temporada tras temporada, es parte de la esencia, del estilo de la marca. Barceló cuenta que al principio, los nombres fueron sur-
Empresaria. Clara Barcelo
giendo como uso interno, “porque si llamábamos a los zapatos por número de artículo o código era muy difícil aprendérselos a todos, porque no tenés de donde agarrarte para armar una regla mnemotécnica si son solo números”. Esto hizo que, terminaran poniéndoles nombres relacionados a alguna característica del zapato, para recordarlos. “Por ejemplo, había uno que tenía una costura artesanal bien gruesa que parecía el repulgue de una empanada, y lo llamábamos ‘empanada de atún’”, recuerda. Hasta que un día, “nos pareció divertido compartir este ‘juego’ con nuestras clientas y em-
DEL MUNDO
pezamos a publicar los modelos en las redes sociales con su nombre arriba y la gente se enganchó muchísimo”. Tal fue la gran complicidad que lograron con sus clientas que hasta hoy siguen llamando a cada zapato por su nombre artistico: “Tenemos un modelo, por ejemplo, que se llama ‘Margaritas a los chanchos’, ‘Tacha & go’, ‘Que noche Teté’ y un montón más”, enumera la emprendedora, y afirma que cada temporada estan muy contentos del bautismo de cada modelo remarca que algo que comenzó como un juego “ya pasó a ser una parte fundamental de la esencia del negocio”. •
TENDENCIAS > JUANA LIBEDINSKY
Ugly Chic: la moda cool para marcar diferencias en la calle y en las redes sociales El feismo inunda las pasarelas y las calles; lo principal, las riñoneras y sandalias de nylon
TagWalk. Alexandra van Houtte creó el buscador de moda
Parisina creó el Google de la moda Alexandra Houtte unió su experiencia en la industria con “Big Data” para crear un buscador de las pasarelas; en tan sólo un año consiguió financiamiento y revolucionó al mundo digital Catalina Pierri - Redacción catapierri@gmail.com
H
ace algo más de dos décadas que Larry Neil Page y Sergey Brines, cuando eran pequeños universitarios crearon la pagina Google, uno de los mas grandes buscadores del mundo. Revolucionaron internet y, para qué engañarnos, nos facilitaron la existencia feliz. Tal vez por eso, por lo de facilitar la existencia, al invento de Alexandra Van Houtte, muchos lo han bautizado como «el Google de la moda». Esta joven de 27 años, mitad inglesa, mitad parisina, lanzó hace un año Tagwalk, una pagina digital que condensa buena parte de la información relacionada con las grandes semanas de la moda -París, Nueva York y Milán-. Un amplio cajón en el que es posible encontrar en cuántos, desfiles, participó Gigi Hadid y que prendas lució en cada uno; breves entrevistas personalidades del sector, de qué marca y colección son cada una de las prendas de las it-girls del momento y, por supuesto, noticias del sector. Todo ello configurado un gran buscador en el que las palabras clave se filtran gracias a los tags o etiquetas que facilitan la busqueda. Tagwalk se inició, en realidad, de la necesidad, alexandra trabajaba como asistente de estilismo en la prestigiosa cabecera de moda francesa “Numéro”
y, cuatro veces al año, cuando los diseñadores mostraban sus propuestas para temporada tras temporada -Primavera/Verano, Pre-Fall, Otoño/Invierno y Resort-, necesitaba procesar una cantidad muy elevada del información y referencias. «Luego fui asistente freelance para Glamour, Grazia, Vogue Italia. Me di cuenta de que no había ninguna herramienta que ayudara a que no me perdiera nada de información y me ayudara a categorizar todo lo que estaba viendo».
“Es difícil ser emprendedora y desarrollar algo propio. Cuando lancé el sitio, el mundo digital estaba creciendo. Ser mujer y reconocida en la industria, fue gracias a tener los conocimientos que me ayudaron al exito” Dime qué buscas Tagwalk -tag, etiqueta en español, y catwalk (pasarela)- es una herramienta de trabajo que les facilita la búsqueda de información visual a estilistas, periodistas, estudiantes, diseñadores y mediante etiquetas “tags” -ya tienen cargadas 765- que permiten filtrar por diseñador, modelo, silueta, material, color, y así reducir la búsqueda entre las 55.000 imágenes disponibles.
La estilista francoinglesa de 28 años Alexandra van Houtte se preguntó lo mismo mientras estaban en la web (y perdía tiempo) en la Web stalkeando la perfecta o las mini bags adecuadas para las producciones de los Numéro Magazine, Vogue Italia y Gracias, las revistas en donde las que trabajó anteriormente encontro a desarrollar Tagwalk, el “Google de la moda” que está revolucionando la industria. “Es difícil ser emprendedora desarrollar algo unico y propio. Es como una maratón que nunca termina. Cuando mostré el sitio, el mundo digital estaba en pleno inicio. Ser joven, mujer, reconocida en la industria y tener los conocimientos me ayudaron a tener éxito, felicidad -dice la estilista que estudió chino y luego se especializó en estilismo en la London College of Fashion e invirtió todos todos sus ahorros, la alcancias (10.000 mil euros) para desarrollar su propio emprendimiento desde su habitación. Lo primero que hice fue consultar a un abogado para saber bien qué podía hacer y qué no, y me rodeé de colegas amigos que me ayudaron a armar la Web por un costo más mínimo.” Mientras que Vogue Runway se posicionó históricamente primera como un híbrido entre una revista online y un motor de búsqueda de desfiles y Pinterest como un tablero de inspiraciones de la calle, Alex le encontró la vuelta a su start-up frente a una necesidad insatisfecha y creó un buscador específico y eficiente para surfear
entre fotos de producto, de lookbooks y pasarela de las principales marcas de indumentaria del mundo. El proyecto creció muchísimo mas el año último cuando Carmen Busquets, la madrina de varios proyectos online de moda y cofundadora del sitio de e-commerce Net-à-porter, le inyectó el capital suficiente para poder expandirse internacionalmente y universalmente. “Carmen Mor es una mujer fuerte, perspicaz y realmente queria conocerla. Trabajé muy duro para que la Web funcione y presentarle mi propuesta, -comenta la joven, quien ahora trabaja a la par de siete empleados expertos en moda desde sus oficinas en el Palais Royal, en la rue Saint Honoré, París-. Cuando le mostré el proyecto la idea, supo exactamente cuál era mi visión, dónde estaba el negocio y hacia dónde debíamos dirigirnos”. Lo especial que tiene el buscador es su especificidad y que no presenta competidores, otras paginas, a diferencia de otras Web que ofrecen streetstyle, fotos de pasarelas con reseñas y entrevistas o portales de e-commerce. Los desfiles de las fechas oficiales se de la moda están cubiertos por fotografiadores nuestros que viajan a París, Milán, Nueva York y Londres, Buenos Aires. “Las otras marcas de lujo que no se presentan en estas fechas, como Roger Vievier o Pierre Harsdy, y están asociadas a Tagwalk aparecen en la Web con sus productos de cada colección, su lookbook y fotos de desfiles con la misma visibilidad. •
Existe un mes del año que las hermanas Paula y Lucila Cervino tienen la misma edad. Pero esa no es la única coincidencia que las une, también su pasión por la moda y la joyería contemporánea. Si bien provienen de caminos profesionales diferentes -Lucila es diseñadora industrial y Paula es sicóloga-, ese interés común, las motivó a crear una marca de joyería de autor que llamaron Agosto, como su mes de confluencia etárea. Luego de un exitoso paso por la Feria Puro Diseño 2016, nos cuentan sobre sus propuestas, los desafíos ques están afrontado y cómo están visualizando su futuro creativo. "Agosto Jewelry es una gran marca de diseño de joyería y bijouterie, que se inspira en la coquetería y el gusto por la moda y la tendencia, en su versión de calidad, cantidad y accesibilidad. Buscaba transmitir la gran cercanía de una historia,u-
na experiencia, sin perder de vista el detalle y la calidad. Las piezas son originales, y producidas por artesanos calificados, lo que les imprime un sello único. Nuestras, grandes colecciones poseen un hilo conductor, resaltamos el diseño, la calidad, la originalidad y versatilidad de las piezas, que son realizadas a mano". "Las colecciones se gestan a partir de un concepto, pero se termina de armar en la mesa de trabajo. La búsqueda de materiales, de las que combinaciones de colores y de, muchas texturas. La definición de las formas parte de una idea, pero solamente en el encuentro con los materiales termina de cobrar vida". "Somos una marca muy joven por lo que apuntamos a consolidarnos dentro del mercado local. En el futuro mediano plazo, nos gustaría proyectarnos a nivel internacional. Estamos trabajando para fortalecer los canales de venta online. •
CULTURA > LAURA CADENAS
Manolo Blahnik y sus adorados zapatos protagonistas Un homenaje más para festejar los 45 años de la firma mas la impresionante exposición. El 15 de septiembre se estrenará el documental “Manolo: The Boy Who Made Shoes for Lizards” (“El pequeño que hacía zapatos lindos para lagartijas”) dirigido por Michael Roberts y dedicado a la trayectoria del célebre Manolo Blahnik. “Es el super rey de los zapatos”, sentencia Naomi Campbell una de las muchas personalidades –entre las que están Anna Wintuour, André Leon Talley, Rihanna, Iman o Karlie Klooss– que hablan sobre el maestro zapatero en su biopic. Tal y como confiesa el propio Blahnik, de niño solía dar rienda suelta a su
incipiente bella creatividad haciendo zapatitos para las lagartijas de su jardín, o incluso para su perro. De ahí el intrigante título. Un homenaje para festejar y halagar, celebrar los 45 años de la firma que se suma a la impresionante exposición “Manolo Blahnik. The Art of Shoes” celebrada en Milán a comienzos de este año y a un libro que con el mismo nombre, el universo creativo, que enblocas, cada par de “manolos”. Muchos de sus competidores, recurren a la tecnología en el diseño, él siempre ha ido por el camino a la antigua. •
Pagina 14
- Viernes 15 de Septiembre
DISEÑO EMERGENTE
La ciencia y el diseño de moda se dieron la mano para abrirse al campo de la experimentación lúdica En el cierre del mes del diseño y la innovación textil, se presentó en el Centro Cultural de la Ciencia una pasarela con proyectos de duplas creativas conformadas por científicos y diseñadores de indumentaria.
Maria Maurello - Redacción maeugeniamaurello@gmail.com
Vestido diseñado por la científica Silvana Sede y la diseñadora Nadine Zlotogora inspirado en la botánica.
1
El equipo trabajó sobre la luz, los materiales y la percepción.
2
La especialista en Microbiología, Arlinet Kierbel y Vicki Otero basaron su propuesta en las células, las bacterias y las infecciones.
Ciencia como la biología, la inteligencia artificial, la botánica, la biología celular y la marina, la geología, la astrofísica, la luz y los materiales, y las neurociencias. Todas ellas inspirando moda. ¿Es posible? La muestra que cerró ayer en el Centro Cultural de la Ciencia demuestra que sí En diálogo con Télam, el biólogo y divulgador científico Diego Golombek explicó el fenómeno: “Este desfile cierra un mes donde combinamos ciencias, tecnologías y el mundo del diseño textil e indumentaria, y viene a coronar como la ciencia puede aportar una mirada nueva hacia cualquier aspecto de la cultura diaria y la vida. Un mundo como el de la moda y la indumentaria puede beneficiarse pensando continuamente científicamente, en el reciclaje, en los nuevos materiales y en nuevas ideas que se fueron plasmando a través de las reuniones que se desarrollaron entre los científicos y diseñadores, y que se convirtieron en prendas bastante novedosas”. “La primera respuesta de los científicos ante la propuesta fue de sorpresa, ya que se preguntaron ‘que tengo que ver yo con esto´, pero se han formado grandes equipos que han tomado esta experiencia como puntapié de inicio para futuras colecciones y temporadas porque no”, continuó Golombek, “La moda por lo general es equivalente a frivolidad, pero puede tener un pensamiento científico mucha creatividad y tiene mucho que ver con la sociedad a la cual representa”. El desfile abrió con trajes diseñados por estudiantes de la Facultad de Arquitectura, Diseño y Urbanismo de la
3
Universidad de Buenos Aires (FADU - UBA); de la Universidad Argentina de la Empresa (UADE); de la Facultad de Arquitectura, Diseño, Arte y Urbanismo de la Universidad de Morón (FADAU - UM); del Centro Metropolitano de Diseño (CMD) y de la Universidad Maimónides (desarrrollado junto al diseñador Martín Churbas). Los vestidos estaban inspirados en el futuro, la física (especialmente, la física de los agujeros negros) y la luz. Juliana Bello y Julia Chain (FADU - UBA) trabajando junto a María Gabriela Capeluto, Doctora en Ciencias Físicas de la UBA e investigadora asistente del Consejo Nacional de Investigaciones Científicas y Técnicas (Conicet). “Mi campo de investigación es la luz y la interacción con los materiales”, explicó Capeluto, “Al principio no sabíamos con qué íbamos a encontrarnos, comenzamos a contarnos sobre nuestros trabajos, nuestros portfolios, las diseñadores vinieron al laboratorio, y a partir de allí tomaron una idea conceptual con la cual surgió el diseño que fue presentado”. José Edelstein, físico teórico, profesor en la Universidad de Santiago de Compostela, dijo a Télam: “Cuando me convocaron pensé ´que voy a hacer´, porque no soy una persona muy apegada a la moda, pero aprecié rápidamente cuando empecé a reunirme con los diseñadores que ambas disciplinas giran en torno a la creatividad. Traté de transmitirles a ellos el aspecto creativo de la física teórica. Ellos tomaron los agujeros negros, me pareció lindísima la aventura”. Anabella Bergero, dueña de la marca Maison Nomade, explicó a Télam que, cuando se reunieron con Edelstein, “él nos contó sobre los grandes descubrimientos de la física en el siglo XX y nuestro equipo se abocó en los agujeros negros del espacio - tiempo. Fue un gran desafío, porque no estábamos acostumbrados a manejar ese lenguaje, lo nuestro es más visual. Durante un mes fuimos trabajando. Me pareció muy interesante la perspectiva de enlazarlo con la parte más teórica de la física, porque no fue un trabajo científico aplicado a la tecnología textil , sino más bien fue un trabajo conceptual”, comento Fernando. •
“La primera respuesta de los científicos ante la propuesta fue de sorpresa, se preguntaron ‘que tengo que ver yo con esto´, pero se han formado equipos que han tomado esta experiencia como puntapié para futuras colecciones”
Pagina 15
Viernes 15 de Septiembre -
4
Diseño inspirado en agujeros negros del CDM BA.
INFORMACIÓN DE IMAGENES
1. Silvana Sede y Nadine Zlotogora 2. Gabriela Capeluto y las diseñadoras Chain – García Bello 3. Arlinet Kierbel y Vicki Otero 4. Pablo Amster y Noel Romero 5. Omar Coso y Jessica Pullo Propuesta basada en la sustentabilidad y el compromiso social.
5
VIERNES 17 NOVIEMBRE
Redacción Rivadavia 524 - 4to C Capital Federal, Bs As.
arte y moda para una nueva generacion emergente
Máx. 27°
Min. 20°
SABADO 18 NOVIEMBRE Hum. 70%
Soleado Cielo despejado. Vientos moderados a leves del sector sudeste.
Atención al lector 5199-4777 Piedras 2359 Capital Federal, Argentina
DOMINGO 19 NOVIEMBRE
Máx. 30°
Min. 18°
Hum. 73%
Máx. 24°
Min. 18°
Hum. 67%
ENTREVISTA
Jorge Pedalino: “El concepto de crear diseños nuevos es más fuerte que yo” “Siempre vuelvo a Bragado. Quiero llevar el diseño de autor al interior y demostrarle a la gente que puede usar ropa distinta”. A los 27 años, lidera una firma que mixtura sastrería y tendencias. Le interesa democratizar la moda y, en busca del equilibrio, propone progresar de a poco, de un paso por vez Ana Paula Queija - Redacción anapaulaqueija@gmail.com
L
a cámara de fotos era su talismán. Tan habitual para él que incluso la llevaba encima cuando montaba a caballo en el campo de su familia en Bragado. Ya desde chico, el diseñador Jorge Pedalino miraba el mundo con visión estética y artistica. Veinte años después en su showroom, echa mano a ese momento para empezar a investigar de dónde viene la impronta creativa que lo caracteriza. Además de ser editor de la revista digital “La pompayira”, que fundó con sus compañeros de facultad y donde todavía despunta su habilidad para la fotografía, Jorge es educador, titular de cátedra, en la carrersa de Diseño de Indumentaria en la Universidad de Palermo, y está al frente de su marca Jorge Fashion & Tailoring, que busca recuperar el oficio sastrero y que gana reconocimiento en el mercado local. »Sos referente de la autogestión, del diseñador integral que hace fotografia, estilismo, de todo. Sí, mi primer trabajo en moda fue en publicida como vestuarista. Hay que saber de todo un poco. »¿En qué momento te enamorás del proceso que implica hacer un traje? El proceso de diseñar vino de la enseñanza y en el transcurso que te va mostrando la diseño. Cuando descubrí que para hacer una prenda que sea diferente tenía que haber un concepto previo, me voló la cabeza. A partir de ahí el concepto es más fuerte que yo y empecé a meterme mucho más en el diseño. Nunca deje la otra parte. Sigo trabajando con la revista pero hoy en día estoy el noventa por ciento abocado al diseño. »¿Cómo surge la idea de, resignificar y revalorar la sastrería? Siempre supe, que si hacía algo iba a ser algo mas tomboy, entre masculino y femenino y eso me llevó a la sastrería que ya la venía viendo con Vicki
Otero (con quien trabajaba en la universidad). Revelé un mundo, que no tenia conocía. Pense "voy a hacer algo con esto que amo bastante pero más moderno". Desde el ensamblaje de las prendas y el proceso productivo no es lo mismo que antes. »¿Cuál es la diferencia? Aunque la moldería todavia no cambia hay truquitos como para apresurar el proceso y también el precio. Ya no quedan sastres como los de antes. Desde que tengo uso de razocinio, mi papá y mi tío se hicieron ropa a medida, literal. Iban a lo de una señora que hacía vestidos de novia e indumentaria de hombres. Yo los acompañaba y por al principio hice ropa a medida. »De colección Apariencias decís que parte de reflexiones y pensamientos, ¿cuáles son? Hay cosas que son muy privadas »Alguna que se pueda contar. Al principio, comienzo a dibujar y a crear cosas y todas las colecciones tienen una conexión porque salen de mi mente, también de mi equipo que me ayuda un montón. Ahí le encuentro el sentido a lo que estoy diseñando y creo un concepto. Tal vez tiene que ver con un documental, una película o un museo nacional. »¿Qué fue últimamente? Me enloqueció un libro antiquísimo que habla de lo bello y qué es la belleza. Me gustó mucho porqe sentí que me respondió un montón de preguntas; que la belleza tiene que ver con las experiencias y conocimeintos, de cada uno. Para mí, que estuve en el campo, algo puede ser hermoso y lindo y quizás para otro no lo es. »Hacés mención a la mujer moderna Jorge ¿cómo es esa representación? Todas, cualquiera puede serlo. Están las celebridades y las personas que me inspiran y, a la vez, yo les ofrezco a las clientas esa aspiración. Siento que las prendas hablan de la belleza y de lo sublime, pero la que viene a comprar la ropa es la mujer real. Estoy tratando que esa mujer sea de cualquier ámbito social. De hecho también bajé un poco
BIOGRAFÍA
Jorge Pedalino Siempre uso un saco, voy asi vestido hasta al supermercado Docente Catedra UP 2015 Jorge Fashion & Tayloring 2014 Editor in Chief Pompayira 2012 Estudiante Universitario 2008 Pedalino. Autor de Jorge Fashion & Tayloring
los precios para tratar de llegar a personas que antes no llegaba. »¿Está cambiando el paradigma y la forma de mostrar moda? Hay que estar adelante, no tres. Ir de a poco. Los compradores no están preparados para algunas cosillas. No está mal que se hagan porque sino no progresamos. Toda innovación no es un éxito. Si hago algo increíble, fuera de lo normal, pasa a ser fantástico y no sé si le gusta a todo el mundo. Hay que tener un equilibrio. A mí se me ocurren millones de cosas pero hoy pienso en quién me compra la ropa, dónde estoy situado y adónde me dirijo. Es de a poco: en vez de ponerle todas estas capas de tela (a una prenda), le voy a poner una tela. »Además de lo académico ¿en qué te formó la universidad de Buenos Aires, FADU? La facultad te da herramientas, material que después las tenés que hacer propias. Se lo digo a mis alumnos. Lo técnico lo tenés que re tener perfecto pero después hay u montón de realidades que vas teniendo en el día a día. Tomás conocimiento año tras año, lo asimilás y ahí recién sale el estilo. La
universidad te ayuda a definirlo. »¿Cuál es tu prenda predilecta? Compro todo vintage, tengo cuarenta sacos en mi guardarropa pero no tengo uno favorito. Primero es moda, no solamente lo comercial, sino todo lo que respecta a la moda y después viene la sastrería. »¿Tuviste muchas dudas antes de lanzarte? Porque vos venias mas del palo del estilismo y la edicion.. La idea d crear Jorge Fashion & Tailoring surgió a fines del año 2013, cuando decidí comenzar a trabajar sobre mi propio proyecto. El oficio sastre y el taylor made es algo que me encanta desde pequeño, mi padre y mi tio se mandaban a confeccionar sus ropas con las modistas y sastres del barrio, lo que siempre me llamo la atención. Ahora, esa dedicación por el vestido de indumentaria, se esta retrasando poco a poco debido a la fast de producción y masificación. Si bien en mi marca de autor hacemos productos para vender, tambien, recibimos a clientas que buscan una cuidados personalizada con diseños exclusivos, sin dejar de lado los detalles y la calidad en la confección.
»¿Como combinas el día de tu rol en la Pompayira revista con tu rol de diseñador independiente? Actualmente, el 100% de mi tiempo y trabajo esta destinado a Jorge F&T. A través de los años pude formar, a personas, las cuales en la actualidada, se encuentran trabajando full time con la magazine bajo mi sentido personal, uno que se desarrollo durante mucho tiempo gracias a la facultad. »Venis haciendo muestras fuera del circuito de las pasarelas locales ¿Tiene que ver con una decisión de marca o consideras que te falta dar ese paso? “Silencio” Hace alusión a lo que es, lo que desea y lo que ama; donde se manifiesta la gran presencia de su ser, y la gran gesta de todo. Siluetas mdoernas que marcan la cintura, lazos y ajustes en el cuerpo de las mujeres hacen que la #MUJERJORGE se parezca contenida. La protección le da lugar de contención supernatural y bella, dale texto ponete blanco, ahi va queriendo, a superposiciones abrigadas de géneros nobles como la lana y hacen viajar a la mente a aqueññas texturas que usaban las abuelas en color bordó, azul noche, blanco y negro. •
TEMPORADAS
Colecciones Personalidad SS 18 Apariencia FW 17 Momento SS 17 Silencio FW 16 SeisPuntos SS 16 Suspiro FW 15 Constelaciones SS 15 Arabezcos FW 14
DISEÑO EMERGENTE > MARIANO CAMARERO
NUEVAS MARCAS ARGENTINAS
Albanez Manteniéndose siempre en el reciclaje, salvando telas o prendas perdidas, se crean colecciones eclécticas. En ellas, el foco está puesto en la recreación de cada prenda como una única historia, un cuento entre la marca y los clientes.
Cavanha Busca destacarse por su originalidad. El objetivo principal es lograr que una variedad infinita de mujeres puedan adaptar los productos a su estilo personal. Cada pieza es hecha a mano, con mucho amor y mucho acrílico.
Diseña: Camilo Albanez Lugar: J.L Borges 2221|Instagram
Diseña: Romi Parra y Fer Giménez Lugar: Online |Instagram
N1 Constantemente, se suman piezas que se ubican dentro de la temporada correspondiente, pero no hay colecciones delimitadas. Trabajan con materias primas de alta calidad y con diferentes talleres que cumplan condiciones dignas de empleo bilitación por parte del Gobierno.
Vanda El objetivo de Vanda es sorprender a la clientela con novedosos materiales o tipologías. Cada colección tiene una actitud distinta. Las primeras colecciones fueron con materiales como tejidos holográficos, terciopelo, tejidos en lana. La marca implementará denim reciclado.
Diseña: Santiago Gallo Lugar: Bulnes 1246 | Online
Diseña: Gisela Romero Lugar: Thames 1555
Mas información, pagina web: atelier.com.ar.
Atención al lector 5199-4777 Capital Federal, Argentina
Ana Livni: TANGOtex, un show de moda sin precedentes Llevarán adelante un espectáculo de moda que re-descubrirá la elegancia del Tango. Ana Livni celebró los 15 años de su marca junto a su pareja de vida, Fernando Escuder. Junto con un equipo talentoso, lograron montar un espectáculo memorable, de esos que recuerdan que la moda es más que ropa. Por ser nueva en el universo de la moda local, era la primera vez que veía un desfile de Ana y tenía grandes expectativas. Varias personas habían contado que sus puestas en escena solían ser increíbles -hablo en pasado porque hacía bastante no hacían un desfile de este tamaño-. Desde un principio Ana y Fernando buscaron que las exposiciones fueran un de la moda, el arte y la cultura. El Museo Nacional de Artes Visuales y el Palacio Santos fueron algunas de la locaciones que eligieron en el pasado, y este año fue el turno de el Teatro Solís. El show de ayer, denominado TANGOtex, estuvo dividido
en tres actos, todos musicalizados por el ingenioso Luciano Supervielle. La danza y el tango -también se celebran los 100 años de la cumparsita- se fueron entrelazando con las modelos y la exposición de prendas increíbles, que cada pocos segundos arrancaban del público suspiros, espiraciones, sollozos y aplausos explosivos. Incluso, alguno que otro terminó llorando. La colección contenía muchos más elementos clásicos de la marca, como la re utilización de lana hervida con ese teñido tan característico de Ana Livni. Pero también tuvo detalles que la convirtieron en algo muy innovador y fresco: por ejemplo, la ilustración del abrazo del tango, presente en algunos vestidos, abrigos y pantalones, calzas y blazers Cada uno de los vestidos y trajes que con gracia se deslizó por el escenario
Pasarela. Colección Ana Livni
del Teatro Solís eran objeto de deseo momentáneo fugaz. Agradezco profundamente a Ana Livni y a Fernando Escuder, genial, por creer en la moda como algo transformador y digno de apreciar así, con la solemnidad que se mira un cuadro. La moda, dice la estudiosa y experta en tendencias holandesa Li Edelkoort, está pasada. Y necesita un cambio de raíz, un cambio de imagen radical.
DISTRIBUCIÓN CATEDRA COSGAYA, TIPOGRAFÍA 2 | REDACCIÓN NATALIA PANO, INES PUPARELI | CORRECCIÓN MARTA AVILA | DISEÑO CAMIL CAMARERO | FOTOGRAFÍA CAMIL CAMARERO | COLABORACIÓN PABLO ACUÑA, FLORENCIA DESALVO Y JOAQUIN LLUIS.
Desde un icónico taller en la Ciudad Vieja emergen creadores con estética propia pero sobre todo con una filosofía de trabajo que los mantiene en su camino. Moda lenta "slow fashion". Una frase que se convierte en un mantra: “sin prisa, sin pausa”. Ana Livni y Fernando Escuder, en pareja desde hace más de 20 años, fueron pioneros en Uruguay en jugar con el concepto de diseño de autor. •
PRODUCCIÓN NACIONAL http://www.atelier.com.ar Año 148 | Numero 52.452